Файн арт обработка: пресет для обработки в стиле fine art

Содержание

Цифровая обработка: Adobe Photoshop и Lightroom

Высшее образование онлайн

Федеральный проект дистанционного образования.

Я б в нефтяники пошел!

Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.

Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА

120 лет опыта подготовки

Международный колледж искусств и коммуникаций

МКИК — современный колледж

Английский язык

Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.

15 правил безопасного поведения в интернете

Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.

Олимпиады для школьников

Перечень, календарь, уровни, льготы.

Первый экономический

Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.

Билет в Голландию

Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.

Цифровые герои

Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.

Работа будущего

Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет

Профессии мечты

Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.

Экономическое образование

О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.

Гуманитарная сфера

Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.

Молодые инженеры

Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.

Табель о рангах

Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.

Карьера в нефтехимии

Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.

“Когда фоточки будут?” или процесс обработки снимков

Время прочтения статьи: 7,5 мин

Фотосессия длиться час-два или значительно реже дольше. Однако, как правило, фотограф пишет, что предоставит обработанные фотографии лишь спустя несколько дней. Как правило, это время ожидания составляет от одной до двух или даже трех недель. Зная творческую натуру фотографа, опытная модель всегда спрашивает о том, когда будут готовы фотографии. В это статье я расскажу как фотограф, почему столь длительный по времени процесс обработки кадров с портретами.

Условно можно выделить три уровня обработки фотографии: базовая коррекция, ретушь и стилизация. Конечно, в жизни фотограф не будет предлагать их как отдельные услуги к съемке. Пожалуй, за исключением профессиональной ретуши. Но об этом вы узнаете ниже. А так, если обработка снимков включена в услуги фотосессии, то на всех трех уровнях будет произведена коррекция.

Фотограф Степанов А. Слои при ретушировании портрета

1. Базовая коррекция

В базовую коррекцию входит настраивание экспозиции, баланса белого, контрастности, резкости, насыщенности и кадрирования снимка. В арсенале программ для обработки фотографий есть несколько инструментов для воздействия по каждому вышеперечисленному параметру. И хотя технологии не стоят на месте, все же фотографу приходится самому регулировать их значение в ручную. Для облегчения процесса возможно применить пресет/стиль (набор предустановки параметров). Однако даже после него необходимо корректировать каждый снимок отдельно.

Для начинающих фотографов и только интересующихся фотографий поясню, на что влияет визуально каждый параметр.

Коррекция экспозиции

Экспозиция является яркостью фотографии. Недоэкспонированный снимок можно сравнить с ночной улицей стоящими фонарями где-то в дали. Переэкспонированный кадр, наоборот, чрезмерно светлый. Тут можно сравнить с выходом из темной дома на солнечную улицу. Первое время даже будет “резать глаза”.

коррекция баланса белого

Баланс белого — это самая большая проблема цветовой фотографии. Наше зрение отлично адаптируется в разных условиях освещения к распознаванию белого цвета. В можете сами в этом убедиться, основываясь на личном опыте. Так про обычный лист бумаги при лампе накаливания и на солнце вы скажете, что он белый. Камера видит цвета как есть, поэтому без настройки баланса белого он покажет оранжевый, белый либо голубой лист бумаги.

В сложных ситуация освещения, например при комбинированном свете, фотограф может ориентироваться на скинтон (от англ. skin tone — телесный оттенок). Дело в том, что на фотографии, на которых будут изображены люди, прежде всего зритель будет обращать внимание на цвет кожи. И если он будет синюшный, красноватый, зеленоватый или других оттенков, это будет заметно и восприниматься как неточность.

Фотограф Степанов А. Женский портрет в костюме баварки

Коррекция контрастности

Контраст очевидный параметр для фотографа. Им пользуешься, знаешь его влияние на снимок. Но объяснить простыми словами, что такое контрастность, довольно не просто. Но попробую. Нам нравится видеть объем на фотографии. Он создается при помощи фокуса, перспективы и проработанного светотеневого рисунка.

Тоновая шкала является важной и, порой, решающей для восприятия объема. За разницу тона отвечает контрастность. При низких значениях контраста фотография будет казаться плоской, при высоких — “выгоревшей”.

В фоторедактора, например Capture One Pro, контрастность регулируется с помощью таких инструментов, как контраст, кривая и уровни.

Коррекция насыщенности

Насыщенность — это сочность цвета. Как правило, этот параметр поднимают на 10-20 пунктов. В отдельных случаях насыщенность цвета могут наоборот уменьшить. Это уже зависит от художественной задумки фотографа.

Усиление резкости

Коррекция резкости фактически всегда производится в сторону увеличения. Нам приятно воспринимать главные фигуры на фотографии отчетливо отделенные от фона. По сути, резкость- это макро контраст на контуре объекта, за счет чего создается более отчетливое визуальное разделение.

Коррекция композиции

В коррекцию композиции в фотографии входит выравнивание линии горизонта и кадрирование в соответствие правилу третей, золотого сечения и т.

д. С опытом фотографу все меньше на обработке необходимо править этот аспект кадра.

Фотограф Степанов А. Обработка женского портрета До/после. (Ползунок не двигается)

Далее разберем второй уровень обработки — ретушь фотографии.

2. Ретушь фотографии

В широком смысле ретушь — устранение мелких недостатков на фотографии. Исправление дефектов может быть простым, продвинутым и профессиональным.

Фотограф Степанов А. Ретушь женского портрета до/после

Устранение дефектов

В первом случае фотограф-ретушер использует инструмент штамп или удаление пятна, чтобы убрать, скажем, прыщ на коже или ворсинку на ткани. Пожалуй, это единственный ретушь, которую фотограф может сделать для большого (более 20) объема фотографий.

Ретушь портрета

Более высокий уровень обработки портрета — это ретушь всего лица. При этом используется техника “цветовой контраст” и “частотное разложение”. Это уже не один инструмент, а их совокупность, причем применяются они в определенной последовательности.

Обработка достаточно ресурсозатратная в плане времени и компьютерной мощности. Поэтому данная ретушь применяется только к отобранным фотографиям.

Фотограф Степанов А. Ретушь по технике цветовой контраст рабочий слой и исходный снимок

Профессиональная ретушь

Самый высокий и трудоемкий уровень обработки — журнальная/глянцевая ретушь с применением dodge & burn. Используется для рекламных фотографий. При данной ретуши фотограф-ретушер исправляет фактически каждую пору на коже и корректирует и усиливает светотеневой рисунок лица. Как вы понимаете, это — длительный процесс.

Фотограф Степанов А. Результат обработки мужского портрета

3. Стилизация

И, наконец, уровень стилизации. Сюда можно отнести цветокоррекцию и собственно художественный стиль. Поясню.

Коррекция Цвета

В цветной фотографии фотограф особое внимание уделяет гармонизации цветов. Поэтому для съемки тщательно подбирается помещение, одежда, аксессуары и т. д. Но не всегда возможно учесть все. Да и сама техника вносит свои погрешности цветопередачи. Поэтому в фоторедакторе цвета приглушают, усиливают или меняют тон. Что и куда будет корректироваться зависит от выбранной цветовой гармонии.

Художественный стиль обработки фотографии

В фотографии существует определенные художественные стили. Мне особенно нравится Fine Art за визуальную естественную гармонию. Следует иметь в виду, что стиль — это не только обработка (хотя она безусловно очень важна). Главное здесь — правильно фотографировать в нужных условиях. Так для Fine Art характерно при съемки светлое помещение, простая и неяркая одежда, нюдовый макияж, рассеянный свет.

Фотограф Степанов А. Свадебная фотосъемка в стиле Fine Art

Так когда фоточки будут? Вместо вывода

Обработка фотографии — трудоемкий процесс. Он может занимать достаточно много времени. Так на каждый час фотосъемки приходит до 5 часов обработки. Причем фотографу необходимо делать перерывы.

С одной стороны, это связано с внимательностью и продуктивностью. С другой — при длительной работе за компьютером наше зрение “привыкает” к цветам, и неправильный оттенок или баланс белого может восприниматься нормальным.

просмотров всего: 367

Файн арт фотография что. Что такое Fine art? Что для вас значит понятие «сложный клиент»

Трудно найти сегодня специалиста свадебной сферы, который не слышал о фотографах и фотографиях в стиле fine art (файн арт), это направление сейчас переживает настоящий взрыв популярности.

Файн арт-фотографы становятся преимуществом при организации мастер-классов по декору, фишкой организаторов и мечтой многих молодоженов. Давайте же разберемся в этой теме подробнее!

Начнем с того, что fine art – это целое направление изобразительного искусства, в том числе и живописи, например, а не исключительно свадебные фотографии в пастельных тонах.

Fine art – художественное, творческое изображение реальности. Обычно свадебная фотосъемка – это репортажная работа, заключающаяся в красивой фиксации наиболее важных моментов свадебного дня. Fine art же – в основном постановочные кадры с поиском интересных фактур, линий, пластики, геометрии, необычного света.

То есть в принципе любой авторский фотосет со своей идеей и воплощением может являться художественным файн артом, но сегодняшний тренд файн арт-фотографии все-таки приобрел несколько заметных черт, по которым мы можем идентифицировать этот стиль в работах фотографа:

Пастельные оттенки
Легкость, утонченность
Обилие света
Акценты на деталях, неклассические портреты

На все это вдохновила нас пленочная фотография с ее уникальной цветопередачей, однако сейчас фотограф может пользоваться и цифровой камерой, достигая нужного «лампового» эффекта затем в графических редакторах.

В профессиональных обсуждениях фотографы часто спорят о том, является файн-арт фотография результатом работы и декоратора в том числе или же для настоящей «художественности» не нужны никакие дополнения. На мой взгляд, это целиком зависит от мастерства фотографа. Настоящий файн-арт профи сможет запечатлеть шедевр и без декора вовсе, используя только геометрию тела и свет.

Декораторы заинтересованы сами в таких нежных и светлых фотографиях их работы, так как декор – это не самоцель, это лишь способ подчеркнуть историю пары. И здесь появляется вопрос, чем можно заинтересовать фотографа для создания классного портфолио на острие тренда.

Основное требование – гармония и легкость. Все должно сочетаться между собой: декор, наряды, бэкграунд. Чем интереснее и тоньше будет все это связано между собой, тем более цельными и нежными получатся фотографии.

Кроме этого, я посоветую ориентироваться на то, что подбирают ведущие файн арт-фотографы для своих мастер-классов.

Например, посмотрите фотографии с этого МК Максима Колибердина, уловите принцип — http://koliberdinm.livejournal.com/80387.html?page

Фотограф Сергей Зинченко

Как вы видите, главное, дышать в одном стиле с фотографом, понимать его задумку, выдерживать нужную палитру оттенков.

Что думаете, коллеги? Приходилось ли вам работать на fine art-съемках? Расскажите о своем опыте.

Максим Колибердин, известный фотограф, который снимает в стиле fine art, рассказал Wedding о своем подходе к свадебной фотографии, гаджетах и съемке на телефон.

Стиль

Я снимаю в стиле fine art. По большому счету fine art — это не стиль. Если изучать вопрос и вдаваться в определения, то это художественная фотография. С подачи таких фотографов, как Хосе Вийя, который в своей книге «Fine Art Wedding Photography» описал свой подход к свадебной фотографии, это определение приобрело стилистические черты, которые можно описать как светлая, в пастельных оттенках, с мягким фокусом фотография, сделанная на пленку, с вниманием к деталям. Такой подход, с одной стороны, идет свадебным кадрам, эти фотографии передают светлый, нежный, в первую очередь женский праздник с женской энергетикой. С другой стороны, само определение fine art как художественной фотографии, как искусства, не предполагает каких-либо рамок. Безусловно, художественно можно снять и в темном ключе, не на пленку или с жестким фокусом. Мне кажется, сейчас много споров идет на тему того, что важно, на что снято, в каком свете и тому подобное. Думаю, во всем этом упускается самая главная вещь, а именно то, что, во-первых, это должно быть снято художественно, а все остальное это лишь инструменты. Поэтому свой подход к фотографии я определяю с этой позиции. Мне нравится снимать на пленку, потому что она дает изображению определенную эстетику, люблю погруженность в процесс съемки, которая дает возможность уловить что-то на грани случайности. Люблю делать атмосферные портреты, люблю ловить преломление или отражение света, люблю настоящие, иногда тихие эмоции людей. Благо свадьба как событие динамичное, эмоциональное, с разным светом и локациями на протяжении всего дня дает широкие возможности запечатлеть что-то интересное в любом жанре: портрет, натюрморт, пейзаж, и художественно это обыграть каждый раз по-другому.

Жанр

В свадебной фотографии сейчас два основных подхода. Это репортажный и постановочный, куда относится и fine art. Нужно понимать, что это разделение очень условно, так как невозможно снимать свадьбу только постановочно или только репортажно. Я думаю, тут важно, что фотограф ставит в приоритет. Для кого-то важно поймать момент, для кого-то важна эстетика изображения в виде его цвета, тональности, композиции.

Обработка

Я снимаю пленку и на цифру. Пленка после оцифровки редко нуждается в обработке, а цифру я обрабатываю под пленочные цвета. На мой взгляд, есть объективно хороший цвет, и с каждым годом так называемая «авторская тонировка» все больше уходит из моды. Я стремлюсь к чистому цвету, который можно найти как эталон в живописи. Кстати, когда разрабатывали пленку, то помимо химиков и физиков в разработке участвовали и дизайнеры, которые брали отображение цвета из живописи.

Do/Don’t

Когда я только начинал фотографировать свадьбы, у меня был список, что нужно снять в день свадьбы, сейчас я его держу в голове. Это помогает не упустить мелочи и сделать материал разнообразным. Весь тот список не имеет смысла приводить здесь. Если кратко, то «do» — это естественность, а «don’t» — это не провоцировать людей на не свойственные им эмоции и не показывать грязь, которую можно, как известно, найти везде.

Гаджеты

Я не сторонник использования большого количества гаджетов на съемке, так как они сильно отвлекают. Под интересные задачи могу что-то использовать. Например, на одной из последних съемок я использовал рисующий свет от обычного фонарика.

Взгляд в будущее

Самое лучшее. Технологии развиваются, и сейчас уже на телефон можно снять круто, поэтому от фотографа все больше требуется его уникального видения, а это ведет к тому, что свадебная фотография все больше становится искусством. Кстати, в этом контексте я считаю, что сейчас искусство и заказчик сильнее всего соединяется именно в сфере свадебной индустрии. В силу многих причин, в том числе и конкуренции, в ней очень высок уровень профессионалов. Свадебная фотография — один из самых сложных жанров, потому что он, во-первых, подразумевает умение снимать все — от портрета до репортажа, во-вторых, все это происходит в очень динамичной, разной по свету, локациям, психологии среде. А с технологической точки зрения будут цениться уникальные инструменты. Поэтому, с одной стороны, фотографы будут стараться освоить новые технологии, как например 3D, а с другой — будут возрождать старые, не массовые технологии. Пленка — одна из таких технологий.

У англичан имеется точное разделение среди Fine arts и Applied arts. Первое значит результат любого творчества, обладающий только эстетическим удовольствием, и никак не распространяется на практическое назначение. К примеру, панно Клода Моне «Уголок сада в Монжероне», находясь на торгах Christie’s, очутится в каталоге в подразделе Fine arts. В таком случае можно сохранить время в розыске картин для своих работ и по запросу «сад» не нажимать по изображению господина Моне. В России такая живопись является «снятой с мольберта» и несмотря на то, что данное известно только лишь ценителям, оно имеет место быть, и нет потребности влезать в глушь английского языка, чтобы дать определение этому феномену. Данная статья расскажет о становлении искусства фотографии в Советском Союзе и в России, и даст обзор о рынке фотографии. Какое наименование давать фото, если они не предусмотрены для иллюстрирования, журналов, рекламных растяжек, семейного альбома и любого иного бытового применения? Они в основном изображают эстетическую или умственную нагрузку, как в этих случаях могут представляться? Возможно, стоит назвать такое фото художественным. Термин «художественная фотография» очень часто используется, что порой кажется ругательством и режет слух.

