Художественная фотография как вид искусства

Х УД О Ж Е С Т В Е Н Н А Я Ф О ТО Г РА Ф И Я
К А К В И Д И С К У С СТ ВА
Художественная фотография как вид искусства
Современную фотографию легко можно отнести к одному из виду искусств. Фотограф сейчас способен
вытворять самые разные вещи. А после обработки в «Фотошопе» снимок преображается ещё больше.
Самые известные фотографы регулярно проводят выставки, где на их кадры любуются простые люди. Не
это ли позволяет сравнивать фотографию с живописью?
История возникновения и жанры художественной фотографии
Фотография зародилась в середине XIX века. Но те снимки язык не поворачивается назвать
художественными. Первыми фотографами запечатлевались портреты, так как именно их съемка
приносила основной доход. Пейзажи не фотографировались хотя бы из-за низкой детализации конечного
снимка.
Для съемки портретов требовалась длительная экспозиция. Ни о каких украшениях снимка не было и
речи. Фотографию тех времен невозможно назвать ни художественной, ни документальной. К первому
типу её нельзя отнести из-за своей простоты. Второй же тип включает в себя кадры, запечатлевающие
тот или иной процесс: выступление политика, военные действия или строительство важного
архитектурного объекта. Заниматься съемкой всего этого в XIX веке не позволяла техника.
Для фотосъемки в те далекие времена использовалась камера-обскура. На неё накладывали тот или
иной материал с нанесенным на него светочувствительным слоем. До открытия специальной эмульсии
данному материалу требовались минуты и даже часы экспозиции. Именно поэтому документалистикой
заниматься было невозможно. Этому мешали и крупные габариты камеры-обскуры, не позволявшие
брать её с собой куда угодно.
К концу XIX века техника стала более совершенной. Размеры фотоаппарата пока ещё не уменьшились, но время
экспозиции существенно сократилось. Теперь для получения четкого снимка требовались десятки секунд или
несколько минут. В этот момент стала широко практиковаться съемка городских пейзажей. А это уже смело можно
называть художественной фотографией.
Все мы хоть раз держали в руках открытки с красивыми видами своего города. Первые такие открытки появились
как раз в 1890-ых годах. Фотографы для получения снимков ездили по разным точкам города на лошади с телегой,
где лежала камера-обскура или уже более совершенный фотоаппарат. Что у них получалось в итоге — все мы
прекрасно знаем. Это черно-белые фотографии, которые затем массово тиражировались в виде открыток. В
типографии на такие снимки наносился текст, в котором указывалось название достопримечательности.
Художественная обработка фото Толчок к развитию особенностей художественной фотографии придало появление рекламы. Объясняется всё очень
просто. Рекламодателю необходимо подать свой товар или услугу максимально ярко и красиво. От фотографов требовались все их умения.
Регулярно стали использоваться цветные светофильтры (это сейчас окрасить снимок можно при помощи «Фотошопа»). Реклама творит настоящие
чудеса. Достаточно быстро художественная фотография стала радовать глаз примерно так же, как и изобразительное искусство. Постепенно
фотографы стали применять свои знания и при создании портретов. В тех же фотоателье за дополнительную плату стало возможно нанесение на
снимок различных спецэффектов. От стандартной золотистой надписи с указанием города и года до звездочек на фоне. Художественная фотография
сильнее всего развивалась посредством студийной съемки. В помещении фотографы могли экспериментировать со светом и фоном, тогда как дома
и на улице с этим возникали проблемы. Активнее всего студийные виды художественной фотографии развивали разные американские и европейские
журналы. Playboy экспериментировал с обнаженной натурой. Остальные же приглашали на фотосессию звезд кино и музыки, снимая их в необычных
ракурсах и в не самом стандартном наряде.
Современная художественная фотография Современная художественная фотография продолжает развиваться. Теперь фотографы стали умнее, они
знают множество правил съемки. Пейзажи почти никогда не запечатлеваются днём, так как красивее всего они выглядят на восходе и закате солнца.
Только в таких условиях снимок получается красивым, после чего его смело можно назвать художественным. По поводу съемки портретов тоже
существует множество правил. Они в первую очередь касаются выбора объектива для того или иного портрета. Чаще всего художественные
фотографии получаются в студиях, так как на улице снять запоминающийся портрет гораздо сложнее. Но случаются и исключения. Всё зависит от
места съемки и погодных условий. Все из нас знакомы со свадебной фотосъемкой. Данный процесс тоже позволяет получить
художественные снимки. Этому способствуют разнообразные сверхширокоугольные объективы и оптика с длинным фокусным расстоянием.
Выразительные средства фотографии
КОМПОЗИЦИЯ
