Фотограф это художник: Фотограф. Художник ли фотограф? Если нет, то кто он? ПрофГид

Содержание

Фотограф. Художник ли фотограф? Если нет, то кто он? ПрофГид

Обновлено 21 августа 2021

Сегодня в рубрике ПрофГида «Интервью о профессиях» замечательный фотограф Владимир Бутенко говорит о профессии фотограф. Кстати, недавно центр профориентации ПрофГид разработал точный тест на профориентацию, который сам расскажет, какие профессии вам подходят, даст заключение о вашем типе личности и интеллекте.

Содержание:

Как стать фотографом? Нужно ли учиться на курсах, у наставника? Или всё можно постичь самому?
Какие черты характера нужно в себе развивать, если есть желание стать фотографом?
Художник ли фотограф? Если нет, то кто он? Фотокор, в частности?
Насколько важно для фотографа знать технику?
Должен ли фотограф обладать философским взглядом на мир? Или это не обязательно?
Творческие амбиции. Помогают ли они?
Есть ли специализации в профессии фотографа?
Как влияет данная профессия на становление личности?
Сколько зарабатывает фотограф?
Что вы скажете людям, которые стоят на пороге выбора жизненного пути и рассматривают профессию Фотографа в качестве одного из вариантов?

Читайте также :

Как стать фотографом? Нужно ли учиться на курсах, у наставника? Или всё можно постичь самому?

«Как стать фотографом?» Сильный вопрос. Собственно говоря, шестьсот страниц моей книги как раз этому и посвящены. Следовало бы добавить как минимум столько же, чтобы раскрыть тему более основательно. (о профессии фотограф можно прочитать тут: https://www.profguide.io/professions/photographer.html)

«Нужно ли учиться на курсах, у наставника? Или всё можно постичь самому?» Несмотря на то, что книга посвящена психологическим особенностям работы фотографа, навыки владения аппаратурой фотографу жизненно необходимы. Нельзя участвовать в соревнованиях по бегу с препятствиями, если не умеешь ходить.

Желательно вообще отработать владение техникой до автоматизма, чтобы основное внимание уделить содержательной стороне дела. Фотограф, который постоянно что-то крутит и регулирует, неизбежно упускает удачные кадры или не получает их вовсе. Например, и в портретной сессии, и в репортаже техническая суета очень мешает установить полноценный контакт с людьми.

Безусловно, можно освоить технику самостоятельно, как это сделало большинство знаменитых фотографов, имена которых сегодня вошли в золотой фонд Фотографии (Анри Картье-Брессон, Роберт Дуано, Эллиотт Эрвитт, Эдвард Стейхен и многие другие). Литературы о технике — бездна. Можно читать и экспериментировать с фотоаппаратом, но, на мой взгляд, элементарные знания проще получить в какой-нибудь фотошколе, которых сейчас очень много. Единственное, чего следует опасаться, — распространённого представления о Фотографии как царстве техники и аппаратуры. Обратите внимание: когда вы изучили технику, обучение не завершилось, нет! Оно только начинается, самое главное — впереди!

Наставник… стоит ли у него учиться? Да, если это хороший наставник. Полезно работать под его руководством, работать вместе с ним или просто наблюдать за тем, ЧТО и ПОЧЕМУ он делает сам. Но как отличить хорошего наставника от самоуверенного технократа? А как найти хорошего зубного врача, компетентного психолога, автослесаря и т.п.? Забавно, что проблема выбора специалиста всегда встаёт в полный рост как раз перед неоперившимся дилетантом. Поэтому лучше всего смотреть за работой разных людей, сравнивать, пробовать, читать, думать и брать то, что подходит именно вам.

Читайте также :

Какие черты характера нужно в себе развивать, если есть желание стать фотографом?

Первое и самое важное, что хотелось бы сказать: Фотография совсем не так проста, как кажется! Можно повторить фразу сто раз подряд, но, к сожалению, к большому сожалению, понимать это человек начинает многие годы спустя. А сегодня он полагает: «Да, конечно, это справедливо в отношении других, но я-то — я ведь уже проник в ряды посвящённых.» Делая самые первые шаги, человек совершенно искренне восхищается собственными результатами. «Боже! Какой фантастический кадр!» Похоже, с этим ничего нельзя поделать. Я уже почти смирился и говорю на всякий случай:

— Друзья, успокойтесь! Не спешите, не воспринимайте первые ученические попытки как выдающийся профессиональный успех! Подождите, когда вы начнёте видеть!

Хороший фотограф — человек трудолюбивый, неброский, тихий, скромный, настойчивый. Он любит людей, интересуется их жизнью. Он постоянно — всегда! — ищет, ждёт удачного момента, он ощущает себя орудием в руках Бога, орудием, которое готово зафиксировать уникальный момент. Совсем не обязательно быть религиозным, это — всего лишь метафора, которая убирает фотографа из центра Вселенной. Человек прекращает бессмысленные попытки вывернуться наизнанку и «выразить себя», зато становится надёжным инструментом на службе Фотографии. Природа, Жизнь бесконечно прекрасны, и если удалось хоть немного передать эту красоту, значит вы на верном пути.

Читайте также :

Художник ли фотограф? Если нет, то кто он? Фотокор, в частности?

Мало кто об этом знает, но Картье-Брессон — общепризнанный мастер фотографии — всегда ставил живопись значительно выше того дела, которому посвятил свою жизнь. Он советовал молодым людям вместо бессмысленного чтения искусствоведческих книг и умных концептуальных разговоров почаще ходить в музеи, знакомиться с работами великих мастеров живописи. Многие известные фотографы начинали карьеру с художественной школы. Мне кажется, это — прекрасное начало, потому что так необходимое фотографу чувство композиции и света нуждается в развитии и приходит далеко не сразу. С этой точки зрения хороший фотограф чаще всего — художник. Не всегда, но чаще всего.

Теперь о «фотокоре». В массовом сознании укрепилось совершенно ложное мнение о фотографической иерархии. На самом верху, ближе к сияющим вершинам совершенства парят фотографы моды, занимающиеся «постановочной фотографией», проводящие время в окружении соблазнительных моделей и многочисленных ассистентов. А «фотокоры», документалисты, репортёры — чернорабочие светописи — уверенно помещаются внизу, у самой помойки или прямо внутри неопрятного ящика. Современный мир устроен так, что труд людей, обслуживающих бизнес или политику, оплачивается на порядок выше. Поэтому фотограф моды за один съёмочный день в уютной студии заработает столько, сколько иной репортёр, рискуя жизнью, получит за несколько месяцев (если получит!). Но в искусстве — будь то живопись или фотография — всегда ценится уникальность, неповторимость произведения. С этой точки зрения отличия между разными жанрами фотографии нет. И там, и здесь хороший кадр — очень большая редкость.

Взгляните на фантастические, совершенные работы Себастьяо Сальгадо. Да, конечно, можно называть его «документалистом», как делаю художественные критики. Их работа заключается в распределении и навешивании ярлыков. Но подумайте, много ли найдётся фотографов моды, или модных фотографов, работы которых можно повесить рядом с этими?

Насколько важно для фотографа знать технику?

В принципе я уже ответил на этот вопрос, но можно кое-что добавить. Фотография очень разнообразна, например, в области острой, социально-ориентированной журналистики иногда бывает достаточно самой простой аппаратуры. Там важно общественное значение снимка, а техническим совершенством можно в известной степени пренебречь.

Например, известный датский журналист и фотограф Якоб Холдт во время своих странствий по США сделал несколько тысяч снимков самой примитивной компакт-камерой. Обаятельный, хорошо знающий жизнь и людей, он месяцами путешествовал по стране автостопом без гроша в кармане. Люди охотно принимали его, предоставляли ночлег и кормили. Но деньги на плёнку ему всё равно были необходимы, и для этого он регулярно сдавал кровь. Благодаря умению общаться, он попадал туда, куда обычно предпочитают никого никогда не приглашать, например, на собрания членов организации Ку-Клус-Клан. В результате он сделал целый ряд впечатляющих материалов.

И ещё одно замечание для начинающих. Не нужно стремиться к самой совершенной аппаратуре. Ждать, когда появятся деньги, чтобы купить эту камеру или тот объектив, говорить себе: «Ах, сейчас я работать не могу, пока у меня не будет этой штучки или той примочки!» Снимать нужно тем, что есть, и прямо сейчас. Снимая натюрморт, хорошо бы иметь студию, стойки, штативы, отражатели, софт-боксы и тому подобное, но отсутствие дорогого оборудования — не смертельно и не помешает пытливому человеку получить достойный внимания кадр. Категорически не следует тратить последние деньги на дебильный студийный фон, чтобы заниматься съёмкой портрета.

Читайте также :

Должен ли фотограф обладать философским взглядом на мир? Или это не обязательно?

Нет, не должен. Но может. Что такое «философский взгляд на мир»? что имеется в виду? Если имеется в виду образовательный и культурный уровень, то это никому никогда нигде не повредит. Чем больше фотограф знает, тем легче общаться с другими, проще найти общую волнующую тему для разговора, установить доверительные отношения, добиться уважения к себе (это всегда важно в портретной съёмке и работе с людьми). По моему мнению, фотограф должен быть культурным человеком, даже если снимает трупы для криминалистической лаборатории. Хорошо выполнив работу, он сможет подружиться с родными покойного и они в конце концов пригласят его фотографировать пока ещё живых родственников.

Творческие амбиции. Помогают ли они?

Да, конечно, если это не выходит за разумные рамки, когда человек умирает от зависти, ревности, обиды, или впадает в депрессию и в результате теряет способность работать вообще. Я много писал в книге о том, что восприятие фотографий — вещь удивительно субъективная. Неожиданно субъективная. Вопреки естественному — «наивному» — представлению о внешнем мире как объективной реальности, отражение этого внешнего мира в нашем сознании — субъективно. То есть каждый человек видит мир собственными глазами, по-разному, очень пристрастно. Простая истина, к которой тем не менее трудно привыкнуть. Обычные люди в обычных жизненных ситуациях с этим сталкиваются крайне редко. Фотограф же сталкивается с этим каждый раз, когда показывает свои работы другим людям и его мнение не совпадает с оценками редакторов, критиков и просто зрителей. Он обижается, страдает, ссорится… Фотографу важно понимать особенности человеческого восприятия и не придавать слишком большого значения суждениям заинтересованных людей. Причём это касается не только портрета, но любых изображений.

Читайте также :

Есть ли специализации в профессии фотографа?

Несомненно. Хотя даже в профессиональной среде встречаются люди, полагающие, будто «хороший фотограф должен хорошо снимать всё». Допустим, вы занимались так называемой «вещевой съёмкой» для иллюстрированных журналов, а вас неожиданно пригласили поработать на кинофестивале, сфотографировать проход артистов по красной дорожке или сделать там же, в кулуарах «светский» репортаж. Если вы не знакомы с актёрами лично, не знаете, как их зовут, вы даже не сможете к ним обратиться и не получите кадр. Не слишком симпатично кричать: «Эй! смотри сюда давай!»

Если вы не знаете повадок гориллы, тигров, жирафов и т.п., вы не снимете в Африке ничего стоящего, даже если у вас будет для этого всё необходимое оборудование. Нужно хорошо знать сферу, где вы собираетесь работать, но чтобы её изучить, всегда требуется время. Свадебная фотография отличается от репортажа, съёмка портрета для информационных изданий отличается от портрета, который заказывает человек лично. В первом случае фотограф старается удовлетворить запросы издания, а во втором — человека, который снимается. А это — очень большая разница. Понимание этого приходит с опытом.

Даже так называемая «бытовка» — фотографирование детских садов и школ — ни в коем случае не должна вызывать высокомерного, презрительно отношения. Это — очень ответственная, высокопрофессиональная работа. Шутка ли — сфотографировать подряд пятьсот человек так, что ни одно лицо не окажется перекошенным?

Есть и чисто «технические» специализации, например, съёмка изделий из стекла, съёмка автомобилей, техники и многое другое.

Как влияет данная профессия на становление личности?

Не знаю, можно ли дать на этот вопрос универсальный ответ… Я бы сказал, что не столько занятие фотографией способствует становлению личности, сколько становление личности позволяет фотографу добиться хороших результатов. Человек любознательный, знающий литературу, кино, живопись, технику, философию, психологию, спорт, историю… что ещё? Да хорошо бы знать всё вообще! Ничто не будет лишним, всё когда-нибудь пригодится. Когда фотограф ставит перед собой большие задачи, приходится много работать.

Безусловно, рано или поздно (но далеко не сразу!) человек приобретает и способность видеть окружающий мир очень специфическим способом — сквозь видоискатель камеры. Хотя фотоаппарата при этом может не быть под рукой. Развивается способность вычленять из потока визуального восприятия фрагменты, потенциально интересные с изобразительной точки зрения — возможные снимки. Зрелый мастер — это передвижной перманентный видоискатель.

Читайте также :

Сколько зарабатывает фотограф?

По-разному. И так было всегда. Фотографы, считающиеся сегодня классиками — Стиглиц, Картье-Брессон, Юджин Смит и многие, многие другие — по большей части бедствовали. Роберт Капа кроме личного обаяния очень немного мог предложить голливудской актрисе Ингрид Бергман. Знаменитый Роберт Дуано вспоминал: «Я… делал фотографии, которые вообще никогда неинтересно делать, например, как заменить изношенную покрышку велосипедной шины куском пожарного шланга!»

Современные художественные галереи в США считают своим долгом иметь хотя бы одну фотографию Родченко. Цена может быть очень высока и обычно превышает десять тысяч долларов. Сколько из этой суммы получил великий автор, как вы думаете?

Выдающийся фотограф и художник Ман Рэй подрабатывал фотографированием покойников и считал эту работу вполне приемлемой: «Во всяком случае, такие клиенты никогда не жалуются, что неважно выглядят!»

