Художественная съемка это: Суть художественного фото, искусство художественных фотографий

Содержание

О художественной фотографии » PhotoCasa

Здравствуйте, дорогие читатели. Меня зовут Сергей Парышков. Я увлекаюсь художественной фотографией. Именно увлекаюсь, так как для меня это любимое занятие, образ мышления, некая самоорганизация и развитие. Иногда вся эта затея приносит доход, но на этом про деньги более ни слова. А рассказать в этой статье хотелось бы о своем творчестве, о своем видении, логике и некоторых технических моментах, куда без них.

Рисовал я всегда, сколько себя помню, менялись только инструменты. Карандаш, краски, фотоаппарат, графические программы — для меня все едино, все это изобразительное искусство, как бы кто к этому не относился.

ПОИСКИ ИЛИ ЗАЧЕМ ВСЕ ЭТО
У художественной фотографии нет четкого определения, собственно, как и у искусства в целом. Для меня художественная фотография — это «жизнь». Именно в кавычках, потому что это жизнь не моя, это жизни моих героев, их истории, иногда рождающие философию. Я долго размышляю о своих работах еще до их создания, пытаюсь оживить образы в своей голове.

Внутри рождается некий мир, и моя обязанность — показать его зрителю. Как? Хороший вопрос.

С ЧЕГО НАЧАТЬ? КИПЯЩИЕ МЫСЛИ
У правильного фотографа взгляд направлен вовне, в поисках того самого кадра. Так сложилось, что мой взгляд направлен вовнутрь, потому и зовусь словом «фотохудожник». Внутри разума рождается образ, под него я стараюсь построить свой кадр теми или иными средствами.

Размышляя над темой, я стараюсь перешагнуть за границу «красивого снимка» и показать некую историю в кадре, заложить мысль, над которой зрителю будет интересно подумать. Появилась даже последовательность, ступенчатость восприятия фотографии для зрителя. Пункта три, но на самом деле каждый из них можно разделить еще на несколько.

1 ступень. «Красота». Это понимают дети и взрослые. Красивые девушки, природа, города, закаты, цветы, красота линий, цвета и форм. Каждый творец ищет эту красоту, и стремиться показать зрителю гармонию. Красота привлекает внимание зрителя к самой фотографии и выделяет фотографию на фоне других.

2 ступень. «Кино». Более сложная задача помимо всего прочего сделать фотографию интересной. В кадр вводятся элементы, создающие историю или
загадку, заставляя зрителя рассматривать и искать в границах конкретного произведения. Знаковые объекты и одежда, персонажи, жесты и действия, взгляды и эмоции превращают фотосъемку в кино, а фотографа — в режиссера. Насколько хороший фильм получиться, зависит от вашего вкуса, который нужно развивать всю жизнь.

3 ступень. «Философия». Здесь все сложно и неоднозначно. Скрытый смысл, который должен увести зрителя далеко за рамки данного произведения,
создающий в голове сложные структуры вопросов и ответов, размышлений и противоречий. Это может быть рассуждение о вечных вопросах, социальных
проблемах и многое другое. Сразу скажу, далеко не все зрители видят в фотографиях эти самые смыслы, не всем они нужны. Но это не означает, что их не должно быть.

Если у вас получится удачно сочетать в одном кадре все эти ступени, то вы убьете одним выстрелом трех зайцев, и это высший пилотаж!
Мыслей много, и варились бы они в голове вечность, если бы не бумага и карандаш. Стараюсь делать зарисовки, чего и всем советую. Мысль абстрактна и изменчива, ее ограничение двумя измерениями листа бумаги упрощает дело.

КАК ВСЕ ОРГАНИЗОВАТЬ ИЛИ КАК ВСТАТЬ С ДИВАНА
К сожалению, фотографу приходится все брать в свои руки, а диван — главный враг творческого человека!
Как слезть с дивана — вопрос не философский. Просто нужно брать и делать дело с наивной верой в результат! Чудеса происходят только с трудолюбивыми людьми.
Когда с идеей все понятно, по эскизам можно определить, какие ресурсы потребуются для организации съемочного процесса. Так как главным элементом
моих фотографий является человек, я часто начинаю именно с выбора модели. Обычно выбираю из людей, с кем уже работал или веду поиск в социальных сетях.
Обязательно встречаюсь с моделью перед съемкой, для того чтобы обсудить тему и в процессе беседы лучше понять человека.
Далее — выбор локации. Если съемка на пленэре или в интерьере, я обязательно заранее выезжаю на место. Когда находишься на месте, будущий процесс лучше моделируется в голове: какие ракурсы мне интересны, как будет проходить действие, свет, какие элементы я буду корректировать, вставлять и заменять в процессе постобработки. Если съемка в студии, то нужно знать весь арсенал средств, которыми эта студия располагает.

Обязательно нужно найти себе хороших помощников. Само собой — визажист и стилист. Хорошо, если есть декоратор, то есть «человек с руками». Возможно, понадобятся ассистенты и массовка. Определившись с моделью, командой и локацией, я уделяю время предметам в будущем кадре, одежде,
а также различным бытовым вопросам для комфортной работы. Я считаю, что условия на съемке должны быть именно комфортными, для того чтобы все смогли максимально сосредоточиться на своем деле, а не заниматься выживанием в суровых условиях. То есть я не сторонник съемок обнаженных дев на зимнем пейзаже. Можете меня ругать!

«МОТОР! ПОЕХАЛИ!»
Именно эта фраза часто звучит у меня на съемках, с юмором, конечно, но иногда процесс действительно похож на съемки фильма. Дело в том, что я не люблю снимать статику, «руку сюда, ногу туда и не шевелись». Это я называю конструктор. Коль уж есть история, которую я хочу рассказать зрителю, то должно быть и действие. Поэтому я стараюсь объяснить модели не как встать, а что делать, предоставляя человеку свободу действия, предлагаю прожить этот момент. А дальше стараюсь поймать нужный момент. Между статикой и динамикой большая разница, так как совершенно по-разному работаю мышцы и многое другое. Динамика всегда интересней, естественней, и абсолютно не важно, сколько кадров для этого потребуется. А вот иметь камеру с шустрым и точным автофокусом не помешает, тем более, если снимать на открытой диафрагме. Но о технике чуть позже.

Немного про свет. Никогда не ставил себе рамок, что-то вроде «я снимаю только с естественным светом» или «только импульс». Считаю, нужно быть выше этого и делать то, что нужно для реализации идеи. Если мне требуется куча вспышек и прочего студийного, так тому и быть, а если мне хочется естественного света, следую за солнцем. Это развязывает мне руки. Так нет у меня и стандартного набора схем освещения, я их и не учил никогда. Просто наблюдаю, как светят в фильмах, смотрю фотографии других авторов.

Вижу свет, который мне нравиться, пробую его повторить, размышляю на съемке: «Если посветить оттуда и вот так, должно быть круто!»
Атмосфера на съемке, на мой взгляд, должна быть творческой и позитивной. Диктатор я никудышный, и на съемке много шутим и смеемся — так получается. Съемка проходит на одном дыхании, усталость не чувствуется, а после остаются приятные воспоминания и хорошие отношения со всеми участниками.
Про технические приемы, в моем случае, рассказывать нет смысла. Они разные, в зависимости от поставленных задач. Это работает по схеме: «Хочу снять вот это, вот так! Как это сделать? Как-то так! А что для этого нужно? Вот это!». То есть нужен ветер — будет ветер! Нужен заяц — будет заяц! Бред, но работает!

ПРО ЖЕЛЕЗО
Самый главный предмет — камера Nikon D 810. Это фантастическая камера хотя бы потому, что в ней сделано все, как надо мне. Она удобная, все на своем месте. 36 мегапикселей и отсутствие фильтров на матрице дает просто шикарную картинку по качеству. Авто-режим, и цвета чудесные, и контраст! А еще звук затвора нравится и внешний вид. И это была не реклама.
Из объективов часто снимаю на Nikon 24–70 f/ 2.8 G. Он большой и тяжелый, но с отличной картинкой. Различные фокусные расстояния позволяют вести
съемку с той или иной перспективой или углом. Плюс реактивный автофокус для динамических сцен. Это — универсальное стекло!
Имеется Sigma 35 mm f/ 1.4 art. Дифирамбов ему спели уже много и заслужено. Он замечательный и действительно арт!

Nikon 85 mm f/ 1.8 G. Не 1,4, и да, он непрофессиональный, зато рисует красиво и резкий с открытой диафрагмы. Чудесный «портретник».
Samyang 14 mm f/ 2.8. Пользуюсь очень редко, ибо очень широко. А в остальном достойный объектив, хоть и мануальный.
Живет у меня еще семейство из нескольких вспышек Yongnuo 560 (III и IV) и контроллер к ним 560 TX. Нравиться автономность работы, позволяющая создать небольшую студию где угодно, хоть в глухом лесу. Мощность в сравнении со студийными приборами не высока, но хорошо сочетается в работе с источниками постоянного света. В довесок имеется родная sb-700, галогеновые светильники и небольшая LED-панель, синхронизаторы, стойки, софтбоксы и прочее.

Все это скопилось со временем, всем периодически пользуюсь.
Графического планшета у меня нет, обхожусь без него. Зато имеется хороший откалиброванный монитор, что важно!

МОНИТОР И КРЕСЛО! ПРО ОБРАБОТКУ…
Не хотелось бы мучить читателей всевозможными числовыми значениями настроек, иллюстрациями кривых и прочим. Это индивидуально для каждого кадра, как говориться, «солить нужно по вкусу». Но о некоторых общих вещах все же расскажу.
Набор программ вполне обычный: Photoshop, Camera RAW, Lightroom, но иногда подключаю 3DS MAX в связке с Corona render.
В Photoshop проходит практически весь процесс обработки. Photoshop у меня обычный (CC и CS6), не вуду-версия, а из дополнительного стоят Alien Scin
Bokeh и Portreture.
Ретушь лица, стандартная чистка кожи, если в этом есть необходимость. Советую не увлекаться ретушью, убивается «живость» кожи, и лицо начинает напоминать мультипликационного героя. Использую частотное разложение и с прозрачностью плагин Portreture.
С последним нужно обращаться крайне осторожно. Люблю создавать глубину в кадре, атмосферность. Часто увожу тени и свет в тот или иной оттенок. Иногда добавляю легкую дымку и «зерно». Мне кажется, зернистая фактура делает картинку «живей» и «киношней». Работаю с контрастом переднего и заднего планов.

Что касается света, никаких правил не скажу. Больше опираюсь на интуицию и желаемый эффект. Остальное тоже индивидуально и меняется от фото-
графии к фотографии. Советую поступать, как художники: после и в процессе работы ненадолго отвлекаться и давать глазам отдохнуть, после чего вы будете смотреть на фото иначе, увидите недостатки. Можно также сильно уменьшить картинку и смотреть как бы издалека.
В любом случае, лучше вырабатывать свой собственный вкус и взгляд.

