Действительно ли фотография — это искусство? Не переоценена ли сегодня профессия фотографа?

Фотография — искусство тогда, когда она что-то делает для того, чтобы быть искусством.

Если говорить об искусстве как о категорическом термине, фотография вполне под него подходит, ей больше некуда деться.

Если же говорить о фотографии с именно искусствоведческой точки зрения, то у неё будет такое же разделение на монументальное и прикладное (вариант: жанровое и художественное), как и в любом другом виде искусства.

С одной стороны будет коммерческая и любительская фотография, с другой — фотография, наследующая живописи, принимающая в расчёт развитие теории искусства, следующая культурным кодам или сопротивляющаяся им, но в любом случае, очень чётко осознающая себя как часть визуальной культуры со своей историей, принципами, общими векторами развития.

Разумеется, граница здесь не чёткая, скорее есть своего рода контрастный градиент, где серая область очень короткая. В его гамме любительские и стоковые фотографии буду в крайней левой позиции, а в крайней правой окажутся фотоколлажи Джона Бальдессари, движение New Topographics, и прочие произведения людей, которые скорее художники, а не фотографы, просто фотография оказалась их первичным средством исполнения.

Если же говорить о фотографии как о наследнице живописи, то здесь лучшими примерами будут работы Джеффа Уолла, Ринеке Дийкстры, Луиджи Гирри, Синди Шерман, фотографов Дюссельдорфской школы фотографии, во главе с Бехерами, Гурски, Симон Нивег, Томасом Раффом и другими.

И дело тут не столько в качестве работы — по уровню технического оснащения известные коммерческие и академические фотографы почти ничем друг от друга не отличаются — сколько в контексте, в котором эта работа делается, и контекст чего она хочет дополнить. Поскольку, к примеру, известная фотография Питера Лика «Фантом», хоть и является снимком музейного качества, но никогда не будет висеть в музее — ей просто нечего там предложить. А снимки вроде «Rhein II» Гурски — уже заранее создаются в контексте истории культуры, отталкиваются от неё, и предлагают какой-то другой взгляд, подсказывающий, на чём можно строить дальше, и за счёт этого остаются.

А остающееся в искусстве всегда важнее.

Фотография — это искусство не нажимать на кнопку. © Фрэнк Хорват

Отрывок из интервью с Фрэнком Хорватом:

— Вы говорили, что фотография это «искусство не нажимать на кнопку». Что конкретно Вы имеете в виду?
— Одно из различий между фотографией и картиной (или рисунком, или любым другим видом искусства) заключается в том, что для того чтобы сделать снимок не нужно иметь никакого таланта и не требуется прикладывать особенных усилий. С современными камерами не нужно заботиться даже об экспозиции и фокусировке. Единственное, на что я трачу все свои усилия — сдержать себя. Я говорю себе: «Нет, это еще не лучший свет для портрета Александры, выражение ее лица еще не самое фотогеничное и не вполне раскрывает ее настоящий характер». Причина сдерживания — не только экономия пленки, это сохранение моей энергии, продление состояния предвкушения. Процесс отказа от ненужных вариантов, помогает мне сформировать у себя в голове требуемую фотографию. Но когда я увижу в видоискателе, то, что меня полностью удовлетворит — ничто меня больше не сдерживает.

— Давайте вернемся к моменту, когда вы смотрите в видоискатель перед нажатием на кнопку. Что заставляет Вас сказать: «Вот это то, что нужно»?
— Чтобы ответить на этот вопрос, необходимо вернуться к еще более раннему времени. Картье-Брессон, например, всегда носил с собой «Лейку», и видимо мог делать фотографии в любое время в любом месте. Я же не могу фотографировать без предварительного представления будущей фотографии в голове. Иногда это занимает несколько минут, иногда — годы. В течение этого времени я рассматриваю объект (или, если такой возможности нет, представляю его себе) и пытаюсь решить, какой из аспектов я хочу показать, какая техника съемки даст наилучшие результаты. Я не хочу сказать, что представляю себе фотографию полностью, как Джоэл Питер Уиткин, который даже делает наброски будущей фотографии. Это более похоже на шаблон, на описание в общих чертах, или на список объектов, которых я не хочу видеть на своей фотографии, или всевозможные причины не нажимать на кнопку. И только когда все это готово, я могу посмотреть на объект через видоискатель …

— И тогда …
— И тогда реальность перестает существовать для меня, оставляя только двухмерные формы, которые — смотря по ситуации — я могу или не могу контролировать, из которых я должен составить некую композицию в видоискателе. Личные чувства или даже страдания не имеют значения (говорят, что военные фотокорреспонденты, глядя через видоискатель, забывают об опасности). Все что остается – мои ожидания, что видимые двухмерные формы подойдут к тому шаблону, который я составил — это почти как ожидания охотника, поджидающего добычу возле ловушки. Момент, когда это случится (если случится) и будет тем самым «решающим моментом».

новый вид искусства. Джон Жарковский

Журнал «Субьектив» 1/1995

Сокращенная версия статьи из журнала «Диалог-США» 1/1977 год.

 

 

В последнее десятилетие довольно значительная часть причастных к искусству людей неожиданно стала рассматривать фотографию не только как регистрацию голых фактов, но и как способ самовыражения художника. А ведь, примерно, с микеланджеловских времен это самовыражение творца именно и служило лакмусовой бумажкой, отличавшей искусство от всего остального. Новая точка зрения породила интерес и углубила наше понимание фотографии. Интерес этот разгорелся с такой силой, что работы сошедших со сцены фотографов коллекционеры приобретают сейчас по ценам, которые всего лишь десять лет назад показались бы баснословными. Даже ныне здравствующие старые мастера, в особенности те, кому сейчас больше семидесяти лет, сталкиваются с огромным спросом на подписанные ими отпечатки.

Самое удивительное во всем этом, возможно, то, что ждать пробуждения интереса пришлось так долго. С того дня, как в 1839 году Луи Жак Манде Дагер ознакомил мир с первыми дагеротипами, все соглашались, что фотография — чудесное изобретение, но никто, кажется, не высказал глубоких мыслей о том, что же она с собой несет. Те немногие, которые попытались осмыслить роль фотографии в контексте истории, впоследствии, вероятно, стыдились своих слов. Художник Дералаш якобы воскликнул: «Отныне живопись умерла», после чего вернулся в студию писать картины. Бодлер заявил, что фотография пригодна лишь для репродуцирования произведений настоящего искусства, а затем заказал свой портрет фотографу Каржа. Историк фотографии не может не поражаться скудности и поверхностности суждений, которыми передовые умы удостаивали этот переломный момент в истории изобразительного искусства. Вспомните, как откликнулся Генри Адамс на динамо-машину, а Эрнест Хемингуэй на автомобиль — а ведь то были чисто технические, прикладные изобретения, несравнимые с фотографией, в принципе изменившей наш взгляд на прожитое и память о нем.

Однако отсутствие удовлетворительного осмысления фотографии не следует, думается, объяснять высокомерием и предрассудками интеллектуальной элиты того времени, скорее, оно свидетельствует о том, что вопрос этот очень труден и однозначного ответа на него до сих пор никто не нашел. Фотографию пытались истолковать метафорически, заимствуя сравнения то из живописи, то из литературы, но все эти попытки оказались несостоятельными.

Фотография — это определенный способ получения изображений, и поэтому естественной выглядит попытка сравнить его с другими подобными способами более древнего происхождения, в частности, с живописью, имеющей за собой заслуженную многовековую историю. При этом сравнении без труда выяснилось, чем живопись не только отличается от фотографии, но и в некоторых отношениях и превосходит последнюю. Основными были в этих рассуждениях два пункта: во-первых, живописец может создать свою картину, синтезируя в ней тысячи отдельных впечатлений и воспоминаний, сочетая игру воображения с испытанными приемами; работа же фотографа по природе своей не синтез, а анализ и почти целиком строится на одном впечатлении, произведенном на фотографа объектом. Во-вторых, живопись — труднейшее искусство, а фотография — сравнительно легкое занятие.

На мой взгляд, оба утверждения правильны. Особенность фотографии в том и заключается, что она дает не составленное из многих компонентов, но абсолютно цельное изображение: фотоаппарат вырезает определенный объем пространства в определенном отрезке времени. Благодаря этой своей особенности фотография позволяет нам рассматривать, изучать и делать открытия, но оказывается малопригодной для создания картин, рожденных нашим воображением. Что касается второго пункта, то, конечно, живописи труднее научиться, чем фотографии, хотя и та и другая значительно легче, чем это представляется людям, не имевшим с ними дела.

Впрочем, вопрос о легкости фотографирования нуждается в уточнении. Самое простое ремесло можно, совершенствуясь, довести до пределов мастерства. Научиться грамотно фотографировать может каждый. Но работы, содержащие элемент неожиданности, определенное изящество, остроумные находки и подлинную оригинальность рождаются не случайно, а постоянно только у фотографов, обладающих талантом и целиком посвятивших себя своему призванию. Они осваивали фотографию с такой же легкостью (или с таким же трудом), как и легион любителей и трудолюбивых бездарностей, но оказалось, что они имеют к ней особую склонность и особый дар.

Кроме живописи, фотографию принято сравнивать с речью. С этой точки зрения, фотоснимок можно рассматривать как некоторый эквивалент слова, предложения или абзаца. Соединение снимков в определенной последовательности становится как бы подобием рассказа, очерка или стихотворения. Самые известные примеры осуществления этой идеи можно отыскать в переплетенных комплектах иллюстрированных журналов, процветавших четверть века назад, начиная с середины тридцатых годов. О журнале «Лайф», самом известном и самом лучшем среди изданий этого типа, мы до сих пор вспоминаем с благодарным восхищением. Но, напрягая память, мы, думается, вспоминаем в первую очередь не целые фотоочерки, а отдельные выдающиеся снимки. Идея последовательности оправдывала себя лишь на уровне примитивных замыслов, озаглавленных «День Жокея» или что-нибудь в этом роде, где с самого начала было ясно, что повествования, по сути, никакого не будет. Там же, где сюжет усложнялся, ведущую роль начинали играть подписи, а сами фотографии в конце концов становились просто иллюстрациями к тексту.

Суть урока, преподанного нам иллюстрированными журналами, заключается в том, что изобразительное искусство не мыслит силлогизмами. Фотоснимок может натолкнуть на мысль, но не может излагать и доказывать философские или политические тезисы. Он показывает только внешний вид.

Фотография — это совсем не литература

Полагают, что многие фотомастера подсознательно рассматривают свое искусство как род бессловесной литературы, но упор здесь нужно делать на прилагательном «бессловесной». Иначе говоря, утверждение, что фотография должна стремиться выполнять функции слова, еще дальше от истины, чем утверждение, что она должна следовать примеру живописи.

Ведущие фотографы, думается, выделят в качестве наиболее ценных для творческого воображения особенностей фотографии именно те, которые давно уже позволяют причислять фотографию к искусству даже с традиционной точки зрения: быстрота действия и непревзойденная способность точно улавливать наиболее сложные, конкретные, индивидуальные и мимолетные зрительские впечатления. Легкость создания фотоснимков приводит к важному результату: фотограф может выявить, мысленно оценить и запечатлеть десяток или сотню зрительных образов за время, которое художник — барбизонец тратил на создание одного эскиза. Дело тут не в создании бесконечного потока изображений — мир и без того накопил столько картин, что уже не может уделять всем им необходимое внимание, — дело в возможности полнее и разностороннее использовать увлекательные особенности видения нашего зрения и выяснить, насколько обозрим через его окошко мир.

Независимость сюжета.

Неизбежная медлительность живописи, правду говоря, так сковывала художника, что он не мог свободно откликаться на все впечатления жизни: творческую энергию приходилось беречь и накапливать, чтобы расходовать ее, проверяя каждый свой шаг, на тот замысел, который казался многообещающим. Это способствовало появлению концепции «сюжета»: картины делились соответственно ограниченному числу «сюжетов», и художник работал в избранном направлении, лишь пытаясь так или иначе улучшить сюжетное решение. Поэтому почти все искусствоведы исходят из предположения, что сюжет существует независимо от картины и даже до ее появления на свет. Предполагается, что художник берет сюжет и затем что-то с ним проделывает, как-то оформляет его — в соответствии со своим восприятием или манерой. Такой подход, когда-то весьма удобный, совершенно не соответствует действительности творческого процесса в любом искусстве; в особенности неприложимо это к фотографии, в которой все усилия фотохудожника как раз и направлены на то, чтобы определить, в чем же сюжет заключается.

