Фон для поп арта: %d0%bf%d0%be%d0%bf %d0%b0%d1%80%d1%82 фон, 237 Фоновые векторы и PSD-файлы для бесплатной загрузки

Содержание

Фотообои Поп-арт фон №26988. Каталог: Поп-арт

Большое спасибо за красивые обои!Я очень доволен, все подошло идеально к моему интерьеру. Были сомнения по качеству обоев и цветовой гамме,но благодаря менеджеру Анне,которая вежливо ответила на все интересующие мои вопросы, у меня пропали все сомнения и я сделал заказ которому очень доволен.Обои хорошего качества, краски яркие, рисунок по стыкам совпадает и шва практически не видно,клеятся очень легко и при протирки выдавливаемого клея на стыках краска не размазывается.С доставкой проблем не было,пришли через 3 дня как и обещали, особенно поразила упаковка, плотный тубус. Рекомендую всем, все честно и оправдано. Спасибо интернет-магазину и всем сотрудникам, благодаря которым я имею возможность любоваться на утренний Нью-Йорк.

Дизайн интерьера в стиле поп-арт

С середины прошлого века не теряет популярности красочный поп-арт. Броские постеры, сочные краски, нестандартные сочетания размеров, фактур и материалов – этот экспрессивный стиль подходит креативным людям, молодым и жизнерадостным. Главная изюминка поп-арта – нестандартный взгляд на заурядные вещи. Любой предмет становится настоящим произведением искусства.

Потолок.

Поп-арт потолок – глянцевый. Он может быть нейтрального цвета, а может акцентировать внимание на себе. Часто в поп-арт интерьерах потолки – подвесные: в них удобно встраивать дополнительные светильники. Кроме того, можно сделать натяжной потолок, или просто покрасить имеющийся.

 

Стены.

Естественный вариант – покраска стен в белый цвет. Такой фон легко освежить яркими граффити. А можно сделать стены совершенно разными – покрасить в пестрые цвета, наклеить обои, отделать декоративной штукатуркой. Рисунки на стенах также отлично подходят для этого стиля: стоит выбрать разноцветные полосы, горошек, геометрические фигуры.

Пол.

Стильный пол тоже может быть белым. Он не должен отвлекать внимание от интерьера. Подойдет ламинат, ковролин. Украсить светлый пол помогут ковры: натуральные и искусственные. Имитация шкур зебры или тигра станет дополнительным акцентом.

Окна и двери.

Окна в ярком стиле не должны быть скучными. Не стоит бояться экспериментов: окна можно украсить необычными неоновыми занавесками. Подойдут и жалюзи – возможно использование ярких принтов или даже сюжетов из комиксов! Отлично впишутся в поп-интерьер «кислотные» шторы. Выбрав этот стиль, лучше отказаться от дверей. Они должны быть только там, где без них не обойтись. Лучше выбрать двери-невидимки: в один уровень со стенами, без декоративных элементов. Популярен и декор дверей стилизованными снимками, плакатами.

Мебель.

Мебель в радужном стиле — эффектная и красочная, необычной формы. Предпочтительные материалы – дерево, пластик, стекло. Яркие стулья, дизайнерские столики и диваны. Не нужно бояться странных силуэтов и неоновых цветов. Стоит обратить внимание на то, что для этого стиля характерно полное отсутствие сервантов, шкафов. Для хранения вещей в интерьере необходимы полки и ниши.

Аксессуары и декор.

Раскрыть стиль поп-арт помогут необычные скульптуры, картины. На полках можно расставить книги, главное условие – они должны быть в цветных обложках. Разнообразят интерьер ретро-журналы, яркие вазы. Реализовать стиль поп-арт помогут пледы и подушки «кислотной» палитры.

Яркий и нестандартный, стиль поп-арт подойдет жизнерадостным натурам, любящим жить в быстром ритме, заглядывать на вечеринки. Оценят его и поклонники всего эксклюзивного.

«Бэтмен», «Вавилон», «Аватар 2». Какие фильмы посмотреть в 2022 году?

От психологического триллера с Гарри Стайлсом и Флоренс Пью в главных ролях до Роберта Паттинсона в роли Бэтмена и сиквелов «Аватара» и «Достать ножи». Критики BBC составили список самых ожидаемых кинокартин 2022 года.  

«Бэтмен»  

Роберт Паттинсон примерит на себя роль летучей мыши в этой последней части фильма. Это не просто Бэтмен, это тот самый Бэтмен! В этой части вы точно переосмыслите натуру Темного рыцаря. Паттинсон хорошо сыграл свою роль, изображая героя, спасающего Готэм в безжалостной борьбе с Загадочником. Однако фильм не только сочетает в себе мрак и насилие, но и нотки юмора.  

Фото: imdb.com  

«Человек-паук: Через вселенные 2»  

Эта работа является одной из самых инновационных о супергероях. Фильм соединил в себе стили визуального поп-арта и представил миру кино концепцию различных людей-пауков в альтернативных вселенных. Вновь под руководством создателей «Лего-фильма» Фила Лорда и Кристофера Миллера фильм объединяет таких людей-пауков, как Майлз Моралес (Шамеик Мур), Питер Б Паркер (Джейк Джонсон), Гвен Стейси (Хейли Стайнфелд) и Человек-паук 2099 года (Оскар Айзек).  

Фото: imdb.com / Letterboxd  

«Вавилон»  

Любовь режиссера Дэмьена Шазелла к золотому веку Голливуда проявилась в его музыкальной комедии «Ла-Ла Ленд», номинированной на премию «Оскар». Теперь писатель-режиссер вновь делится этой любовью в фильме «Вавилон», гламурной драме, действие которой происходит в ревущие 20-е годы. В частности, картина разворачивается в конце эпохи немого кино, как в фильмах «Поющие под дождем» и «Артист», и в нем смешаны вымышленные персонажи и исторические личности, как в фильме «Однажды в Голливуде». У фильма также есть две общие звезды с «Однажды в Голливуде»: Брэд Питт играет вымышленного режиссера, которому трудно приспособиться к новой звуковой технологии, а Марго Робби играет Клару Боу, так называемую «девушку» с огромными кассовыми сборами как в немом, так и в разговорном кино.  

Фото: imdb.com / Birkan Yüksel  

«Аватар 2»  

Нам известны две вещи о Джеймсе Кэмероне: его нельзя торопить, и он любит океан. Эти качества объединяются в «Аватаре 2», первом из четырех запланированных сиквелов к зрелищу 2009 года, самому кассовому фильму всех времен. Действия разворачиваются на планете Пандора, где голубокожая Нейтири (Зои Салдана) и ее муж-человек Джейк (Сэм Уортингтон) стали родителями, а на Земле все еще стоит проблема климатического кризиса.

Большая часть действия происходит под водой, съемки проходили в большом резервуаре.  

Фото: imdb.com / 20th Century Fox  

«Черная пантера: Ваканда навеки»  

Чедвик Боузман был не просто звездой фильма «Черная пантера», он послужил целым вдохновением для мира кино, произведя революцию в голливудском представлении африканских и афроамериканских персонажей. Вскоре после его смерти от рака в августе 2020 года босс Marvel Кевин Фейдж объявил, что никто другой не сможет сыграть Т’Чаллу – Черную пантеру, и поэтому персонаж не будет переснят для последующих фильмов. Это поставило режиссера и соавтора Райана Куглера перед страшно сложной задачей: как сделать интересным продолжение «Черной пантеры» без главного актера и главного героя франшизы. Доподлинно известно лишь то, что почти весь актерский состав и команда предыдущего фильма вернутся, включая Люпиту Ньонго в роли бывшей девушки Т’Чаллы и Летицию Райт в роли его сестры Шури. В комиксах Шури взяла на себя роль Черной пантеры, пока ее брат был в коме.

  

Фото: imdb.com  

«Достать ножи 2»  

Тот же частный детектив: Дэниел Крэйг в роли Бенуа Блана, сыщика с карикатурным акцентом из неопределенной части американского Юга. Другая загадка убийства, но на этот раз в Греции, с новым актерским составом, включающим Эдварда Нортона, Жанель Мона и Дэйва Баутисту. Сценарист и режиссер все тот же: Райан Джонсон.  

Фото: imdb.com / Cinema Mania ID  

«Убийцы цветочной луны»  

Режиссер Мартин Скорсезе снова решил рассказать судьбоносную правдивую историю о жадности, амбициях и жестоких преступлениях. Фильм «Убийцы цветочной луны», адаптированный Эриком Ротом по нехудожественной книге Дэвида Гранна, рассказывает об убийствах нескольких членов племени осаге в 1920 годах. Роберт Де Ниро играет Уильяма Хейла, скотовода из Оклахомы, который жаждет нефтяных прав коренного народа, а Леонардо Ди Каприо – конфликтного племянника Хейла, который женат на женщине из племени осаге (Лили Гладстон). А Джесси Племонс сразится с ними в роли Тома Уайта, агента ФБР, которому поручено это дело.  

Знаете, чьими голосами говорят Гарри Поттер и Тони Старк? Кто дублирует иностранных актёров на русский язык – читайте тут.  

Фото: imdb.com  

«Невыносимая тяжесть огромного таланта»  

Николас Кейдж сыграл вымышленную версию Николаса Кейджа в этой остросюжетной комедии. Вымышленный Ник соглашается заплатить миллион долларов, чтобы лично появиться на дне рождения поклонника в Испании, и в этот шаг каким-то образом оказывается вовлечена Тиффани Хэддиш в роли агента ЦРУ.  

Фото: imdb.com / Lionsgate / Eagle Pictures  

«Не волнуйся, солнышко»  

Этот психологический триллер уже несколько месяцев не сходит со страниц таблоидов и интернета благодаря отношениям между режиссером Оливией Уайлд и поп-звездой Гарри Стайлсом. Однако то, что происходит на экране, скорее всего, гораздо интереснее. Неизменно удивительная Флоренс Пью перевоплощается в домохозяйку 1950 годов в утопической общине, которая начинает подозревать, что ее мир и ее муж (Стайлз) скрывают темные тайны.  

Фото: instagram.com/oliviawilde  

Кстати о темных тайнах, вы когда-нибудь хотели увидеть актера вместе с его жутким персонажем? Взглянуть на разительный контраст можно здесь.  

Ценность подлинности

0 Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке Москвы с 29 января открылся для посещения как отдел ГТГ. Музей размещен в доме, где Павел и Сергей, дети Михаила Третьякова, родились – в 1832  и 1834 годах – но не жили там в зрелом возрасте, поскольку уже в 1840-е семья перебралась в особняк в 3-м Голутвинском переулке, который купцы Третьяковы снимали у купцов Рябушинских. Тот, второй особняк тоже принадлежит ГТГ и в нем планируется создать музей частного коллекционирования в России. 

Итак, братья Третьяковы в доме в 1-м Голутвинском не жили в сознательном возрасте и, хотя он связан с памятью об их рождении, никакого мемориального интерьера там сохраниться не могло, Третьяковы сдавали особняк квартирантам.

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру


Кроме того, с 1918 по 1970-е в доме были коммуналки, затем, после строительства здания Новой Третьяковки на Крымском валу, большую часть купеческо-мещанской застройки Голутвинских переулков и Якиманки снесли, сохранив особняк как связанный с памятью о Третьяковых – в период сноса дом и его окрестности выглядели примерно так. В 1980-е годы особняк даже частично исследовали и реставрировали, «заодно» со строительством Президент-отеля – впрочем, «реставрировали» довольно грубо, поскольку деревянные стены первого  этажа заменили на кладку из «керамического камня», облицевав новыми досками и соорудив в первом этаже подпорную конструкцию. 

Затем дом, хотя и получил статус ОКН регионального значения в 1992 году, и был передан в оперативное управление ГТГ в 1997 году, долгое время пустовал, в 2000 году его даже отключили от коммуникаций. Между тем сотрудники галереи работали над созданием концепции и поиском спонсоров.

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру


Как видим, мемориальной обстановки нет и быть не могло и исторической обстановки дома тоже не осталось. Поэтому основной экспозиционной идеей стал «репрезентативный дом». В нижнем каменном этаже экспонатом становится сам дом: остатки подлинной дранки под штукатурку и клейма на кирпичной кладке, раскрытые на стенах, подвал под стеклом, макет – плюс три зала, посвященных семье Третьяковых, их бизнесу и их коллекциям. Экспозиции очень медийные и интерактивные: портреты и родословные проецируются на штукатурную стену, по хронологической стене можно двигать стенд, показывающий информацию по соответствующему периоду, можно листать данные на экранах. Медиаэкраны с мини-роликами спрятаны и в выдвигающихся ящиках столов; рядом настоящий лен – Третьяковы торговали льном – в виде как тканей, так и трепаных и нетрепаных куделей. Так что выставка еще и тактильная. Кроме того она рассчитана на восприятие слепыми и глухими посетителями: большой ролик об истории торговли льном сопровожден сурдопереводом, макет на на входе подписан шрифтом Брайля и его можно трогать, именно поэтому кирпичи нижнего этажа слеплены там более отчетливо, чем в реальности.  

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру


В то же время, поскольку внутри не сохранилось не только интерьеров, но даже части перекрытий, лестницы и полы новые, в первом ярусе подобран характерный для 2 половины XIX века рисунок «метлахской» плитки. 

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру


В верхнем этаже, где не осталось практически ничего подлинного от стен, в боковых залах реконструированы два кабинета, соответственно, Павла и Сергея Третьяковых, с их подлинными вещами, включая купленные в Париже по ошибке поддельные танагрские статуэтки, столы, бюсты, картины, иконы. Посередине между двумя «кабинетами» расположен зал с красными стенами и картинами, развешанными в несколько рядов: на одной стене картины из коллекции Павла и, соответственно, из ГТГ, на другой – из коллекции Сергея, из ГМИИ: старший брат собирал русское искусство, младший западное, и здесь, согласно замыслу, браться «встречаются» своими коллекциями. Подбор картин планируется время от времени менять, об этом есть договоренность с ГМИИ. Красный цвет стен центрального зала – оммаж традиционному музею и не основан ни на каких источниках в особняке, синий и желтый в боковых комнатах, как и серый цвет внешней обшивки стен второго этажа, – основаны на исследованиях покрасок, проведенных в 1980-х годах, когда, собственно, остатки подлинного верхнего яруса и были уничтожены. 

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру


Авторы проекта реставрации и дизайна экспозиции – Наринэ Тютчева и АБ «Рождественка». Они подключились к работе в 2017-2018 годах и начали, заметим, с проекта экспозиции, и лишь потом занялись проектом реставрации дома. Таким образом формирование музея – что бывает редко – происходило в последовательности: концепция – дизайн экспозиции – проект реставрации здания.  

Татьяна Гафар, заместитель генерального директора ГТГ по развитию новых музейных пространств

«Музей рассказывает не о том, как здесь жили Третьяковы, поскольку они жили здесь только в детстве, – он рассказывает о Третьяковых, о том, что с ними было связано и о том, что они сделали. Была написана концепция, сценарий экспозиции и мультимедиа – как подавать материал, в каком виде. Был проект реставрации здания. Был сделан эскиз дизайна для обоих этажей; но нас что-то не устраивало, что-то было не так… Тогда мы обратились к «Рождественке», вначале – чтобы они предложили идею для «кабинетов» во втором этаже. Они предложили решение с серыми фонами, которые выявляют подлинные предметы. Посмотрели проект реставрации, стало ясно, что он нуждается в доработке. В итоге они стали работать с проектом приспособления, реставрации и проектом интерьеров».


Таким образом, музей, попадая, так или иначе, в рамки типологии мемориального дома, для нее нехарактерен, и сразу по двум параметрам.