Что вы скажете людям, которые стоят на пороге выбора жизненного пути и рассматривают профессию Фотографа в качестве одного из вариантов?

Сложный вопрос. Во всяком случае, нет смысла становиться фотографом исключительно для того, чтобы разбогатеть. Будем реалистами: для этого лучше оказаться поближе к нефти и газу. Искусством стоит заниматься только тогда, когда это приносит радость. Деньги искусство если и приносит, то не всем, далеко не сразу, а чаще всего — детям после вашей смерти.

Поэтому многие фотографы сегодня реализуют художественные проекты, занимаясь коммерцией или получая целевые гранты от разных фондов и организаций. Конечно, на эти деньги не построишь дворец на Средиземном море, но каждый избирает свой жизненный путь, свой вариант счастья и фотография — не самый плохой вариант. Во всяком случае, лично я благодарен судьбе, что она вывела меня на эту непростую дорогу, позволила ощутить если не богатство, то свободу, которая очень много для меня значит.

Вопросы задала Эльмира Давыдова.

Книгу Владимира Бутенко «Психология И ФотограФ» (два тома) вы сможете купить в офисе Центра ПрофГид.

Читайте также :

описание, где получить в России, перспективы

Категория: Искусство и культура

Фотограф – это профессиональный создатель фотографических снимков с помощью фотоаппаратов различного типа. Профессию фотографа можно условно разделить на несколько направлений – журналистика, художественная фотография, рекламная деятельность, архивный фотограф, научная работа, криминалистика, протокольная съёмка и т.д. Фотограф планирует и проводит фотографические съёмки, обрабатывает отснятый материал, публикует свои работы в периодических и узкопрофессиональных изданиях, сотрудничает с научными организациями, печатными и электронными СМИ, информационными и рекламными агентствами. В профессии фотографа большое место занимает творческий подход, умение выбрать удачную экспозицию, запечатлеть в нужном ракурсе тот или иной образ. Современное фотографическое дело требует умения и навыков обращения со сложной техникой и способностей к компьютерной обработке фотографий.

О профессии

Вузы 19

Какие ЕГЭ сдавать

Курсы link

Зарплаты: сколько получает Фотограф

Начинающий: 15000 ⃏ в месяц

Опытный: 25000 ⃏ в месяц

Профессионал: 70000 ⃏ в месяц

* — информация по зарплатам приведна примерно исходя из вакансий на профилирующих сайтах. Зарплата в конкретном регионе или компании может отличаться от приведенных. На ваш доход сильно влияет то, как вы сможете применить себя в выбранной сфере деятельности. Не всегда доход ограничивается только тем, что вам предлагают вакансии на рынке труда.

Востребованность профессии

Мир профессиональной фотографии очень широк и разнообразен. Фотографы обеспечивают развитие фэшн-индустрии и рекламного дела, участвуют в создании газет, журналов, электронных информационных изданий, ведут съёмку в научных целях, создают художественные альбомы. Значение фотодела в современном информационном мире трудно переоценить. При этом кажущаяся простота фотоснимка и широкое применение гаджетов не снижает необходимости в профессионалах, способных обеспечить высочайшее качество фотографии и её художественную или тематическую наполненность. Крупные издания, фотостудии, рекламные агентства и научные структуры стараются принять в штат именно профессионалов-фотографов с большим опытом и высокой квалификацией. В целом востребованность профессии высокая. При трудоустройстве отмечается большая конкуренция и высокие требования к квалификации специалистов.

Для кого подходит профессия

В профессии фотографа важно иметь чутье художника, знать технику студийной и натурной фотосьемки, уметь находить нужный ракурс и понимать конечную цель своей работы. Профессию можно рекомендовать тем, кто:

Имеет творческий потенциал и художественное видение;
Способен эффективно использовать сложную фотоаппаратуру;
Может работать с профессиональным компьютерным инструментарием, обрабатывать фотоснимки с помощью специальных редакторов и программ;
Активен, готов к разъездам и командировкам;
Выдержан, психологически устойчив, может работать в студийной обстановке и на официальных мероприятиях;
Готов постоянно развиваться в профессиональном плане.

Карьера

Талантливый фотограф может получить известность и всеобщее признание. Этот вид деятельности не имеет определённой карьерной перспективы. Выполнение классических управленческих функций маловероятно. Фотограф, работающий на какое-либо СМИ или электронном издании, может выполнять формальные руководящие функции, например, возглавить репортёрский отдел. Но так бывает нечасто. Обычно критерием профессионального успеха для фотографа является его популярность и узнаваемость. Талантливые фотографы участвуют в выставках художественной фотографии или репортёрских фотовыставках. Их работы могут быть номинированы на получение профессиональных премий. Такие художники пользуются авторитетом и уважением. Их работы часто являются образцом журналисткой или научной деятельности. Профессия даёт возможность организовать свою студию и вести профессиональную фотосьёмку на коммерческой основе.

Обязанности

Профессиональные обязанности фотографа включают в себя:

Организацию и проведение протокольных, студийный, натурных съёмок;
Создание художественных портфолио, альбомов;
Ведение фотосъёмки природных и промышленных объектов в интересах научных или проектных организаций;
Журналистская фотосъёмка – иллюстрирование информационных событий, спортивных мероприятий, официальных встреч и т. д.;
Прохождение процедуры аккредитации на официальных мероприятиях;
Выезд в творческие командировки и на редакционные задания;
Обработку фотографий с помощью специальных программ и приложений;
Соблюдение профессиональной этики и законодательства о защите интеллектуальной собственности.

Оцените профессию:12345678910

Похожие профессии

Science-художник
Авангардный (современный) певец
Историк
Аккомпаниатор
Актер
PR-менеджер
Декоратор
Антиквар
Аранжировщик
Гончар
Видеооператор

Диктор
Звукорежиссер
Искусствовед
Артист хора
Актёр драматического театра

Художники против фотографов: почему союз лучше соперничества

Фотограф Майер и художник Брюханов

На протяжении многих веков живопись была королевой искусств – именно она отображала всю многогранность нашего мира, оттенки человеческих переживаний, эмоций и чувств. С помощью холста, кистей и красок творцы создавали великие полотна, осмысляя прошлое, настоящее и даже будущее. Эти шедевры передавались потомкам как отражение красивых легенд или действительности, как художественная память ускользнувшего момента, как уникальные интерпретации образов ушедших времен.

«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

И вот в 20-х годах XIX века француз Жозеф Нисефор Ньепс с помощью «камеры обскуры» создал первую в истории человечества фотографию. Конечно, о переменах в мире изобразительного искусства тогда говорить было еще рано – новому изобретению предстоял долгий процесс развития и совершенствования. К тому же, изначально фотография ни в коем случае не претендовала на место в области творчества, ее цель состояла лишь в том, чтобы задокументировать реальный момент. И все же постепенно ее роль в жизни общества расширялась.

«Композиция VII», Василий Кандинский

На рубеже XIX-XX веков появляются цветные фотографии, а еще спустя несколько десятков лет уже начнут создаваться культовые снимки, которые войдут в историю искусства. Юсуф Карш, Доротея Ланж, Джерри Уелсман, Энни Лейбовиц и многие другие мастера фотографического дела оставили после себя работы, которые сегодня считаются олицетворением эпохи. Помимо грамотно выстроенной композиции их лучшие кадры наполнены глубоким смыслом, в них присутствует душа. Та самая душа истинных художников.

Сальма Хайек в роли Фриды Кало

Фото: Энни Лейбовиц

Фото: Джерри Уелсман

С развитием технологий фотография переживает очередной бум (читайте также: «На грани сна и реальности: 5 фотографов, которые заставят вас по-новому взглянуть на мир»). И, наконец, она выходит на такой высокий художественный уровень, что закономерно возникает вопрос: «Способна ли фотография вытеснить живопись с ведущей позиции в визуальном искусстве?». Можно сказать, что и по сей день этот вопрос остается открытым для дискуссий. Художественные критики пытаются прогнозировать будущее живописи и фотографии, учитывая их достоинства и недостатки, тенденции развития, а также социокультурные аспекты современного общества, в котором они существуют.

Фото: Стив МакКарри

Фото: Стив МакКарри

Большинство фокусируется на сравнении, и лишь немногие задумываются о той колоссальный выгоде, которую может принести миру искусства симбиоз двух этих направлений. Да, именно равноправное существование бок о бок, без деления на доминирующую и вспомогательную роли. Эта идея стала основанием для создания оригинальной экспозиции в галерее VS unio, в рамках которой организаторы попытались сделать акцент на созвучности творческих подходов живописца Сергея Брюханова и фотохудожника Георгия Майера. Как оказалось, работы мастеров разных направлений могут не только органично дополнять друг друга, но и создавать новое мощное поле смыслов.

Фото: Сергей Брюханов

Фото: Георгий Майер

Существуя в одном пространстве, где главенствующим цветом оформления стал нейтральный черный, фотографии и картины будто бы вступают в диалог. Подчеркнуть гармоничное «общение» этих произведений искусства организаторы выставки решили креативным способом – с помощью ярких цветовых акцентов на стенах и оранжевых линий на полу, состоящих из повторяющегося слова (например: «равновесие», «ритм», «акцент») и соединяющих различные экспонаты по парам как буквально, так и смыслово.

Экспозиция «Майер VS Брюханов» в арт-галерее VS unio

Оба художника уделяют большое внимание цвету. Но делает каждый из них это по-своему. Брюханов использует в своих абстрактных картинах богатую палитру оттенков и фактур, с помощью которых он передает свет (согласно его теории, цвет – это свет, прошедший сквозь призму чувственного восприятия). Георгий Майер же придерживается черно-белой цветовой гаммы, вдохновляясь игрой света и тени на женском теле.

Сергей Брюханов (слева) и Георгий Майер (справа)

О художниках:

Сергей Брюханов – российский художник-абстракционист, который работает преимущественно с масляной живописью и в технике коллажа. Он является одним из тех деятелей искусства, чье творчество определило художественно-эстетические искания второй половины ХХ века в России. Его работы хранятся в ведущих музеях нашей страны, а также в частных коллекциях США и стран Европы.

Георгий Майер – фотограф, дизайнер, художник и Член Союза Фотохудожников России. Победитель одного из самых престижных фотоконкурсов мира (Sony World Photography Awards 2017), выработавший собственный почерк студийной съемки и завоевавший имя в сфере художественной и модной фотографии.

Своими глазами увидеть нестандартную экспозицию «Майер VS Брюханов» можно будет до 27 апреля в арт-галерее VS unio.

Экспозиция «Майер VS Брюханов» в арт-галерее VS unio

Партнером открытия выставки были предоставлены напитки от SimpleWine, а также итальянская вода San Benedetto от SimpleWaters.

Фото: архивы пресс-служб, картины великих художников, работы знаменитых фотографов

Мария Тюмерина

Сегодня читают

До слез: Кейт Миддлтон показала фотографии помолвки с Уильямом своим детям — их реакция бесценна

5 причин вашей бедности: вещи в доме, которые не дают вам зарабатывать больше — срочно избавьтесь от них

Запомните это: 5 модных способов носить водолазку — главный предмет женского гардероба в этом году

Никто не заметит: 4 лучших (и самых быстрых) способа скрыть седину

«Французские губы»: простая техника увеличения губ без инъекций — попробуйте дома

Чему могут научить фотографа работы великих художников

Мы изучаем работы других фотографов, профессионалов в своей области, чтобы перенять часть их творческих приемов и попытаться применить в собственном творчестве. Попробуем «шагнуть немного в сторону» и рассмотрим почему фотографам стоит также тщательно изучать великое наследие живописцев прошлого. Что фотографы могут почерпнуть из работ художников.

Иллюстрация. Рафаэль, «Триумф Галатеи», ок. 1512-1514

150 лет назад фотография начала постепенно проникать в ту сферу искусства, которая ранее принадлежала только живописи, и это вызвало немало споров о ее статусе. Люди обсуждали, можно или нельзя считать фотографию настоящим искусством. Можно констатировать, что фотография и живопись сильно повлияли друг на друга, и работа фотографа во многих аспектах не слишком отличается от работы живописца.

Общим для них являются определенные визуальные принципы, разработанные сотни лет назад и во многих отношениях все еще действующие сегодня. И фотографы, и художники не работают ни с чем, кроме простого двухмерного изображения. Их цель — дать ему жизнь, иллюзию движения и пространственной глубины. Как они могут это сделать? Нет лучшего способа обучения, чем рассмотреть работы, которые не зря считаются произведениями искусства уже несколько столетий.

Как подчеркнуть объект

С самого начала живопись уделяла огромное внимание композиции. На египетских фресках важные фигуры были нарисованы самыми крупными. Позже были разработаны основы композиции, принципы вертикали, горизонтали и диагонали. Это вызывает наибольший интерес у фотографов. В реальном мире есть только точки и кривые, трудно найти настоящие прямые линии (вне архитектуры). Но художники активно использовали абстракцию этих линий, чтобы сознательно направить взгляд зрителя к наиболее важной части картины.

Когда вы смотрите на картину Рафаэля «Триумф Галатеи», вы ясно видите три основные линии, которые определяют суть картины. Первая линия ведет вдоль стрелы ангела, расположенного слева героини, и продолжается через макушку нимфы вдоль поводьев дельфинов. Вторая линия ведет вдоль стрелы ангела, расположенного справа, и продолжается вдоль оси тела нимфы и других фигур, расположенных под ней. Третья линия образована краем шарфа и волос, сливающихся вместе и развевающихся на ветру. И главный предмет нашего интереса лежит на пересечении этих трех линий.