Это следует понимать не метафорически, а буквально. Сюжет — это не человеческая фигура, не комната, не очертания и графическая весомость освещенного окна на темном фоне, сюжет — это все эти элементы кадра, уловленные в их одновременном взаимоотношении.

Интуитивно принимаемому решению нажать на спуск предшествует тысяча предварительных решений, начиная с общих (и весьма важных) решений — например, должен ли фотограф остаться дома или поехать в Чичен-Ицу, и кончая частными (и весьма важными) решениями — например, не лучше ли немного согнуть колени и отклониться влево на десять сантиметров? Если полученный негатив окажется достойным внимания, нужно будет вспомнить, какой была обстановка в момент съемки: насколько сумрачным, ярким или радостным было освещение, насколько гладкой или зернистой казалась фактура, какие узоры и контрасты образовали линии, объемы и поверхности. Нельзя по-разному высказать одно и то же. Изменение формы есть и изменение содержания.

Это справедливо для каждого искусства в целом. Но фотография вдобавок отличается невероятным богатством возможностей, число которых все растет и растет с усовершенствованием техники процесса. Большинство фотографов, обучавшихся своему делу в сравнительно неторопливые времена фотоаппарата со штативом, впали в состояние близкое к панике при появлении малоформатных камер. Даже старинный фотоаппарат предлагал достаточно богатый ассортимент возможностей, но с появлением «Лейки» исчезло, казалось, само понятие невозможного, голова кружилась, глаза разбегались от возникшего изобилия вариантов. Однако современные фотомастера научились справляться с многовариантностью малоформатной камеры и пользоваться ею целенаправленно.

Использовать фотографию для нахождения сюжетного решения, а не как прибор для фотографирования случайных явлений — дело нелегкое даже при наилучшем стечении обстоятельств. Оно в особенности затруднительно для профессионального фото- графа, который, как правило, работает на заказчика, твердо уверенного в том что уж он-то заранее знает сюжет заказа. Не случайно, вероятно, взгляд на фотографию как на искусство стал крепнуть одновременно с ослаблением способности фотографии служить средством заработка, то есть быть профессией. Еще предыдущее поколение смотрело на фотографию как на таинственную профессию, которой занимались похожие на алхимиков люди с пожелтевшими ногтями, щурившиеся от яркого света и источавшие запахи фотолаборатории. Нанимали этих людей примерно так, как в старину нанимали писцов, чтобы те оформляли документы по указанию заказчика. Можно, конечно, было чуть-чуть переиначить слова заказчика, чтобы согласовать их со своим пониманием или стилем, но самостоятельность свою следовало скрывать, так как заработки фотографа держались на всеобщей уверенности в том, что уж фотография никогда не лжет, хотя что именно под этими словами подразумевается не уточнялось. В действительности в каждой ситуации миллионы возможных фотографических истин, большей частью противоречивых и всегда недосказанных.

В фотографии, как и в художественной литературе, мы дошли до понимания того, что не боги горшки обжигают, и теперь остается понять более сложную вещь: почему все-таки одни фотографируют лучше и осмысленнее, чем другие? Выбирая произведения, которым мы собираемся уделить полное внимание, мы отдадим предпочтение уму и подлинной оригинальности перед броскими эффектами, хитроумными уловками или глубокомысленными претензиями. Впрочем, грань, отделяющая одно от другого, далеко не всегда очевидна.

Некоторые современные художники, начавшие с живописи, а в недавнее время пробовавшие свои силы и в других, не изобразительных видах искусства быстро поняли, как хорошо фотографический процесс приспособлен для регистрации бесконечного разнообразия фактов человеческого бытия. Такие художники, учившиеся у Марселя Дюшана, Жана Тингели и других тому, что художественное творчество не обязательно должно быть связано с тонкой и кропотливой работой, быстро сообразили, что фотоснимок может быть произведением искусства и не блистая красотой форм.

Вероятно, многие действительно сомневаются, допустимо ли в художественном творчестве пользоваться механическими устройствами, в особенности такими хитроумными, как современный фотоаппарат. Наш традиционный подход к искусству не возбраняет зачислять в эту категорию произведения ручной работы; недаром легче написать стихотворение «Парень с мотыгой», чем » Парень на тракторе». Ручная работа, как это ни парадоксально звучит, представляется нам, в особенности тому, кто мало сталкивается с ней, теснее связанной с областью духа, чем работа с помощью механизмов.

Искусствоведы и критики видят в искусстве деятельность человеческого духа, а не плоти. Вероятно, они правы. Стоя на прочном, сухом возвышении и глядя на предательскую трясину, в которой в поте лица трудятся художники, мы яснее видим общую картину и судим о ней беспристрастнее. Матисс оценивал вещи в понятиях линейных ритмов и цветовой гаммы, но мы храним память о нем как о художнике Божьей милостью, отражавшем вечные ценности бытия.

Лучшие фотографы пришли к выводу, что произведение фотоискусства это просто-напросто мастерски исполненная фотография. Подобно мольеровскому Журдену, в зрелом возрасте узнавшему к своему восхищению, что он всю жизнь говорил прозой, фотография на протяжении последнего поколения фотографов догадалась, что от рождения обладает чудесным даром, сулящим ей славное будущее. Талантливые фотографы поняли, что фотография помогает нам увидеть, осознать и показать те аспекты жизни, которые до сих пор мы не могли ни лицезреть, ни отобразить. С этой точки зрения будущее фотографии представляется исключительно увлекательным, и ее мастерам мало дела до того, что мир в целом еще до конца не понял, какое прекрасное искусство попало в руки к фотографу.

«Фотография — это всегда современное искусство» | Статьи

Мультимедиа Арт Музей Москвы (МАММ) празднует свой 21-й день рождения. О том, какой путь был пройден и как изменилась публика за эти годы, «Известиям» рассказала Ольга Свиблова, директор-основатель МАММ.

— Вы завершаете 20-й выставочный сезон. Можете подвести итоги?

— Я горжусь, что у нас повысилась посещаемость. И во многом это следствие ярких проектов, которые мы показали в этом сезоне, выстроив определенную логику. Начали мы с экспозиции Александра Родченко, которого представили во всем его мультимедийном многообразии. Это символичная фигура для нас. Он был одним из первых, кто сформулировал саму идею сочетания в музее разных видов искусства, «мультимедийности» — то, что сегодня нам кажется естественным, но 100 лет назад было в новинку.

Автор цитаты

Главное, вся жизнь и творчество Родченко — «опыты для будущего». Так называлась одна из его важнейших статей и выставка МАММ. Для нас главное — не подводить итоги, а строить планы на будущее.

Ольга Свиблова

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Александр Казаков

 А заканчиваем сезон мы важнейшей выставкой Анри Картье-Брессона. И это еще одна ключевая личность для истории МАММ, ведь и музей, и Московская фотобиеннале появились во многом благодаря ему.

— За счет чего сегодня существует музей? Повышение посещаемости влияет на его финансовое положение?

— Безусловно. Благодаря посетителям музей зарабатывает сегодня треть своего бюджета. Еще часть денег дает государство. Но могу сказать, что если мы сопоставим стоимость наших выставочных проектов и те государственные средства, которые выделяются нам на эту деятельность, то дебит с кредитом у нас не сойдутся даже близко. Поэтому важнейшую роль играют партнеры и наш Попечительский совет. Мы бы не показали экспозицию Константина Бранкузи, если бы фонд «Искусство, наука и спорт» очень быстро не ответил бы «да» на нашу просьбу о помощи. Без помощи наших попечителей музей последние два года вообще не просуществовал бы. И прежде всего пострадали бы наши региональные проекты. Именно благодаря стратегическим партнерам музея мы организовали и продлеваем выставку Картье-Брессона.

— Вы сказали, что Картье-Брессон повлиял на создание МАММ. Каким образом?

— Он вдохновил меня. В 1995 году я уже задумала фотобиеннале, но боялась, что ее организация на топ-уровне потребует у меня не просто много времени, но жизнь целиком. В это же время журнал «Матадор», который тогда выпускал Костя Эрнст, отправил меня в Париж: взять интервью у Анри Картье-Брессона. К тому моменту Картье-Брессон уже лет 10 не давал интервью. Мне удалось встретиться с живой легендой мировой фотографии.

Мы разговаривали три часа. Он, в частности, рассказывал про слежку за ним во время визитов в СССР.

Автор цитаты

Когда мы открыли его первую выставку на первой фотобиеннале в 1996 году, во время вернисажа ко мне подошла ухоженная леди. Она призналась, что была одной из тех, кто «сопровождал» Анри Картье-Брессона во время его второго приезда в Москву.

В конце интервью Анри подарил мне каталог своих рисунков. Он достал ручку с золотым пером и подправил несколько линий в своих рисунках. Жест был настолько элегантный, что, выйдя с интервью, я как будто летала на крыльях. Решение было принято: биеннале будет! Так эта встреча с Картье-Брессоном оказалась для меня судьбоносной, он зарядил меня огромной витальной энергией. Наша дружба продолжалась до конца его жизни.

Фото: агентство городских новостей «Москва»/Михаил Терещенко

— Почему вы, куратор современного искусства, решили делать в Москве фотобиеннале и музей фотографии?

— Потому что в середине 1990-х годов делать что-то в сфере современного искусства в Москве было невозможно. Самые талантливые художники уехали из нашей страны, получив западные стипендии. В этот тяжелый для страны период упал международный рынок, а собственный еще не сформировался. Государственных арт-институций, готовых работать с современным искусством, еще не было. Но самое важное, что наша публика была совершенно не готова к восприятию contemporary art.

В Советском Союзе легализация неофициального искусства началась только в 1986 году, когда на Кузнецком Мосту прошла XVII Молодежная выставка. После этого в Москве за короткий период в конце 1980-х — самом начале 1990-х проводились важнейшие выставки — например, в ЦДХ была огромная ретроспектива Фрэнсиса Бэкона, о котором я тогда сделала фильм для телевидения (канал его показал, но затем потерял пленки, так у меня его и не сохранилось). Туда же, в ЦДХ, привозили работы Роберта Раушенберга, Гилберта и Джорджа и других. Но как проходили эти роскошные выставки? Открытие посещали 100–200 вернисажных завсегдатаев, а уже на следующий день залы пустовали. Представьте себе: в Москве висел знаменитый «Триптих» Бэкона, который сейчас стоит нереальных денег, и никому он не был интересен!

ПОДРОБНЕЕ ПО ТЕМЕ

Именно поэтому я решила, что нужно сделать нечто, что открыло бы «доступный вход» в проблематику современного искусства. Фотография же — это всегда современное искусство. И открытое для всех. Кому-то нравится абстрактная живопись, кому-то — фигуративная, но абсолютно все реагируют на фотоискусство.

Автор цитаты

Фотография — самое доступное и одновременно самое элитарное медиа. Фотография воспитывает визуальную культуру, и она же — всегда историческое свидетельство. Поэтому я решила начать с фотографии.

— Можем ли мы говорить о «правдивости» фотографии? Или это всё же в первую очередь индивидуальный, предельно субъективный художественный взгляд?

— Безусловно, большие фотографы — это всегда индивидуальная «оптика» и индивидуальный взгляд на мир, который отбирает фрагменты реальности в соответствии с мировоззрением автора. Но вместе с тем фотография — документация события, максимально приближенная к реальности. Словами можно манипулировать, фотографией — сложнее.

Если мы берем историю России XX века, то страна переживала глобальные катастрофы — Первая мировая война, революция, Великая Отечественная война… Материальный мир и материальная культура во многом оказались разрушены. Фотоархивы тоже погибали. Однако сегодня фотография больше, чем любое другое медиа, сохраняет нам нашу историю, без знания которой невозможно строить индивидуальную и общую стратегию будущего России.