Во-первых, большая часть его экспозиции не законсервирована, а реконструирована, собрана из музейных фондов и докомпонована. Но сконструированных, придуманных музеев-фикций много, поэтому важнее «во-вторых» – а во-вторых, авторы открыто признают составную суть экспозиции, всячески объясняют и раскрывают ее и, как следствие, делают акцент на подлинных вещах, будь то предметы, имеющие отношение к Третьяковым, или остатки настоящей штукатурки и кирпичной кладки дома. Получается довольно сложный, сценографически выстроенный, но элегантный палимпсест, который для большинства посетителей потребует, вероятно, объяснений и истолкований, но выглядит свежо и отчетливо демонстрирует современный подход к музейной экспозиции не только с точки зрения цифровой медийности и инклюзивности, но и акцента на аутентичности.

В этом смысле прежде всего интересно решение, предложенное Наринэ Тютчевой и АБ «Рождественка» как ключевое для дизайна экспозиции – все предметы, необходимые для целостности обстановки кабинетов: камины, полки с книжными корешками, стулья, даже шкафы для икон и лампады перед ними, – представлены нейтральными муляжами точной узнаваемой формы, но светло-серого цвета. Помимо предметов обстановки и, скажем, розетки на потолке, так же воссозданы обои – их рисунок взят из эскизов архитектора Александра Каминского, зятя Сергея Третьякова, который много строил для братьев; но цвет полностью убран и рисунок дан в сером тоне. 

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

    Фотография: Архи.ру


Таким образом у нас не остается сомнений в том, где настоящие стол и книги Третьяковых, а где окружение, которое требуется, фактически, домыслить. Так и вещи не оказались в вакууме – что было бы вполне вероятно без дополняющих «декораций», и обмана не произошло. Экспозиционный прием – достаточно ясный и считываемый; неудивительно, что, как мы подсказали коллеги, похожий подход уже был использован в доме-музее М.А. Булгакова в Киеве, так называемом «доме Турбиных». 

Мы задали несколько вопросов Наринэ Тютчевой, и начали с совпадения. 

Архи.ру:
Вы как-то вдохновлялись музеем Булгакова, и в целом относите ли примененный прием к какой-то современной музейной традиции? 

Наринэ Тютчева: 
Мы пришли к этой идее совершенно самостоятельно, вдохновлялись только собственной логикой и фабулой концепции, предложенной кураторами. Для меня импульсом к такому решению стали впечатления от музея Пушкина в Михайловском. Я и раньше знала, что музей полностью воссоздан, но когда я спросила у экскурсовода, что из вещей тут подлинное, и мне сказали – только тросточка, – на меня это произвело сокрушительное впечатление. Иногда музейщики сами перестают различать подлинное и воссозданное, рассказывают обо всем как о подлинных исторических свидетельствах. Апогеем этого явления для меня стала скамейка в Тригорском, она сделана лет 15 назад, но обведена веревочкой и на ней написано: садиться запрещено, это любимая скамейка Евгения Онегина (sic!). Мистификация и подмена подлинного придуманным – опасная тенденция.

Поэтому мы решили пойти противоположным путем: собрали референсы, фотографии с примерами домов-музеев, и условно закрасили на картинках часть вещей полупрозрачным серым флером – так получился нейтральный фон, и так сложилась наша концепция, которая понравилась коллегам из Третьяковской галереи. Это наша первая серьезная работа над концепцией музейной экспозиции. Булгаковский музей я увидела позже, тогда, когда вся экспозиция была уже реализована. Ужасно расстроилась, решила, нас обвинят в плагиате, хотя никакого влияния не было вовсе, скорее совпадение логики… Впрочем совпадение неполное: там воссоздан конкретный утраченный интерьер, у нас все несколько иначе, мы сформировали типизированную обстановку для показа подлинных вещей. 

Проектом реставрации вы стали заниматься позже? 

Да, после того, как был принят проект экспозиции, стало ясно, что проект реставрации, который к тому времени уже существовал и был разработан Спецпроектреставрацией, нуждается в доработке «под экспозицию». Авторы отказались его дорабатывать, и тогда Татьяна Викторовна Гафар, замдиректора ГТГ, попросила заняться этим нас. 

Раскрытия кладок, подвала – делали вы? 

Да, предшествующий проект не предполагал раскрытий. Мы исследовали здание, пошли в архивы и нашли довольно много, в том числе результаты исследований 1980-х годов, которые дали нам основания для покраски стен. Информации о планировках времени Третьяковых, напротив, найти не удалось, есть только данные о коммунальных квартирах. Кроме того можно предположить, что, когда Третьяковы начали сдавать дом внаем, а он принадлежал им до 1918 года, внутреннее пространство перепланировали для жильцов, разделив, в частности, верх на две равные части; то есть какой была исходная планировка – мы не знаем.

Поэтому первый этаж у нас – это рассказ про подлинные стены, а второй этаж – про подлинные предметы, размещенные «в макете».

Как вы оцениваете опыт работы со зданием и экспозицией Музея Третьяковых? 

Опыт интересный и удачный.  Благодаря доверию и настойчивости сотрудников Третьяковской галереи удалось реализовать практически все замыслы – команда была очень хорошая, заинтересованная и понимающая. Подрядчик также прислушивался к нашим просьбам и работал качественно, даже героически, несмотря на пандемию и другие сложности. 
 
Для меня это счастливый опыт, а также некий урок, который состоит в том, что при работе с наследием очень важно целеполагание: важно понимать не только как надо сохранять, но и – для чего сохранять. Если поставлена конечная задача,  реставрация идет методичнее и успешнее, лучше, чем если есть просто сохраненный дом, в который надо что-то встроить. Мы постепенно материализовывали заданную фабулу, и это очень помогало работать. 
***

Любопытно, что проект реставрации и приспособления буквальным образом «пророс» из концепции экспозиции, хотя история, конечно, двусторонняя: «Рожественку» позвали поработать с экспозицией в год открытия Флигеля Руина Музея архитектуры, примера фактурной реставрации с максимальным сохранением status quo аутентичных элементов. Одно зацепилось за другое, и заметим, в обоих случаях здания – скорее средовые, плохой сохранности и отнюдь не из учебников. Полуразрушенные и для своего времени скорее обычные, да и без уверенной датировки. 

Дом Третьяковых, к примеру, восстановлен на 1850-е годы, тогда как Третьяковы съехали отсюда в 1840-е. Но решение правильное, поскольку о внешности дома на 1840-е точных данных нет, а с середины XIX века облик дома сравнительно известен. Рядовой купеческий дом, не очень богатый, и сильно перелицованный, становится предметом любования, во-первых, благодаря исторической связи с Третьяковыми, а во-вторых, после сноса все средовой застройки вокруг – так как остался один, это тоже существенно. И вот этот рядовой дом исследуют, рассматривают остатки дранки на стенах, показывают подвал – к слову, подвал был небольшой и только в одной части дома, ниши в нем – печура и, вероятно, ледник для хранения продуктов.

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру

Музей Павла и Сергея Третьяковых, отдел ГТГ, дом в 1-м Голутвинском переулке. Реставрация и создание экспозиции: 2015–2021 гг.

Фотография: Архи.ру


Призывают посетителей не только потрогать пряди настоящего льна, но и познакомиться с клеймами на кирпичах, с исторической штукатуркой. Все это довольно ценно, осмелюсь заметить, не столько для конкретного проекта музейной экспозиции, хотя она здесь тоже делает любопытный шаг к сочетанию разного рода современных тенденций, – сколько для воспитания зрительского чутья в широком смысле. У нас все еще стены, скажем так, ободранные и дворцово-красные, также как и старая штукатурка с кирпичом и медиа-экраны, существуют на разных полюсах сознания. Здесь их соединяют, микшируют, как в венецианском Арсенале, однако попутно объясняя, что к чему. Интересный эффект. 

Музей работает ежедневно, кроме пн и вт, по записи, по сеансам. 

Основной меценат и партнер проекта – Александр Тынкован.  
Реализация проекта стала возможной благодаря: доходу от эндаумента Третьяковской галереи, пожертвованием ПАО «Промсвязьбанк», Наталии Опалевой, Алексея Репика, концерна «КРОСТ», Благотворительного фонда им. П.М. Третьякова и компании Samsung Electronics (технический партнер). 

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. Разрез 1-1

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. разрез 2-2

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. Разрез 3-3

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. Восточный фасад в осях 1-7

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозицииЗападный фасад в осях 7-1

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. Северный фасад в осях А-Е

    © АБ Рождественка

  • Музей Павла и Сергея Третьяковых в 1-м Голутвинском переулке: реставрация, приспособление и дизайн экспозиции. Южный фасад в осях Е-А

    © АБ Рождественка

Путь Цоя

Похожие статьи

Грани Вестника В ЦДА открылась юбилейная выставка старейшего из современных архитектурных изданий, выстраивающего связи между «Архитектурой СССР» и постсоветской профессиональной журналистикой, также как и между теорией и историей архитектуры. В сухом остатке – мы находимся где-то рядом с точкой сингулярности. Горизонт Венеции В Музее архитектуры открыта выставка панорам Венеции от XV до XX века. В наше время она приобретает неожиданный привкус ностальгии по городу, который теперь не так просто посетить. Архсовет Москвы – 73 Архсовет поддержал проект здания ресторанного комплекса на Тверском бульваре рядом с бывшей Некрасовской библиотекой, высоко оценив архитектурное решение, но рекомендовав расширить тротуары и, если это будет возможно, добавить открытых галерей со стороны улиц. Отдельно обсудили рекламные конструкции, которые Сергей Чобан предложил резко ограничить. Градсовет Петербурга 14.01.2022 На днях состоялся первый после смены председателя КГА и главного архитектора Петербурга градостроительный совет. На нем рассматривались: доработанный вариант реконструкции «Фрунзенской», жилой комлпекс на месте «Ленэкспо» и очередная LEGENDA Евгения Герасимова. Также были представлены новые лица в составе совета. Архсовет Москвы – 72 Концепцию развития территории бывшего завода «Красный богатырь», разработанную Buromoscow и включающую идеи сохранения пяти исторических зданий без статуса ОКН, Архсовет Москвы поддержал, выразив надежду на превращение будущего комплекса площадью 473 000 м2 в часть нового линейного центра, формирующегося на северо-востоке города вдоль Яузы; эксперты также предложили повысить высоту части башен не до 100 метров, в больше. Осознание Москвы Выставка «Москва: проектирование будущего» в Музее Москвы рассказывает историю города – в том числе управления им и его утопических проектов наравне с реальными генпланами – в очень наглядной и популярной форме. Прямо-таки формирует сознание. Маленькое нефтяное подсознание «Музей подсознания Москвы» Павла Пепперштейна и Сони Стереостырски, дополненный виртуальрной реальностью от Immerse Lab и спектаклем Дмитрия Мелкина «Солярис», представляет подсознание российской столицы как Нефтяриса, нефтяного океана, генерирующего образы, созвучные шаблонному мышлению. Нейросеть Алиса в другой части выставки шепчет про кроссовки. Скажи мне, птица Выставку «Вещественные доказательства» архитектора-художника Александра Бродского можно посмотреть в Гоголь-Центре до 23 января, а благоустроенное им же фойе театра, к которому приурочена выставка, – и после. Это часть проекта «Гоголь-арт», который курирует Евгения Гершкович. Представленные «улики» развивают тему, давно представленную в творчестве Бродского, но выставку и амфитеатры, как мы считаем, надо воспринимать целостно, как тонкую работу с пространством Гоголь-центра. Архсовет Москвы–71 Высотный – 105 м в верхних отметках – многофункциональный комплекс «ТПУ «Парк Победы», расположенный на границе между «сталинской» и «парковой» Москвой, был доброжелательно принят архитектурным советом Москвы, но все же получил такое количество замечаний и комментариев, что проект было решено отложить и доработать, придерживаясь, однако, выбранного направления поисков. Растворение с углублением Обнародован проект реконструкции Шестигранника Жолтовского для Музея современного искусства «Гараж». Его авторы – знаменитое японское бюро SANAA, известное крайней тонкостью решений и интересом к современному искусству. Проект предполагает появление под павильоном подземного пространства с большим безопорным выставочным залом и хранением, а также максимально возможную проницаемость верхней части здания. Стереоскопичность и непрагматичность Экспозиционный дизайн, реализованный Сергеем Чобаном и Александрой Шейнер для выставки, которая справедливо претендует на роль главного художественного события года, активно реагирует на ее содержание и даже интерпретирует его, буквально вылепливая в залах ГТГ «пространство Врубеля». Разбираемся, как оно выстроено и почему. Толерантная эстетика терраформирования Всемирная выставка – гигантское мероприятие, ему сложно дать какое-то одно определение и охватить одним взглядом. Тем более – такая амбициозная и претендующая на рекорды, которая, несмотря на превратности пандемии, открыта сейчас в Дубае. Не претендуя на универсальность, делаем попытку рассмотреть экспо 2020, где за эффектными крыльями «звездных» архитекторов и восторгом от исследований Космоса проступают приметы эстетической толерантности девелоперского проекта. Градсовет Петербурга 6.10.2021 Эксперты обсудили спортивный центр для футбольного клуба «Коломяги», авторы которого используют яркие цвета и сэндвич-панели. Что есть истина В Гостином дворе открылся 29 по счету фестиваль «Зодчество». Ярче всего, на наш взгляд, на этот раз выступили стенды регионов, которых не 8, как в прошлом году, а 16. А где истина, мы знаем и так. От ЗИМа до -изма В Самаре 13 сентября торжественно, в сопровождении перформанса, спонсированного Сбербанком, была презентована общественности реставрация здания фабрики-кухни, нового филиала Третьяковской галереи. Вашему вниманию – репортаж о промежуточных, но уже вполне значительных, результатах реставрации памятника авангарда. Архив архитектуры В Музее архитектуры открылась выставка «Профессия – реставратор», первая из экспозиций, приуроченных к будущему юбилею. Нетрадиционная тема позволяет показать работу не самых заметных, но очень важных для музея людей – тех, кто восстанавливает предметы и готовит их к хранению и показу. Вода для жизни Пятый, а значит юбилейный по счету форум «Среда для жизни» прошел в Нижнем Новгороде сразу после юбилейных торжеств, посвященных 800-летию города, и стал, в сущности, частью празднования. В то же время среди показанных проектов лидировали решения, связанные с временно затопляемыми территориями, что можно признать одной из актуальных тенденций нашего времени. Градсовет Петербурга 8.09.2021 Градсовет рассмотрел новый вариант перестройки станции метро «Фрунзенская»: проект от московских архитекторов, Единый диспетчерский центр и противоречивый традиционализм. Градсовет Петербурга 25.08.2021 На очередном заседании градостроительный совет обсудил башни в Купчино, супрематизм в Пулково и лечение в Репино. Бегом по набережной В июне в Самаре прошел пятый по счету фестиваль набережных «ВолгаФест». Впервые в его рамках был представлен проект «Резиденции волжских городов». Нижний Новгород, Ульяновск, Казань, Саратов получили свое архитектурное, художественной и медийное воплощение прямо на самарской набережной. Формула Шухова Выставка «Шухов. Формула архитектуры» до ноября проходит в нижегородском «Арсенале». Экспозиция – производная от одноименной выставки, показанной в Музее архитектуры имени А. В. Щусева два года назад. Куратор Марк Акопян назвал ее продолжением исследовательского проекта. И, действительно, самым разным зрителям есть над чем подумать и что исследовать в залах «Арсенала». Новое качество Личного В Никола-Ленивце Калужской области в эти выходные проходит фестиваль Архстояние с темой «Личное». Главной постройкой фестиваля стал дом «Русское идеальное», спроектированный Сергеем Кузнецовым и реализованный компанией КРОСТ в короткие сроки. Рассматриваем дом и новые объекты Архстояния 2021. Диалоги об образовании и карьере Империалистический заказ и равнодушие к форме, необходимость доучить бывших студентов за свои деньги и скука формального обучения – дискуссия об архитектурном образовании на недавнем Архпароходе, как и многие разговоры на эту тему, местами была отмечена грустью, но не безнадежна и по-своему интересна. Публикуем выдержки из разговора, собранные одним из участников, архитектором и преподавателем Евгенией Репиной. Градсовет Петербурга 15.07.2021 Архитекторы предложили обновить торговый центр в петербургском Купчино, вдохновляясь снежными пиками Балканских гор. Эксперты отнеслись к идее прохладно. Продолжение эстафеты: о награждении архитектурной… В Москве наградили лауреатов архитектурной премии мэра, а также премии Москомархитектуры в области архитектурной журналистики. В ритме квартальной застройки На прошедшей неделе состоялась презентация жилого комплекса «ТЫ И Я» на северо-востоке Москвы. По ряду параметров он превышает заявленный формат комфорт-класса, и, с другой стороны, полностью соответствует популярной в Москве парадигме квартальной застройки, добавляя некоторые нюансы – новый вид общественных пространств для жильцов и квартиры с высокими потолками в первых этажах. Архсовет Москвы–70 Архсовет единодушно одобрил проект реконструкции гостиницы «Варшава» на Калужской площади, а обсуждение превратилось в деликатную дискуссию о подходах к градостроительным приоритетам: должно ли здание работать «на городской ансамбль», или решать локальные задачи в рамках заданного участка. Ответ – нельзя сказать, чтобы однозначный, прозвучали предложения создать на этом месте более заметный и высокий акцент, но были отклонены. Кома парка В субботу в «Арт-усадьбе Веретьево» открылся парк, спроектированный Александром Бродским. Это самый большой арт-объект автора – 7 га, и его первый ленд-арт-объект. Его сопровождает коллекция книг, подобранных Анной Наринской, коллекция смыслов, предложенных Григорием Ревзиным, и музыкальный перформанс. Предлагаем рассматривать парк как синтетическое произведение современного искусства, наделенное, в то же время, практической функцией. Градсовет Петербурга 16.06.2021 Градсовет противится строительству новой гостиницы перед «Интуристом», спорит о высоте и призывает больше думать о ландшафте. Идейная составляющая Попытка систематизации идей, представленных в Арх Каталоге недавно завершившейся выставки Арх Москва: критика, констатация, обоснование, отказ, – все в основном лиричное, традиции «бумажной архитектуры», пожалуй, живы.