Иллюстрация. Караваджо, «Неверие апостола Фомы», ок. 1602-1603

Также обратите внимание как Рафаэль выделил фигуру Галатеи с помощью баланса композиции — группа человеческих фигур справа имеет аналог слева. Плавающий мальчик в нижней части картины имеет противовес в фигуре маленького ангелочка в самой верхней части картины, причем их тела ориентированы в противоположных направлениях. Эти различные направления также создают иллюзию движения. Взгляд нимфы и направление ее развевающихся волос и шарфа противостоят направлению, создаваемому упряжкой дельфинов. Рафаэль вызывал восхищение из-за способности рисовать свободно движущиеся фигуры. И в самом деле, на этой картине зритель видит ветер, овевающий Галатею.

Вы можете часто встретить похожие методы управления взглядом зрителя. Взгляните, например, на следующую картину Караваджо «Неверие апостола Фомы». В ней линии взгляда направляются прямо на раны Христа, которые, собственно, и являются главной темой картины.

Иллюстрация. Караваджо, «Неверие апостола Фомы», ок. 1602-1603

Организация пространства

Чтобы организовать пространство, художники также использовали диагонали. Работа Делакруа «Смерть Сарданапала» легко могла стать хаотичным смешением множества тел, фигур, веществ и объектов. Однако Делакруа заставил Сарданапала лежать на ярко-красной ткани, и эта ткань отчетливо выделяет две диагональные линии, которые облегчают ориентацию на картине.

Иллюстрация. Эжен Делакруа, «Смерть Сарданапала», 1827

Но художники не просто работали с прямыми линиями, они также организовали пространство на картине с помощью кривых, которые могут вести за собой человеческий взгляд. Например, Рубенс соединил целую процессию, ведущую к Деве Марии, как единую дугу, поддерживаемую жестами фигур и наклонами их голов. Это привлекает внимание зрителя и заставляет следовать глазами за процессией от нижней части картины до фигуры самой Марии.

Иллюстрация. Питер Пауль Рубенс, «Мадонна на троне с младенцем и святыми», ок. 1627-1628

Работа с линиями также использовалась в пейзажной живописи, где она в основном служила для создания впечатления пространства и перспективы. На картине, выполненной импрессионистом Альфредом Сислеем, глаза зрителя следуют линиям, образованным кронами деревьев, крышами домов и краями улицы, которые объединяются в нижней трети полотна и оставляют впечатление продолжения пути где-то далеко за холмом.

Иллюстрация. Альфред Сислей, «Автомобильная дорога», 1873

Контраст светлых и темных поверхностей

Другая техника, часто используемая художниками, состоит в чередовании светлых и темных поверхностей. Затемняя все окружение, вы выделяете объект изображения в центре. Конечно, работает и обратное: темный объект на светлом фоне имеет тот же эффект. Часто этому способствует определенная схематичность и упрощение фона. Очевидна параллель с использованием глубины резкости в фотографии. Рембрандт использовал это прием очень эффективно на картине «Примирение Давида и Авессалома». Темные тона на заднем плане резко контрастируют с яркой сияющей фигурой на переднем плане и, таким образом, придают ей гораздо более сильный акцент.

Рембрандт ван Рейн, «Примирение Давида и Авессалома»

Сочетание светлых и темных областей также помогает сформировать ритм. Обратите внимание на то, как Каспар Дэвид Фридрих использует этот прием, когда переплетает легкий туман и темные вершины холмов почти по всей поверхности своей картины. Ритм полностью непрерывен, при этом вершины холма красиво выделяются.

Иллюстрация. Каспар Давид Фридрих, «Пейзаж в Силезских горах», ок. 1815-1829

Мастера Света

Работа со светом, его направление, интенсивность и фокусировка, была одной из мощных техник рисования, которая особенно активно использовалась у голландских мастеров живописи XVII века и, конечно, у других художников. В этой технике самая важная фигура на картине получает больше света, а менее важные остаются в тени, как вы можете видеть на картине Веласкеса «Продавец воды в Севилье».

Иллюстрация. Диего Веласкес, «Продавец воды в Севилье», ок. 1619-20

Подобный подход наблюдается и на картине Адриана ван Остаде. Основные события на переднем плане подсвечиваются, а второстепенные события на заднем плане затенены и размыты. Это также привносит в картину ощущение пространства для зрителя.

Иллюстрация. Адриан ван Остаде, «Крестьяне в интерьере (Конькобежцы)», 1661

Настоящим мастером работы со светом признан Рембрандт. И поэтому есть даже студийный световой эффект, названный в его честь, когда часть лица человека покрыта тенью, и освещается только один глаз и небольшое треугольное пространство под ним. Этот вид освещения, называемый «треугольником Рембранта», придает портрету легкий оттенок драмы.

Иллюстрация. Рембрандт ван Рейн, «Автопортрет», ок. 1655-1658

Во времена голландских мастеров была также открыта красота естественного освещения. Особенно известен тут Ян Вермеер. Вермеер, будучи младше Рембрандта, стал работать в направлении живописи, противоположном предшественнику. Он преднамеренно смягчал высококонтрастные переходы и позволял сиять естественному свету. Картины Вермеера являются отличным источником вдохновения для того, чтобы научиться ощущать обычный наружный свет.

Иллюстрация. Ян Вермеер, «Молочница», 1660

Посмотрите на картины, посмотрите вокруг себя

Анализ композиционных приемов и использования света в живописи может заполнить страницы нескольких книг. Но, как это ни парадоксально, освоение нескольких базовых принципов не требует много работы. Вы просто должны присмотреться. Смотрите на картины, оглядывайтесь вокруг и внимательно ищите визуальные образы. Как только ваш глаз привыкнет к поиску линий, поведению естественного света или эффектам сильных контрастов, он подсознательно будет подмечать все это без особых усилий.

Как это выглядит на практике? Рассмотрите фотографии ниже.

Фото. Доминирующая белая линия скамьи проходит в том же направлении, что и взгляд старика и путь бегуна. Canon EOS 1000D, EF50mm f/1. 8 II, 1/400, f/7.1, фокусное расстояние 50 мм

Фото. Кривая сужения ведет ваш взгляд и создает впечатление прохода через пространство. Canon EOS 1000D, EF50mm f/1.8 II, 1/80, f/8.0, фокусное расстояние 50 мм

Фото. Эта фотография использует сильный контраст черных фигур с белым фоном. Canon EOS 1000D, EF50mm f/1.8 II, 1/200, f/5.0, фокусное расстояние 50 мм

Фото. Контраст между светлыми и темными поверхностями полезен при фотографировании людей. Но даже в фото обычного дерева вы можете использовать этот прием для создания красивой атмосферы. Canon EOS 1000D, Pentacon auto 2.8/135 MC, 1/200, f/5.0, фокусное расстояние 135 мм

Фото. Вы также можете заново открыть для себя любовь Вермеера к естественному свету на пустых утренних улицах. Canon EOS 1000D, EF50mm f/1.8 II, 1/200, f/8.0, фокусное расстояние 50 мм

«Лучше всего, когда жизнь подсказывает сюжеты»

Публикации раздела Музеи

Галерея Люмьер и фонд Still Art представляют новую монографию известного фотографа Владимира Лагранжа. В альбом вошли 150 лучших работ мастера, снятые в период с 1960-х по 1990-е годы. «Культура.РФ» побеседовала с фотографом оттепели о первых днях работы в Фотохронике ТАСС, репортаже, запрещенном для публикации, и о том, с чего начинается хороший снимок.

Фотохудожник Владимир Лагранж. 2014 год. Фотография: Смертин Павел / ТАСС

— Вы помните момент, когда впервые взяли в руки фотоаппарат?

— Примерно в 1949 году, мне было 10 лет. Я фотоаппаратом не пользовался, еще не умел снимать. Меня покоряло, что у меня в руках не игрушка — а настоящий прибор, техника. Я просто носил его с собой, открывал, закрывал — в общем, наслаждался. Понимание фотографии у меня было с самого детства, я часто слышал какие-то термины, поскольку семья была творческая: моя мама работала фоторедактором, отец в свое время окончил ВГИК, работал корреспондентом в газете «Правда», предки по линии отца были художниками.

Фотографировать я начал в последних классах школы — своих товарищей, ребят во дворе. Но это было эпизодически. Регулярно снимать я начал уже позже, когда мне было восемнадцать. Причем не жанровые сценки, не людей на улицах, а что-то для меня интересное. Например, ездил в Серебряный бор, фотографировал сугробы, главное для меня здесь были тени, освещение, пейзаж. В 1957 году был опубликован буклет «Остров Крым» — первая моя работа.

— Как началась ваша работа в Фотохронике ТАСС?

— После окончания школы мама практически за руку привела меня в Фотохронику. Она попросила спецкора агентства Василия Егорова, к которому руководство относилось с большим уважением, чтобы он переговорил о возможности взять меня на работу. И вот летом 1959 года я пришел в редакцию. Там мои фотографии посмотрели и говорят: «Здесь же нет людей. А в нашем агентстве в основном снимают людей». Я тогда понятия не имел, что такое ТАСС, сказал: «Хорошо, буду снимать людей». Мне поверили на слово — и взяли учеником.

Вспоминаю один из первых своих рабочих дней. Большая комната. Начало рабочего дня: кто-то сидит, кто-то приходит, кто-то уходит. Там стоял большой продавленный кожаный диван. Я на него уселся — и так и просидел, наверное, около месяца в ожидании, что кто-то крикнет: «Лагранж, на выход, снимать в Кремль!»

Фотографа Николая Кулешова определили курировать мою учебу. Но за все время, пока я чего-то ждал, он всего один раз взял меня с собой на съемку. На ВДНХ приехала очередная сельскохозяйственная делегация, а он как раз отвечал за тему сельского хозяйства. Я посмотрел, как он снимает, но ничего не понял. Стоит комбайн, вокруг него делегация. Вот эта часть комбайна, которая крутится, мотовило, все эти планки — я не увидел в них для себя никакого кадра. Это был единственный мой ученический выход, как говорится, в свет.

Владимир Лагранж. В ожидании парада (фрагмент). 1972. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

Владимир Лагранж. Клянемся! (фрагмент). 1972. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

Владимир Лагранж. Эскимо (фрагмент). 1970. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

— А когда вам все-таки дали первое задание?

— Я никого еще не знал в Фотохронике. Егоров и Кулешов, с которыми я был знаком, появлялись в редакции достаточно редко. И вот в один из дней ко мне подходит, как я потом выяснил, старший редактор иностранного отдела — Петр Семенович Клячко. И произносит такую сакраментальную фразу: «А что вы здесь сидите? Под сидячую **** вода не течет! Пошли со мной». Мы зашли в его отдел, и он говорит: «Знаете, я хочу вас попросить…» Меня, мальчишку, на «вы», мне было так необычно. «В Политехническом музее сейчас отмечают юбилейную дату Кулибина. Там выставлен какой-то станок. Поезжайте и снимите».

Я собрал все, что у меня было: несколько потрепанных камер советского производства, вспышку с огромным аккумулятором, приехал в Политехнический, нашел этот станок. Он мне сразу напомнил тот злосчастный комбайн — тоже состоял из каких-то жердочек. Что-то я снял, вернулся в Фотохронику, лаборант проявил мне пленку, я вырезал негатив, который мне показался более-менее приемлемым, получил наряд, понес в печать. Готовые снимки отнес Клячко. Он посмотрел и произнес только протяжное: «Да-а-а…»

— А дальше вы сами выбирали сюжеты или получали задания в редакции?

— Дальше, надо сказать, процесс пошел достаточно быстро. Я уже знал, где что и к кому можно обратиться. А вот заданий мне никто не давал. И я, по-иному не скажешь, поперся снимать на электроламповый завод. Мне показалось, что там лампы, стекло, какие-то блики — все это будет интереснее снимать в отличие от жердочек. Об этом узнал фотограф Валентин Кунов, стал отчитывать меня за то, что я пошел снимать на завод, мол, это его вотчина. Так я узнал, что за корреспондентами были тематически закреплены разные объекты. За мной, понятное дело, ничего закреплено не было, и я понял, что нужно выходить на улицу и снимать там. Я приезжал на работу, чтобы отметиться, потом шел гулять по знакомому центру Москвы и старался что-то снять. Кого можно было снимать? Детей, конечно.

— Фотографировать детей проще или, наоборот, сложнее?

— Не могу сказать, что их снимать проще. Вообще все снимать сложно, если снимать хорошо. Я стал ходить по улицам, снимал, проявлял, печатал, относил Клячко. Как раз в этот период сделал свои уже, можно сказать, брендовые фотографии: «Бабуля», «Хоккеист» и другие.

Однажды где-то прочитал, что открывается школа-интернат. Предложил тему, получил одобрение Клячко. Сам себе, выходит, придумал задание. Приезжал в интернат каждый день и проявлять отдал уже не одну пленку, а несколько кассет. Сидел, разбирал негативы, выбирал, что печатать. Мимо проходил Марк Степанович Редькин, бывший военный корреспондент. Он знал еще моего отца. Остановился, взял один негатив и говорит: «Так это выставочный кадр!» Я его потом назвал «Снежная баталия».

Владимир Лагранж. Сольфеджио (фрагмент). 1968. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

Владимир Лагранж. Бабуля (фрагмент). 1965. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

Владимир Лагранж. Без надежды… (фрагмент). 1981. Фотография: монография «Владимир Лагранж 1960 — 1990»

— Чем выставочный кадр отличается от просто хорошего репортажного снимка?

— Выставочный кадр — это кадр, который не стыдно представить на выставке. Много факторов, которые определяют, что снимок получился хороший. Динамика, композиция, свет и сама идея. Он должен привлекать внимание.

— Вы упомянули уже несколько названий фотографий. Они приходят в голову сразу, или приходится поразмыслить?

— Если название пришло в первую секунду, с одного взгляда на фото — это большое везение. Когда я начал делать альбомы, я пришел к Юре Апенченко, журналисту, с которым мы вместе ездили в командировки. И он сказал: «Ты просто говоришь о том, что на снимке. А это зритель и без тебя видит. Название должно быть какое-то отстраненное». Например, «Снежная баталия» могла называться просто «Игра в снежки». Но ведь это и так понятно. Там же не дрова пилят. Можно обратить внимание на какую-то деталь, например. А потом, все зависит от твоего настроя.