Ольа Свиблова

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Именно поэтому уже 20 лет — с 1997 года — важнейшей стратегической программой нашего музея является «История России в фотографиях».

Автор цитаты

В День России, 12 июня 2016 года, при поддержке «Яндекса» мы открыли портал https://russiainphoto.ru, цель которого — объединить все государственные и частные фотоархивы России. На портале уже более 100 тыс. атрибутированных фотографий. За это время его посетило более 2 млн человек.

Мы надеемся, что этот портал будет неоценимой помощью и для учебного процесса в школах и вузах, и для всех, кому интересна наша общая история, которую мы создаем своими руками.

И мы надеемся, что знакомство с «Историей России в фотографиях» повысит историческую грамотность в нашей стране и исчезнут казусы, с которыми я сталкиваюсь постоянно, общаясь с молодежью. Недавно студенты и выпускники отделений искусствоведения и культурологии исторического факультета МГУ ответили мне на вопрос «Когда умер Ленин?»: «Между 1930-ми и 1960-ми годами». Достаточно просто посмотреть на фотографии этих десятилетий, чтобы понять: даже внешне люди 30-х и 60-х годов выглядели по-разному.

Конечно, возможна ретушь в фотографии. А сегодня — ее компьютерная обработка. И, безусловно, стиль фотографа и то, что попадает в его поле зрения, зависят от общей стилистики визуальной культуры времени. Но так или иначе фотографии остаются свидетельством времени.

Мы гордимся проектом, сделанным в этом году с «Известиями», когда были показаны уникальные архивы издательства, прежде всего фотоархивы «Известий». Они обладают неменьшей ценностью, чем архивы Анри Картье-Брессона — по крайней мере для нашей страны. Благодаря выставке к 100-летию газеты мы открыли фотографа Александра Стешанова, проработавшего в «Известиях» почти полвека. Мы сделали ему в МАММ еще и персональную выставку, а собрание музея пополнилось его работами.

— На ваших глазах появляются новые поколения зрителей. Как вам кажется, за прошедший с момента создания музея 21 год публика изменилась?

— Публика изменилась. Она попросту появилась. Прежде всего это молодежь — она составляет 75% уникальной аудитории нашего музея. Молодым посетителям интересна как история фотографии, так и современное искусство. Особенно связанное с новыми технологиями. Однако нам есть над чем работать. Например, в Париже, где население в шесть раз меньше, чем в Москве, музейной публики в 10–15 раз больше (я не говорю про наш музей). Значит, надо работать на будущее, надо растить эту публику.

Фото: агентство городских новостей «Москва»/Михаил Терещенко

— Какова роль музеев в современном мире? И как музеи должны меняться в будущем?

— Музей как культурная институция — это все-таки про жизнь, что бы мы ни выставляли. Общаясь с искусством, люди общаются сами с собой — им некогда делать это в другое время, потому что они бегут, заняты суетой. Здесь же они могут заглянуть в себя. И это останется. А что изменится? Я думаю, что поскольку вся коммуникация уходит в онлайн, там и будет развиваться искусство будущего.

Автор цитаты

Художники будут использовать совершенно новые технологии, не только 3D-принтеры, которыми сегодня уже никого не удивишь, или VR (виртуальную реальность). Новые технологии, безусловно, будут влиять и на само развитие искусства.

Я очень люблю проект Юлии Мильнер, который был показан в российском павильоне на 52-й Венецианской биеннале, — Click I hope. Сегодня он уже стал классикой пост-интернет-арта. Но куда бы ни развивалось искусство, а у него есть логика саморазвития, как и у науки, остается надежда, что оно будет объединять людей и по-прежнему сможет заряжать нас позитивной витальной энергией.

Справка «Известий»

Ольга Свиблова — куратор, искусствовед, режиссер-документалист, член Российской академии художеств.

В 1978 году окончила с отличием психологический факультет МГУ имени Ломоносова. Занималась психологией творчества. С 1984 года курирует выставки в России и за рубежом. С 1996 года — директор-основатель «Московского дома фотографии» / Мультимедиа Арт Музея. В 2007 и 2009 годах — куратор российского павильона на Венецианской биеннале. В 2016 году — куратор проекта «Коллекция! Современное искусство в СССР и России 1950–2000: уникальный дар музею».

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ

 

Жизнь — это искусство. Творческие советы от известного фотографа

Юлия Скрипник

Делать фотографии умеют все. Но как делать такие снимки, от которых мурашки по коже, долгие воспоминания и всемирная (ого!) слава? Вспомните, какие снимки действительно впечатлили вас, поразили, как молния?

Эта книга именно об этом — о творческом процессе, о развитии ростков-идей и создании фотошедевров. Автор книги Клэр Розен знает, что великие произведения не всегда требуют съемки в экзотических местах, большого бюджета и большой команды. Прочитав книгу «Имаджинариум», вы научитесь создавать нечто выдающееся здесь и сейчас.

Книгу написала всемирно известный фотограф Клэр Розен. Но она не только про фотографию. А про тревогу и радость, которые неизменно сопровождают любой творческий процесс: как ловить вдохновение, проживать разочарование, учитывать детали и наслаждаться успехами.

Эта книга посвящена не столько фотографии, сколько тому, как с ее помощью выразить свое видение и открыть для себя мир.

Наша пррррелесть! Компактная, с безукоризненной версткой, яркими иллюстрациями и содержательным контентом — в книге прекрасно все.

Напутствие от автора: «Вместо рассказа о том, как сделать такие же фотографии, как у меня, делясь на скорую руку приемами и уловками, я описываю другой принцип мышления. Он заключается в целостном взгляде на собственные работы с целью ввести творчество в повседневную жизнь, а также в готовности экспериментировать».

Базовый навык

Творческое мышление и воображение складываются в комплексный базовый навык, который полезен где угодно. Это умение помогает, к примеру, решать новые задачи.

Творческие усилия не ограничены областью искусства, они нужны в любой сфере, требующей осознанных действий.

Советы Клэр Розен будут полезны вне зависимости от того, работаете ли вы в художественной съемке, коммерческой. Или просто любите делать хорошие фотографии на смартфон. Вы узнаете, как развить замысел, подготовиться к нестандартной съемке — и много еще чего интересного.

Как создавать сильные кадры

Прежде чем браться за камеру, задумайтесь, какие снимки вам запомнились больше всего? Что оставило послевкусие? Что очаровало? Какие фотографии вы чаще всего лайкаете и сохраняете для вдохновения или коллажей? Вероятнее всего, это не просто красивые или технически грамотные фотографии.

Сильный кадр должен представлять интерес как с точки зрения эстетики, так и с точки зрения содержания.

Фотография — это отражение вашего мировоззрения и опыта. Это кусочек вас самих, который вы оставите после себя. Какой именно опыт должен получить зритель, глядя на ваши работы?

Составьте список того, что вас действительно привлекает в художественных произведениях. Обращайтесь к нему, когда будете анализировать или редактировать собственные работы.

Жизнь — это искусство

Все в жизни является искусством. То, что вы делаете. Как одеваетесь. То, как любите кого-то и как разговариваете. Ваша улыбка и ваш характер. То, во что вы верите и о чем мечтаете. То, как пьете чай. Как украшаете свой дом. Ваш список покупок. Блюда, которые вы готовите. Ваш почерк. И то, как вы чувствуете.

Творчество — это замечательный, приносящий радость процесс. Оно наделяет нас способностью говорить о том, чего не сказать обычным языком.

Ответив на эти вопросы, вы сделаете свою художественную практику более сознательной: Чем, какого рода опытом вы хотели бы наполнить свою жизнь? О чем вы хотели бы рассказать? Что должно произойти после того, как ваши снимки будут опубликованы?

Творческие мышцы

Творческие способности — как мышца, которую нужно постоянно тренировать. Если вы ими не пользуетесь, они атрофируются. Если часто задействуете — становятся сильнее. Как это сделать? Вот вам рецепт из «Имаджинариума»: три благодарности в день + медитация + зарядка + вдохновение.

И еще. Куда бы вы ни шли, воображайте себя собирателем историй, идей и средств, которые пригодятся вам для фотографий.

Важно подпитывать свое творческое начало с помощью осязаемых, видимых, слышимых источников вдохновения.

Будьте смелыми в своих мыслях, мечтах, в своем воображении и стремлении к внутренним переменам; проживайте свою жизнь так, словно каждый чувственный и интеллектуальный опыт — это источник сюжетов.

Еще в книге

Эта книга о том, как вести интересную жизнь, полную открытий, постоянно стремясь узнавать новое. Клэр Розен нашла себя в фотографии и счастлива. В книге очень много полезных советов, упражнений и примеров реализации фотопроектов:

• Путь художника: истоки, интересы, видение
• Как перестроить мозг на творческую волну
• Берем интуицию и бессознательное в компаньоны
• Управление временем для творческого человека
• Как выбрать тот самый кадр
• Чек-листы по замыслу, команде и съемке

Быть художником значит в том числе и вплетать творчество в повседневную жизнь. Пробуйте и ошибайтесь, делайте и переделывайте, анализируйте и совершенствуйте.

Для фотографов «Имаджинариум» как Зазеркалье для Алисы. Прочитайте его — и с каждой съемкой ваши работы будут становиться сильнее и интереснее.

P.S.: Эта статья — сделана по материалам рассылки. Подписывайтесь на нашу рассылку по творческим книгам, чтобы каждую неделю получать самые вкусные отрывки, первыми узнавать о скидках и участвовать в творческих челенджах.

это искусство. История развития фотографии как искусства

Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.

Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель. Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.

Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива

К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.

Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944

Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.

Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:

Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.

Ансель Адамс. Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер (1942). Парк Гранд-Титон национальный парк, штат Вайоминг.

А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.

Многие начинающие фотографы хотят побыстрее научится фотографировать профессионально.
Сегодня, благодаря развитию цифровых технологий, зарабатывать фотосъёмкой может практически любой фотолюбитель обладающий…

Выбор формата снимка в искусстве фотосъёмки дело очень важное. Правильно выбранная ориентация кадра способна не только улучшить визуальное восприятие снимка, но и испортить его….

Чтобы создать настроение и атмосферу на фотоснимке, совсем не обязательно быть виртуозом композиции…

Советы пррофессиональных фотографов по портретной фотографии вы найдёте в книге по технике портретной фотосъёмки. Памятка начинающему фотографу по кадрированию портретов прилагается…

Удачной можно считать фотографию, по которой взгляд зрителя переходит от одного объекта к другому, по траектории заранее продуманной автором фотографии. На самом деле, это совсем не сложно если знать некоторые основные особенности восприятия фотографии зрителем…

Вы уже освоились с фотоаппаратом и знаете, как правильно использовать свет при фотосъёмке портрета, ищете подходящий фон, ракурс и используете нужную глубиной резкости? Однако, как вы ни стараетесь, результат фотосъёмки обычно не совпадает с тем, что вы хотели показать на своих фотографиях…

Многие начинающие фотографы мечтают, чтобы на их снимках было красивое размытие фона — боке. Именно для этого они и покупают зеркальный фотоаппарат… Но не всё так просто, как кажется на первый взгляд — для создания карсиво размытого фона (боке) на ваших фотографиях необходимо выполнить несколько условий…

Портретная фотосъёмка крупным планом может показаться более лёгкой, чем съёмка во весь рост. Здесь необязательна стройная фигура модели и её умение позировать перед камерой. Однако, для хорошего портрета недостаточно сфотографировать лицо фотомодели, сидящей перед камерой…

Что делать фотографу-любителю если он хочет снять хороший портрет? Не покупать же профессиональные фото-осветители? А может быть просто арендовать профессиональную фотостудию? Отличных результатов можно добиться и минимальными средствами. Вполне реально снять студийный портрет у себя дома…

При съёмке на улице при естественном освещении, часто достаточно просто увидеть и зафиксировать свето-теневой рисунок уже созданный Его Величеством Природой. А как правильно установить свет в фотостудии…

Много ли праздничных фотографий снятых вами остаются столь же восхитительными и волнующими через пару лет после знаменательного события? Наверное нет. Вы можете подумать, что всё дело в практике — нужно больше снимать праздники и у вас в конце концов получатся отличные снимки… Да, практика помогает добиться совершенства, но только не в этом случае…