Технологии и материалы

Duravit для делового кластера «Сбербанк Сити» – крупнейшего… Коллекции Duravit разработаны дизайнерами Маттео Туном и Филиппом Старком. Wienerberger поздравляет с наступившим Новом Годом и подводит. .. керамика Porotherm в 2021г – спрос превысил предложение!
новая керамическая плитка Terca Slips,
новый онлайн-курс «Школа проектировщиков»,
керамика Wienerberger – для Open Village,
канал Porotherm на Youtube,
работаем дальше для вас и – к новым победам на рынке! Инновационная сантехника. Новинки подвесных монолитных… Последняя революция в сантехнике произошла недавно, когда оборудование для ванных комнат приобрело монолитную форму. Следуя мировым трендам, специалисты Cersanit создали новые модели подвесных унитазов CREA SQUARE и CITY OVAL. Спрятали крепления и колено под корпус, добились ещё большей эстетики, гигиеничности и простоты в уходе. Что ещё нужно знать дизайнеру о новинках? Красный кирпич от брутализма до постмодернизма Вместе с компанией BRAER вспоминаем яркие примеры применения кирпича в архитектуре брутализма – направления, которому оказалось под силу освежить восприятие и оживить эмоции. Его недавний опыт доказывает, что самый простой красный кирпич актуален.
Может быть даже – более чем. Подведены итоги Гран-при 2021 KERAMA MARAZZI 10 декабря официально объявлены результаты международного конкурса реализованных проектов Гран-при KERAMA MARAZZI 2021. 3D-узоры из кирпича Объемная кладка – один из способов переосмыслить традиционный кирпич и сделать здание современным и контекстуальным одновременно. Разбираемся, что такое 3D-кладка и как ее возможно реализовать. «Донские зори» – 7 лет на рынке! Гроссмейстерские показатели российского производителя:
93 вида кирпича ручной формовки, годовой объем – 15 400 000 штук,
морозостойкость и прочность – выше европейских аналогов,
прекрасная логистика и – уже – складская программа!
А также: кирпичи-лидеры продаж и эксклюзив для особых проектов Знак качества Регулярно в мире проходят тысячи архитектурных конкурсов, но не более десятка являются авторитетными площадками демонстрации или проводниками новых идей. В их числе – A+Awards, которую присуждает архитектурный портал Architizer. Среди лауреатов Девятой премии – сразу два проекта, в которых используются фиброцементные панели EQUITONE. Андрей Кузьменков, Digital Guru: «С общественным мнением… Агентство Digital Guru занимается управлением репутацией и исследованиями пользовательских мнений в социальных медиа – так называемым social listening, а также геоаналитическими исследованиями. О том, как эти методы могут использоваться архитекторами и застройщиками на стадии подготовки и планирования общественно значимых проектов, мы поговорили с директором Digital Guru – Андреем Кузьменковым. Клинкер Hagemeister – ведущая партия в проекте Для строительства ЖК «Ривер парк», спроектированного архитектурным бюро ADM, использовалась клинкерная плитка Hagemeister в специально созданных для этого комплекса сортировках и миксах – эксклюзивных и неповторяющихся ни в одном другом проекте. Коллекция светодиодного искусства Выбрать идеальный светильник под определенный интерьер легко! Главное, влюбиться в светильник с первого взгляда и представить его в интерьере своей гостиной, кухни, спальни или офиса. Потолки-фрагменты – ключ к адаптивным пространствам Они позволяют ощутить проницаемость поверхности и высоту пространства, сохраняя звукоизолирующие свойства, и гибко зонировать помещение, что сейчас особенно актуально. Потолки-фрагменты Armstrong от Knauf Ceiling Solutions – адаптивное и современное решение. Игра света расширяет пространство Даже самые маленькие помещения обретают очарование, когда в них появляются мансардные окна VELUX и образуются пересекающиеся световые потоки. Хижины выходного дня в Австрии, Италии, Швеции и Дании, равно как и модульный Скаут-хаус в Казани красноречиво подтверждают этот закон. Профилактика лучше лечения Белый налет на кирпичных фасадах: виды, причины появления и как их избежать. Японские фасады в средней полосе России «КМ-Технология» представляет: лучшие проекты коттеджей 2020 – 2021г с фасадами KMEW и видео – уроки по отделке фасадов Кирпич плюc: с чем дружит кладка С какими материалами стоит сочетать кирпич, чтобы превратить здание в архитектурное событие? Отвечаем на вопрос, рассматривая знаковые дома, построенные в Петербурге при участии компании «Славдом». Графика трехмерного фасада В предместье немецкого Саарбрюкена, на ведущей в город автостраде появился новый объект ─ столь примечательный, что его невозможно не заметить. Масштабная постройка торгового центра MÖBEL MARTIN сохраняет характерные для больших моллов лаконичные модернистские формы, однако его фасады получили необычную объемную пластическую разработку. Пространственная оболочка фасада создана посредством алюминиевых композитных панелей ALUCOBOND® A2. «Фирма «КИРИЛЛ»:
25 лет для самых красивых домов В ноябре 2021 года одному из ведущих поставщиков облицовочного кирпича на российском рынке «Фирме «КИРИЛЛ» исполнилось 25 лет. Архи.ру восстанавливает хронологию последней четверти века, связанную с использованием этого материала в строительстве и архитектуре. Как укладка металлических бордюров влияет на дизайн… Любой дизайн можно испортить неаккуратной работой, особенно если в отделке помещения участвует металлический бордюр. Он способен внести в интерьер утончённость, а может закапризничать в неумелых руках и подчеркнуть кривизну укладки отделочного материала. Как правильно устанавливать металлические бордюры, чтобы дизайнеру было проще контролировать исполнителя и не пришлось краснеть перед заказчиком? Больше воздуха Cтеклянные навесы и павильоны Solarlux расширяют пространство загородного дома, позволяя наслаждаться ландшафтом в любое время года и суток.

Сейчас на главной

Ценность подлинности Музей Третьяковых в 1-м Голутвином переулке – пример нестандартного подхода к формированию экспозиции там, где невозможна мемориальная обстановка дома-музея. Другая особенность – проект реставрации вырос из дизайна экспозиции, и оба нацелены на демонстрацию подлинности и акцентирование аутентичности. Такое сращение экспозиции и проекта реставрации возможно только при очень последовательной работе от идеи к воплощению. Показываем, рассказываем, беседуем с автором проекта Наринэ Тютчевой. Пришельцы в порту Пекинское бюро MAD выиграло конкурс на проект международного круизного терминала в китайском Чунцине. На берегу реки Янцзы приземлятся сразу шесть ярко-красных «космических кораблей». Лес и свет На территории гольф-клуба под Екатеринбургом, спроектированного Полом Томасом, появились две виллы от латвийского бюро Open AD. Центральная позиция Исследовательский центр фармацевтической компании AstraZeneca в Кембридже по проекту Herzog & de Meuron. Вечное движение В первый «вертикальный лес» Стефано Боэри в Китае въехали жильцы. Комплекс расположен в Хуангане на реке Янцзы. Градсовет Петербурга 26.01.2022 Парадокс с сохранением дореволюционной застройки, Покрас Лампас и правило брандмауэра: эксперты повторно рассмотрели проекты санатория в Репино и гостиницы на Уральской улице. Гуманизм при растущем уровне моря Международную премию RIBA, на которую может претендовать сооружение в любой точке планеты, получила больница на юго-западе Бангладеш по проекту Кашефа Чаудхури и его бюро Urbana. Путь Цоя Planet 9 создали дизайн для выставки «Путь героя», которая открыта сейчас с Манеже. Пластическое и пространственное решение, интерпретируя историю жизни и творчества Виктора Цоя, выстраивает собственный, очень активный комментарий. Научное открытие В Петербурге прошел форсайт «Среда стрелки: Научный квартал». Участники искали способ сделать научные учреждения, сосредоточенные на стрелке Васильевского острова, более открытыми и интересными горожанам. Фильм в зачет Андрей Киселев и Сергей Шестопалов приглашают посмотреть фильм экспериментальной проектной студии РАНХиГС, который стал итогом семестра, посвященного навыкам самопрезентации. Грани Вестника В ЦДА открылась юбилейная выставка старейшего из современных архитектурных изданий, выстраивающего связи между «Архитектурой СССР» и постсоветской профессиональной журналистикой, также как и между теорией и историей архитектуры. В сухом остатке – мы находимся где-то рядом с точкой сингулярности. Двор для «Неба» Проект двора ЖК «Небо» разработала британская компания Gillespies. Авторы сделали акцент на равномерном сочетании развитого озеленения и строгих выгородок, что вполне соответствует духу самого комплекса. Космические амбиции Бюро MVRDV обнародовало концепцию эко-долины вокруг поселка «Гагарин» в Армении. Вини Маас уверен — самому первому космонавту их проект бы наверняка понравился. Конкурсы и премии для архитекторов. Выпуск #256 Конкурс фильмов об архитектуре Москвы, общинный дом на озере Миватн в Исландии и туристический комплекс на берегу реки Вента в Латвии. Горизонт Венеции В Музее архитектуры открыта выставка панорам Венеции от XV до XX века. В наше время она приобретает неожиданный привкус ностальгии по городу, который теперь не так просто посетить. Проницаемые структуры В башне Zuiderzicht в Антверпене по проекту архитекторов KCAP и evr-architecten жильцы сами решают, что будет в выбранной квартире: балкон, остекленная или открытая терраса. Тенденции и перспективы В шорт-листе премии Мис ван дер Роэ-2022 – 40 европейских построек. Рассказываем, какие проекты преобладают и что их объединяет, а также показываем несколько интересных сооружений. Москва зеленая и тихая Разрабатывая концепцию малоэтажной застройки в Новой Москве, бюро GAFA попыталось сформулировать новую для России типологию загородного жилья: с разноформатными домами, развитой инфраструктурой и привлекательными сценариями повседневной жизни. Большая волна в Гаосюне На Тайване открылся центр поп-музыки стоимостью более 100 млн евро. Автор проекта, испанский архитектор Мануэль Монтесерин Лаос, эксплуатирует морские мотивы и сотовую структуру детской мозаики. Алексей Комов: «Завтра уже наступило» Куратор фестиваля «Перспектива», который пройдет в Калуге, рассказывает об участках и задачах двух объявленных конкурсов и важности участия молодых архитекторов. Промежуточная типология В норвежском Ульвике по проекту мастерской Rever & Drage построили гостевой дом-«сарай». Этим минималистичным коттеджем архитекторы попытались выразить свою признательность «архитектуре проселочных дорог». Арктический код Опубликован дизайн-код арктических поселений – комплекс стандартов и сводов правил, регулирующих внешний облик городской среды в Арктике. Он доступен как в виде книги, так и в сети. Архсовет Москвы – 73 Архсовет поддержал проект здания ресторанного комплекса на Тверском бульваре рядом с бывшей Некрасовской библиотекой, высоко оценив архитектурное решение, но рекомендовав расширить тротуары и, если это будет возможно, добавить открытых галерей со стороны улиц. Отдельно обсудили рекламные конструкции, которые Сергей Чобан предложил резко ограничить. Балтийский эскапизм Успевший стать знаменитым спа-комплекс в Янтарном расширяется – рядом появятся гостевые домики, придуманные в коллаборации с норвежцем Рейульфом Рамстадом. Русско-советский Палладио. Мифы и реальность Публикуем рецензию на книгу Ильи Печенкина и Ольги Шурыгиной «Иван Жолтовский. Жизнь и творчество» , а также сокращенную главу «Лиловый кардинал. И.В. Жолтовский и борьба течений в советской архитектуре», любезно предоставленную авторами и «Издательским домом Руденцовых». Мечта мальчика Кая Архитекторы Zone of Utopia и Mathieu Forest Architecte вспомнили детскую игру и сложили культурно-выставочный центр в китайском Синьсяне из девяти полностью стеклянных «замороженных» кубов. Буян и суд Новость об отмене парка Тучков буян уже неделю занимает умы петербуржцев. В отсутствие каких-либо серьезных подробностей, мы поговорили о ситуации с архитекторами парка и судебного квартала: Никитой Явейном и Евгением Герасимовым. Надежда на историю будущего В конце декабря была презентована научно обоснованная 3D и AR модель палат Ван дер Гульстов, известных как «дом Анны Монс», последнего, если не считать дворца Лефорта, сохранившегося каменного дома Немецкой слободы конца XVII века. Рассказываем о модели, судьбе и значении дома, также как и о надеждах открыть его для обозрения и отреставрировать. Градсовет Петербурга 14.01.2022 На днях состоялся первый после смены председателя КГА и главного архитектора Петербурга градостроительный совет. На нем рассматривались: доработанный вариант реконструкции «Фрунзенской», жилой комлпекс на месте «Ленэкспо» и очередная LEGENDA Евгения Герасимова. Также были представлены новые лица в составе совета.

Главное с Недели высокой моды сезона весна-лето 2022

Schiaparelli

Коллекции Дэниела Роузберри для Schiaparelli возвращают кутюру историческую мощь и ценность. Каждая вещь сделана с вниманием к мельчайшим деталям, использованием сложнейших техник, обращением к драгоценным материалам и с уважением к богатым архивам модного дома, которому в 2022 году исполняется 95 лет. Так, дизайнер переосмыслил вышивку накидки «Аполлон Версальский», созданной Эльзой Скиапарелли в 1938 году, сделав изображение лошадей более четким при помощи бисера, золотых бусин и страз Swarovski. Однако это далеко не самый сложный и трудоемкий образ прошедшего показа (в целом создавалось ощущение, что Роузберри пытается перещеголять самого себя). В какой-то момент на подиуме парижского Пти-Пале появилось платье-медуза: согласно описанию на сайте, которое звучит так же эффектно, как выглядит коллекция, при его создании команда Schiaparelli натягивала мокрую кожу с сусальным золотом на глиняные скульптуры с символами дома (та же техника была применена к перчаткам). В завитках, украшенных разноцветными кабошонами 30-х, угадывались очертания лобстера, некогда нарисованного Сальвадором Дали, и голубя, который уже при Роузберри брошью сел на лацкан Леди Гаги во время инаугурации Джо Байдена.