ТЕМНАЯ СТОРОНА КОЛЛАЖА ИЛИ КОНЕЦ МАГИИ

Часто мои работы в той или иной степени являются коллажами. Создание коллажа — это не шаманский обряд и не магия вуду, а технология.

Мне часто приходится слышать от клиентов и моделей фразу: «Сфотографируйте меня как-нибудь, а остальное подрисуете. Вы же умеете!» Друзья, это срабатывает крайне редко.
Хороший коллаж продумывается на стадии идеи, и вся съемка ведется под эту идею. Большой привет голливудскому кинематографу, у них стоит поучиться. Если я собираюсь создавать сцену и помещать туда «живую» модель, то должен учесть нюансы.

1. Свет. Если солнышко светит на модель слева, то и на все объекты коллажа и заменяемый фон оно должно светить слева, под тем же углом, с той же
интенсивностью и цветовой температурой. Если в коллаже интерьера вы хотите создать люстру, бра и еще «дневное» окно, то на съемке необходимо учесть свет, падающий от всех еще несуществующих элементов.
Рисовать свет потом там, где его изначально не было, в 99% случаев будет выглядеть неестественно. То же касается и теней. При создании коллажа светотеневой рисунок на модели нужно создавать на съемке, а не после! Нужно понимать физику света, скажем, чем отличается свет из окна и свет от лампочки.

2. Перспектива. Она, как и свет, должна совпадать с перспективой исходного материала. Это уже курс начертательной геометрии. Я прорисовываю линии
перспективы, нахожу точки схождения прямо поверх изображения отдельным слоем и под эту схему подгоняю все элементы коллажа.
Конечно, свет и перспектива сильно ограничивают поиск материала для коллажа. Именно поэтому я иногда пользуюсь программой 3DS MAX, в которой есть возможность создавать свою реальность с нужными параметрами. Большой минус: на все эти операции тратиться уйма времени и сил.

3. Интеграция. Под этим я понимаю сведение исходного материала с элементами коллажа. Работа кропотливая, в ход идут маски и ластики. Цель — максимальная реалистичность. Цвета, контраст — все должно совпадать. Каждая тень должна быть на своем месте. Я стараюсь делать контуры слоев немного мягкими, так изображение максимально вживается в фон. После можно добавить зернистость, о которой я говорил выше, она скрывает мелкие недочеты и создает целостность элементов и фона.

Работа упрощается во много раз, когда заменяется только дальний план. И снова большой привет Голливуду. Там в огромных павильонах создают большие инсталляции, а задний план — зеленый или синий фон, так называемый хромокей. Вы скажете, зачем такие затраты при нынешнем уровне компьютерной техники? Дело в том, что при близком контакте персонажа с предметами происходит сложное светотеневое взаимодействие, появляются громадное количество переотражений света и цвета, сложные тени. Мы замечаем это на уровне подсознания. Это невероятно трудно учитывать при 3D-моделировании. Поэтому проще находить локации или делать инсталляции, спокойно снимать и, меняя дальний план, добиваться нужного
результата.

ЧТО В ИТОГЕ?
Я попытался изложить в этой статье свой подход к художественной фотографии. На мой взгляд, это информация полезней любых настроек графических
редакторов, ведь важнее человек, его мысли, а не отвертка в его руке. Я — самый большой критик своих работ, вижу массу недочетов в них и по-детски верю, что завтра, в следующий раз сделаю лучше.

Это путь в бесконечность искусства. Всем читателям желаю приятного путешествия в эту самую бесконечность.

Текст и фото: Сергей Парышков

Художественная фотосъемка — РАДУГА

Наверняка вы не один раз слышали такое выражение как художественная фотосъемка. В этой статье мы расскажем, чем обычная съемка отличается от художественной и чем же так ценна именно художественная фотография.
Если вы посещали выставки различных фотографов или видели их работы, размещенные на различных сайтах всемирной паутины, то наверняка обратили внимание на особое притяжение их снимков. Выражаясь простым языком, именно художественная фотография заставляет человека концентрироваться, исследовать изображение фрагмент за фрагментом, обращать внимание на детали.

В этом и кроется отличие художественной фотографии от обычной. Делая обычные снимки мы, зачастую, фиксируем какие либо памятные сцены, которые не всегда будут понятны незнакомым людям, которые взглянут на фотографию. При создании художественного снимка фотограф хочет, чтобы на получившейся фотографии абсолютно разные люди, с разными взглядами, менталитетом, характером могли уловить ту идею, которую до них пытается донести фотограф.

Наиболее частыми примерами художественной фотографии стоит признать пейзажи, а также архитектурные объекты. Но в искусстве всегда есть исключения и фотография это лишний раз подтверждает. Настоящие фотохудожники благодаря своей камере и таланту могут делать художественные снимки в разных стилях.

Как пример, можно рассмотреть художественную портретную съемку. В этом жанре фотограф должен не просто сделать качественный портрет, он в первую очередь должен в полном объеме передать образ модели, его характер, а также настрой и эмоциональный фон, который модель испытывает в момент съемки.

Для того, чтобы сделать отличную художественную фотографию, должно сложиться много факторов, в том числе свет, образ и настрой модели, должно быть подготовлено место съемки.

Конечно, сделать это крайне непросто, именно поэтому талантливых фотографов занимающихся именно художественной съемкой не так много, это отнимает много сил, времени и приводит к значительным финансовым потерям.

Итак, мы рассказали вам основные отличия художественной фотосъемки от обычной. Рассмотрели факторы, которые должны в совокупности привести к положительному результату. Однако есть еще один нюанс, о котором стоит упомянуть, а именно, обработка фотографий.

Иногда, обычную фотографию, обработанную в нестандартном стиле, принято считать художественной и это очень большая ошибка. Как мы уже упомянули выше, для того чтобы снимок стал художественным, он должен нести в себе огромный смысл. Именно поэтому правильнее будет считать, что в некоторых случаях фотографию стоит называть обработанной в художественном стиле, но, ни в коем случае не художественной.

Современные фотостудии могут предлагать вам художественную фотосъемку, поэтому обязательно уточняйте, что имеется под этим понятием – художественная обработка или действительно получение классных снимков сделанных со смыслом и душой.

Фотография художественная — Краткий словарь по эстетике

ФОТОГРАФИЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ (фотоискусство) (от греч. phos — свет, grapho — пишу) — новый вид изобразительного искусства, в котором художественное восприятие действительности на двухмерной плоскости осуществляется при помощи фотографической техники такими изобразительно-выразительными средствами, как свет, цвет (тональность, колорит), формат, композиция, план, ракурс съемки.

Фотография, как технический способ фиксации изображения предметов на поверхности, возникнув в конце 30 — начале 40-х гг. XIX в. (открытие фотографического процесса получения и размножения светописного изображения принадлежит французскому изобретателю, художнику Ж. Даггеру и английскому ученому-физику В. Тальботу), в последующее время получила широкое распространение и применение в периодике, технике, науке и сразу же вторглась в сферу портретной и пейзажной живописи. Именно в портретном жанре происходит становление фотоискусства, которое осуществляется под прямым влиянием живописи и графики.

Заимствование средств выразительности и технических приемов, имитация живописной фактуры, опора на опыт живописи, стремление избежать натуралистического копирования видимого мира, борьба с протокольной точностью фотоаппарата — все это характеризует ранний этап развития фотографии, когда создавались фотоснимки «под масляную живопись», «под карандашный или угольный рисунок», «под гравюру» и т. д.

Большое влияние на становление фотоискусства оказывали новейшие для того времени направления и стили в традиционных видах изобразительного искусства — «барбизонская школа», импрессионизм, а в России — достижения художников-передвижников, творчество Ф. Васильева, И. Левитана. Однако, несмотря на диктат традиционного понимания художественности, изобразительно-выразительных средств живописи, в творчестве художников-фотографов С. Л. Левицкого, Г. Надара, Г. Робинсона, А. О. Карелина, Л. Миссона, А. А. Лобикова и др. фотография утверждает свой статус и получает признание как своеобразный вид изобразительного искусства.

Рождение и успехи кинематографии, развитие полиграфии и фотографической техники способствовали выявлению художественных достоинств и специфики фотоискусства — ярко выраженной документальности, наглядности, конкретности. И если раньше на основе этих свойств фотографии отказывали вправе называться искусством или упрекали в грубом натурализме, то с развитием технической основы фотографии происходит осознание ее художественных возможностей: документальность фотографического изображения, т. е. точное, подлинное и непосредственное совпадение изображения и реальности, представляет собой специфическую и своеобразную особенность фотоискусства.

Художественное осмысление документальной формы воспроизведения жизни в фотоискусстве происходит в результате творческого процесса выбора объекта, сюжета, момента, точки и ракурса съемки и изготовления самого позитива, который выявляет художественное значение явления и выражает художественную оценку и позицию художника. Художественный образ фотоискусства, являя собой органический сплав документального и художественного, дает глубокое художественное обобщение существенного, характерного момента типических явлений действительности. Основными способами образного выражения содержания в фотографическом искусстве являются режиссерская организация материала перед фотообъективом, документальное изображение отдельных явлений реальности, обобщенное выбором наиболее типичного и композиционной организацией материала, и репортажная съемка, т. е. съемка без к.-л. вмешательства в происходящее перед фотообъективом, и компоновка материала в рамке видоискателя, предполагающая смену точки съемки, крупности планов и ракурсов. Последний способ является наиболее характерным для современного фотоискусства, т. к. он полнее раскрывает его художественные возможности. Важнейшими жанрами художественной фотографии являются — пейзаж, натюрморт, портрет, т. наз. жанровая (картины повседневной и бытовой жизни, фотоэтюды) и фоторепортаж.

Фотографическое искусство в настоящее время является составной частью художественной культуры общества. Оно стало не только средством эстетического освоения мира, но и играет заметную роль в духовной и общественной жизни общества.

Буржуазное фотоискусство не избежало различных формалистических ухищрений, характерных для всей буржуазной художественной культуры в целом. Это нашло свое выражение в творчестве художников-формалистов в фотокартинах, которых изображение реальной действительности дается в виде беспредметной комбинации пятен, линий или в неузнаваемо деформированном виде (например фотографии Ман-Рея, Э. Жерни). Советское фотоискусство в лице таких больших мастеров художественной фотографии, как П. Оцуп, М Наппельбаум, А Штеренберг, С. Фридлянд, С. Иванов-Алилуев, А. Альперт, И. Шагин, К. Ракаускас и др., достигло больших успехов в художественном отражении действительности и жизни советских людей.

Художественная фотография – это новое искусство

На чтение 4 мин. Опубликовано 16.08.2015

Поделитья с друзьями в социальных сетях:

В наше время мы сталкиваемся везде с фотографиями, и мало кто задумывается об их происхождении.

Люди, которые делают фото называют себя фотографами, могут ли они себя так называть? Надо в этом разобраться. Мы не можем себе даже представить фотоискусство, в котором отсутствует художественная фотография. Как раз таки тот человек. Который это понимает, и есть фотограф-профессионал. А люди которые бездумно фотографируют, не вкладывая никаких душевных и эмоциональных чувств, это просто любители. Ещё не мало важную роль в создании художественных фотографий играет дар, который есть не у всех. И если он присутствует его нужно обязательно развивать.