Композиция — это объединение отдельных элементов в единое художественное целое, Фотографическая композиция является одновременно
отражением реальной действительности, не созданной воображением художника, и внутреннего отношения к ней автора, его философского,
эстетического и этического осмысления окружающего мира. В построении композиции фотограф опирается на объективно заданные формы и
придает им посредством использования ряда выразительных средств определенную смысловую окраску.
СЮЖЕТНО-КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР
Точное и выразительное построение рисунка изображения, создание акцента на главном объекте, исключение из рисунка снимка всего лишнего и
др.— эти закономерности лежат в основе построения фотоизображения и объединяются общим понятием композиция кадра. Основой
конструкции фотоснимка должен служить четко выделенный сюжетно- композиционный центр. Поэтому фотограф для воплощения своего
творческого замысла должен найти детали или объекты, с наибольшей силой характеризующие отображаемое явление, и именно они должны
образовать идейно-композиционный центр, акцент на котором может быть сделан любыми выразительными средствами. Остальные элементы,
занимающие периферийное положение и создающие окружающую среду, способствуют усилению звучания главной идеи фотоснимка.
Необходимо помнить, что в любом художественном произведении каждая, на первый взгляд незначительная, деталь имеет свою эстетически
завершенную форму. Фотограф должен выбрать такую комбинацию предметов или объектов съемки, при которой была бы не только соблюдена
иерархия главных и второстепенных элементов, но и подчеркивалась бы эстетическая значимость тех и других.
ГАРМОНИЯ И СРЕДСТВА ЕЕ ДОСТИЖЕНИЯ
Одним из требований фотокомпозиции является гармония. Это может быть гармония горизонтальных и
вертикальных линий, дополняющих друг друга, гармония красок, света и тени и т. д. Гармоническое единство
отдельных элементов невозможно без уравновешенности, без дополнения их друг другом. Например, композицию,
построенную на одних горизонталях, во избежание однообразия рекомендуют оживить каким-либо вертикальным
акцентом или усложнить диагональными линиями. Равновесие также может быть достигнуто в результате
симметричного построения фотоснимка; в случае асимметрии нельзя перегружать правый нижний угол по
сравнению с левым; сильно перегруженная верхняя часть также создает впечатление композиционной
неуравновешенности. Симметричные и асимметричные композиции могут создаваться при любых видах съемки, и
будут зависеть в первую очередь от замысла фотографа, а затем от выбранной им точки зрения.
Гармония линий
Очень мощным средством построения композиции в фотографии являются линии. С их помощью можно усилить
акцент на смысловом центре, создать глубину, «разбивая» кадр на области – передний, средний и дальний планы.
От фокусного расстояния зависит характер линий – широкоугольный объектив отлично справляется с
горизонтальными линиями и диагоналями, телеобъектив же предпочтительней использовать при наличии
вертикальных линий.
Золотое сечение
Это принцип деления непрерывной величины на две части в таком отношении, при котором
меньшая часть так относится к большей, как большая ко всей величине. Запутано и сложно?
Еще бы, ведь в какой-то степени, золотое сечение можно считать первоосновой, неким
«столпом» правил композиции, так как существует множество вариаций на тему «золотого
сечения». И почти все приемы, описанные выше, можно отнести к его производным. Впервые
принцип «золотого сечения» был использован Леонардо да Винчи в его картинах. Затем
многие художники использовали пропорции «золотого сечения», начиная с эпохи
Возрождения. Используется это правило и сейчас. Примером использования правила
«золотого сечения» в фотографии может быть расположение основных компонентов кадра в
особых точках — «смысловых центрах». Считается, что объекты, расположенные по правилу
«золотого сечения», воспринимаются человеком, как наиболее гармоничные. Базовый и
наиболее часто используемый принцип – четыре точки, расположенные на расстоянии 3/8 и
5/8 от соответствующих краёв плоскости и есть смысловые центры.
ПОНЯТИЯ ДВИЖЕНИЯ И РИТМА
Композиция может быть построена лишь на передней плоскости фотоснимка, а может быть
и многоплановой. Плоскостные композиции, как правило, замкнуты и статичны, их
пространство сильно ограничено. Впечатление динамизма чаще передают незамкнутые
композиции. При этом необходимо выделить главную линию движения так, чтобы зритель
ощущал и видел движение в прошлом (движение, происходившее до момента съемки), в
настоящем (движение, запечатленное в кадре) и в будущем (движение, которое должно
продолжаться после щелчка затвора). Кроме того, впечатление движения возникает при
оптической нерезкости быстро движущегося объекта на резко снятом фоне окружающей