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

К слову, в руках дизайнера аксессуары становятся не вспомогательными элементами, а полноценными арт-объектами. Чего только стоят широкополая шляпа с имитацией мозга, сумка в форме человеческой головы и серьги-сатурны (планетарные кольца также охватывали корсеты). Коллекцию начали готовить в апреле, на фоне широкого распространения вакцин от коронавируса. Поэтому в мудборде обнадеживающе были путешествия — не только между странами, но и космические.

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Schiaparelli, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko

Российский бренд Ulyana Sergeenko продолжает искать вдохновение в ретро, вплетая в высокую моду довольно неожиданные референсы. Например, спорт: на онлайн-показ гостей собирал тренерский свисток, который в самой коллекции стал подвеской, обрамленной бриллиантами, в то время как сумки обрели форму теннисных ракеток, головные уборы — купальных шапочек, а ботинки — фигурных коньков. Отсылки к теме также были в расшитых комбинезонах, облегавших настолько, будто это гимнастическая форма, и брюках на широкой резинке, апеллировавших к боксерским шортам. Эстетика советского спорта в коллекции переплелась с авангардом: в пресс-релизе сказано, что схемы вышивок, как и конструктивистские силуэты, основаны на работах художницы Любови Поповой. Из тех же времен пришла еще одна фигура, Остап Бендер: его авантюризм отразился в расслабленных мужских образах, которые, к слову, появились у Ulyana Sergeenko впервые.

Неизменно и то, что дизайнер реализовала все задумки в сотрудничестве с мастерами народных промыслов. К примеру, за детали из хрусталя, украсившие бюстье, корсеты и застежки головных уборов, отвечал Гусевской Хрустальный завод им. Мальцова, а за кружевные элементы и полностью кружевное белое платье, на создание которого ушло 2450 часов ручного труда, — ателье «Кружевной рай». Кроме того, команда Сергеенко использовала авторские техники вязания и вышивки: например, любимый аксессуар модного дома — боа — собирали вручную из разноцветных помпонов, состоящих из перьев, стразов и шифоновых лент. В таком виде они одновременно напоминали теннисные мячи и соцветия гортензии.

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Ulyana Sergeenko, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior

На фоне растущего влияния метавселенных креативный директор Dior Мария Грация Кьюри решила напомнить о ценности реальных вещей — прикосновений и ручной работы. Это отразилось главным образом в сет-дизайне показа, по традиции прошедшем в Музее Родена: стены украсили разноцветные гобелены от Chanakya School Of Craft, которая обучает различным ремеслам индийских женщин. Создание полотен заняло 280 тыс. часов ручного труда 380 мастериц, которые использовали разные техники и отсылки к местной культуре.

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Учитывая настолько самодостаточный и эффектный фон, сама коллекция была лишена цвета, но не акцентов, также достигнутых сложным кутюрным мастерством. При создании прозрачного платья, закрывшего показ, сотрудники ателье Lesage, к которому помимо Dior обращаются Chanel и Schiaparelli, скрепили воедино серебряные шнурки без какой-либо основы, а затем декорировали получившуюся сетку камнями в виде цветов. В этот раз Кьюри поручила расшить даже колготки: в таком уплотненном виде они отлично подходят для русской зимы.

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Christian Dior, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel

Самое эффектное открытие показа на прошедшей неделе высокой моды было у Chanel: в Гран-Пале верхом на коне въехала Шарлота Казираги, профессиональная конкуристка, внучка Грейс Келли, одиннадцатая в очереди на трон Монако и амбассадор модного дома, снимавшаяся в частности в рекламе коллекции сезона весна-лето 2021. Идея задействовать ее в показе принадлежала французскому художнику Ксавье Вейлану, с которым, в свою очередь, давно хотела поработать Виржини Виар («Его отсылки к конструктивизму напоминают мне работы Карла Лагерфельда»). Художник водрузил на подиум и подвесил над ним гигантские декорации в духе авангарда 20–30-х, и к тому же времени обращалась коллекция. На это намекали геометричные принты, подчеркнутые линии, мальчишеский силуэт с заниженной талией и такие детали, как туфли для фокстрота и макияж flapper girls с темными кругами под глазами.

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Chanel, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino

Ровно год назад Пьерпаоло Пиччоли добавил в кутюрную коллекцию повседневные лишенные сложного декора вещи: платья-комбинации, шорты-бермуды и бланковые сорочки. Тогда он сказал, что хотел добиться простоты и представить альтернативный взгляд на высокую моду, за которым, по его мнению, будущее. Теперь этот альтернативный взгляд был обращен в сторону разных возрастов и типов фигуры: по камерным залам особняка на Вандомской площади прошлись модели, которые и не рассчитывали когда-нибудь добавить в свое портфолио показ от-кутюр. «Для меня современный кутюр не связан с текущими представлениями о красоте, потому что красота — она и есть красота», — прокомментировал Пиччоли.

Одежда вторила как замыслу, так и названию коллекции — «Anatomy Of Couture» («Анатомия кутюра»). Если многие дизайнеры работают с плюс-сайзом ради повышения лояльности, пряча нестандартный размер под несколькими слоями ткани, то здесь все было честно: прозрачные ткани, подчеркнутые силуэты и элементы, по определению источающие сексуальность, — например, выглядывающие чулки. При этом дизайнер не стал отказываться от вышивок, перьев и кринолина, свойственных традиционному кутюру, а также от ярких цветов: оранжевого, голубого и фуксии, замешанной с оливковым.

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Valentino, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier by Glenn Martens

То, что креативный директор Y/Project и Diesel Гленн Мартенс сделал для Jean Paul Gaultier, было сюрпризом не только для гостей показа, но и для самого Жан-Поля Готье. С тех пор как два года назад маэстро объявил о завершении карьеры, над коллекциями для его модного дома работают приглашенные дизайнеры, которых выбирает он сам (среди критериев, вероятно, нестандартное мышление и чувство юмора). Первой была Читосе Абе, и уже тогда критики хвалили формат: участники коллаборации не перетягивают одеяло каждый на себя, не делятся на «главного» и «вспомогательного», а позволяют своим архивам взаимно проникать друг в друга.

Мартенс, например, взял у Готье шелковые платья из лент, корсетированную шнуровку, принты с оптическими иллюзиями и драпированный шифон, который облачной вуалью покрыл головы моделей. При этом в каждом образе оставил свой узнаваемый след: так, платья с пышными юбками, имитировавшими морскую пену, дополнили молнии, как у худи, а бандажные платья рифмовались с юбкой из светлого денима с верхом, как у брюк. Основателю модного дома, вероятно, такой культурный обмен понравился: самый трогательный момент показа — его объятия с Мартенсом под стоячие овации зала.

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Jean Paul Gaultier, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi

В прошлой кутюрной коллекции креативный директор женского направления Fendi Ким Джонс смотрел на Рим сквозь призму фильмов Пьера Паоло Пазолини, а в этой — глазами иностранца (то есть своими). «Прогуливаясь по Риму, вы постоянно перемещаетесь во времени — то в прошлое, то в будущее. Место, где мы работаем, ощущается как очень современное, но на пути сюда вы неизбежно пройдете мимо памятников», — поделился он впечатлениями.

Отсюда в коллекции — изображение статуй, окружающих Дворец итальянской цивилизации, в котором расположен головной офис Fendi. Они декорировали платья и кейпы, причем если издалека все выглядит как фотопринт, то на деле оказывается, что это ручная роспись по бархату и стриженой норке. Сложнее, чем кажутся, получились и платья с рельефом коринфских колонн, который имитирует термоформованная кожа, расшитая микропайетками, норкой и жемчугом, а также миниатюрные сумки из вулканического камня и гематита и ювелирные украшения с жеодами хрусталя и аметистом. Использованные материалы стали символом долговечности римских достопримечательностей, в то время как величественная тень, которую они отбрасывают на тротуары, задала темную цветовую гамму коллекции. Вкрапления красного, появившиеся к концу шоу, в свою очередь, отсылали к доспехам римских легионеров.

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Fendi, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture

Российский дизайнер Юлия Янина, одежду которой уже давно носят Пэрис Хилтон, Гвен Стефани, Кейт Хадсон, Джиджи Хадид и Леди Гага, впервые показала коллекцию в качестве официально приглашенного участника Недели высокой моды. Образы отражали радость как от нового статуса, так и от возвращения к формату офлайн-показа: радужные цвета, летящие ткани, изобилие вышивок, а также банты, рюши и объемные рукава, подражавшие крыльям. В мудборе были фото самых экстравагантных девушек 60-х: Верушки, Джейн Биркин, Брижит Бардо, Катрин Денев и Марисы Беренсон. Ведь, как сказала дизайнер в интервью, кутюр — это всегда о героине, а не о наряде.

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

Yanina Couture, весна-лето 2022

© пресс-служба

 

Поп-арт — история и анализ движения яркого поп-арта

В 1950-х годах международное искусство совершило внезапный и неожиданный поворот на 180 градусов. В Соединенных Штатах и ​​Соединенном Королевстве стало набирать популярность новое направление в искусстве — поп-арт. Это новое художественное движение черпало вдохновение в часто приземленных, потребительских, слегка китчевых и массовых частях популярной культуры. Поп-исполнители, такие как Энди Уорхол, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн, спровоцировали сдвиг в нашем представлении о высоких и низких формах искусства.Эти художники обратили внимание на растущий потребительство на рынках и наше потребление искусства.

 

 

Краткий обзор движения поп-арт: что такое поп-арт

Многие из нас знают таких художников, как Энди Уорхол, но что такое поп-арт как движение? Когда дело доходит до определения поп-арта, нам нужно учитывать тип поп-арта. Есть некоторые разногласия по поводу первоначального места рождения поп-арта. Подобные тенденции начали появляться в Англии и Америке в начале 1950-х годов.Поп-арт стал настоящим поворотом на 180 градусов в развитии модернизма по сравнению с предшествующим ему движением абстрактного экспрессионизма.

Определение поп-арт обратилось к осязаемым и доступным частям популярной культуры в качестве вдохновения, заменив традиционные темы «высокого искусства» классической истории, мифологии, морали и абстракции. Поп-арт поднял более приземленные части популярной культуры до уровня изобразительного искусства, и сегодня это один из самых узнаваемых стилей современного искусства.

 

Ключевые идеи поп-арта

Поп-арт может показаться более тривиальным и излишним, чем другие направления традиционного изобразительного искусства.Яркие цвета, использование популярных образов, основных форм и толстых контуров могут указывать на более игривую форму искусства, но движение поп-арт наполнено скрытыми сложностями и социальными комментариями. Вот небольшой фон в стиле поп-арт.

Мэрилин в небе (1999) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

Что делает искусство прекрасным?

Самая заметная идея движения поп-арт заключалась в том, чтобы стереть границы между тем, что раньше считалось изобразительным искусством, и более китчевыми, приземленными частями популярной культуры. Поп-артисты прославляли предметы потребительской ценности, настаивая на том, что не существует культурной иерархии, когда речь идет о достойных предметах художественного творчества. Поп-исполнители черпали вдохновение из любого источника, вне зависимости от культурной ценности.

 

Шокированный уход или хладнокровное принятие?

Работы художников-абстракционистов обычно очень эмоциональны. Напротив, картины в стиле поп-арт и коллажи имеют тенденцию быть более удаленными и отдаленными. Хотя произведения поп-музыки часто исследуют различные культурные взгляды и неотъемлемые части социальной жизни, они делают это прохладно и относительно бесстрастно.Историки искусства горячо спорят о том, является ли эта дистанция шокирующим уходом от культурных тем, которые исследует поп-арт, или наоборот. Возможно, крутость отражает принятие популярной культуры.

 

Как поп-арт исследует культурную травму?

Неотъемлемой частью абстрактного экспрессионизма, предшествовавшего поп-арту, был поиск травмы в душе. Поп-артисты искали ту же душевную травму, но на культурном уровне. В поп-арте эту социальную травму опосредуют миры популярных образов, карикатур, рекламы и культурных явлений, таких как бум ресторанов быстрого питания.

В поп-арте все эти проявления культурной травмы значимы, и они дают художнику непосредственный доступ к более глубоким проблемам человечества.

Современный мир характеризуется непосредственным доступом практически ко всему. От искусственной среды до личной жизни знаменитостей — все доступно для потребления и критики. Поп-арт отражает этот доступ, объединяя различные культурные элементы, чтобы продемонстрировать, что все взаимосвязано.

 

Капиталистическая критика или восторженное одобрение?

В частности, в Англии художники поп-арта восприняли медиа- и производственный бум Второй мировой войны. Многие рассматривают широкое использование коммерческой рекламы в поп-произведениях как одобрение капиталистического рынка. Некоторые критики считают, что поп-арт прославляет растущее потребительство современности.

Другие находят в этих многослойных работах элемент культурной критики.Поп-артисты возвели обыденные коммерческие объекты в статус изобразительного искусства. Приравнивая коммерческие товары к изобразительному искусству, поп-художники обращают наше внимание на тот фундаментальный факт, что искусство само по себе является товаром.

Многие художники поп-арта начинали как коммерческие художники. Эд Руша был графическим дизайнером, а Энди Уорхол также был невероятно успешным журнальным иллюстратором. Благодаря такому раннему начинанию эти художники демонстрируют свободное владение визуальной лексикой популярной культуры. Эти навыки облегчили способность этих художников плавно сочетать изобразительное искусство и коммерческую культуру.

Реклама New York Times (17 апреля 1955 г.) обуви I. Miller, иллюстрация Энди Уорхола; JSalleres, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

 

Истоки движения поп-арт

Движение поп-арт интересно тем, что развивалось одновременно в США и Англии. Первые искры поп-арта в каждой из этих стран были совершенно разными. Таким образом, важно начать рассматривать их отдельно.

В Соединенных Штатах поп-арт был возвратом к более чем репрезентативному искусству , которое использовало иронию обыденной реальности, чтобы нейтрализовать личную символику абстрактного экспрессионизма. Напротив, ранний британский поп-арт был более академическим. Британские поп-исполнители использовали иронию, чтобы исследовать и критиковать взрывной потребительство послевоенной американской поп-культуры.

 

Прото-поп арт

Хотя в 1950-е годы зародился американский и британский поп-арт, некоторые европейские художники, такие как Марсель Дюшан, Мани Рэй и Фрэнсис Пикабиа, предшествовали этому движению в своем исследовании капиталистических и модернистских тем и стилей.

Некоторые американские художники намекали на развитие современного поп-арта еще в 1920-е годы. Такие художники, как Стюарт Дэвис, Джеральд Мерфи, Патрик Генри Брюс и Чарльз Демут, создавали работы, в которых использовались образы популярной культуры, в том числе обыденные коммерческие объекты и рекламный дизайн.

Lucky Strike (1921) Дэвиса Стюарта;  Дэвис Стюарт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

The Independent Group: поп-арт в Великобритании

В Лондоне в 1952 году была создана Независимая группа художников, и многие считают эту группу предшественником нового поп-движения.Это собрание молодых художников, скульпторов, писателей, архитекторов и критиков приветствовало новое движение поп-арт. Эта группа художников начала регулярно встречаться в 1950-х годах, и их обсуждения были сосредоточены на развитии технологий и науки, найденном объекте и месте массовой культуры в изобразительном искусстве.