Это сложно и очень интересно. Так же, как скомпоновать альбом. От первой фотографии до последней. Я всегда придерживался принципа величайшего французского фотографа Анри Картье-Брессона. Он считал, что фотография должна быть одна на полосе. Современные дизайнеры меня порой убивают. Получается буклет, и чаще плохой.

У меня до сих пор за шкафом стоит большой лист оргалита, я его использую вместо плоскости стола и на нем выкладываю фотографии. Смотрю, что-то откидываю. И так неделю. Вроде бы все сделал сегодня, а утром встаешь, заходишь в комнату, смотришь — думаешь: «это не то». Что-то снова заменяешь.

Однажды я получил молчаливую, но очень важную оценку этой кропотливой работе от друга Картье-Брессона — Марка Рибу. Он, Брессон и еще несколько человек организовали до сих пор работающее и знаковое — я не люблю слово «престижное» — агентство Magnum. Я был в Париже и договорился с Рибу о встрече, привез в подарок свой альбом. Он его очень внимательно разглядывал, а потом спросил, кто составлял. Я ответил: «Я». Он посмотрел на меня очень добрыми глазами и кивнул. Оценка была получена. Значит, все сделал правильно.

Ville Kansanen — фотограф, художник, концептуалист

фотограф: Ville Kansanen

Фотограф Вилле Кансанен родился в Эспоо, Финляндия в 1984 году, изучал фотографию в Школе искусств Глазго, а затем переехал в Лос-Анджелес, чтобы продолжить карьеру художника в 2008 году. Когда аналоговая фотография стала постепенно уступать цифровой, Вилле и его творчество постепенно адаптировалось под новый мир технологий, однако его фотография также осталась качественной, концептуальной — на грани искусства и провокации, подымая вопросы одиночества, защиты природы и прочих важных для фотографа тем. В конечном счете карьера фотографа привела его в Калифорнию, США, где он продемонстрировал свои работы, а также построил карьеру в графическом дизайне. Частично это могло бы объяснить его проект «Шествие призраков», который в том числе представлен в этом интервью.

фотограф: Ville Kansanen

Работы Вилле Кансанена были представлены в нескольких печатных и онлайн-изданиях, таких как American Photo Magazine, GUP Magazine, SFAQ и Diffusion Magazine. В 2015 году он получил премию Lucie Award и был выбран фотографом года по версии IPA Fine Art Photographer of the Year. Он участвовал в индивидуальных и групповых выставках на международном уровне.

Большая часть работ автора создавалась в пустыне, где геологическое время становится видимым; где обитаемый ландшафт достигает своего конечного состояния; и где культурная память о древних религиях остается осязаемой. Именно в этих условиях Вилле строит свои изображения, часто из нескольких экспозиций и в течение длительного периода времени.

фотограф: Ville Kansanen

Год за годом он возвращается в одни и те же пустынные места на несколько недель. Живя и работая на своем рабочем грузовике, он конструирует инсталляции из дерева, досок, веревок, канатов, местных камней и почвы. Часто он восстанавливает и перерабатывает материалы из обветшалых установок, оставленные на месте в предыдущие месяцы и годы. А в конце съемки он собирает все материалы для того, чтобы от его присутствия не осталось и следа. Для Вилле фотография представляет собой пространство для формирования внутренних духовных отношений с природой.

фотограф: Ville Kansanen

Награды Вилле Кансанена:

2015 Люси. Главная награда конкурса. Открытие года.
Международная выставка фотографии 2015 года. Художественный фотограф года.
Награда International Kontinent Awards 2014. Художественный фотограф года.

фотограф: Ville Kansanen

Персональные выставки Вилле Кансанена:

Сеул, Южная Корея. Март 2020 года. Философский камень (спектакль, 3 человека). Дацский художественный музей.
Форт-Коллинз, Колорадо. Апрель 2017 г. Центр художественной фотографии.
Берлин, Германия. Март, 2016. Galerie Hiltawsky.

фотограф: Ville Kansanen

Распространенное заблуждение, что его проект «Шествие призраков» посвящен депрессии; для Вилле это скорее проявление себя. Депрессия, однако, была катализатором для сериала, как и попытка передать эмоции в образы.

Серия сочетает в себе сюрреализм, личные элементы, пейзажи и портретную живопись, чтобы превратить ее в настоящее произведение изобразительного искусства.

фотограф: Ville Kansanen

Расскажите нам о том, как вы пришли в фотографию.

Вилле Кансанен: Я хотел быть художником, но рисовать невероятно сложно и что самое прискорбное — долго; Я хотел создавать детализированные композиции так быстро, как только мог придумать идеи. У меня не хватило на это внимания, хотя у меня были приличные навыки рисования. Кроме того, помимо пленэра, вы застреваете в студии, и я обнаружил, что это очень ограничивает. Мне нравится находить места и быть в мире. Я вырос на компьютерах, потому что мой старший брат был энтузиастом – компьютерщиком. У нас были Commodores, Amigas и ПК, а у всех моих друзей были Nintendos. Я постоянно играл с графическим ПО, поэтому, когда цифровая фотография стала доступной, все встало на свои места.

Внезапно фотография стала чем-то в цифровой сфере, она показалась мне новой и безграничной. Это сформировало мою личную философию фотографии, заключающуюся в том, что фотоаппарат — это аппарат для захвата визуальных объектов в пространстве, которые должны быть организованы художником для передачи эмоций и идей, а не для фиксации определенных моментов или проведения наблюдений.

фотограф: Ville Kansanen

«Шествие призраков» — очень интересный сериал, в котором рассказывается о вашей борьбе с депрессией и о том, как вы восстанавливаете свою жизнь. Так почему же вы выбрали фотографию как средство, которое должно было и, судя по всему, помогло вам выйти из этого состояния?

Вилле Кансанен: это распространенное заблуждение о сериале. В то время как моя борьба с депрессией действовала как катализатор и своего рода средство прояснения деятельности в моем сознании; эта работа не о депрессии или выходе из депрессии; она о появлении «я», сознания и нашей деятельности как развивающихся и незавершенных существ в природе. Эмоциональный опыт выхода из депрессии служил каналом для наблюдений за тем, как, на мой взгляд, наши тела, разум, эмоции и дух создают наши переживания. Я считаю, что притворяться, будто существует волшебная пуля, которая лечит депрессию, стресс или тревогу, очень привлекательно и опасно; лекарства не существует, и моя работа ничего не «вылечила» и даже не решила ничего.

фотограф: Ville Kansanen

Работа действительно помогла мне почувствовать себя более комфортно, и это дало мне место, куда можно было бы пойти, когда я чувствовал, что мне некуда или не к кому обратиться. Я думаю, что все художники так относятся к своей работе, как будто она их самый верный друг.

фотограф: Ville Kansanen

На самом деле многое из этого связано с ощущением и переводом эмоций в образы. Итак, оглядываясь назад на серию, что, по вашему мнению, продиктовало творческое видение проекта до сих пор и в каком направлении вы хотите его развить?

Вилле Кансанен: Я думаю, что в основе работы лежит вера в то, что неизвестные части моего разума могут передавать более глубокие истины, чем фильтр социального, психологического и культурного сопротивления, который влияет на мой опыт сознания и то, как я генерирую идеи. Я предпочитаю быть в одном лагере с сюрреалистами, такими как Леонора Каррингтон, которая подчеркнула, что художники обитают в визуальном мире, который нельзя объяснить никакими другими терминами.

фотограф: Ville Kansanen

Однако, к вашему мнению, я стараюсь прежде всего выражать чувства и стараюсь не чрезмерно интеллектуализировать эмоциональные переживания. Только структура, в которой они пребывают, может быть интеллектуализирована, и даже это часто бывает довольно глупо. Работа продиктована акцентом на чувствах, а не на фотографиях. Я не хочу, чтобы работа просто исчезла или где-либо находилась. Художник делает то, что хочет. Я просто стараюсь не вмешиваться в процесс своего творчества и молюсь, чтобы увидеть, что это за тонкая красная линия, чтобы я мог создать сплоченность и структуру. Я просто творю не загружаю голову сложными идеями.

фотограф: Ville Kansanen

Ваши образы очень специфичны в использовании цветов и ощущении почти ненасыщенности. Как, по вашему мнению, это помогает вам сказать, что вы пытаетесь передать?

Вилле Кансанен: Я люблю то, что находится между выбором и направлениями. Я предпочитаю быть где-то между черным и белым и цветным. Еще я люблю рассеянный свет. Даже в пустыне в полдень, в безоблачный день часто бывает слой пыли, который заполняет и фильтрует свет. Он создает этот красивый экран на горизонте и чудесным образом смешивает его с небом.

Комбинация диффузии и обесцвечивания придает мягкость и полупрозрачность, которые мне очень нравятся. Я думаю, что мой выбор цвета также продиктован попытками имитировать, как холодный воздух меняет свет. Для меня это свет Финляндии, моей родной страны. Я, наверное, немного романтизирую это, но мне все равно.

фотограф: Ville Kansanen

Вы когда-нибудь сидели там и занимались раскадровкой сцены и думали про себя, что собираетесь ставить цели, чтобы в конечном счете добраться до определенных сцен?

Вилле Кансанен: вы совершенно правы. У меня есть довольно четкие представления о том, чего я хочу достичь задолго до того, как я фотографирую. В некотором смысле, большинство моих изображений представляют собой серии изображений из-за того, как они составлены, организованы и собраны. В моем фотографическом процессе есть хореография и структура, которые иногда требуют очень тщательного планирования и практики.

Все это планирование важно, но ключ к хорошей работе — оставлять место для адаптации, игр и случайностей. Вот где находятся дары, если вы держите свое сердце открытым. Иногда я плохо справляюсь с этой задачей, потому что мне нравится держать все под контролем. Контроль переоценен.

фотограф: Ville Kansanen

Как вы подходите к выбору изображений со съемок, чтобы показать их миру? На что похож психический процесс?

Вилле Кансанен: для меня труднее всего перебороть эстетику и спросить себя: работает ли это? Создание красивого изображения — это здорово, но само по себе бессмысленно. У меня также есть много личных проблем, которые нужно преодолеть, потому что я использую свое тело. Я должен отказаться от опасений по поводу показа части себя неудобным образом и попытаться быть объективным в том, как я выражаю себя. Однако все сказанное требует определенной технической строгости. Я верю в надежную работу, в которой высокий уровень технического мастерства сочетается с глубоким концептуальным мышлением.

фотограф: Ville Kansanen
Итак, если изображение технически слабое, оно автоматически обрезается. У меня также есть несколько близких товарищей, которым я отправляю изображения для обратной связи. Они неоценимы в процессе редактирования, потому что я слишком близок к своей работе. Я особенно ценю важность откровенно честной обратной связи, поскольку я хочу почувствовать дискомфортное пространство для совершенствования и роста.
Еще больше работ автора в его социальных сетях и на официальном сайте фотографа.
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
фотограф: Ville Kansanen
[instagram. com/villekansanen], [villekansanen.com], [facebook.com/VilleKansanen]
Следите за новостями в наших социальных сетях
Вконтакте, Facebook, Instagram, Telegram и YouTube
Фотографы художники? Давайте обсудим
Сообщение от: Коди Шульц
Я сделал этот снимок во время поездки на запад к горам Гранд-Титон и Йеллоустонскому национальному парку со своей семьей и примерно 50 другими людьми. Мы ехали к нашему следующему домику, мимо гор и реки Снейк, где на следующее утро мы должны были сплавляться, когда я был очарован открывшейся передо мной сценой.
Никогда в жизни не видевший гор – кроме фотографий в Интернете и в кино – я был поражен. Я тут же схватил камеру и начал снимать, борясь с бликами из окна, а также внимательно следя за счетчиком в видоискателе. Вернувшись домой примерно через неделю, я собирал снимки, сделанные в поездке. Почти сразу это стало моим фаворитом.

Этот снимок тоже был сделан в горах, еще один мой любимый снимок с гораздо более продуманной композицией. Наш гид сказал нам, что мы остановимся, чтобы увидеть церковь с множеством возможностей для фотографирования. Почти сразу я понял, какой кадр мне нужен.
Я идеально установил штатив, сделал несколько пробных снимков, чтобы убедиться, что моя экспозиция правильная, а затем исследовал местность, оставив камеру на месте, пока все остальные не вернутся в автобус. Хотя я знал, что вернусь на свое место последним, я знал, что ожидание того стоит. И это определенно было так, поскольку все остальные загружались в автобус, сцена была почти полностью пуста. Я сделал три кадра сцены, сделав брекетинг на случай, если освещение изменилось, и вернулся в автобус.

Мы художники или фотографы?
Причина, по которой я рассказываю вам об этих двух изображениях, не в том, чтобы заставить вас завидовать моему удивительному приключению с моей семьей. Скорее, я рассказываю вам об этом, чтобы заставить вас задуматься. Видите ли, со времен Анселя Адамса ведутся серьезные споры о том, следует ли считать фотографов художниками.
Сам Ансель Адамс боролся с этим, будучи среди многих других фотографов на заре своего ремесла, которые использовали объективы с мягким фокусом для создания изображений, которые меньше походили на реальность и больше походили на картины. Почему? Поскольку в то время к фотографии как к искусству не относились серьезно, и чтобы добиться успеха среди других художников, вам нужно было сделать так, чтобы ваши изображения выглядели так, как будто они нарисованы, а не сфотографированы.