обстановки. Иллюзия быстрого движения объекта достигается также тогда, когда он спят
резко на нерезком, как бы размытом фоне. Возможно сочетание этих двух приемов, когда
сам объект и фон несколько смазаны. Ощущение движения может возникать при
определенном расположении предметов, цветовых, световых пятен и т. д., Понятие
движения в фотографии связано с понятием ритма. Ритм, наряду с другими
композиционными принципами, организовывает пространство, подчиняя его строгой
логической системе. Ритмический ряд может основываться как на повторении или
чередовании соразмерных элементов композиции, так и на использовании таких свойств
предметов, как форма, объем, цвет, фактура и т. д.
КОНТРАСТЫ И АНАЛОГИИ
Одной из основ композиционного построения является контраст. Контраст усиливает эмоциональное
звучание фотоснимка, делает его более выразительным. Он может быть построен на соотношениях
черного и белого или других цветов, на противопоставлении изломанных линий мягким очертаниям,
симметрии и асимметрии, статики и динамики и др. Противоположным контрасту выразительным
приемом является аналогия, основанная на метрическом чередовании одинаковых элементов.
Существует огромное множество вариантов использования и сочетания этих двух принципов, и в
художественной фотографии они, как правило, дополняют друг друга. Один из них несет на себе
главную эстетическую и этическую нагрузку, а другой должен дополнить, сделать более ясным
контекст фотоснимка. Так, например, цветовой контраст может быть усилен аналогией форм,
окрашенных в контрастные цвета.
Если на фотографии есть какая-нибудь повторяющаяся структура или цепочка похожих объектов
(ритм), можно для создания акцента расположить главный объект либо в конце такой цепочки, либо
посередине.
МАСШТАБНОСТЬ И ПЕРСПЕКТИВА
Понятие масштаба и масштабности также относится к выразительным средствам фотографии. Соблюдение масштаба необходимо для того, чтобы зритель мог
реально воспринимать величину изображаемого объекта, для чего обычно вводят в композицию хорошо знакомые предметы для сопоставления их с главным
объектом съемки. Понятие масштабности как элемента художественного осмысления связывается с понятием монументальности. Чтобы подчеркнуть
масштабность, значительность, монументальность снимаемого объекта, можно применять множество различных композиционных и выразительных средств —
контраст, определенное освещение, цвет, ритм и т. д., учитывая при этом законы зрительского восприятия. Так, например, светлое пятно всегда кажется больше,
чем равное ему по площади темное. Объект съемки, расположенный на маленькой площади, среди меньших по размеру предметов будет казаться
значительнее, чем в окружении более крупных элементов композиции. Масштаб предметов находится в полной зависимости от перспективы. Размеры,
очертания, форма, окраска меняются по мере изменения положения в пространстве относительно глаза наблюдающего человека. Уменьшение масштабов
изображаемых предметов будет пропорционально их отдаленности от фотоаппарата. Этим свойством характеризуется прямая или линейная перспектива. При
такой перспективе обнаруживается стремление параллельных линий, уходящих вдаль, сойтись в одной точке, а грани предметов, совпадающие с лучом зрения
глаза, кажутся короче, чем в действительности. Относительно расстояния между объектом и фотоаппаратом изменяются цвета и тона. Таким образом, толщина
воздушного слоя обусловливает тональную перспективу, при которой четкость и ясность очертаний исчезают по мере удаления от глаза наблюдающего,
уменьшается насыщенность цвета, т. е., в отдалении цвет теряет свою яркость, контрасты светотени смягчаются, глубина кажется более светлой, чем передний
план, Линейная и тональная перспективы существуют в природе и запечатлеваются объективом независимо от воли фотографа, Однако фотограф имеет
возможность более четко выявить перспективу на снимке. Так, например, используя короткофокусный объектив, можно значительно расширить пространство, а
следовательно, увеличить перспективу, и, наоборот, длиннофокусный объектив ограничит рамки изображения, как бы сожмет, сократит перспективу. Линейная
перспектива значительно увеличивается, если на фотоснимке показать точку схода линий, уходящих вдаль. Иллюзию большей глубины пространства можно
достичь с помощью разработки тональной перспективы, искусственно создавая воздушную дымку и нечеткие очертания предметов вдали, Расположение
предметов на фотоснимке, при котором один предмет частично закрывает другой, также создает впечатление пространственной глубины. Такой же эффект
достигается в том случае, если объект снят резко, а фон расплывчато. Перспектива в фотографии — важная эстетическая категория, так как от нее зависит
глубина изображаемого пространства.
ДОМАШНЕЕ
ЗАДАНИЕ:
Сделать фотографию с
использованием правила
«Золотое Сечение»