Среди известных членов были архитекторы Питер и Элисон Смитсоны, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и критики Рейнер Бэнэм и Лоуренс Аллоуэй. Когда эти творческие люди начали встречаться в 1950-х годах, Англия все еще постепенно оправлялась от послевоенных лет, и большая часть населения неоднозначно относилась к популярной культуре в Америке.

Независимая группа разделяла эту нерешительность в отношении коммерческого характера американской поп-культуры, но они были в восторге от богатого мира поп-культуры, обсуждая научную фантастику, дизайн автомобилей, западные фильмы, рок-н-ролл, рекламные щиты и комиксы. по длинне.

В 1960 году на ежегодной выставке молодых талантов Королевского общества британских художников впервые проявилось влияние американской поп-музыки. К январю 1961 года Р. Б. Китай, Дэвид Хокни, Джо Тилсон, Билли Эппл, Дерек Бошир, Питер Блейк, Патрик Колфилд, Аллен Джонс и Питер Филлипс прочно закрепились на карте поп-арта.

Билли Эппл отвечал за дизайн приглашений и плакатов для следующих двух ежегодных выставок «Молодые современники». В том же году Блейк, Китай и Хокни получили призы в Ливерпуле на выставке Джона-Мура. Во время летних каникул 1961 года в Королевском колледже Хокни и Эппл вместе посетили Нью-Йорк.

Фотография Билли Эппл на церемонии вручения наград Фонда искусств Новой Зеландии Icon Awards 2018; Правительство Новой Зеландии, Управление генерал-губернатора, CC BY 4. 0, через Викисклад

 

В поисках определения поп-арта

Когда дело доходит до решения, кто первым использовал термин «поп-арт», возникает много споров. В Великобритании есть несколько возможных искр, которые привели к фактическому термину «поп-арт». Питер и Элисон Смитсон использовали этот термин в статье 1956 года, опубликованной в журнале Ark Magazine. Статья называлась «Но сегодня мы собираем рекламу».

Ричард Гамильтон дал определение «поп» в письме, которое он написал, и Паолоцци также использовал слово «поп» в своем коллаже I   Was a Rich Man’s Plaything (1947).Сын Джона Макхейла также считает, что его отец впервые употребил этот термин во время разговора с Фрэнком Корделлом в 1954 году.

Лоуренсу Аллоуэю также часто приписывают первое использование этого термина в его эссе 1958 года « Искусство и средства массовой информации». В этом эссе, однако, он использует только фразу «популярная массовая культура» и имеет в виду массовую культуру как продукт средств массовой информации, а не как произведение искусства. В 1966 году Аллоуэй разъяснил эти термины, но к тому времени поп-арт уже проник в школы и галереи.

 

 

Американский поп-арт фон

Нью-Йорк был родиной американского поп-арта. В середине 1950-х нью-йоркские художники подошли к важному перепутью в развитии современного искусства. В Америке художники поп-арта могли либо пойти по стопам абстрактных экспрессионистов, либо восстать против формализма модернистских школ мысли. Естественно, многие художники выбрали бунтарство и стали экспериментировать с нетрадиционными формами и материалами.

В это время Джаспер Джонс уже вызывал переполох своими абстрактными картинами, отсылающими к объектам, которые «ум уже знает». Эти объекты включали числа, отпечатки ладоней, флаги, буквы и мишени. Другие художники поп-арта, такие как Роберт Раушенберг, использовали найденные изображения и предметы наряду с традиционными масляными красками. Точно так же движения Fluxus и Аллан Капроу решили включить в свои произведения элементы окружающего мира. Наряду с другими, эти художники позже сформировали движение Неодада.

Хотя поп-арт начал появляться в Соединенных Штатах в начале 1950-х годов, именно в 1960-х годах это движение набрало обороты. В Музее современного искусства в 1962 году поп-арт был представлен на симпозиуме по поп-арту. Когда художники начали использовать элементы рекламы в современном искусстве, коммерческая реклама стала включать в себя элементы современного искусства. Американская реклама стала очень изощренной, и американским художникам нужно было найти более драматические стили, чтобы дистанцироваться от материалов массового производства.

В то время как британский поп-арт использовал слегка юмористический, романтический и сентиментальный подход к американской поп-культуре, американские художники создавали поп-арт, который обычно был более агрессивным и смелым. Британцы были дистанцированы от реалий американских потребительских образов, в то время как американские художники ежедневно бомбардировались ими.

 

Создание американского современного поп-арта

На Роберта Раушенберга большое влияние оказали художники-дадаисты, в том числе Курт Швиттерс.Раушенберг считал, что живопись связана как с миром изобразительного искусства, так и с повседневной жизнью. Это мнение бросило вызов доминирующей модернистской точке зрения того времени. Раушенберг сочетал в своих работах образы поп-культуры и выброшенные предметы. Таким образом, Раушенберг смог провести связь между своей работой и актуальными событиями в американском обществе.

Шелкографические картины, которые Раушенберг выполнил между 1962 и 1964 годами, объединили вырезки из журналов National Geographic , Newsweek и Life с выразительной кистью.Ранние работы Раушенберга часто классифицируют как нео-дадаизм, потому что они отличаются от стиля американского поп-арта, процветавшего в 1960-х годах.

Роберт Раушенберг у одного из своих экспонатов в Стеделийк-музее, 1968 год;  Джек де Нийс / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Говоря о выдающихся американских поп-артистах, нельзя не упомянуть Роя Лихтенштейна. Использование Лихтенштейном пародии в своих работах предлагает, пожалуй, лучшее определение основной предпосылки поп-арта. Лихтенштейн создает четкие, резкие композиции, основанные на старомодных комиксах.

Используя масляные краски Magna и , Лихтенштейн адаптировал и изменил сцены из комиксов DC и других. Работы Лихтенштейна легко узнать по использованию точек Бен-Дея, смелых цветов и толстых контуров. Художник легко сочетает массовую культуру и изобразительное искусство, интегрируя в свои работы иронию, популярные образы и юмор.

 

Американский поп-арт против британского поп-арта

Поп-арт появился в Америке и Великобритании примерно в одно и то же время в 1950-х и 60-х годах.Всеобъемлющий стиль поп-арт представляет собой объединение различий между двумя народами. Хотя обе страны черпали вдохновение в одном и том же предмете, между их стилями есть несколько различий.

Ранний британский поп-арт черпал вдохновение в созерцании американской популярной культуры на расстоянии. С этой дистанцией пришел определенный уровень романтизма и сентиментализма, а также значительная доля презрения.

Британские поп-исполнители применили академический подход к американской поп-культуре, анализируя силу американских популярных образов в управлении жизнями своих граждан.Традиционно сухое британское чувство иронии и пародии просочилось в британский поп-арт.

Американские поп-исполнители, напротив, жили и дышали американской поп-культурой, и это отсутствие дистанции очевидно. Американский поп-арт также был отчасти бунтом против других форм современного искусства. Абстрактный экспрессионизм был самым большим стимулом для американских художников поп-музыки, которые хотели отойти от очень эмоционального и личного символизма стиля. В результате американские поп-исполнители используют в своих работах обыденные, безличные образы.

Организация выставки Роя Лихтенштейна в Stedelijk Museum, 1967;  Рон Крун / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

 

 

Тенденции, концепции и стили в поп-арте

После перехода от неодадаизма к поп-арту художники во всем мире стали все больше интересоваться использованием массовой культуры в своих работах. В то время как члены Independent Group были первыми, кто использовал термин «поп-арт», американские художники быстро тяготели к этому новому стилю.

Хотя индивидуальные стили художников поп-арта сильно различаются, существуют общие основные темы и концепции движения поп-арт. Использование образов из популярной культуры является наиболее заметной чертой произведений поп-музыки.

MM Критика массовой иконологии (2013) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

После того, как в Америке возникло движение поп-арт, начали появляться несколько европейских вариантов, в том числе немецкое движение капиталистического реализма и французский модерн-реализм.

 

 

Табличное изображение: Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон

европейских поп-исполнителя испытывали смешанные чувства к поп-культуре Америки, и эти чувства, пожалуй, лучше всего переданы через поп-арт-коллажи Гамильтона и Паолоцци. Художники одновременно критиковали излишества и превозносили массово воспроизводимые предметы и образы.

Члены Independent Group, в том числе Гамильтон, были одними из первых, кто использовал в своих работах образы средств массовой информации. Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , коллаж Гамильтона 1956 года, сочетает в себе тщательно подобранные элементы из изображений средств массовой информации, чтобы передать его веру в то, что американская культура была одной из избыточных. Паолоцци анализирует шквал средств массовой информации с помощью своих фотомонтажных коллажей, таких как его работа 1947 года «: Я был игрушкой богатого человека».

 

Культура целлюлозы: Рой Лихтенштейн

Частично значимость работ Лихтенштейна заключается в его способности создавать потрясающие композиции, несмотря на то, что в качестве сюжета он использовал комиксы.Лихтенштейн не только заимствовал образы из серийно издаваемых иллюстрированных книг, но также применял технику комиксов, а именно точки Бен-Дея.

Ура!  (2018) диптих Роя Лихтенштейна; GualdimG, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Несмотря на то, что он использует популярные образы в своих картинах, работы Лихтенштейна не являются простыми дубликатами. Лихтенштейн сосредоточился на одной панели из комикса, часто обрезая ее, чтобы изменить историю. Лихтенштейн также добавлял или удалял различные элементы и экспериментировал с языком и текстом.Лихтенштейн еще больше размыл грань между изобразительным искусством и массовым воспроизведением, нарисовав вручную точки, которые традиционно печатались машинным способом.

 

Монументальное изображение: Джеймс Розенквист

Розенквист был еще одним художником, который использовал образы популярной культуры непосредственно в своих картинах. Однако, как и Лихтенштейн, Розенквист не просто производил копии. Вместо этого Розенквист сопоставляет различных знаменитостей, продукты и изображения в сюрреалистической манере.

Многие работы Розенквиста также содержат яркие политические послания. Розенквист начинал свои работы с создания коллажей из рекламных объявлений и вырезок из фоторепортажей. Затем он превращал простой коллаж в целостную картину.

Розенквист начал свою творческую карьеру с рисования рекламных щитов, и он смог прекрасно перейти к созданию своих коллажей в монументальных масштабах. Многие работы Розенквиста были шириной 20 футов и больше. Раздувая обыденные образы из популярной культуры в таких больших масштабах, Розенквист смог поднять обыденность до статуса изобразительного искусства.

 

Повторение: Энди Уорхол и повторение

Когда вы думаете о поп-арте, имя Энди Уорхола, скорее всего, всплывает в вашей голове. Уорхол — один из самых известных поп-исполнителей, а его стиль является культовым и мгновенно узнаваемым во всем мире. Уорхол, пожалуй, наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей. На протяжении всей своей блестящей карьеры Уорхол экспериментировал с самыми разными предметами.

Общая нить, лежащая в основе всех его работ, — это вдохновение массового потребления и поп-культуры.Повторение — еще один ключевой элемент творчества Уорхола, комментирующий массовое воспроизведение в современную эпоху.

бутылки Coca-Cola и банки с супом Campbell’s занимают видное место во многих ранних работах Уорхола. Уорхол воспроизводил изображения этих предметов до бесконечности, превращая стены галереи в полки супермаркетов. Чтобы еще больше имитировать и пародировать массовое производство, Уорхол начал трафаретную печать своих работ, которые ранее были раскрашены вручную.

Настаивая на механическом создании своих произведений, Уорхол отвергал понятие художественного гения и подлинности.Вместо этого Уорхол подчеркивал коммодификацию искусства в современную эпоху, приравнивая картины к банкам с супом. И суп, и картины можно покупать и продавать как потребительские товары, и оба они имеют внутреннюю материальную ценность. Уорхол пошел еще дальше, приравняв массовые потребительские товары к таким знаменитостям, как Мэрилин Монро.

Нью-йоркская выставка консервных банок для супа Кэмпбелл Энди Уорхола (серия из 42) в 2007 году;  Эндрю Уорхола, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons

 

Поп-скульптура: Клас Ольденбург

Хотя скульптура кажется идеальной средой для поп-арта, Ольденбург был одним из немногих поп-художников, которые исследовали ее.Сегодня Ольденбург славится своими мягкими скульптурами и огромными публичными копиями обыденных предметов потребления, многие из его ранних работ были гораздо меньшего масштаба. В 1961 году Ольденбург создал выставку под названием The Store , где он арендовал витрину в Нью-Йорке, где продавались его небольшие скульптурные копии обыденных предметов.

Вскоре после Магазин, Ольденбург начал экспериментировать с мягкими скульптурами. Ольденбург использовал ткань и наполнитель для изготовления больших рожков для мороженого, кусочков торта, миксеров и других потребительских товаров. Эти мягкие скульптуры разрушались сами по себе, возможно, комментируя пустоту потребительских товаров.

На протяжении всей своей карьеры Ольденбург полностью сосредоточился на обычных предметах. Вслед за своими мягкими скульптурами Ольденбург начал создавать грандиозные произведения паблик-арта. Его скульптура Прищепка 1974 года в Филадельфии была высотой 45 футов. Чувство игривости в представлении обыденного нетрадиционными способами пронизывает все работы Ольденбурга, независимо от масштаба.

 

Поп-арт в Лос-Анджелесе

В то время как Нью-Йорк был родиной американского поп-арта, в Лос-Анджелесе был свой собственный бренд.Сцена Нью-Йорка была гораздо более жесткой, чем Лос-Анджелес, где не было признанных критиков и галерей Восточного побережья Америки. Это отсутствие жесткости выражается в поп-артистах, которые работали и жили в Лос-Анджелесе.

В 1962 году Художественный музей Пасадены провел первое исследование поп-арта. На выставке «Новая живопись обычных предметов» были представлены работы художников Лихтенштейна, Уорхола и художников из Лос-Анджелеса Джо Гуда, Эда Руша, Роберта Дауда и Филиппа Хеффертона.

Была еще одна эстетика поп-арта, которую практиковали лос-анджелесские поп-исполнители, такие как Билли Эл Бенгстон.Работы в этой эстетике отсылали к мотоциклам и серфингу, а также использовались новые материалы, такие как автомобильная краска. Сделать знакомое странным было центральной темой большей части поп-арта Лос-Анджелеса.

Используя неожиданные и новые комбинации средств массовой информации и изображений, а также смещая акцент с потребительских товаров, лос-анджелесские поп-художники вывели поп-арт за рамки простого воспроизведения. Эти художники начали вызывать в своих работах определенные взгляды, чувства и идеи, основывая свои композиции на опыте и раздвигая границы между популярной культурой и изобразительным искусством.

 

Вывеска: Эд Руша

Руша был одним из ведущих поп-исполнителей Лос-Анджелеса и использовал в своих работах самые разные средства массовой информации. Большинство его работ были либо нарисованы, либо напечатаны, и он часто использовал фразы или слова в качестве сюжетов своих ранних работ, подчеркивая вездесущность вывесок Лос-Анджелеса. Работы Руша стирают границы между абстракцией, живописью и рекламными вывесками, что стирает границы между коммерцией и эстетикой.

Большая часть работ Руши очень концептуальна, и он склонен сосредотачиваться на идее, лежащей в основе работы, а не на самом изображении.Как и у многих поп-исполнителей, работа Руши не ограничивалась простым воспроизведением потребительских образов и объектов. Вместо этого он исследовал взаимозаменяемость опыта, текста, изображения и места.

 

Французский модерн-реализм

В 1960 году искусствовед Пьер Рестани основал движение «Новый реализм», составив «Учредительную декларацию нового реализма». В этом документе утверждалось, что новый реализм был новым способом восприятия реальности.Девять художников, объединившихся в своем стремлении к массовой культуре, подписали декларацию в мастерской Ива Кляйна. Принцип поэтического повторения реальности индустрии, городской жизни и рекламы очевиден в технике деколлажа Виллегла. Новые изображения были созданы путем разрезания слоев плакатов.