Мы документируем или занимаемся искусством?
Итак, возникает вопрос: создаем ли мы, фотографы, произведения прекрасного искусства? Или мы просто документируем окружающий мир с помощью какой-то особой — но легко реализуемой другими — способности?
Один из аргументов, который обычно приводится против фотографии как формы искусства, заключается в том, что ею может заниматься каждый. Нет необходимости в специальном снаряжении, не требуется ученичество; вам даже не нужно ходить на курсы, чтобы научиться фотографировать. Большинство профессиональных фотографов не имеют формального образования.
Но если это так, зачем нам оттачивать свои навыки? Какой смысл постоянно изучать новые композиционные приемы, новые способы постобработки? Почему мы покупаем «лучшие» камеры, новые объективы, более прочные штативы, если наше ремесло не считается формой искусства? Если кто-то может это сделать, какой смысл покупать Nikon D850 за 4000 долларов, от которого все пускают слюни?

Потому что не все могут делать то, что делаем мы
Да, каждый может быть фотографом; каждый случайный парень на улице может взять камеру — или использовать свой смартфон — и сделать красивый снимок заката. Просто загляните в Instagram, и вы поймете, что я имею в виду. Но то же самое можно сказать и о живописцах, скетчерах и т. д. Каждый может быть «настоящим художником». Я могу взять кисть, нанести немного краски на холст и назвать это современным искусством. Я могу нарисовать одну линию в центре холста размером 20 на 30 футов, повесить ее в престижной художественной галерее и продать за миллионы.

Это делалось раньше, и это будет продолжаться. Итак, вопрос в том, является ли это все еще искусством?
Итак, если вы говорите мне, что рисование одним мазком на холсте — это искусство, то вы также должны позволить мне сказать вам, что фотография — это искусство. В противном случае вы говорите, что все могут фотографировать, но не все могут нарисовать линию, верно?
Фотографы как документалисты
Существует также мнение, что мы как фотографы просто документируем мир. Мы просто находимся в нужном месте в нужное время; нам повезло.
Но если нам повезет, то как вы объясните бесчисленные часы, которые мы проводим, сидя на одном месте, ожидая, когда загорится свет, только чтобы фотография не получилась такой, как мы надеялись. А потом возвращаемся в ту же локацию и ждем еще дольше, надеясь, что на этот раз погаснет свет. Затем, когда это не так, мы продолжаем возвращаться, пока, наконец, этот свет не сработает. Это точно удача?

Да, точно так же, как художники, мы, вероятно, могли бы найти способ использовать Photoshop при некотором освещении, заменить небо в сцене на что-то более визуально привлекательное, а затем положить этому конец.
Это больше, чем просто удача
Однако сказать, что нам везет почти со всеми кадрами, которые мы получаем, значит лишь обесценить бесчисленные часы, месяцы, годы, которые мы потратили, пытаясь стать лучше в своем ремесле. Изучение композиций великих фотографов до нас, покупка учебных пособий фотографов, которыми мы восхищаемся, в надежде, что они знают что-то, чего не знаем мы, — это не считается удачей.
Да, как фотографы, мы полагаемся на случай. Мы полагаемся на то, что погода сложится так, как мы надеялись, и место, которое мы ищем, будет найдено. Однако в то же время мы должны научиться приспосабливаться к нашему окружению и к нашей ситуации. Если мы хотим преуспеть как фотографы, мы должны понять, что не все получается так идеально, как мы надеялись.

И в этот момент мы можем либо вернуться в локацию позже, либо найти способ заставить ее работать. Мы должны использовать наше творчество, чтобы создать сцену, которая будет такой же хорошей, если не лучше, чем та, которую мы изначально запланировали в своей голове.
Оглядываясь назад на фотографии, которые я сделал на западе, я должен спросить себя, художник ли я?
Что говорит мастер?
Думаю, Ансел Адамс был прав, когда сказал:
.
«Фотография сделана, но не сделана. Фотография — это не автоматическая запись и не случайность. Это концепция, видение мира, переведенное в оттенки серого, переданное в терминах простой преданности медиуму — заявление предельной ясности и возможного совершенства…»