Советы по художественной фотографии | Мир глазами фотографа

Что такое изобразительное искусство фотографии? Возможно, вы не знакомы с этой концепцией или не имеете четкого представления о том, что она включает в себя, поэтому мы подробно рассмотрим ее в этой статье.  Кроме того, мы поделимся рядом советов, на которые вы можете положиться, если вы заинтересованы в развитии этого художественного направления. Продолжайте читать, чтобы узнать больше!

Что вы найдете в этой статье:

• Что такое художественная фотография?
• Виды изобразительной художественной фотографии
• Советы по изобразительному искусству фотографии

Что такое художественная фотография?

Художественная фотография — это область, в которой приоритет отдается творческому видению и самовыражению художника. В нем нет ни коммерческих, ни документальных элементов.

Основная цель художественной фотографии — выразить определенное сообщение, идею или чувство, которые есть у фотографа. Это также известно как художественная фотография или фотоискусство.

Некоторые современные критики говорят, что фотография, в целом, не является “настоящим искусством” или что цифровые технологии и их доступность снизили ее значимость. Тем не менее, это только одно мнение из многих, и мы с ним не согласны.  Все искусство субъективно, поэтому нет универсального способа его восприятия.

Художественная фотография — это один из многих видов фотографии, таких как фотография моды или дикой природы, а также заслуживающая доверия художественная и творческая практика.

Виды изобразительной художественной фотографии

• Фотография натюрморта

Натюрморт раньше был одним из самых распространенных жанров в изобразительном искусстве, но он существует и в фотографии. Его главной особенностью является изображение неодушевленных предметов, таких как растения, керамика, одежда, предметы быта. Но вам не нужно ограничивать себя этими конкретными вариантами. Вы можете создавать натюрморты с любым объектом, который вы считаете привлекательным и достойным творческого исследования.

• Фотография с длительной экспозицией

Для этого типа фотографий используется нетипично низкая выдержка, в отличие от средней, равной 1/60. Как правило, это сознательный выбор, сделанный фотографами, желающими сделать определенный снимок.  Что также интересно, так это то, что нет определенной скорости, которая делает съемку с длительной экспозицией, так что вам решать экспериментировать и находить настройки, которые работают для вас в зависимости от различных обстоятельств.

• Силуэтная портретная фотография

Силуэтная портретная фотография — это когда источник света находится позади объекта съемки, а не спереди. Это особенно творческое занятие, но оно также требует специальных технических знаний и навыков. Чтобы это сработало, вам нужно попробовать разные варианты освещения и попрактиковаться в настройке вашего оборудования на эти необычные настройки.

• Изобразительное искусство пейзажной фотографии

Это просто, не так ли? Пейзажная фотография в стиле изобразительного искусства — это выражение вашего уникального художественного видения через запечатление окружающего вас пейзажа. Это более реалистично, чем другие художественные фотографии, и в нем даже есть некоторые документальные особенности.  Тем не менее, это зависит от вашей идеи и способа ее воплощения.

Советы по изобразительному искусству фотографии

1. Создайте подробную концепцию

Этот совет актуален для любой творческой практики, но когда дело доходит до художественной фотографии, это, несомненно, один из ключевых факторов успеха. Нет реального процесса для съемки или коммерческой цели для достижения. Все ваше внимание посвящено выражению эмоций или передаче сообщения, которое вы имеете в виду, и воплощению вашего видения в жизнь. Чем более детализирована ваша концепция, тем лучше.

2. Используйте профессиональное оборудование

Это ничего не гарантирует, но позволяет вам чувствовать себя намного увереннее и сосредоточиться на творческом процессе. Художественная фотография может быть сложной и требовательной, поэтому доступ к высококачественным инструментам может очень помочь. С другой стороны, это гораздо более гибкий подход, и вы получаете возможность следовать своему инстинкту, а не строгим правилам.

3. Выберите уникальное местоположение

Окружающая среда снимка может как сделать его, так и нарушить его. И важно сделать этот выбор очень тщательно, принимая во внимание вашу ключевую идею и общее видение. Если ваш объект довольно сложный, и вы хотите обратить внимание на детали, возможно, лучше использовать простой фон. Однако, если вы заинтересованы в том, чтобы показать что-то в большем масштабе, конкретное местоположение, которое усиливает ваше видение, может изменить правила игры.

4. Найдите выразительные модели

Идеи художественной фотографии часто предполагают демонстрацию сложных эмоций или открытость и смелость. Это задача не для всех, поэтому убедитесь, что вы выделяете достаточно ресурсов на кастинг, и сделайте выбор, который соответствует вашему проекту художественной фотографии. Подумайте о найме профессиональных актеров или исполнителей вместо моделей. Их навыки и опыт на сцене или перед камерой могут быть чрезвычайно полезными.

5. Откройтесь и будьте личными

Ничто не вызывает большего отклика, чем личные истории.  Но с ними также особенно сложно работать. Если вы чувствуете, что готовы исследовать личный опыт, рассмотрите этот вариант. «Если у вас есть смелость раскрыть личные проблемы в своей работе, это может привести к созданию мощного искусства». Надеюсь, вы сможете найти вдохновение в этих словах. 

6. Упрощайте все, что можете

Участие в беседах об изобразительном искусстве или обсуждении сложных предварительных приготовлений может быть непростым. И пришло время дать потенциально один из самых неожиданных советов по художественной фотографии – максимально упрощайте на каждом этапе. Если у вас нет профессиональной камеры – одолжите ее или даже используйте свой телефон. Если вы не можете позволить себе определенное место для съемки — используйте белый фон. Если вы понятия не имеете, как найти профессиональную модель – начните с автопортретов. Ваш творческий путь совершенно уникален, поэтому вы можете сделать свой собственный выбор на этом пути!

7. Используйте как цифровые, так и пленочные устройства

Художественная фотография — это область, которая предоставляет массу экспериментов и возможностей.  Все сводится к вашей готовности дать шанс чему-то новому. Если вы всегда снимали на пленку, для разнообразия перейдите на цифровую или наоборот. Поначалу это может сбивать с толку и раздражать, но результат может приятно удивить и даже впечатлить вас.

С каких это пор фотография признана видом искусства?

Фотография была впервые признана в журналах и периодических изданиях как творческая визуальная форма выражения в США в конце 19 века.