Отношение американского поп-арта к коммерческой культуре нашло отражение в движении Nouveau Réalisme. Однако этих художников больше интересовали объекты, а не картины.

 

Немецкий капиталистический реализм

Немецким аналогом американского и британского поп-арта было движение капиталистического реализма. В 1963 году Зигмар Польке основал движение, которое использовало эстетику средств массовой информации для исследования объектов товарной культуры.

Другие художники, такие как Конрад Лейг и Герхард Рихтер, стремились разоблачить поверхностность и потребительство современных капиталистических обществ, используя эстетику и образы в своих работах. Рихтер исследовал культуру с помощью фотографии, Польке исследовал творческие возможности механического производства, а Леуг исследовал образы поп-культуры.

Propellerfrau (1969) Зигмара Польке; Зигмар Польке, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

 

 

Известные произведения поп-арта

Как и в любом движении, поп-арт отличается большим разнообразием. Движение претендует на роль многих разных художников, каждый из которых внес ценный вклад в развитие модернизма. В этом разделе статьи мы исследуем некоторые из самых известных произведений поп-арта и исследуем их вклад в одно из самых известных художественных движений 21 века.

 

Эдуардо Паолоцци:

Я был игрушкой богача (1947)

Эдуардо Паолоцци был художником и скульптором шотландского происхождения, одним из важнейших представителей послевоенного авангарда в Англии. В 1947 году он завершил этот коллаж из популярных изображений, произведение, намекающее на движение поп-арта, которое последовало лишь несколько лет спустя. В этом коллаже Паолоцци использует рекламу Coca-Cola, обложку криминального чтива и объявление о наборе в армию.

Как и многое другое в британском поп-арте, это произведение имеет более темный и критический тон. Работа является прекрасным примером того, как британский поп-арт отразил разрыв между суровой политической и экономической реальностью послевоенной Британии и богатым гламуром, идеализированным в популярной американской культуре. Паолоцци стал членом Independent Group, и большая часть его работ исследует влияние массовой культуры и технологий на изобразительное или высокое искусство.

Выбор Паолоцци в качестве средства коллажа намекает на влияние фотомонтажа дадаистского и сюрреалистического движений .Физически сопоставляя широкий спектр изображений популярной культуры и идей поп-арта на одной странице, Паолоцци воссоздает повседневный шквал изображений средств массовой информации в современном мире.

 

Ричард Гамильтон:

Что же делает современные дома такими разными и привлекательными? (1956) Коллаж

был популярной формой раннего поп-арта, и этот коллаж Ричарда Гамильтона — еще один яркий тому пример. Гамильтон сделал это произведение для выставки «Это завтра » в 1956 году.Этот коллаж был рекламой выставки и попал в каталог. Многие критики называют этот коллаж самой первой работой британского движения поп-арт.

На коллаже мы видим современных Адама и Еву. Эти двое — не библейские персонажи, а танцор бурлеска и бодибилдер. Эти два основополагающих персонажа находятся в окружении современных удобств, включая консервированную ветчину, пылесос и телевизор.

Гамильтон вырезал каждый элемент из рекламы в журналах.Сцена, которую создает Гамильтон, поддерживает и эксплуатирует потребительство. Гамильтон также предлагает язвительную критику упадка американских послевоенных лет.

 

Джеймс Розенквист:

Избранный президент (1960-61)

Эта картина — первая картина в нашем списке, которая не является коллажем, но начала свою жизнь как единое целое. Розенквист начал создавать это произведение с создания коллажа из трех отдельных элементов. Каждый элемент вырезается из различных материалов СМИ.Картину украшает лицо Джона Ф. Кеннеди, желтый «Шевроле» и кусок торта. Затем Розенквист превратил объединение потребительских объектов в монументальную фотореалистичную картину.

Розенквист заявил, что он решил использовать лицо Джона Ф. Кеннеди с одного из плакатов своей кампании наряду с другими элементами, взятыми из рекламы, потому что его интересовала внезапная тенденция людей рекламировать себя как потребительские товары.

Розенквист умело сочетает элементы коллажа в живописи, доказывая свой художественный талант и способность предлагать яркие культурные и политические комментарии через популярные образы.

 

Claes Oldenburg:

Ящик для кондитерских изделий, I (1961-62)

Хотя скульптура не была самым распространенным средством поп-арта, Ольденбург был самым известным поп-скульптором. Если вы когда-либо видели большие, игриво-абсурдные скульптуры из неодушевленных предметов или еды, скорее всего, они были созданы Ольденбургом.  

Apple Core (1992) Класа Ольденбурга;  צילום:ד”ר אבישי טייכר, CC BY 2.5, через Wikimedia Commons

Ящик для кондитерских изделий, I — это коллекция работ, которые Ольденбург выставил на своей инсталляции The Store в 1961 году. Магазин был магазином в Нижнем Ист-Сайде в Нью-Йорке, где Ольденбург создавал и демонстрировал скульптурные объекты. Гипсовые засахаренные яблоки Ольденбурга, клубничные пирожные и другие потребительские товары были выставлены в его магазинной инсталляции.

Вещи Ольденбурга не только были коммерческими товарами, но он также продавал их в The Store по очень низким ценам. Инсталляция и коллекция Pastry Case I комментируют отношения между коммерческими товарами и искусством как товарами.Хотя Ольденбург продавал эти предметы, как если бы они были массовыми потребительскими товарами, все они были тщательно изготовлены вручную.

Ольденбург включает в эти произведения еще одну культурную критику посредством щедро выразительных мазков, которые он использует для рисования каждого объекта. Многие считают, что эти мазки высмеивают работы абстрактных экспрессионистов. Критика абстрактного экспрессионизма является общей чертой поп-арта. Ольденбург создает очень ироничную атмосферу, сочетая коммерческие предметы с экспрессионистскими мазками.

Фотография Класа Ольденбурга в спектакле «Курс ножа » в Венеции, 1985 год;  Gorupdebesanez, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

Рой Лихтенштейн:

Тонущая девушка (1963)

К началу 1960-х годов слава Лихтенштейна росла. Лихтенштейн специализировался на картинах, основанных на популярных комиксах, и это одно из его самых известных произведений. До Лихтенштейна ни один поп-исполнитель никогда не фокусировался исключительно на мультяшных образах.Другие художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, ранее использовали популярные образы в своих работах, но Лихтенштейн был первым, кто сосредоточился на мультфильмах.

Именно работы Лихтенштейна и Энди Уорхола положили начало движению поп-арт. Хотя Лихтенштейн работал исключительно с комиксами, он не копировал их напрямую из источников. Вместо этого он использовал сложные приемы, вырезая комические изображения для создания новых и захватывающих композиций. Лихтенштейн также менял написание каждой из своих картин, сокращая его и указывая на визуальное значение письма в комическом жанре.

Тонущая девушка — хороший пример этой техники, потому что исходное исходное изображение включало бойфренда девушки, стоящего над ней на лодке. В своих картинах Лихтенштейн переосмысливает эти аспекты коммерческого искусства. При этом он бросает вызов существующим представлениям об иерархии форм искусства.

Как и в случае со многими картинами в стиле поп-арт, неясно, поддерживает ли Лихтенштейн комическую форму в своих картинах или критикует ее. Одобряет ли он комический стиль и подражает ему, чтобы повысить его ценность, или это резкая критика? Ответ на этот вопрос остается за интерпретацией зрителя.

 

Зигмар Польке:

кроликов (1966)

Зигмар Польке был значительной фигурой немецкого капиталистического реализма, соучредителем движения в 1963 году. Наряду с другими художниками, такими как Конрад Лейг и Герхард Рихтер, Польке начал рисовать образы популярной культуры. Эти картины демонстрируют холодный цинизм в отношении состояния экономики Германии после Второй мировой войны. Эти картины в стиле поп-арт также вызывают чувство подлинной ностальгии по самим изображениям.

Когда Лихтенштейн начал копировать точки Бен-Дея, Полке начал имитировать коммерческие четырехцветные печатные рисунки точек. В своей картине « кроликов» Польке воссоздает изображение четырех костюмированных кроликов из Playboy Club. Нарушение техники точечной печати на холсте прерывает массовый маркетинговый эффект сексуальной привлекательности. Чем ближе зритель подходит к скудно одетым женщинам, тем меньше он может видеть.

В большинстве своих картин Польке не призывает зрителя к личной идентификации.Вместо этого картины Польке становятся аллегориями потери себя в потоке коммерческих образов. Диссонанс между повышенной сексуальностью кроликов Playboy и точечными узорами перекликается с конфликтом между стремлением к массовой коммерческой современной жизни и одновременным отвращением к самой идее.

По сравнению с нью-йоркскими поп-исполнителями работы Польке гораздо более открыто критикуют потребительство в массовой культуре. Эти взгляды уходят корнями в движение капиталистического реализма.Вместо того, чтобы предлагать защищенную и слегка скрытую критику популярной культуры, Польке берет ее в лоб.

Фотография Дитера Фровейна Льяссо (слева) и Зигмара Польке (справа) где-то после 2000 года; Корнел Вахтер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Эд Руша:

Стандартная станция (1966)

На западном побережье Америки Эд Руша был одним из самых выдающихся поп-фотографов, граверов и художников. Большая часть работ Руши представляет собой уникальное и красочное сочетание голливудских образов, юго-западного пейзажа и коммерческой культуры.Заправочная станция, как и в Standard Station, , является общим мотивом в его работах. На самом деле, в своей книге под названием « Двадцать шесть бензозаправочных станций » (1963) Руша описывает свое путешествие по сельской местности юго-запада.

В этой картине Руше удается превратить обыденный и прозаический образ заправочной станции в эмблему потребительской американской культуры. Экран Ruscha печатает это изображение, которое сглаживает перспективу и отражает эстетику коммерческой рекламы.Также можно увидеть ранние эксперименты Руши с взаимодействием текста и языка. В своих более поздних работах Руша будет опираться на эти ранние эксперименты, и язык станет неотъемлемой частью его концептуальных работ.

Обложка Twentysix Gasoline Stations (1962) Эдварда Руши;  Эдвард Руша, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Дэвид Хокни:

Большой всплеск (1967)

Хокни создал это большое полотно площадью 94 квадратных дюйма по эталонной фотографии в журнале о бильярде.Хокни заинтриговала мысль о том, что можно запечатлеть мимолетное событие с фотографии на картине. В то время как момент всплеска был коротким, процесс рисования был намного дольше. Хокни удается противопоставить статическую жесткость геометрического дома, пальм, края бассейна, ярко-желтого трамплина динамизму брызг воды. Результатом является преднамеренно разрозненное чувство.

Искусственная стилизация картины характерна для стиля поп-арт.

 

Энди Уорхол:

Суп Кэмпбелл I (1968)

Эта картина является одной из целой серии Банки с супом Кэмпбелл Энди Уорхола. В отличие от работ абстрактных экспрессионистов, Уорхол никогда не хотел, чтобы люди прославляли эти картины за их композиционный стиль или форму.

Уорхол — один из самых известных художников поп-музыки, наиболее известный тем, что использует общеизвестные популярные образы в контексте изобразительного искусства.В дополнение к своей серии банок супа Кэмпбелл, Уорхол также использовал лица Мэрилин Монро, Микки Мауса и других известных личностей.

Специальное издание супов Кэмпбелл Энди Уорхола; Фото: Джон Леффманн, CC BY 3.0, Wikimedia Commons

Представляя эти различные популярные образы в повторяющемся стиле, Уорхол создал ощущение массового производства в контексте изобразительного или высокого искусства. Для Уорхола это был не случай подчеркивания или прославления популярных образов, а скорее предоставление социального комментария о потреблении.В наше время такие товары, как знаменитости, суп и мультфильмы, становятся узнаваемыми с одного взгляда.

Хотя Уорхол нарисовал эту раннюю серию, он быстро обратился к трафаретной печати. Мало того, что трафаретная печать была гораздо более экономичной, он также мог придать своим товарам массового производства еще больший смысл массового производства. На первой персональной выставке Уорхола в Лос-Анджелесе он представил 100 полотен из банок супа Кэмпбелл. Этот экспонат в галерее Ferus немедленно поместил Уорхола на карту мира и поднял его на большую высоту.

 

Поп-арт, безусловно, одно из самых известных художественных направлений 21 века. После глобальной войны и невзгод движение стало полностью современным исследованием растущего потребительства и избытка современного мира. За яркими красками, игривыми композициями и абсурдной эстетикой скрывается резкая культурная критика.

 

Поп-арт Zoom Background

Найдите свой следующий зум-фон в стиле поп-арт в нашем кураторском списке зум-фонов HD в стиле поп-арт от розовых и разноцветных настенных росписей до женщины с черным зонтом.Поднимите улыбки во время вашего следующего звонка в Zoom! Интересное фоновое изображение с увеличением всегда является началом разговора или возможностью разрядить атмосферу на встрече. Если вы не знаете, как установить виртуальный фон в Zoom, у нас есть инструкции внизу этого поста. Теперь давайте перейдем к нашему списку наших лучших фонов в стиле поп-арт ниже. Щелкните заголовки ссылок или изображения, чтобы перейти к изображению с высоким разрешением, где вы можете щелкнуть изображение правой кнопкой мыши, чтобы сохранить его. Все наши фоны с масштабированием в высоком разрешении предоставлены Unsplash, что позволяет их быстро просматривать и загружать.
Если вы ищете другие фоны, обязательно ознакомьтесь с нашим полным списком фонов масштабирования.

1. Blue And Orange Orange Wall Art Pop Art Zoom Background

Фото Clark Van Der Beken

2. Поп-арт Zoom Background

Фото Майка Фона

3. Happy Birthday To You Wall Art Pop Art Zoom Background

Фото Justine ft

4. Женщина с черным зонтом Поп-арт Увеличить фон

Фото Майка Трома

5. Розовая и разноцветная настенная живопись в стиле поп-арт Zoom Background

Фото JOSHUA COLEMAN

6. Бело-черная стена с граффити в стиле поп-арт Zoom Background

Фото Mika Baumeister

7. Женщина в бело-синей майке стоит у стены с граффити Поп-арт Увеличить фон

Фото DESIGNECOLOGIST

8. Yellow Rubber Ducks Pop Art Zoom Background

Photo by JOSHUA COLEMAN

9. Разноцветная и цветочная живопись в стиле поп-арт Zoom Background

Фото JOSHUA COLEMAN

10. Женщина в солнцезащитных очках Фреска Поп-арт Увеличить фон

Фото Кларк Ван Дер Бекен

Чтобы добавить фон масштабирования, откройте вкладку Настройки вашего Zoom и перейдите в раздел Виртуальный фон . Вы найдете возможность загрузить фоновое изображение или видео по вашему выбору в настройках масштабирования. Чтобы получить подробные инструкции о том, где найти эти параметры настройки, мы советуем вам прочитать всю статью по настройке, доступную на Zoom здесь.

ВАМ! Пау! Поразите свою аудиторию вектором поп-арта!

В этом уроке по векторному поп-арту мы узнаем, как воссоздать стиль иллюстрации, используемый для поп-арта. Этот тип иллюстрации взят из процесса печати под названием «Ben-Day dots». Разница между эффектом Бен-Дея и эффектом полутонов заключается в том, что в первом случае точки всегда имеют одинаковый размер и распределение. Чтобы создать этот векторный эффект поп-арта, мы собираемся использовать пользовательские шаблоны и экспериментировать с различными цветовыми сочетаниями, чтобы добиться настоящего эффекта поп-арта для нашего аватара. Наконец, мы собираемся узнать, как сохранить стиль поп-арта в вашем аватаре независимо от размера изображения. Давайте начнем! 🙂

Подробности руководства: вектор поп-арта

  • Программа: Adobe Illustrator CS5
  • Сложность: Средний
  • Рассматриваемые темы: Инструменты формы, Пользовательские образцы, Заливка узором, Раскрашивание узора, Инструменты Обработки контуров, Кисти.
  • Расчетное время завершения: 1 час.