Праздничная фотосъёмка всей семьи дело не лёгкое. Особенно если семья большая и праздник удался…

Пять простых правил, которые помогут легко получить отличный портрет вашего ребёнка…

В конструкцию качественных профессиональных объективов обычно входят так называемые асферические и низкодисперсные оптические элементы, позволяющие получить картинку более резкую и контрастную, чем с обычными линзами. Однако, даже самые дорогие профессиональные объективы имеют…

Часто один из любимых вопросов новичка в фотографии касается кратности зума. Многие считают, что чем больше увеличение зума тем лучше — сильнее можно приблизить отдалённый объект съёмки! Вы тоже пользуетесь зумом как подзорной трубой? А между тем, в исскустве фотосъёмки разные объективы используют в художественных целях…

Независимо от того, собираетесь ли вы стать фотомоделью или просто хотите, чтобы ваши портретные фотографии выглядели красиво, в любом случае вам придётся учиться позировать…

Из всех разновидностей фотосъёмки живой природы, фотосъёмка птиц, пожалуй самая захватывающая и интересная. Птицы одни из самых пугливых существ в этом мире и часто требуется не малое терпение, чтобы поймать нужный кадр…

Чтобы получить приличную макрофотграфию стрекозы, бабочки или даже просто цветка нужно приложить немало усилий. И дело здесь не в оборудовании для макросъёмки, и даже не в опытности фотографа. О некоторых секретах профессиональных макрофотографов вы узнаете изучив эту статью и посмотрев небольшой видеоролик…

Часто ли начинающий фотограф задумывается о том, что умелое использование нестандартной экспозиции может из банального сюжета сделать снимок достойный восхищения? Как получить эффект низкого и высокого ключа. Что такое выборочный фокус. Как придать снимку ретро-эффект…

Eсли вы хотите улучшить свои фотографии, придать им живость, динамизм или другие эффекты, вам придётся забыть об автоматических режимах и проявить творческий подход к выбору экспозиционных паремтров: выдержки, диафрагмы и ISO. Используйте нестандартные экспозиционные параметры креативно и добавьте вашим снимкам различные динамические эффекты…

Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции.

Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции. Чувство композиции сродни музыкальному слуху — он либо есть, либо его придется развивать, компенсируя недостаток трудолюбием и опытом. Одни фотографы утверждают, что научиться «эстетическому восприятию» невозможно, другие апеллируют к теории построения композиции. Но, как говорится, на «профи» надейся, а сам не плошай. Прежде всего, вам придется много думать и критически относиться к себе. Только так вы сможете добиться хорошего результата. В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с «мыльницей», и, если вы прислушаетесь к моим словам, возможно, вы сделаете небольшой шажок к профессионализму.

Название первой части статьи говорит о многом. Правил построения композиции не существует, их в принципе не может быть. В противном случае искусства бы не существовало. Отношение зрителя к фотографии всегда субъективно. Автор должен ориентироваться исключительно на свое собственное восприятие. Настоящее творчество подразумевает отсутствие границ, но на первых порах попробуйте довольствоваться нижеприведенными рекомендациями.

Выбор сюжета

Интересным и необычным сюжетом автор вправе гордиться. Охота за такими сюжетами занимает много времени и порой превращается в манию. Если вы один из тех, кто всегда держит камеру под рукой, беспокоиться не о чем. Главное — всегда смотреть по сторонам и видеть красоту в самых обыденных сценах.

Фото 1. Необычный сюжет позволяет пренебречь композицией. Во-первых, по-другому запечатлеть подобную сцену невозможно. Во-вторых, зритель заинтересован сюжетом, который сам по себе привлекает внимание.

Небывалый простор в выборе сюжета открывает макросъемка. Капля воды, насекомое или цветок восхищает зрителя, не привыкшего детально рассматривать мелкие предметы.

Статические сюжеты дают фотографу массу времени, чтобы оценить обстановку, подготовить камеру и выбрать подходящую точку съемки. Для изучения композиции стоит потренироваться именно на неподвижных объектах.

Динамические сюжеты вызывают куда больший интерес фотографов. Решающее значение при съемке играет выдержка. Длинные выдержки дают размытые снимки, подчеркивая скорость. Короткие выдержки позволяют получить четкие фотографии, выражающие силу, ловкость и грацию движущейся модели. При съемке динамических сюжетов необходимо быстро соображать — прекрасная сцена может больше никогда не повториться. Если полагаете, что подобная съемка производится навскидку, то вы сильно заблуждаетесь. Процесс выбора точки съемки еще более трудоемкий, нежели в случае со статическим сюжетом.

Выбор точки съемки

Выбрав сюжет, не поленитесь прикинуть, откуда выгоднее его снимать. Обойдите модель вокруг, отмечая особенности фона. Так вы избавитесь от «плохих» предметов, которые по-другому скрыть невозможно. Яркий пример — невзрачные фонарные столбы и линии электропередач, испортившие за историю фотографии не один кадр.

В большинстве случаев, съемка с близкого расстояния позволяет ярче передать основной объект, подчеркнуть его детали. Такая съемка дает эффект присутствия. Если приблизиться к модели невозможно, выручит оптический зум, но при больших увеличениях автоматика не всегда удачно фокусирует камеру на объекте. К тому же при использовании зума усиливается дрожание изображения. Штатив избавит вас от подобных проблем, благо стоит он гораздо меньше самого фотоаппарата. А вот цифровой зум, коим оснащено большинство камер, следует воспринимать исключительно как рекламный ход производителей фототехники. У него, конечно, есть свои достоинства, но — из-за реализации — чисто теоретические. Оптическое увеличение на недорогих объективах заметно усиливает аберрации. Цифровое увеличение, основанное на интерполяции, могло бы приблизить объект съемки без оптических искажений, если бы не одно «но». Цифровой зум всегда включается на максимальном значении оптического, и какие аберрации дало телеположение объектива, такие они и будут. Если бы камера имела не 10х оптических, а 40х, эти аберрации были бы на 40х просто ужасными, гораздо хуже, чем 10х оптики и 4х «цифры». Но выбора-то у фотографа нет. Потому на практике цифровой зум практически бесполезен.

Фото 2. Съемка с близкого расстояния позволила передать выразительность кошачьих глаз. Ненужные детали отброшены — взгляд зрителя не находит ничего, что было бы важнее глаз.

Съемка с далекого расстояния подчеркивает глубину пространства. Но следует помнить, что в кадр попадают второстепенные объекты, которые отвлекают внимание и перегружают композицию. В основном такой тип подходит для съемки пейзажей, в том числе урбанистических. Панорамная съемка, сделанная с большого расстояния, выглядит естественно, да и «склеивать» снимки становится гораздо легче.

Большая часть фотографий делается на уровне глаз. Именно с такой высоты мы смотрим на мир, следовательно, снимки будут выглядеть привычнее для зрителя. Высокая точка съемки дает возможность охватить большее пространство, передавая простор. Низкая точка, напротив, позволяет подчеркнуть динамичность и глубину сюжета. При низкой съемке нужно быть особенно осторожным — многие формы при таком ракурсе искажаются. Лицо и фигура человека может сильно измениться, причем далеко не в лучшую сторону.

Особенности зрительного восприятия

Человеческий глаз — точный и сложный инструмент. Чтобы сделать красивый, естественный снимок, необходимо иметь представление, как именно глаз зрителя будет впоследствии его анализировать. Несмотря на достаточно большой угол зрения, рассматривая окружающий мир, мы скользим по нему взглядом, постепенно изучая детали. В первую очередь глаз анализирует линии контура, а затем более подробно изучает наиболее изогнутые их части. С этим эффектом связано понятие фотогеничности человека. Люди с резкими чертами лица выглядят на снимках особенно эффектно, так как взгляд цепляется за каждый изгиб контура. Мягкие черты лица заставляют взгляд соскальзывать с линий, отчего интерес к модели сразу пропадает.

Размеры фотографии гораздо меньше оригинала, поэтому стандартные сцены на них непривычны для восприятия. Взгляд зрителя, направленный в одну точку, в состоянии охватить фотографию целиком — и это неестественно. Чтобы придать композиции масштабность, нужно управлять взглядом зрителя.

Мы привыкли читать слева направо и сверху вниз, а гравитация подчеркивает, что движение вниз — естественно. Это сильно отражается на восприятии. Если на снимке присутствуют одинаковые или похожие предметы, то доминировать будет тот, который расположен слева. Предмет, расположенный в верхней части снимка, кажется тяжелее того, что находится ниже. Вертикальная линия кажется длиннее, чем точно такая же горизонтальная.

Психология линий

«Фотография» по-гречески означает «светопись». Это отражает технические особенности процесса. С точки зрения композиции основа фотографии — линии. Они, вместе с тональностью, передают эмоциональность и динамику сюжета, заставляют зрителя думать и чувствовать.

Линии силы — это контуры объектов, расположенных на снимке. На черно-белых снимках они выражены сильнее, так как наш взгляд не отвлекается на большое количество цветов. Такой эффект часто используется в художественной фотографии. Неспроста профессионалы любят делать именно черно-белые снимки.

С помощью линий опытный фотограф способен управлять взглядом зрителя, направляя его на важные детали снимка.

Фото 3. Композиция этого снимка очень необычна. На нем присутствуют четыре ярко выраженные области: пляж, вода, небо и часть города. Пляж отделен от воды резкой линией берега. Вода от неба — мягкой линией горизонта. Эти стихии существуют на снимке независимо. Постройки и деревья объединяют их, становясь основой композиции.

Каждый тип линий вносит свою эмоциональную окраску. Чаще всего это проявляется на подсознательном уровне, но вы убедитесь, что влияние линий достаточно велико. Прямая линия выражает активность и быстроту, но если она расположена горизонтально, то создает впечатление покоя и умиротворенности. Очевидным примером является линия горизонта — трудно придумать что-то более статичное. Слегка изогнутые линии передают вялость, расслабленность. Так выглядят берега большинства водоемов. Сильно изогнутая линия заставляет взгляд остановиться и придает композиции эффект замедления. Спираль выражает напряженность и жизненную силу. «Скрученное» тело модели выглядит гораздо эффектнее как раз за счет спиралеобразных линий. Волнистые линии задают ритм снимка. Если они параллельны, эффект усиливается, добавляя композиции неустойчивость и текучесть. Попробуйте проанализировать свои снимки, чтобы убедиться в справедливости моих слов.

Фото 4. Линии силы позволяют управлять взглядом зрителя. Продуманное их использование помогает передать объем на плоской фотографии. Параллельные линии, сходящиеся вдали, прекрасно подчеркивают перспективу. Дорога на снимке уводит зрителя в глубину кадра, придавая композиции ощущение бесконечности.

Фото 5. При неумелом использовании линии могут оказать медвежью услугу, отвлекая зрителя от объекта съемки. Главной целью фотографа являлся Московский Кремль, но линии берегов настойчиво уводят взгляд вправо.

Фото 6. В жизни чаще всего встречаются горизонтальные линии, о чем фотографу забывать не следует. Линия берега делит снимок на две схожие по размеру части. Каждая из них воспринимается независимо — композиция разрушена.

Использование диагоналей позволяет сделать снимок необычным и привлекательным. У фотографии, как и у любого прямоугольника, их две: восходящая и нисходящая.

Восходящая диагональ (ее также называют мажорной) идет от левого нижнего угла к правому верхнему. Основанная на ней композиция вызывает положительные эмоции. Движение вверх по восходящей диагонали получается очень легким и быстрым.

В случае с нисходящей (или минорной) диагональю все наоборот. Движение вверх по ней выражает напряженность, а движение вниз — легкость.

Фото 7. В композиции доминирует минорная диагональ. Сам сюжет довольно невзрачен, но вызывает у зрителя устойчивые ассоциации. Во мне этот снимок будит чувство одиночества, ощущение утраты.

Создается впечатление, что близкий человек ушел навсегда, по дорожке, уводящей за границу кадра.

Равновесие в композиции

Фотография — как весы. Если объект съемки расположен по центру снимка, композиция будет уравновешенной, но это слишком стандартный подход. Мы пойдем другим путем. Уравновесить композицию можно несколькими способами.

Если вы фотографируете динамичную сцену, используйте прием развивающегося движения. Для этого необходимо оставить свободное пространство перед движущимся объектом. Чем больше скорость, тем большее пространство требуется.

Фото 8. Снимок получился недостаточно динамичным, поэтому перед машиной оставлено не очень большое пространство. Разделительные полосы на дороге прямые, параллельные и уходят за пределы кадра. Воображение достраивает их, помогая уравновесить композицию.

В портретной съемке для достижения равновесия часто используют направление взгляда модели. Спокойный, равнодушный взгляд требует мало места, экспрессивный — значительно больше.

Фото 9. Тело модели расположено в левой части снимка, но ее взгляд делает композицию уравновешенной.

Отдельный разговор — постановочная фотография. Здесь есть время поэкспериментировать, добавляя в кадр различные предметы. В фотографии вес заменяется объемом или ассоциациями, которые вызывают некоторые визуальные формы. Велосипед или мяч, находящийся в кадре, заставляют зрителя вспомнить о детстве, с теплотой воспринимать композицию снимка. Подобных ассоциаций может быть бесконечно много. Продумайте, какие предметы напомнят зрителю о родителях, первой любви, радостных и счастливых моментах жизни. С их помощью вы сможете не только уравновесить композицию, но и передать различные эмоции.

«Золотое сечение» (правило третей)

Математики всегда утверждают, что их предмет — основа мироздания. Большинство скептически относится к подобным утверждениям, но, как ни странно, математики во многом правы. Издавна художники и фотографы пользуются правилом третей, порой даже неосознанно. Если провести на фотографии горизонтально и вертикально по две линии, каждая из которых отделяет треть снимка, получатся четыре линии «золотого сечения» и четыре точки их пересечения. Зона, расположенная между этими линиями, воспринимается как самая спокойная, а взгляд в первую очередь фиксирует предметы, расположенные на самих линиях и на точках пересечения.

Еще в древней Греции ученые заметили, что взгляд человека, рассматривающего изображение, описывает траекторию, похожую на латинскую букву «Z». Взгляд, анализирующий фотографию, как раз проходит через точки пересечения. Метод «золотого сечения» полезен, но это не единственный способ расположения предметов в композиции.

Геометрическое позиционирование

Как и «золотое сечение», это правило имеет исключительно рекомендательный характер. Давно замечено, что треугольник, присутствующий в композиции, усиливает впечатление, производимое фотографией. Поставив его на одну из вершин, можно придать композиции неустойчивость. Напротив, треугольник, стоящий на основании, создает ощущение незыблемости.

Фото 10. Тело модели образует треугольник, опирающийся основанием на поверхность стола. Необычный ракурс и экспрессивное выражение лица подчеркивает непоколебимость, как физическую, так и психологическую.

Круг или овал добавляют композиции динамичности. Прямоугольник или квадрат, наоборот, делают ее абсолютно статичной. Поэкспериментируйте с геометрическими формами, результат может быть довольно интересным.

Отсекаем лишнее

Выбрав объект съемки, не забывайте, что нас окружает масса предметов, часть которых неизбежно попадет в кадр. Передний план чаще всего отсутствует на снимках начинающих фотографов. Они фиксируют свое внимание непосредственно на модели. Тем не менее незначительные элементы переднего плана помогают передать глубину пространства.

Фото 11. Перила моста, попавшие в кадр, оказались совсем не лишними. Они подчеркивают глубину пространства. К тому же перила, выходящие за границы кадра, уравновешивают композицию.

Снимок получается достаточно интересным, если объект съемки заключен в некую рамку, образуемую передним планом. Подобными рамками могут служить окна, арки, деревья.

Фото 12. В приведенном примере рамкой являются качели, подчеркивающие «трехмерность» сцены. Прямые цепи качелей, стремящиеся сойтись в перспективе, направляют взгляд к девочке.

Порой неудачные снимки получаются из-за того, что у нас два глаза, а у фотоаппарата — один. Наше «трехмерное» зрение легко отделяет модель от фона, тогда как на плоской фотографии они сливаются. Самый распространенный пример — это предметы, «растущие из головы модели». Скульпторы говорят, что их задача — взять камень и отсечь все лишнее. А чем фотографы хуже? На снимке тоже не должно быть посторонних предметов. Съемка крупным планом поможет избавиться от них. Если подобный метод недопустим, попытайтесь спрятать лишнее за объектом съемки или, используя мягкий фокус, размойте мешающие предметы, акцентируя внимание на нужных деталях снимка. В этом случае приоритет имеет диафрагма. На камерах без ручных режимов есть некое подобие — режим «портрет», тот же самый приоритет диафрагмы при единственном максимально открытом ее значении. К сожалению, у незеркалок увидеть этот эффект во время съемки практически невозможно — из-за малого количества пикселов на дисплее или у EVF (есть камеры, которые умеют делать «цифровой зум видоискателя», обычно в режиме ручной наводки резкости, — чуть-чуть помогает), а также из-за того, что на дисплее не всегда показывается картинка, снимаемая с реальными значениями выдержки/диафрагмы. При съемке со вспышкой на незеркалках вы практически всегда видите на дисплее или в видоискателе не то, что получится в результате, поскольку, чтобы обеспечить видимость при недостатке освещенности, камера открывает диафрагму полностью, а при съемке закрывает до нужного значения.

По возможности обойдите модель вокруг и постарайтесь выбрать более удачный фон. Если вы снимаете на открытом воздухе, то можете воспользоваться самым красивым и доступным фоном — небом, которое добавит снимку колорит. Камеру следует расположить низко и внимательно следить, чтобы такой ракурс не искажал фигуру модели.

Фото 13. Яркий фон, заполняющий большую часть снимка, отвлекает внимание от главного объекта. Гораздо разумнее было бы воспользоваться макросъемкой, установив камеру ближе к земле.

Фото 14. В качестве фона выступает «безголовый» человек и непонятные металлические конструкции. Композиция перегружена формами, не несущими никакого смысла.

Фото 15. На снимке та же птичка, но автор воспользовался оптическим увеличением и мягким фокусом, тем самым избавившись от лишних деталей. Правая часть фона размыта, а в левой человек уже практически не угадывается. Теперь, когда наше внимание приковано к птице, мы легко различаем все детали фотографии. Здесь, в отличие от предыдущего снимка, отчетливо видно, что птица окольцована.

И напоследок я скажу…

Советов по выбору композиции можно давать бесконечно много. Я ограничился малым, так сказать, основами. При подготовке материала я сделал небольшой эксперимент. Около пяти гигабайт фотографий, сделанных еще во времена бесшабашной молодости, подверглись моей жесткой критике и «условному удалению». В результате осталось 386 мегабайт снимков, имеющих хоть какую-то художественную ценность. Итак, мой фотографический КПД составил около 8%. Именно по этой причине все снимки, приведенные в качестве примеров, сделаны непрофессионалами. Вы узнали основы построения композиции. Попробуйте теперь посмотреть на свои старые фотографии по-другому и вычислить свой КПД.

Я планирую продолжить подготовку статей, посвященных искусству фотографии. Ваши пожелания и критику можете прислать на [email protected]

Министерство науки и образования

Пензенский Государственный Университет

Реферат по эстетике на тему:

«Фотография как искусство»

Выполнила:

Студентка гр. 07вэ2

Алексеева Ольга

Александровна

Пенза 2007 г.

Как начиналась фотография. 3

Фотография – это искусство?. 6

Заключение. 17

Желание сохранить красоту быстротечной жизни создало удивительный вид искусства – фотографию.История фотографии — это захватывающая история зарождения и воплощения в жизнь мечты о фиксации и длительном сохранении изображений окружающих нас явлений и предметов, один из самых ярких и бурных этапов развития современной информационной технологии. Только оглядываясь на прошлое фотографии, можно оценить то огромное влияние, которое оно оказало на развитие современной культуры, науки и техники.

В фотографии выкристаллизовалось несколько достаточно чётко очерченных направлений: этнографическо-социологическое, репортажное, плакатно-рекламное, художественно-конструктивное, декоративное, символическо-концептуальное, импрессионистское. Каждое из этих направлений выполняет свою специфическую, чётко определённую культурно-коммуникативную функцию. Данные направления взаимно не исключают друг друга. Один и тот же фотохудожник, как правило, работает в нескольких из них. Очень важно иметь в виду полуфункциональность художественной фотографии, чтобы, например, художественно-конструктивная её функция не отстраняла этнографическо-социологическую и наоборот, чтобы концептуальность фотовидения шла рука об руку с национальной традицией. Как любой вид искусства, фотография подчинена общим закономерностям развития художеств, сознания и художественного миросозерцания. Художественный образ исторически вырастает на основе эмпирически воспринятой действительности и отражает становление и развитие культурно-смыслового опосредования между художником и внешним миром.

В заключении хотелось бы отметить, что на вопрос о том является ли фотография искусством или нет, пожалуй, столь же сложно найти ответ, как и на вопрос о смысле нашего существования. Некоторые считают, что если фотография нравится, и вам жаль, что её сделали не вы, то это искусство. Но, на мой взгляд, не всё то, что нравится – искусство, и напротив не всегда искусство должно нравится. Ведь красота и уродство, добро и зло — эти вещи неразрывны, поэтому они одинаково должны наполнять искусство. Если будем видеть только красоту, мы не будем её воспринимать. Зло и уродство также необходимы, как и кислород нашим легким. Люди мечтающие об абсолютном счастье скорее неправы, они не понимают что если бы не было войны, не было бы и мира, что они не знали бы о счастье не грамма, если бы не испытали горя. Сама жизнь была бы скучна, теряла бы всякий смысл. Гораздо интересней жить в мире, наполненном противоположностями, которые делают жизнь человека наиболее насыщенной и разнообразной.

Первое закреплённое изображение было сделано в году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней. Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. длилась восемь часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко можно было размножить в любом числе экземпляров.

На изобретение фотографии художники отреагировали по-разному. Главным камнем преткновения в спорах о художественной природе фотографии и роли фотографа как художника, творца произведения искусства, стала необыкновенная точность в передаче деталей, точность, с которой не мог бы соперничать самый искусный живописец. Одни восторженно приветствовали светопись, другие, напротив, видели в фотоаппарате предмет, бесстрастно фиксирующий действительность без всякого приложения рук человеческих. Но на заре своего существования фотография не претендовала на то, чтобы быть произведением искусства, и до конца 1840-х годов нельзя говорить о намеренном фототворчестве.

3. Съёмка архитектурных сооружений

Это такой жанр фотографии, изображающих здания и их комплексы, мосты и т. п. Как правило, ставит целью получение документального снимка, создающее необходимое представление о внешнем виде снимаемого объекта или его деталей.При наибольшее значение имеет выбор точки съёмки по высоте, отдалённости и углу съёмки. Именно это определяет общую композицию кадра, перспективу, соотношение планов. В городских условиях, при отсутствии достаточного пространства, выбор а значительно облегчается применением широкоугольного или сверхширокоугольного объектива.

5. Съёмки спорта и движущихся объектов

Особенностью таких фотографий является быстрота движений. Важно показать динамику движений. Спорт фотографируют только с короткими выдержками — не более, чем 1/100 сек, а зачастую и 1/500 — 1/1000 с. Для такой съемки необходимы фотоаппараты, снабженные быстродействующими затворами и светосильными объективами.

6. Съёмка детей

Есть небольшое сходство в фотографировании детей и спорта. Это стремительность. Дети не сидят на месте, поэтому самым легким способом является съемка занятых чем-то детей (просмотр спектакля, слушание сказки, игра). В эти моменты дети не акцентируют свое внимание на непонятной интересной «штуке» возле вашего лица, они поглощены. Это просто кладезь интересных выражений! 🙂

7. Ну и наконец — репортажная съёмка

Это так называемый метод съемки события без вмешательства в его естественное течение. — это серия снимков, сделанных в ходе какого-либо события, когда фотограф ограничен временем и сценарием происходящего. Таким образом, репортаж ставит фотографа в некие временные и сценарные рамки. Репортажный метод съемки исключает режиссирование, хотя в некоторых ситуациях фотограф может немного провоцировать людей или ситуацию. Но это бывает нечасто — искусство репортажа состоит в том, чтобы, не режиссируя кадр, снять его экспромтом, по ходу действия, точно находя точку, план, момент.
На мой взгляд, идеальная фотография такого жанра та, которая смогла бы проиллюстрировать какую-либо тему в новостях в рубрике «no comments». Снимок должен все говорить сам за себя.

Фотохудожники

Людей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствамЛюдей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствам производства, применяет те или иные технические приемы (выбор освещения, приёмы композиции, эффекторная оптика, послесъемочная обработка и т.д.).

Итак — освещение

Фотографы знают, что если источник света находится сзади него, то кадр получается плоским. Идеальное , скажем, для пейзажей — свет сбоку (задне-боковой или передне-боковой).
Если затронуть время съёмок — то идеально, конечно, вечер и утро. В это время свет более мягкий и рассеянный. Когда солнце в зените цветовая температура заметно выше и в его спектре преобладают синие и голубые тона; в утреннем и вечернем свете, как уже было сказано выше — желтые и оранжевые, а в тенях — от голубого к синему.

Фотография – это искусство сомнений

Владимир Вяткин.

Фото: РИА Новости

В рамках проведения Международного фотоконкурса имени Андрея Стенина, организованного МИА «Россия сегодня», подготовлена серия интервью с членами жюри конкурса — крупнейшими фото- и артдеятелями.

Предлагаем вашему вниманию беседу с Владимиром Вяткиным, российским фотографом, академиком Международной Гильдии фотографов средств массовой информации, шестикратным лауреатом и трижды членом международного жюри World Press Photo.

— Почему Вы решили войти в жюри Международного конкурса фотожурналистики им. Андрея Стенина?

— Участие в жюри – это долг мой, моя работа. Думаю, что на сегодняшний момент я наиболее подготовлен к работе в каком-либо жюри. И в тоже время, работая в жюри, я немного «воду мучу». Конкурс для меня не есть демонстрация хороших или плохих фотографий. Я не сужу, кто лучше или хуже снимает. Не умеешь снимать, не участвуй в конкурсе. Это все равно, что на конкурсе премии Booker писатели будут соревноваться не в искусстве написания романов, а в том, что владеют азбукой. Конкурс для меня — это умение его участников философствовать на языке фотографии, говорить языком метафор, знаков, символов, чеховских «подводных» течений. Фотография — не документальная хроника, которую сейчас научились снимать все. За нас снимает фотоаппарат, он все делает за нас: ставит экспозицию, автоматически наводит на резкость. Но это всего-навсего инструмент. Мне важно, работая в жюри, доказать и убедить других его членов, что та неожиданная фотография, которую, может быть, выберу я, это не просто фотография, а язык фотографии XXI века, его философия, нечто большее, чем просто изображение.

— Каким Вы видите будущее конкурсов фотожурналистики, и как оцениваете участие в них непрофессионалов?

— Для меня одним из самых интересных конкурсов является Sony World Photography, где есть два потока участников – профессионалы и непрофессионалы. Для работ всех участников действуют единые правила, работы профессионалов и непрофессионалов оцениваются в одних и тех же номинациях. С одним «но»: профессиональные фотографы участвуют в конкурсе сериями работ, а непрофессионал может прислать и один снимок. На мой взгляд, пока конкурсы не привнесли что-либо новое в саму сущность фотографии. Может появиться новый технологический ход, как это было на World Press Photo, в котором участвовали фотографии, сделанные видеорегистратором. Но в этом нет внедрения человеческого глаза, эти снимки делает машина, а не человек. Сделать хорошую фотографию подчас бывает не менее сложно, чем написать хорошую пьесу, стихи, музыку. Но в сравнении с писателем, поэтом, композитором фотограф поставлен в совершенно иные временные рамки. Доли секунды длится нажатие на затвор камеры – и либо это шедевр, либо мусор. Светлым будущее фотоконкурсов, по-моему, станет тогда, когда в их жюри войдут старые мудрые философы, писатели, социальные психологи, культурологи. Те люди, которые смогут оценить и осмыслить результат съемки – саму фотографию. Я и мои коллеги знаем, как она делается технически. Мы можем оценить ситуационность и техническую возможность съемки. Философ же может вскрыть все глубины фотографии, описать ее, сделать из нее рассказ или роман.

— Гендерный вопрос в фотожурналистике: должна ли женщина с фотокамерой идти снимать войну?

— Абсолютно никто никому не должен. Безусловно, сейчас мы сталкиваемся с неким феноменом, когда фотография стала одной из форм женской эмансипации. В наши дни это самый социально доступный вид изобразительного творчества. У меня есть целая лекция – «Современные женщины и современная фотография». У женщины иная физиология и психология, иная целеустремленность и профессиональная отдача. Женщина-фотограф во многих ситуациях, во многих темах выигрывает у мужчины-фотографа. Есть темы, в которых женщина просто в силу своих генов снимет лучше, чем мужчина. Работать же в некоторых тематических зонах и тематических обозначениях мужчине-фотографу очень тяжело просто в силу своей психофизики.

Владимир Вяткин вошел в жюри Международного конкурса фотожурналистики им. Андрея Стенина.

Фото: РИА Новости

— За последнее десятилетие изменилась ли и как географическая карта мировой фотографии?

— Да, изменилась. В первую очередь за счет прихода китайских фотографов. Карта мировой фотографии будет расширяться и далее. Думаю, что это расширение дойдет и до нас. Это не значит, что в России нет хороших фотографов. Их очень много, но о них мало знают! Фотография для общества очень важна. Это один из элементов, визуализирующий государственную идеологию. По-моему, равной на карте мировой фотографии Россия станет тогда, когда фотографа российское общество начнет воспринимать как производителя материальных и культурных ценностей.

— Как повлиял приход цифровых и других медиаформатов на профессиональные стандарты фотожурналистики?

— По мне, это скорее антивлияние, нивелирование фотографии чрезмерной технологической доступностью новых форматов. Но плюсы у новых форматов, безусловно, есть. Увеличилось число людей, интересующихся фотографией, а значит, есть из каких работ отбирать лучшие. И это интересно.

— Чтобы Вы посоветовали тем, кто решил посвятить себя профессиональной журналистике?

— Фотография – это искусство сомнений, и более уникальной профессии, чем фотожурналистика, нет. Задумайтесь, зачем и в какой мере вам нужна фотография.

Шорт-лист по результатам работы жюри конкурса будет объявлен 30 апреля на сайте конкурса

Почему фотография — это искусство — ЭРИК КИМ

Что такое искусство? Искусство — это то, что создает человек.

Все, что вы создаете, — это «произведение искусства».

Теперь, возможно, более практический вопрос:

Является ли искусство законным видом искусства? И находится ли это в одной плоскости с живописью или другими видами искусства?

Я утверждаю, что это так. Почему? Разрешите пояснить:

Что такое камера?

Камера — это инструмент для создания изображений.

Не все изображения являются произведениями искусства (например, фотография чека). Однако при желании вы можете использовать камеру как инструмент художественного творчества.

Например, вместо кисти вы предпочитаете использовать камеру.

Почему? Камера работает быстрее, быстрее и отличается от других.

Чем живопись отличается от фотографии

Рисуя, вы наносите краску на холст. В фотографии вы помещаете свет на датчик.

Теоретически, говоря о живописи, вы можете сидеть в пустом (полностью белом) офисе и создавать любые визуальные формы искусства, какие захотите. С фотографией вы ограничены реальностью . С фотографией очень сложно делать отличные фотографии, не выходя из дома. Конечно, вы можете делать красивые снимки дома, но со временем вам захочется выйти из дома.

Что сложнее — фотография или живопись?

Если вы хотите рисовать фотореалистичные картины, то, конечно, вам потребуются годы (или десятилетия) обучения.

Но с фотоаппаратом вы можете сделать снимок за доли секунды.Ребенок может снимать фотографии. Собака умеет фотографировать.

Таким образом, по большей части — фотографии НАМНОГО легче выучить или усвоить. Таким образом, фотография технически более интуитивна, чем живопись.

Теперь, конечно, можно рисовать как ребенок (нанося краску на любой холст). Эта форма рисования проста и интуитивно понятна — и в ней есть большое достоинство.

Однако в некотором смысле фотография сложнее рисования, поскольку требует большого технического мастерства.Понять, как работает фотоаппарат, сложно. Также сложно научиться использовать технические навыки для создания изображений. С помощью цифровой фотографии вы научитесь постобработке и редактированию фотографий на компьютере. С аналоговой фотографией очень сложно снимать на пленку, печатать и т. Д.

Является ли фотография или живопись более законной?

В мире искусства живопись кажется более законной, чем живопись. Почему?

Простой:

У всех есть камера iPhone.Таким образом, быть фотографом (по сравнению с художником) менее загадочно или сексуально.

Быть настоящим художником в современном мире — значит замаскироваться. Чтобы казаться каким-то таинственным волшебником со всеми этими странными, волшебными или сверхъестественными вещами в вас. Вот почему так много художников странно одеваются, говорят смешно (претенциозно), используют странные слова (претенциозное словоблудие из мира искусства) и скрывают свои методы.

Вы можете быть великим художником, но не иметь коммерческого успеха.Это совершенно нормально и законно.

Хотите добиться успеха в мире искусства?

Если вы хотите добиться успеха в мире искусства, это, вероятно, на 99% состоит в нетворкинге, социальных навыках и «игре в игру». Мысль о том, что мир искусства «откроет» себя, не продвигая себя, — нонсенс. Даже Пикассо был мастером саморекламы.

Если ваша цель — стать успешным фотографом в мире искусства, вероятно, лучше всего изучать предпринимательство и бизнес, а не искусство.

Заключение

Очевидно, фотография — это искусство. Возможно, следующий вопрос таков:

Сможете ли вы сделать фотографии, которые являются даже БОЛЬШИМ искусством, чем самые знаменитые картины в истории?

Конечно. Но это будет зависеть от ваших навыков, усилий и видения.

Если ваша цель — стать великим фотографом-художником, стремитесь к этой цели изо всех сил!

ЭРИК

Действительно ли фотография считается искусством?

Это вопрос, который мы слышим все чаще и чаще.И прежде чем кто-либо начнет бурно реагировать, будьте уверены, что ответ положительный. Это, конечно, действительное искусство, и мы не будем больше останавливаться на этом вопросе, а давайте попробуем понять, почему в этом вопросе вообще есть какие-то сомнения. Давайте попробуем изучить возможные причины, по которым люди не так легко понимают ценность фотографии как искусства.

Хотите верьте, хотите нет, но у нас есть за это технологии. Хотя большую часть инноваций и достижений в фотографии можно отнести к постоянному развитию новых технологий, мы должны признать, что это же явление является виновником сомнений и недооценки фотографии как искусства.

Несколько десятилетий назад фотография была, вероятно, лишь на 1% от того, насколько она доступна сейчас. Фотография и технологии фотоаппаратов были такой роскошью для значительной части прошлого, что только у богатых людей были фотоаппараты, и они использовались только для особых целей и случаев. Во второй половине 20-го века фотография стала более доступной благодаря пленке формата 35 мм, что позже привело к появлению мгновенных фотоаппаратов и, конечно же, появлению цифровой фотографии. За пару десятилетий мы пришли туда, где находимся сейчас.

Сейчас мы живем в то время, когда большинство людей всегда с готовностью носят фотоаппарат в кармане, куда бы они ни пошли. Да хоть в ванную. Развитие технологий позволило каждому иметь камеру и всегда иметь ее при себе. Это позволило художественной форме фотографии стать чем-то настолько случайным. Люди фотографируют буквально все и вся, и это разбавляет бассейн. Для нас, фотографов, которые используют наши фотоаппараты для создания произведений искусства, мы в значительной степени плывем в море цифрового шума, пытаясь сохранить плавучесть лодки.На самом деле в этом нет ничего нового, но что позволило этому случиться, так это то, что изменение было довольно радикальным.

Рисование, наброски и живопись были общепринятыми формами искусства. Мы никогда не видим и не слышим, чтобы кто-нибудь сомневался в справедливости этого. Почему? Потому что в детстве нас учили этому в художественных классах. Детям в возрасте 2 лет рекомендуется брать цветные карандаши и рисовать все, что им нравится, а их родители даже развешивают эти рисунки на стенах или на холодильнике.Вот почему мы все были запрограммированы так, чтобы не подвергать сомнению этот вид искусства, и какими бы простыми и глупыми ни были детские рисунки, это никогда не заставляет нас сомневаться в том, что то, что делают Да Винчи, Пикассо и все их друзья, на самом деле является искусством. .

Так что да, фотография есть и всегда будет формой искусства, и мы должны праздновать это. Проблема заключается в том, что по мере того, как способы создания фотографий становятся все более и более случайными, мы должны подниматься над всем шумом, чтобы наша работа выделялась.Помимо знания стратегий социальных сетей и размещения ваших работ на стенах галереи, именно то влияние, которое оказывают наши фотографии, придает им любую форму значения.

Фотография — важнейшее изобразительное искусство

Фотография — менее чистый вид искусства, чем живопись и скульптура. Но теперь это более важный вопрос, — говорит Саймон Боукок. Является ли фотография искусством? Недавно в «Гардиан» произошла ссора по этому поводу. «О нет, это не так, — сказал искусствовед.«О да, это так», — сказал писатель-фотохудожник. Теперь у нас в Великобритании сезон пантомимы закончился, вот и третье мнение.

Этот вопрос стар, как сама фотография. Все началось как викторианский спор между пионерами фотографии и традиционалистами арт-истеблишмента. В конце концов, традиционалисты проиграли (или умерли): в наши дни фотография приобретает все большее значение в крупнейших мировых художественных учреждениях, таких как Нью-Йоркский музей современного искусства и лондонская галерея Тейт. И, несмотря на присущее им отсутствие уникальности, работы современных и современных фотографов, таких как Эдвард Уэстон и Андреас Гурски, регулярно продаются на аукционах Christie’s и Sotheby’s, иногда за миллионы фунтов стерлингов.Фотография даже является важным аспектом практики многих крупных художников, которых обычно не считают фотографами, таких как Дэвид Хокни, Трейси Эмин и Герхард Рихтер.

Поэтому кажется легким утверждать, что фотографии не могут быть искусством. Так почему же некоторые до сих пор придерживаются этой точки зрения?

Фотографии сделаны аппаратом прямо «с натуры», изображение сделано не художником, а светом мира. Это заставляет многих рассматривать фотографии как прямое механическое воспроизведение людей и вещей.

Но часто фотографии ни в коем случае не являются простыми, непосредственными записями о мире, а вместо этого подвергаются широкому спектру художественного вмешательства: сценического, технического, презентационного, контекстного и так далее. Некоторые из этих помех иногда проявляются на фотографиях, например, на интригующих фотографиях молодого японского художника Дайсуке Ёкота. Но чаще всего рука художника не очевидна, особенно с более прямолинейными фотографиями. Даже вездесущий «объективный» подход — плоский, фронтальный, невозмутимый — является преднамеренной эстетической стратегией.Но если вы не видите искусства в работе, легко предположить, что искусство здесь не задействовано.

«Фотография — это не то, что было сфотографировано, это что-то другое. Речь идет о трансформации, — сказал американский фотограф Гарри Виногранд, который делал фотографии, — чтобы увидеть, как эта вещь выглядит на фотографиях. . Восприятие зрителя может быть фактором, но чаще это происходит потому, что фотографии — это как прямая запись, созданная миром, так и интерпретация, созданная выбором фотографа, сознательным или бессознательным.Другими словами, фотографии — это и документ, и искусство.

Этот документальный аспект означает, что фотография в каком-то смысле никогда не может быть полностью искусством. Но «частичное искусство» не равно «не искусство». Однако многие — даже искусствоведы — все еще смотрят на фотографии и видят все документы, а не произведения искусства.

Эта двойственность искусства и документа — «визуализированного» и «реального» — на самом деле является сильной стороной фотографии. Это помогает объяснить, почему фотографии так нас очаровывают. Еще одна причина, по которой они поражают нас, — это их упорная поверхностность, которая может создать большую тайну: фотографии — это непостижимая поверхность, все видно, а не рассказано.«Фотография — это секрет о секрете. Чем больше он говорит вам, тем меньше вы знаете, — сказала Дайан Арбус, современница Виногранда.

Чисто художественные медиа просто лишены этих сложностей. Даже в фотореалистической живописи отметки наносятся только рукой художника, а не «карандашом природы»: это искусство, а не документ.

И хотя они все еще могут быть могущественными и могут многое сказать, живопись и скульптура сегодня — сравнительно маргинальные, тайные занятия, которыми практически никто не занимается.

Напротив, сколько людей смотрят фотографии каждый день? Наверное, миллиарды. Сколько людей занимается фотографией? Возможно, больше миллиарда. Если только малая часть этих людей входит в число самых интересных художников настоящего и будущего, то фотография станет, безусловно, самым значительным и захватывающим средством визуального искусства в истории.

Но отношение к миру искусства меняется медленно. Итак, если мы все еще притворяемся, будто застряли в XIX веке, я нахожусь в 1839 году с французским художником Полем Деларошем, который, впервые увидев новомодную фотографию, объявил: «Живопись мертва».

Двойственность фотографии и искусства / документа, ее непредсказуемый и непостижимый характер и постоянно растущее массовое участие человечества в ней оставляют более традиционные медиа, такие как живопись и скульптура, на световые годы позади. Поскольку фотографии меньше двух столетий, а ее популярность только растет, мы, возможно, только начинаем исследовать ее художественные возможности. Тем не менее, некоторые до сих пор не воспринимают это как вид искусства.

Как заявил тот же искусствовед пару сезонов назад в пантомиме: «Фотография — это серьезное искусство нашего времени».О да, это так.

Саймон Боукок пишет о фотографиях и делает свои собственные. @simonbowcock

Искусство против Ремесла фотографии

Как творческие работники, все мы проходим очень похожий путь, когда дело доходит до совершенствования наших навыков. Хотя детали турбулентной поездки у всех разные, она всегда сводится к двум вещам; как и почему.

Часто они используются в гармонии — мы видим, что это чаще выражается, чем более искусен творческий человек.Но что полезно, так это понимать разницу между ними и то, как они соединяются в великое искусство.

Искусство фотографии

Большая часть того, что вы узнаете о фотографии, связана с ремеслом — как всего этого. Когда вы думаете о ремесле, обратите внимание на слово мастерство — настоящая приверженность высокому качеству. Плотник, выбирающий правильные инструменты, чтобы позволить ему изливать потом любовь и заботу в древесину своего творения. Типограф сидела в организованном беспорядке перьев и бумаг, а также своих линий, форм и форм.

Это любовь, усилия и настойчивость, вложенные в то, что вы делаете. Это кровь, пот и ноющие ноги практики. Это физическое. Это ощутимо.

Я считаю, что корабль разделен на две части. Снаряжение, которое вы используете, и то, как вы его используете.

Снаряжение — это сексуальная и блестящая вещь, на которую обращает внимание большинство людей. Размеры сенсоров, марки, зеркалки, беззеркальные, линзы. Какие камеры дают лучшее качество изображения? Как боке? Какие бренды сейчас делают удивительные вещи?

И когда блеск и гламур всего этого исчезают, вы начинаете сомневаться, как это оборудование служит цели вашей фотографии (подробнее об этом чуть позже).

Как только вы решите, что у вас есть подходящее снаряжение (и, поверьте, оно всегда меняется), вы научитесь его использовать. Вы начинаете понимать основы, такие как треугольник экспозиции и как им управлять. Вы откроете для себя инструменты и методы, такие как длинные выдержки, расширенные ISO и экспонирование справа.

… и тогда вы понимаете, что вам нужно больше снаряжения. Но сопротивляйтесь этому, если можете. Совет от профессионала: жажда снаряжения никогда не заканчивается.

Корабль в конце концов доходит до того, что теряет сознание.После долгой практики вы подсознательно устанавливаете диафрагму на f / 8, если хотите получить резкое изображение, полное глубины. Вы точно знаете, как добиться критической фокусировки на каждом снимке, даже в ручном режиме. Вы можете сделать свой образ безумным по требованию. Вы знаете, что делать в любой ситуации. Люди видят в вас «хорошего», потому что вы умеете правильно обращаться с камерой.

И, к сожалению, в эпоху смартфонов и простого пользовательского опыта все до этого момента является наименьшим общим знаменателем.Теперь каждый может сделать хорошо экспонированный снимок. Это может сделать кто угодно. Ожидается. Так что вам нужно выделиться.

И вот тут-то и появляется искусство.

Искусство фотографии

Это то, что вы действительно узнаете после того, как узнаете , как это делать .

Искусство фотографии — это то, как вы выражаете себя. Это ответ на вопрос , почему вы хотите создать и поделиться им. Это проявление себя. Это ты.

Это то, что отличает ваши изображения от всех остальных.Когда вы изучите основы и сможете делать «хорошие» фотографии, как и все остальные, искусство — это способ, которым вы привносите свою индивидуальность в свою работу. То, что делает его уникальным.

Считайте свою ленту в Instagram. Наверное, там полно «хороших» снимков, сделанных «хорошими» фотографами. Теперь у нас все «хорошо». Ожидается. Это средний показатель.

Но как прорваться? Что делает изображение «великолепным»? Или «выдающийся»? Или «вызывающая слезы фантастика»? Что такого особенного в изображении, которое заставляет вас рассказать друзьям?

Это, дорогой читатель, твое искусство.

И да, фотография — это искусство. Как бы претенциозно это ни звучало, создание и самовыражение — это искусство, независимо от того, в каком виде это можно сделать.

В фотографии это искусство проявляется в ремесле. Это отношения, которые у них есть вместе. Искусство всегда будет переплетаться с ремеслом. В то время как ремесло физическое, искусство церебрально. Это ваши эмоции, ваши мысли, ваши идеи. Но без ремесла нет искусства. Нет творения без процесса его создания. Искусство реально только тогда, когда оно создается и распространяется.

Сочетание ремесла и искусства в фотографии приводит к созданию изображений, которые вы видите каждый день. Конечно, одни лучше, другие. Но у каждого изображения есть история, и каждое изображение — это совокупность множества (сознательных или бессознательных) решений фотографа. Помимо технических компонентов мастерства, я имею в виду состав сцены — композицию и ее элементы — то, как фотограф структурировал элементы сцены, чтобы вызвать реакцию. Может быть, этот ответ тронет вас, может быть, он рассказывает историю, а может, нет.Может быть, это личный проект, и он значит больше для фотографа, чем для вас. Может, ты этого не понимаешь. Может быть, это говорит о человеке рядом с вами.

Это самое замечательное в искусстве. В основном это неявно. И это результат интерпретации, которая определяет ценность. И если ценность имеет восприятие усилий и мастерства; внимательности, вдумчивости и уникальности; безупречного союза ремесла и искусства; ну тогда у вас замечательный образ.

Разница между craft vs.искусство фотографии состоит в том, что одно — это создание стоимости, другое — представление стоимости. Полезно понимать каждую отдельную часть уравнения, но еще полезнее понимать, что именно сочетание этих двух концепций вместе создает замечательную и долговременную работу.

---

Об авторе : Пэт Кей — фотограф-фрилансер и создатель контента из Сиднея, Австралия. Мнения, выраженные в этой статье, принадлежат исключительно автору.Вы можете найти больше работ Кея на его веб-сайте, в Instagram, Facebook и 500px. Эта статья также была опубликована здесь.

Фотография и художественное образование в JSTOR

Информация журнала

Art Education издается два раза в месяц: январь, март, май, июль, сентябрь и ноябрь. Темы касаются вопросов, представляющих профессиональный интерес для преподавателей искусств, и подходят для разнообразной аудитории. Каждый выпуск Art Education посвящен определенной теме или теме.Рукописи, принятые к публикации, запланированы на самый ранний случай, когда освещается тема или статья считается подходящей для выпуска. Факторы, определяющие, когда рукопись будет напечатана, включают наличие свободного места после включения запланированных функций, а также учет графики, визуальных элементов и макета. Из-за большого количества рукописей, представляемых каждый год, процесс рассмотрения может занять до десяти недель.

Информация об издателе

Национальная ассоциация художественного образования, основанная в 1947 году, является крупнейшей в мире ассоциация профессионального художественного образования и лидер образовательных исследований, политика и практика художественного образования.Миссия NAEA — продвигать художественное образование через профессиональное развитие, обслуживание, продвижение знаний и лидерство. Членский состав (около 48000) включает учителей начальных и средних школ искусств. (а также учащиеся средних и старших классов по программам National Art Honor Society), художники, администраторы, преподаватели музеев, сотрудники художественного совета и университет профессора со всех концов Соединенных Штатов и нескольких зарубежных стран. В него также входят издатели, производители и поставщики художественных материалов, родители, студенты, бывшие преподаватели искусств и другие лица, озабоченные качеством художественного образования в наших школах.Ассоциация издает несколько журналов, статей и листовок по художественному образованию; ежегодно проводит съезд; проводит исследования; спонсирует программу поощрения учителей; разрабатывает стандарты обучения студентов, школьных программ и подготовки учителей; и соучредители мастерских, семинаров и институтов по художественному образованию.

Природа фотографии — искусство или наука?

Какова истинная природа цифровой фотографии? Многие люди давно задают этот вопрос.На самом деле, когда люди задают вопрос об истинной природе фотографии, они часто хотят спросить, искусство это или наука.

Многие люди считают фотографию искусством, потому что она позволяет выражать эмоции. Они считают, что цифровая фотография — это продолжение искусства рисования или живописи. Видите ли, фотография похожа на живопись в том смысле, что, хотя она делает точные изображения реальности, она также позволяет вносить некоторые изменения с помощью различных цифровых инструментов, доступных сегодня.

Даже без редактирования многие люди по-прежнему верят, что цифровая фотография — это искусство, потому что для того, чтобы найти интересный объект цифровой фотографии, нужен глаз художника. Природа электронной фотографии как искусства связана с тем, что художник может выражать эмоции и высказывания через визуальные объекты.

Сторонники этого искусства также аргументируют свою позицию, заявляя, что оно способно передавать эмоциональные послания через эстетику. Красоту каждой фотографии, конечно же, нужно отдать должное человеку, делающему снимки.Одним из самых веских аргументов в пользу художественного характера электронной фотографии является тот факт, что изображение редко бывает тем, что можно увидеть невооруженным глазом. С помощью камеры и компьютера человек может изменить изображение, чтобы представить то, что он или она хочет показать.

Некоторые люди утверждают, что наука — истинная природа этого искусства. Один аргумент заключается в том, что фотография, в отличие от живописи, на самом деле возникает из чего-то существующего, а не из разума или эмоций художника. Это может быть очень убедительным, поскольку фотограф действительно не занимается фотографией.Он или она просто берет их.

Еще один аргумент относительно научной природы фотосъемки заключается в том, что редактирование, которое делают люди, и корректировки, которые делают фотографы, основаны на серии шагов, которые можно сузить с научной точки зрения. Люди, которые отстаивают научный характер цифровых фотографий, могут рассуждать, что для достижения тех же результатов можно предпринять ту же серию шагов. В этом типе фотографии есть определенное качество постоянства, которое делает ее наукой.

Но какова истинная природа цифровых фотографий? Мы читали различные аргументы в пользу науки и искусства. Кажется, у этого вопроса нет решения, не так ли?

Истинная природа цифровой фотографии всегда будет парадоксом. Это означает, что, хотя это можно рассматривать как искусство, его также можно рассматривать как науку. Когда разрешен парадокс природы цифровой фотографии? Что ж, решается, когда человек делает цифровую фотографию.

Истинная природа цифровых фотографий находится в руках человека, который их делает.То, как человек относится к процессу, определяет для него природу цифровой фотографии. Это не совсем искусство и не абсолютно наука. Истинная природа цифровой фотографии парадоксальна. Это может показаться противоречивым, но в некоторой степени это правда.

Фотография против живописи — Осип Брик

Фотография отодвигает живопись. Картина сопротивляется и настроена не капитулировать. Вот как следует интерпретировать битву, которая началась сто лет назад, когда была изобретена камера, и которая закончится только тогда, когда фотография окончательно вытеснит живопись с того места, которое она занимала в повседневной жизни.Девиз фотографов: точность, скорость, дешевизна. В этом были их преимущества. Здесь они могли составить конкуренцию художникам. Особенно в случае с портретами. Даже самый одаренный художник не может достичь той степени точного воспроизведения, на которую способна камера. Даже самый быстрый художник не может создать портрет за считанные минуты. Самая дешевая картина дороже самой дорогой фотографии. После портретов брались за пейзажи, репродукции, жанровые картины. И у всех была одна и та же реклама: точность, скорость, дешевизна.Художники осознали опасность. Успех фотографии был огромен. Необходимо было предпринять немедленные шаги. Наступила более сильная контратака.

С дешевизной и скоростью бороться сложно. Камера работает дешевле и шустрее. Точность можно оспорить. Так вот, где была сосредоточена атака.

Фотография не цветная. Картина есть. Это означает, что живопись точнее воспроизводит объект и в этом отношении не имеет себе равных.

Так рассуждают художники.И потребителя нужно было в этом убедить. Но художники ошибались, и многие ошибаются и сегодня.

Это правда, что в жизни мы действительно видим цветные предметы. И картина с помощью красок воспроизводит эти предметы. Но они отличны от природы, не тождественны ей. Живопись не может переносить реальные цвета, она может только более или менее приблизительно копировать оттенок, который мы видим в природе. И проблема не в том, насколько талантлив художник, а в самой сути его работы.Цветовые среды, с которыми работает художник (масло, акварель, размер), действуют на наши глаза иначе, чем лучи света, придающие объектам разнообразные цвета. Как бы ни старался художник, он не может выйти за узкие рамки палитры. Она не может передать картине те цвета — ни по качеству, ни по количеству — которыми обладают предметы в действительности.

Фотография еще не воспроизводит точную окраску, но, по крайней мере, она не фальсифицирует объект, придавая ему неправильные цвета.И это преимущество, которое нельзя недооценивать.

Самые чувствительные и прогрессивные художники давно осознали, что точность цветопередачи — дело непростое и что принципы живописной окраски не идентичны принципам реальности. Поэтому они заявили: «Точность — не конечная цель».

Задача художника, конечно же, состоит не в том, чтобы показать объект таким, какой он есть, а в том, чтобы воссоздать его на картине в соответствии с другими, чисто живописными законами.Что нас волнует, как выглядит объект? Пусть этим займутся наблюдатели и фотографы, а мы, художники, делаем снимки, в которых природа не является предметом, а лишь первоначальным стимулом для идей. Художник не только имеет право изменять реальность, это фактически его долг; в остальном он не художник, а плохой переписчик — фотограф.

Жизнь не может быть изображена в картине, бессмысленно подражать ей; это означает, что он должен быть воссоздан на холсте отдельным живописным способом.Это идея, лежащая в основе теорий и школ живописи, которые возникли с середины 19 века под названиями импрессионизма, кубизма, супрематизма и многих других. Отказ художников от идеи воспроизведения природы обозначил решительный разрыв между фотографией и живописью. У них были отдельные задачи, которые нельзя было сравнивать. Каждый выполняет свою задачу. Фотограф запечатлевает жизнь, а художник снимает. Фотография вообще не передает цветов; картина придает объекту сознательно иной, нереальный цвет.Ситуация кажется ясной. Но здесь, в Советской России, можно наблюдать интересный художественный феномен, а именно попытку художников вернуть утраченные позиции и стремиться к воспроизведению действительности в русле фотографии. Это находит отражение в деятельности АХРР (Ассоциация художников изобразительного искусства революционной России). Социальные корни этого явления очевидны: во-первых, огромная потребность в визуальной записи новой жизни. Во-вторых, множество художников, которые отказались от своего стиля, потому что никто не хотел покупать их картины, и, в-третьих, гораздо менее художественно образованные покупатели, которые не различают точное воспроизведение объекта и его приближение.Попытка АХРР возродить так называемый живописный реализм совершенно безнадежна. Один из представителей АХРР сказал в ходе дискуссии: 4 Пока фотография не является достаточно развитой в этой стране, необходима реалистическая живопись ». Это« до тех пор, пока »в двух словах показывает, что означает работа АХРР. Пока у нас не будет достаточно автомобилей, нам придется ехать на телегах, запряженных лошадьми. Но рано или поздно мы поедем на автомобилях.

Осип Брик от Александра Роченко

Фотограф снимает жизнь и события дешевле, быстрее и точнее, чем художник.В этом его сила, его огромное социальное значение. И никакая устаревшая мазня его не пугает.

Но сами фотографы не осознают своей социальной значимости. Они знают, что выполняют необходимую важную задачу, но думают, что они всего лишь ремесленники, скромные работники, далекие от художников и художников. Фотограф впечатлен тем фактом, что художник работает не на заказ, а на себя, что картины представлены на больших выставках с днями лакировки, каталогами, музыкой, фуршетом и речами, этими длинными эссе, дающими точный анализ композиции, структура, манера письма и цветовая гамма написаны на каждой картине, у каждого художника, и что такие выставки считаются культурными событиями.Все это подтверждает его идею о том, что живопись — это настоящее искусство, а фотография — лишь незначительное ремесло.

Это объясняет мечту каждого фотографа добиться живописного эффекта на своих фотографиях. Это также объясняет попытки делать художественные фотографии и работать над ними так, чтобы они выглядели как репродукции картин.

Фотограф не понимает, что эта погоня за живописными взглядами и рабское подражание живописи разрушает его искусство и отнимает силу, на которой основана его социальная значимость.Он уходит от точного воспроизведения природы и подчиняется эстетическим законам, искажающим саму природу. Фотограф хочет добиться общественного признания, которым пользуется художник. Это совершенно нормальное желание. Но это достигается не фотографом, идущим вслед за художником, а, скорее, тем, что он противопоставляет свое искусство искусству художника. Если фотограф следует главному принципу своего ремесла, а именно умению точно запечатлеть природу, он, естественно, будет создавать вещи, которые будут иметь такое же сильное влияние на зрителя, как и картина художника, кем бы он ни был. быть.

Фотограф должен показать, что впечатляет не только жизнь, упорядоченная по эстетическим законам, но и сама живая повседневная жизнь, воплощенная в технически совершенной фотографии.

Борясь с эстетическим искажением природы, фотограф получает право на общественное признание, а не мучительно и бесполезно стараясь имитировать чуждые фотографии модели.

Это непростой путь, но единственный верный. Это непросто, потому что ни здесь, ни на Западе нет даже начала теории искусства фотографии, искусства создания качественных фотографий.Все, что пишется или говорится по этому поводу, сводится либо к серии технических советов и предписаний, либо к подсказкам о том, как добиться живописных эффектов, как сделать фотографию не похожей на фотографию.

И все же существуют художники и художники, которые отказались от живописи в пользу фотографии; люди, понимающие, что фотография имеет свою миссию, свои цели, свое развитие; Среди них есть те, кто уже добился определенных результатов в этой области.

Необходимо, чтобы эти люди каким-то образом обменивались своими взглядами, рассказывали друг другу о своем опыте, объединили свои силы в общих усилиях, общей битве против живописного элемента в фотографии и за новую независимую теорию искусства фотографии. законов живописи.В этом контексте особенно интересен опыт людей, которые раньше были художниками.

Бывшие папы и монахи являются наиболее убежденными борцами против религии. Никто лучше них не знает загадки церквей и монастырей. Лучшие борцы с живописным эстетизмом — бывшие художники. Никто лучше не знает секретов художественного творчества. Никто не может лучше разоблачить фальшь художественного воспроизведения действительности. Они сознательно отошли от живописи, они будут сознательно бороться за фотографию.Один из них — А. М. Родченко, когда-то блестящий художник, а сегодня увлеченный фотограф. Его фотоработы мало известны широкой публике, потому что они в основном экспериментальные. Публике обязательно нужны готовые продукты, но для профессиональных фотографов, для тех, кто интересуется развитием фотоискусства, знакомство с результатами Родченко просто необходимо.

Его главная задача — отойти от принципов живописной композиции фотографий и найти другие, в частности фотографические законы их создания и композиции.