Это средство, которое было новым и очень современным в то время, было подхвачено фотографами и превратилось в новую форму искусства. Американские фотографы Альфред Стиглиц (1864–1946) и Эдвард Стайхен (1879–1973) сегодня считаются первооткрывателями, которые сделали фотографию фотографическим искусством в музеях и галереях и, следовательно, признанной формой искусства. Например, в 1905 Альфред Стиглиц основал в Нью-Йорке галерею «291», в которой экспонировались исключительно авангардные произведения искусства в виде фотографий, картин и скульптур.

С акцентом на все современное, после 1920 года дух времени превратился в четко воспроизведенные изображения. Например, мрачный период картин и размытых изображений с начала фотографии остался позади, и тенденция повернулась к пейзажной фотографии (например, Эдварда Вестена, Анселя Адамса и т. Д.). Такие формы искусства, как кубизм, сильно повлияли на фотографию и были продолжены такими людьми, как Бернд и Хилла Бехер.

В начале 20-х годов фотография впервые утвердилась в периодических изданиях и журналах. Все узнают образ фотографов, стоявших за большими и тяжелыми камерами, испускающими вспышки пороха. С появлением формата 35 мм фотография стала значительно более мобильной.

Фотография перешла из студий фотографов-портретистов в природу, превратившись в пейзажную и архитектурную фотографию. Однако гораздо большими областями применения в то время были фэшн-фотография и фотожурналистика.

Зрители фотографий увидели эти новые, резкие и объективные отражения действительности как приятную форму документирования в журналах и периодических изданиях.

Фотография использовалась некоторыми фотографами не только для репортажей и документирования, но и для других целей. Его все больше и больше понимали как визуальный инструмент для выражения.

Тем не менее, фотографии потребовалось несколько десятилетий, чтобы получить заслуженное признание как вид искусства.

С 1930 года, после изучения живописи, французский пионер Анри Картье-Берссон посвятил себя фотографии. Как было принято в то время, он начал свою карьеру с сообщений о многочисленных путешествиях.

Как и многие фотографы, он сосредоточился на максимально идеальной композиции изображения. Известно, что Cartier-Bersson всегда пользовался преимуществами полного негативного формата и маргинализировал связанную с этим потерю качества. Его камера Leica всегда использовалась со стандартным объективом 50 мм.

В 1947 году Картье-Берссон подарил Музею современного искусства в Нью-Йорке большую ретроспективу, над которой работал сам.

Не только эту веху в фотографии можно считать искусством.

Современная эпоха значительно повышает ценность фотографий того времени. Хорошо заархивированные негативы предыдущих мастеров-фотографов недоступны для общественности, а те немногие работы на рынке редки и чрезвычайно дороги.

При всех возможностях современной цифровой фотографии, включая цифровую обработку изображений, существует гораздо больше возможностей для творческой деятельности в области фотографии.

Одно только слово «искусство» сегодня дает фотографам столько возможностей, сколько им нужно. Если мы посмотрим, например, на всемирно известную Дюссельдорфскую школу фотографии, то увидим, что новая объективность, сформированная Бехером, может быть усилена современным искусством цифровой обработки изображений.

Тем не менее, главный вопрос в том, что разрешено, а что нет. Традиционалисты видят опасность в цифровой обработке идеально созданных ремесленных произведений искусства, по крайней мере, в той мере, в какой это выходит за рамки развития цифровых изображений. Сегодняшние авангардисты работают без ограничений и объединяют все творческие и технические возможности фотографии, которые доступны для их работы, часто получая результаты, которые не имеют ничего или не так много общего с объективностью или реальностью.

Многие зрители современного фотоискусства просто говорят: «Я бы так и сделал!» С объективной точки зрения это очень расплывчатое утверждение. Сегодня, поскольку для создания изображения не требуются ручные навыки, любой может создать произведение искусства.

Где сейчас ключ к успеху? Истинное искусство — это то, что убеждает публику в том, что изображение — это произведение искусства. В связи с этим, просто быть обученным фотографом не является гарантией успеха; для этого нужна сеть на арт-сцене и кураторы, которые могут назвать художника «художником» и определить ценность его работы. Конечно, это также определяет спрос.