Искусство всегда было субъективным. Неважно, фотографируете ли вы свою кошку или великолепный вид на Исландию. На мой взгляд, если у вас есть мнение, настроение или эмоция, которые вы пытаетесь передать миру через свои образы, то вы художник.
Итак, вопрос, вы считаете себя художником? Давайте обсудим в комментариях ниже.
Узнайте больше в нашей категории «Советы и руководства»
Коди Шульц
— фотограф, специализирующийся на черно-белых пейзажах и создающий уникальный взгляд на мир, который не каждый день увидишь. Если его не застанут за пределами знакомства со своей девушкой, его можно найти за распространением знаний через свой блог. Чтобы увидеть больше его работ или узнать что-то из его блога, посетите сайт www.codyschultz.com.
Мне нужна помощь с…
Фотографы вообще художники? | Фстопперс
32 комментария
Вы когда-нибудь слышали аргумент, что фотография — это не искусство, потому что каждый может это сделать? Это бык. Все формы фотографии в той или иной степени нуждаются в художественном мышлении.
Ремесло и искусство
Похоже на негласное соглашение, что фотографы не любят об этом говорить: каждый может создавать достойные изображения на современном смартфоне. Технический акт создания правильно экспонированного снимка больше не является ракетостроением. На самом деле, с каждым днем становится все легче и легче. В прошлом изучение фотографии всегда означало также обучение ремеслу. Сегодня это ремесло становится менее важным.
Я предполагаю, что люди, которые опираются на знание ремесла фотографии, скоро вымрут. Вы больше не особенный, если просто умеете обращаться с камерой. Энтузиасты iPhone, Huawei и Samsung скоро настигнут вас, и вы вылетите. Конечно, вы сможете создавать более качественные изображения, когда освоите ремесло. Тем не менее, это всего лишь одно необходимое условие. Важнее аспект искусства.
Фотография — это рисование светом.
Что такое искусство?
Рискуя открыть здесь ящик Пандоры, я пытаюсь дать очень мягкое определение искусства. Это больше похоже на сводку различных определений искусства, которые я нашел в сети и в книгах. Почти каждое определение соглашается с тем, что искусство — это творчество. Это может быть видимый продукт, звук или творческая деятельность. Все это до сих пор звучит как большое ремесло. Еще одна важная часть, о которой обычно упоминают, говоря об искусстве, — это экспрессия. Художники выражают свое воображение, эмоции и мысли через свое искусство. Следовательно, я хотел бы резюмировать, что искусство — это выражение воображения, эмоций и мыслей художника через воспринимаемый продукт. Звучит немного сложно? Немецкий поэт Иоганн Вольфганг фон Гёте выразил это следующим образом:
Искусство — посредник невыразимого
— Иоганн Вольфганг фон Гёте
Что это значит? Давайте посмотрим на наши фотографии как на форму языка. Мы видим что-то, может быть, семью, которая хочет, чтобы ее изобразили. Мы могли бы просто взять нашу камеру, правильно выставить экспозицию — сделать снимок — и готово. Это ремесло. С другой стороны, мы могли бы поговорить с ними, узнать, как им нравятся их изображения, подумать о том, как мы их воспринимаем, и как мы можем визуализировать свои и их идеи. Мы их позируем, шутим, пытаемся поместить их в кадр, соответствующий их характеру. Это правильный портрет и это искусство, потому что мы перевели наши представления о семье на другой язык: фотографию.
Выбор цвета также повлияет на ваше сообщение.
У каждого свой язык
Проблема общения в том, что люди не работают как машины. Когда мы общаемся, невозможно получить 100% сообщения, которое человек хочет нам сообщить. Информация между людьми не отправляется и не принимается, как будто мы одинаково закодированы. Если вы скажете мне: «Я видел красивый закат», я смогу представить себе красивый закат, но точно не ваш. Если ты поговоришь со мной о чувствах, я могу узнать, что такое печаль в моем теле и разуме, но не в твоем. Язык всегда является предметом интерпретации.
Искусство — это все, что вам сойдет с рук
— Маршалл Маклюэн
Наши фотографии тоже требуют интерпретации. Показывая красоту, эмоции, знакомые вещи, различия и абстрактные сюжеты, фотографии читаются зрителем так же, как мои слова читаются вами прямо сейчас. Если вы думаете, что все поймут смысл ваших письменных слов, проведите тест. Напишите здесь комментарий к Fstoppers, попробуйте включить в статью слова «беззеркалка» и «зеркалка» или «Nikon» и «Canon», и вскоре вы увидите, что некоторые читатели отреагируют совсем иначе, чем другие. Некоторые могут обидеться, даже если вы не хотели кого-то обидеть. Некоторые могут подумать, что вы просто хотите поделиться своим мнением; некоторые подумают, что вы хотите рекламировать себя.
Искусство перевода
Фотографии читать еще труднее, потому что у нас нет сложного единого кода. Да, улыбающиеся лица создают хорошее настроение, свет снизу выглядит дьявольски, а люди, сфотографированные снизу, выглядят чуть мощнее. Тем не менее, вызвать определенное чувство и тронуть людей сложно, особенно в то время, когда мы наводнены изображениями.
Искусство — королева всех наук, передающая знания всем поколениям мира.
— Леонардо да Винчи
Часто нам также приходится воплощать идеи других людей в фотографии. Если вы коммерческий фотограф, к вам может подойти компания беговых тренеров и сказать: «Мы хотим, чтобы это выглядело как свобода и способность достигать своих целей». Затем вам придется перевести эти слова в свое воображение, а затем в фотографию. Черт возьми, это сложно, и это уже не просто ремесло. Это, безусловно, творческий акт. Это искусство.
Абстрактные изображения могут не содержать четкого сообщения, но некоторые из них могут вызывать чувства или мысли.
Селфи, натюрморты и фотожурналистика
Вот проблема, которая открыта для обсуждения: С чего начинается искусство? Когда я смотрю на свою ленту в Instagram, где я слежу — помимо некоторых замечательных художников — много дрянного контента, я должен прийти к выводу, что изображения также являются актами перевода. Селфи на фоне Эйфелевой башни? Перевод понятия о том, что люди живут завидно. Хлеб с авокадо и имбирный коктейль? Перевод о необходимости показать людям, что вы здоровы. Оба изображения, вероятно, просто маркеры статуса, тем не менее они пытаются выразить абстрактные чувства и понятия в фотографической среде. Иногда они могут донести до зрителей чувство, которое заставит их представить, каково это быть в такой ситуации. Но делает ли это селфи формой искусства?
Все искусство совершенно бесполезно
— Оскар Уайльд
Приведу еще несколько сложных примеров. Натюрморты — еще одна интересная форма фотографии, когда мы говорим о коммуникации. Используемые символы почти закодированы таким образом, чтобы можно было прочитать сообщение, используя словарь натюрморта. Если код в значительной степени определен, разве натюрмортная фотография (или живопись) не является ремеслом, а не искусством?
А фотожурналистика? Фотожурналист снимает события, представляющие общественный интерес. Он или она просто фиксирует то, что есть, верно? Я так не думаю. Подбор изображений, обрамление и контекст предмета — это форма выражения мысли фотографа о теме. В идеальном случае эта идея сбалансирована и как можно менее предвзята.
Что осталось?
Вышеупомянутое определение искусства очень широкое и включает в себя почти все формы выражения. Может быть, нам следует отступить от идеи определения чего-либо как искусства или нет. Видение искусства как масштаба и дебатов может быть более полезным. Селфи может быть искусством на очень низком уровне, тогда как изображение Картье-Брессона будет выше. Некоторые читатели могут счесть один вид искусства выше другого. Это нормально, потому что это также поддерживает наше взаимодействие. Как приятно говорить о фотографии, фильме или новой песне Джастина Бибера (шутка). Искусство позволяет нам обсуждать и общаться, обнаруживать различия в восприятии и вкусе.
Все мы знаем, что искусство не есть правда. Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину.
— Пабло Пикассо
Наконец, есть один аспект, который часто игнорируется в определении искусства: эстетика. Как ни странно, но я лично считаю, что это главный навык, который нам нужен, чтобы ремесло стало искусством. Если фотография трогает людей или позволяет им смахнуть ее, в основном это зависит от ее эстетики. Эстетика означает не только красоту в положительном смысле, но и способность вызывать реакцию. В наше время картинки можно встретить повсюду, от двери туалета до рекламных щитов на больших городских площадях. Вызвать реакцию нашей оцепеневшей от СМИ публики, пожалуй, самая большая артистическая задача сегодня. Как создать эстетику? Ну, может быть, это тема для другой статьи.
Темы:
Образование
Fstoppers Originals
Мнение
Нильс Хайнингер — путешествующий фотограф. Он любит долгие поездки на мотоциклах, верблюдах и старых поездах. Открывая мир, он использует свою камеру, чтобы делиться историями людей со всего мира. С Micro-four Thirds в кармане и полнокадровым фотоаппаратом в сумке он всегда готов к новым приключениям.
Фотограф или фотохудожник? — Билли Сэнфорд
Эта статья началась как пост в группе «Книги и теории фотографии» на Facebook. Это дружелюбная и информативная группа, и, как следует из названия, это место для обсуждения книг и теории, связанных с фотографией. Я сослался на наблюдение Холли Гилман в этом посте, и она призвала меня изложить эту идею немного подробнее здесь, на 35mmc.
Работа Холли недавно была представлена на выставке. Она совершила краткий тур по пространству для видео на своем канале YouTube (на который я призываю вас всех подписаться), и она обсуждала различные работы, представленные на выставке. В него вошли несколько цианотипов, сделанных на яичной скорлупе. Вероятно, было неудобно называть это фотографией, поэтому она немного задумалась о фотографии и фотографическом искусстве. Это наблюдение стало причиной моего поста в группе.
Мой собственный опыт фотографии кажется типичным путем. Я вырос, используя пленку, чтобы запечатлеть воспоминания о семье и друзьях. Повзрослев, после того, как цифровые технологии стали популярными, я начал заниматься фотографией в качестве хобби. Хотя я все еще снимаю на цифру, с начала пандемии я в основном использую пленку. Я коснусь некоторых причин позже в статье.
В то время как фотография была моим собственным выходом, я считаю, что импульс для этого был посеян через мою семью. Особенно со стороны матери. Мой дедушка вырос на ферме в разное время и в разных жизненных обстоятельствах. Им приходилось работать руками. Следовательно, он был квалифицирован во многих областях, включая столярное дело и деревообработку. Моя бабушка была искусной швеей. Моя мама до сих пор любит шить. Моя сестра любит все виды декоративно-прикладного искусства. Они оба увлекаются садоводством. Дочь моей сестры рисовала и изначально хотела сосредоточиться на этом в школе. Все мои двоюродные братья из этой семьи играли на музыкальных инструментах. Может показаться, что тогда у меня будет четкое представление о принуждении к творчеству, но, как ни странно, я не обязательно чувствую, что понимаю. Поэтому я задал вопрос группе, чтобы узнать их мнение.
Изображение моей матери, работающей над одеялом. Изображение было сделано с помощью Hasselblad 503CX на Delta 3200 при 16:00.
Во время моих фотовылазок я могу увидеть дерево, которое мне нравится, и сфотографировать его. Но почему? Не то чтобы я чувствовал какую-то сентиментальную привязанность к дереву и хочу сохранить память. Я не строю проект вокруг изображений деревьев и не продаю свои работы. На самом деле, ни один другой человек вряд ли когда-либо увидит это. Возможно, мое внимание привлекло освещение, но какова цель его съемки?
Какое бы изображение я ни сделал, оно будет простым – вот изображение дерева, вот как оно выглядело, когда я стоял там, и что мог бы испытать обычный человек, проходящий мимо. Другие могут применить творческий подход к такому изображению, чтобы сделать его чем-то большим, чем документ момента. Может быть, они делают длинную выдержку, покачивая конечностями, чтобы показать ветреный день. Возможно, они снимают под низким углом и используют искажения от широкоугольного объектива, чтобы дерево казалось больше.
Длинная экспозиция (5 секунд) горящей стальной шерсти, снятая на камеру Canon 5D Mark II. Один из моих самых «художественных» образов.
Но главное, к чему я стремлюсь, это то, что некоторые могут вообще не фотографировать. Они могут сделать набросок или картину, включающую элементы своего воображения. Третьи могут взять лист с дерева и создать цианотипию. А третьи могут вообще не создавать визуально. Они могут сочинить хайку или написать стихотворение о том, каково это — быть там. И еще больший вопрос заключается в том, зачем кому-то из нас делать что-то из этого? Почему бы не остаться дома и не отдохнуть в саду, не сходить в кино или не заняться другими бесчисленными делами, которые мы могли бы сделать в свободное время, не связанными с творческим самовыражением? Итак, у нас действительно есть два вопроса: один о том, почему мы это делаем, а другой о том, почему мы выбираем средство, которое используем для того, что делаем.
Ответы на эти вопросы у всех разные и у многих есть нюансы. И это тоже развивается со временем. Ранее я упоминал, что вернулся к аналоговой фотографии в начале пандемии. Было много факторов. Они не были связаны с пандемией, но время и последующая изоляция создали идеальное время, чтобы оценить мои фотографии и то, что я надеялся получить от них.
Большая часть моих фотографий в 2019 году связана с посещением мастер-классов. Я также подумывал о покупке следующей камеры, но цифровой мир переходил от цифровых зеркальных камер к беззеркальным. Искусственный интеллект и другие методы редактирования продолжали развиваться в вычислительном пространстве. Камеры в сотовых телефонах продолжают становиться все лучше и лучше. А если говорить более лично, то большая часть моих цифровых фотографий в предыдущее десятилетие была сосредоточена вокруг моего сына и его спортивных занятий. Он переходил к следующему этапу своей жизни. И, по правде говоря, какое-то время он был менее увлечен неподвижными изображениями, отдавая предпочтение видеоконтенту, который лучше подчеркивает действие и более привлекателен в социальных сетях.
Из-за пандемии какое-то время мастерских не было. Казалось неразумным вкладывать деньги ни в систему, которая умирала, ни в систему, которая не была полностью разработана. Я не из тех, кто говорит, что цифровое редактирование фотографий — это не «настоящая» фотография, но мне никогда не нравился цифровой рабочий процесс. Моя обычная работа заключается в том, чтобы сидеть за компьютером весь день, поэтому я никогда не хотел тратить время на то, чтобы освоить его (это все еще проблема для меня, особенно при сканировании пленок с цветокоррекцией). Снимки на мобильный телефон часто являются практичным решением, но на самом деле они не удовлетворяют меня с точки зрения фотографии. И хотя я продолжал фотографировать спортивные достижения моего сына, я делал меньше их в цифровом виде и больше на пленке.
Изображение моего сына, прыгающего с шестом во время последней встречи на беговой дорожке в школе. Снято на Canon EOS-3 на HP5 при 1600.
Моя фотография оживилась. Я почти перестал выходить на улицу, чтобы насладиться цифровой фотографией, еще до пандемии. Я был, конечно, благодарен за то, что выбрался на природу, чтобы сделать аналоговые снимки после того, как провел несколько дней дома. Но это было нечто большее. Да, мне понравились картинки. Но осязаемость и процессы говорили со мной на другом уровне. Проявка пленки, а затем изготовление отпечатка в фотолаборатории дали мне определенное чувство удовлетворения и выполненного долга, которое, я полагаю, испытывал мой дед, строя книжный шкаф, или моя мать, когда шила одеяло. Не осуждать тех, кто не творит, но очевидно, что в некоторых людях должно быть какое-то глубоко укоренившееся принуждение принести в мир то, чего не было бы и не было бы без их усилий. Выражение себя таким образом, по-видимому, удовлетворяет это принуждение.
Несколько недавних отпечатков в фотолаборатории обычно ничем не примечательных сцен, но это доставило мне радость и удовлетворение от их создания.
Должен признать, что я попал на распутье в начале пандемии. Цифровая фотография сама по себе уже не приносила мне того удовлетворения, которое она приносила раньше. Если бы вернуться к пленке и ее тактильной природе не было возможности, отказался бы я от фотографии? Нашел бы я другой выход? Хотя сообщество стало более крепким, чем десять лет назад, нет никакой гарантии, что пленка и пленочные камеры всегда будут рядом. Если проблемы с окружающей средой, цепочкой поставок или рентабельностью не могут быть решены и аналоговая фотография исчезнет, вернусь ли я снова только к цифровым технологиям? Или какой-то альтернативный процесс? Попытался бы я заняться рисованием или рисованием? Смогу ли я, наконец, овладеть технологией Photoshop? Или я просто перестану пытаться творить в изобразительном искусстве? Являюсь ли я творческим человеком, который использует фотографию, чтобы выразить свое творчество? Или я тот, кто любит фотографировать, что по совпадению раскрывает мою творческую сторону?
Несколько цианотипов с цифровых негативов, с которыми я экспериментировал.
Спасибо, что нашли время прочитать эти размышления. Если вам нравится размышлять на темы такого рода, позвольте мне призвать вас присоединиться к вышеупомянутой группе и принять участие в беседе!
Вы можете найти меня в Instagram, Twitter или Flickr как bsanfordjr.
Для получения дополнительных статей о 35mmc по теме, обсуждаемой здесь, щелкните одну из следующих ссылок тегов:
Философия фотографии
Внесите свой вклад в 35mmc, чтобы получить опыт без рекламы
Есть два способа испытать 35mmc без рекламы:
Платная подписка — 2,99 фунта стерлингов в месяц, и вы больше никогда не увидите рекламу! (Бесплатная 3-дневная пробная версия)
Подпишитесь здесь
Автор контента — станьте частью крупнейшего в мире блога сообщества любителей кино и альтернативной фотографии. Все наши участники получают пожизненный опыт без рекламы.
Зарегистрируйтесь здесь.
Философия фотографии
Фотографов не следует путать с художниками. Вот логическое руководство: | by Erick Daz Kvuix
Несмотря на все противоречия, существующие вокруг этой темы, давайте начнем логически организовывать:
Фотографы > фотографировать • Область: Фотография
Фотографы изобразительного искусства • Область: Фотография + изобразительное искусство
> делать художественные фотографии > по-прежнему фотограф, использующий художественную форму
(визуальная концепция / визуальное выражение) для создания своих фотографий > в этом случае фотография является средством художественного выражения и видения.
Тем не менее, работая в галерее или в бизнесе, этот человек находится под лейблом фотографа, поэтому должен называться фотографом.
Теперь, если у Фотографа есть другие академические и профессиональные таланты в соответствии с Искусство , его роль может быть назначена как Фотограф и Художник, если он хочет или нуждается в этом. Но если его работа связана в первую очередь с наукой и техникой фотографии: это Фотограф.
«Фотография как вид искусства относится к фотографиям, созданным в соответствии с творческим видением фотографа. Фотография в сочетании с искусством контрастирует с фотожурналистикой, которая обеспечивает визуальный отчет о новостных событиях, и коммерческой фотографией, основной целью которой является реклама товаров или услуг».
Цифровая и/или обработанная фотография также может рассматриваться или пониматься как произведение искусства, тогда как в качестве носителя использовалась цифровая фотография и цифровое программное обеспечение для создания цифрового искусства (изобразительного искусства). Если фотография включает рисунок, цифровой рисунок или цифровую живопись, коллажи или цифровые коллажи или другие художественные приемы в сочетании с фотографическими приемами для создания нового изображения, то это следует рассматривать как Искусство (Изобразительное искусство). Особенно когда речь идет о воображении и сюрреализме (еще один вид искусства), но все же средством была фотография:
Теперь, если фотограф использует свою камеру и при постредактировании манипулирует изображением с помощью аналоговых или цифровых инструментов (программного обеспечения) для калибровки цвета, контраста, экспозиции и яркости, это не может быть принято в качестве художественной формы.
Это должно оставаться помеченным как Фотография. Потому что это соответствует принципам основных методов фотографии.
Теперь, если использование методов было основано на художественных принципах (академических), используя художественные исследования, чтобы выражать и создавать художественные концепции, такие как «теория цвета», обеспечивая «художественную эстетику» для составления их фотографий и придания их изображениям художественного видение (как фотограф изобразительного искусства), в этом случае средством всегда будет Фотография, а не Искусство. Но может рассматриваться как изобразительное искусство для окончательного представления изображения.
Иногда случается так, что необработанная фотография, без постобработки, без художественной эстетики, предоставленной фотографом, может выглядеть визуально ошеломляюще и считаться произведением искусства только потому, что она имеет очень хорошее естественное освещение, хорошую перспективу и ракурс и приносит что-то другое по сравнению с другой фотографией, сделанной, например, в том же месте.
Но вот в чем проблема — это надо рассматривать как шедевр фотографии, а не искусства. Ему не нужно было никакого искусства или исследований, чтобы сделать его визуально ошеломляющим. Но, будучи визуально ошеломляющим, это не обязательно визуальное искусство — это все же фотография!
Хотя фотография была внедрена в художественное сообщество, галереи и все другие области мира искусства с 20-го века. Тем не менее, фотографию нельзя путать с искусством. Ибо в основном это наука об использовании и настройке механического оборудования (камеры или объектива, прикрепленного к гаджету) для захвата света и его пейзажей во внешнем мире, чтобы, наконец, создать его изображение.
Это изображение можно позже превратить в произведение искусства, предоставив и объединив необходимое творческое видение и инструменты для этого. В противном случае это останется фотографией.
Фотография может быть использована в качестве средства для создания изобразительного искусства >
Для украшения скульптуры в художественной галерее фотографиями, вклеенными в ее тело: АРТ.
Для создания скульптуры с нуля только с фотографиями: АРТ.
Для подвешивания фотографий потолок в виде скульптуры: АРТ
Подвесить фотографии к потолку в картинной галерее: ФОТОГРАФИЯ
Видите разницу?!
___________________
«Искусство относится к теории и физическому выражению творчества, характерному для человеческих обществ и культур. Основные составляющие искусства включают литературу (включая драму, поэзию и прозу), исполнительское искусство (среди них танец, музыка и театр) и изобразительное искусство (включая архитектуру, керамику, рисование, живопись, фотография* и скульптура)». — wikipedia
Если фотография находится в категории «Искусство» > «Изобразительное искусство».
Тогда почему нельзя путать Фотографов с Художниками?
Просто: фотография — это не искусство, а наука, технология и изображение (визуальная композиция). Это изображение может быть объединено с художественными принципами для создания изобразительного искусства, но это не всегда так, и основная основа фотографии — фотография была создана, чтобы отражать и запечатлевать реальность мира без появления художественных форм.
Еще раз > Фотография — это наука об использовании света с механическим оборудованием для создания изображения. Когда изображение создается светом, падающим на светочувствительную поверхность, обычно фотопленку или электронный датчик изображения, такой как ПЗС или КМОП-чип.
Фотография в некоторых случаях может быть заранее задумана с целью интеллектуальной и художественной эстетики, чтобы сделать ее «визуально-художественной» или даже позднее превратить эту фотографию в произведение искусства. Тогда это фотография в сочетании с искусством. Но в первую очередь фотография — это не Искусство. Это фотография — особенно когда к ней не привязана концепция или художественное видение — только изображение, снятое с помощью оборудования или с общей калибровкой света и цвета после редактирования. ( напр. смартфоны и банализация фото )
Всё равно гениально, местами красиво. Это не делает его менее особенным, потому что он не связан с искусством. В зависимости от фотографа и его видения, с художественным образованием или без него, он может создать шедевр………… фотографии … не искусство. Понятно?
Слово «фотография» образовано от греческих корней φωτός ( phōtos ), родительный падеж φῶς ( phōs 9).0234), «свет»[2] и γραφή ( graphé ) «изображение с помощью линий» или «рисунок»,[3] вместе означают «рисование светом».[4]
Заявления художника о фотографии | Портал художественной школы
0
Заявление художника должно включать или включать следующее:
Поэтическая интерпретация вашей работы, поддерживающая концептуальные и визуальные связи в вашей работе.
Самосознание того, как другие художники или источники вдохновили или повлияли на вас при создании вашей работы.
Краткое обсуждение почему вы выполняете работу
Избегайте написания заявления, в котором просто описывается, как была сделана работа, или предлагается письменное объяснение визуальных стратегий, использованных при создании работы. Если вы не уверены, не слишком ли буквально вы говорите, рассмотрите следующее руководство;
Если зритель увидит это на изображении, не указывайте это в заявлении
Поэтическая интерпретация вашей работы
Это важная часть любого заявления, поскольку она поддерживает идеи и концепции в работе. Иногда вы можете чувствовать необходимость объяснить, почему определенные аспекты вашей работы важны для вас, или почему вы выбираете определенную тему, или вы можете захотеть сформулировать что-то об основе ваших идей.
Для меня американский Запад — это место, где все разваливается. Когда я был мальчиком, я познакомился с ним через фильмы, вестерны и приключенческие рассказы немецкого писателя Карла Мая. Всякий раз, когда я представлял себе Запад, я видел невероятную страну, которая была только что завоевана, в довольно недавнем прошлом, в 19 веке.век. Когда я приехал туда, я подумал, что раз я присутствовал при завоевании, так сказать, Запада, то там должна быть установлена цивилизация. Но это было совсем не так: цивилизация просто прошла через…
Wenders, W. (1987) Написано на Западе . Книги по искусству Ширмера, стр. 11.
Поэтическая интерпретация также может учитывать то, как вы хотите поддержать отношение людей к вашей работе.
Самосознание и вдохновение
Заявление художника, представленное для оценки, также должно сформулировать и предоставить доказательства вашего влияния и источников, а также то, как они помогли сформировать или наполнить идеи в вашей работе. Просто добавить цитату или включить длинный список книг в библиографию недостаточно. Если вы цитируете другой источник, вы должны организовать дискуссию вокруг содержание цитаты.
Why
Возможно, самый простой способ обратиться к заявлению артиста — начать с почему . Почему вы делаете эту работу, почему вы выбираете, прежде всего, фотографировать то, что фотографируете? Ответ на этот вопрос в заявлении поможет вам сформулировать идеи для заявления.
Некоторые примеры и ссылки
Рони Хорн — Спокойная вода, 1999
Галерея Тейт, Великобритания