А теперь немного истории, откуда и как появились фото. Первые фотографии появились очень — очень давно, ещё в эпоху Возрождения, в основном это были портреты, так как они приносили хороший доход. Они были забавой для определённого круга личностей.Небольшие группировки талантливых людей собирались и обсуждали свои сделанные снимки. Затем, техника усовершенствовалась и начали появляться художественные фотографии. На развитие данного жанра в фотографиях, повлияла журналистика, которая уже в то время начала интенсивно развиваться. И фотографии уже несли в себе больше документальное подтверждение событий, нежели просто красивый снимок чего-то. Поэтому фотографии с художественным жанром начали постепенно отходить на второй план. Но это продолжалось не долго, так, как чем больше делалось снимков, для разных целей и они распространялись по всей территории, тем быстрее к ним проявлялся интерес со всех сторон. И появилась потребность уже в эстетической красоте композиции фотографии. Люди хотели видеть фотографии в которых была отражена красота окружающего мира: природы, животные, небо. Но всё же отнести фотографии к произведению искусства на ровне с картинами великих художников, или архитекторов никак, никто не решался. Шли долгие споры на протяжении многих лет по этому поводу.

Так же в то время были разногласия по поводу того, несут ли фотографии какой-то смысл в себе, передают ли они эмоции, которые хотел передать фотограф, или просто красивые картинки реальности. Но почти сразу же всё — таки пришли к единому мнению, которое было правильнее всего, что художественную фотографию нельзя расценивать, как просто глупый снимок. Фотохудожник, создавая свой шедевр, вкладывает в него свою душу, своё настроение, эмоции, своё внутреннее состояние, всё то что он хочет зрителю передать и из-за этого снимок имеет свой стиль, уникальность и неповторимость.

Когда мы говорим о фотоискусстве в целом, просто невозможно не отметить «типа художественные фотографии», которые нас окружают каждый день. Куда не посмотреть любой журнал, выставки, сайты в интернете везде они, красочные, интригующие картинки. К сожалению, со временем, технический процесс сыграл с нами злую шутку, и это повлияло причиной обмана зрителя и автора. Все воспринимают эти картинки, за красивые фотографии, при этом не задумываясь о том, что: они не несут в себе никакого внутреннего смысла, не передают эмоции, и от них нет никакой энергетики, они просто пустые, так называемое запечатление реальности. Например если кто-то умеет красиво рисовать, это же не значит, что рисунок красивее картины известного величайшего художника. Вот именно поэтому не каждому дано создавать шедевры художественной фотографии, только людям у которых есть талант это делать.

Когда фотохудожник творит свой шедевр, он вкладывает в него частицу себя. Глядя на художественные фотографии, мы можем многое рассказать, об авторе, который её создавал. Что он хотел передать нам, какие чувства и эмоции у него были, какое душевное состояние, какая энергетика и многое другое, когда он фотографировал. Если он смог это всё передать, то его модно смело назвать творческим человеком.

В наше время художественная фотография постоянно развивается, фотографы стали умнее, они познали различные правила съёмки и стали применять свои знания. Вы можете взять для сравнения одну настоящую художественную фотографию другую обычную и увидите разницу между этими произведениями, она будет отчётлива видна. На данный момент существует огромное количество жанров художественной фотографии. Из-за появления различных видов фотоаппаратов и графических редакторов. Так же можно отдать должное и телефонам, благодаря которым появился новый жанр — мобилография, сейчас можно заняться художественной обработкой фото прямо в телефоне. Еще в заключении хочется отметить, что в наше время художественные фотографии пересекаются с живописью. Например такой жанр, как натюрморт раньше использовался только в живописи, а сейчас достаточно распространённый среди фотографов. И это только начало.

Поделитья с друзьями в социальных сетях:

Художественная фотография: главные особенности | BitNET

Искусство создания снимка художественного плана получило название фотоискусство.

От простых снимков снимок художественного плана отличается многим, Прежде всего, стоит отметить то, что она не стремится к тому, что отобразить имеющуюся реальность непредубежденно. Такая фотография запечатлевает сцены, которые были намеренно созданы или выбраны для фотографирования.

Это делалось для того, чтобы выразить тот или иной художественный замысел. Существенное многообразие технических средств присуще искусству фотосъемки. Художественный снимок способен обладать довольно отдаленным отношением к естеству, либо изображать таковую с дословностью документальной. Через ограничения художественная фотография переступает. Тем самым превращаясь из обычного снимка в творения искусства. В данном случае допустимы приемы, которые находятся за границами классической съемки.

Это, к примеру, может быть компьютерная графика либо же такие старые приемы обработки, устройства либо материалы, как тонирование, бромосеребряная фотобумага, объективы монокулярные, фотоматериалы крупнозернистые и пр.

Однако важнейшей отличительной чертой художественной фотографии выступает место таковой в жизни человека. Создаются такие снимки для частных коллекций и галерей, на заказ их не делают. Среди основных, самых популярных жанров фотоискусства стоит выделить репортажный и портретный. Издательское дело выступает главным потребителем художественных снимков.

Важно отметить, что фотография является сравнительно современным направлениям. Возникал таковая практически вместе с кинематографом. Однако кино и перенимает орудия высказывания у живописи и театра, и изобретает что-то личное. А вот фотография берет свое выражение (цвет, форма, применения освещения, а также ритмичность и контур) у живописи и рисунка. Здесь наблюдается момент психологического плана. Так в музеях рисунки представляются в купе с картинами, однако, совсем не обычные снимки. Но у фотографии и живописи абсолютно иное соотношение. Работы в этих направления нередко ставят в один ряд. Это и не удивительно ведь художественная фотография — истинное произведения искусства.

Создавая такую фотографию способны далеко не все фотографы.

Урок на тему Художественная фотография. 9 класс

Автор: Гармаш Л.В.
Цель и задачи урока:

вызвать желание рассказать о себе и своей семье с помощью фотографий из семейного альбома
Материалы: Видеофильмы, картинки.
Оборудование: Мультимедийное оборудование или компьютер для воспроизведения видеофайлов и картинок.

Ход урока

Мотивация.

— Какой вид искусства еще до его рождения называли «волшебной лампой» (волшебный фонарь)?
Актуализация знаний
— Какую роль играет фотография в жизни человека?
— В каких сферах деятельности используют фотографию?
— Нравится ли вам фотографировать? Что именно?
— Кто занимается фотографией (ходит в кружок, изучает специальную литературу?
— Кто из вас хотел бы стать профессиональным фотографом?

Тема урока – Художественная фотография

— Давайте посмотрим фильм о работе фотографа. Но прежде попытайтесь сами ответить на вопрос: какими качествами должен обладать фотограф?

Просмотр видео о работе фотографа для журнала National Geografic
Скачать видео с depositefiles.com (12 Mb)

— Какая она, работа фотографа?
— Поднимите руки, кто хотел бы заниматься такой работой?
Качества фотографа:
— Наблюдательность (главное!). Прежде всего он должен уметь видеть, подмечать в окружающей жизни то, мимо чего другие пройдут, не заметив, что может стать объектом для снимка.
— Знание психологии. Прежде всего это касается какого жанра? Портрет. Для чего? Уметь раскрыть внутренний мир человека, выразить его характер, состояние, настроение. Каким образом? Через позу, мимику, ракурс съемки.
Способности исследователя. Фотографы обычно работают над какой-либо темой, стараясь раскрыть ее как можно полнее. Создают серии снимков на один сюжет.
История фотографии.
Рассказ учителя или подготовленных заранее учеников
Фотография. Что значит это слово? Оно буквально переводится как «писать светом».
Возникла фотография в 19 веке. Но попытки создать ее уходят в далекое прошлое. Так, знали о волшебных свойствах света и средневековые феодалы, если его пропустить через небольшое отверстие в темную комнату.

Видеофильм «Камера-обскура».
Скачать видео с depositefiles.com (17 Mb) Иллюстрация – свеча и ее перевернутое отражение.

В Китае о таких свойствах светового луча было известно уже в 5 веке до нашей эры. Подробное описание такой камеры-обскуры оставил Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи». Позже, в 17 веке, такие камеры делали переносными и имели они практическое назначение: инженеры с их помощью составляли подробный план местности. Кроме того, добавили еще один элемент – зеркало, повернутое под углом в 45 градусов. Для чего? Чтобы изображение было прямым, а не перевернутым. Небольшую камеру-обскуру с тех пор широко использовали и ученые, и художники. Жозеф Несефор Ньепс – в 1826 году получил первое фотоизображение с помощью камеры-обскуры на цинковой пластине, покрытой светочувствительным асфальтом. Это был вид из окна его мастерской.
Илл.-Ж.Н. Ньепс. Фото из окна его мастерской

В 1839 году Луи Дагер доложил Парижской академии об изобретенном им способе фотографирования (дагерротипии). С тех пор этот день – 7 января 1939 года – официально считается днем рождения фотографии.
— У дагерротипа был существенный недостаток. Именно он помешал развивать фотографию в том направлении, которое предложил Дагер. Какой? (Чем отличается от фотографии на бумаге? В чем сходство?) На этот вопрос вы сможете ответить после просмотра видеофрагмента.

Видеофильм “Дагерротипия”.
Скачать видео с depositefiles.com (16 Mb)

Комментарий к фильму.
Этапы процесса Дагера были следующими:
Тонкий лист серебра припаивался к толстому листу меди.
Серебряная поверхность полировалась до блеска.
Серебряная пластина пропитывалась парами йодида и становилась чувствительной к свету.
Подготовленная пластина помещалась в темноте в камеру.
Камера устанавливалась на треногу, выносилась на улицу и направлялась на любой предмет, освещенный солнцем.
Объектив открывался на время от 15 до 30 минут.
Скрытое изображение проявлялось и закреплялось в следующем порядке: Пластина помещалась в небольшую кабину под углом 45 градусов над контейнером с ртутью, которую спиртовая лампа нагревала до 150 градусов (по Фаренгейту). За пластиной велось внимательное наблюдение до тех пор, пока изображение не становилось видимым благодаря проникновению частиц ртути на экспонированную часть серебра.
Пластина помещалась в холодную воду, чтобы поверхность стала твердой.
Пластина помещалась в раствор обыкновенной соли (после 1839 года заменена гипосульфитом натрия — фиксирующим элементом, открытым Джоном Гершелем и немедленно взятым для использования Дагером).
Затем пластина тщательно промывалась, чтобы прекратилось действие фиксажа. В результате получалась единственная фотография, позитив. Видеть ее можно было только при определенном освещении — под прямыми лучами солнца она становилась просто блестящей пластинкой металла. Изображение получалось зеркальным.
Невозможно было сделать несколько таких пластинок или напечатать неограниченное количество экземпляров, как можно напечатать позитивы с одного негатива.
Ответ на вопрос к фильму. Изображение существовало только в одном экземпляре. Его невозможно было тиражировать. Почему? Выполнялось на пластине. Еще один недостаток – должно было пройти достаточно много времени, пока изображение было готово. Плюс долгий процесс его обработки и дороговизна серебра.
Фотографический принцип негатив-позитив был изобретен Фоксом Тальботом 1841 г..
Через два года после доклада Дагера свой патент зарегистрировал англичанин Фокс Тальбот. Тальботу удалось получить изображение на бумаге. И хотя первый отпечаток имел размеры всего один квадратный дюйм, с этого времени основным стал негативно-позитивный способ получения фото.
Цветная фотография возникла только в конце 19 века.
На протяжении всего 20 века техника фотографии постоянно совершенствовалась. И цифровая фотография, которая возникла в 1981 году и активно развивается в последние годы, пока не смогла его заменить.