Окончательное изображение: вектор поп-арта

Шаг 1. Вектор поп-арта

Чтобы начать наш векторный урок поп-арта, мы начнем с рисования лица крупным планом. Этот рисунок может быть простым штрихом, ничего сложного.

Далее мы создадим тени с объектами, залитыми сплошным черным цветом. Используйте Pen Tool (P) , чтобы нарисовать объекты и попытаться придать иллюстрации объем и движение. Обратите особое внимание на то, как мы нарисовали штрихи волос и тень под подбородком.

Шаг 2

Выберите цвета, которые вы хотите использовать в своих векторных иллюстрациях в стиле поп-арт. Я выбрал типичные цвета, используемые в иллюстрациях в стиле поп-арт, чтобы сделать эффект более очевидным, но вы можете выбрать цвета, которые лучше представляют вашу фотографию (если вы сделали рисунок с фотографии) или иллюстрацию.

Совет. В Illustrator встроена палитра векторных образцов в стиле поп-арт. Чтобы увидеть его, перейдите на панель образцов (Окно > Образцы) и щелкните значок, расположенный в правом верхнем углу.В меню выберите Open Swatch Library > Art History > Pop Art .

Шаг 3

Далее мы создадим образцы для фона точек объектов.

Нам нужна направляющая сетки, чтобы сделать образцы точек для каждого цвета. Откройте сетку, выбрав View > Show Grid . Убедитесь, что у вас включена функция « Snap to Grid ». Перейдите в View > Snap Grid , чтобы проверить, включена ли она. Если рядом с ним стоит галочка, оно включено.Если это не так, нажмите, чтобы включить.

Нарисуйте два круга Инструментом «Эллипс» (L) . Удерживая нажатой клавишу Shift, рисуйте эллипс, чтобы сохранить пропорции и создать круг. Пространство между кругами будет определять преобладающий цвет в образце. Чем ближе круги, тем более преобладающим будет цвет круга на фоне цвета фона. Кроме того, чем больше места занимают точки, тем заметнее они будут для человеческого глаза. В этом уроке я хотел бы, чтобы они были довольно заметными.

Шаг 4

Теперь продублируйте два круга и поверните их на 90 градусов с помощью Rotate Tool (R) . Нажмите и удерживайте клавишу Shift для поворота с шагом 45 градусов. Затем нарисуйте квадрат Инструментом «Прямоугольник» (М) , где каждая сторона проходит через центральную точку круга.

Шаг 5

Теперь продублируйте квадрат четыре раза и пересечите каждый экземпляр с каждым кругом, используя инструмент Intersect Tool на панели Pathfinder .Если вы не видите панель Pathfinder, вы можете перейти в Window > Pathfinder , чтобы открыть ее. Чтобы закончить образец, выберите один оставшийся квадрат и отправьте его на задний план, выбрав Object > Arrange > Send to Back .

Шаг 6

Продублируйте четыре раза каждый набор квадратов и точек, по одному для каждого цвета, который есть на нашей иллюстрации. Теперь заполните каждый набор кругов цветами нашей иллюстрации. Наконец, залейте квадрат белым цветом. Теперь мы готовы создать образцы из этих элементов! Выберите первый квадрат с кругами внутри и перейдите к Edit > Define Pattern .Назовите свой образец, если хотите, и нажмите OK , чтобы создать образец. Повторите процесс для других цветов. Вы увидите новые образцы, доступные на панели «Образцы».

Шаг 7

Замените цвета объектов на нашей иллюстрации новыми образцами. Выберите каждый объект и щелкните соответствующий образец на панели образцов. Определенно начинает походить на вектор поп-арта!

Если вас не устраивает то, как какой-либо из образцов выглядит как узор на иллюстрации, вы можете поиграть с фоновым цветом, чтобы создать другие тона.Например, я хотела придать губам более полный эффект. Для этого я изменил цвет фона с белого на розовый. Вы можете отредактировать цвет образцов, выбрав его и выбрав Edit > Edit Color > Recolor Artwork . Найдите столбцы «Текущий» и «Новый» в этом окне и щелкните поле цвета под столбцом «Новый», чтобы изменить цвет. В данном случае я изменил белый цвет на розовый. Нажмите OK , чтобы применить изменения.

Шаг 8

Теперь займемся штрихами, которые придают лицу выражение.Это одиночные штрихи без заливки. Есть некоторые для профиля носа, щек, лба и т. д. Откройте панель кистей ( Окно > Кисти ) и щелкните значок в правом верхнем углу, чтобы открыть его меню. Выберите Open Brush Library > Artistic > Artistic_Ink .

Появится новая панель. Теперь выберите один из штрихов и нажмите на нижнюю кисть с именем « Tapered Stroke » на панели, которую мы только что открыли. Проделайте то же самое с остальными штрихами. Я применил кисть ко всем своим элементам на иллюстрации, чтобы края между ними были идеально выровнены.

Шаг 9

Если кисть для мимических линий слишком широкая или слишком тонкая (зависит от размера вашей иллюстрации), вы можете отрегулировать ширину кисти. Перейдите на панель кистей, где вы найдете кисть, которую используете для мимических линий. Когда вы выбираете кисть на любой из панелей библиотеки кистей, она автоматически добавляется на главную панель кистей . Дважды щелкните по кисти и в ползунке «Ширина» переместите стрелку влево, чтобы сделать штрихи тоньше, или вправо, чтобы сделать их шире. Нажмите OK , когда закончите.

Шаг 10

Мы почти закончили. Поскольку мы создаем этот векторный эффект в стиле поп-арт для аватара, вы можете сделать точки меньше или больше, увидев, как он выглядит в виде маленькой иконки. Вы можете сохранить ширину точек, даже если вы измените размер иллюстрации. Для этого откройте окно настроек (Illustrator> Настройки> Общие) и снимите флажок «Преобразовать плитки узора». Оставьте флажок «Масштабировать штрихи и эффекты» отмеченным, чтобы масштабировать мимические линии.

Теперь вы можете иметь свой аватар в нескольких размерах без потери эффекта поп-арта.

Эти значки ссылаются на сайты социальных закладок, где читатели могут делиться и находить новые веб-страницы.

Энди Уорхол — Смерть, искусство и факты

Энди Уорхол был одним из самых плодовитых и популярных художников своего времени, используя как авангардистские, так и высококоммерческие идеи.

Кем был Энди Уорхол?

Энди Уорхол был успешным журнальным и рекламным иллюстратором, который стал ведущим художником движения поп-арт 1960-х годов. Он пробовал себя в самых разных формах искусства, включая перформанс, кинопроизводство, видеоинсталляции и писательство, и неоднозначно стирал границы между изобразительным искусством и господствующей эстетикой. Уорхол умер 22 февраля 1987 года в Нью-Йорке.

Молодость

Эндрю Уорхола родился 6 августа 1928 года в окрестностях Окленда в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Родители Уорхола были иммигрантами из Словакии. Его отец, Андрей Вархола, был строителем, а мать, Юлия Вархола, была вышивальщицей.Они были набожными византийскими католиками, которые регулярно посещали мессы и сохранили большую часть своей словацкой культуры и наследия, живя в одном из восточноевропейских этнических анклавов Питтсбурга.

В возрасте восьми лет Уорхол заразился хореей — также известной как танец Святого Вита — редким и иногда смертельным заболеванием нервной системы, из-за которого он был прикован к постели на несколько месяцев. Именно в эти месяцы, когда Уорхол лежал больной в постели, его мать, сама искусная художница, дала ему первые уроки рисования. Рисование вскоре стало любимым занятием Уорхола в детстве. Он также был заядлым поклонником кино, и когда его мать купила ему камеру в возрасте девяти лет, он также занялся фотографией, проявляя пленку в импровизированной фотолаборатории, которую он устроил в их подвале.

Уорхол посещал начальную школу Холмса и посещал бесплатные уроки рисования в Институте Карнеги (ныне Художественный музей Карнеги) в Питтсбурге. В 1942 году, в возрасте 14 лет, Уорхол снова пережил трагедию, когда его отец скончался от желтухи печени.Уорхол был так расстроен, что не смог присутствовать на похоронах отца, и все поминки прятался под кроватью. Отец Уорхола признал художественные таланты своего сына и в своем завещании указал, что все его сбережения должны пойти на обучение Уорхола в колледже. В том же году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона), чтобы изучать графический дизайн.

Поп-арт

Окончив колледж со степенью бакалавра изящных искусств в 1949 году, Уорхол переехал в Нью-Йорк, чтобы продолжить карьеру коммерческого художника. Именно в это время он убрал букву «а» в конце своей фамилии, чтобы стать Энди Уорхолом. В сентябре он получил работу в журнале Glamour и стал одним из самых успешных коммерческих художников 1950-х годов. Он часто получал награды за свой уникально причудливый стиль, используя собственную технику клякс и резиновые штампы для создания своих рисунков.

Банки с супом Кэмпбелл

В конце 1950-х годов Уорхол стал уделять больше внимания живописи, а в 1961 году он дебютировал с концепцией «поп-арт» — картины, ориентированные на массовые коммерческие товары.В 1962 году он выставил ставшие культовыми изображения банок с супом Кэмпбелла. Эти небольшие холсты, изображающие товары повседневного спроса, произвели большой фурор в мире искусства, впервые привлекая внимание как Уорхола, так и поп-арта.

Британский художник Ричард Гамильтон описал поп-арт как «популярный, преходящий, одноразовый, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, бесполезный, гламурный, большой бизнес». Как выразился сам Уорхол: «Как только вы «получите» поп, вы уже никогда не увидите прежнюю вывеску.И как только вы подумаете о попсе, вы уже никогда не увидите Америку прежней». ; его самые известные портреты включают Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Мика Джаггера и Мао Цзэдуна. По мере того, как эти портреты приобретали славу и известность, Уорхол начал получать сотни заказов на портреты от светских людей и знаменитостей.Его портрет «Восемь Элвисов» в конце концов был перепродан за 100 миллионов долларов в 2008 году, что сделало его одной из самых ценных картин в мировой истории.

Фабрика

В 1964 году Уорхол открыл свою собственную художественную студию, большой выкрашенный серебром склад, известный просто как «Фабрика». Фабрика быстро стала одним из главных культурных центров Нью-Йорка, ареной роскошных вечеринок, на которых присутствовали самые богатые светские люди и знаменитости города, в том числе музыкант Лу Рид, который своим хитом отдал дань уважения мошенникам и трансвеститам, которых он встретил на Фабрике. песня «Walk on the Wild Side» — куплеты которой содержат описания людей, которые были постоянными посетителями легендарной студии/склада в 60-х, в том числе Холли Вудлон, Кэнди Дарлинг, «Маленький Джо» Даллесандро, «Фея сахарной сливы» Джо Кэмпбелл и Джеки Кертис.(Уорхол был другом Рида и руководил его группой The Velvet Underground.)

Уорхол, который явно наслаждался своей знаменитостью, стал завсегдатаем печально известных ночных клубов Нью-Йорка, таких как Studio 54 и Max’s Kansas City. Комментируя пристрастие к знаменитостям — как к себе, так и к широкой публике, — Уорхол заметил: «Больше всего на свете люди просто хотят звезд». Он также развивал новые направления, опубликовав свою первую книгу Andy Warhol’s Index в 1967 году. закончился.3 июня его застрелила Валери Соланас, начинающая писательница и радикальная феминистка. Во время этого нападения Уорхол был серьезно ранен. Соланас появилась в одном из фильмов Уорхола и, как сообщается, была расстроена из-за его отказа использовать написанный ею сценарий. После стрельбы Соланас была арестована и позже признала себя виновной в совершении преступления. Уорхол провел недели в нью-йоркской больнице, восстанавливаясь после травм, и перенес несколько последующих операций. В результате полученных травм ему пришлось до конца жизни носить хирургический корсет.

ПОДРОБНЕЕ: Узнайте о Валери Соланас, женщине, которая стреляла в Энди Уорхола

Книги и фильмы Уорхола

В 1970-х годах Уорхол продолжал изучать другие формы медиа. Он опубликовал такие книги, как  Философия Энди Уорхола (От А к Б и обратно) и Воздействие . Уорхол также много экспериментировал с видеоартом, сняв за свою карьеру более 60 фильмов. Некоторые из его самых известных фильмов включают « Sleep », в котором поэт Джон Джорно изображен спящим в течение шести часов, и « Eat », в котором показано, как человек ест гриб в течение 45 минут.

Уорхол также работал в области скульптуры и фотографии, а в 1980-х годах он перешел на телевидение, ведя передачи Энди Уорхола TV и Пятнадцать минут Энди Уорхола на MTV.

Смерть

В более позднем возрасте Уорхол страдал от хронических проблем с желчным пузырем. 20 февраля 1987 года он был госпитализирован в Нью-Йоркскую больницу, где ему успешно удалили желчный пузырь, и он, казалось, выздоравливал. Однако через несколько дней у него возникли осложнения, которые привели к внезапной остановке сердца, и он умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет.Тысячи людей пришли на мемориал художника в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке.

Наследие

Загадочная личная жизнь Уорхола была предметом многочисленных споров. Широко распространено мнение, что он был геем, и его искусство часто было наполнено гомоэротическими образами и мотивами. Однако он утверждал, что всю жизнь оставался девственником.

Жизнь и творчество Уорхола одновременно высмеивали и прославляли материальность и знаменитость. С одной стороны, его картины с искаженными изображениями брендов и лицами знаменитостей можно рассматривать как критику того, что он считал культурой, одержимой деньгами и знаменитостями. С другой стороны, внимание Уорхола к потребительским товарам и иконам поп-культуры, а также его собственная склонность к деньгам и славе предполагают жизнь, прославляющую те самые аспекты американской культуры, которые подвергались критике в его работах. Уорхол говорил об этом очевидном противоречии между своей жизнью и работой в своей книге «Философия Энди Уорхола », написав, что «зарабатывание денег — это искусство, а работа — это искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство».

Поп-арт — 11 работ, которые нужно знать | by Dr Ruth Polleit Riechert

Недавно побывав в Нью-Йорке и увидев наиболее актуальные произведения поп-арта «во плоти», пришло время написать об этом ART A-Z.

Что такое История поп-арта?

Поп-арт — направление в искусстве, зародившееся в Великобритании в 1950-х годах и получившее продолжение в 1960-х годах в Америке и Великобритании. Он черпал вдохновение из источников популярной и коммерческой культуры. Основной ее период закончился в начале 1970-х гг.

О чем поп-арт?

Важнейшей характеристикой поп-арта является идея об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника.

Отражая веяния времени, поп-арт ориентирован на массовое производство, знаменитостей и расширяющиеся отрасли рекламы, телевидения, радио и печатных СМИ.

Большинство артистов эстрады начинали свою карьеру с коммерческого искусства. Их фон предоставил им визуальный словарь массовой культуры.

Как направление в искусстве, поп-арт объединил множество различных стилей живописи, скульптуры, коллажа и уличного искусства. Поп-арт часто смел, красочен и юмористичен и выглядит плоско, а не имеет глубины, созданной слоями цвета.

Какие самые важные художники и произведения искусства?

Эдуардо Паолоцци (1924–2005), шотландский скульптор и художник, был ключевым представителем британского послевоенного авангарда. В своем коллаже «Я был игрушкой богатого человека» (1947) он объединил различные элементы поп-культуры и включил слово «поп». Вот почему это произведение считается основополагающим произведением поп-арта.

Эдуардо Паолоцци, «Я был игрушкой богатого человека», 1947, Тейт Модерн, Лондон.