Примерно в 1998 году мне поручили выполнить работу, связанную с Темзой. Я приехал в Лондон и провел много времени у реки. Река завораживает, и я чувствовал глубокую тягу к ней. В то же время у меня только что закончились длительные любовные отношения, и мне было очень грустно. Таким образом, две вещи сошлись в том, что, как я теперь вижу, было чем-то вроде заместительного самоубийства. Это тихая вода (например, река Темза) (1999). Это серия изображений воды, которые сопровождаются сносками того, о чем я думал в то время, что вызвала во мне река и что было в самой реке.
У меня была потрясающая помощница, Хелена Блейкер, которая помогла мне исследовать реку, получить некоторые основные факты, и оказалось, что темнота реки, которую я считал просто грязью и т. д., на самом деле была темнотой Лондон. Нам удалось опросить речную полицию, таксистов, всех, кто работал или знал реку, и через них мы узнали невероятные вещи. Темза привлекает очень большое количество самоубийств, многие из других стран, а также значительное количество так называемых смертей в результате несчастных случаев и смертей крайне насильственными способами — множество расчленений и так далее. Дальнейшие исследования от Диккенса до Конрада показали, что эта тьма имеет и исторические аспекты.
Я думаю о своих образах Темзы как о зеркале. Все ассоциативные образы, которые срастаются вокруг этой работы, будь то сходство воды с пустыней или заливным, бесконечный ряд образов, — это продукт фотографирования чего-то, что является мастером-хамелеоном. Или конечный мим. Окончательный мим — это то, что сохраняет свое отличие от всего остального. Когда вы думаете об этом факте — подражании или отражении и возможности потери вашей идентичности в связи с этим — вы понимаете, что вода никогда не теряет своей идентичности, она всегда дискретно сама по себе. И меня глубоко тянет к этой возможности существовать в двух пространствах одновременно, без всякого противоречия; много парадокса, но никакого противоречия, многое противоположно тому, что есть на самом деле, но каким-то образом они могут оставаться обеими сторонами истории. Река превратила меня в хамелеона, как когда-то в Лондон. Так что эта своеобразная взаимность затягивала меня все глубже и глубже. А сноски (взятые из другой воды) сплетают все это воедино.
Фиона Холл — Охота на крупную дичь (Музей современного искусства Хайди, 2013 г.)
Музей современного искусства Хайди, март-июль 2013 г. Фиона Холл по-разному описывается как алхимик, авантюристка, эко-писатель и творческий гений. Она наиболее известна своим преобразованием обычных материалов в экстраординарные органические формы, которые имеют как современный, так и исторический резонанс. Ее междисциплинарная практика занимается сложными отношениями между природой и культурой, прославляя чудеса мира природы и одновременно занимаясь такими широкими вопросами, как гендерная политика и колониальная история.
В последние годы разрушение окружающей среды во всем мире стало главной заботой Холла. Эта выставка привлекает внимание к Земле и ее формам жизни как полям сражений и пустошам, опустошенным жестокими силами человеческой жадности и глупости. Две основные части работы по этой теме объединены вместе, дополнены множеством концептуально связанных инсталляций и отдельных произведений, освещающих экологические дебаты. В Fall Prey внимание Холла сосредоточено на находящихся под угрозой исчезновения видах со всего мира и деградации экосистем, в которых они обитают. Сопровождающие Работы Kermadec смещают повестку дня к уникальной морской среде желоба Кермадек на Тихоокеанском огненном рубеже; десятикилометровая колыбель жизни, изобилующая биоразнообразием и находящаяся под угрозой со стороны горнодобывающей и рыбной промышленности.
Охота на крупную дичь олицетворяет любовь художника к естественному царству и скорбь по нему. В нем она путешествует по изменчивой территории экологической политики, разоблачая нашу роль в содействии исчезновению видов и истощению биосистем. В то время как ее послание универсально, а ее искусство доносится до всех, как и археологические раскопки, оно должно быть раскопано слой за слоем, чтобы полностью раскрыть его секреты. Визуальная стимуляция, интеллектуальная вовлеченность, остроумие и удивление в равной мере подкреплены мощным предупреждением человечеству: как отмечает Холл, ее работа — это «мёртвый зов, звучащий сиреной в умирающей пустыне».
ВАРВАРЫ У ВОРОТ
Эта инсталляция связывает жизнь пчел, которых повсеместно считают «социальными» насекомыми, с колониальной концепцией строительства национального государства. С колонизацией и другими перемещениями людей на протяжении веков пчелы распространились вместе с растениями и другими животными в чужие места обитания, навсегда изменив мировую экологию. Их упорядоченные колонии уподобляют обществам со строгим городским планированием или тюрьмам, а их привычки настолько вдохновили западных империалистов, что теперь американские военные обучают их обнаружению бомб. Термин «дрон» используется для описания беспилотных разведывательных и ракетных летательных аппаратов. Сегодня пчелам самим угрожает крах колонии от рук «варваров» двадцать первого века.
Варвары у ворот Особое внимание уделяет истории конфликтов на Ближнем Востоке. Девятнадцать ульев окрашены в военные камуфляжные узоры, связанные с девятнадцатью странами, которые отправили вооруженные силы в этот регион, которые для Холла являются «очень странными партнерами», которые говорят «много слов об исторических верностях и разногласиях». Каждый улей поддерживает архитектурный значок, представляющий режим власти в этой стране, предупреждая нас о многих силах, действующих как в истории колонизации, так и в глобализации идентичностей.
Образцы заявлений от Photography Speaks: 150 фотографов о своем искусстве
Джонсон, Б. (2004) Photography Speaks: 150 фотографов об их искусстве . Норфолк, Вирджиния. Фонд Aperture / Музей Крайслера.