Жанры Просмотр слайд-шоу и определение жанров

Портрет

Документальная: репортажная, моментальная, хроникальная (сферы: политическая, военная, спортивная, научная и т.д.)

Пейзаж (сельский и городской)

Макросъемка

Натюрморт

Анимализм

Жанровая сцена.

Подводная съемка и др.

Фотография и живопись

— Фотография долгое время не считалась искусством. Почему?
Многие считали, что фотография убивает живопись и рисунок, и что она годится только для того, чтобы тупые мещане, раз в год вырядившись в свои лучшие платья, идиотски вперились бы в одну точку, застыв без движения и мысли перед пугающей вспышкой, и впечатали в вечность свой пошлейший вид на фоне аляповатой мишуры декораций ателье, столь же оскорбляющих хороший вкус, как и сами физиономии фотографируемых. Пр-ем искусства считалось только то, что изготовлено вручную. Фотография же принадлежала к техническим изобретениям. Поэтому долгое время ее не рассматривали как вид искусства.
— Чем фотография отличается от живописи?
Фотография не претендует на создание обобщенной картины действительности, основные ее достоинства – документальность, правдивость и реалистичность, а главная задача – запечатлеть отдельный момент, мгновение, подметить необычное в обычном. Когда-то герой немецкого писателя 18 века Гете – знаменитый Фауст – воскликнул: «Остановись мгновенье, ты прекрасно!» Если бы автор Фауста жил на столетие позже, то он бы увидел воочию, как сбылась мечта его героя!
— Чему фотография научилась (что позаимствовала) у живописи?
Художники (Дюрер, Леонардо да Винчи, Вермеер и другие) не случайно принимали активное участие в попытках изобрести фотографию. Эти два вида искусства, как вам известно, тесно связаны между собой.
— Что общего у фотографии и живописи?
Фотография переняла у живописи жанры, композиционные приемы, различные комбинации света и тени в освещении объекта. Кроме того, фотографы привлекали хков к процессу исправления различных недостатков фотоизображений – ретуши. При постановочной фотографии фотографы, как и художники, делали предварительные эскизы своих произведений.
— А может ли фотография быть полезна художнику как прошлого, так и современному?
Она помогает зафиксировать нужный художнику точный ракурс или положение тела модели, запечатлеть разные типы лица и т. п.

Анализ двух изображений – “Лавра” украинского художника Юрия Химича (на илл. слева) и фото Киево-Печерской Лавры 1890-х годов (на илл. справа) (беседа с учениками).

Вывод – художественный образ создан и в одном, и в другом случае. Но смысл – разный. Художник изменил размеры и расположение объектов, отчего между ними возникла тесная связь, неразрывное единство, гармоничная связь двух архитектурных сооружений. Все изображение может символизировать силу православной веры, непрерывность христианской традиции, а вертикальный формат картины — подчеркивать устремленность к Богу молитв верующих, собравшихся в храме. Ритмичное повторение архитектурных элементов, их соразмерность ассоциируется с ритмом церковной службы, а крупная брусчатка на первом плане картины, данная в сильном перспективном сокращении, как бы ведет нас в храм.
Фотография же Лавры ценна, во-первых, правдивостью изображения храма, выбранная фотографом композиция подчеркивает материальность и весомость зданий, а фоновые облака вносят динамику, создавая впечатление движения. Объединяют фотографа и художника не только средства художественной выразительности. Что является главным и в картине, и в снимке? Идея, смысл, воплощение личностного видения изображаемого.

Анализ фотографии Киево-Печерской Лавры 1890-х годов и современного моментального снимка Лавры (иллюстрация)
.

— Какую фотографию можно назвать художественной, а какая – обычный, рядовой моментальный снимок (для «ориентации на местности»)? (Современное фото (на иллюстрации оно слева) – не художественное, нет цельности, замысла, идеи)
— Чем отличается художественная фотография от документальной?
Ответ: В художественной фотографии достоверность художественного образа соединяется с авторской позицией, личностным видением изображенного. Отсюда – весомое смысловое наполнение. К произведению искусства хочется обращаться неоднократно, а обычное документальное фото интересно только однажды, в контексте опред. момента. Дальше оно теряет свой смысл и значение для зрителя. За ним не чувствуется позиция автора.
Сложность определения ценности фото. Идея снимка не всегда лежит на поверхности. Часто необходимо знать, где, кем, когда, при каких обстоятельствах он сделан, как сам автор определяет смысл своей работы. Нужно также рассматривать отдельное фото не как изолированное, а существующее в контексте с другими работами автора.
Китчевые фотографы, шокирующие публику своими неоднозначными, вульгарными, а часто и выходящими за рамки приличия работами, часто добиваются славы и коммерческого успеха.
Однако в историю мировой фотографии входят имена прежде всего тех мастеров, которые озабочены не только материальной стороной своей профессии, а находятся в постоянном творческом поиске, на пути самопознания и самовыражения, нашли свой собственный неповторимый стиль.

— Может ли фотография изменить мир?

Просмотр видеофильма «Фотографии, изменившие мир»
Скачать видео с depositefiles.com (4 Mb)

Комментарий к фильму:
1. Фотография, поднявшая ставки фотокорреспондентов
«Omaha Beach, Нормандия, Франция», Роберт Капа, 1944
Военный фотокорреспондент Роберт Капа говорил, что если ваши фотографии плохи, это означает, что вы находились недостаточно близко к месту событий. И он знал, о чем говорил. Его самые известные фотографии были сделаны утром 6 июня 1944 года, когда вместе с первыми отрядами пехоты он вышел на берег Нормандии в день высадки союзных войск в конце Второй мировой войны с Германией. Попав под обстрел, Капа был вынужден нырять под воду вместе с камерой, чтобы избежать пуль. Он едва спасся. Из четырех пленок, отснятых фотографом в день ужасной битвы, сохранилось только 11 кадров — остальные были безнадежно испорчены престарелым лаборантом, который в спешке засветил почти весь материал (как выяснилось позже, он пытался успеть проявить пленки до сдачи в печать свежего номера журнала Life).
По иронии судьбы, именно эта ошибка в проявке пленки и придала нескольким дошедшим до нас фотографиям их знаменитый «сюрреалистический» облик (журнал Life в комментариях к фотографиям ошибочно предположил, что они «немного не в фокусе»). Через пятьдесят лет режиссер Стивен Спилберг на съемках сцены высадки в Нормандии из фильма «Спасти рядового Райана» попытался воссоздать эффект фотографий Роберта Капы, сняв с объективов кинокамер защитную пленку для эффекта «размытости».
2. Фотография, которая спасла планету
«Долина реки Снейк», Ансель Адамс, 1942
Многие считают, что эпоху фотографии можно поделить на две части: до Адамса и после Адамса. В «доадомсовскую» эпоху фотография вообще не рассматривалась как самостоятельное искусство. Фотографии при помощи различных манипуляций делали похожими на картины.
Адамс же всеми силами избегал любых манипуляций со снимками, объявив фотографическое искусство «поэзией реальности». Своими работами он доказал ценность «чистого фотоискусства». В эпоху появления довольно компактных переносных фотокамер он упорно придерживался громоздкого оборудования и старомодных широкоформатных камер.
Адамс показал американцам красоту их национальной природы. В 1936 году он сделал серию фотографий и направил их в Вашингтон, чтобы помочь сохранить каньон Kings в Калифорнии. В результате эта местность была объявлена национальным парком.
3. Знамя Победы над Рейхстагом. 1 мая 1945 года.
Для советских людей такое же значение фотография красного флага над Рейхстагом – символ Победы над фашистами в Великой Отечественной войне. Знамя, водружённое Берестом, Егоровым и Кантария
29 апреля начались ожесточённые бои за рейхстаг, который обороняло более тысячи человек. 30 апреля после нескольких атак подразделениям 171-й (под командованием полковника Негоды А. И.) и 150-й (под командованием генерал-майора Шатилова В. М.) стрелковых дивизий удалось ворваться в здание. 30 апреля в 14 часов 25 минут на фасаде здания было установлено полковое красное знамя 674-го стрелкового полка (150-я стрелковая дивизия.
Достоверно известно, что военнослужащие из разных подразделений устанавливали красные флаги на крыше рейхстага — в официальной советской и российской историографии Знаменем Победы считается лишь установленное рейхстага рано утром 1 мая лейтенантом Алексеем Берестом и сержантами Михаилом Егоровым и Мелитоном Кантария.
На знаменитом фото «Знамя Победы над рейхстагом» запечатлены совсем не Берест, Егоров и Кантария. Снимок был сделан по заданию Фотохроники ТАСС фотохудожником Евгением Халдеем 2 мая 1945 года. Перед этим он сделал несколько фотографий победных знамён над освобождёнными советскими городами: Новороссийском, Керчью, Севастополем. Когда Халдей добрался до рейхстага, из которого выбили фашистов, флагов там уже было установлено множество. Наткнувшись на нескольких бойцов, он достал свой флаг и попросил их помочь забраться на крышу.
4. Фотография, показавшая, что и у гениев есть чувство юмора
«Эйнштейн, показывающий язык», Артур Сэйсс, 1951
Вы можете справедливо задаться вопросом: ” а эта фотография действительно изменила мир?” Она изменила отношение как к Эйнштейну, так и к ученым в целом. Дело в том, что 72- летний ученый устал от постоянного преследования прессой, достававшей его в университетском городке Принстоне. Когда его в стотысячный раз попросили улыбнуться в камеру, вместо улыбки он предъявил в камеру Артура Сэйсса высунутый язык. Этот язык — язык гения, именно поэтому фотография моментально стала классической. Теперь Эйнштейна всегда будут помнить и считать большим оригиналом — всегда!
5. Фотография, которая нас обманула
«Чудовище озера Лох-Несс» или «Фотография хирурга», Йен Уэтерелл, 1934
Еще эту фотографию называют «Фотография хирурга». Это расплывчатое фото, сделанное в апреле 1934 года, известно всему миру. Оно в течение 60-ти лет питало самые невероятные предположения о живом ископаемом ящере, живущем в наши дни в шотландском озере Лох-Несс, породило массу слухов и догадок, инициировало несколько подводных экспедиций и дало начало целой индустрии туризма в маленьком шотландском городке. Так продолжалось до 1994 года, пока приемный сын автора фальсификации — Кристиан Сперлинг — не рассказал общественности, что его отчим, Мармадьюк Уэтерелл, нанятый лондонской газетой Daily Mail для поиска крупного животного, не сумел его найти и решил сделать это поддельное фото при помощи пасынка Кристиана и сына Йена. Именно Йен и является фактическим автором фотографии. «Несси» была сконструирована на скорую руку и поддерживалась на поверхности при помощи игрушечной подводной лодки и противовеса из дощечек. Для того чтобы история выглядела более правдоподобной, мошенники уговорили местного хирурга Роберта Кеннета Уилсона назваться автором снимка.
6. Юрий Гагарин – первый космонавт.
В этот день — 12 апреля 1961 года c космодрома Байконур стартовал корабль «Восток» с Юрием Гагариным на борту.
Спустя час с момента старта человечество вступило в новую космическую «эру». Впервые в истории был осуществлен полет человека в космос. На Земле летчика истребительного авиационного полка встречали как национального героя. В следующем году день полета в космос был объявлен праздником — Днем космонавтики.
Старший лейтенант Гагарин стал самым известным человеком на планете, но его первый виток вокруг Земли был заслугой огромного множества людей и в первую очередь генерального конструктора космических кораблей Сергея Павловича Королева. Первое путешествие человека в космос длилось всего 108 минут. Сейчас космические системы обеспечивают глобальную и региональную связь, многопрограммное телевидение и радиовещание, метеорологические прогнозы и высокоточную навигацию.
7. Голод в Судане
Автор фотографии — Кэвин Картер — получил Пулитцерскую премию в 1994 году за свою работу. На карточке изображена суданская девочка, согнувшаяся от голода. Скоро она умрет, и большой кондор на заднем плане уже готов к этому. Фотография шокировала весь цивилизованный мир. О происхождении девочки неизвестно никому, в том числе и фотографу. Он сделал кадр, прогнал хищника и посмотрел, как ребенок уходит. Кэвин Картер являлся членом группы фотографов “Bang Bang Club” — четырех бесстрашных фотожурналистов, путешествующих по Африке в поисках фотосенсаций. Спустя два месяца после получения награды, Картер покончил с собой. Возможно, преследуемый ужасающими воспоминаниями увиденного в Судане.
Ответ: Появление фотографии само по себе изменило мир. Любое событие теперь может оставить свой след в истории. Я выбрала 7 снимков, но на самом деле их гораздо больше – фотографий, которые оказали сильное влияние на наше сознание и в значительной степени повлияли на ход истории.
Вопросы для закрепления.