Вкратце: С начала 19 ^-го -го века фотография превратилась в признанную форму искусства. Исходя из этого, фраза «искусство исходит из способностей» имеет первостепенное значение при размышлении о том, что в нем содержится.

 

 

В галерею

 

Фотография как вид искусства мертва

Смелое заявление, я знаю. Но позвольте мне рассказать вам, как я добился этого, прежде чем вы решите не согласиться.

На тот момент фотография имела долгую историю, и мы могли бы подробно рассказать обо всех процессах и результатах дагерротипа, влажной пластины, сухой пластины и т. д., но это урок истории в другой раз. Однако я был бы упущен (и, скорее всего, подвергнут критике), если бы, по крайней мере, не признал упомянутую эпоху и развитие фотографического процесса. Да, были фотографы и до цветной пленки. Да, работали разными методами. И да, их стоит посмотреть и изучить. Но давайте сравним яблоки с яблоками здесь. Черно-белый вариант теперь доступен для фотографов, а не единственный доступный вариант, как это было в течение многих лет. Необходимое различие при сравнении аналоговой и цифровой фотографии. Чтобы понять, как я пришел к этому противоречивому выводу, мы должны перейти к тому времени, когда цветная фотография стала мейнстримом. Итак, мы должны начать с того, что на сцену вышла Kodachrome.

 В 1936 году компания Eastman Kodak выпустила в массы свою трехцветную пленку. Решающий момент, который сделал цветную фотографию доступной для каждой мамы, папы и ребенка во всем мире. Когда дело дошло до художников, фотография на цветную пленку использовалась так, как мы теперь считаем само собой разумеющимся. Каждый щелчок затвора был выбором, который имел свою цену, «решающий момент», как сказал бы Барт. Но каждый был доступен всем.

Еще раз забегая вперед, с изобретением и распространением цифровой фотографии все изменилось. Но то, что изменилось, было больше, чем просто переход от аналогового. Что изменилось, так это то, как мы видим и используем фотографию. Решающего момента не было; теперь фотографировать можно было как должное.

Он развился до такой степени, что теперь мы все фотографы. Итак, напрашивается вопрос: если каждый может быть фотографом и является им, что определяет среду фотографии как форму искусства? Что отличает художника от остальных? Можно ли считать фотографию искусством? Вот где это действительно начинается.

Немного о себе, я изучал фотографию как в аналоговом, так и в цифровом виде. Я хорошо ориентируюсь в темной комнате и чувствую себя так же комфортно, редактируя фотографии в фотошопе. Актуально, если вы начали думать, что эта статья похожа на разжигание ненависти к цифровой фотографии. Я не сижу на какой-то высокой лошади из прошлого, глядя вниз на своего ленивого мальчика, кричащего: «Вы чертовы дети!» Вместо этого я просто предполагаю, что речь идет о выборе средства; насколько я вижу, есть две среды. Цифровой и Аналоговый.

Цифровой может быть везде, уточнять в момент захвата, манипулировать в реальном времени и редактировать вживую. Это скорость. Это точность. Это свет. Это будущее. В аналоге есть романтика и ностальгия, где требуется уверенность перед кликом. Это терпение, понимание, самоотверженность и класс. Разделение необходимо еще раз, чтобы оценить каждого таким, какой он есть. Если мы объединим их, мы потеряем то, что наиболее ценно для каждого из них, что определяет каждого из них и что делает их великими как самостоятельные сущности. Это выбор, а не определение; оба могут быть отличными, оба могут быть дерьмом.

Итак, что же определяет фотографию как вид искусства? Я, как фотограф и ценитель, много лет боролся с этим вопросом. И то, к чему это сводится, по сути, и есть ремесло. Создание, неутомимая и кропотливая преданность работе, кропотливые доработки и решения, чтобы соответствовать образу в вашей голове. Это ремесло, но где оно? Давно не видел на фото. (Почетное упоминание графическим дизайнерам и иллюстраторам за то, что они исправили слабину)

Циник во мне говорит, что его больше нет. Слишком доступны и доступны каждому вещи, которые нет необходимости мастерить.