Синди Шерман (стр. 94)
Я хочу, чтобы у вас в горле пересохло чувство, которое может быть вызвано отчаянием или сентиментальностью со слезами на глазах: передача неосязаемых эмоций.
Фотография должна превзойти себя, изображение, свою среду, чтобы иметь свое собственное присутствие.
Это изображения олицетворенных эмоций, полностью их самих с их собственным присутствием, а не меня. Вопрос идентичности модели не более интересен, чем возможный символизм любой другой детали.
Когда я готовлю каждого персонажа, я должен учитывать, против чего я работаю; что люди будут искать этот общий знаменатель под гримом и париками; узнаваемый. Я пытаюсь заставить других людей признать что-то в себе, а не во мне.
У меня есть этот огромный страх быть неправильно понятым, люди думают, что фотографии обо мне, что я действительно тщеславный и самовлюбленный. Потом иногда я удивляюсь, как это я обманываю так много людей, я делаю одну из самых глупых вещей в мире, которую я даже не могу объяснить, одеваюсь как ребенок и позирую перед камерой, пытаясь делать красивые картинки. И люди, кажется, попадаются на это. (Мои инстинкты подсказывали мне, что это не должно быть слишком сложно.)
Верить в собственное искусство становится все труднее и труднее, когда общественное мнение становится все более теплым.
Элиот Портер (стр. 220)
Хотя общепризнано, что абстрактное искусство относится к тем произведениям, вдохновленным воображением художника, а не объективной реальностью, в фотографии, в которой изображения создаются объективом, это различие трудно выдержать. В самом широком смысле слова оптическое изображение — это абстракция от мира природы, избранный и обособленный фрагмент того, что стоит перед камерой. Когда выбранное изображение говорит само за себя и не подразумевает больше, чем то, что лежит в пределах области, его обычно называют абстрактным, то есть независимым от его окружения — например, узором скалы, или лишайниками, или травами. С другой стороны, в более широком сценическом виде, обычном для большинства пейзажных фотографий, выбранное изображение подразумевает мир за пределами, охватываемыми объективом.
Фотография природы имеет тенденцию быть либо центростремительной, либо центробежной. В первом случае все элементы изображения сходятся к центральной точке интереса, к которой постоянно притягивается взгляд. Центробежная фотография представляет собой более живую композицию, похожую на звездообразование, при котором взгляд устремляется к углам и краям изображения: тем самым наблюдатель вынужден учитывать то, что фотограф исключил в своем выборе.
Я не фотографирую для скрытых целей, я фотографирую для самой вещи — для фотографии — без учета того, как она может быть использована. Некоторые критики предполагают, что я делаю фотографии в первую очередь для сохранения природы, но это утверждение далеко от истины. Хотя мои фотографии могут быть использованы таким образом, это не связано с моим первоначальным мотивом их создания, который заключается прежде всего в личном эстетическом удовлетворении…
В конечном счете, чтобы стать произведением искусства, фотография должна быть приятной и убедительной. Он не должен оставлять зрителя в сомнениях относительно достоверности его предмета, репрезентативного или воображаемого. Каждая часть должна способствовать единству образа от угла до угла – не должно быть никаких диссонирующих нот.
Ларри Кларк (стр. 226)
Я работаю фотографом с подросткового возраста. Моя мама была фотографом младенцев, ходила от двери к двери. У меня всегда были с собой Rolleiflex и стробоскоп, потому что я работал на своих родителей. Я никогда не думал о фотографии в других терминах, как об искусстве или чем-то еще. Но потом я пошел в школу коммерческой фотографии, которая оказалась при художественной школе. Так что я познакомился с детьми, которые занимались искусством, и со многими документальными фотографиями из старых 9 лет.0233 Life журнала пятидесятых годов, когда они делали эти замечательные фоторепортажи. Юджин Смит ушел из Life , потому что ему не давали достаточно времени для выполнения заданий. Он всегда писал эти обличительные речи о правде и о том, как он хотел сказать правду, правду, правду. Это была настоящая повстанческая позиция. Это было похоже на позицию подростка: почему все не может быть так, как должно? Почему я не могу делать то, что хочу? Я зацепился за эту философию. Однажды я сорвался: эй, знаешь, я знаю историю, которую никто никогда не рассказывал и никогда не видел, и я пережил ее. Это моя собственная история и история моей подруги. Я бы вернулся в Оклахому и начал фотографировать своих друзей. Вот тогда это и сломалось — я хотел быть рассказчиком; Расскажи историю. В чем я даже не хочу сейчас признаваться, потому что я так сильно ненавижу фотожурналистику.
Сначала я просто пытался делать фотографии. Кто-нибудь входил, и я видел свет и тень и узнавал драматичные вещи. Во-первых, я выучился на фотографа-портретиста. И вы должны заставить людей хорошо выглядеть, иначе вы не получите свои 10,95 доллара. Во-вторых, они мои друзья, и они смотрят фотографии, пока мы идем. Если вы вернетесь и покажете фотографии, на которых они выглядят не очень хорошо, они больше не захотят, чтобы вы их фотографировали. Многие фотографы и фотожурналисты отлично умеют делать снимки, быть быстрыми и сфокусированными, а также создавать композицию, но им все равно, как выглядят люди. Я сделал. Я мог бы сделать все это плюс заставить человека выглядеть так, как я хочу, чтобы он выглядел, или он хотел бы выглядеть.
Кадр Билли на кровати с пистолетом, я всегда смотрел на это как на детскую картинку. Если вы посмотрите на некоторые детские фотографии, сделанные моей мамой или мной, вы могли бы увидеть эту позу. Сначала я не понял, но знал, что это здорово. Это была естественная картина. С белым листом на заднем плане это может быть студийная фотография. Я смог получить это качество, когда это происходило на самом деле, это качество смотреть вверх. Люди часто спрашивают, настраивал ли я эти картинки, а потом говорят: «Нет, ты не мог, но как ты сделал так, чтобы они выглядели так?»
Она (Талса) вышла сразу после того, как я закончил ее в 1971 году. Первый раздел – 1963 год, средний – 1968 год, а затем последний раздел – 1971 год. Примерно половина книги относится к 1971 году. Я поехал в Талсу и сделал все эти фотографии за несколько месяцев. Я знал каждый аспект жизни и знал, чего не хватает в книге. Я вернулся и почти… ждал, когда же появятся эти фотографии. Я не знал, как они произойдут, но я знал, что буду готов. Это был настоящий жаркий период.
Гарри Виногранд (стр. 228)
Нет ничего более таинственного, чем ясно описанный факт. То, что я пишу здесь, является описанием того, что я понял о фотографии, благодаря фотографированию и просмотру фотографий.
Произведение искусства – это вещь, форма и содержание которой органичны инструментам и материалам, из которых она сделана. Фотосъемка — это химический, механический процесс. Буквальное описание или иллюзия буквального описания — это то, с чем инструменты и материалы фотосъемки справляются лучше, чем с любым другим графическим средством. Неподвижная фотография — это иллюзия буквального описания того, как камера увидела кусок времени и пространства. Понимая это, можно постулировать следующую теорему: все и вся можно сфотографировать.
Фотография может выглядеть только так, как камера увидела то, что было сфотографировано. Или то, как камера увидела кусок времени и пространства, отвечает за то, как выглядит фотография. Поэтому фотография может выглядеть как угодно. Или фотография никак не должна выглядеть (помимо иллюзии буквального описания). Или нет никаких внешних, абстрактных или предвзятых правил дизайна, которые можно было бы применить к фотографиям.
Мне нравится думать о фотографировании как о двустороннем акте уважения. Уважайте среду, позволяя ей делать то, что она делает лучше всего, описывая. И уважение к предмету, описывая его таким, какой он есть. Фотография должна отвечать за оба.
Я фотографирую, чтобы увидеть, как выглядят вещи на фотографиях.
Дуэйн Майклс (стр. 246)
Меня действительно не волнует, как выглядит мой отец, и я уверен, что вам тоже. Однако важно то, что произошло или не произошло между нами. Это отсутствие общения, любви, конфликтов — это мое наследие, моя история. Это то, что важно для меня, и это то, чем я хочу поделиться с вами. Я пишу этой фотографией не для того, чтобы рассказать вам, что вы можете видеть, а для того, чтобы выразить то, что невидимо. Я пишу, чтобы выразить эти чувства. Мы – это наши чувства. Фотография искусно обращается с внешностью, но ничто не является тем, чем кажется.
Салли Манн (стр. 290)
Я фотографирую своих детей, растущих в том же городе, что и я. Многие фотографии интимные, некоторые вымышленные, некоторые фантастические, но большинство из них — обычные вещи, которые видела каждая мать; мокрая постель, окровавленный нос, леденцы. Они наряжаются, дуются и позируют, раскрашивают свои тела, ныряют, как выдры, в темную реку.
Они участвуют в творческом процессе с младенчества. Иногда трудно точно сказать, кто делает фотографии. Некоторые из них — подарки мне от моих детей: подарки, которые приходят в мгновение ока настолько мимолетно, что напоминают прикосновение крыла ангела. Я молюсь, чтобы этот ангел пришел к нам, когда я буду устанавливать камеру, зная, что на пяти жарких акрах нет ни одного хорошего кадра. Мы вводим себя в состояние благодати, которое, как мы надеемся, заслуживает вознаграждения, и это состояние благодати с Ангелом Случая.
Когда появляются хорошие фотографии, мы надеемся, что они рассказывают правду, но правду, «рассказанную с уклоном», как велела Эмили Дикинсон. Мы рассказываем историю о том, что значит взрослеть. Это сложная история, и иногда мы пытаемся затронуть великие темы: гнев, любовь, смерть, чувственность и красоту. Но мы рассказываем все это без страха и без стыда.
Память — главный инструмент, неиссякаемый источник питательных веществ; эти фотографии открывают двери в прошлое, но позволяют заглянуть и в будущее. В Беккет Финал , Хэмм рассказывает историю о посещении сумасшедшего в его камере. Хэмм подтащил его к окну и увещевал; ‘Смотреть! Там! Вся эта растущая кукуруза! И там! Смотреть! Паруса сельдевого флота! Вся эта прелесть!» Но сумасшедший отвернулся. Все, что он видел, это пепел.
Парадокс! мы видим красоту и видим темную сторону вещей; нивы, полные паруса, но и пепел. У японцев есть слово для обозначения этого двойственного восприятия; моно не известно . Это означает что-то вроде «красоты с оттенком грусти». Как получается, что мы должны крепко держать то, что любим, до самых костей, зная, что мы также должны, когда придет время, отпустить это?
Для меня эти острые уроки непостоянства смягчаются неизменной картиной моей жизни, устойчивыми реалиями. Этот конфликт порождает странную жизненную силу, точно так же, как отчаяние безумца открывает обманчивое открытие. Я нахожу заключенными в головокружительном обмане времени его досадные возможности и сладостную человеческую настойчивость.
В этом слиянии прошлого и будущего, реальности и символа, Эммета, Джесси и Вирджинии. Их сила и уверенность, которые можно увидеть в их глазах, неотразимы; нет ничего более соблазнительного, чем случайно полученный подарок. Они существенны; их зеленое настоящее непреодолимо сложно. Иссушающая перспектива прошлого, предсказуемые предательства будущего; на данный момент эти знакомые сложности времени безобидно играют вокруг них, как танцующие тени под большим дубом.
Ринеке Дийстра (стр. 306)
В своих портретах я стараюсь запечатлеть что-то универсальное, но в то же время и личное. Я ищу определенные вещи, которые отличают моих натурщиков — маленькие детали, такие как определенный жест или взгляд, которые отличают их от других людей.
Я иду к своим объектам, где они находятся в своей собственной реальности, а не фотографирую их в студии. Мне нравится фотографировать их в естественных условиях.
Как фотограф вы увеличиваете или подчеркиваете определенный момент, делая его другой реальностью. На фотографии можно рассмотреть всевозможные детали, увидеть вещи, на которые обычно не обращаешь столько внимания.
Томас Штрут (стр. 310)
Все мое представление о работе во многом связано с тем, как живут люди. Как мы живем, как я живу, как люди живут вместе – человеческая общность. Это моя основная ценность: быть человеком. Это все, во что я верю. Я не верю в нынешние представления о постчеловечестве… Для меня самые важные явления — это те явления, которые вызывают изменения в обществе или в истории. Раньше эти изменения были заметны в физическом мире сразу. Сегодня это уже не так однозначно. Сегодняшние изменения благодаря новым компьютерам, разным изобретениям в генной инженерии и новым технологическим системам не так заметны, как когда-то на улице.
Если я смотрю на свою работу с самого начала, то это скорее попытка создать материал, с которым можно работать в будущем, а не создание ностальгических изображений для записи чего-то, что впоследствии будет потеряно… Что меня восхищает это своего рода понимание и информация, которые я получаю от природы пространства, и это должно иметь место, прежде чем я смогу что-либо сделать с этим пространством… Эти пространства относятся к определенному месту. Бытовые улицы как-то забавно более по-настоящему монументальны, как свидетели повседневной жизни людей. Кроме того, это делает вещи намного проще для чтения, чем если бы я использовал изображения известных сайтов… [В] общем, моя работа заключается не столько в расширении возможностей фотографии, сколько в том, чтобы реинвестировать ее в более истинное восприятие вещей, возвращаясь к простой метод, который фотография использовала с самого начала своего существования… Я верю, что в фотографиях, подобных тем, что были сделаны английским фотографом девятнадцатого века Томасом Аннаном или Юджином Атже, вы можете прочитать мотивацию человека, создавшего изображение в их; психологические, эмоциональные или интеллектуальные леса, которые человек видел в окружающей среде. И есть вопрос, как мы можем получить это или прочитать с поверхности изображения. Моя вера в психологию этой ситуации очень сильна… Я считаю, что если бы я попросил пятерых студентов сфотографировать одну и ту же улицу или здание в городе, то можно было бы увидеть, кто из них действительно интересуется улицей или зданием, а кто нет… Почему это происходит, меня очень интересует много. Вы забываете, что сейчас в живописи это явно принято, а в фотографии этот уровень изощренного чтения остается скрытым. Ведь важно то, сколько себя ты вкладываешь в свою работу. Если у вас есть реальное отношение к тому или иному зданию, пейзажу или человеку, как на портрете, это отразится на картине.
[Когда] я фотографирую, я осознаю, что конструирую образы, а не делаю снимки. Поскольку я не делаю быстрых фотографий, в этом отношении это похоже на рисование, которое занимает много времени, когда вы очень хорошо понимаете, что делаете в процессе. Экспозиция — это только последний акт создания изображения в виде фотографии.
Ретроспектива Джеффа Уолла в Гленстонском музее показывает его влияние на фотографию: NPR
Ретроспектива Джеффа Уолла в Гленстонском музее показывает его влияние на фотографию Музей Гленстона в Потомаке, штат Мэриленд, представляет произведения канадского фотографа Джеффа Уолла, насчитывающие пять десятилетий, которые начинают свою работу «с того, что не фотографируют».
Обновлено 2 декабря 2020 г.: 11:41 по восточноевропейскому времени. Первоначально опубликовано 2 декабря 2020 г., 15:03 по восточноевропейскому времени.
Утренний выпуск
Почему фотограф Джефф Уолл полагается на память, а не на камеру, чтобы создавать свои работы
Канадский фотограф Джефф Уолл говорит: «Я начинаю с , а не с фотографирования». Правильно: никаких снимков, никаких селфи. Ему не нравится идея — по его словам, «просто бегать в поисках чего-нибудь, чтобы сфотографировать».
Вместо этого, когда он видит что-то поразительное, он некоторое время думает об этом. Затем, если он решает, что может что-то из этого сделать, он воссоздает это с нуля: нанимает исполнителей, исследует места и инсценирует сцену для своей камеры. Его искусство заключается в том, чтобы переместить фотографии в область живописи.
Музей Гленстона за пределами Вашингтона, округ Колумбия, показывает ретроспективу фотографий Уолла. С 1970-х годов он оказал влияние на поколения современных фотографов.
Картинка женская , 1979 г., прозрачность в лайтбоксе Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона. скрыть заголовок
переключить заголовок
Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона.
Картинка для женщин , 1979 г., прозрачная в лайтбоксе
Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона.
Разговаривать с Джеффом Уоллом в галерее Гленстона было действительно неприятно. Мы были окружены его огромными цветными фотографиями. Пока мы разговаривали, я заметил через его плечо женщину, уставившуюся на нас. Носи! Но она не была настоящей. Я имею в виду, она был , но на фотографии, увеличенной до такого же размера, как мы, он выглядел очень реальным. Изображение представляло собой транспарант на пленке, отображаемый в лайтбоксе, освещение которого придавало женщине размеры реальной жизни.
Но Уолл говорит: «Мне не нравится идея о том, что захватывает жизнь ». Так он без камеры.
«Я не обязан быть репортером. Я могу начать с чего угодно», — говорит он. «Что-то, чему я был свидетелем, что-то, чего я не видел, что-то, что я читал или видел во сне. Что угодно».
Мимик , 1982 г., прозрачность в лайтбоксе Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона. скрыть заголовок
переключить заголовок
Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона.
Он что-то видит — белый мужчина, косо отдергивая веко, когда он проходит мимо азиата на улице.
«Это не дружеский жест.» Он их видит, но: «Я их не фотографирую. Я не такой фотограф».
Вместо этого он живет ментальным образом этого, а затем занимается искусством. «Мне нравится, что я не ловил это с помощью устройства. Я просто запечатлел это на собственном опыте».
Главный куратор и директор Glenstone Эмили Рэйлс считает Уолла одним из самых влиятельных художников за последние 40 лет. «Он действительно продвигал медиум, — говорит Рэйлз. «Он сделал для фотографии то, что не смог сделать никто другой, а именно поднял ее от фотожурналистики и уличной фотографии до уровня скульптуры и живописи»
Джефф Уолл начал работать таким образом — огромный масштаб, цветные изображения, освещенные сзади — в 1970-х годах. Спустя 20 лет он на время отказался от цвета и прозрачности, желая сделать что-то другое.
Волонтер , 1996 г. , серебряно-желатиновая печать Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона. скрыть заголовок
переключить заголовок
Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона.
Желая работать с тенями, он обратился к древнейшей форме фотографии: черно-белой. Документальный фильм, но опять же, не документальный. Через окно соседнего приюта он заметил мужчину, который мыл пол. Какое-то время он носил этот образ в своей голове. «Что-то в его миролюбивом, погруженном в себя качестве снова сделало это — заставило меня подумать, что я могу что-то с этим сделать», — говорит он.
Уолл нанял молодого человека в качестве модели для него. Задумчивый, меланхоличный, он изображает одиночество и то, что он может чувствовать, черным по белому.
С другой стороны, вы не можете смотреть на его цветную работу 2007 года Разделка птицы без улыбки, хотя сюжет довольно мрачный.
Разделочная птица, 2007 г., прозрачный в лайтбоксе Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона. скрыть заголовок
переключить заголовок
Джефф Уолл/© Джефф Уолл; Предоставлено художником и музеем Гленстона.
В сарае семья фермеров готовит цыплят для продажи. «Вы заметите, что цыпленок был брошен в этот конус вверх ногами», — говорит он. Эта часть картины заставляет меня стонать! Уолл продолжает: «Нож в его руке. Ведро внизу». Вы знаете, что вот-вот произойдет. Я замечаю, что все жители фермы, похоже, прекрасно проводят время.
No related posts.