Фотография не мгновенно заслужила свою роль в строю искусств. Невзирая на то, что в США, Европе и дореволюционной России с половины девятнадцатого века постоянно проводились экспозиции фотографий, и существовала лишь малая часть людей, которые олицетворяли фотохудожество, с независимым искусством. Фотография больше являлась, как дополнительный инструмент в науке и живописи, следовательно, в разделе “Fine arts” не имела возможность оказаться. И лишь когда на западе ей стали интересоваться частные галереи и коллекционеры, когда появилась винтажная, то есть авторская печать, а fine-art фотографы начали сужать тираж собственных творений, только тогда фото начало оцениваться как независимое искусство.

В начале двадцатого столетия фото предстают в галереях популярных музеев мира: Musйe d’Orsay, The Metropolitan Museum of Art. Фотохудожники начали работать не только лишь по заявкам издательств либо частных лиц, но и с целью индивидуальной реализации. В контексте маркетинга fine art фото породнилось с fine art живописью. Нужно уметь различать термин винтаж – это отпечаток с носителя (пленка, матрица), произведенный на бумажном носителе самим автором или под его контролем от понятия тираж – фото с лимитированным числом напечатанных фото. К примеру, в случае если около фото прописано 3/5, то в таком случае нужно обращать внимание на третье фото из имеющихся пяти.

Пример работы в стиле файн арт — фотография

Данные определения могут помочь понять, как формируется нынешний рынок fine art фото. Во – первых, имя и уровень популярности фотографа, а во – вторых, качество и тираж его фотокарточек. Например, деятельность германского фотографа Andreas Gursky дороже трудов британского фотографа Michael Kenna не только из-за различия в популярности, но из-за различия тиражей. Издание каждой фото Andreas Gursky десять штук. То есть каждое фото не более десяти экземпляров, обычно их шесть, в то время, когда у Michael Kenna тиражируется 50 экземпляров. В среднем работа Andreas Gursky стоит сотни тысяч долларов, а у Michael Kenna всего лишь пять тысяч.

Пример работы в стиле файн арт — фотография

В России Fine arts фотография долгий период времени была неактуальна. Горе тысяча девятьсот семнадцатого года в отношении культур отодвинуло государство на второй план в визуальном искусстве. Польза, которая являлась главным принципом во времена СССР, по – мимо всего искусства подчинила себе максимально фотографию. На выставках показывали успехи народного хозяйства, или исторические моменты партий. Деятельность фотографов считалась халтурой в изданиях и дополнительным заработком на свадьбах. Никто не знал, что за одну фотокарточку заграницей дают в несколько раз больше денег, чем русский фотограф мог заработать за всю жизнь. В Советском Союзе попросту отсутствовало понятие коллекционирование фото.

В настоящее время мало, что поменялось. Мало кто задумывается о том, что квартиру либо кабинет можно декорировать не плакатом из магазина мебели, а творением фото искусства, которое можно приобрести напрямую у автора или на выставке. Например, в США одна галерея приходится на тридцать тысяч человек, в то время как в России фотовыставки можно пересчитать по пальцам.

Но все же обстановка немного меняется. Популярных по всему миру фотографов позиционируют не только лишь в Столице и Питере, но и в иных крупных городах нашего государства. Отечественных фотографов все больше и они чувствуют себя частью современного искусства, занимаясь продажей своих фоторабот заграницей. Это лишь может означать, что через определенный период времени fine art фото придет в понимание жителей России. Не только как прием для декора помещений, но и отличный вид денежных вложений. Это и станет помощью молодым фотохудожникам для дальнейшей деятельности на поприще художественной фотографии.

Любители фотографий в сети Интернет могут найти всевозможные стили обработки фотографий. Вашему вниманию предлагается рассмотреть направление файн-арт на примере работ «Пряча мое сердце » (Hiding my heart) немецкого фотографа Андреа Хубнера (Andrea Hubner).

Файн-арт – это направление в художественном оформлении фотографии, включающее в себя образы и цветовую тональность. Безусловно, для данного жанра необходимо и модель одеть и накрасить в соответствующем стиле, но для примера обработки фотографии возьмем обычную фотографию девушки. Нам необходимо придать фотографии сине-оранжевые тона.

Открываем изображение (пример) и приготовимся создавать массу корректирующих слоев. Создаем корректирующий слой «Цветовой тон/Насыщенность» и начинаем придавать синеву.

Создаем корректирующий слой «Уровни», настраиваем изображение, делая его темнее.

Создаем корректирующий слой «Цветовой тон/Насыщенность» и устанавливаем «Тонирование», сдвигая курсор в сторону синего цвета.

В слое-маске этого корректирующего слоя кистью мягкого типа черного цвета прокрашиваем девушку.

Это делается для того, чтобы откорректировать задний фон.

Копируем слой с девушкой и перетаскиваем его поверх всех слоев. Приделываем к этому слою слой-маску и в ней кистью черного цвета закрашиваем все, кроме девушки. Нажимаем на вторую часть слой (с девушкой) и заходим во вкладку «Изображение» открываем «Коррекция» и далее «Цветовой баланс». Настраиваем тональность девушки. Изменяем режим наложения слоев на «Цветность» и уменьшаем непрозрачность до 40-50%.

Возвращаемся к нижним слоям и над слоем с девушкой создаем корректирующий слой «Кривые», чтобы откорректировать освещение.

В слое-маске этого корректирующего слоя кистью черного цвета закрашиваем девушку.

Становимся на верхний слой и «Прямоугольным выделением» обводим все изображение. Заходим во вкладку «Редактирование» — «Скопировать совмещенные данные» — «Вставить». Для слоя с совмещенными данными заходим во вкладку «Фильтр» — «Имитация» — «Масляная живопись». Задаем минимальные значения.

Создаем корректирующий слой «Фотофильтр» и задаем цвет оранжевой тональности.

Изменяем режим наложения слоев на «Насыщенность» и уменьшаем непрозрачность до 90%.

Возвращаемся к слою с совмещенными данными и обрабатываем изображение. Инструментом «Размытие» небольшого диаметра проходим по коже девушки, не задевая черты лица.

Этим же инструментом сглаживаем задний фон.

Инструментом «Осветление» с непрозрачностью в 50% проходим по щекам.

Создаем новый слой и кистью синего цвета рисуем над глазами небольшие кружочки. Изменяем этому слою режим наложения на «Исключение» и уменьшаем непрозрачность до 10-20%.

Создаем новый слой и кистью под цвет помады прорисовываем губы. Этому слою изменяем режим наложения на «мягкий свет» и уменьшаем непрозрачность до 60-70%

Инструментом «Затемнение» подрисовываем тени на веках.

Таким образом, получаем изображение с нереалистичными цветовыми тонами.

Рассказали о том, как и почему они стали ее частью, о сложившихся канонах и чертах, которые Fine Art приобрел в России.

Максим Колибердин:

В мир фотографии я пришел семь лет назад. Купил фотоаппарат и стал снимать простые сюжеты, потом более сложные, творческие: стрит, портрет, экспериментировал с отражением, смешанным светом, длинной выдержки. Многими теми фотографиями я до сих пор горжусь, по ним видно, что фотография для меня была новым и по-настоящему захватившим меня миром. Естественно, я стал изучать, кто и как снимает, какие стили и звезды есть в свадебной фотографии.

На Западе был стиль, которого у нас я никогда не видел, — Fine Art Wedding Photography . И одним из ярких его представителей был и остается Хосе Вийя. Я долго не мог понять, как он добивается таких акварельных цветов, плавности перехода тонов, пока не узнал, что все это снято на пленку. И с тех пор пленка — это моя большая любовь. Кроме того, я снимаю на средний формат, что дает просто изумительный объем изображению.

Такое изображение «роднее» глазу человека. Еще мне нравится психология съемки на пленку. В отличие от цифры, количество кадров на ней ограниченно, поэтому снимать приходится более вдумчиво, каждый кадр стараешься сделать как можно лучше и отличным от других. Только с использованием пленки я по-настоящему понял, что такое работа фотографа. Когда работа с изображением делается не в фотошопе, а непосредственно в момент съемки.

Самый главный минус пленки — это ее стоимость. Помимо того что каждый ролик стоит около $10, кадры нужно еще проявить и оцифровать, что тоже затратно. Кроме того, цветную пленку сложно использовать в плохих условиях освещения. Других минусов у пленки нет, а любовь к ней нивелирует для меня даже эти.

Цифровую фотографию, как ни странно, я тоже люблю. У нее есть одно большое преимущество. Как говорит фотожурналист Сергей Максимишин: «Не жалейте нажатий, может случиться неожиданный подарок от Бога». Как вы понимаете, такие нажатия при съемке на пленку слишком дорогое удовольствие, а цифра дает возможность получить этот самый подарок бесплатно.

Fine Art — это художественная фотография. Многие считают, что Fine Art — это обязательно светлая, с мягким фокусом, в пастельных оттенках фотография, но это не так. Художественной может быть и темная резкая фотография. Однако светлое изображение лучше подходит под свадебную тематику.

В сравнении с Америкой у нас не так много фотографов, снимающих в этом стиле. В России за последние несколько лет свадебная индустрия качественно сильно выросла. Агентства, декораторы, стилисты стремятся сделать интересные проекты, а Fine Art с его вниманием к деталям лучше всего подходит для отображения этой командной работы.

За прошлый сезон появилось порядка 20 таких фотографов. В начале всегда идет копирование. И нужно сказать, что период этот мы преодолели очень быстро — всего за пару лет. Сейчас российская Fine Art фотография довольно сильная. На Западе в этом стиле снимают уже как минимум 10-15 лет, и там сложились некие каноны того, как это должно выглядеть.

В России в силу климата фотография имеет свои особенности. Например, известно, что так называемый золотой час в наших северных широтах по своим оттенкам сильно отличается от золотого часа в южных широтах, скажем в Калифорнии, где делалось 90% файнартовых фотографий.

Также у нас свадебные традиции отличаются от европейских или американских. Наши свадьбы роскошнее и динамичнее. Если бы у нас еще были такие локации, как в Европе, то русские свадебные фотографы были бы самыми счастливыми. И главное отличие — это, конечно, невесты. Говорить про красоту русских женщин все равно что повторять прописную истину, но все же повторюсь!

В любой фотографии, в том числе и в Fine Art, самое важное — это свет. Но в то же время от мастерства фотографа зависит, как будет использован этот свет. Хороший фотограф может обыграть, показать красиво и интересно «плохой» свет, а непрофессиональный будет говорить, что ему чего-то не хватает.

Мой главный совет паре, которая выбирает фотографа на свадьбу: оценивайте его работы не с позиции зрителя, а с позиции человека, который будет изображен на этих фотографиях. Хотели бы вы, чтобы вас, ваших гостей запечатлели именно так? Какими бы вы хотели увидеть себя на этих фотографиях, скажем, через 30 лет, какими бы вас увидели на них ваши дети, внуки?

И второй важный момент: попросите, чтобы фотограф показал вам несколько съемок от и до. Немаловажно, чтобы это был человек примерно одного с вами уровня интересов и внутреннего мира. Свадьба — атмосферное событие, и, если фотограф не настроен на одну с вами волну, часть важных кадров он просто может не увидеть. Также будьте готовы к тому, что пленочный фотограф обойдется дороже, так как часть гонорара идет на пленку, проявку и сканирование.

Алексей и Марина Муравник:

Почему именно Fine Art? Потому что в этом стиле сочетается все, что нужно для самых красивых свадебных фотографий. Это дыхание ветра, тепло закатного солнца, океанский бриз, нежность цветочных лепестков, легкость шелка и сложность узоров кружева ручной работы. Это сочетание естественного света, мягких полутонов, глубины пленочных цветов, это элегантность и хороший вкус — фотографии вне времени , которые хочется поставить на камин своего будущего загородного дома. Если сравнивать свадебную Fine Art фотографию с живописью, то для меня она импрессионизм — «возможность естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления».

Среди западных свадебных фотографов мои любимцы — это Erich McVey , Laura Gordon , Kurt Bumer , Jen Huang . В России фотографы заново открывают для себя пленку, приходят к выводу, что живая наполненная эмоциями классика всегда будет актуальна, и отходят от экстремальных ракурсов и обработок. Визуально российский Fine Art отличается от американского. У нас другие типажи лиц, цвет зелени, свет, свадебные локации, культура и традиции. Но я надеюсь, что внимание к эстетике кадра останется трендом надолго.

Если вы решили выбрать фотографа, снимающего в стиле Fine Art , в первую очередь обратите внимание на портфолио реальных свадеб. Съемка творческих проектов в тепличных условиях и свадьбы со всеми ее сложностями, форс-мажорами и компромиссами — это совершенно разные вещи.

Советую поговорить о том, какие условия нужны фотографу, чтобы показать идеальный результат. Для стиля Fine Art ключевую роль играет хорошее естественное освещение.

Без правильно составленного тайминга, учитывающего эту особенность, у фотографа просто не будет возможности сделать для пары фотографии ее мечты.

Если же говорить о декоре, то в Fine Art картинку создает гармоничное сочетание всех элементов, живые цветы, изысканные детали, качественные материалы.

Для свадьбы до 100 человек необходимо и достаточно двух фотографов . Важно, чтобы эти они были из одной команды, постоянно работали вместе, знали и понимали задачи друг друга. Для меня идеальный микс — это сочетание цифры и пленки . Пленка — для красоты, магии, съемки всех этапов дня с хорошим освещением: сборов, церемонии, прогулки. Цифра — для скорости, безопасности, съемки банкета.

Фото: Максим Колибердин, Марина Муравник
Интервью: Марина Кобрина

Обработка фотографий в стиле Fine Art

Александр Амбалов – талантливый петербургский фотограф с узнаваемым подчерком, подруживший в себе инженерный ум и творческое начало. Известен многим, как автор amlab.me — образовательного портала, специализирующегося на онлайн-курсах для фотографов и специалистов смежных творческих специальностей.
На своей лекции в Академии re:Store Александр расскажет об обработке в стиле Fine Art и про гаджеты, упрощающие жизнь современному фотографу. Лекция Амбалова будет максимально практической. Почти все два часа будут посвящены приемам обработки и получению новых эффективных навыков.
Материал лекции будет интересен как фотографам-профессионалам, так и любителям.

Программа Лекции
1. Получение богатого цвета и правильная настройка профилей в Lightroom.
2. Анализ пленочных артефактов.
3. Воссоздание необходимого тонального распределения на цифровой фотографии.
4. Три вещи, на которые нужно обратить внимание: свет, оттенки, разнообразие цвета.
5. Гаджеты, которые помогают в пути: iPad, iPhone, Wifi SD Card.
6. Программы, которые помогают в дороге: Lightroom mobile, VSCO, Snapster, Snapseed.
7. Демонстрация.
8. Ответы на вопросы слушателей.
О сети монобрендовых магазинов re:Store (www.re-store.ru)
re:Store – самая большая сеть монобрендовых магазинов формата Apple Premium Reseller (APR) в Европе. Входит в состав группы компаний Inventive Retail Group холдинга Ланит. Первый магазин re:Store был открыт в 2005 году в московском ТРЦ «Атриум». В сеть входят 80 магазинов re:Store формата Apple Premium Reseller в России‚ 19 – в Европе. В магазинах re:Store представлен весь модельный ряд техники и программного обеспечения Apple, официально поставляемых в Россию. Помимо продукции Apple, в магазинах re:Store можно найти продукты Bowers & Wilkins, Bose, JBL, Wacom, Jawbone и многих других брендов.
За дополнительной информацией обращайтесь к Михаилу Эленбергеру,
[email protected], тел +7(964)365-57-19
а также к Людмиле Семушиной,
руководителю пресс-службы компании Inventive Retail Group,
[email protected], (495) 651-62-88, доб. 183

Советы по съемке fine art. Обработка фотографии в стиле файн-арт

Пастельные оттенки
Легкость, утонченность
Обилие света
Акценты на деталях, неклассические портреты

Фотограф Сергей Зинченко

Что думаете, коллеги? Приходилось ли вам работать на fine art-съемках? Расскажите о своем опыте.

«Файнартщики тоже снимают трогательные минуты поздравлений, чудесные мгновения магии первого танца, восторженные улыбки гостей, счастье, смех, танцы. Всю историю свадебного дня от сборов до торта, просто в своём художественном стиле — тонко , элегантно , изящно и со вкусом», — считает .

«Я думаю, что идеально открывать портфолио фотографа и видеть на его снимках себя. Не повторить точь-в-точь чью-то свадьбу, но хотеть увидеть свою — глазами этого человека. Для того, чтобы не беспокоиться за результат — просите полные серии . Чтобы не беспокоиться за общение — договоритесь о личной встрече . Паре необходимо выбрать человека, которому они захотят доверять. Обсудите заранее с фотографом все волнующие вас вопросы относительно фотографий, их количества. Когда тебе доверяют. как профессионалу своего дела — это чувствуется и хочется сделать так, чтобы результат превзошёл все ожидания», — комментирует фотограф .

«В своей работе я отдаю предпочтение элегантному репортажу и динамичной постановке , все вместе должно гармонировать, так как, на мой взгляд, свадьбу нельзя разделить только на постановку или только на репортаж, свадьба — это целый спектр эмоций и быстро меняющиеся действия, где надо уловить момент. Даже в постановке есть та миллисекунда, где есть тот самый взгляд или та самая эмоция, которую нужно успеть запечатлеть. Молодоженам следует заранее определить, что они хотят получить: репортаж или постановку, или все вместе, и исходя из этого выбирать “своего” фотографа», — замечает фотограф .

Съемка в стиле файн арт

Что же из себя представляет стиль файн арт? Файн арт является довольно популярным стилем свадебной фотографии вот уже на протяжении 13 лет.

В свадебной фотографии файн арт приобрел свои очертания и стилистику благодаря известному фотографу Jose Villa — именно он первым ввел этот термин и применил его к своему стилю. Фотографы, выбравшие этот стиль, обладают определенным видением света и цвета, что позволяет им создавать художественные атмосферные снимки. Свадебный фотограф акцентирует внимание на том, что «в последние годы всё большую популярности в свадебной фотографии набирает волшебное слово файн арт. Невесты попадают под очарование пленочных кадров, закатного света, воздушной перспективы. Но всегда стоит помнить о том, что в погоне за томными постановочными кадрами в пастельных оттенках не стоит пренебрегать настоящими эмоциями, которые присущи только репортажной съемке. Слезы мамочки, восторг подружек и весь драйв вечеринки не передать никаким другим стилем. В реальных условиях свадьбы не всегда идеальный свет, и не всегда есть время для взвешенного пленочного кадра. Я всегда рекомендую своим парам искать баланс и не пускаться в крайности: проведите утренние сборы и часть прогулки в неспешном темпе файн арт, а большую часть церемонии и банкета доверьте специалисту в сфере репортажной съёмки» .

При проведении фотосессии в стиле файн арт «старайтесь не смотреть в камеру, даже если вам очень хочется. Если взгляд нужен будет для кадра, то фотограф вам об этом обязательно сообщит», замечает Анна Столярова, представитель команды .

Репортажная съемка

Свадебный фотограф акцентирует внимание на том, что «мои съемки часто очень отличаются друг от друга, как отличаются и пары, и их свадьбы. Иногда это “темные” и фактурные истории, с минимумом светлых постановочных кадров и большим количеством не самых комплиментарных фото с танцпола. А иногда серии, богатые деталями, декором и спокойными кадрами со съемки пары на закате. Я приверженец того, что свадьбе надо дать случиться такой, какой она должна быть. Свадебная съемка отличается от прочих элементом случайности. Надо просто успевать за изменением плана и снимать день таким, какой он есть» .

Пастельные оттенки
Легкость, утонченность
Обилие света
Акценты на деталях, неклассические портреты

Фотограф Сергей Зинченко

Что думаете, коллеги? Приходилось ли вам работать на fine art-съемках? Расскажите о своем опыте.

Максим Колибердин:

Алексей и Марина Муравник:

Фото: Максим Колибердин, Марина Муравник
Интервью: Марина Кобрина

Создаем корректирующий слой «Уровни», настраиваем изображение, делая его темнее.

В слое-маске этого корректирующего слоя кистью мягкого типа черного цвета прокрашиваем девушку.

Это делается для того, чтобы откорректировать задний фон.

В слое-маске этого корректирующего слоя кистью черного цвета закрашиваем девушку.

Создаем корректирующий слой «Фотофильтр» и задаем цвет оранжевой тональности.

Изменяем режим наложения слоев на «Насыщенность» и уменьшаем непрозрачность до 90%.

Этим же инструментом сглаживаем задний фон.

Инструментом «Осветление» с непрозрачностью в 50% проходим по щекам.

Инструментом «Затемнение» подрисовываем тени на веках.

Таким образом, получаем изображение с нереалистичными цветовыми тонами.

Основные принципы обработки изобразительного искусства — BWVISION

НЕСКОЛЬКО ПОЯСНИТЕЛЬНЫХ ЗАМЕЧАНИЙ

Прежде чем мы применим эти принципы к изображению, мы должны принять к сведению несколько основных концепций создания изображений и добавить некоторые пояснения к упомянутым принципам

Определение фигуры и фона

Возможно, самый высокий уровень анализа изображения состоит в том, чтобы разбить изображение на 2 простых элемента: фигуру и фон. Принцип, очень хорошо описанный автором Марком Гетлейном в его книге «Жизнь с искусством».Все сводится к тому, чтобы установить, что является вашим самым важным объектом, фигурой, и вашим вспомогательным фоном, землей. Основанием может быть все, что угодно, только не ваша фигура. Передний план может быть наземным, как и небо или любой другой тип фона. Если вы хотите узнать больше, я также написал об этом в этом посте.

Изоляция фигуры и эффективное привлечение внимания

Итак, что делать после того, как вы определили свою фигуру и фон? Чтобы эффективно привлечь внимание, фигура и область земли, которая близко пересекается с фигурой, должны иметь самый высокий контраст, самый яркий свет и наибольшее количество деталей.В идеале все остальное должно быть менее контрастным и темным, чтобы эффективно привлекать внимание. В идеале, что не означает, всегда. Если вы понимаете эту концепцию, вы можете поиграть с «напряжением» в других частях изображения и нарушить это правило. Или, возможно, на вашем изображении больше одной фигуры. Давайте придерживаться самой простой версии, состоящей всего из 1 фигуры и фона.

Вы обнаружите, что даже если вы точно знаете, каковы ваша фигура и фон, и имели это в виду, когда делали снимок в поле, количество и распределение контраста, бликов и теней не такие, какими они должны быть. эффективный.В этом случае это нужно будет исправить на этапе постпродакшна. И чтобы сделать это эффективно и с максимальным контролем, вам нужно будет изолировать фигуру от земли. И вот тут в дело вступает маскировка. Как минимум нужно иметь жесткую маску как от фигуры, так и от земли. Эти две маски называются критическими масками. Оттуда могут быть получены внутренние маски, которые особенно необходимы, когда у вас есть геометрические или искусственные объекты. И они почти всегда представляют собой жесткую маску, поскольку им нужно изолировать фигуру от фона, а не мягкую или светящуюся маску.Маски яркости изолируют свет, а не фигуру, если только распределение интенсивности света точно не совпадает с фигурой и фоном, что обычно не так.

Маскирование и часто полностью игнорируемый хороший анализ маски — это отдельный набор навыков Photoshop и полевых навыков, которые, если все сделано правильно, требуют большего, чем просто изучение техники или приемов Photoshop. Я объяснил все о маскировании и правильных методах, анализе и рабочем процессе в своем 5-часовом видео о расширенном маскировании, и это слишком сложно, чтобы рассказывать здесь.Я также написал сообщение в блоге под названием Photoshop Masks and Selections Guide , которое вы можете использовать в качестве отправной точки.

ПРИМЕНЕНИЕ ПРИНЦИПОВ ВЫСОКОГО УРОВНЯ К ИЗОБРАЖЕНИЯМ

Теперь, когда мы описали и объяснили принципы высокого уровня, как мы можем применить это на практике в постобработке, независимо от того, какую технику обработки или программное обеспечение мы используем? Для этого я создал последовательность шагов, представленную ниже.

Обратите внимание, что все шаги после шага 2 сгруппированы в шаги Рисунок и Земля, и я сначала начинаю с Земли, но это просто мои личные предпочтения. Если вы предпочитаете начать с рисунка, вы должны. Также обратите внимание, что шаги с 3 по 10 можно повторять столько раз, сколько необходимо. В моем личном рабочем процессе шагу 10 отведено особое место, так как это шаг, который я часто вставляю после каждого шага после шага 2.

ПРАКТИЧЕСКАЯ ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ШАГОВ – РУКОВОДСТВО

Определить фигуру(ы) и фон(ы) . Смотрите мой пост о том, как это сделать.
Изолировать фигуру от земли путем создания критических масок (жестких масок) .Вы можете пропустить этот шаг, но тогда у вас будет меньше контроля над контрастом, интенсивностью света и восприятием глубины как фигуры, так и фона. Обработка становится более сложной и менее точной. При этом Рисунок можно разбить на отдельные плоскости производными масками. Особенно геометрические объекты, в которых отдельные плоскости ограничены ребрами, всегда нуждаются в отдельно получаемых масках.
Пониженный контраст на Земле. Затем затемните, если фон должен быть более темным и неброским, или осветлите, если он должен быть светлее и насыщенным.Но перед затемнением или осветлением важно сначала снизить контрастность, иначе вы получите более высокий контраст на земле, независимо от того, освещена она или затемнена. Это шаг, который большинство людей забывают.
Затемнить или осветлить землю – см. шаг 3.
Уменьшить контрастность на рисунке выборочно . Тот же принцип, что и при снижении контраста в Ground. Идея состоит в том, что сначала понизив контрастность, легче увидеть, что должно быть светлее/темнее/менее или более контрастно.Также будет легче контролировать тональность и контрастность.
Затемните или осветлите рисунок в зависимости от того, как должен падать свет. По существу то же самое, что и в шаге 3 для Земли, но теперь более выборочно
Увеличить контраст вокруг рисунка
Выборочное восстановление деталей на рисунке — часто с использованием жестких масок с пересекающимися масками яркости в изолированных областях.
Верните некоторые детали на Землю выборочно и более тонко, чем детали на рисунке.Цель состоит в том, чтобы добавить точки интереса, например, чтобы подчеркнуть направляющую линию. Или улучшить настроение, подчеркнув облака. Есть несколько причин, по которым вы захотите сделать это после удаления контраста, но всегда имейте в виду, что он должен быть вспомогательным по отношению к фигуре с точки зрения контраста и интенсивности света. Использование масок яркости с пересекающимися жесткими масками в изолированных областях.
Создайте глубину для каждой плоскости с помощью тонких постепенных переходов от темного к светлому и наоборот для каждой плоскости на рисунке и на фоне.Часто я делал этот шаг после каждого шага после шага 2.

Что такое художественная фотография и как ее снимать на iPhone?

Проявите свою творческую сторону и откройте для себя невероятный мир художественной фотографии! Этот жанр фотографии может быть сложным и полезным, позволяя вам взглянуть на фотографию с точки зрения художника и творчески представить идеи и предметы, которыми вы увлечены. Любой, у кого есть iPhone, может стать фотографом, но чтобы назвать свои фотографии искусством, нужны творческий подход, талант и много экспериментов.Если вы хотите заниматься искусством с помощью камеры, то художественная фотография — отличный жанр для вас.

Что такое художественная фотография?

Правда в том, что существует множество определений художественной фотографии, и даже у экспертов нет единого мнения о том, что это такое. Как и все искусство, то, что определяет художественную фотографию, является субъективным, но вот несколько вещей, которые имеют все фотографии изобразительного искусства.

Художественные фотографии захватывают больше, чем просто то, что видит камера.
Изображения выражают настроение, концепцию или идею способом, уникальным для художника.
Процесс создания фотографии – это сознательное проявление видения художника.

Разница между снимком и художественной фотографией

Создание быстрого снимка не требует художественного видения или предусмотрительности. Вы видите что-то, что, по вашему мнению, могло бы стать приличной фотографией, достаете телефон и нажимаете кнопку спуска затвора. Бывают случаи, когда снимок вас приятно удивит, и даже случаи, когда ваши снимки будут достойны печати или подарка.Но это еще не делает их искусством.

Художественная фотография — это результат творческого процесса, который часто бывает разным для каждого фотографа. Это включает в себя придумывание темы, создание видения этой темы и воплощение ее таким образом, который выражает ваше видение.

Можно ли снимать художественные фотографии на iPhone?

Несмотря на то, что вы можете снимать художественные фотографии на iPhone, иногда вы можете обнаружить, что камера вашего iPhone не способна выразить идеи, которые вы задумали.Ограничения вашей камеры iPhone включают небольшой сенсор, шумные фотографии при слабом освещении и разрешение, которое может не подходить для крупномасштабных репродукций. Если вы знаете об ограничениях, с которыми столкнетесь при съемке на iPhone, вы можете создать и воплотить свое видение с учетом этих ограничений.

Как придумывать идеи для художественной фотографии

Чтобы создавать художественные фотографии, вам сначала нужно заглянуть глубоко внутрь себя и придумать тему и видение, которыми вы хотите поделиться в качестве творческого самовыражения.Вот несколько шагов, которые помогут найти свой уникальный голос и создать художественную фотографию.

Ваше видение и сообщение

Первый шаг — придумать несколько идей, с которыми вы сможете работать. Проведите сеанс мозгового штурма и запишите идеи, основанные на ваших увлечениях, любых сообщениях, которые вы надеетесь донести до своих зрителей, предметах, которые вам нравится фотографировать, и техниках, которые вам нравятся. Не думайте слишком много — просто запишите несколько идей в свободном стиле потока сознания.По мере прохождения процесса темы и идеи начнут формироваться изнутри.

Ваши предметы

Как только у вас появится более четкое видение и сообщение, вы можете подумать о своей теме. То, что вы фотографируете, должно быть напрямую связано с вашей темой таким образом, чтобы выражать ваше видение и идею.

Вот пример. Вы решили создать художественную фотографию, основанную на теме балетных танцев, с посланием, которое определяет тяжелую работу и самоотверженность, необходимые для того, чтобы стать танцором.Объектом съемки может быть пара потрепанных балеток, снятых в разных местах, или это могут быть портреты артистов балета. Все зависит от вашего собственного видения и того, что воплотит вашу идею в жизнь.

Ваша техника

После того, как вы определились с темой, пришло время спланировать фотосессию и определиться с техникой. Вы хотите создать абстрактный элемент на своих фотографиях? Снимать в черно-белом? Возможно, вы хотите снимать с малой глубиной резкости, чтобы подчеркнуть главный объект, в то время как остальная часть фотографии будет не в фокусе.

Обдумывая свою технику, помните об ограничениях вашего iPhone и спросите себя, сможет ли ваш телефон реально справиться с задачей. Скорректируйте свои идеи, основываясь на том, с чем, как вы знаете, может справиться ваша камера iPhone, или рассмотрите возможность использования другой камеры для вашего проекта.

Вы также должны рассмотреть свои методы постобработки — идеи, которые вы можете применить после того, как сделаете фотографию, чтобы ваше видение стало реальностью.

Советы по портретной фотосъемке

Вы обнаружите, что этапы планирования вашего проекта художественной фотографии являются наиболее трудоемкими.Как только у вас появится базовое представление о вашем видении, сообщении, теме и методах, фактическая реализация должна быть легкой или, по крайней мере, более легкой. Вот несколько советов, как воплотить свое видение фотографии в реальность.

1. Наймите друга или помощника

Художественная фотография требует, чтобы вы создали видение и творческий план, а затем предприняли шаги, чтобы воплотить этот план в жизнь. Может быть полезно иметь рядом друга, который поможет с настройкой, освещением или другими творческими процессами. Помощник также может выступать в качестве модели, советника или дополнительной пары рук. Еще одно преимущество? Снимать художественную фотографию с другом веселее!

2. Изучите правила композиции, но не бойтесь их нарушать

Существуют десятки правил композиции, невероятно полезных для фотографов. Эти правила были созданы, чтобы помочь художникам размещать объекты таким образом, чтобы заинтересовать зрителя. Правила композиции включают в себя использование правила третей, использование направляющих линий, заполнение кадра и использование золотого сечения.Как только вы узнаете правила и поймете, почему они важны, вы не должны бояться их нарушать.

3. Используйте штатив и дистанционный затвор

При работе с художественной фотографией есть несколько веских причин всегда использовать штатив и дистанционный затвор. Во-первых, использование штатива гарантирует, что ваши фотографии будут резкими и в фокусе. Использование штатива также зафиксирует вашу композицию и освободит ваши руки для внесения необходимых корректировок. Штативы также отлично подходят для создания автопортретов, фотографий при слабом освещении и динамичных снимков.Штатив, безусловно, является одним из самых полезных инструментов в наборе фотографа и стоит вложений.

4. Снимайте в формате RAW для большего контроля

Начиная с iPhone 12 Pro и iPhone 12 Pro Max у вас будет возможность снимать фотографии в формате RAW, чтобы лучше контролировать процесс редактирования. Файл RAW несжатый, предоставляя больше данных изображения, чем стандартный JPEG. Фотографии в формате RAW отличаются большей детализацией и расширенным динамическим диапазоном, а также обеспечивают большую гибкость и творческий контроль при редактировании.Если камера вашего iPhone не поддерживает формат RAW, не бойтесь. Просто выберите качественное стороннее приложение для камеры, например ProCam, которое можно приобрести в App Store за 7,99 долларов США.

5. Экспериментируйте с фильтрами и творческим редактированием во время постобработки

Вы должны подумать о своих методах редактирования, когда впервые начинаете планировать снимок. Подумайте о внешнем виде, к которому вы стремитесь, и о возможных изменениях, которые вы можете использовать, чтобы воплотить свое видение в реальность.Выбираете темный и угрюмый образ, сюрреалистическую фантазию или яркий и воздушный? Существуют ли фильтры, которые можно использовать, чтобы улучшить фотографию и воплотить в жизнь свое видение? Представление о том, как вы хотите, чтобы ваша фотография выглядела, поможет вам настроить композицию, а редактирование просто улучшит внешний вид вашей работы. И да, вы можете поэкспериментировать с методами редактирования и фильтрами после фотосессии — это просто помогает иметь представление об отредактированном виде, который вы собираетесь получить на раннем этапе процесса.

Съемка черно-белой художественной фотографии

Черно-белая фотография часто является отличным выбором для воплощения вашего видения в реальность.Это потому, что элемент цвета настолько заметен в фотографии, что иногда может отвлекать зрителя от того, что пытается передать художник. Если цвет не является основным акцентом вашего изображения, рассмотрите возможность использования черно-белого изображения, чтобы воплотить свое видение из концепции в реальность.

1. Снимайте в цвете и конвертируйте позже

Многие фотографы с самого начала используют черно-белый фильтр, чтобы с самого начала иметь представление о том, как будет выглядеть снимок. Это нормально, если вы хотите снимать таким образом, но захват цветного изображения даст вам больше гибкости при редактировании позже.Когда вы делаете черно-белую фотографию с помощью приложения камеры, вы не сможете переключиться на цвет, если вы недовольны результатами. Но снимайте в цвете, и вы сможете выбрать свой любимый вариант редактирования во время постобработки, будь то преобразование в черно-белое или во что-то совершенно другое.

2. Попробуйте увидеть свое изображение черно-белым

«Видеть» в черно-белом просто означает смотреть на сцену и наблюдать за тональным контрастом, чтобы вы могли реалистично предсказать, как черно-белый фильтр повлияет на вашу окончательную фотографию. Ищите драматические условия освещения, в том числе резкое боковое освещение, туман и мягкое освещение под облачным небом или в глубокой тени. Вначале вам может быть трудно игнорировать цвет в сцене, поэтому может быть полезно использовать фильтр «Моно» в приложении «Камера» вашего iPhone.

3. Ищите узоры, текстуру и контраст в вашей сцене

Выбирая композицию для своей черно-белой художественной фотографии, обратите внимание на сильные графические элементы, такие как текстуры, линии и узоры.Эти элементы, как правило, выделяются, когда отвлекающий внимание цвет убирается. Опять же, использование монофильтра на камере iPhone сделает эти элементы более заметными при компоновке снимков.

4. Используйте фильтры и приемы редактирования для улучшения общего настроения

Черно-белая фотография имеет тенденцию улучшать любое выбранное вами настроение, поэтому какой бы фильтр или метод редактирования вы ни использовали, он будет подчеркивать это настроение. Редактирование ярких белых бликов и черных теней добавит минималистичности и большого количества негативного пространства.Создание мягкого контраста с большим количеством различных оттенков серого и меньшим количеством белого и черного придаст вашей фотографии более мечтательный вид. Поэкспериментируйте с ползунками экспозиции, теней и бликов, чтобы добиться желаемого результата, и не забывайте экспериментировать с фильтрами, которые позволяют вносить изменения одним касанием.

Художественная фотография заставляет задуматься обо всех элементах, используемых для создания произведения искусства, — о видении, посыле, творческом процессе и технических аспектах изображения.Поэтому, даже если изобразительное искусство не является вашей специализацией, эксперименты с художественной фотографией сделают вас лучшим фотографом.

границ | Каковы этапы творческого процесса? Что говорят студенты изобразительного искусства.

От существующих творческих и художественных процессов к художественно-творческому процессу

Творческий процесс определяется как последовательность мыслей и действий, ведущих к оригинальным и соответствующим продуктам (Lubart, 2001; Lubart et al. , 2015). Творческий процесс может быть описан на двух уровнях: макроуровень , показывающий стадии творческого процесса, и микроуровень , который объясняет механизмы, лежащие в основе творческого процесса, например, дивергентное мышление или конвергентное мышление (Ботелла и др.). др., 2016). Хотя работы, посвященные микропроцессам, имеют тенденцию согласовываться с набором механизмов, которые могут быть задействованы в творческом процессе, работы, посвященные макропроцессам, не достигли консенсуса относительно природы или количества этапов, вовлеченных в творческий процесс.В таблице 1 показаны некоторые из различных моделей, которые можно найти в научной литературе, с перекрытием или разделением между некоторыми этапами моделей. В данной статье мы рассматриваем микропроцессы как содержание более глобального, макроуровневого процесса, позволяющего описать построение художественного произведения от начала (т. та работа). Более того, этот процесс можно рассматривать с психологической и индивидуальной или с социокультурной точки зрения (Glǎveanu, 2010; Burnard, 2012). В настоящем исследовании, расположенном в области изобразительного искусства, мы будем рассматривать художественно-творческий процесс как индивидуальное явление.

Таблица 1 . Синтез некоторых примеров моделей творческого процесса.

Искусство часто считается архетипической областью исследования креативности (Schlewitt-Haynes et al., 2002; Stanko-Kaczmarek, 2012), дополняемой исследованиями научного, музыкального, дизайнерского и литературного творчества (Glaveanu et al. , 2013). Даже если между различными творческими областями можно наблюдать некоторое совпадение, каждая сфера имеет свою специфику (Botella and Lubart, 2015).Цель этого раздела состоит в том, чтобы объединить некоторые существующие модели творческого процесса и художественного процесса, чтобы изучить, каким может быть художественный творческий процесс. Очевидно, что этот раздел не может быть исчерпывающим, но предлагает первое рассмотрение многочисленных важных этапов художественно-творческого процесса.

Процесс начинается с ориентации , в которой человек идентифицирует проблему, которую необходимо решить (Osborn, 1953/1963), называемой также стадией выбора проблемы (Busse and Mansfield, 1980) или чувствительностью к задачи (Гилфорд, 1956). Определение проблемы включает в себя создание как можно большего количества вопросов. Для Ранко и Доу (1999) поиск проблем относится к процессу «ощущения пробелов» (Торранс, 1962), то есть обнаружению недостающих элементов. В том же духе Бруфорд (2015) предложил этап дифференциации , состоящий из сохранения информации, которая приводит к созданию чего-то другого, включая интерпретационные и выразительные музыкальные различия. Кроме того, Mumford et al. (1994) предложил проводить различие между обнаружением проблемы (т.д., отвергая проблемы, которые не соответствуют действительности, неверны или неполны; Гетцельс и Чиксентмихайи, 1976 г.; Arlin, 1986), постановка задачи (т. е. поиск правильной формулировки) и построение задачи (т. е. описание задачи). В области искусства Fürst et al. (2012) предложили модель художественного производства, которая включает цель создания .

Затем следует подготовка , первая стадия, описанная в ранней модели макропроцесса Валласом (1926).Карсон (1999) объяснил, что на этом этапе человек определяет проблему (или понимает ее; Треффингер, 1995) и собирает информацию для ее решения. Основываясь на серии интервью с писателями, Дойл (1998) утверждал, что творческий процесс начинается с инцидента , когда человек обнаруживает идею. В литературе по художественному процессу Мейс и Уорд (2002) предложили четырехэтапную модель, основанную на интервью с профессиональными художниками. Для них художественный процесс начинается с оформления художественного произведения.Следовательно, работа инициируется более или менее смутной идеей или впечатлением. Недавно, основываясь также на серии интервью с профессиональными художниками, Botella et al. (2013) определили шесть этапов творческого процесса в искусстве, начиная с идеи или « видения », в которых образ, образ, звук резонируют с художником.

Перед второй основной стадией, описанной Валласом (1926), некоторые авторы после подготовки добавляли дополнительные стадии. Основываясь на предыдущем обзоре литературы, Botella et al.(2011) предлагают стадию концентрации («Я концентрируюсь на работе, которую я должен сделать»), на которой можно сосредоточить внимание создателя на тех решениях, которые считаются адекватными, и отвергнуть другие решения (Карсон , 1999). Осборн (1953/1963) добавил анализ , когда создатель делает шаг назад, чтобы определить отношения между идеями и важность каждой идеи; и представление , когда у человека возникают альтернативные идеи. Busse и Mansfield (1980) указали также на стадию, требующую приложения усилий для решения проблемы.

Затем, согласно Wallas (1926) и многим другим авторам, происходит инкубация (Osborn, 1953/1963; Shaw, 1989, 1994; Runco, 1997; Runco and Dow, 1999; Botella et al. , 2011). Это время уединения и расслабления, когда на подсознательном уровне происходят ассоциации идей (Carson, 1999). Недавно Сэдлер-Смит (2016) реинтегрировал пятую стадию в модель Валласа: догадка происходит между инкубацией и инсайтом. Интимность описывается как «цепочка ассоциаций» на пограничном сознательном уровне, между сознательным и бессознательным уровнями (с.346). Кропли и Кропли (2012) также пересмотрели работу Валласа и разделили стадию инкубации на активацию и генерацию . Процесс снова становится сознательным на стадии представления с порождением дальнейших идей, которые не обязательно оцениваются или оцениваются. Затем человек испытывает озарение или озарение (Эврика!) с появлением идеи, образа или решения (Wallas, 1926; Carson, 1999).Боден (2004) отметил, что озарение или озарение требуют предшествующих мыслительных процессов.

Генерация идей может происходить по-разному в соответствии с разными моделями. Busse и Mansfield (1980) описали этап, на котором создатель устанавливает ограничения, связанные с решением проблемы, а затем еще один этап, включающий преобразование этих ограничений или адаптацию ограничений, которые не подходят. Для Дойла (1998) существует некоторая форма навигации между различными областями знаний, которая позволяет оценить актуальность этой идеи.Основываясь на Дьюи (1934), Бруфорд (2015) предложил этап отбора , на котором создатель выбирает один вариант из нескольких, что требует способности действовать и контролировать. В области искусства Мейс и Уорд (2002) назвали этот шаг развитием идеи , на котором художник структурирует, завершает и реструктурирует идею. Ботелла и др. (2013) с помощью интервью с профессиональными художниками определил этап документации и отражения , во время которого художники собирают больше информации о материалах и технологиях, необходимых для того, чтобы воплотить свое видение в реальность.Последняя стадия, описанная Валласом (1926), — это верификация (Busse and Mansfield, 1980). Новые идеи проверяются и проверяются , что приводит к разработке решения и его производству (Carson, 1999). Точнее, Осборн (1953/1963) предложил две различные фазы синтеза , состоящего из объединения идей и различения отношений между ними.

Грубер (1989) утверждал, что четырехступенчатая модель неполна. Для Расса (1993) не хватает этапа применения или развертывания творческого производства.Treffinger (1995) эффективно добавил стадию идеи производства , ведущей к действию посредством планирования . Эта работа соответствует разработке и реализации идей через поиск решений (оценка, отбор, переопределение), а затем принятие этого решения (продвижение идеи, поиск ее достоинств и недостатков). Этот последний этап позволяет материализовать найденные идеи и решить проблему. В этом ключе в области искусства Мейс и Уорд (2002) описали реализацию идеи, во время которой художник трансформирует эту идею в физическую сущность.Ботелла и др. (2011) также добавили этапы планирования («Я планирую свою работу») и производства («Я создаю/формулирую свои идеи»). Результаты наблюдений в области искусства позволили предположить, что производственная стадия состоит, по сути, из двух стадий: стадии, состоящей из поиска идей через творческий жест (наброски, наброски, макеты), и затем стадии, состоящей из реализация уже сконструированной идеи (перенос идеи на конкретный носитель). Начальная стадия «производства» описывает аналогичное действие, но лежащие в его основе когнитивные микропроцессы другие. В первом случае цель состоит в том, чтобы произвести, чтобы сформулировать идею, а во втором случае, чтобы реализовать уже существующую идею. В исследовании, состоящем из интервью с профессиональными художниками, Botella et al. (2013) подтвердили этапы первых эскизов для придания материальной формы первоначальному проекту, проверки форм и идей, возникших в результате размышлений и предварительной работы, и предварительных объектов , «черновиков» и почти готовых продуктов .Пересматривая модель Валласа, Кропли и Кропли (2012) упомянули этап общения , как Бруфорд (2015) с музыкантами.

Для Осборна (1953/1963) последней стадией является оценка (Ранко и Доу, 1999; или оценка для Бруфорда, 2015), на которой человек оценивает выбранную идею. Для Мейса и Уорда (2002) последний этап художественного процесса, называемый завершением , приводит художественную работу к завершению (или проверка согласно Botella et al. , 2011; Кропли и Кропли, 2012). Художник переоценивает постановку и может закончить, доработать, отказаться, отложить, сохранить или уничтожить ее. Если художник считает, что поставленная перед ним миссия выполнена, он может принять решение выставить произведение. Недавно профессиональные художники предложили добавить еще один этап с серией , превратив первый объект во множество объектов (Botella et al., 2013).

Все эти модели были разработаны на основе рациональных или эмпирических подходов.Оригинальные работы и модели Пуанкаре и Валласа были задуманы на основе, соответственно, их собственного опыта и прагматических эмпирических наблюдений. Патрик (1935, 1937) поддержал предложение Валласа, собрав эмпирические данные в виде наблюдений и устных отчетов поэтов и художников, которым было предложено выполнить конкретное творческое задание. Тогда большинство «стадийных моделей» основывается на такого рода рациональном или эмпирическом анализе, с вербализациями, уточнениями и разъяснениями процессов самими участниками в большинстве случаев. Следовательно, эти модели можно рассматривать как особый подход к творчеству, отличный от психометрического, проблемного или когнитивно-экспериментального подходов (Kozbelt et al., 2010). Недавние исследования четырехэтапной модели Валласа снова подтвердили, что исследователи не согласны с количеством стадий: Кропли и Кропли (2012) обнаружили семь стадий, тогда как Сэдлер-Смит (2016) обнаружил пять стадий на основе книги Валласа.

Цели

Модели творческого процесса и художественного процесса не согласуются ни по характеру, ни по количеству этапов творческого художественного процесса (см. Howard et al., 2008). Это отсутствие консенсуса можно объяснить тем фактом, что (а) творческий процесс представляет собой сложный феномен, описанный Осборном (1953/1963), который считал, что творение начинается с « остановок и пусков » или «». хватайте то, что можете ”-процессы; (б) модели творческого процесса строятся на основе определенного творческого населения и конкретной области творчества, хотя они описываются так, как если бы они были общими и могли применяться ко всем областям, будь то искусство, наука, музыка, письмо или дизайн. Процесс чаще всего описывается в общих чертах, как будто он должен применяться ко всем областям творчества, будь то искусство, наука, музыка, письмо или дизайн; (c) описания художественного процесса не всегда принимают во внимание определение творчества, в частности контекстуально богатый, ситуативный характер, которым могут обладать оригинальность и уместность; и (d) используемые методологии были разными [будь то обзор литературы (Busse and Mansfield, 1980; Botella et al., 2011), серия интервью с писателями (Doyle, 1998), с профессиональными художниками (Mace и Ward, 2002; Botella et al., 2013), либо прикладной и консалтинговый подход (Carson, 1999)].

Целью настоящего исследования является прямой опрос некоторых участников художественного творчества, а именно студентов, изучающих изобразительное искусство. Однако, возможно, было бы слишком амбициозно просить их полностью описать свой творческий процесс. Мы предполагаем, что отсутствие консенсуса в предыдущих исследованиях могло быть связано с желанием охватить все аспекты творческого процесса в одном исследовании. Итак, опрошенные здесь студенты описывают лишь то, что составляет для них этапы процесса их художественного творчества.Мы просим их конкретно перечислить этапы их процесса, чтобы быть как можно более исчерпывающим. Это качественное исследование позволяет выявить, какие этапы мысленного представления художественно-творческого процесса студенты считают значимыми, а не опираться на этапы, извлеченные из научной литературы по творчеству. С помощью этого исследования мы не сможем иметь макровидение всего художественного творческого процесса, но мы составим список стадий, участвующих в изображении этого процесса.

Учитывая описательный характер настоящего исследования художественно-творческого процесса, его результаты могут быть интегрированы в дальнейшую работу в рамках «Дневника отчета о творческом процессе» (CRD, Botella et al., 2017). CRD является полезным и актуальным аналитическим инструментом для оценки творческого процесса в естественном контексте, когда он происходит, обеспечивая экологическую достоверность. Возможна реализация различных версий CRD в зависимости от контекста, области творчества и любых других соображений.CRD состоит из двух частей: часть, в которой перечислены этапы творческого процесса (которая будет максимально исчерпывающей, исходя из настоящего исследования), и часть, в которой перечислены такие факторы, как когнитивные, волевые, эмоциональные и экологические, которые могут иметь значение. творческий процесс (например, мы могли оценить командную работу; Peilloux and Botella, 2016). Наконец, CRD позволяет моделировать творческий процесс для людей на месте в течение всего времени, необходимого для их создания. Таким образом, цель CRD будет заключаться в наблюдении за связью и переходами между стадиями художественно-творческого процесса и в изучении того, какие факторы будут задействованы на каждой стадии.Однако для этого нам необходимо в рамках настоящего исследования максимально исчерпывающе перечислить все этапы процесса изобразительного художественного творчества, что позволит создать конкретный ЦРД для наблюдения за процессом при дальнейшем изучении.

Методы

Участники

Выборку составили 28 учащихся второго курса школы изобразительного искусства. Семнадцать студентов были женщинами и 11 мужчинами ( средний возраст = 20,9 лет, sd = 1,7, диапазон = 19–24 лет).Обоснование выбора этой выборки заключалось в том, чтобы взять интервью у участников с некоторым художественным опытом, но избежать выборки, привыкшей к интервью с четко отформатированными идеями. В предыдущем исследовании, когда мы брали интервью у профессиональных художников (Botella et al., 2013), мы заметили некоторую рутину в дискурсе. Некоторые художники были знакомы с интервью и рассказывали историю, обычно историю произведения искусства, но иногда репортажи были далеки от их собственной истории и, следовательно, от их собственного творческого процесса.

Руководство по собеседованию

Целью исследования было построение перечня стадий процесса изобразительного художественного творчества. Учитывая это, руководство для интервью было намеренно сделано кратким и открытым и состояло всего из двух вопросов: (1) «Как вообще происходит ваш творческий процесс?» и (2) «Как бы вы назвали этапы, которые вы только что упомянули?»

Дополнительные вопросы интервьюера позволили учащимся описать еще один этап своего творческого процесса. Основные подсказки заключались в том, чтобы переформулировать последнее предложение, данное участником, и спросить: «Когда вы сделали […], что вы делаете дальше?» или «Можете ли вы более точно описать, что вы делаете, когда закончите […]?» Было очень важно не провоцировать идеи нашими вопросами, поэтому мы просто переформулировали слова, используемые самими студентами, изучающими изобразительное искусство, чтобы помочь им перечислить этапы своего художественного творческого процесса.

Интервью были полуструктурированными и длились в среднем 10 минут. Очевидно, что интервью были слишком короткими, чтобы охватить всю сложность художественного творческого процесса с его аспектами «остановись и иди» или «хватай, что сможешь» (Осборн, 1953/1963).Однако для инвентаризации этапов этого было достаточно. Дополнительная ценность этого исследования заключается в том, чтобы сфокусировать интервью на этапах, которые рассматривали сами студенты изобразительного искусства, и как они их назвали.

Процедура

В соответствии с руководящими принципами нашего учреждения и национальными правилами одобрение этических норм не требуется. После того, как участники дали информированное согласие, студенты-добровольцы были опрошены в их художественной школе во время курса творчества. В этой ситуации им легче было вспомнить этапы своего изобразительного художественного творчества.Участников отвели в отдельную комнату, чтобы они могли пообщаться один на один с интервьюером. Интервьюер (а затем и аналитик) был первым автором со знанием литературы о творчестве и творческом процессе, который уже реализовал множество интервью, в основном с художниками (Botella et al., 2013; Glaveanu et al., 2013). Подсказки состояли в том, чтобы переформулировать то, что говорили участники, чтобы убедиться, что мы не провоцировали использование определенных терминов.

Результаты

Учитывая, что нашей целью было инвентаризировать этапы художественно-творческого процесса, мы проанализировали слова, использованные во время интервью. Термины, используемые студентами, были сгруппированы в наборы эквивалентности с помощью программного обеспечения Tropes, которое представляет ссылки, цитируемые не менее трех раз. Название, сохраненное для категории, было наиболее цитируемым термином; другие цитаты использовались для описания категории. В первой части анализа мы сосредоточим внимание на этапах процесса изобразительного художественного творчества, спонтанно возникших в ходе дискурса участников. Следовательно, мы будем иметь дело с ответами на первый вопрос в руководстве по интервью. Во второй части мы рассмотрим этапы, названные студентами.Наконец, мы сопоставим эти два анализа, чтобы проверить, действительно ли стадии, названные участниками, соответствуют стадиям, упомянутым в дискурсе. Ожидается, что названия будут очень похожи для обоих анализов, но это сопоставление служит для перекрестной проверки категоризированных наборов терминов и их меток.

Определение стадий процесса из открытой беседы учащихся

Основываясь на ответах студентов на первый вопрос руководства по проведению интервью, были перечислены все термины, упомянутые не менее трех раз. Следует отметить, что программа уже умеет группировать некоторые термины по контексту: например, «невозможно» и «невозможно» считаются похожими. Программное обеспечение также может идентифицировать совпадения комбинированных терминов, таких как «прикладное искусство». Затем термины были сгруппированы аналитиком в соответствии с контекстом, в котором они появились (см. Таблицу 2). Контекст помог нам определить термины, относящиеся к творческому процессу. Когда термины кажутся соответствующими одной и той же идее, они группируются вместе, например, «блокнот», «набросок», «рисунок» и «письмо».Мы провели восходящую иерархическую классификацию, сгруппировав по два наиболее близких слова. Количество кластеров не было определено заранее, и группировка была остановлена, когда мы посчитали, что другая агрегация не имеет значения. Термины, не относящиеся к творческому процессу, не сохранялись («год», «искусство», «сцена», «иметь склонность», «социальная среда» и др.).

Таблица 2 . Категории референций, используемых в студенческом дискурсе.

В таблице 2 указано, сколько раз упоминалась категория и сколько студентов ссылались на эту категорию, поскольку один и тот же студент мог упоминать одну и ту же категорию несколько раз.Один этап состоит из приближения к предмету, овладения им, получения знаний об используемых словах, связанных с предметом (S14: «Итак, ты идешь туда, ты бросаешься»). Отражение относится к усилиям учащихся по расшифровке и пониманию темы. На этом этапе могут возникать визуализированные образы (S1: «Думаю, за неделю я все исправлю»). Этап исследования включает в себя посещение учащимся библиотеки для сбора ссылок на художников и предыдущие работы (S4: «Я ищу ссылки, чтобы посмотреть, что было сделано.Есть время документации»). Затем учащийся строит базу знаний из уже созданных работ, прежде чем дистанцироваться от этих работ. Вдохновение основано на впечатлении и опыте по данному предмету (S24: «это действительно то, что я чувствую, и я знаю, что смогу продолжить это»). Хотя термин озарение не использовался, мы можем отметить наличие этой стадии в сообщениях студентов о «внезапно появляющейся идее» или о «случайном натолкнунии на идею» (S6: «Это не совсем осознанно.Это происходит так. Идеи приходят одни. Мы это чувствуем. И после этого мы пытаемся исходя из этого привести эту мысль в ту рамку, которая могла бы быть уместной»). Испытания соответствуют созданию блокнотов с эскизами. Учащиеся записывают свои наброски и делают попытки, прежде чем смогут найти идею (S27: «Я стараюсь изучить как можно больше вещей»). Организация состоит из учащихся, которые упорядочивают, направляют и организуют свой подход, смешивая существующие идеи и комбинируя их вместе (S25: «Существует порядок, который необходимо определить»).Студент должен будет выбрать идею из всех предложенных (S25: «Я выберу лучшую»). Работа неизбежно включает в себя одну или несколько техник (S18: «Будь то компьютер, фотошоп или рисование, поторопитесь. Действительно, используйте все, что я знаю как технику, прежде чем дойдете до финальной штуки»). В зависимости от индивидуальных предпочтений и ограничений ситуации учащийся выберет тот или иной метод. Продукт творческого процесса конкретизируется на этапе реализации (S9: «Перехожу непосредственно к реализации с материалами.Я беру картину и делаю это прямо на чистку»). Этап спецификации указывает на то, что учащийся улучшает, уточняет и добавляет последние штрихи к работе (S15: «Я улучшаю то, что уже нарисовал. Прежде всего, я упрощаю. Потому что склонен ставить слишком много»). Завершение относится к этапу, на котором работа завершена, завершена и добровольно остановлена (S28: «Я очень дотошен и трачу много времени на завершение»). Стадия суждения соответствует оценке выполненной работы (S27: «Вообще, я должен закончить заранее, чтобы я мог долго смотреть на нее, а потом посмотреть, не хватает чего-то или нет.Потому что иногда у меня создается впечатление, что она вообще не закончена, и, глядя на нее, я наконец понимаю, что она ничего не упускает или что она упускает именно вещи»). Презентация — это момент, когда учащиеся представляют свою работу учителям (S20: «Это когда я показываю учителям»). Стадия неудачи свидетельствует о том, что ученик что-то забросил, будь то работа или идея. В последнем случае ученик отбрасывает одну идею и начинает что-то новое, либо начинает заново на основе уже существующей работы (S3: «Если нехорошо, не ухожу, начинаю заново.Со мной часто случается, когда я закончил и это некрасиво, что я знаю, что это нехорошо, мне все равно, я трачу еще 8 часов, 10 часов, чтобы переработать очередной том. В общем, когда я резюмирую, это все та же тема, но уже не та идея»).

Определение этапов процесса, названных учащимися

Этот анализ был сосредоточен на втором вопросе в руководстве по проведению интервью, т. е. на том, как студенты называли этапы своего изобразительного художественного творческого процесса. Термины были сгруппированы в Таблице 3.Отсюда мы смогли выделить 16 стадий процесса изобразительного художественного творчества.

Таблица 3 . Категории, используемые при наименовании этапов творческого процесса.

Погружение относится к усвоению работы, которую необходимо выполнить; он включает в себя прослушивание инструкций, данных учителем, определение слов в теме и участие в проекте. Рефлексия относится к форме мозгового штурма, когда учащийся пытается понять, расшифровать тему и поразмышлять над ней. Исследование может быть сосредоточено на художниках, документах, книгах, Интернете и направлено на то, чтобы учащиеся создали базу знаний для себя. Вдохновение похоже связано с интуицией и инстинктом. Видение относится к идеям, которые обнаруживаются и появляются сами по себе. Пробы обозначают все пробы, заметки, наброски, заметки и тесты, сделанные учащимися. Сборка относится как к попытке применить новый подход, так и к различным идеям, возникающим в результате объединения идей.Стадия новых идей включает в себя различные возникающие идеи. Стадия выбора включает в себя выбор идеи. Материалы также были упомянуты с точки зрения фотографии и объема. Стадия реализации относится к действию, композиции, конкретизации, производству и к передаче идеи в среду. Стадию спецификации можно рассматривать как увеличение глубины анализа, развитие работы, ее корректировку. Доработка это завершение работы.Стадия рассмотрения указывает на шаг назад от работы, формулирование анализа работы и подвергание сомнению собственной работы. Презентация относится к тому факту, что учащиеся должны обосновать, объяснить и представить свою работу. Тот факт, что учащиеся позволяют работе урегулировать , переваривать и дышать, может относиться к понятиям перерывов и инкубации. Наконец, учитель также упоминался как часть этапов процесса художественного творчества, когда учащиеся просят о помощи, потому что они застряли, или когда им нужна ссылка.

Сопоставление двух анализов и выделение стадий процесса изобразительного художественного творчества

Эта конфронтация позволила нам убедиться, что учащиеся действительно описали все этапы своего творческого процесса, тем самым подтвердив количество и характер шагов, включенных в процесс, чтобы интегрировать их в CRD (см. Таблицу 4). Четырнадцать стадий фигурируют как в свободной речи, так и в стадиях, названных студентами, одна стадия упоминается только в дискурсе, а две стадии упоминаются при наименовании стадий процесса.В итоге было сохранено 17 различных этапов. Только этап, относящийся к учителю, не сохранился, поскольку учитель больше соответствует социальной опоре, чем этапу процесса. Кроме того, преподаватель может быть частично включен в этап исследования как источник знаний.

Таблица 4 . Противостояние двух анализов.

На этапе погружения цель состоит в том, чтобы усвоить тему и выслушать инструкции учителя.Некоторые учащиеся могут иногда испытывать потребность в определении слов и понятий, присутствующих в теме (S1: «Что я делаю лично, я беру слова, и мне требуется несколько дней или даже неделя, в зависимости от времени проекта, чтобы получить вещи). прямо, вдумайтесь, потому что иногда есть такие очень расплывчатые темы, которые мы совсем не понимаем, а потом становится все более и более точным»). Такой подход позволяет им «впитать» тему, броситься в бой и начать с себя (S18: «Дело в том, что я часто склонен вникать в идею.Когда вы даете мне предмет или что. Я прямо сейчас догадываюсь, что это за штука и что я могу с ней сделать»). Рефлексия позволяет понять, что нужно делать, и расшифровать требования учителя. Умственная работа может иногда начинаться с визуализации образа. Этот образ может направлять ученика на протяжении всего процесса (S20: «Я не могу начать искать слово, если не визуализирую конечное «что». Даже если я переделаю после…»). На этапе исследования студенты учатся искать художников, ссылки, документы и уже созданные работы по интересующей их теме.Твердая база знаний и культура в отношении предыдущей работы могут помочь создать новые и оригинальные идеи (S15: «Учителя дают нам исследования. Потому что, когда мы приходим сюда, у нас в любом случае не обязательно есть культура с точки зрения графики. Они дают нам отсылки посмотреть. Это потому, что часто это иногда отсылки хореографов и это немного выходит за рамки изобразительного искусства и графики. И вдруг, это позволяет сравнивать вселенные. И тогда мы улучшаем то, что делаем».) . Вдохновение происходит, когда идея возникает медленно и постепенно.По словам студентов, это основано на инстинктах, впечатлениях и чувствах (S14: «Иногда вы чувствуете, что у вас много данных, и из этого вы можете начать что-то хватать»). Хотя слово освещение никогда не упоминалось, в литературе этому этапу уделяется большое внимание. В интервью это переводится как «привидение», «натолкнуться на идею» и «эй, есть идея!», где идея иногда приходит из неизвестного места (S5: «Иногда она приходит одна».; S21: «Я не смотрел.На самом деле он упал на меня. И так после, вы должны прийти в норму»). Использование тетрадей собрать студентов испытаний , их эскизы и их заметки. Они позволяют учащимся опробовать и протестировать изображение. Что еще более важно, учителя изучают тетради, чтобы следить за развитием работы учащихся. Блокноты показывают ход мыслей учащихся, то, как они выполнили ту или иную работу (S2: «Эти идеи я всегда записываю в свой блокнот, чтобы показать учителю»). Сборки идей являются результатом логических связей, которые учащийся устанавливает между несколькими существующими идеями.Таким образом, это соответствует тому направлению, которое студент желает придать своей продукции и будущей работе (S3: «Я стараюсь смешать все воедино»). Стадия идеации в дискурсе не упоминалась. Об этом упоминалось только тогда, когда студенты называли этапы. Выбор относится к классификации и сортировке идей. Цель здесь — выбрать, какие идеи можно эксплуатировать, а какие, напротив, следует отложить в сторону (S24: «Трудно выбрать, по какому пути идти»). Техника — очень важный аспект для начинающих художников. Они должны соблюдать коды, правила, найти типографику, свой стиль. Хотя студенты редко называли этот этап таковым, он присутствует в их дискурсе (S27: «Я применил некоторую технику. Например, меня немного учили технике коллажа, я эксплуатировал эту вещь после потому что мне это нравилось.Я пытался извратить это со школы на свой лад»). Реализация относится к воплощению идеи в образ.Именно в этот момент формируются композиция и постановка материального произведения (S18: «Я стараюсь реализовать это в лучшем случае»). Этап спецификации раскрывает улучшения, добавленные детали, изменения и исправления, внесенные в проводимую работу. На этом этапе учащиеся добавляют детали, которые они изначально не планировали (S23: «Когда у меня есть что-то, что мне нравится, я копаю это еще больше, чтобы посмотреть, смогу ли я это использовать»). Завершение относится к моменту, когда учащийся решает, что работа выполнена.Работа закончена, или почти на стадии завершения (S17: «Это никогда не закончено. Для визуализаций есть фиксированная дата и там она закончена. Но только для оценки. А вообще, нам всегда есть что добавить , фотографии для резюме, вещи для возврата. В основном, мы это делаем, если у нас есть жюри в конце года. А здесь мы пытаемся доработать проект начала года».). Термин решение также не упоминался в явном виде. Однако его можно найти в терминах шага назад, подвергая сомнению свою работу, наблюдая за ней с большим вниманием и, таким образом, оценивая ее (S3: «Я смотрю на [мою работу].Я думаю вместо учителей. Если бы я был учителем, если я посмотрю, если что-то не так, если есть пятно, если я увижу, что что-то не так, если это не хорошо, хорошо вырезано, я начну все сначала». ). Хотя эта стадия прямо не упоминалась в дискурсе студентов, но стадия разрыва , по-видимому, тоже существует. Его цель — дать идеям отдохнуть, переварить, осесть и «дышать». Дискурс предполагает также наличие проб и ошибок. Поскольку слово «неудача» кажется слишком сильным, мы сохраняем термин « отказ от », коннотации которого менее негативны (S3: «Иногда я меняю свою идею, а иногда, когда я работаю, это невозможно») .

Обсуждение

Цели данного исследования состояли в том, чтобы определить характер и количество стадий, присутствующих в творческом визуально-художественном процессе, для построения определенного CRD. 28 студентов-художников попросили описать свой процесс изобразительного художественного творчества и назвать его этапы. Сравнивая дискурс этих студентов-искусствоведов и названия, которые они давали различным этапам своей работы, мы выделили 17 этапов.

Immersion присутствует в нескольких существующих моделях.Это соответствует приготовлению по модели Валласа (1926) (синтез см. в табл. 5). Валлас рассматривает подготовку как предварительный анализ, позволяющий определить и поставить проблему. Та же идея присутствует в консалтинго-центрической модели Карсона (1999) и в работе над творческим процессом актеров (Блант, 1966; Немиро, 1997, 1999). Осборн (1953/1963) говорит вместо ориентации, в которой человек определяет проблему, которую необходимо решить. Shaw (1989, 1994) также предлагает термин «погружение». Отражение обычно включается в подготовку. Осборн предлагает этап, когда человек делает шаг назад, чтобы изучить связи, существующие между различными идеями. Совсем недавно этот этап рефлексии был выявлен в интервью с профессиональными художниками (Botella et al. , 2013). Этап исследования требуется школе искусств (S8: «У нас много указаний от учителей, которые нам помогают. Мы должны пройти исследование».). Исследования также обычно включаются в подготовку.Следует отметить, что в модели Треффингера (Treffinger, 1995) подготовка называется пониманием. Цель здесь состоит в том, чтобы человек искал информацию о проблеме. Также Runco (1997) упоминает стадию информации. Здесь этап исследования может помочь студентам, изучающим изобразительное искусство, отличить свою работу от предыдущих (Bruford, 2015). В интервью с профессиональными художниками (Botella et al., 2013) этот этап поиска сочетался с рефлексией, как поиск средств (т.е., материальные или технологические) для превращения первоначальной идеи в реальное производство.

Таблица 5 . Соответствие между этапами, сохраненными в настоящем исследовании, и существующими этапами в области исследования.

Вдохновение соответствует интуиции и метапознанию (Cropley, 1999). Помимо прочего, это позволяет нам определить, какой подход будет более эффективным, чем другой. Поликастро (1995) определяет интуицию как имплицитную форму обработки информации, которая предназначена для предвосхищения и направления творческих исследований.По ее словам, интуиция может допустить бессознательный переход от инкубации к озарению. Однако интуиция никогда не считалась этапом в творческом процессе или в художественном процессе. Таким образом, это этап, специфичный для текущего исследования. По словам студентов, этап вдохновения близок к этапу намека, добавленного между инкубацией и пониманием (Sadler-Smith, 2016). Удивительно и интересно, что студенты изобразительного искусства рассматривают вдохновение как этап своего творческого процесса.Таким образом, повторение этого исследования будет необходимо, чтобы подтвердить, действительно ли это этап или фактор, участвующий в творческом процессе. Слово « освещение » как таковое студентами не упоминалось. Многие авторы ранее показали, что этап освещения редко упоминается студентами, изучающими искусство. Дойл (1998) описал озарение как случайность, когда решение появляется внезапно и неожиданным образом (Уоллас, 1926). Следовательно, описание этой стадии, сделанное студентами, можно было бы назвать озарением: идея приходит или появляется неожиданным образом.Другие авторы считают, что это озарение в большинстве случаев будет более постепенным, чем внезапным (Ghiselin, 1952; Gruber and Davis, 1988; Weisberg, 1988). Хотя возможно, что озарение не является частью всех творческих процессов, или что творцы могут не всегда осознавать это, стадия озарения остается ключевой стадией в творческом процессе, потому что именно на этой стадии происходит воплощение идеи. форма.

испытаний , тестов и возни, сделанных учащимися, могут соответствовать стадии развития идеи в модели Мейса и Уорда (Mace and Ward, 2002).В своем описании художественного процесса Мейс и Уорд утверждают, что во время развития идеи художник структурирует, завершает и реструктурирует идею. Авторы указывают, что этот пробный этап позволит художникам сформировать для себя более точное представление об исходном проекте. Этот этап выполняется в Художественной школе в альбомах для рисования.

Сборка соответствует микропроцессу дивергентного мышления, в котором идеи собираются и смешиваются вместе. Напротив, конвергентное мышление позволяет сосредоточиться на одной идее (Guilford, 1950).Этот способ мышления позволяет людям найти единственное решение проблемы. Генерация идей, которые еще не были проверены и оценены, соответствует идеям (Carson, 1999). Осборн (1953/1963) упоминает стадию синтеза, состоящую из объединения идей и установления отношений между ними.

Выборка относится к концентрации (Carson, 1999). Концентрация позволяет сосредоточить внимание человека на тех решениях, которые он считает адекватными, и отвергнуть другие решения.Ни в одной модели не подчеркивается этап выбора техники . Тем не менее, художник должен определить технику, которая позволит ему воплотить идею в жизнь наилучшим образом. В ходе интервью с профессиональными художниками технические вопросы были включены в этап документирования (Botella et al. , 2013). Однако в настоящем исследовании, поскольку 71,43 % студентов упомянули этот этап в своем выступлении, а 17,86 % назвали его прямо, мы решили рассматривать «технику» как специфический этап изобразительно-художественного творческого процесса.В дальнейших исследованиях будет интересно выяснить, характерна ли эта стадия для изобразительного искусства или это более распространенная стадия, касающаяся других областей творчества.

Спецификация может соответствовать доработке. Бергер и др. (1957) определил проработку как способность человека детализировать выработанные идеи. Этот этап также может быть связан с творческим объяснением, цель которого состоит в том, чтобы художник объяснил идеи (Shaw, 1989, 1994).

Реализация относится к творческому производству (Треффингер, 1995) или к творческому синтезу (Шоу, 1989, 1994).Цель здесь состоит в том, чтобы сделать идею конкретной. «Техника» обычно включается в этот этап. Однако кажется, что производство указывает на акт создания и на связанные с ним жесты, а не на когнитивный или эмоциональный выбор техники. Мейс и Уорд (2002) говорят также о реализации, то есть о превращении идеи в «физическую сущность». Они отмечают, что для некоторых физических искусств и для самых разных художественных средств необходимо иметь детальное представление о том, что собирается делать художник.Следовательно, некоторые решения, как, например, связанные с выбором техники, следует предвосхищать.

Завершение соответствует, по крайней мере частично, фазе завершения в Mace and Ward (2002). Авторы утверждают, что завершение подразумевает, что человек решил, что его / ее работа закончена. Если художник считает работу успешной и удовлетворительной, он может ее выставить. В этом случае этап доработки также включает в себя вывешивание или выставление работы на обозрение.

Этап суда творческого производства очень часто называют в моделях творческого процесса. В частности, Валлас (1926) пишет о верификации, когда индивид оценивает возникшую идею. На этом этапе нужно сделать шаг назад от своей работы и оценить ее. Верификация может быть двух видов: «внутренняя» верификация, т. е. сравнение между выдвинутой идеей и идеей, сформированной во время освещения, или «внутренняя» верификация, состоящая в предвидении реакции аудитории (Армбрустер, 1989).Согласно Busse and Mansfield (1980), проверка может происходить раньше в процессе, поскольку человек сначала проверяет идеи, а затем разрабатывает решение. Другие авторы утверждали, что суждение происходит на более позднем этапе. Например, Осборн (1953/1963) считает, что оценка — это момент, когда индивид оценивает выбранную идею. Описывая творческий процесс, Осборн (1953/1963) упоминает стадию анализа, на которой человек делает шаг назад, чтобы исследовать связи, которые формируются между идеями и их важностью.Напротив, Шоу (1989, 1994) обращается к концепции валидации, тем самым подчеркивая важность этого этапа. По его словам, личное признание состоит в оценке собственной работы и в использовании опыта, приобретенного в ходе этого процесса, для создания нового творческого процесса. В дополнение к личной валидации существует коллективный уровень валидации. Последний имеет дело с оценкой творческого произведения коллегами, публикой или критиком. Коллективная валидация может привести к новому процессу только в том случае, если будет принята сформулированная оценка.Если постановка утверждена, за ней может последовать серия, в которой идея распространяется на несколько работ (Botella et al., 2013).

Стадия презентации обычно не описывается как таковая в моделях творческого процесса или художественного процесса; его цель — представить работу учителям. В случае с профессиональными художниками это больше относится к продаже произведения. Однако последние модели включали этап коммуникации (Runco, 1997; Howard et al., 2008; Cropley and Cropley, 2012).

Термин « перерыв », возникший на стадиях, названных студентами, может соответствовать инкубации. Как мы видели, эту стадию очень трудно оценить и учесть (Botella et al., 2011), хотя она и необходима (Patrick, 1937; Dreistadt, 1969; Smith and Blankenship, 1989, 1991; Smith and Вела, 1991), особенно к выражению художественного творчества (Русь, 1993). Слова, используемые учащимися, подчеркивают некоторые бессознательные ассоциации. Действительно, они говорят о том, чтобы дать своим идеям отдохнуть, дать им перевариться и процедиться.Инкубацию всегда трудно оценить, потому что она опирается в большинстве случаев на бессознательную работу. Наконец, хотя стадия изъятия является предметом исследования, она не включена в большинство моделей творческого процесса. Только Мейс и Уорд (2002) учитывают явную возможность отказа от процесса в любой момент. Даже если процесс грубо прерывается, художник непрерывно осваивает новые знания. Это знание является результатом постоянного динамического взаимодействия с художественной практикой.Художники расширяют и совершенствуют свой репертуар навыков, техник и знаний. Также они оттачивают свои художественные интересы и индивидуальность. В этой работе могут появиться новые идеи, которые можно будет использовать позже.

Заключение

Хотя это исследование было ограничено методом интервью и, таким образом, было сосредоточено на имплицитных теориях студентов об их собственном творческом процессе, оно позволило нам выделить несколько этапов процесса изобразительного художественного творчества. Из-за неявных теорий и множества моделей, предполагающих линейную последовательность стадий, иногда с возможными петлями или циклами, кажется слишком амбициозным понять последовательность стадий из интервью.Настоящее исследование предлагает нам переосмыслить то, что составляет художественный творческий процесс. Даже если у нас уже есть длинный список моделей, ни одна из них не является полной и удовлетворительной. Возможно, нам потребуется составить и вести список всех этапов творческого процесса, который затем можно будет адаптировать к каждой области, учитывая, что творческий процесс может варьироваться в зависимости от рассматриваемой области (Baer, 1998, 2010; Ботелла и Любарт, 2015). Учитывая эту неопределенность, показано продолжение исследований творческого процесса.Пока же представленный перечень этапов изобразительно-художественного творческого процесса может помочь преподавателям в курсовой работе. В ходе интервью студенты указали, что этапы исследования и использование дневниковой тетради были необходимы их художественной школе. Это выглядит как ограничение настоящего исследования. Мы не уверены, описывали ли студенты-художники предписывающие этапы в своей художественной школе или свои реальные этапы творчества. Вопрос был ориентирован на то, как обычно протекает их творческий процесс, но поскольку они учатся искусству и у них брали интервью в художественной школе, в их дискурсе появляются некоторые предписывающие этапы.Однако во время интервью некоторые студенты уточняли, является ли этап предписывающим, и мы указывали на это в этой статье. С обновленным списком учителя могли бы предложить другие упражнения для студентов, изучающих искусство, на всех этапах. Более того, вне образовательного контекста растет спрос на консультации для стимулирования делового творчества (см. Berman and Korsten, 2010), и текущее исследование может также предоставить полезную модель для эффективного управления творческими процессами в этой области промышленных инноваций.Однако мы должны быть осторожны при использовании такого списка. Осмысливая творческий процесс, не рискуем ли мы создать «единую» предписывающую модель того, как быть креативным? Мы можем предположить, что некоторые творческие процессы более приспособлены к некоторым творческим личностям, но было бы контрпродуктивно пытаться заставить всех людей участвовать в одном и том же процессе. Творческий процесс варьируется в зависимости от области (Botella and Lubart, 2015) и, вероятно, также в зависимости от культуры, личностей создателей и задач.

Эти этапы, а точнее их последовательность, следует проверять в полевых условиях, наблюдая за учащимися, выполняющими художественную работу, в частности, для определения точной последовательности этапов, используя такой инструмент, как CRD. Более того, будет интересно понаблюдать за совместным творческим процессом, а также поместить этот процесс в более глобальный социокультурный подход. Как мы видели во введении, творческий процесс может быть описан с использованием подходов микро- или макроуровня и в более глобальном смысле имеет место в конкретном социокультурном контексте. Эти подходы могут быть использованы непосредственно во время наблюдения за творческим процессом и связаны с когнитивными, волевыми, эмоциональными факторами и факторами окружающей среды, участвующими в этом процессе.

Заявление об этике

Все субъекты дали письменное информированное согласие в соответствии с Хельсинкской декларацией.

Вклад авторов

МБ методики, интервью, анализы и написание; методика и написание ФЗ; методология и написание TL.

Заявление о конфликте интересов

Авторы заявляют, что исследование проводилось при отсутствии каких-либо коммерческих или финансовых отношений, которые могли бы быть истолкованы как потенциальный конфликт интересов.

Ссылки

Амабиле, Т. М. (1988). Модель творчества и инноваций в организациях. Рез. Орган. Поведение 10, 123–167.

Академия Google

Амабиле, Т. М. (1996). Творчество в контексте . Боулдер, Колорадо: Westview Press.

Академия Google

Арлин, П. К. (1986). «Обнаружение проблем и познание молодых взрослых», в Когнитивное развитие взрослых: методы и модели , под редакцией Р. А. Майнс и К. С. Китченер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Praeger), 22–32.

Академия Google

Армбрустер, BB (1989). «Метапознание в творчестве», Handbook of Creativity , под редакцией Э. П. Торранса, Дж. А. Гловера, Р. Р. Роннинга и К. Р. Рейнольдса (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Пленум), 177–182. дои: 10.1007/978-1-4757-5356-1_10

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Бэр, Дж. (1998). Дело о предметной специфике творчества. Творчество. Рез. J. 11, 173–177. дои: 10.1207/s15326934crj1102_7

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Бэр, Дж.(2010). «Является ли область творчества специфичной?», The Cambridge Handbook of Creativity , редакторы Дж. К. Кауфман и Р. Дж. Стернберг (Кембридж: издательство Кембриджского университета), 321–341. дои: 10.1017/CBO9780511763205. 021

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Басадур М. и Геладе Г. А. (2005). Моделирование прикладного творчества как познавательного процесса: теоретические основы. Кор. Дж. Думай. Проб. Решение 15, 13–41.

Академия Google

Бергер, Р.М., Гилфорд, Дж. П., и Кристенсен, П. Р. (1957). Факторно-аналитическое исследование способностей к планированию. Психолог. моногр. 71, 1–29. дои: 10.1037/h0093704

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Берман, С., и Корстен, П. (2010). Как извлечь выгоду из сложности: выводы глобального исследования главных исполнительных директоров . Сомерс, Нью-Йорк: IBM.

Академия Google

Блант, Дж. (1966). Составное искусство актерского мастерства . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Макмиллан.

Академия Google

Ботелла, М., Главяну, В.П., Зенасни, Ф., Сторме, М., Мышковски, Н., Вольф, М., и соавт. (2013). Как творят художники: творческий процесс и многофакторные факторы. Учиться. Индивид. Дифф. 26, 161–170. doi: 10.1016/j.lindif.2013.02.008

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Ботелла, М., и Любарт, Т. (2015). «Творческие процессы: искусство, дизайн и наука», в Междисциплинарный вклад в науку о творческом мышлении , под редакцией Г.Э. Корацца и С. Аньоли (Сингапур: Springer), 53–65.

Академия Google

Ботелла М., Нельсон Дж. и Зенасни Ф. (2016). «Les macro et micro processus créatifs [Макро- и микротворческие процессы]», в Créativité et apprentissage [Творчество и обучение] , изд. I Capron-Puozzo (Louvain-la-Neuve: De Boeck), 33–46.

Академия Google

Ботелла М., Нельсон Дж. и Зенасни Ф. (2017). Настало время понаблюдать за творческим процессом: как использовать дневник отчета о творческом процессе (CRD). J. Создан. Поведение doi: 10.1002/jocb.172

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Ботелла, М., Зенасни, Ф., и Любарт, Т. И. (2011). Динамический и экологический подход к художественно-творческому процессу у студентов-художников: эмпирический вклад. Империя. Стад. Искусство 29, 17–38. doi: 10.2190/EM.29.1.b

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Бруфорд, В. (2015). Как заставить это работать: творческое музыкальное исполнение и барабанщик Western Kit , неопубликованная диссертация, Университет Суррея.

Академия Google

Бернард, П. (2012). Музыкальное творчество на практике . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. doi: 10.1093/acprof:oso/9780199583942.001.0001

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Буссе, Т.В., и Мэнсфилд, Р.С. (1980). Теории творческого процесса: обзор и перспектива. J. Создан. Поведение 14, 91–132. doi: 10.1002/j.2162-6057.1980.tb00232.x

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Карсон, Д.К. (1999). «Консультирование», в Encyclopedia of Creation , Vol. 1, ред. М. А. Ранко и С. Р. Притцкер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press), 395–402.

Академия Google

Кропли, Эй Джей (1999). «Определения творчества», в Encyclopedia of Creativity , Vol. 1, ред. М. А. Ранко и С. Р. Притцкер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press), 511–524.

Академия Google

Кропли, Д. Х., и Кропли, А. Дж. (2012). Психологическая таксономия организационных инноваций: разрешение парадоксов. Творчество. Рез. Дж. 24, 29–40. дои: 10.1080/10400419.2012.649234

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Дьюи, Дж. (1934). Искусство как опыт . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Penguin Books.

Академия Google

Дойл, К.Л. (1998). Писатель рассказывает: творческий процесс в написании грамотной художественной литературы. Творчество. Рез. Дж. 11, 29–37. doi: 10.1207/s15326934crj1101_4

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Драйштадт, Р. (1969). Использование аналогий и инкубации для получения информации о творческом решении проблем. Журнал психологии. 71, 159–175. дои: 10.1080/00223980.1969.10543082

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Фюрст, Г., Гислетта, П., и Любарт, Т. (2012). Творческий процесс в изобразительном искусстве: лонгитюдное многофакторное исследование. Творчество. Рез. J. 24, 283–295. дои: 10.1080/10400419.2012.729999

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Гетцельс, Дж.В. и Чиксентмихайи М. (1976). «Забота об открытиях в творческом процессе», в The Creativity Question , редакторы А. Ротенберг и К. Р. Хаусман (Дарем, Северная Каролина: Duke University Press), 161–165.

Академия Google

Гизелин, Б. (1952). Творческий процесс. Беркли, Калифорния: Издательство Калифорнийского университета.

Академия Google

Глёвяну, В. П. (2010). Парадигмы в изучении творчества: введение в перспективу культурной психологии. Психология новых идей. 28, 79–93. doi: 10.1016/j.newideapsych.2009.07.007

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Главяну, В.П., Любарт, Т., Боннардель, Н., Ботелла, М., Де Биази, П.-М., Де Сент-Кэтрин, М., и др. (2013). Творчество как действие: выводы из пяти областей творчества. Фронт. Образовательный Психол. 4:176. doi: 10.3389/fpsyg.2013.00176

Реферат PubMed | Полный текст перекрестной ссылки | Академия Google

Грубер, Его Превосходительство (1989).«Развивающийся системный подход к творческой работе», в Creative People at Work: Twelve Cognitive Case Studies , редакторы Д. Б. Уоллес и Х. Э. Грубер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: издательство Оксфордского университета), 3–24.

Академия Google

Грубер, Х.Е., и Дэвис, С.Н. (1988). «Небольшой подъем на гору Олимп: развивающийся системный подход к творческому мышлению», в The Nature of Creativity , под редакцией Р. Дж. Штернберга (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: издательство Кембриджского университета), 243–270.

Академия Google

Ховард, Т.Дж., Калли, С.Дж., и Деконинк, Э. (2008). Описание процесса творческого проектирования путем интеграции литературы по инженерному дизайну и когнитивной психологии. дес. Стад. 29, 160–180. doi: 10.1016/j.destud.2008.01.001

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Килгур, М. (2006). Улучшение творческого процесса: анализ влияния методов дивергентного мышления и предметных знаний на творчество. Междунар. Дж. Бизнес Соц. 7, 79–107.

Академия Google

Козбельт, А., Бегетто, Р. А., и Рунко, М. А. (2010). «Теории творчества», в The Cambridge Handbook of Creativity, Vol. 2 , редакторы Дж. К. Кауфман и Р. Дж. Штернберг (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: издательство Кембриджского университета), 20–47.

Академия Google

Любарт, Т.И. (2001). Модели творческого процесса: прошлое, настоящее и будущее. Творчество. Рез. J. 13, 295–308.

Академия Google

Любарт, Т. И., Mouchiroud, C., Tordjman, S., and Zenasni, F. (2015). Psychologie de la Créativité (Deuxième Edition) [Психология творчества] . Париж: Арман Колин.

Академия Google

Мейс, М.-А., и Уорд, Т. (2002). Моделирование творческого процесса: обоснованный теоретический анализ творчества в области художественного творчества. Творчество. Рез. J. 14, 179–192. дои: 10.1207/S15326934CRJ1402_5

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Мамфорд, доктор медицины, Рейтер-Палмон Р. и Редмонд М. Р. (1994). «Построение проблем и познание: применение представлений проблем в плохо определенных областях», в Поиск проблем, решение проблем и творчество , изд. М. А. Ранко (Норвуд, Нью-Джерси: Ablex), 3–39.

Академия Google

Немиро, Дж. (1997). Интерпретирующие художники: качественное исследование творческого процесса актеров. Творчество. Рез. J. 10, 229–239.

Академия Google

Немиро, Дж. (1999).«Актерское мастерство», в Энциклопедии творчества , Vol. 1 , редакторы М. А. Ранко и С. Р. Притцкер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press), 1–8.

Академия Google

Осборн, А. Ф. (1953/1963). Applied Imagination, 3-е издание . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Scribners.

Академия Google

Патрик, К. (1935). Творческая мысль у поэтов. Арх. Психол. 178, 1–74.

Академия Google

Пейю, А., и Ботелла, М. (2016).Эколого-динамическое исследование творческого процесса и аффектов студентов-научников, работающих в группах. Творчество. Рез. Дж. 28, 165–170. дои: 10.1080/10400419.2016.1162549

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Поликастро, Э. (1995). Творческая интуиция: интегративный обзор. Творчество. Рез. Дж. 8, 99–113. дои: 10.1207/s15326934crj0802_1

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Рунко, Массачусетс (1997). Справочник по исследованиям творческих способностей .Кресскилл, Нью-Джерси: Hampton Press.

Академия Google

Рунко, Массачусетс, и Доу, Г. (1999). «Поиск проблем», в Encyclopedia of Creation , Vol. 2, ред. М. А. Ранко и С. Р. Притцкер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press), 433–435.

Академия Google

Русс, Ю. В. (1993). Аффект и творчество: роль аффекта и игры в творческом процессе . Хиллсдейл, Нью-Джерси: Lawrence Erlbaum Associates Inc.

Академия Google

Сэдлер-Смит, Э.(2016). Четырехступенчатая модель творческого процесса Валласа: больше, чем кажется на первый взгляд? Творчество. Рез. J. 27, 342–352. дои: 10.1080/10400419.2015.1087277

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Шлевитт-Хейнс, Л. Д., Землянин, М. С., и Бернс, Б. (2002). Взгляд на мир по-другому: анализ описаний визуальных переживаний, предоставленных визуальными художниками и нехудожниками. Творчество. Рез. J. 14, 361–372. дои: 10.1207/S15326934CRJ1434_7

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Шоу, М.П. (1989). Процесс эврики: структура творческого опыта в науке и технике. Творчество. Рез. J. 2, 286–298. дои: 10.1080/10400418

4325

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Шоу, член парламента (1994). «Аффективные компоненты научного творчества», в Creativity and Affect , eds MP Shaw и M.A Runco (Westport: Ablex Publishing), 3–43.

Академия Google

Станко-Качмарек, М. (2012). Влияние внутренней мотивации на аффект и оценку творческого процесса у студентов изобразительного искусства. Творчество. Рез. J. 24, 304–310. дои: 10.1080/10400419.2012.730003

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Treffinger, DJ (1995). Творческое решение проблем: обзор и образовательные последствия. Учеб. Психол. Ред. 7, 301–312. дои: 10.1007/BF02213375

Полнотекстовая перекрестная ссылка | Академия Google

Валлас, Г. (1926). Искусство мысли. Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Harcourt, Brace and Company.

Академия Google

Вайсберг, Р.В. (1988). «Решение проблем и творчество», в «Природа творчества: современные психологические перспективы» , изд. Р. Дж. Штернберг (Кембридж: издательство Кембриджского университета), 148–176.

Академия Google

Йокочи, С., и Окада, Т. (2005). Творческий познавательный процесс создания искусства: полевое исследование традиционного китайского художника тушью. Творчество. Рез. J. 17, 241–255.

Академия Google

Келлианн Бернс: Обработка — Выставки

Келлианн Бернс: Обработка

11 сентября – 23 октября 2021 г.

«Каждая картина — это фундаментальный акт, искусство — это продолжение моей жизни.Я стремлюсь сделать каждую картину уникальной, наполненной нюансами и полной противоречий, с целью создать опыт, который будет знакомым и неожиданным, интуитивным и в то же время ясным для каждого зрителя. Восприятие и отношение каждого к цветам, формам и поверхностям уникально индивидуально — в этом красота жизни. Я работаю абстрактно, потому что это поощряет двусмысленность, мои картины заключают в себе индивидуальность восприятия — нет правильного или неправильного способа созерцания, нет вверху или внизу, нет слева направо, нет справа налево.неопределенность дает возможность построить личную интимную связь с работой, субъективным актом».

— Келлианн Бернс

Лос-Анджелес, Калифорния. Компания Louis Stern Fine Arts рада представить Kellyann Burns: Processing. Будучи приверженцем абстракции, Бернс намеренно избегает попыток классифицировать свои картины по какому-либо конкретному принципу. Она постоянно совершенствуется в своей живописной практике, оставаясь при этом глубоко приверженной своему рабочему процессу.

Интерес Бернс к абстрагированию мира, который она наблюдает, занимает центральное место в ее художественных методологиях. Ее многослойные картины на алюминиевых пластинах Dibond выборочно отшлифованы, чтобы выявить сложные слои богатых цветов и текстур поверхности. Бернс постоянно переворачивает свои картины, активно работая с ними во всех четырех повернутых положениях. Она не считает работу завершенной, пока не будет удовлетворена композицией во всех четырех направлениях, а это означает, что ее можно отображать в любой ориентации.

Процесс художника просчитан и парадоксально интуитивен. Переход от одного слоя к другому стал постоянной визуальной темой в ее работах, преднамеренно намекая на течение времени. В конечном счете, она считает, что ее работа — это форма раскопок и исходит из инстинкта поиска. Многое из того, что движет ее практикой, — это исследование способов преодоления ограничений, установленных противоположными конструкциями, такими как структурированное и хаотичное; концептуальное и подсознательное; природный и искусственный мир.Бернс стремится разрешить конфликты, присущие этим оппозициям, путем создания баланса в их разногласиях.

Бернс работает интуитивно, часто не распознавая источник своего вдохновения до нескольких дней, месяцев или лет спустя, что соответствует четкой цели художницы в своих картинах — не навязывать предвзятое представление о том, что представляет собой картина. По этой причине она называет свои картины временем и датой, когда, по ее мнению, они закончены, создавая форму документации, а не название декларации.

Работы Келлианн Бернс входят в многочисленные корпоративные и государственные коллекции. Она является получателем гранта Фонда Поллока-Краснера и получила стипендии от многих учреждений, включая Yaddo, The MacDowell Colony и Ucross. Бернс читал лекции студентам Школы дизайна Род-Айленда, Корнелла и CUNY, а также был приглашенным лектором в Университете Висконсина и Университете Данкук в Сеуле, Корея. Ее работы были рассмотрены в The New York Times, Artnews и Hyperallergic, среди прочих.

Руководство по художественной фотографии (+ советы и примеры)

Хотите стать художественным фотографом? Тогда вы в правильном месте.

Эта статья не претендует на то, чтобы дать окончательный ответ на вопрос, что такое искусство, и не даст вам технических навыков для создания искусства. Вместо этого это практическое руководство, которое познакомит вас с тем, чем занимаются художественные фотографы.

Здесь вы найдете краткое введение в то, какие фотографии считаются изобразительным искусством, шаги, которые необходимо предпринять, чтобы стать фотографом изобразительного искусства, а также множество примеров для вдохновения.

Если вы чувствуете себя так же взволнованно, как и мы, давайте начнем!

Что такое художественная фотография?

Это тип фотографии, целью которой является создание искусства.Я знаю, это звучит как очевидная вещь, но на самом деле попытка дать определение искусству — сложная задача. Теоретики и художники обсуждали эту концепцию на протяжении столетий, поэтому я не буду пытаться резюмировать ее в нескольких строках — что, вероятно, оставит у вас больше сомнений, чем уверенности.

Вместо этого я попытаюсь ответить на вопрос, чем занимаются фотографы изобразительного искусства? На этом я попытаюсь дать вам несколько конкретных рекомендаций, с которых вы можете начать.

Фотографы изобразительного искусства используют это средство для выражения своих идей, эмоций и видения мира.Предмет подчинен понятию.

Вот почему есть фотографы изобразительного искусства, которые снимают пейзажи, натюрморты или даже абстрактные фотографии.

На конкретном примере: фотограф-портретист делает портреты, а автор художественного портрета использует портреты для самовыражения.

Репродукции художественных фотографий обычно нумеруются и подписываются. Это потому, что они выпущены ограниченным тиражом, а подпись гарантирует подлинность.

Еще одна характеристика художественной фотографии заключается в том, что у автора больше свободы, чем у других фотографов, даже при работе по заказу.

Коммерческий или редакционный фотограф следует брифу или макету клиента — он или она должны интерпретировать идею клиента. С другой стороны, художественный фотограф разрабатывает личную концепцию.

В лучшем случае они следуют теме коллективной выставки или фотоконкурса. Затем они делают это по-своему — у них есть полная свобода действий в отношении общего содержания и эстетики.

Если вы хотите стать художественным фотографом, имейте в виду, что у этого есть две стороны. Одно дело, когда вы называете свои работы художественными фотографиями, а другое, что они признаются таковыми.

Первая часть может быть субъективной, но вторая часть следует более объективным правилам, которыми руководствуются критики, галереи, музеи, теоретики и т. д. Чтобы зарабатывать на жизнь изображениями изобразительного искусства, вам необходимо учитывать и эту часть.

Как стать художественным фотографом

Хищник.Велизар Иванов

Художественная фотография — это не муза или сумасшедший художник, как думают многие. Это тяжелая работа, в которой много структуры — это верно для любого вида искусства. Как однажды сказал Пикассо: «Вдохновение существует, но оно должно найти вас в работе».

Художественная фотография не обязательно связана с красивым предметом. Речь идет об идее и концепции, которую автор хочет реализовать. Найдите то, что вас интересует, а еще лучше то, чем вы увлечены, и работайте с этим.

Это важная часть, которую нельзя упускать из виду, если вы хотите добиться успеха. Художественная фотография не рассматривает темы поверхностно. Он должен заставлять людей размышлять и чувствовать — именно так он передает уникальную точку зрения.

Узнайте, как другие фотографы рассматривали этот предмет, черпайте вдохновение в других искусствах (например, в литературе), подумайте о десяти способах сделать это еще до того, как начнете снимать. Не существует одного способа сделать это. У каждого автора свой процесс.

Это подготовительный этап, который облегчит следующий шаг. Решите, как вы хотите снимать фотографии, какой свет вы собираетесь использовать. Если вам нужен реквизит, решите, какой именно, и узнайте, где его можно достать.

Когда все будет готово, организуйте фотосессию.

Идея — это всего лишь основа проекта, и теперь ее нужно воплотить. Это может занять несколько попыток, прежде чем получится именно то, что вы хотите. Не сдавайтесь — это часть процесса.

Фотографы изобразительного искусства должны контролировать весь процесс до конечного результата их изображений.Постобработка — это цифровой эквивалент проявления и печати в пленочной фотографии; это важная часть работы.

Принятие решения о том, какие фотографии представлять, и в каком порядке вы их представляете, имеет важное значение в художественной фотографии. Представьте, что вы берете зрителя в путешествие или рассказываете ему историю.

Напишите текст презентации

В отличие от других видов фотографии, ваша работа должна быть рекламной.Вы нажимаете кнопку (или касаетесь экрана), и момент времени фиксируется. Несмотря на сложность процесса, который делает возможным это действие, даже малыш может сказать, что такое фотография. Если мы разобьем его на жанры, подавляющее большинство из них так же легко объяснить. Портрет, пейзаж, продукт, дикая природа… Они говорят сами за себя. Возможно, вы были достаточно уверены в своих знаниях до того дня, когда впервые столкнулись с «художественной фотографией». После этого, как это часто бывает, вам может показаться, что вы видите этот термин на каждом веб-сайте фотографии, который посещаете.

В отличие от наиболее распространенных и популярных жанров фотографии, художественную фотографию нельзя поместить в коробку с маркировкой. Точно так же вы не смогли бы записать характеристики, определяющие понятие искусства. По сути, художественная фотография — это не жанр фотографии, а форма искусства. Таким образом, его определение может значительно различаться в зависимости от того, кого вы спрашиваете. Однако есть несколько общих рекомендаций, которые помогут понять, что такое художественная фотография и как в ней преуспеть.

Что такое художественная фотография?

Художественная фотография представляет собой фотографическое изображение предмета или сцены, которое фокусируется на его эстетическом или образном значении, а не на его объективном изображении.Это полностью зависит от фотографа, чтобы решить, что означает изображение. Но вполне вероятно, что каждый человек, который увидит фото, воспримет разное значение. По сути, художественная фотография — это то, что хочет фотограф. Но также и то, что видит каждый зритель. Кажется запутанным, верно? Добро пожаловать в мир искусства.

Итак, если любой может решить, что такое художественная фотография, значит ли это, что каждый может стать фотографом изобразительного искусства? Это точно. Но опять же, технически любой может стать кем угодно.Секрет того, как стать кем-то, всегда заключается в сочетании таланта и упорного труда, причем не обязательно именно в таком порядке. Чтобы сделать все это немного менее расплывчатым, мы собрали семь шагов, которые помогут вам начать свой путь к тому, чтобы стать фотографом изобразительного искусства.

Найди свою страсть

«Найди то, что ты любишь, и позволь этому убить тебя. Позвольте этому лишить вас всего». Эта цитата, которая может быть написана Чарльзом Буковски, а может и не быть, прекрасно описывает, каково это — обнаружить свою истинную страсть.Речь идет не о том, чтобы буквально умереть за что-то, а о том, чтобы посвятить этому свою жизнь. Речь идет о том, чтобы найти то, что вы любите так сильно, что готовы отдать этому все свое время и энергию.

Вот почему люди, у которых есть настоящая страсть, так хороши в том, что они делают. Каждый день они посвящают себя совершенствованию своих навыков. Хотя увлечение художественной фотографией — хорошее начало, оно может оказаться слишком широким для поставленной задачи. Поскольку это не жанр фотографии как таковой, вам нужно копнуть немного глубже, чтобы найти тип изображений, которые будут поддерживать вас.

Художественная фотография требует эмоциональной связи между объектом и фотографом, поэтому вам нужно найти жанр, тему или стиль, которые вам близки. Если у вас уже есть портфолио, этот шаг может быть довольно простым. После того, как вы нашли свою тему, вам нужно будет построить эмоциональную и когнитивную структуру, на которой будет развиваться ваше творческое видение.

Создайте концепцию

За каждым успешным произведением искусства стоит сильная концепция. Искусство, какой бы дисциплиной оно ни было, делается с определенной целью.Это может быть идея, сообщение или эмоция. Может быть, вы можете описать это одним словом. Или, может быть, вам понадобится полное заявление исполнителя. Концепция задает намерение для каждого изображения и определяет, как оно будет выглядеть. Это единственное, что вы хотите, чтобы люди вынесли из вашей работы. Это придает вашим изображениям смысл.

Какими бы красивыми ни были ваши изображения, они не произведут впечатления, если не будут созданы на основе сильной концепции, которая тронет вашу аудиторию. Этот шаг имеет решающее значение в путешествии по художественной фотографии, и его, вероятно, будет одним из самых трудных для достижения. Ищите как внутри себя, так и в мире. Запишите десятки, даже сотни идей и посмотрите, что они значат для вас. И, главное, не торопитесь.

Вдохновляйтесь

Как однажды сказал Чайковский: «Муза не приходит без зова». Как и в случае с любым другим навыком, вдохновение и творчество требуют тяжелой работы. Вы можете начать с большого количества идей, но в конце концов ваш мозг устанет предлагать отличный контент в обмен на ничего.

Посмотрите на работу других.Не только художественные фотографы, но и художники, скульпторы и даже кинорежиссеры. Подумайте, какие чувства вызывает у вас их искусство и как они добились этого результата. Читайте книги и журналы и подписывайтесь на блоги о фотографии. Используйте свой личный опыт как источник вдохновения. Каждый день находите хотя бы одну новую вещь, которая вызывает у вас эмоциональную реакцию.

Измените свои взгляды

У каждого есть история, и художественная фотография рассказывает свою собственную. Вход в мир художественной фотографии означает переход от документирования мира таким, какой он есть, к использованию его в качестве объекта для выражения ваших идей. Речь идет не о том, как лучше всего запечатлеть сцену, а о том, как передать определенную концепцию.

Заранее потратьте некоторое время на визуализацию своей идеальной сцены. Поскольку вы не обязаны быть верными реальности, вы можете дать волю своему воображению. Не стесняйтесь изменять ключевые аспекты, такие как свет и цвет, по мере необходимости, чтобы соответствовать вашей концепции. Переопределите обычные пространства и объекты и запечатлейте их в совершенно новом ракурсе.

Совершенствуйте свои навыки

Существует популярная поговорка: «Не следуй своей страсти, сначала приобрети навыки.«Как бы мы ни акцентировали внимание на важности поиска своей страсти, без правильных навыков вы не продвинетесь так далеко. Например, тот, кто мечтает подняться на Эверест, даже не подумает об этом без многолетней подготовки. Для фотографов свет — это самая большая гора, которую им когда-либо придется покорять.

В художественной фотографии свет играет решающую роль в передаче правильного настроения, соответствующего сцене и концепции. Из-за этого абсолютно необходимо, чтобы вы узнали, как работает свет и как им управлять.Лучший способ сделать это — совместить теорию с практикой. Посетите несколько курсов или запишитесь на онлайн-курсы по фотографии и используйте любую возможность, чтобы применить эти знания на практике. Независимо от формы, которую в конечном итоге примет ваша работа по обработке, вы всегда должны стремиться к тому, чтобы изображения с камеры были как можно ближе к конечной цели.

Будьте оригинальны

Ваш творческий стиль — это отпечаток вашей работы. Есть сотни тысяч фотографов изобразительного искусства, пытающихся сделать себе имя.Единственный способ убедиться, что ваша работа будет замечена среди этой толпы, — сделать что-то уникальное. Люди не ищут красивых изображений, которые мог бы сделать каждый. Они ищут честности и правды.

Позвольте своей личности проникнуть в вашу работу. Субъективность художественной фотографии позволяет создать ощущение близости и связи, чего не могут предложить другие жанры. Позволив своим эмоциям влиять на творческий процесс, вы получите подлинные произведения, к которым ваша аудитория почувствует влечение.

Будьте последовательны

Пусть ваша работа определяет ваш путь.Одна из главных черт художников всех дисциплин — их чувство постоянства. Что делает их работу узнаваемой, так это согласованность определенных элементов или тем во всей их работе. Если вы посмотрите на работы любого известного художника, скульптора или фотографа изобразительного искусства, вы, вероятно, сможете описать все их портфолио парой прилагательных.

Этот принцип должен работать и в обратную сторону: зрители должны иметь возможность определить, что все фотографии принадлежат одному и тому же художнику, просто взглянув на них.Этого можно добиться разными способами, например, используя тот же объект, цветовую палитру или освещение. Даже при работе с разными сериями вы должны стремиться к минимальной согласованности во всем своем портфолио. Каждая фотография, которую вы снимаете, должна следовать по пути, отмеченному изображениями, которые вы создали ранее.

Разработка личного стиля

Постобработка — это не мошенничество, несмотря на то, во что они могли заставить вас поверить. В какой-то момент истории фотографии мы начали притворяться, что редактировать фотографии — это грех.Но, честно говоря, постобработка существовала задолго до того, как появилась Adobe. Был ли Ансел Адамс плохим фотографом из-за того, что он много работал в фотолаборатории?

Монтаж — неотъемлемая часть фотографии. Изображение, которое снимает камера, редко отражает сцену, которую видел фотограф. Даже в объективных жанрах фотографии требуется работа по постобработке, чтобы получить изображение, максимально приближенное к реальности.

Что касается художественной фотографии, то ограничение на объем редактирования просто зависит от намерений фотографа.Поскольку вы не пытаетесь документировать мир, ничто не мешает вам добавлять или удалять элементы из изображения. В конце концов, ваша работа просто представляет ваши взгляды и идеи.

Продолжайте экспериментировать

Практика делает совершенным или, по крайней мере, помогает вам стать намного лучше. Прежде чем вы выберете направление для своей художественной фотографии, дайте себе достаточно времени, чтобы учиться, открывать и терпеть неудачи. Тестируйте разные предметы и темы. Используйте разные объективы и нарушайте все правила композиции фотографии.Играйте с абстракцией и негативным пространством. Этот процесс экспериментирования позволит вам увидеть каждую сцену с разных точек зрения и понять, как воспринимается каждая из них.

Поделитесь своими работами

Что за художник без выставки? Последний, но не менее важный шаг — впустить мир в свои творения. Веб-сайт профессионального фотографа предлагает идеальную платформу для обмена изображениями именно такими, какими вы их хотели видеть. Все, от макета и цветов до шрифтов и кнопок, зависит от вас.

Не бойтесь выйти из онлайн-мира. Обратитесь в местные галереи и поделитесь своими изображениями в их экспозициях. Кто знает, может быть, люди влюбятся в ваши изображения настолько, что заберут их домой! Мало что приносит такое же удовлетворение, как видеть свою работу на чужой стене.

Готовы отправиться в это новое приключение? Создайте фотосайт и поделитесь им со всем миром!

Безопасность | Стеклянная дверь

Пожалуйста, подождите, пока мы проверим, что вы реальный человек.Ваш контент появится в ближайшее время. Если вы продолжаете видеть это сообщение, отправьте электронное письмо чтобы сообщить нам, что у вас возникли проблемы.

Veuillez терпеливейший кулон Que Nous vérifions Que Vous êtes une personne réelle. Votre contenu s’affichera bientôt. Si vous continuez à voir ce сообщение, связаться с нами по адресу Pour nous faire part du problème.

Bitte warten Sie, während wir überprüfen, dass Sie wirklich ein Mensch sind. Ихр Inhalt wird в Kürze angezeigt.Wenn Sie weiterhin diese Meldung erhalten, Информировать Sie uns darüber bitte по электронной почте и .

Эвен Гедульд А.У.Б. terwijl мы verifiëren u een человек согнуты. Uw содержание wordt бинненкорт вергегевен. Als u dit bericht blijft zien, stuur dan een электронная почта naar om ons te informeren по поводу ваших проблем.

Espera mientras verificamos Que eres una persona real. Tu contenido se sostrará кратко. Si continúas recibiendo este mensaje, информация о проблемах enviando электронная коррекция .

Espera mientras verificamos Que eres una persona real. Tu contenido aparecerá en краткий Si continúas viendo este mensaje, envía un correo electronico a пункт informarnos Que Tienes Problemas.

Aguarde enquanto confirmamos que você é uma pessoa de verdade. Сеу контеудо será exibido em breve. Caso continue recebendo esta mensagem, envie um e-mail para Para Nos Informar Sobre O Problema.

Attendi mentre verificiamo che sei una persona reale.Il tuo contenuto verra кратко визуализировать. Se continui a visualizzare questo message, invia удалить все сообщения по электронной почте indirizzo для информирования о проблеме.

Пожалуйста, включите Cookies и перезагрузите страницу.