В чем разница между любительской и художественной фотографией? | ПРОЕКЦИЯ

Мы продолжаем серию публикаций «Точка входа». На прошлой неделе мы размышляли над тем, что такое «объект» для фотографии. А на этой — поговорим о границе между любительской и художественной фотографией.

Как бы тяжело нам не было четко обозначить эту границу, имплицитно мы всегда ощущаем ее наличие. Показательно, что уже в эпоху 70-80-х гг. XX века художественная фотография начинает всматриваться в эту границу. Именно в это время, усилиями таких художников как Нэн Голдин, Ларри Кларк, Лари Салтэн, художественная фотография осознает, что функция любительской фотографии не сводится к документированию какого-то личного опыта, вроде поездки на море или свадьбы. Любительская фотография такого рода способна порождать определенную эстетику, которую можно использовать как материал.

Работа Нэн Голдин

За 40 лет количество подобного материала не сократилось. Свою роль в этом, конечно, сыграло появление социальных сетей. В основном, визуальный контент, которым наполнены все эти платформы — это продолжение эстетики бытовой фотографии. Фотки из путешествий, праздников, котики и собачки — раньше это печатали и складывали в альбом, теперь — обрабатывают и выкладывают в Инстаграм.

Социальный сети стали платформой производства определенного вида штампов для любительской фотографии. Причем эта «фабрика» разрослась настолько, что уже можно говорить и жанровом подражании любительской фотографии художественной. Фото красивого заката — это пейзаж, заказная съемка в студии — фэшн, фотографии с праздников — репортаж.

Фотография Ларри Кларка

При этом, чем ближе формально становятся художественная и любительская фотография, тем острее чувствуется функциональный разрыв между ними. Если любительская фотография и создает и распространяет определенный визуальный штамп, а художественная фотография на этом штампе паразитирует.

Художники, которые работают с эстетикой любительской фотографии используют ее как метод представления определенного способа видения, взаимодействия с реальностью. Это уже не прямое отражение, не документация непосредственно переживаемого опыта.

Фотография Ларри Салтэн

Любительская фотография — это, чаще всего, котик ради котика. И в этом нет ничего плохого, просто фотография для любителя — это больше технология, чем медиум, обладающий каким-то историко-культурным бэкграундом.

Любительская фотография — это контекст не само-выражения, но само-отражения. Вот в Фейсбуке фотография меня с моим котиком. Мы милые, но давайте быть честными, мы скорее всего, не искусство.

Но есть ли контекст, в котором мы можем превратиться в часть художественного замысла? Как смещается в этом случае граница художественного и любительского? И кто эту границу в принципе определяет? Над этими вопросами мы и будем размышлять всю эту неделю в новом выпуске «Точки входа».

Команда Проекции

Если вам понравился материал, вы можете поставить «лайк», чтобы чаще видеть материалы Проекции у себя в ленте.

Подписывайтесь на наши каналы в Яндекс.Дзен, Телеграм и становитесь читателем сайта Проекция.

Или задайте любой вопрос в наш Телеграм-чат для обратной связи.

Что делает фотографию искусством? | Художественная фотография

Учитывая огромное количество фотографий, как вы можете определить, являются ли ваши изображения произведениями искусства? Что делает фотографию искусством?

Снять и отретушировать фото может практически каждый. Интернет пестрит креативными селфи и абстрактными композициями. Есть даже изображения, на создание которых ушли годы.

На самом деле, социальные сети зависят как от профессиональных, так и от откровенных фотографий.

Что такое художественная фотография?

Все мы видим красоту в разных местах.То, что вам выделяется, может показаться кому-то непривлекательным, и наоборот.

Художественная фотография не имеет собственного определения. Но он привлекает тех, кто разделяет определенное видение.

Художественные фотографии создаются так же тщательно, как и живопись. Их часто бывает сложно создать за один сеанс. Они выделяются своими деталями, композициями и смыслами.

Самое главное, что это видения, которые представляют собой нечто большее, чем простые снимки.

Эти описания звучат расплывчато, потому что само изобразительное искусство постоянно меняется.Вот несколько примеров, которые могут дать вам лучшее представление о том, что такое этот жанр.

Многие концептуальные фотографии, особенно сюрреалистические, считаются искусством. Некоторые включают оптические иллюзии, тщательно размещенные объекты или даже сильно отредактированные композиции. На их совершенствование уходит много времени.
Но вам не нужно быть мастером Photoshop, чтобы создать концептуальное изображение. Олег Оприско находит и создает привлекательные композиции вне зависимости от монтажной программы.
Другие фотографы, например Алекс Стоддард, предпочитают делать наоборот.

Изобразительное искусство — это не только портреты или сюрреализм. Иногда фотография изобразительного искусства просто фокусируется на простом объекте, таком как лист, который имеет много интересных деталей.

Мои фотографии — искусство?

Ваши фотографии могут быть такими, какими вы хотите их видеть. Ваша вера в собственную работу поможет ей превратиться во что-то еще более великолепное, чем вы себе представляли.
Это может показаться действительно пушистым, но это помогло мне довериться собственным творческим инстинктам.
Еще одна вещь, которая мне помогла, — это задать себе простые вопросы о моих фотографиях.Вот несколько вопросов, которые вы можете задать себе, изучая свою собственную работу:

Какие чувства вызывает у меня эта фотография?
Сколько времени у меня ушло на планирование этой фотосессии?
Какое освещение на этой фотографии? Это искусственное или естественное, контролируемое или спонтанное?

Мы часто фотографируем, не задумываясь и не оценивая свои способности. Ваши ответы не дадут вам каких-либо конкретных результатов, но они дадут вам лучшее представление о том, какую работу вы создаете.
Потратьте время на изучение своей работы, чтобы развить этот инстинкт художественной фотографии.

Изобразительное искусство должно заставить вас что-то почувствовать

В своем подкасте об искусстве фотограф Мартин Бейли прекрасно описал изобразительное искусство. Независимо от того, насколько необычным или простым является предмет, он заставит вас почувствовать вещи.
Необязательно вдохновлять вас покорять мир. Но он может говорить с вашим сердцем своей красотой, цветами или позой объекта.
Некоторые фотографии изобразительного искусства вообще не будут говорить с вами через что-либо.Их простое существование просто напомнит вам о личном опыте. Они могут вызывать чувство ностальгии, печали, радости или чего-то совершенно другого.
Вот пример.

Хотя эта фотография была сделана в Джорджии, она напоминает мне о моем родном городе, месте, которое находится далеко от Грузии. Благодаря коту и летней атмосфере я вспоминаю детство. Я чувствую себя как дома, когда смотрю на этот портрет.
В зависимости от вашего жизненного опыта, вы, вероятно, почувствуете что-то другое, когда посмотрите на это изображение.
Что вы чувствуете, когда смотрите на него? Какие фотографии больше всего влияют на вас?

Откройте для себя свои версии изобразительного искусства

Определение красоты гибкое. Никто не может сказать вам, что должно или не должно быть изобразительным искусством. Лучший способ создавать фотографии изобразительного искусства, которые вам нравятся, — это подвергнуть себя вашей версии искусства .
Изучите фотографии любимых фотографов. Найдите артистов, работа которых заставляет вас чувствовать, независимо от того, насколько малоизвестен или популярен их жанр.
Чем больше изображений вы откроете для себя, тем легче вам будет раскрыть свой вкус. Не беспокойтесь о подсознательном копировании их идей или стилей.
Когда вы лучше поймете, чем вы восхищаетесь в искусстве, вы сможете делать фотографии, которые точно и уникально отражают это восхищение.
Если вы не знаете, с чего начать, вот несколько фотографов, чьи работы многие художники считают искусством:

Поль Апал’Кин фотографирует людей в студиях.
Рози Харди фотографирует людей в волшебных местах.
Даниэль Флейшхакер передает истинную красоту природы.
Александра Софи делает атмосферные фотографии женщин.
Юичиро Мияно фотографирует людей в квадратном формате.

Идеи художественной фотографии

Вы можете больше узнать об изобразительном искусстве, работая над различными фото-проектами.
Вот несколько, которые помогут вам познакомиться с жанром:

1. Moody Lighting

Сфотографируйте объект при плохом освещении.Ваше освещение не обязательно должно быть профессиональным. Он может быть прямым или тонким, естественным или искусственным.
Это позволит вам работать исключительно со светом и раскрыть потенциал в деталях.

2. Играйте с цветами

Играйте с цветами. Фотографии изобразительного искусства не обязательно должны быть реалистичными. Если вам нравится корректировать цвета и редактировать фотографии, поэкспериментируйте с неестественными тонами.
Это побудит вас выйти из зоны комфорта и принять необычные темы.

3.Использовать простые фоны

Делайте снимки в простых местах. Чтобы выделить объект съемки, фотографируйте его в месте, где мало что отвлекает.
Это может быть поле в пасмурный день или белая комната без мебели.

4. Образцы фотографий

Найдите закономерности и симметрию в природе. На свежем воздухе можно увидеть множество предметов изобразительного искусства, включая деревья, пляжи и небо.
Симметрия, изгибы и даже кривизна — все это можно использовать для создания привлекательной фотографии.

5. Попробуйте больше творческих ракурсов

Эксперимент с углами и поворотом. Простое вращение может полностью изменить смысл вашего изображения. Небольшое изменение перспективы может превратить простое место в такое, которое кто-то захочет повесить на стене.
Не бойтесь экспериментировать с углами и поворотами во время фотосессии и в программе редактирования.

Заключение

Так что же делает фотографию искусством? Ответ на этот вопрос зависит от вашего стиля фотографии, от того, где вы черпаете вдохновение и от того, как вы фотографируете.

На мой взгляд, искусство фотографии — это воображение, целеустремленность и время, которое вы вкладываете в свою работу. Это время, когда вы инвестируете в исследование, понимание и восхищение жанром изобразительного искусства.
Многие фотографы согласны с тем, что то, что делает фотографию искусством, — это то, что каждый захочет выставить в галерее. Это произведение искусства, которое заставит почти любого что-то почувствовать.
Это то, что вы хотите увидеть на стене, в галерее или на обложке книги.
Как вы думаете?

Страница не найдена »ExpertPhotography

404 — Страница не найдена» ExpertPhotography

404

Извини! Страница, которую вы искали, не найдена…

Он был перемещен, удален, переименован или, возможно, никогда не существовал. Пожалуйста, свяжитесь с нами, если вам понадобится помощь.

Мне нужна помощь с…

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx.RealPlayer G2 Control’, ‘rmocx. RealPlayer G2 Control.1 ‘, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[‘rmockx.RealPlayer G2 Control’, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx.RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

Страница не найдена »ExpertPhotography

404 — Страница не найдена» ExpertPhotography

404

Извини! Страница, которую вы искали, не найдена.

Мне нужна помощь с…

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx.RealPlayer G2 Control’, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1 ‘, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[type = ‘text’]

[type = ‘password’]

[‘rmockx. RealPlayer G2 Control ‘, ‘rmocx.RealPlayer G2 Control.1’, ‘RealPlayer.RealPlayer ™ ActiveX Control (32-разрядный)’, ‘RealVideo.RealVideo ™ ActiveX Control (32-бит)’, ‘RealPlayer’]

Что такое художественная фотография и как это сделать?

Цифровая фотография изменила то, как люди делают фотографии и сколько их делают.В наши дни каждый, у кого есть камера, может стать фотографом, и многие из них хотят быть профессиональными фотографами или художниками, хотя они могут быть и тем, и другим. По всему Интернету растет число тех, кто называет себя Fine Art Photographers ; так что, может быть, пора посмотреть, что они из себя представляют и чем отличаются от обычных фотографов.

Ниже приводится то, что я считаю одним из своих произведений искусства.

Дом, построенный в 30-х годах, а затем заброшенный всего несколько лет назад.

У меня много изображений, которые могут быть произведениями искусства, но это не то, что я бы назвал фотографиями изобразительного искусства.

Главная улица маленького городка в Австралии.

Оба изображения будут хорошо смотреться в рамке и висящими на стене, но если то, чего вы пытаетесь достичь, — это изобразительное искусство, то только первое действительно подходит под эту категорию.

Недавно я услышал в сети, что один фотограф сказал, что вы можете немного пошутить с изображением, добавить странное изгибающееся размытие, а затем назвать это изящным искусством. Это не делает изображение художественным, это просто делает его глупым.

Кажется, нет окончательного объяснения или определения того, что такое Fine Art Photography, но есть вещи, которые помогают определить, что это такое.

Когда я учился на изящных искусствах, отчасти требовалось по очереди выкладывать наши работы на стену для критики. Во время этих занятий мы говорили о методах, о том, что работает, а что нет. Мы также обсуждали идеи, лежащие в основе работы, и то, что мы хотели бы реализовать.

Вдобавок к этому у нас были индивидуальные уроки с лекторами, чтобы помочь нам обсудить наши идеи и способы их реализации.Идея заключалась в том, чтобы составить план того, как выполнять работу, что мы могли бы использовать для ее поддержки, и посмотреть на других художников, которые выполняли аналогичную работу, чтобы увидеть, как они передают свои идеи. Они были бесценны, поскольку помогли нам понять, что мы делаем и в каком направлении нам нужно двигаться.

Потребительство, все устаревает.

Видение художников

Прежде чем работа станет изобразительным искусством, художник должен иметь представление о том, как, по его мнению, будет выглядеть его работа.

Идея

Изобразительное искусство — это идея, сообщение или эмоция. У художника есть что-то, что они хотят передать в своей работе.

Эта идея или сообщение может быть чем-то маленьким, одним словом, например, отказаться, или целым утверждением, например, исследовать, как луна влияет на приливы. Это начало. Это похоже на гипотезу.

Техника

Работа, которую вы создаете, чтобы продемонстрировать свое видение и идеи, должна иметь последовательность.Когда вся работа идет вместе, в ней должно быть что-то общее. Часто художники используют одну и ту же среду и технику для каждой идеи.

Основной объем работ

В конце концов, должна быть работа, которая показывает ваши идеи, предметы и методы. Если бы вы поместили свои изображения в галерею, все они должны были быть единообразными.

Заявление художника

Наконец, вам, скорее всего, понадобится заявление художника. Краткое объяснение того, о чем эта работа, почему вы ее создали и как.

Когда вы заходите в галерею, вы можете смотреть на работу и удивляться, о чем она, поэтому вы ищите высказывание художника. Это поможет вам выяснить, каковы были намерения художников, почему и как они создавали эту работу.

Средняя школа, которую закрыли на время вандалов, но свет все еще проникает через окна.

Итак, вы хотите стать фотографом изобразительного искусства?

Для того, чтобы стать фотографом изобразительного искусства, необязательно иметь ученую степень в области изящных искусств, но вам нужно хорошо подумать о своей работе и о том, чего вы хотите с ее помощью достичь.

Собираем идеи вместе

Мозговой штурм — отличная идея, просто сесть и записать идеи.

Какие темы вам нравятся?
Какие сообщения вы хотите передать?
Какие предметы вы любите фотографировать?
Какие техники вас интересуют?

Просто пишите и не обращайте слишком много внимания на то, что вы пишете, это о том, чтобы записать свои мысли на бумаге. Поначалу это может не иметь никакого смысла, но по мере того, как вы прорабатываете свои идеи, он начнет проявляться.

Мозговой штурм идеи консьюмеризма. Это не всегда имеет смысл, но дело в том, чтобы опровергнуть ваши идеи.

Как только это будет сделано, у вас должно быть самое необходимое для того, чем вы хотите заниматься. Вы можете решить не обращать на это большого внимания, но этого должно быть достаточно, чтобы помочь вам понять, что вы хотите делать и в каком направлении двигаться.

Выбор темы

Темы могут быть какими угодно. Это не обязательно должны быть тяжелые темы, такие как действительно политические или социально сознательные.Я использовал консьюмеризм, так как у меня было несколько выставок, основанных на этой концепции и идее о том, что мы превращаем наши дома в огромные мусорные баки.

Проработать ваше сообщение или его мотивацию может быть немного сложнее. Возможно, для чего-то вроде консьюмеризма вам может потребоваться изучить его влияние на окружающую среду или то, что произойдет со всеми товарами, которые мы продолжаем покупать.

Поиск объекта для фотографий

Какая будет ваша тема? Вы бы сфотографировали груды мусора? Может быть, посмотрите прямо на разные бренды и все разные продукты, которые они выпускают.Не менее важно, из чего будут состоять ваши изображения, и они должны быть связаны с вашей темой или сообщением.

Когда-то дом, построенный более ста лет назад, теперь ушел, снаружи рушится, и трава пытается его засыпать.

Отработайте свою технику

Техника не так важна, просто она должна быть одинаковой для всех изображений. Для начала вы можете поэкспериментировать, чтобы решить эту проблему, но как только у вас есть то, что вы хотите, ваша работа должна быть похожей. Вы хотите создать единое портфолио, которое будет отлично смотреться и соединяться вместе при демонстрации.

Создание вашей основной работы

Вы должны работать как можно больше. Если вы планируете выставку, то вам нужно знать, сколько работы вам потребуется для ее проведения. Когда все будет готово, останутся части, которые просто не будут работать, и вам будет лучше не учитывать их. Трудно решить, что лучше всего подходит для выставки, и то, что вы это сделали, не означает, что она принадлежит.

Заявление художника

Наконец, вам нужно написать это заявление художника.Это должно быть написано на том, что они называют искусством, или языком, который соответствует миру искусства. Это должно хорошо звучать. Если вы подаете заявку в галереи, то ваше заявление художника — это то, на что они обратят внимание, так же как и на вашу работу.

Вот пример письма о работе над темой отказа:

Человеческая природа — лепить и придавать окружающей среде формы и формы, которые нам нравятся. Мы живем в этих зданиях, работаем в них и находим в них развлечение и пищу.Мы проводим время в комнатах, предназначенных для того, чтобы помогать нам учиться на многих этапах нашей жизни. Когда здания больше не подлежат содержанию, они быстро приходят в упадок. Моя работа показывает скорость разложения и то, насколько она похожа на состояние человека. Как легко мы можем впасть в такой же упадок, когда о нас больше не заботятся. С помощью фотографий старых и недавно заброшенных зданий я хочу исследовать метафору человеческого существования с заброшенными зданиями.

Я только что сделал это короткое заявление, но надеюсь, что оно дает вам представление о том, что такое заявление художника.Если вы выполните поиск в Google, вы найдете множество мест, которые помогут вам его написать. Вы также сможете найти их примеры, чтобы увидеть, что делают другие художники и как они создают свои работы.

Старая научная комната в закрытой школе. Вещи разбросаны и ничего не имеет смысла.

Наконец

Работа должна быть о вас и о том, чем вы увлечены. Не беспокойтесь о том, что думают другие. Если вы знаете, каково ваше видение, какова ваша тема и как вы хотите создавать свою работу, тогда ваше утверждение должно быть легким, и вы окажетесь на новом, захватывающем пути.

Если вы просто делаете красивые снимки без всего вышеперечисленного, то, скорее всего, вы не создаете фотографии изобразительного искусства. Однако, если у вас есть видение или сообщение, и есть идеи, которые вы хотите передать в своей работе, то вы, скорее всего, будете создавать изобразительное искусство. Возможно, вам стоит подумать о том, о чем вы хотите, чтобы ваша работа была. Также хорошо делать фотографии, потому что вам это нравится.

Что такое художественная фотография?

Меня часто спрашивают, что такое фотография изобразительного искусства? Прежде чем ответить, я обычно делаю глубокий вдох и готовлюсь ответить на вопрос за то время, которое требуется, чтобы проехать несколько этажей в лифте, поскольку они обычно ожидают быстрого ответа.И, несмотря на мои опасения ответить на их вопрос, я пришел к выводу, что самые хорошие ответы — это те, которые являются простыми и прямыми. Поэтому я начинаю с пояснения, что фотография изобразительного искусства действительно имеет объективные критерии, несмотря на то, что она находится в субъективной и обширной сфере искусства.

Горбатый — составлен на островах Сан-Хуан, WA
NIKON D810 + 70-200 мм f / 2,8 @ 200 мм, ISO 200, 1/2000, f / 5,0

Основным и основополагающим критерием, который отличает фотографию изобразительного искусства от других областей фотографии, является что фотография изобразительного искусства — это не цифровая запись объекта.Использование камеры для документирования того, что именно появляется перед фотографом, обычно относится к категории фотожурналистики и часто встречается в публикациях, в которых представлены чистые изображения, снятые камерой для записи сцены, которая точно существовала в определенный момент времени. .

Bold Coast — недалеко от Бар-Харбора, штат Мэн (почетное упоминание, International Photography Awards 2016)
NIKON D810 + 70-200mm f / 2.8 @ 200mm, ISO 31, 1/1, f / 16.0

С другой стороны, художественная фотография , прежде всего о художнике.Дело не в том, что камера видит; это о том, чтобы запечатлеть то, что видит художник. Поэтому в художественной фотографии художник использует камеру как еще один инструмент для создания произведения искусства. Камера используется для создания произведения искусства, которое раскрывает видение художника и излагает это видение, а не документирует объект перед объективом.

Canyon Spiers, WY
NIKON D810 + 70-200 мм f / 2,8 @ 70 мм, ISO 80, 1/1000, f / 5,0

Например, знаменитые картины Джорджии О’Киф в пустыне являются выражением ее видения ландшафта Нью-Мексико. ; с другой стороны, если дюжина фотографов со штативами установит свои настройки на требуемую экспозицию после замера экспозиции и сделает снимок пейзажа рядом с госпожойМольберта О’Киффа, в результате были бы изображения, которые запечатлели бы сцену, но не представили бы художественного выражения, требуемого от фотографии изобразительного искусства. Следовательно, фотография изобразительного искусства должна содержать элементы управления, аналогичные элементам управления, которые миссис О’Киф и все художники используют при создании произведения искусства. Ансель Адамс лучше всего выразил это в приведенной ниже цитате:

Искусство подразумевает контроль над реальностью, поскольку сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда применяются определенные элементы управления.

Итак, фотография изобразительного искусства должна выходить за рамки буквального изображения сцены или объекта. Он должен глубоко выражать чувства и видение фотографа и ясно показывать, что он был создан художником, а не только камерой. Должно быть ясно, что это было оригинальное, преднамеренное создание и что каждый аспект создания фотографии в полевых условиях и в цифровой студии фотографа после обработки, включая печать, является индивидуальным выражением самого художника.Фотографии изобразительного искусства, которые вы видите в статье, являются примерами недавно завершенных мною работ. Пожалуйста, наслаждайтесь и поделитесь своими мыслями или, возможно, примерами своей работы в разделе комментариев ниже.

Шкура игуаны в разных цветах — (Победитель конкурса Art Wolfe, Inc.)
NIKON D810 + 200-500 мм f / 5,6 @ 390 мм, ISO 250, 1/1250, f / 5,6

Этот гостевой пост был представлен Брайаном Риверой Ункафером. Чтобы узнать больше о Брайане, посетите его веб-сайт или просмотрите его ленту в Instagram.

Как фотография стала видом искусства | Аарон Хертцманн

Могут ли компьютеры создавать искусство? Часть 1

Это первая часть серии сообщений на тему, могут ли компьютеры создавать искусство, адаптированных из моего более длинного эссе на эту тему . Для уроков прошлого об искусственном интеллекте и искусстве, пожалуй, нет изобретения более значимого, чем фотография. В этом первом эссе рассматривается вопрос: как фотография стала уважаться как вид искусства и какие уроки из этого можно извлечь для новых художественных технологий искусственного интеллекта?

До изобретения фотографии реалистичные изображения мира могли создаваться только опытными художниками.В современном мире мы настолько завалены изображениями, что трудно представить, насколько особенным и уникальным должно быть ощущение, когда мы видим хорошо выполненную реалистичную картину. И навыки профессиональных художников неуклонно совершенствовались на протяжении веков; к 19 веку такие художники, как прерафаэлиты и французские неоклассики, достигли в своих работах ослепительного визуального реализма.

Технические навыки реализма были неотделимы от других творческих задач при создании изображений. Ситуация изменилась, когда фотография автоматизировала задачу создания изображений реального мира.

Представьте, что вы жили в 19 веке, до того как качественная фотография стала по-настоящему широко распространенной. Такие картины, как «Офелия» Милле 1852 года, были единственным способом увидеть реалистичные образы мира, и искусные художники были единственными, кто мог их создать. Эта картина имеет ширину почти четыре фута и демонстрирует прекрасные детали и виртуозность.

В 1839 году были изобретены первые два коммерчески практических фотографических процесса: дагерротип Луи-Жака-Манде Дагерра и негатив-позитивный процесс Уильяма Генри Фокса Тальбота.В основном они были представлены как способы создания практических записей мира. Из этих двух дагерротип был более популярен в течение нескольких десятилетий, в основном потому, что процесс Талбота был ограничен патентами. Усовершенствования метода Талбота в конечном итоге сделали дагерротип устаревшим и превратились в современные кинопроцессы.

«Бульвар дю Темпл» — ранний эксперимент Дагера, фотография, сделанная за его окном в 1838 году. Поскольку экспозиция заняла несколько минут, большая часть проезжей части размыта.Однако в нижнем левом углу, похоже, есть мужчина, которому чистили ботинок. Считается, что он был первым человеком, сфотографировавшим его. Силуэтная портретная живопись

Портретная живопись была основным фактором, способствовавшим раннему внедрению фотоаппаратов. Тогда, как и сегодня, людям нравилось хранить фотографии своих друзей, близких и предков. Портретная живопись была доступна только аристократам и очень богатым. В 18 веке было разработано несколько недорогих альтернатив, таких как силуэт, изображение контура человека, обычно вырезанное вручную мастером из черной бумаги.

Дагерротип предлагал экономичный способ создания реалистичного портрета. Это было очень медленно и требовало фиксации головы испытуемого с помощью подголовника на несколько минут, при этом испытуемый крепко держался за стул, чтобы не шевелить пальцами. Тем не менее, многочисленные студии дагерротипов возникли и стали обычным явлением по мере совершенствования технологий, и многие портретисты переключились на эту новую технологию.

К 1851 году портретная фотография дагерротипа стала обычным явлением и в значительной степени вытеснила старые портретные методы.Сидящим обычно приходилось позировать в течение нескольких минут, крепко сжимая стул и сохраняя жесткую позу, чтобы избежать любого движения.

В течение нескольких десятилетий фотография в значительной степени вытеснила большинство старых форм портретной живописи, таких как силуэт, и сегодня, кажется, никто особенно не сожалеет об этой потере. Насколько я ценю загадочность и красоту старых офортов и портретов и даже некоторые современные портреты, я обычно предпочитаю использовать камеру своего мобильного телефона, чем пытаться рисовать все вручную.

Художник-портретист заменен фотографом в этом мультфильме 1843 года Тедора Хоземана

Еще одним ранним использованием дагерротипа было изготовление сувениров для туристов: к 1850 году дагерротипы римских руин полностью заменили офорты и литографии, ранее приобретенные туристами. По мере совершенствования технологий фотография стала незаменимым источником записей для инженерных проектов и исчезающих архитектурных руин, а также для документальных целей, таких как фотографии ужасов гражданской войны в США, сделанные Мэтью Брэди.

Художники и критики много десятилетий спорили о том, является ли фотография искусством. Выявились три основные позиции.

Во-первых, многие люди считали, что фотография не может быть искусством , потому что она была создана машиной, а не человеческим творчеством. С самого начала художники пренебрегали фотографией и видели в ней угрозу «настоящему искусству». Даже на первых презентациях 1839 года художник-классик Поль Деларош, как сообщается, выпалил: «С сегодняшнего дня живопись мертва!» Два десятилетия спустя поэт Шарль Бодлер написал в обзоре Салона 1859 года:

Ворчливый Чарльз Бодлер

«Если фотографии позволят дополнять искусство в некоторых его функциях, она скоро вытеснит или полностью испортит его, благодаря глупость массы, которая является его естественным союзником. ’’

Вторая точка зрения заключалась в том, что фотография может быть полезна настоящим художникам, например, для справки, но не должна рассматриваться как равноценная рисованию и живописи. Например, несмотря на его публичное осуждение фотографии, более поздние картины Энгра демонстрируют убедительные доказательства того, что он работал на основе фотографической референции.

Наконец, третья группа , связавшая фотографию с устоявшимися формами, такими как офорт и литография, полагала, что фотография в конечном итоге может стать таким же значительным видом искусства, как живопись.Эта группа, включая любителей и мастеров-мастеров, жадно исследовала свой потенциал.

Фотография в конечном итоге оказала глубокое и неожиданное влияние на живопись . Миметические способности художников улучшались на протяжении веков.
Многие художники XIX века, такие как прерафаэлиты, такие как Джон Эверетт Милле, и неоклассики, такие как Энгр, рисовали изображения мира с ослепительным реализмом, больше, чем когда-либо. Однако камеры стали дешевле, легче и проще в использовании, и получили широкое распространение как среди любителей, так и среди профессионалов.К концу 19 века реалистичные фотографии стали обычным явлением. Если фотореализм можно свести к механическому процессу, тогда какова роль художника?

Ноктюрн 1875 года Уистлера был первой картиной «тонализма»: туманной и атмосферной, в отличие от резкого реализма предыдущей картины — и фотографии.

Этот вопрос уводил художников от визуального реализма к различным формам абстракции. Движение тоналистов Джеймса Макнила Уистлера создавало атмосферные, мрачные сцены; он писал: «Подражатель — существо бедное.Если бы человек, который рисует только дерево, цветок или другую поверхность, которую он видит перед собой, был художником, королем художников был бы фотограф. Художник должен делать что-то помимо этого ». Импрессионисты, которые стремились запечатлеть восприятие сцен, вероятно, находились под влиянием вызывающих воспоминания «несовершенств» ранних фотографий, таких как Boulevard du Temple, , показанная выше.