Ричард Гамильтон (1922–2011) многие считают отцом британского поп-арта. Вероятно, его самая известная работа — коллаж 1956 года «Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», В котором он объединил изображения из различных источников средств массовой информации.

Ричард Гамильтон, «Что делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», 1956, Кунстхалле Тюбинген, Германия.

С Джаспаром Джонсом «Флаг» (1954/55) прежнее движение беспредметного искусства Абстрактный экспрессионизм подошло к концу, когда Джонс нарисовал повседневный предмет: американский флаг.

Джаспер Джонс, «Флаг», 1954/55, Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фото: RPR

Родился в 1923 году в Нью-Йорке, Рой Лихтенштейн (1923–1997) стал еще одной ведущей фигурой в движении американского поп-арта. Он известен своими рисунками в стиле комиксов в мультяшном стиле. Основанный на изображении из выпуска All-American Men of War DC Comics 1962 года, Лихтенштейн «Whaam!» (1963) считается его самым важным произведением искусства.

Рой Лихтенштейн, «Whaam!», 1963, Тейт Модерн, Лондон.

Роберт Раушенберг (1925–2008) известен своими коллажами «Комбинаты» 1950-х годов, в которых нетрадиционные материалы и предметы использовались в новаторских сочетаниях.Раушенберг был и художником, и скульптором, и Комбинаты часто представляют собой смесь того и другого. Как и Джаспера Джонса, его часто считают предшественником поп-арта. Позже он также включил в свои коллажи общественных деятелей.

Роберт Раушенберг, «Ретроактивный», 1964, Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фото: RPR

Как и многие поп-исполнители, Джеймс Розенквист (1933–2017) был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей в СМИ. На своей картине «Избранный президент» художник изображает Джона Ф.Лицо Кеннеди среди множества потребительских товаров.

Джеймс Розенквист, «Избранный президент», 1960/61, Центр Жоржа Помпиду, Париж. Джеймс Розенквист, «Мэрилин Монро», 1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фото: RPR

Энди Уорхол (1928–1987), пожалуй, самая известная фигура в движении поп-арт. В начале 1960-х он начал экспериментировать с репродукциями, основанными на массовых изображениях из популярной культуры, таких как банки из-под супа Кэмпбелл и бутылки из-под кока-колы.

Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк.Фото: RPR

В 1962 году Уорхол создал, пожалуй, самую известную свою работу. Он создал несколько серийных изображений актрисы Мэрилин Монро (1926–1962), основанных на одной и той же рекламной фотографии. Повторение изображения было репрезентативным для ее присутствия в средствах массовой информации.

Энди Уорхол, «Мэрилин Диптих», 1962, Тейт Модерн, Лондон.

Клас Ольденбург (род. в 1929 г.) хорошо известен тем, что распространял поп-арт в массы, увеличивая предметы повседневного обихода, а затем размещая их на крышах зданий и посреди парков.

Клас Ольденбург, «Торт на полу», 1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк.

В Германии аналогом движения американского поп-арта был Капиталистический реализм . Группа была основана Зигмаром Польке (1941–2010) в 1963 году с целью разоблачения потребительства и поверхностности современного общества.

Зигмар Польке, «Зайчики», 1966, Музей Хиршхорна, Вашингтон, округ Колумбия.

Во Франции аспекты поп-арта присутствовали в Nouveau Réalisme, движении, которое отражало озабоченность американских поп-художников коммерческой культурой, однако многие из Nouveau Réalistes больше интересовались объектами, чем живописью.Движение было в основном основано Ивом Кляйном (1928–1962).

Что случилось позже?

Поп-арт продолжал оказывать влияние на художников в последующие десятилетия. Однако поп-музыка потеряла популярность в 1970-х, когда мир искусства сместил акцент с предметов искусства на инсталляции, перформансы и другие менее осязаемые формы искусства, но с возрождением живописи в начале 1980-х арт-объект снова стал популярен. снова.

Закажите консультационную консультацию по искусству:

Если вы хотите получить помощь в покупке и продаже произведений искусства с умом, пожалуйста, свяжитесь с Рут здесь.

www.rpr-art.com

Поп-арт. Краткая история

Поп-арт. Краткая история

Поп-арт — направление в искусстве, возникшее в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в США. Поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, включив образы из популярной культуры, такие как реклама и новости. В поп-арте материал иногда визуально удаляется из известного контекста, изолируется и/или комбинируется с несвязанным материалом. Концепция поп-арта относится не столько к самому искусству, сколько к отношениям, которые к нему привели.

Поп-арт характеризовал чувство оптимизма во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и The Beatles. Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным художественному истеблишменту. Он включал в себя разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но всех их объединял интерес к масс-медиа, массовому производству и массовой культуре. Он широко интерпретируется как реакция на господствовавшие тогда идеи абстрактного экспрессионизма, а также как их расширение.А благодаря использованию найденных предметов и изображений он подобен Дадаизму. Поп-арт стремился использовать образы популярной, а не элитарной культуры в искусстве, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой данной культуры, чаще всего с помощью иронии. Это также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или методов визуализации.

Реклама, маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в образах, выбранных поп-артистами, например, в банках супа Кэмпбеллс Энди Уорхола. Даже маркировка на упаковочной коробке, содержащей предметы розничной торговли, использовалась в качестве предмета поп-арта, например, в скульптуре Уорхола «Коробка для томатного сока Кэмпбелла» 1964 или в его скульптурах Brillo Soap Box .

Энди Уорхол — один из самых известных художников, связанных с поп-артом. Его изображения Мика Джаггера, Мэрилин Монро и банок с супом Кэмпбелл, и это лишь некоторые из них, стали домашними изображениями, перепечатанными на футболках, плакатах, кружках и узнаваемыми людьми по всему миру.

Наверное, удивительно, что движение поп-арт зародилось в Лондоне до того, как убедительно ворвалось на арт-сцену Америки. Ведь именно американский художник Энди Уорхол стал синонимом движения, известного как поп-арт. Однако именно Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, как некоторые из членов-основателей Independent Group (художественного и литературного коллектива, который регулярно собирался в ICA в Лондоне между 1952 и 1955 годами), были предшественниками британского поп-арта и Трансатлантическое поп-арт движение.Ричарда Гамильтона часто называют основателем британского поп-арта. Другие считают, что разговоры между Гамильтоном и Паолоцци положили начало трансатлантическому художественному движению, ныне известному как поп-арт.

Третьи настаивают на том, что «американский поп-арт» развивался сам по себе и иначе, чем его британский аналог. Утверждается, что это было одновременно развитием и реакцией на абстрактную экспрессионистскую живопись, которая была первым американским художественным движением, получившим мировое признание. Однако к середине 1950-х многие считали, что она стала слишком интроспективной и элитарной.

Американский поп-арт развился как попытка обратить вспять элитарную и абстрактную тенденцию, повторно представив изображение как структурный прием в живописи, чтобы снова вернуть искусство из мрака абстракции в реальный мир. Это была модель, которая была опробована и испытана ранее. Пикассо делал что-то подобное сорок лет назад, когда он накладывал напечатанные изображения «реального мира» на свои натюрморты, когда думал, не станут ли его работы слишком абстрактными.

Примерно в 1955 году появились два выдающихся художника, которые заложили основу моста между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом.Это были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Также очевидно, что движение американского абстрактного импрессионизма оказало влияние и на движение британского поп-арта. Сэр Питер Блейк создал работы, основанные на Юнион Джеке ( Union Flag 3 (Black) — внизу слева), явно под влиянием Stars & Stripes Flag Джаспера Джона (вверху слева) и коллажей Гамильтона ( Collage of the White Альбом, 1968 г. — внизу справа) ) напоминает Раушенберга в 1960-х (см. Retroactive II, 1963 ).

Независимо от того, где началось это движение или с какой стороны Атлантики — коллекционеры и музеи, а также огромный общественный интерес ясно показывают, что поп-арт действительно очень популярен и останется.

 

Создание иллюстрации в стиле поп-арт от toinstaa

Всем привет :^) Темы месяца вдохновили меня на создание тематического произведения в стиле поп-арт.В этом уроке я надеюсь объяснить рабочий процесс и процесс, стоящий за этой частью, и дать некоторые идеи или подсказки, которые могут помочь другим, пытающимся достичь определенных эффектов. Итак, пошли.

Концепция/Набросок

На мой взгляд, аспекты, которые довольно четко обобщают поп-арт, следующие:

1) Смелые очертания и узоры
2) Яркие цветовые палитры
3) Повторение и искажение изображений.

Поп-арт был также в значительной степени вдохновлен (иногда даже напрямую скопирован) западными комиксами того времени, что проявляется в типе изображаемых сцен, а также в использовании тонов и звуковых эффектов в искусстве.

Имея все это в виду, я решил нарисовать кого-то, «вырывающегося» из страницы комикса, с фоном, полным эффектов, абстрактных форм и разноцветных версий персонажа.
В знак совета: не беспокойтесь о том, чтобы грубое выглядело аккуратно. Или хорошо. Вы можете перерисовывать его столько раз, сколько вам нужно, чтобы сузить визуальную информацию, которая вам нужна. Он должен просто включать все элементы, которые вы планируете включить в окончательную версию, даже несмотря на то, что незначительные изменения могут (читай: будут) происходить.

Черновик был с плохим разрешением (72 dpi), но мой окончательный вариант 4000×4000 пикселей с разрешением 144 dpi. Обычно я делаю 300 dpi, но более низкое разрешение на самом деле лучше для достижения определенного эффекта позже.

Фоновые панели

Я хотел, чтобы фоновые панели имели небольшой наклон, а не были идеальными квадратами, параллельными сторонам холста.К счастью, линейки перспективы Clip Studio упрощают эту задачу, поскольку даже инструменты «Форма» в подинструменте «Фигура» могут привязываться к линейке.

Помните, что естественная перспектива часто означает, что точки схода находятся далеко за пределами холста.Я обосновал их позицию, сопоставив ее с расплывчатыми строками, которые оставил в своем черновике.

Лайнарт персонажа

Используя стандартную кисть «Текстурированное перо» без сглаживания, я начал рисовать центральную фигуру.Из-за комического аспекта поп-арта я сделал линейный рисунок очень толстым и несколько грубым. Очень важен резкий контраст, поэтому я сделал несколько заливок черным цветом для затенения, хотя добавлю дополнительное затенение позже.

Если возможно, вы всегда должны рисовать линии на векторном слое, чтобы позже вы могли внести изменения, например, как я изменил длину этой линии, чтобы она стала тоньше.Это спасение для людей, которые слишком долго тратят на лайнарт. Такие люди, как я.

Вот так выглядел готовый лайн-арт персонажа.

Для звуковых эффектов/пузырей на переднем плане я использовал комбинацию инструментов «Прямая линия», «Прямая линия» и «Кривая» в четырех новых векторных слоях над персонажем.Я разделил сгруппированные пузыри, чтобы их было легче редактировать по отдельности. (Например, позже я добавил белый контур к вопросительным знакам, используя параметр «Эффект границы» в окне «Свойства слоя» только для их слоя.)

Хороший совет, который следует помнить, это то, что векторные ластики могут быть установлены на «Ссылаться на все слои» в их настройках, так что вы можете стирать все пересекающиеся линии, даже если они пересекаются через разные слои.Это значительно сэкономило время при отделении линейного вектора персонажей и звуковых эффектов от линейного вектора панели.

Вот и весь линейный рисунок, собранный вместе.

Раскраски

Я хотел, чтобы расцветка персонажа была простой, чтобы она контрастировала с безумными цветами фона.Она в значительной степени представляет собой базовую триаду основных цветов. Я просто использовал ведро Заливки на новом слое под лайнартом, а затем объединил его с лайнартом персонажа.

Для определения окончательных цветов фона, хотя я пробовал цвета методом проб и ошибок, я также использовал много карт градиента, которые смотрят на необработанные значения цветов на холсте и заменяют их указанной цветовой палитрой.Мне особенно нравится набор карт «5色マップセット» от «×ェ×», так как они раскрашены только в 5 цветов. Хотя я все равно внес некоторые изменения, они отлично подходят для вдохновения.

С фоновыми цветами, заполненными на слое ниже линейного рисунка панели, квартиры готовы, теперь самое интересное.

Тонирование/Узоры

Тона и рисунок точек Бена Дэя необходимы для поп-арта, и есть несколько способов их создания.Для их создания я использовал стандартную функцию тонового слоя CSP, пользовательские кисти и стандартные шаблоны.

Инструментом, который действительно спас мне жизнь в этой работе, был набор тональных кистей
«dot Tone Pen ※ ドット絵風トーンペン» от NAND, которые легко настраиваются и имеют множество шаблонов.Я использовал их поверх цветных плоскостей панели, просто обрезав слои. Если вы хотите изменить размер узора в текстурных кистях, измените значения «Коэффициент масштаба» в настройках кисти. При этом я сделал узоры мультяшно большими.

Обычно я использовал яркие цвета и использовал инструмент «Мягкий ластик», чтобы некоторые узоры исчезли.Я нарисовал несколько узоров вручную и добавил к некоторым эффект брызг.

Затенение на рисунке немного сложнее, но используются тонеры CSP по умолчанию. Я создал новый тональный слой («Слой» —> «Новый слой» —> «Тон») и очистил слой. Затем я выбрал черный цвет, выбрал кисть с непрозрачностью, чувствительной к давлению (я специально использовал «Прозрачную акварель») и очень слегка прокрасил тени.

Действие тона заставляет живописное затенение отображать ровную текстуру, а давление, которое вы оказываете, влияет на размер «точек», что приводит к интересному эффекту.

Отличительной особенностью тональных слоев является то, что с их помощью очень легко редактировать тона даже после того, как вы их разместили.В окне «Свойство слоя» вы можете изменить значение «Количество частот экрана», чтобы повлиять на размер всего рисунка. Если вы хотите раскрасить полутон, вы можете выбрать «Цвет слоя» и добавить любой цвет, который вы хотите, чтобы мгновенно заполнить весь слой.

Вы также можете преобразовать любой цветной слой в полутоновый слой, выбрав «Тон» в окне «Свойства слоя».

Для среднего тона позади персонажа я перешел на новый холст и сделал выцветший тон, используя технику слоя тона с нажимом пера. Затем я просто увеличил масштаб, сделал снимок экрана и вставил его за фигуру, подойдя к рамке панели. Это было потому, что я хотел, чтобы точки выглядели больше, чем позволяет настройка «Частота экрана», но я все еще хотел, чтобы давление влияло на размер точек, чего не могли сделать пользовательские кисти.

Вот так выглядят готовый фон и оттенки персонажей.

Копии персонажей

Чтобы создать многоцветные копии фигуры, я объединяю слои с изображением персонажа, тенями и цветом вместе и копирую новый комбинированный слой.Затем я могу копировать его столько раз, сколько захочу, применяя различные карты градиента к копиям, а затем преобразовывая их в соответствии с перспективой, которой следуют панели, чтобы они выглядели так, как будто они находятся внутри комических панелей.

В общем:
1) Скопировать изображение
2) Изменить цвета (вручную или с помощью коррекций/карт градиента)
3) Преобразовать изображение

Последние штрихи

Это работа после добавления цветных копий фигур.

Я решил добавить еще несколько эффектов, особенно для звуковых эффектов на переднем плане. Я создал новый слой, прикрепив его к слою с эффектами, использовал больше пользовательских тональных кистей с различными яркими цветами, а затем установил для них «Добавить свечение». На том же слое я также наложил текстуры CSP по умолчанию на некоторые пузырьки с помощью «Умножения», слегка стерев их, чтобы создать градиент.

Еще немного повозившись с различными корректирующими слоями, чтобы добавить насыщенности и контрастности, почти все готово.

Для дополнительного аромата поп-арта используйте карту градиента по всему фрагменту, чтобы сделать несколько копий с альтернативным цветом!

Спасибо за чтение этого урока!

.

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *