Энди уорхол работы: Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

Содержание

Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ.

Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт

Икона поп-арта: самые известные работы Энди Уорхола

Картины Энди Уорхола сегодня входят в топы самых дорогих произведений искусства, они продаются за десятки миллионов долларов и выставляются в музеях по всему миру . Он сделал обыкновенную баночку кока-колы предметом искусства.

О нем снимали фильмы и писали книги. Однако собственная слава не принесла Энди Уорхолу ничего, кроме горя — расстрелянный поклонницей, он все же остался жив, но доживал свой век инвалидом.

Энди Уорхол – знаменитый американский художник, дизайнер, скульптор, продюсер, режиссер, писатель, издатель журналов, родоначальник идеологии «homouniversale» и автор работ, которые уже стали синонимом понятия коммерческий поп-арт.

Художник

 сделал искусство доступным широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей и понимать, что всё, что их окружает — прекрасно по своей сути.

Энди Уорхол родился 6 августа 1928 года в США, в семье иммигрантов из Словакии. С детства он был нелюдимым, в школе – изгоем. Андрей (именно так его назвали родители) с самого начала был не похож на остальных. Позже, когда он окончит Технологический институт, эта непохожесть станет его пропуском в богатую жизнь. Начинал он с рисования простых рекламных плакатов, затем работал в известных развлекательных изданиях (Vogue, Harper’s Bazaar). Со знаменитой рекламы обувной компании, где был изображен ботинок с нарисованными кляксами, началась карьера одного из родоначальников поп-арта.

Энди Уорхол многое привнес в современное искусство, он сделал его инструментом заработка, утверждая, что «успешный бизнес- это самое интересное в искусство в мире». Ему принадлежит идея изображать ,казалось бы, банальные вещи, превозносить в ранг великолепного обыденные предметы. Именно массовость его живописи и сделала его богатым и знаменитым. Ему принадлежит идея технологии шелкографии в картинах, увлечение кислотными оттенками красок.

Кроме картин, Энди искал себя в разных сферах. Быть может, и не искал вовсе, а просто старался делать деньги при любой возможности. Его фильмы были настоящей «одой скуке», как их нарекли критики. В них не происходило ровным счетом ничего, а длиться они могли по 25 часов. Самая известная работа – «Эмпайр», где в течение 5 часов показано Эмпайр Стейт Билдинг в Нью-Йорке в одном ракурсе. И больше ничего. В другой работе он просто заснял сон известного американского поэта Джона Джиорно. Уорхол сказал однажды: «Я заметил, что люди ходят в кино только для того, чтобы посмотреть на одного актера. И я предоставил им такую возможность».

Энди Уорхол любил повторять, что каждый имеет право на свои законные 15 минут славы. И это утверждение сыграло с ним злую шутку. Одна из его учениц открыто в него выстрелила 3 раза, после чего подошла к полисмену со словами «Я стреляла в Энди Уорхола». Тяжелая и сложная операция воскресила к жизни художника, но это происшествие навсегда подорвало его здоровье. Тем не менее, он не подал ни одной жалобы на девушку, совершившую покушение.

О жизни одного из величайших творцов и менеджеров современного искусства снято немало фильмов, написано много книг. Мы предлагаем вспомнить самые знаменитые работы Энди Уорхола.

1. Банка супа «Кэмпбелл», 1962

Эта картина, по мнению художника, была его лучшей работой. Началось всё с одной картины, потом родилась целая серия. В ней выражено стремление Уорхола раскрыть поверхностную суть вещей и дать возможность каждому понять, что утюг или пылесос так же прекрасны, как зеленые холмы или поляна с цветами.

Свою страсть к рисованию обыденного Уорхол объяснял очень просто: «Я работаю с тем, что мне нравится». А супы «Кэмпбелл» он действительно любил, поедал их прямо из банки. Эта картина уже после смерти Уорхола была продана за 24 миллиона долларов. Сам же автор в свое время, ни о чем не подозревая, продавал подобные по 100 баксов.

2. «Бирюзовая Мэрилин», 1964 

Свое вдохновение Энди Уорхол черпал из поп-культуры. В его наработках очень часто были представлены звезды 60-80-х годов. Однако главной музой художника была неподражаемая Монро. «Бирюзовую Мэрилин» творец создал спустя 2 года после смерти актрисы, выполнив свою работу в технике шелкографии. Картина была продана в 2007 году за 80 миллионов долларов.

3. «Авария железной машины», 1963

Эта картина относится к серии работ художника, на которых он, при помощи фотоснимков, отображал итоги трагических ДТП.

В основу «Аварии железной машины» легло транспортное происшествие, произошедшее в Сиэтле. Картина Уорхола была продана с молотка в 2007 году за 71,7 миллионов долларов.

4. «Мужчины в ее жизни», 1962


Картина создана по мотивам жизненных фотографий популярной актрисы Элизабет Тейлор в технике шелкографии. На полотне изображена не только Элизабет, но и Майкл Тоддс, Дебби Ренольдс и Эдди Фишер. Работа художника была продана в 2010 году за 63, 4 миллиона долларов.

5. «Пистолет», 1981-1982

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь — он получил три пулевых ранения в живот. Близкая встреча со смертью вдохновила новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе и знаменитого «Пистолета» — копией револьвера, из которого он чуть не был застрелен. На красном фоне изображено трафаретное изображение револьвера в черном и белом цветовых решениях. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

6.  «Банан», 1967

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground. Главным его вкладом стало создание обложки дебютного альбома The Velvet Underground and Nico. Именно на ней были впервые изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Peel slowly and see». А первые тиражи альбома были снабжены наклеенным на конверты желтым бананом, оторвав который, можно было обнаружить еще один фрукт – на этот раз розового цвета и очищенный.

7. «200 однодолларовых купюр», 1962

Уорхол рассказывал: «Я попросил несколько моих знакомых предложить темы для моих работ. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: «Слушай, а ты сам-то, что больше всего любишь?» Вот так я и начал рисовать деньги!». Энди Уорхол как пропагандист всего, что имеет характер массовости не смог обойти своим вниманием такую привычную для американца вещь, как однодоллоровая купюра.

Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. На картине нет ничего, кроме денег. Тем не менее, это произведение входит в число самых дорогих: оно было продано за 43,8 миллионов долларов. Тем самым Уорхол доказал свою главную идею «искусство – это прибыль, если оно хорошо продается».

8. «Восемь Элвисов», 1963

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 млн. долларов. Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить свою любимую тему в искусстве – тему бренности славы, монотонного повторения одинаковых образов и страха смерти. Выполнил Уорхол картину в своем любимом цвете – серебряном.

9. «Зеленые бутылки Кока-Колы», 1962

Что могло быть проще – просто изобразить всем известную бутылку? Но в этом и был весь секрет искусства Энди Уорхола – оно должно быть понятно каждому, а Кока-Колу пьют все: от президента до простого рабочего. Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость, и не прогадал. «В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные. Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу», – говорил он.

10. «Красный Ленин», 1987

От знаменитостей, которых Энди Уорхол рисовал очень часто, художник перешел к политикам. Одной из его поздних работ стала картина «Красный Ленин», которая до недавнего времени принадлежала Борису Березовскому. Еще до своей смерти олигарх продал произведение искусства и «Красный Ленин» ушел с молотка почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру. Изначально шелкографическая репродукция Уорхола оценивалась в 45-75 тысяч долларов.

11. «Королева Елизавета II», 1985

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы». В нее вошли также его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Дании – Маргрете II и Свазиленда – Нтомби Твала. Британская королева изображена на работах художника во Владимирской тиаре, принадлежавшей когда-то представительницам российского императорского дома Романовых. Недавно Елизавета II купила для Королевского собрания четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом.

12. «Че Гевара», 1968

Мало кто знает, что известная версия постера Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу. Дело в том, что его компаньон Джерард Маланга создал это произведение в стиле Уорхола, выдав работу за рисунок последнего ради прибыли. Но афера Герарда раскрылась и его ждала тюрьма. Тогда ситуацию спас Уорхол – он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи достанется ему.

По материалам locals, элайв, веселый жираф


✒️ Энди Уорхол: первая работа, шутки над журналистами и «пустое» искусство.

. | История Роскоши

«Если вы хотите знать все об Энди Уорхоле, просто посмотрите на поверхность моих картин, на меня и мои фильмы. За этим ничего нет». Энди Уорхол иронично называл себя самым завистливым человеком на свете, утверждая, что зависть — одно из главных чувств, заставляющее его что-то делать.

Когда Андрей Уорхола (Andrew Warhola) учился в 3м классе, его сразила тяжелая редкая болезнь нервной системы, из-за которой много месяцев был прикован к постели. Находясь в больнице, он любил рисовать и собирать коллажи, вырезая картинки из газет и журналов. Именно тогда он решил, что хочет стать художником рекламы. 

Его целью стал Мэдисон Авеню в Нью-Йорке — мекка американских рекламщиков (вспоминаем Дона Дрейпера). 20-летний Уорхол штурмовал все новые и новые агенства, но на работу его не брали: якобы, еще слишком молод для такой работы. н быстро покрасил свои волосы в седой цвет и спрятал глаза за темными очками. 

Скоро работы иллюстратора стали появляться в американских журналах. А его славатскую ФИО, стали писать «Энди Уорхол». Теперь он мечтает о карьере художника и вдохновляет его расцвет американского благополучия после Великой депрессии. 

Потребительская революция попала на холст: «Америка породила новую традицию потребления. Богатые покупают те же продукты, что и бедные. Coca Cola пьет президент, Элизабет Тейлор и (только подумай).. ты тоже!». 

Он поставил творчество на поток, создавая тысячи картин. Большинство работ Уорхола выполнены в технике шелкографии, которая позволяла быстро копировать одно и то же изображение. К искусству он подходил меркантильно: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. Я хочу быть бизнесменом искусства, или бизнес-художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства».

Он постоянно был в центре событий («Хочу ли я стать великим художником? Нет. Лучше уж я стану знаменитым»). Любил давать интервью и изводить журналистов. Стоило кому-то из них начать критиковать его работы Уорхола, как он начинал кричать: «Да-да. .именно так, правильно. Вы — гений!».

Энди уорхол картины банки. Не просто банка: главные работы Энди Уорхола

Об Энди Уорхоле говорят как о художнике, изменившем мир. О нем написаны десятки книг и снято не меньше фильмов. Из них можно узнать, что Андрей Вархола (настоящее имя художника) родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге в США в семье иммигрантов из Словакии. Еще, что он был болезненным, застенчивым, всю жизнь комплексовал по поводу своей внешности и даже сделал пластику носа, носил серебристые парики.

Тем не менее, ничто не помешало ему стать одним из самых известных художников в мире, снимать фильмы, создать культовую мастерскую «Фабрика», открыть ночной клуб, издавать собственный журнал «Интервью», запустить два телевизионных шоу и раскручивать андеграундных музыкантов. Поворотной в творчестве Уорхола стала работа «Банки с супом Кэмпбелл». После нее к художнику пришла слава, о которой он давно мечтал.

Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл», 1962

После учебы в Технологическом институте Карнеги Уорхол в 1949 году переехал в Нью-Йорк. Он работал чуть ли не сутки напролет. Сначала оформлял витрины магазинов, рисовал для глянцевых журналов. Уорхол быстро стал одним из самых известных коммерческих иллюстраторов и зарабатывал около ста тысяч долларов в год. В конце 50-х в Америке стало набирать популярность направление поп-арта. Энди тоже делал работы в этом стиле, но его первая выставка в Нью-Йорке в 1958 году осталась практически незамеченной. В то время как работы молодых художников Роберта Раушенберга и Роя Лихтенштейна расходились как горячие пирожки.

Уорхол переживал, что его не принимают в мире высокого искусства. Он пытался работать с тем же Лихтенштейном, но Энди дали понять, что коммерческому иллюстратору не место в искусстве. Тогда Уорхол взял творческий отпуск и начал усиленно придумывать идеи, художник хотел сделать «что-то, что будет ни на что не похоже». Он рисовал героев мультиков, клал холсты на тротуары, чтобы на них оставались отпечатки от обуви людей, смешивал краски в самых немыслимых цветовых сочетаниях… До сих пор нет однозначного мнения, кто подсказал Энди нарисовать банки с супом «Кэмпбелл». Ему предложили рисовать то, что он любит сам. Так появились работы со сто долларами и банки с супом. Как говорил Уорхол, суп он ел на обед каждый день на протяжении 20 лет.

Энди отправил в магазин свою маму Юлию (она на тот момент жила с художником и во многом ему помогала), чтобы она купила все 32 банки разных видов супа «Кэмпбелл», которые на тот момент выпускались. Целый год Энди отрабатывал стиль изображения банок до совершенства. В итоге он сделал 32 живописных полотна, каждое из которых было в высоту 51 см и в ширину 41 см. С супом художник сделал цикл работ в технике живописи и шелкографии.

Уорхолу предложили выставить нарисованные банки с супом в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Выставка прошла 9 июля 1962 года. После нее об Энди заговорили как о художнике, который делает не только коммерческое искусство. Критики сходились во мнении, что работы Уорхола отражают безликость и пошлость массового потребления. Пришедшие на выставку говорили, что банки с супом произвели на них сильное впечатление.

На волне бурных обсуждений своей выставки Энди Уорхол окончательно определился, что будет работать в направлении поп-арта. Стоимость его работ из-за скандальной репутации Энди, которую он все время подогревал, была самой высокой среди американских художников того времени. Уорхол сделал множество известных во всем мире работ, но именно «Банки с супом Кэмпбелл» всегда считал самой удачной. Эта работа сейчас хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

7 интересных фактов об Энди Уорхоле

1 . Художник всегда носил с собой диктофон и мог включить его в любой момент.

2 . Уорхол был волонтером в приюте для бездомных в Нью-Йорке.

3 . Считается, что Энди Уорхол первым придумал жанр арт-видео.

4 . Близкие друзья прозвали Уорхола Drella. Это синтез двух слов«Dracula» и «Cinderella» (Золушка).

5 . Уорхол снял около 60 фильмов. Самая первая его работа «Сон» длилась шесть часов. Из девяти людей, пришедших на премьеру, семь смогли досидеть до конца.

6 . В 1968 году Уорхол чуть не погиб. Феминистка и тусовщица «Фабрики» Валери Соланс после того, как Энди отверг ее сценарий, выстрелила в него три раза. Художник пережил клиническую смерть. Это происшествие сильно на него повлияло. Он стал ходить в церковь чуть ли не каждый день. Правда, многие друзья о религиозности художника не знали до самой его смерти.

7 . Уорхол скончался в 1987 году от остановки сердца после операции на желчном пузыре. Его похоронили вместе с номером журнала «Интервью» и флаконом его любимых духов от Estee Lauder.

Сюжет

Говоришь Уорхол — подразумеваешь бесконечный репринт. История с упаковкой супа Кэмпбелл началась в 1960-м с изображения одной банки и закончилась через два года двумя сотнями картинок. В промежутке был вариант из 32 копий.

Первая работа была посвящена рисово-томатному супу — самому популярному — и выполнена в технике живописи. Все последующие вариации созданы в технике, которая сделала Уорхолу имя, — шелкография. Именно она позволяла ему штамповать за день десятки копий одного сюжета.

«32 банки супа Кэмпбелл». (wikimedia.org)

Когда Уорхол впервые представил картину, каждое из изображений лежало на полке, как если бы это были настоящие банки в супермаркете. Их количество соответствовало числу вкусов, которые тогда могла предложить компания Кэмпбелл. И каждая картинка обладала своим запахом, который подтверждал название — что на коробке, то и в коробке.

Контекст

Современники назвали работу с упаковкой супов отражением пошлости и бездуховности культуры массового потребления. В это охотно верится, если не знать, что сам Уорхол был фанатом потребления. И его творчество — гимн потребительской эпохе. Селебрити, политики, деньги, товары — все лишь объекты потребления.

Уорхол сам выбирал объекты для тиражирования. Суп Кэмпбелл был дешевым и популярным, особенно в среде бедных людей, откуда вышел и художник. Человек, воспитанный на супах быстрого приготовления, либо сдается, либо протестует. Уорхол дошел до того, что превратил идолов в своего рода суп: многократно повторенный, разжеванный образ быстро готовится, легко продается, с удовольствием потребляется и вызывает привыкание.


Портреты Монро. (wikimedia.org)

Энди создал Джоконду XX века — изображение Мэрилин Монро. Первую работу он выполнил вскоре после ее смерти, а затем сделал многочисленные репринты. Это одновременно возносило ее фото до уровня иконы и низвергало до уровня листовок. Очень дорогих листовок. И так Уорхол поступал со всеми.

Судьба художника

Ненасытная жажда потребления — это отчасти следствие нищего детства. Энди родился в многодетной семье иммигрантов, жизнь была непростой. Ребенком он перенес несколько серьезных болезней, из-за которых был вынужден много времени провести в постели. В результате Уорхол вырос мнительным, закомплексованным, боящимся врачей. В юности он перекрасил волосы в седой: он хотел выглядеть, как старик, думать, как старик, и жить, как старик. Но все вышло с точностью до наоборот.


Автопортрет, 1966. (wikimedia.org)

Отучившись на графического дизайнера, он отправился в Нью-Йорк, где занялся рекламой: рисовал иллюстрации, плакаты, оформлял витрины. Предлагаемые им образы были дерзкими, провокационными и … работающими. Его реклама продвигала товары. Вскоре Уорхол смог от ремесла перейти к творчеству.

Он смог соединить индустрию рекламы и искусство. Шелкография, которую Уорхол стал использовать для создания арт-объектов, позволила реализовать его идею: искусство надо производить массово. Понятия высокого и низкого были нивелированы.


Уорхол в мастерской. (wikimedia.org)

Свою мастерскую он организовал по принципу Содома и Гоморры. Вечеринки с алкоголем, наркотиками, оргиями не прекращались. Контора работал под вывеской «Фабрика» и занимала особняк на Манхэттене. Почти все, кто так или иначе сотрудничали с Уорхолом, подсаживались на наркотики разной степени тяжести. Художник делал это специально: низводил людей до уровня животных, наблюдал за ними и в очередной раз демонстрировал, что те, кто считают себя людьми, личностями, таковыми не являются.

Параллельно с вечным «праздником» «Фабрика» производила искусство. Это была и реализация Уорхола, и его пощечина общественному вкусу, которому привычны уникальные арт-произведения, создаваемые долго и мучительно. Уорхол своим тиражированием запустил новый тренд: искусство всегда должно быть на полке, уникальность больше не интересует, даже упаковка может быть шедевром, стоящим тысячи и даже миллионы долларов.

Энди Уорхол – культовая фигура 1960-х годов. Он стал тем, кто нивелировал понятия высокого и низкого искусства. С его подачи изображения этикеток дешевого супа стали стоить миллионы, а изображения кумиров опустили до уровня листовок. Искусство стало товаром массового потребления.

Title=»Энди Уорхол (Andy Warhol) —
значимая персона в поп-арт-движении. | Фото: blogarch.artconnect.com.» border=»0″ vspace=»5″>

Энди Уорхол (Andy Warhol) —
значимая персона в поп-арт-движении. | Фото: blogarch.artconnect.com.


Энди Уорхол начинал свою карьеру с должности иллюстратора журнала Vogue и оформителя витрин. Через некоторое время компания «Coca-Cola» заказала ему создать дизайн банок для напитка. Это принесло Уорхолу доход в 100 тысяч долларов в год.

В 1960 году мастер выпустил серию картин с изображением консервной банки с супом Кэмпбелл (Campbell’s Soup Can). Эти работы были выполнены в технике шелкографии (трафаретная печать). Именно так Энди Уорхол мог штамповать по несколько десятков изображений за короткое время.

Когда художник представил картины с изображением упаковки, на него обрушился шквал комментариев. Одни назвали подобное «художество» пошлым, бездарным, другие считали его уникальным. Своим творчеством Энди Уорхол смешал воедино высокое искусство и товары массового потребления. Изображение упаковки дешевого супа стало настоящим символом эпохи 1960-х.

Все творчество Уорхола – это гимн культуре массового потребления. Ему нравилось низвергать кумиров. Именно так появилось знаменитое изображение Мэрилин Монро. Метод трафаретной печати поставил искусство на коммерческую основу. Оно стало доступно для всех.

Биографы Энди Уорхода считают, что неуемное желание потребления стало следствием нищеты в детстве. Художник рос закомплексованным мальчиком, не мог найти общий язык со сверстниками. В молодости он красил волосы в седой оттенок, чтобы казаться старше.

Когда же к Энди Уорхолу пришла слава, он приобрел здание на Манхэттене и назвал его «Фабрика». Там все было устроено по принципу вседозволенности. Алкоголь, наркотики, веселье – люди могли неделями не выходить оттуда. Художнику нравилось наблюдать, как люди опускались до уровня животных. Так он в очередной раз подтверждал свое убеждение о том, что высокое и низкое можно легко нивелировать.

Сегодня исполняется 86 лет со дня рождения Энди Уорхола – знаменитого американского художника, дизайнера, скульптора, продюсера, режиссера, писателя, издателя журналов, родоначальника идеологии «homouniversale» и автора работ, которые уже стали синонимом понятия коммерческий поп-арт. Энди Уорхол сделал искусство доступным широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей и понимать, что всё, что их окружает – прекрасно по своей сути. По случаю дня рождения гения-провокатора мы вспомнили 10 самых известных его работ.

1. Диптих Мэрилин

Диптих Мэрилин, 1962

Полотно было написано сразу после смерти Мэрилин Монро. Энди Уорхол соединил две картины: пятьдесят грубо раскрашенных растиражированных портретов актрисы и точно такую же, но черно-белую. На втором полотне большинство портретов плохо видны или смазаны. Таким образом, художнику удалось показать облик смерти, преследовавший Мэрилин, и подчеркнуть контраст с ее жизнью. Сейчас картина находится в Лондоне, в Галерее Тейт.

2. Банка супа «Кэмпбелл»

Банка супа «Кэмпбелл», 1962

Эта картина, по мнению художника, была его лучшей работой. Началось всё с одной картины, потом родилась целая серия. В ней выражено стремление Уорхола раскрыть поверхностную суть вещей и дать возможность каждому понять, что утюг или пылесос так же прекрасны, как зеленые холмы или поляна с цветами. Свою страсть к рисованию обыденного Уорхол объяснял очень просто: «Я работаю с тем, что мне нравится». А супы «Кэмпбелл» он действительно любил, поедал их прямо из банки. Эта картина уже после смерти Уорхола была продана за 24 миллиона долларов. Сам же автор в свое время, ни о чем не подозревая, продавал подобные по 100 баксов.

3. Пистолет

Пистолет, 1981-1982

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь – он получил три пулевых ранения в живот. Близкая встреча со смертью вдохновила новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе и знаменитого «Пистолета» – копией револьвера, из которого он чуть не был застрелен. На красном фоне изображено трафаретное изображение револьвера в черном и белом цветовых решениях. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

4. Банан

Банан, 1967

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground. Главным его вкладом стало создание обложки дебютного альбома The Velvet Underground and Nico. Именно на ней были впервые изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Peel slowly and see». А первые тиражи альбома были снабжены наклеенным на конверты желтым бананом, оторвав который, можно было обнаружить еще один фрукт – на этот раз розового цвета и очищенный.

5. 200 однодолларовых купюр

200 однодолларовых купюр, 1962

Уорхол рассказывал: «Я попросил несколько моих знакомых предложить темы для моих работ. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: «Слушай, а ты сам-то, что больше всего любишь?» Вот так я и начал рисовать деньги!». Энди Уорхол как пропагандист всего, что имеет характер массовости не смог обойти своим вниманием такую привычную для американца вещь, как однодоллоровая купюра. Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. На картине нет ничего, кроме денег. Тем не менее, это произведение входит в число самых дорогих: оно было продано за 43,8 миллионов долларов. Тем самым Уорхол доказал свою главную идею «искусство – это прибыль, если оно хорошо продается».

6. Восемь Элвисов

Восемь Элвисов, 1963

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 млн. долларов. Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить свою любимую тему в искусстве – тему бренности славы, монотонного повторения одинаковых образов и страха смерти. Выполнил Уорхол картину в своем любимом цвете – серебряном.

7. Зеленые бутылки Кока-Колы

Зеленые бутылки Кока-Колы, 1962

Что могло быть проще – просто изобразить всем известную бутылку? Но в этом и был весь секрет искусства Энди Уорхола – оно должно быть понятно каждому, а Кока-Колу пьют все: от президента до простого рабочего. Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость, и не прогадал. «В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные. Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу», – говорил он.

8. Красный Ленин

Красный Ленин, 1987

От знаменитостей, которых Энди Уорхол рисовал очень часто, художник перешел к политикам. Одной из его поздних работ стала картина «Красный Ленин», которая до недавнего времени принадлежала Борису Березовскому. Еще до своей смерти олигарх продал произведение искусства и «Красный Ленин» ушел с молотка почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру. Изначально шелкографическая репродукция Уорхола оценивалась в 45-75 тысяч долларов.

9. Королева Елизавета II

Королева Елизавета II, 1985

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы». В нее вошли также его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Дании – Маргрете II и Свазиленда – Нтомби Твала. Британская королева изображена на работах художника во Владимирской тиаре, принадлежавшей когда-то представительницам российского императорского дома Романовых. Недавно Елизавета II купила для Королевского собрания четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом.

10. Че Гевара

Че Гевара, 1968

Мало кто знает, что известная версия постера Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу. Дело в том, что его компаньон Джерард Маланга создал это произведение в стиле Уорхола, выдав работу за рисунок последнего ради прибыли. Но афера Герарда раскрылась и его ждала тюрьма. Тогда ситуацию спас Уорхол – он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи достанется ему.

Сегодня, 5 апреля, празднуется День супа. Да-да, этого прекрасного, всем с детства знакомого, многим любимого и одновременно ненавистного «первого» блюда.
Само блюдо «суп» вобрало в себя много культурных моментов той или иной эпохи или страны, поэтому суп отразился не только в истории и культуре, но и в искусстве. И, когда начинаешь об этом размышлять, первое, что приходит в голову — это, конечно, Энди Уорхол и его знаменитая шелкография «Банки супа „Кэмпбелл“» . Этому и посвящен мой пост.

Энди Уорхол, знаменитый король поп-арта, прославился «заигрываниями» с жестяными банками супов «Campbell`s», которым, по его собственному заверению, в детстве и отрочестве кормила его мать. Конечно, Уорхол (помимо короля поп-арта) был еще мастером эпатажа, поэтому мы будем верить не всем его словам. Но то, что суп «Cambell`s» был знаком каждому американцу, подтверждает следующая история: Муриэль Лэтоу, декоратор и владелец арт-галереи в Манхеттене однажды сказала Уорхолу, что он должен нарисовать «что-то, что ты видишь каждый день и что-то, что все бы узнали. Что-то типа банки супа «Кэмпбелл»». Говорят, что Уорхол ответил: «Ох, это звучит восхитительно!», и ушел на следующий день в магазин за ящиком супов.
Что ж это за зверь такой — супы в жестяных банках фирмы «Campbell`s»? Wiki пишет, что это крупнейший мировой производитель консервированных супов, макаронов, готовых блюд, соков, бисквитов. Компания семейная, основана в 1869 году Джозефом Кэмпбеллом и Абрахамом Андерсоном. Отлично, но нам ничего особенного не говорит, кроме того, что почти сто лет до появления шелкографий прочно развивалась на американском рынке

А мы вернемся к Энди.

Существует несколько предположений о том, как в голову начинающего художника пришла идея о создании «консервного» полотна. Официальная версия гласит, что рожденный в бедной иммигрантской семье Уорхол в детстве часто был вынужден есть воспетый им впоследствии консервированный суп. Повзрослев и впитав широко распространенные тогда идеи нео-дадаизма (направления в искусстве и литературе, признающего бессмысленность существования), Энди попытался отразить свои убеждения в работе. По его собственным словам, картина представляет собой «сущность ничтожности». Уорхол так ненавидел этот суп, что не мог не излить столь сильные чувства в творчестве. Другая версия (предлагаемая Тедом Кэри, близким другом Уорхола), гласит, что великий мастер эпатажа купил идею столь неоднозначного проекта у знакомого галериста за 50$. В 1985 году в интервью журналу «Face» мэтр упомянул, что у его матери было хобби изготовлять из консервных банок цветы, из-за чего в доме всегда можно было найти жестянки из-под супа. Это заявление моментально породило слухи об участии старшей Уорхол в творении сына. Так или иначе, мы получили прекрасный арт-объект, стремительно ворвавшийся с мир искусства и повлиявший на множество светлых умов. :)))

Первые супы «Campbell» в его исполнении появились в 1962. Они были исполнены в технике шелкографии, всего 32 картины с идентичными банками. Они располагались на стене в ряд, как на витрине магазина.


Критики сразу разглядели Уорхола и стали утверждать, что работы молодого художника вскрывают пустоту, пошлость и безликость культуры массового потребления, когда образ вещи (мистический и глобальный) довлеет над самой вещью. Таким образом, обыкновенные банки с супом превратились в объект искусства. Так поп-арт прочно вошел в массовую культуру, став самой яркой ее частью. А супы «Кэмбелл» превратились в «визитную карточку» Энди Уорхола. Художник возвращался к этому продукту еще несколько раз. В 70-е он красил их в психоделические цвета, а в 80-е использовал в своих ретроспективах.
Супы Энди Уорхола были так популярны (как и сама его личность), что в мае 1969 года они вместе со своим создателем появились на обложке Esquire. Энди тонет в своем же творении, таким образом символизируя упадок поп-арта. Это одна из знаковых обложек XX в.
В 2012 году компания Campbell Soup Company почтила работы великого Энди и выпустила серию банок супа в психоделических цветах и с цитатами самого Уорхола, отметив 50-летие появления полотен художника.
В России супа «Кэмбелл» не продается. Ну что поделать, не едим мы консервированные супы. Мы и обыкновенные-то едим через раз! :)) Но, тем не менее, есть прекрасная история о том, как Энди Уорхолл в 1985 году передал банки супа «Кэмбелл» и другие подарки со своим автографами ленинградским художникам и музыкантам. Именные подарки от Энди Уорхола тогда получили Сергей Курехин, Тимур Новиков, Виктор Цой, Сергей Бугаев Африка, Георгий Гурьянов, Олег Котельников и Борис Гребенщиков. Все они в то время входили в состав организованной ими Новой Академии Всяческих Искусств, на собрании которой они приняли решение о присуждении Энди Уорхолу звания академика. Тогда же (в январе 1986 г.) была произведена в галерее «АССА» первая квартирная выставка Энди Уорхола в СССР.

Подробнее об этой чудной истории можно почитать

Заканчивая рассказ о супах в искусстве и Энди Уорхоле необходимо упомянуть, что по итогам 2012 года Энди Урхол стал самый продаваемым художником в мире, а его «Большая банка супа Кэмпбелл с открывашкой» ушла по рекордной цене в 23,9 млн долларов.

Безусловно, сама фигура Энди, его влияние на искусство, его мысли, образ и поступки — все это крайне интересная огромная тема, которая, к сожалению не является предметом моего постика.:(((

Энди Уорхол, энди уорхол работы, энди уорхол джинсы

Просыпаясь каждое утро, он думал: «Вот, опять всё сначала», – и продолжал производить искусство, а вместе с ним – сенсации. Да, именно «производить»! Не зря же Энди Уорхол свою арт-студию на Манхеттене небрежно назвал «Фабрикой» (The Factory), а имя превратил в бренд. Слово «бренд» определённо подходило этому мастеру эпатажа, ведь именно он довёл коммерческий поп-арт до абсолютных форм и фактически создал серию этикеток для реальных объектов, принадлежащих обществу потребления 60-70-х годов.

Создал он немало: начиная от изображений банок Coca-Cola и супа Campbell’s, и заканчивая портретами культовых звёзд, среди которых числились Мик Джаггер, Майкл Джексон, Элвис Пресли, Мэрилин Монро, Мухаммед Али и ещё много других. Пожалуй, единственное, чего ему не удалось создать, о чём он сожалел, – это джинсы Levi’s.

На первый взгляд, джинсы были и остаются простой вещью, но для Уорхола они стали частью системы знаков, определяющих своё время. Энди был уверен, что никто не создаст ничего лучше «настоящих джинсов». Для него они были вещью в себе, которая приобретала свою значимость только после того, как они становились изрядно поношенными, очень личными. Энди восхищался крошечным кармашком на джинсах Levi’s, как будто бы предназначенным для монеты в двадцать долларов. А ведь и правда, было в этом что-то очень американское. К тому же, Уорхол мечтал именно о том, чтобы изобрести что-нибудь настолько же массовое, как джинсы, чтобы его помнили. В этом была для него суть поп-арта, неразрывно связанного с массовой культурой.

Однако, и сам поп-арт можно было считать тем вечным, принадлежащим руке Уорхола, с помощью которого ему удалось увековечить вышеупомянутые джинсы. Так, например, Уорхол оформил обложку для альбома Rolling Stones «Sticky Fingers», вышедшего в 1971 году. Снимок на обложке изображал нижнюю часть тела мужчины в джинсах. Многие полагали, что моделью для обложки был сам Мик Джаггер, однако часто речь шла о том, что это был завсегдатай «Фабрики» Джо Даллесандро. Также джинсы появлялись и в его работах «Тройной Элвис» и «10 Элвисов». Хотя, конечно, это всё не было первичным, а всего лишь копиями реального мира.

Тем не менее, Энди удалось заочно поучаствовать в создании моды, в том числе и джинсовой, когда через 20 лет после смерти мастера в 2007 году компания Pepe Jeans получила лицензию на использование изображений Энди Уорхола и стала создавать эксклюзивные модели одежды и аксессуаров под своим брендом. Среди этих вещей с портретами Мэрилин Монро, Твигги, Джеки Кеннеди и другими работами Энди были также и джинсы, стать создателем которых он мечтал.

Автор статьи: Нонна Довбыш

Комментарии

Подлинник или подделка: почему выставка работ Энди Уорхола в Москве вызвала скандал

Среди закрытых по указу мэра временных выставок оказалась и «Я, Энди Уорхол» в здании Новой Третьяковки. Порядка 200 работ, отобранных итальянским куратором Джанни Меркурио, — формально все, что ожидает увидеть зритель в связи с именем Уорхола, — портреты Мэрилин Монро, Мао и Ленина, изображения банок супа Campbell’s, обложки альбомов группы Velvet Underground, шелкографии с цветами, авариями и сценами казни на электрическом стуле. С момента открытия выставки заговорили о подделках, о неясном происхождении работ. Третьяковка тут же сообщила, что Уорхол «не ее», выставка идет в залах, принадлежащих Союзу художников России, а официальный организатор — АНО «Площадь искусств».

Как только начались упреки, этикетки на выставке заменили более подробными. Оказалось, что большинство работ предоставлены частными коллекционерами или малоизвестными европейскими институциями. Выставка совпала по времени с ретроспективой Уорхола в лондонской Тейт Модерн. Там, в отличие от московского проекта, были представлены работы из питтсбургского музея — «святая святых» наследия Уорхола, где ему отведены семь этажей. В Москве работы из американских собраний показать не смогли, потому что музейного обмена между Россией и США не существует вот уже 10 лет. Впрочем, этикетки с провенансом «из музея Zoya (Словакия)» или «из частной коллекции (Италия)» в Лондоне, как и в Москве, встречались довольно часто. В частности, в вину организаторам ставилась присутствующая в пресс-релизе приписка о том, что «выставка организована совместно с Союзом художников России и в сотрудничестве с The Andy Warhol Museum и The Andy Warhol Foundation». Фонд Уорхола свою причастность к выставке отрицает: «Фонд не предоставлял работы для данной выставки, не является ее спонсором и никак иначе напрямую с ней не связан. Наше агентство ARS предоставило право на репродукцию работ, приписываемых Уорхолу. Политика фонда заключается в том, что он не высказывает публичного мнения о такого рода произведениях».

Организатор выставки Александр Начкебия объясняет это так: «Это стандартный ответ фонда, который является правдой. Фонд лицензирует использование изображений работ художника в коммерческих целях. Чтобы провести выставку, нужна реклама, поэтому мы обратились в фонд и попросили права на использование изображения работы «Мэрилин» в наружной рекламе и получили их через агентство ARS. Мы также обратились в Музей Уорхола, чтобы приобрести обои для выставки и права на видео. Что касается критики, это голословные обвинения, за которыми нет никаких фактов, в них нет смысла. Их источник — анонимные Telegram-каналы, за ними стоят люди, которых невозможно привлечь к ответственности. Вбросив эту информацию, они пропали со сцены. Аутентификацией работ занимался куратор, который собрал прекрасную коллекцию. Все работы подтверждены историей, сертификатами и провенансом. Мы не музей, и, грубо говоря, взять диптих «Мэрилин» из галереи Тейт мы просто не можем. Такие работы путешествуют только между музеями. Наша выставка — образовательная. Ее задача — показать глубину таланта художника, вызвать интерес».

Реклама на Forbes

Кто прав и в чем виноват сам Уорхол

Так на чьей же стороне правда? Для ответа на этот вопрос стоит напомнить, что в 1995–2011 годах работал учрежденный фондом совет по аутентификации произведений Уорхола. За время его существования эксперты отсмотрели более 6500 работ, признав фальшивками порядка 20%. Казалось бы, это должно идти на пользу рынку, но после череды громких судебных разбирательств совет был упразднен, а фонд до сих пор чурается вопросов о подлинности работ Уорхола, отсылая всех интересующихся к каталогу-резоне (научное исследование, включающее все известные произведения художника. — Forbes Life). При этом всего год спустя после закрытия совета Фонд Уорхола объявил о намерении выставить на продажу 20 000 произведений художника в течение ближайших лет. Почти одновременное упразднение совета и выброс на рынок такого массива работ — это шаги, которые заставляют задуматься, какие же интересы на самом деле преследует фонд.

С другой стороны, Уорхол и сам был знатным мистификатором, сознательно стирающим границы между правдой и вымыслом, искусством и конвейерным производством. Сегодня его одновременно считают аналогом индекса Доу-Джонса для всего арт-рынка и самым непредсказуемым в плане стоимости работ автором. На протяжении пяти последних лет жизни художника средняя цена на его работы на торгах составляла порядка $39 240, а в течение пяти лет после его смерти держалась на отметке $86 200 — в два раза больше. Если сравнивать те же периоды (5 лет до и 5 лет после смерти Уорхола) в плане оборота произведений Уорхола на аукционном рынке, то выяснится, что он вырос не в два, а в целых пять раз, достигнув отметки в $3,5 млн. Совсем недавно, в мае этого года Уорхол стал самым продаваемым автором, согласно данным Artnet. И это притом что престижные вечерние торги, на которых его работы обычно продаются за десятки миллионов, были отменены или перенесены. Ситуацию спасли онлайн-аукционы с принтами и фотографиями. Уникальность рынка работ Уорхола в том, что он представлен во всех ценовых сегментах, включая самый низкий, где преобладают тиражные работы. Именно они чаще всего вызывают вопросы.

Тиражность и подлинность: в чем подвох

Уорхол действительно самый подделываемый американский автор. Во многом эту ситуацию еще при жизни художник спровоцировал сам. Следует различать «подлинность» и «тиражность» его работ. Тиражность была неотъемлемой частью художественного метода Уорхола: отдельные произведения создавались сотнями экземпляров. Заимствуя образы массовой культуры и критикуя общество потребления, Уорхол наладил собственный арт-конвейер, создав в 1963 году «Фабрику» — студийное пространство, где, помимо самого художника, трудились его ассистенты, были оборудованы кино- и концертные площадки, а также закрытый клуб для избранных.

Уорхол часто подчеркивал, что значимость самих работ для него вторична, своим главным произведением он, как и Сальвадор Дали, считал легенду о себе, свой образ. Он любил вспоминать о том, как в 1965 году на открытие выставки в Филадельфии было приглашено так много народу, что экспонаты пришлось убрать. Уорхол восхищался этим вернисажем: «Искусства не было, им были мы сами».

Милтон Эстероу, журналист, бывший редактор и издатель ARTNews комментирует эту ситуацию так: «На рынке поддельных принтов сегодня преобладают работы, ошибочно приписываемые Уорхолу. Чаще всего подделки имитируют две наиболее известные лимитированные серии — это портреты Мэрилин Монро и изображения цветов. Оригинальный принт «Мэрилин» может стоить до $300 000. Некоторые дилеры говорят о том, что сегодня поддельных работ Уорхола на рынке больше, чем настоящих. Один из них признается: «Иногда встречаются поразительные подделки, настолько они хороши. Порой я смотрю на работу три-четыре дня, прежде чем понимаю, что с ней что-то не так».

Кто эксперт по Уорхолу

Совет по аутентификации произведений Уорхола из шести экспертов был создан в 1995 году, чтобы обезопасить рынок от подделок и выносить решения по спорным вопросам. Он долгое время считался главным и крайне строгим авторитетом по вопросам подлинности работ Уорхола. Но за время своего существования совет не только не внес ясность в наследие Уорхола, но и породил вереницу громких судебных процессов. Решения выносились в закрытом порядке, а вердикт объявлялся безо всяких объяснений. Проходившему проверку произведению просто присваивалась одна из трех категорий: «A» (работа Энди Уорхола), «B» (работа не Энди Уорхола) или «C» (спорная работа). Маркировки «B» и «С» по факту ставили крест на выставочной и аукционной судьбе произведения. Довольно часто совет мог менять свое решение относительно одной и той же работы, нередко — в течение нескольких месяцев. В результате в 2012 году, после очередного громкого судебного разбирательства, совет был упразднен. Но случаи из его практики позволяют составить представление о том, насколько зыбкие границы между понятиями «подлинник» и «подделка» в творчестве Уорхола.

Один из самых показательных случаев — история с «долларовой» картиной. В дневниках Уорхола есть запись о том, как в апреле 1986 года он был приглашен на вечеринку по случаю дня рождения светского льва и завсегдатая «Фабрики» Сэма Болтона. В качестве подарка художник преподнес имениннику холст, который он заклеил настоящими долларовыми банкнотами и подписал. Впоследствии Болтон продал работу, а новый владелец отнес ее на экспертизу в совет. Там картина получила отметку «B» (работа не Энди Уорхола). Документальные подтверждения и свидетельства очевидцев не произвели впечатления на экспертов совета. Но в случае с «долларовой» работой эксперты в виде исключения согласились дать пояснения. Оказалось, что на банкнотах, приклеенных скотчем, стоит подпись секретаря Казначейства США, который вступил в должность в 1988 году, то есть два года спустя после создания работы. Болтон клятвенно уверял владельца, что не менял банкноты, но делу это не помогло. Картина была отвергнута советом, который принял однозначное решение в извечном вопросе о том, что важнее — концепт или фактическое исполнение.

В истории совета существовали и обратные казусы. Например, в 2005 году Джерард Маланга, работавший ассистентом на «Фабрике», подал в суд на художника Джона Чемберлена, которому принадлежала работа Уорхола «315 Джонов» с изображениями самого Чемберлена. Подлинность картины была подтверждена советом. Однако Маланга утверждал, что выполнил ее не Уорхол, а он сам. Незадолго до начала слушаний по делу стороны в конфиденциальном порядке пришли к мирному соглашению.

Как определить подлинник Уорхола

Главный признак, по которому эксперты судят о подлинности той или иной работы Уорхола, — его подпись. Известно, что со временем менялся не только почерк художника, но и его манера подписи — на одних работах полностью проставлены имя и фамилия, а на других только инициалы; одни подписаны вручную, а другие проштампованы. Сопоставляя эти детали с конкретным временным периодом, можно отсеять порядочную часть грубых фальшивок. Но окончательной гарантии это, разумеется, не дает. В конце концов, все творчество Уорхола — это вопрос о том, что настоящее искусство, а что — нет.

Уорхол любил делать подарки. Мог набросать что-то на клочке бумаги, подписать и подарить понравившемуся юноше. Можно ли считать это рисунком? Безусловно. Получил бы такой артефакт отметку «А» у совета? Вряд ли. Работая со сторонними типографиями, Уорхол получал пробники для утверждения. При этом он нередко расписывался на них по просьбе печатника и даже использовал их в качестве частичной оплаты. Можно ли считать такие вещи законченными работами? Вряд ли. Продаются ли они на рынке? Безусловно.

Адвокат, партнер коллегии адвокатов «Делькредере» Анастасия Тараданкина считает, что подлинность Уорхола не может определяться только по стандартным критериям: «Обычно самыми важными доказательствами при проверке подлинности картины и подтверждения авторства является экспертиза. Но в таких случаях, как с Уорхолом, экспертиз явно недостаточно, ведь и холсты, и краску, используемую им для работ, в отличие от работ старых мастеров, можно легко достать, а технику — повторить. Поэтому особенно важными становятся доказательства провенанса, то есть истории создания и жизни картины, например письма и записи художника и его близкого окружения с упоминанием работы, подтверждения ее экспонирования на выставках, документы, подтверждающие ее хранение в музеях, перепродажи».

Что делать, когда единого эксперта нет

Сейчас, в отсутствие единого оценщика, коллекционеры самостоятельно занимаются поиском экспертов по творчеству Уорхола, вызывающих у них доверие. Чаще всего это люди, которые знали художника лично или профессионально работают с его наследием. Настольной книгой любого эксперта считается каталог-резоне. Принтам посвящено отдельное издание, в котором описано более 1700 работ, напечатанных различным тиражом (чаще всего — порядка 200 экземпляров). При этом простое умножение не даст представления о том, сколько тиражных работ существует на рынке. Этой цифры не назовет ни один специалист. Посвященный живописи, скульптурам и другим работам каталог за 1948–1987 годы насчитывает порядка 15 000 произведений. Этот пятитомник выходил постепенно, с 2010 по 2018 год. Любопытно, что по мере публикации объем аукционных продаж Уорхола существенно снижался. Пик предложения пришелся на 2013 год, когда на торги было выставлено в общей сложности 2300 работ. Тогда в аукционных каталогах под одной обложкой можно было увидеть 15-20 произведений. К 2019 году эта цифра уменьшилась как минимум вдвое. Объем аукционных продаж упал с отметки в $653,7 млн в 2014 году до $228,3 млн в 2019 году. Что касается крупных аукционов, то они полагаются на оценку своих штатных экспертов, отдавая предпочтение лотам с детально описанным провенансом, выставочной и рыночной историй. В случае с Уорхолом популярные маркетинговые формулировки типа «работа, не появлявшаяся на рынке последние 50 лет» практически не используются.

Организаторы выставки в Новой Третьяковке после снятия ограничений по договоренности с площадкой и партнерами планируют продлить ее на два месяца, на которые она оказалась урезана. По словам Александра Начкебии, лендеры работ тоже вошли в положение и согласны с этим решением. Что касается скандала, то он нисколько не мешает знакомству с творчеством художника. Наоборот, чем чаще вы будете задавать себе вопрос, что перед вами — подлинник или подделка, искусство или нет, тем лучше. По крайней мере, Уорхолу бы это точно понравилось.

Уорхол, Бэнкси и Пикассо: самые дорогие тиражные произведения искусства

Уорхол, Бэнкси и Пикассо: самые дорогие тиражные произведения искусства

7 фото

Выставка произведений Энди Уорхола и работ российских художников откроется в Петербурге — Культура

САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 25 июня. /ТАСС/. Более ста произведений родоначальника поп-арта Энди Уорхола, с которыми соседствуют работы российских авторов, представят широкой публике на выставке в Санкт-Петербурге. Экспозиция откроется в пятницу в пространстве «Севкабель Порт» на Васильевском острове.

«Первая выставка Энди Уорхола на моей памяти открылась в Зимнем дворце в начале XXI века, и вот сейчас уже такое логичное продолжение, через 20 с лишним лет. Такая преемственность этих образов, которые тогда для нас были новыми, а сегодня мы глубже погружаемся в контекст современного искусства, в контекст поп-арта, сравниваем и смотрим, как он отразился на русских художниках, на российских художниках — отразился довольно ярко. <…> Это большая глава искусства XX-XXI веков», — сказал журналистам в преддверии открытия вице-губернатор Санкт-Петербурга Борис Пиотровский, назвав выставку знаковым для города событием.

Экспозиция разделена на девять пространств, посвященных разным аспектам, так или иначе связанным с культурой консьюмеризма. Так, в пространстве «Шопинг» посетители увидят знаменитые изображения банок супа «Кэмпбелл», сделанные на заказ коробки с перенесенными на них с помощью шелкографии логотипами средства для мытья посуды «Брилло» и многое другое. Линию Уорхола продолжают работы русских художников, разоблачающие систему потребления и накопления. К примеру, Recycle Group представляет «богов и героев» нового мира в рельефе со сценой из супермаркета, созданном из пластиковой сетки и изображающим магазин как культовое сооружение современности.

Искусство в диалоге

Еще один раздел посвящен образу голливудской дивы Мэрилин Монро. Ее портреты, созданные Уорхолом в ярких, кислотных цветах, соседствуют с работами художника Владислава Мамышева-Монро, для которого актриса была любимым образом. Гости выставки смогут познакомиться и с одним из ранних и самых лирических произведений Уорхола — «Золотой книгой», на ее листах — графические изображения туфель, актера Джеймса Дина, цветов как символа возрождения и других сюжетов. Рядом с ними — продолжающий тему обновления арт-объект «Хрупкие вещи» Маяны Насыбулловой: для проекта художница собирала забытые в общественных пространствах комнатные растения и пересаживала их в новые горшки, таким образом давая им новый дом и новую жизнь.

Рядом с банкнотами с подписью Уорхола — проект «Новые деньги» Леонида Парфенова и Елены Китаевой, рядом с банкой «Кэмпбелл» — изображение банки сгущенки Дмитрия Шорина. На выставке представлены иллюстрации к книге «В глубине моего сада», с которых началась карьера Уорхола-художника, серия шелкографий с Мао Цзэдуном, полароиды, обложки оформленных им пластинок и многое другое. В российской части экспозиции посетители увидят работы основателей направления «Cоц-арт» Комара и Меламида, Павла Пепперштейна и других знаковых авторов.

В числе участников выставки — российский художник и куратор Владимир Потапов. «Я сделал специально две работы для этой выставки. Я скомбинировал два таких важных элемента: первый — это классический русский пейзаж, который, на мой взгляд, сегодня является определенным поп-артом русской истории искусства, и совместил китчевый <…> материал, который чаще всего является материалом для упаковки подарков. И это совмещение, которое дает определенное напряжение, мне кажется, очень хорошо попадает в историю этой выставки», — рассказал он журналистам.

Как отметила куратор выставки Татьяна Звенигородская, работы русских художников отражают период с конца 80-х годов XX века по сегодняшние дни. «Это порядка 50 человек и около 60 работ в общем российских художников, более 100 работ Уорхола [представлены на выставке]», — уточнила она. Произведения собраны, в основном, из частных коллекций.

Выставка «Энди Уорхол и русское искусство» будет доступна для посещения по 19 сентября. Предыдущие выставки произведений Уорхола в Санкт-Петербурге проходили в 2000 году в Эрмитаже и в 2005 году в Мраморном дворце Русского музея.

Энди Уорхол. Мэрлин Монро. 1967

Гравюра, и в частности трафаретная печать, была основным средством для знаменитых работ Энди Уорхола на холсте и бумаге. В 1950-х годах, будучи отмеченным наградами коммерческим художником, он разработал процесс печати, заключающийся в перенесении контурных рисунков чернилами с одной поверхности на другую. В причудливой книге о модных стилях обуви, написанной в то время, когда он был главой отдела рекламы в обувной компании, его промокательные рисунки были воспроизведены, а затем раскрашены вручную командой друзей.

Хотя Уорхол принял мягкий, отстраненный образ, он был чрезвычайно энергичным художником и саморекламой, сыгравшим значительную роль в изменении курса искусства. Вместо того, чтобы основывать свои работы на субъективных личных чувствах или идеалистических представлениях об абстракции, Уорхол принял популярную культуру и коммерческие процессы. В конце концов он основал свою собственную издательско-печатную компанию под названием Factory Additions, выпускающую портфолио на свои фирменные темы. Для Мэрилин он создал десять очень вариативных портретов, используя возможности трафаретной печати для изменения цвета и эффектов вне регистра.Восславляя, казалось бы, непроницаемую оболочку гламура и славы, но признавая ее более темную внутреннюю сложность, эти гравюры раскрывают тонкое понимание Уорхолом американской культуры.

Уорхол не участвовал в системе совместных типографий, созданной в Америке в 1960-х годах, но его работа внесла решающий вклад в то, что в то время было охарактеризовано как «печатный бум». За свою карьеру он сделал около восьмисот печатных изображений на бумаге, примерно половина из которых была опубликована в традиционных изданиях.Он также был на удивление экспериментальным гравером, выпустив сотни пробных оттисков и уникальных вариантов. Композиции, составляющие Camouflage , его последнее портфолио, представляют собой игривый комментарий к абстракции. Манипулируя масштабом и цветом от листа к листу, Уорхол изменяет визуальное воздействие военной ткани, используемой для маскировки. В примерах на холсте он также накладывает свое лицо, связывая автопортрет с маскировкой.

Отрывок из публикации Деборы Уай, Художники и гравюры: Шедевры из Музея современного искусства , Нью-Йорк: Музей современного искусства, 2004, с.162.

Кто такой Энди Уорхол? 7 Известные произведения искусства Энди Уорхола

Поп-арт — это направление в искусстве, уходящее своими корнями в Соединенное Королевство и Соединенные Штаты и использующее образы популярной и массовой культуры, такие как культурные объекты, знаменитости, комиксы и реклама. Одним из художников, сформировавших движение поп-арта, является Энди Уорхол.

Крещенный Эндрю Уорхол, родился 6 августа 1928 года. что касается поп-арта.В его работах часто исследуется взаимосвязь между художественным самовыражением, рекламой и культурой знаменитостей, которая процветала в 1960-х годах.

Его влияние в этой области было настолько велико, что его прозвали и с любовью называли «Папа поп-арта» .

В большинстве случаев предмет его творчества меняется от символических американских объектов до вымысла, от знаменитостей до традиционных понятий. Его картины вызвали переворот в восприятии искусства.

Работы Энди Уорхола охватывают целый ряд картин, шелкографии, фотографии, кино и скульптуры.

Уорхол снялся во множестве книг, документальных фильмов и на выставках. В его родном городе Питтсбурге есть музей под названием «Музей Энди Уорхола».

Было обнаружено, что многие Его работы являются предметом коллекционирования и высоко ценятся. Его картина под названием «Серебряная автокатастрофа» является его самой дорогой работой, хотя его творения включают в себя одни из самых дорогих картин, когда-либо проданных.

В этой статье мы поговорим о 7 самых известных работах Энди Уорхола.

Топ-7 картин Энди Уорхола

1.

Банан

Первой в нашем списке стоит картина под названием «Банан», созданная Энди Уорхолом в 1966 году. менеджер с 1965 года. Это искусство под названием банан изображено на обложке дебютного альбома группы под названием The Velvet Underground & Nico.

На обложке было изображение банана, покрытого наклейкой из кожуры банана, которую зрители могли отодвинуть и увидеть под ней несуществующий фрукт телесного цвета.

Тогда альбом называли «самым пророческим художественным альбомом из когда-либо созданных». Заняв 13-е место в списке величайших альбомов всех времен журнала Rolling Stone, «Банан» Уорхола стал одним из самых популярных произведений поп-арта.

Банан по праву можно назвать международным символом Уорхола.

2. Coca Cola

Далее в нашем списке идет «кока-кола» Уорхола.

Вряд ли найдется человек, который утверждал бы, что не знает марку кока-колы. Бутылка кока-колы — символический американский предмет, который пощекотал воображение Уорхола.

На самом деле, одна из его знаменитых цитат имеет к этому отношение. Он создал много работ на бутылке кока-колы. В отличие от его более поздних шелкографий, кока-кола нарисована вручную и является одной из самых дорогих картин Уорхола, когда-либо проданных.

Говорят, что бутылка кока-колы послужила источником вдохновения для Уорхола, когда он решил развивать свою личность. За свою карьеру Уорхол создал около 15 различных работ, связанных с кока-колой.

3. Мао

Это произведение искусства, созданное в 1973 году, началось в год, когда президент США Ричард Никсон совершил свой первый визит в Китай в 1972 году.

Он создал сотни картин Мао, используя фотографии из красной книжечки МАО. Эта картина довольно огромна и составляет около 15 футов в высоту.Это также самый известный портрет МАО Уорхола.

Уорхол при создании этой картины использовал сильные и красочные мазки, чтобы нанести макияж с чрезмерно показными цветами на лицо МАО.

Эта конкретная картина отражает Уорхола в его самом живописном виде и считается одной из лучших его картин.

4. Банки с супом

Банки с супом Кэмпбелл, также известные как 32 банки с супом Кэмпбелл, — одна из самых известных работ Энди Уорхола. Выпускался с ноября 1961 по апрель 1962 года.Он состоит из 32 полотен, на каждом из которых представлены консервированные сорта супов, которые компания предлагала в то время.

Это произведение искусства сделало поп-арт основным художественным движением в США.

Споры о достоинствах и этичности такой работы сделали Энди Уорхола ведущим и самым известным поп-исполнителем.

5.Марлин Диптих

После смерти Мэрилин Монро в августе 1962 года Уорхол создал этот шедевр, состоящий из 50 изображений Мэрилин, используя ту же рекламную фотографию из фильма «Ниагара».

Работа разделена на две половины, по 25 изображений с обеих сторон. 25 изображений слева — цветные, а изображения справа — черно-белые с эффектом затухания.

Это произведение считается символическим произведением поп-арта и когда-то было названо третьим по значимости произведением современного искусства в обзоре Guardian.

6. Восемь Элвисов

Эта работа, созданная в 1963 году, представляет собой 12-футовую картину из восьми одинаковых, перекрывающихся изображений Элвиса Пресли в ковбойском костюме.

Это уникальная картина, так как она не выпускалась серийно

d как большинство работ Энди Уорхола. По состоянию на 2008 год он был продан за 100 миллионов долларов, что сделало Уорхола пятым художником, работа которого была продана по этой цене.

Это шедевр, одна из самых дорогих когда-либо проданных картин.

7. Серия обуви

Известно, что у Энди Уорхола был фетиш на обувь и ноги. Вероятно, это послужило источником вдохновения для серии обуви. Его реклама женской обуви в 1950-х годах была выдающейся и узнаваемой.Это коллекция различных картин Энди Уорхола, посвященных туфлям.

знаменитое произведение Энди Уорхола – восемь Элвисов

На плакате выставки изображен один изумрудно-зеленый ботинок, висящий на звездном небе. Однако он включил в свою серию обуви много разных туфель, и они напоминали натюрморты.

Заключительные мысли

Энди Уорхол во многом повлиял на искусство. Он использовал яркие цвета, знаменитостей и предметы повседневного обихода, стремясь сделать так, чтобы каждый имел отношение к искусству.Он хотел задать людям вопрос, и его работы, такие как банки с супом «Кэмпбелл» и диптих Марлина, подняли много вопросов о том, почему искусство было сделано таким образом и почему эти работы считаются искусством.

Он успешно объединил популярную культуру и искусство, как и собирался. Он внес огромный вклад в развитие поп-арта, и любой, кто хочет узнать больше об этом жанре, не может игнорировать короля поп-арта.

 

Энди Уорхол Инк.: Как он сделал бизнес своим искусством

Осенью 1968 года Энди Уорхол, все еще страдая от нападения убийцы, вернулся к работе в новых светлых офисах, которые он арендовал на Юнион-сквер.После многих лет славы в поп-арте он задумался о своем будущем. «Я был сбит с толку, потому что я не рисовал и не снимал там», — вспоминал он.

Вместо этого он смотрел, как его миньоны занимаются делами. Они снимали фильмы под его именем, продавали его репродукции и находили ему заказы на портреты — так или иначе, зарабатывая деньги искусством. «Я знал, что работа продолжается, даже если я понятия не имел, к чему она приведет».

Эта корпоративная работа, как вскоре понял Уорхол, на самом деле была одним из самых важных произведений искусства, которые он когда-либо создавал.Деловое искусство, как он назвал его, «шаг, следующий за искусством». Было установлено, что все, что этот художник сделал или сделает в качестве главы Andy Warhol Enterprises, Inc. — в качестве портретиста, издателя, публициста или продавца, — считается составными частями одной безграничной работы: отчасти перформанс, отчасти концептуальное искусство и отчасти изображение рыночный мир, в котором он жил и в котором мы все живем до сих пор.

Сейчас Музей американского искусства Уитни собирается открыть новый крупный обзор Уорхола. В книге под названием «Энди Уорхол — от А до Б и обратно» представлен полный срез его эпохальных творений: «Банки с супом» и «Мэрилин» начала 1960-х годов, которые отражали американскую товарную культуру; экспериментальные фильмы его фабричных лет; светские портреты, гомоэротика и почти абстракции его последних двух десятилетий. Все сокровища, без сомнения, но, возможно, столь же значимые для нашего времени, как и аспекты его проекта Business Art.

Суть идеи Уорхола — что, играя роль бизнесмена, художник может превратить себя в последний живой пример коммодификации, которой, как он считал, избежать не может никто из нас, — была, пожалуй, столь же революционной в свое время, как Марсель Дюшан, представивший скромный писсуар, каким была скульптура в 1917 году. Жест Дюшана провозгласил, что только художники могут определять, что такое искусство; пять десятилетий спустя Уорхол воспринял это как разрешение относиться к электронной таблице, пресс-релизу и вечеринке по случаю запуска как к творческому начинанию.Это послужило примером для некоторых из его самых известных наследников в нашем нынешнем столетии.

«Я боролся с деньгами — в смысле искусства — на протяжении всей своей карьеры», — сказал Дэмиен Херст, давняя звезда британского искусства и предприниматель. «И через Энди Уорхола я увидел, что это возможно, что это приемлемо. Несмотря на то, что это вызывает вопросы, этого не следует бояться».

В НЕДАВНЕМ ИНТЕРВЬЮ, писатель и куратор Джек Банковски сказал: «Бизнес-искусство остается столь же важным, как и прежде, потому что Энди Уорхол так же важен, как и прежде.В 2009 году он организовал знаменательную выставку под названием «Поп-жизнь» для музея Тейт Модерн в Лондоне, посвященную тому, как решение Уорхола превратить рынок и рекламную машину в художественные средства затронуло сегодняшние крупные фигуры.

Наряду с Уорхолом шоу представило Джеффа Кунса и самые изображений секса с его женой, которые привели его к известности в таблоидах и к корпоративной практике, которой позавидовал бы даже Уорхол.

Мистер Херст также играл центральную роль в «Поп-жизни» не из-за известного искусства объектов вроде его акулы в аквариуме, а из-за аукциона блокбастера, который он устроил в 2008 году, художественного «перформанса». ” самое важное из-за того, что он принес более 200 миллионов долларов. Хотя, как сказал г-н Херст, это все равно засчитывалось бы как художественных побед, независимо от продаж, «я знал, что довожу что-то до предела, будь то успех или провал».

Чистейшим примером постуорхоловского бизнес-искусства может быть работа японского художника Такаси Мураками. В галерее Гагосяна в Беверли-Хиллз г-н Мураками в настоящее время демонстрирует совместные работы с модельером и музыкальным продюсером Вирджилом Абло, который сейчас отвечает за линию мужской одежды в Louis Vuitton; выставленное искусство включает в себя смешение торговых марок и товарных знаков дуэта.

В новаторском эссе 2007 года о г-не Мураками Скотт Роткопф, главный куратор музея Уитни, писал о том, что капиталистические бизнес-модели лежат в «самой основе» всего, что сделал художник. Г-н Роткопф, который не организовывал музейную выставку Уорхола, сказал, что, проникая в рыночные системы, формирующие наше общество, художники могут помочь нам увидеть их более ясно. По его словам, часть величия Уорхола заключалась в его «дальновидном понимании» того, как искусство будет играть такую ​​роль.

Без прецедента Уорхола мы, возможно, не увидели бы круглосуточный магазин Oxxo, который мексиканский художник Габриэль Ороско установил в прошлом году в галерее своего дилера в Мехико. На этикетках сотен пивных бутылок, шоколадных батончиков и молочных банок в магазине были наклеены наклейки в виде разорванных кругов — фирменные детали абстракций, которые мистер Ороско обычно продает коллекционерам. Смешение популярных товаров и товаров высокого искусства было классически уорхоловским. Так же как и г-н Ороско, продавший значительную часть запасов своего магазина крупному музею в Гонконге.

И все же Уорхол, деловой художник, подал такой «странный, захватывающий, почти ядовитый пример», сказал г-н Роткопф, что многим художникам было трудно подражать ему. Деловое искусство настолько тщательно переписало правила создания произведений искусства, а может быть, и его мораль, что многие художники черпали вдохновение в менее концептуальных аспектах искусства Уорхола — его методах, его понимании поп-культуры, его новаторских работах о геях и трансгендерах. предметы и культура.

Но последствия корпоративной модели Уорхола могут быть настолько глубокими, что не всегда очевидны.По словам г-на Банковски, за десятилетие, прошедшее после его выставки «Pop Life » , бизнес-искусство проникло еще глубже, как «предыстория» любой сложной художественной практики. Выставка картин, которые выглядят как простые эстетические объекты, может также легко быть направлена ​​на рассмотрение того, как искусство распространяется и продается.

«Я думаю, что сегодня невозможно заниматься искусством, не принимая это каким-то образом во внимание», — сказал мистер Херст. «Я думаю, что бизнес в искусстве важнее политики».

В прошлом месяце, сразу после того, как работа уличного художника Бэнкси была продана по рекордной цене в 1 доллар.4 миллиона картина была уничтожена шредером с дистанционным управлением, который художник встроил в раму. Мир искусства, воспитанный на Уорхоле и Херсте, сразу же вступил в дискуссию о том, критиковал ли Бэнкси арт-рынок или был замешан в нем. Его поступок мог быть просто направлен на повышение ценности работы.

СЕГОДНЯ ДЕНЬГИ НАПОЛНИЛИ мир искусства так, как Уорхол и представить себе не мог. Горстка мегагалерей и их олигархов-художников владеют кошельками и властью, делая ценники важнее глубины.Художники, не участвующие в игре за большие деньги, остались на обочине. В аукционных домах сам Уорхол, хотя и умер уже три десятилетия, является стержнем на рынке стоимостью 25 миллиардов долларов, чей часто провозглашаемый пузырь никак не собирается лопаться. Через несколько дней после того, как его работы выставят на обозрение в Whitney, по меньшей мере полдюжины работ Уорхола будут проданы с молотка на трех крупных аукционных домах Нью-Йорка.

В этом контексте добавление слова «искусство» к коммерческим предприятиям Уорхола или его наследников может показаться особым обращением к художникам, которые просто ищут прибыль.Но в конце 1960-х, когда Уорхол придумал свою идею, он на самом деле ухватился за более широкое художественное направление на переднем крае культуры. Традиционные музейные объекты — включая, по собственному признанию Уорхола, весь поп-арт — похоже, зашли в тупик, и многие художники вместо этого обратились к чисто концептуальным проектам, которые подражали бизнесу.

Лес Левин, друг и соперник Уорхола в Нью-Йорке, купил 500 акций волатильных акций и объявил свою прибыль или убыток от инвестиций произведением искусства.Иэн и Ингрид Бакстер из Ванкувера, Британская Колумбия, стали представителями Северо-Восточной Азии. Thing Co., предлагающая корпоративные услуги всех видов — и называющая это искусством. В 1969 году журнал Life опубликовал целую статью о денежных играх, в которые играли художники, в том числе статью, в которой музею Уитни было предложено взять кредит в размере 100 000 долларов под залог его коллекции и вместо этого инвестировать эту сумму — как искусство.

Многие собственные капиталистические схемы Уорхола были на самом деле настолько бестолковыми, что никогда бы не сдвинулись с мертвой точки. Продажа бывшего в употреблении нижнего белья кинозвезд? Лизинговая служба, которая будет сдавать в аренду так называемые «Суперзвезды» Уорхола по 5000 долларов за штуку? Даже журнал Interview редко, если вообще когда-либо, фиксировал прибыль.

Да, Уорхол неплохо заработал на некоторых своих проектах. Когда он умер в 1987 году, он был богат. Но в отличие от любого реального коммерческого предприятия, включая создание и продажу картин, бизнес-искусство Уорхола имело бы успех, если бы оно не принесло ни копейки. Важно было выступление, а не его результаты, то, как Марина Абрамович не стирала кровь с кучи коровьих костей, потому что действительно хотела, чтобы они были чище.

Для многих сегодня Уорхол должен выглядеть как предательство, больше, чем когда-либо.Его культовые образы теперь можно увидеть на товарах, приносящих доход, включая детские коляски и носки «ограниченного выпуска» за 14 долларов. Но это не обязательно отменяет мастерство делового искусства Уорхола. Они больше похожи на его посмертные репертуары или, может быть, на последнюю «выставку» этого искусства — как коробки Мэрилин и Брилло Уорхола выставляются на обозрение в Уитни, чтобы мы могли снова с ними справиться.

Если брендовые товары заставляют нас беспокоиться о покупке и продаже произведений искусства, значит, они сделали свое дело. Это работа, которую они не могли бы выполнить, если бы не носили имя Уорхола и ценник.


Блейк Гопник пишет биографию Энди Уорхола для издательства HarperCollins Ecco.

Энди Уорхол и его художественное влияние

Золотая Мэрилин — Уорхол | © Andrew Moore/Flickr

Американский поп-художник Энди Уорхол был одной из самых значительных и плодовитых фигур своего времени. Его работы исследуют связь между культурой знаменитостей и художественным самовыражением.Уорхол уже закрепил свое место в художественном сообществе в начале своей карьеры и после своей безвременной смерти в 1987 году завещал международной публике эксцентричную коллекцию некоторых из самых ярких произведений в истории. самые знаковые произведения искусства в мире.

Энди Уорхол родился в семье словаков в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Когда ему было восемь лет, он заболел хореей (неврологическое заболевание), которое приковало его к постели.Чтобы развлечь его во время выздоровления, мать давала ему уроки рисования. Уорхол полюбил медиум и продолжал рисовать в свободное время после выздоровления. В 1942 году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги — ныне Университете Карнеги-Меллона. В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна.

Энди Уорхол – Мэрилин 1967 | © Ian Burt/Flickr

Уорхол стал иллюстратором журнала Glamour , который сделал его ведущей фигурой в движении поп-арт 1950-х годов.Его эстетика представляла собой уникальное сочетание средств изобразительного искусства, таких как фотография и рисунок, с высококоммерческими компонентами, вращающимися вокруг известных брендов и имен знаменитостей. Привлекая международное внимание своими уникальными постановками, Уорхол любил сохранять элемент личной и профессиональной таинственности, признавая, что никогда не говорил о своем прошлом и придумывал новую личность каждый раз, когда его просили.

Работы Уорхола представили новую увлекательную форму художественного выражения.В 1961 году он представил концепцию поп-арта и продемонстрировал коллекцию картин, посвященных коммерческим товарам массового производства. В 1962 году он выставил свои культовые картины с изображением банок с супом «Кэмпбелл». Он продолжал демонстрировать работы, изображающие гамбургеры и бутылки Coca-Cola, наряду с портретами причудливых знаменитостей, таких как Мик Джаггер, Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Он использовал несколько сред для создания своих работ, включая фотографию, шелкографию и гравюру. В 1964 году Уорхол открыл собственную художественную студию под названием «Фабрика», где работал и поддерживал связь с элитой общества.

Нью-Йорк. МоМА. Энди Уорхол | © Tomás Fano/Flickr

Мир был очарован Энди Уорхолом – его внешностью, эстетикой и отношением к его поп-арту. Однако внимание, которое он привлекал, не всегда было положительным. 3 июня 1968 года радикальная феминистка Валери Соланас застрелила Энди Уорхола и Марио Амайю — куратора студии Уорхола. Амайя получила лишь незначительные травмы, а Уорхол был серьезно ранен и чуть не умер. Соланас был приговорен к трем годам тюремного заключения в соответствии с дисциплиной Департамента исправительных учреждений Нью-Йорка.Уорхола цитировали: «До того, как меня застрелили, я всегда думал, что нахожусь скорее наполовину, чем все там — я всегда подозревал, что смотрю телевизор вместо того, чтобы жить жизнью. Люди иногда говорят, что то, как все происходит в кино, нереально, но на самом деле нереально то, как все происходит в жизни».

Однако нападение не остановило творческую деятельность Уорхола. Он был первым художником, который использовал компьютеры Amiga, представленные в 1984 году, для создания новых форм искусства в цифровом виде. Уорхол также пробовал свои силы в скульптуре и даже работал на телевидении, ведя передачи Энди Уорхола TV и Пятнадцать минут Энди Уорхола на MTV.В более поздние годы он основал журнал Interview Magazine и написал несколько книг, в том числе The Philosophy of Andy Warhol .

Энди Уорхол и Эди Седжвик | © Jeff Tidwell/Flickr

Уорхол неожиданно скончался в Нью-Йорке в 1987 году после операции на желчном пузыре, и в том же году по завещанию художника был основан Фонд Энди Уорхола. Он хотел, чтобы все его имущество (за исключением нескольких вещей, делегированных членам семьи) составляло новый фонд, посвященный «развитию изобразительного искусства».Фонд и по сей день поддерживает создание и представление современного изобразительного искусства. В 1994 году Музей Энди Уорхола открылся как один из четырех музеев Карнеги в Питтсбурге. Здание датируется 1911 годом и первоначально использовалось как распределительный центр. Он был перепроектирован архитектором Ричардом Глюкманом, и сегодня в нем находится часть наследия Уорхола, содержащая 900 картин, а также скульптурные работы, работы на бумаге и фотографии всех этапов жизни и творчества художника.

Личная жизнь Уорхола оставалась загадкой для публики до дня его смерти, что послужило частью очарования этой культовой фигуры. Его наследие живет в мире искусства, истории и поп-культуры, а его работы являются одними из самых кассовых в истории. Его портрет «Восемь Элвисов » был перепродан за 100 миллионов долларов в 2008 году, что сделало его одной из самых ценных картин в истории. Пионер изобразительного искусства и культуры, Уорхол навсегда останется известен своими причудливыми и противоречивыми гравюрами.

Знаменитости, Личность, Деньги, Смерть и Время | 5 тем в искусстве Энди Уорхола

5 тем в искусстве Энди Уорхола

 

Энди Уорхол — один из самых знаковых художников в истории экспериментального искусства.Он стал пионером движения поп-арт, коммерциализировав этот жанр невиданными ранее способами.

Сочетая авангардистские концепции с высококоммерческими технологиями, он воспринял потребительство и его эстетику в то время, когда большинство его современников восставали против него, и его работы были восприняты неоднозначно. Здесь мы исследуем пять повторяющихся тем в его творчестве.


 

Знаменитости

Нельзя отрицать, что Уорхол был одержим знаменитостями и славой и имел полное представление о них.Будучи маленьким мальчиком, выросшим в Пенсильвании, он спасался от скуки, своей часто прикованной к постели болезни и своих скромных корней, одержимо листая глянцевые журналы. И это были именно те журналы, в которых он продолжал работать после приезда в Нью-Йорк в 1949 году: Glamour, Vogue, Harper’s Bazaar.

Эдвард Кеннеди, 1980 год

Но Уорхол понял, что гламур был не только прерогативой богатых и родовитых в Америке, он был демократичен и доступен для всех — отсюда интенсивный белый трэш-гламур его трафаретного триптиха Элвиса; отсюда задумчивая сила его Марлона Брандо; и, следовательно, наиболее известный его культовый диптих Мэрилин Монро.Интересно, что изначально Уорхол планировал сделать работу не диптихом, а двумя отдельными произведениями — на каждом полотне изображено 25 Мэрилин, напечатанных на сетке, одно монохромное, а другое полноцветное. Однако именно Эмили Холл Тремейн, коллекционер, купившая обе, предположила, что они должны быть парой, на что Энди сказал: «Ну и дела, да».


 

Идентификация

Что больше всего говорит об увлечении Уорхола славой, так это его понимание того, как все это работало.Как, имея правильную платформу, любой может стать знаменитым. Или, как говорят, знаменитым — как «суперзвезды», которые он катапультировал к известности в фильмах, которые он в основном снимал на своей нью-йоркской «Фабрике», начиная от оригинальной фабричной девушки Эди Седжвик и заканчивая трансгендером Кэнди Дарлинг и его тогдашним любовником Джоном. Джорно, о котором он снял пятичасовой фильм «Безмолвный сон» в 1964 году. Неудивительно, что именно Уорхол придумал широко известную и почти пророческую эпиграмму: «В будущем каждый будет всемирно известен за 15 лет». минут.

Будь кем-то с телом, 1985 

Его собственная слава, конечно, намного превышает какие-то четверть часа. И его образ столь же печально известен, как и его искусство: серебристые парики, пятнистая бледность, невозмутимое лицо так же хорошо известны, как звезды, которых он прославлял. Когда он сам стал культурной иконой, арт-дилер Иван Карп предложил Уорхолу сделать автопортреты. Что Уорхол и сделал. И он сделал много — часто почти пародируя свой собственный образ, как в знаменитом «Автопортрете с париком страха» 1986 года.Первоначально цветные полароидные фотографии, версия акриловой шелкографии размером 40 дюймов на 40 дюймов, проданная более чем за 6 миллионов фунтов стерлингов в 2014 году. Инстаграм.


 

Деньги

Уорхол не только любил деньги, но и понимал их. Родившись в бедной семье, он знал ее силу. И он увидел, что искусство можно использовать не только для того, чтобы заявить о богатстве коллекционера, но и об его вкусе.Он однажды заметил: «Скажем, вы должны были купить картину за 200 000 долларов. Я думаю, тебе следует взять эти деньги, связать их и повесить на стену. Тогда, когда кто-то придет к вам, первое, что они увидят, это деньги на стене». Поэтому неудивительно, что он решил использовать деньги в своей работе, нарисовав в 1962 году 192-долларовые купюры методом шелкографии.

Paramount и Ингрид Монахиня, экспонаты в галерее Maddox Gallery Westbourne Grove

Он также понимал массовое потребительство, как и славу и маркетинг, поэтому многие его работы были посвящены предметам повседневного обихода.Он сказал: «Вы должны найти что-то узнаваемое почти для всех». Что-то вроде банки супа «Кэмпбелл». То же самое относится и к кока-коле, о которой он написал: «Вы можете смотреть телевизор и видеть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы только подумайте, вы тоже можете пить кока-колу». Кока-кола есть кока-кола, и ни за какие деньги вы не сможете получить лучшую кока-колу, чем та, которую пьет бомж на углу. Вся кока-кола одинаковая, и вся кока-кола хороша. Это знает Лиз Тейлор, это знает президент, это знает бомж, и вы это знаете. Привлекательность продуктов была универсальной, и он начал массово производить изображения этих самых предметов, что, в свою очередь, принесло ему очень много денег. Некоторые критики, возможно, сочли его продажным, но, как сказал о себе Уорхол, «я всегда был коммерческим художником».


 

Смерть

Несмотря на то, что Уорхол был очарован славой, он также был глубоко озабочен смертностью. Отчасти это отражает его глубокую католическую веру. Но он дважды был близок к ранней смерти, прежде чем умер в возрасте 58 лет в 1987 году — в детстве он боролся с туберкулезом, и после того, как радикальная феминистка Валери Соланас застрелила его в 1968 году, он был объявлен клинически мертвым, находясь на операционном столе. .(В конце концов он умер от сердечной аритмии после операции на желчном пузыре.)

Ингрид Монахиня, 1983 

Есть много примеров его заботы о смерти: его работа 1976 года «Черепа» показывает его любопытство к неизбежному концу, как и его работа 1963 года «Похороны» — фотография проводов преступного клана, повторенная пять раз. Тогда есть «С ногами и шинами», ужасная сцена, в которой все, что вы видите, это подошва чьего-то ботинка, а человека раздавило колесом грузовика.А из серии «Смерть и бедствие» именно его «Самоубийство» («Пурпурный прыгающий человек») 1963 года, изображающий два навязчивых образа последовательно черными и фиолетовыми чернилами, арт-дилер Тони Шафрази считает одной из величайших работ Уорхола.


 

Время

Хотя фотография может заморозить время, запечатлев момент, который в противном случае был бы потерян, она не побеждает время. Он лишь обращает наше внимание на саму его природу и на то, как быстро, если не смотреть, можно потерять мгновение.Это очаровало Уорхола, и он хотел задокументировать каждый момент. С помощью своей фотографии он мог запечатлеть изображение, а затем повторить его, сделав, возможно, незначительный момент вечным. Но с помощью пленки он мог задокументировать самую обыденную банальность жизни, запечатлев каждый реальный момент — и утверждалось, что его фильм 1964 года «Империя» — единственный по-настоящему реалистичный документальный фильм: восемь часов и пять минут медленных кадров Эмпайр-стейт-билдинг. , выстрел без изменений на всем протяжении.В период с 1963 по 1968 год он снял около 650 фильмов, все из которых он подарил Нью-Йоркскому музею современного искусства для каталогизации в 1984 году.

Новый дух (Дональд Дак), 1985

В каком-то смысле он также составил автобиографический каталог своей жизни в своей серии «Капсулы времени» в 1975 году. В ней он собрал 612 картонных коробок, наполненных обычными предметами из его повседневной жизни, такими как вырезки из прессы, визитные карточки и квитанции такси. . Почти нетронутые ящики принадлежат музею Энди Уорхола в Питтсбурге.


 

MSCHF продает произведения искусства Энди Уорхола (или подделки) за 250 долларов

Бутерброды Chick-Fil-A. мечи и Микки Маус: звучит как идея хорошо провести время, но для MSCHF это все повседневная работа. Буквально потому, что загадочный бруклинский коллектив выпускает провокационный «дроп» каждый понедельник, начиная каждую неделю с нового риффа о посткапиталистической рутине.

MSCHF возвращается к арт-рынку с Музеем подделок, выпадение в этот понедельник.Результат либо еретический, либо истерический — может быть, и то, и другое — в зависимости от того, как вы относитесь к Вальтеру Беньямину и Ролану Барту.

В частности, MSCHF приобрела оригинальную иллюстрацию Энди Уорхола «Феи, 1954» и обнаружила компьютеры, которые могли создать 999 идеальных копий работы на соответствующей бумаге с идентичными чернилами. Затем MSCHF «уничтожил» любые следы доказательств того, какой из них является оригиналом, по сути, «закопав иголку в стог для игл».

Все 1000 изданий творения MSCHF «Возможно, настоящая копия «Феи» Энди Уорхола» теперь продаются по 250 долларов за штуку на веб-сайте Музея подделок MSCHF.Ваша покупка включает в себя сертификаты аутентификации и документацию о том, что MSCHF действительно заплатил почти 20 тысяч долларов за OG, который был продан чуть более 8000 долларов пять лет назад.

MSCHF позиционирует все дело как многоцелевой удар в раздутый живот арт-индустрии.

С одной стороны, у вас есть этот коллектив выскочек, который переваривает подлинное произведение искусства одного из самых известных в мире художников и выдает его за свое собственное, обесценивая в процессе Энди Уорхола.

С другой стороны, вызывает вопросы о том, как потребляется искусство: почему эта бумажка с грубыми каракулями стоит пятизначную сумму? Отложите в сторону происхождение и посмотрите на работу как на объект и подумайте, насколько бесполезной она была бы, если бы вместо этого ее создал Джо Шмо.

Сам Уорхол подорвал всю концепцию искусства как исключительного.

Как отмечает MSCHF, фабрика Уорхола существовала для того, чтобы производить легко производимые произведения искусства на конвейере. Не уместно ли, что одна из его работ послужила основой для озорства МСЧФ?

Забавно, что коллектив решил использовать рисунок Уорхола, выполненный вручную, а не произведение поп-арта, напечатанное методом трафаретной печати.

Точка зрения MSCHF многогранна, но она действительно затрагивает бездумное потребление искусства обществом и способы, которыми сверхбогатые придают произвольную ценность чернилам и бумаге. Это любимая цель MSCHF.

Как и любой современный художник, помешанный на мерчах, MSCHF просто убрал дефицит из уравнения и выставил бесполезную оценку произведений искусства на всеобщее обозрение.

Ниже вы можете ознакомиться с нашим предыдущим выпуском MSCHF

Как работы Энди Уорхола остаются актуальными 30 лет спустя

Хотя Энди Уорхол умер три десятилетия назад, он один из немногих художников, которых легко узнать в толпе — как по внешнему виду, так и по искусству.От его Банки супа Кэмпбелл, Мэрилин и Электрические стулья до сотен фильмов, которые он снял, и множества светских портретов, которые он нарисовал, Энди Уорхол сформировал то, как мы помним 1960-е и 70-е годы.

Используя фотографии, вырезанные из газет, журналов, рекламные кадры и рекламные объявления и, в конечном счете, свои собственные, Энди Уорхол изготовит трафареты и объединит их акриловым и графитным карандашом, раскрашивая и рисуя на поверхности, которую он затем распечатывать, часто повторяя или зеркально отображая изображение. Зернистые, грязные черные чернила и его нестандартное выравнивание печатного изображения воспроизводили эффекты дешевого печатного станка, открывая смелый новый вид реализма, в то время как процесс шелкографии позволил Энди Уорхолу создать сотни вариаций. того же предмета.

Спустя более чем три десятилетия после его смерти плодовитый поп-исполнитель и культурная икона продолжают очаровывать. Вот список из 10 категорий Энди Уорхола искусства ( ни в коем случае не исчерпывающий ) его культовых работ.

Ранние рисунки и коммерческие иллюстрации

Что отличает рисунки Энди Уорхола от рисунков других художников того времени, так это не только их небрежное очарование, но и фирменные кляксы — результат ранних экспериментов в полиграфии под влиянием работ художника Бена Шана. Процесс заключался в том, чтобы нарисовать изображение, обвести его влажными чернилами или акварелью, а затем прижать к нему лист бумаги, чтобы создать уникальную репродукцию.

Слегка пятнистая черная линия читается так, как будто она была нанесена недорогими газетными чернилами — эффект, который Уорхол воспринял в следующем десятилетии в своих трафаретных отпечатках на холсте.

Культура потребления

Когда в 1961 году Энди Уорхол перенес из супермаркета в студию изображение банки с супом Кэмпбелл, он закрепил за собой наследие радикального современного художника.

Вскоре после того, как Уорхол нарисовал банки из-под супа, он понял, что может легче достичь эстетики массового производства, к которой он стремился, с помощью шелкографии, также называемой трафаретной печатью, и начал экспериментировать с трафаретной печатью на холсте.Он использовал эту технику для печати изображений бутылок из-под кока-колы и долларовых банкнот (оба в 1962 году), а также своих бесценных скульптур из коробок Brillo (1964).

Хотя Энди Уорхол отказался от карьеры коммерческого иллюстратора, его любовь к символам послевоенного потребительства никогда не ослабевала. Он вернулся к этой теме в 1985 году, когда дилер Рональд Фельдман поручил ему создать рекламный портфель, набор из 10 коммерческих изображений, напечатанных методом трафаретной печати на музейной доске тиражом 190 экземпляров, включая изображения для Apple Macintosh, Paramount, Volkswagen Beetle. и Шанель №5. Уорхол персонализировал их, сделав их похожими на нарисованные от руки.

Мэрилин, Лиз, Джеки

Энди Уорхол быстро ухватился за склонность средств массовой информации относиться к гламуру и трагедии с одинаковым весом. Суицидальная передозировка Мэрилин Монро в 1962 году была идеальным кормом, и он воспроизвел ее лицо десятки раз, сначала нарисовав холст пятнами пигмента, чтобы обозначить ее волосы, тени для век и губы, а затем напечатав черную фотографическую шелкографию, взятую из рекламного кадра 1953 года. на поверхности либо поодиночке, либо дублируются, либо повторяются в сетке.Особенно впечатляющими являются изображения, где трафаретная печать чернильная, смазанная или небрежная, обнажающая уродливую изнанку поверхностного гламура Монро.

Уорхол аналогичным образом присвоил образы Элизабет Тейлор (1963), которая в то время боролась с тяжелой пневмонией и чьи несчастливые романтические отношения были предметом пристального общественного внимания; Джеки Кеннеди (1964) вскоре после того, как был застрелен президент Кеннеди; и Элвиса (1963), когда его карьера пошла на юг.

НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ ПОЛНЫЙ ТУР ПО ЭТОМУ ОТКРЫТОМУ ПРОМЫШЛЕННОМУ ЛОФТУ В ГОНКОНГЕ
Смерть и бедствия

С 1962 по 1965 год, Энди Уорхол копался в новостях в поисках изображений, присваивая пресс-фотографии мрачных событий.Призрачные картины из его серии «Смерть и бедствия» — электрические стулья, автокатастрофы, самоубийства, жестокость полиции и отравление ботулизмом, окрашенные в кислотные тона и расположенные в сетке, — раскрывали темную сторону Уорхола, которая всегда была рядом. Многие коллекционеры, дилеры и кураторы в то время с трудом проглатывали картины, и он показывал их только в Париже.

Чрезвычайно актуальные сегодня, эти работы показывают тихую политическую сторону Энди Уорхола , которая бурлит в его творчестве, но часто затмевается тем, что некоторые считают шоковой тактикой, как собственной, так и средствами массовой информации.Однако, как предположил покойный куратор и критик Оквуи Энвезор в каталоге выставки Музея Уитни, « интерес Уорхола не обязательно был сосредоточен только на зрелище смерти и сенсационных сообщениях о ней в средствах массовой информации, а скорее был занят мучительными размышлениями о ней». состояние его страны.

Цветы

Цветы Энди Уорхола — возможно, его самый узнаваемый образ в стиле поп — может показаться большим скачком в сторону более привлекательной, приятной темы.Но, как предполагают многие критики, это гораздо больше, чем просто красивые картинки. Цветы, в конце концов, являются высшим символом мимолетной красоты, и это еще не все.

Легенда гласит, что Уорхол искал идею для своей первой выставки с Лео Кастелли, когда друг Уорхола куратор Генри Гельдцалер предложил ему отойти от болезненных мотивов. Просматривая выпуск журнала Modern Photography , пара наткнулась на статью о новой системе обработки цвета Kodak, иллюстрированную серией цветков гибискуса разных оттенков.

Как отмечает Блейк Гопник, Энди Уорхол Цветы попали в кадр « как раз в тот момент, когда сила цветов пришла в ближайший к вам бутик », от тканей Marimekko до свежей молодой моды. Что еще более важно, отмечает Гопник, « цветов» «» шутили в стиле высокого искусства о стремлении к декоративности, которое скрывалось за очень серьезными абстракциями последних художников Op и Color Field, последних конкурентов Уорхола .

Фотографии

Несмотря на то, что он заимствовал многие изображения из своих ранних работ из средств массовой информации, Энди Уорхол создавал архив собственных снимков. Он таскал друзей и покровителей — Холли Соломон, Сэнди Брант и Этель Скалл — к фотобудкам в захудалых бутиках на Таймс-сквер, и получившиеся полосы изображений задали курс навязчивой серийности Уорхола.

Он преобразовал некоторые из этих фотографий в шелкографию.Импульс Уорхола документировать каждое знакомство, друга и социальное событие считается предшественником культуры Instagram. Но он также оставил после себя тысячи полароидных снимков, сделанных для его общественных портретов 1970-х годов и комиссий по портретам знаменитостей.

Последняя выставка Энди Уорхола в нью-йоркской галерее Роберта Миллера незадолго до его смерти состояла из 90 сшитых вместе уникальных серебряно-желатиновых отпечатков.

УЗНАЙТЕ БОЛЬШЕ О САМЫХ ВЛИЯТЕЛЬНЫХ УМАХ 2021 ГОДА В НАШЕМ ЭЛЕКТРОННОМ ВЫПУСКЕ

Председатель Мао

После восьмилетнего перерыва в живописи Энди Уорхол вернулся в медиум в 1972 году со знаменитостью, которая превзошла всех: Мао Цзэдун. Часто рассказывают историю о том, что цюрихский дилер Уорхола Бруно Бишофбергер, стремясь вернуть художника к живописи, предложил ему взяться за самую важную фигуру 20-го века. Листая журнал Life, Уорхол увидел, что председатель Мао назван самым известным человеком в мире.

В некоторых версиях Мао кажется с ярким макияжем, который можно увидеть на Мэрилин или Лиз, изменение, которое кажется изобретательно уместным и нелепым для тирана, который требовал лояльности и был ответственен за исчезновение миллионов китайских граждан.

Заказ портрета

В начале 1970-х годов, когда его знаменитый журнал Interview начал набирать обороты, Энди Уорхол столкнулся с американским и европейским высшим обществом. У Уорхола была долгая история создания портретов на основе найденных изображений, но для этих новых картин он использовал свои собственные фотографии. Он приводил натурщиков в свою хорошо оборудованную студию или путешествовал по миру, чтобы запечатлеть их на камеру Polaroid Big Shot. Это было неуклюжее, но портативное устройство, которое идеально подходило для его целей: при использовании с близкого расстояния объектив выравнивал изображение, а мощная вспышка выбеливала недостатки лица. Энди Уорхол собирал составное изображение из нескольких фотографий, производил его в виде шелкографии, а затем печатал поверх своих нарисованных холстов.

Его покровителями были знаменитости 1970-х годов, в том числе Ив Сен-Лоран, Каролина Эррера, Дайан фон Фюрстенберг, Дэвид Хокни, Лео Кастелли, Джованни Аньелли, Долли Партон, Лайза Минелли и Мик Джаггер.

Окислительные краски

Эти абстракции 1977–1978 годов, более ласково известные как «Картины мочи», были резким отходом от шелкографии Уорхола, хотя и не менее разрушительными. Серия получила свое название от используемого процесса: струя мочи попадает на холст, только что окрашенный акрилом, обогащенным медью, и по мере того, как мочевая кислота окисляет металл в краске, на мерцающей поверхности появляются узоры зеленого и черного цветов.

Энди Уорхол сделал большую часть «рисования» со своим давним помощником в студии Ронни Катроне, но он также приглашал гостей сделать снимок, направляя их на холст, растянутый на полу.Созданный узор был частично оставлен на волю случая, но Уорхол настаивал на том, что это требует навыков, и очень избирательно относился к холстам, которые он оставил в серии. Они варьируются от навязчивых темных пятен до тонких брызг и капель.

Его очевидным источником вдохновения — или объектом его подрывных насмешек — был Джексон Поллок, которого превозносили за его мужественную абстракцию жестов.

Баския Сотрудничество

Энди Уорхол уже знал о Жане-Мишеле Баския, когда они были официально представлены на обеде, организованном швейцарским дилером Бруно Бишофбергером в 1982 году.Пара стала близкими компаньонами, в городе и в студии, с Уорхолом, выступающим в качестве родителя для молодого бруклинского таггера, ставшего звездой искусства, а Баския возродил связь Энди Уорхола с современным искусством. в Ист-Виллидж.

В 1983 году Бишофбергер организовал совместную работу Уорхола, Баския и итальянского художника Франческо Клементе, в рамках которой они по очереди работали над холстом, который передавался из студии в студию.После этого Энди Уорхол и Баския отделились друг от друга и вместе создали 16 полотен в 1984 и 1985 годах, объединив нанесенный шелкографией и нарисованный логотипом текст и символы Уорхола с спонтанными каракулями Баскии, изображающими черепа, животных и другие повествовательные формы. . Сотрудничество внезапно прекратилось после того, как нелестная рецензия на их совместное шоу отпугнула Баскию.

Оставайтесь с нами, чтобы узнать больше о Энди Уорхоле

См. также:  Некоторые из самых известных художников всех времен .

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.