Напротив, символисты и художники-постимпрессионисты полностью отошли от перцептивного реализма.Эдвард Мунк писал: «Я не боюсь фотографии, пока ее нельзя использовать в раю или в аду. … Я собираюсь рисовать людей, которые дышат, чувствуют, любят и страдают ». Винсент Ван Гог, описывая свои художественные открытия около 1888 года, писал своему брату:

Ван Гог отказался от точного визуального изображения, поскольку это всего лишь фотография.

Вы должны смело преувеличивать эффекты гармонии или диссонанса, которые производят цвета. То же самое и в рисовании — точный рисунок, точный цвет, возможно, не являются главными вещами, к которым нужно стремиться, потому что отражение реальности в зеркале, если бы его можно было поймать, цвет и все такое, вообще не было бы изображением. , не более чем фотография.

Другими словами, Мунк, Ван Гог и многие другие художники их поколения рассматривали реализм как работу в фотографии, и цель настоящего художника состояла в том, чтобы найти способ выйти за рамки реализма — сделать что-то, что камеры не могли сделать.

В 1920 году, много десятилетий спустя, Андре Бретон, основатель дадаизма и сюрреализма, предварял заявление о дадаизм: «Изобретение фотографии нанесло смертельный удар старым способам выражения, как в живописи, так и в поэзии.… Поскольку теперь слепой инструмент уверял художников в достижении поставленной ими цели… они теперь стремились… сломить себя от имитации внешнего вида ».

На самом деле кажется вероятным, что фотография была одним из главных катализаторов движения современного искусства: ее влияние привело к десятилетиям жизнеспособности мира живописи, поскольку художники были вдохновлены фотографическими изображениями и вышли за рамки реализма. Без фотографии, возможно, не существовало бы современного искусства.

Тем временем фотографы пытались развивать и пропагандировать свой собственный вид искусства. В Соединенных Штатах эти фотографы называли себя фото-сепаратистами, поскольку они «отделились» от обычаев и традиционных форм искусства. Они утверждали, что значительный контроль художника над созданием изображения для выражения своего видения превратил его в форму искусства.

Движение пикториалистов, начавшееся примерно в 1885 году, преследовало особую визуальную эстетику в создании фотографии как формы искусства.Пикториалисты осуществляли значительный художественный контроль над своими фотографиями. Некоторые использовали высоко поставленные предметы, как в классической живописи, и тщательно манипулировали своими изображениями в темной комнате, чтобы создать очень формальные композиции. Многие из их работ имели туманный атмосферный вид, похожий на тонализм Уистлера, что смягчало реалистичность высококачественной фотографии. Казалось, что они намеренно имитируют качества живописи изобразительного искусства того времени, и сегодня большая часть их работ кажется довольно затронутой.

Движение пикториалистов имитировало традиционные техники живописи различными способами. Например, Генри Пич Робинсон поставил актеров, тщательно скомпоновал несколько кадров и отразил универсальные темы.

Таким образом, эти фотографы утверждали, что фотография является такой же творческой формой искусства, как и любая другая, потому что художник руководил всем творческим процессом; камера не работала. («Исчезновение», Генри Пич Робинсон, 1848 г.)

Фото-сепаратисты преследовали различные стратегии для легитимации своей работы как искусства, такие как организация фотографических обществ, периодических изданий и выставок фотографий с участием жюри.Их работы и достижения усложняли отрицание художественного вклада фотографии; кульминацией которой стало «Шоу Буффало», организованное Альфредом Штиглицем в галерее Олбрайт в Буффало, штат Нью-Йорк, первая выставка фотографий в американском художественном музее в 1910 году. Фотография прочно утвердилась как искусство.

Последующие модернистские движения в фотографии отказались от искусственных стилей пикториализма. Среди них были такие фотографы, как Group f / 64 из Сан-Франциско, которые исследовали сочетание резких, натуралистических изображений с абстрактными композициями.

Портрет Игоря Стравинского, сделанный Арнольдом Ньюманом 1948 года. Теперь узаконенные камеры могут использоваться для изучения визуальных стилей, в отличие от предыдущих.

Эта история дает несколько уроков, имеющих непосредственное отношение к искусственному интеллекту как художественному инструменту.

Когда впервые изобрели фотоаппарат, он выглядел как машина, автоматизирующая создание произведений искусства. Никаких навыков не требовалось. Многие художники этого боялись и пренебрегали. Они предсказывали, что это уничтожит высококачественное искусство и оставит без работы лучших художников.

Что на самом деле произошло?

Создан новый вид искусства: фотография. Эта форма имеет свои уникальные стили и творения.
Возрождение старых форм искусства. Возможно, современного искусства вообще не существовало бы, если бы фотография не вызывала вопросов о роли художника в реализме.
Старые технологии портретной живописи в значительной степени устарели. На практике это означало, что портретные студии должны были изучить и принять новую технологию.
Фотография стала доступна любителям; имиджмейкерство было «демократизировано».«Сегодня любой человек, у которого есть мобильный телефон, может сделать снимок.

Этот узор повторяется с изобретением компьютерной графики. На заре компьютерной графики Эд Кэтмелл и Элви Рэй Смит (позже основавший Pixar) пытались заинтересовать аниматоров Диснея новой технологией. Позже Смит сказал: «Аниматоры боялись компьютера. Они чувствовали, что это отнимет у них работу. Мы потратили много времени, говоря людям: «Нет, это всего лишь инструмент — он не способствует творчеству!» Это заблуждение было повсюду.«Сегодня компьютерная анимация — это новый чрезвычайно успешный вид искусства, который опирается на таланты огромного числа аниматоров и других творческих и технических специалистов.

Я считаю, что тот же образец повторяется с новыми инструментами художественного ИИ. Наивные зрители, которые не понимают современных технологий искусственного интеллекта или искусства (или того и другого), опасаются, что искусственный интеллект сделает художников устаревшими. Не верьте этой шумихе. Фактически, эти новые инструменты открывают огромные творческие возможности для искусства и культуры; они не заменяют художников, а, напротив, наделяют их полномочиями.

Я объясню больше в следующей части этой серии.

Историческая информация в этом эссе в основном основана на двух книгах: Всемирная история фотографии Наоми Розенблюм для общей истории и Искусство и фотография Аарона Шарфа для взаимодействия живописи и фотографии. Цитата Элви Рэя Смита из «Истории Pixar» Карен Пайк.

Это эссе адаптировано из более длинного эссе, которое я опубликовал в журнале Arts .

Фотография: это искусство? | Фотография

Вот уже 180 лет люди задают вопрос: является ли фотография искусством? На первом собрании Лондонского фотографического общества, основанного в 1853 году, один из членов жаловался, что новая техника «слишком буквальна, чтобы конкурировать с произведениями искусства», потому что она неспособна «возбудить воображение». Эта концепция фотографии как механического носителя записи никогда полностью не исчезла. Даже к 1960-м и 70-м годам художественная фотография — идея о том, что фотографии могут отражать нечто большее, чем просто внешний вид, — была, по словам фотографа Джеффа Уолла, «фотогетто» нишевых галерей, поклонников и публикаций.

Но за последние несколько десятилетий вопрос звучит все реже. Когда в прошлом году фотография серой реки Рейн под столь же бесцветным небом, сделанная Андреасом Гурски, была продана по мировой рекордной цене в 2,7 миллиона фунтов стерлингов, дебаты фактически прекратились. Словно в знак одобрения патрициев, Национальная галерея сейчас проводит свою первую крупную выставку фотографии — Seduced by Art: Photography Past and Present .

Выставка не является обзором, а скорее исследует, как первые практики фотографии смотрели на картины, когда они впервые исследовали потенциал своих технологий, и как их современные потомки смотрят на старых фотографов-мастеров и, в свою очередь, на картины старых мастеров.

Картины предлагали каталог переносимых предметов, от портретов до обнаженных, от натюрмортов до пейзажей, которые фотографы могли имитировать и адаптировать. Из-за длительной выдержки, необходимой для ранних камер, невозможно было захватить движущиеся объекты. Самая ранняя из известных фотографий человека была сделана случайно Луи Дагером — с Генри Фоксом Талботом, одним из двух великих пионеров фотографии — когда он установил свою камеру высоко над Бульваром де Темпл в Париже в 1838 году.Его 10-минутное время экспозиции означало, что проезжающий транспортный поток и пешеходы двигались слишком быстро, чтобы их можно было зарегистрировать на табличке, но бульвар стоял на месте достаточно долго, чтобы и он, и чистильщик сапог, полировавший его ботинки, были запечатлены навсегда.

Когда Дагер направил камеру на людей, а не на места, результаты были разоблачительными. Элизабет Барретт Браунинг была настолько поражена дагерротипами, что она восхищалась «самой тенью человека, лежащего там навсегда». Точность запечатленных черт означала, что она «предпочла бы такой памятник одному из тех, кого я очень любил, чем работу самого благородного художника, когда-либо созданного« не »из уважения (или неуважения) к искусству, а ради любви».Однако, если бы ее фотограф последовал совету Эжена Дисдери, который в 1863 году писал, что «именно в работах великих мастеров мы должны изучать простой, но великий метод создания портрета», она могла бы удовлетворить любовь как с физиономией, так и с искусством.

Мой внук Джулия Маргарет Кэмерон. Фотография: Hulton / Getty

Некоторые фотографы-новаторы сразу осознали, что фотографии, как и картины, являются искусственно созданными изображениями: их тоже нужно было тщательно скомпоновать, осветить и воспроизвести.Джулия Маргарет Кэмерон дала понять это в своем переосмыслении картин эпохи Возрождения. Например, на ее картине Light and Love 1865 года изображена женщина в головном уборе Мариан, склонившаяся над своим младенцем, спящим на соломенной кровати. Это часть вертепов, не уступающих христианскому искусству, и была названа одним критиком фотографическим эквивалентом «метода рисования, использованного великими итальянскими мастерами». I Wait , 1872, показывает ребенка с крыльями ангела, подпирающего подбородком скрещенными руками и со скучающим выражением лица, которое напоминает о недовольных херувимах в произведении Рафаэля «Сикстинская Мадонна ».Такие фотографии не были прямыми цитатами из картин, но они вызывали в сознании зрителя ряд ассоциаций, которые делали фотографию исторической глубинкой.

Если Кэмерон и его современники, такие как Оскар Рейландер и Роджер Фентон (сделавшие многочисленные фотографии натюрмортных композиций из фруктов и цветов, а также его более известные фотографии Крымской войны), хотели, чтобы их фотографии отражали их собственные знания о искусство, ссылки пошли в обе стороны. В 1873 году Леонида Кальдези опубликовала книгу своих фотографий 320 картин в Национальной галерее, и ее целевой аудиторией была не только публика, но и сами художники, для которых фотографии были более точными и более доступными, чем гравированные репродукции. К 1856 году благодаря фотографиям Фентона художники могли изучать классические статуи в своих мастерских.

«» Ричарда Леройда «Человек с татуировкой осьминога» II (2011) Ричарда Леройда. Фотография: любезно предоставлена McKee Gallery, Нью-Йорк,

. Возможно, изображение обнаженной натуры — например, бестселлер Фентона с изображением дискобола «Дискобол» — позволило фотографии вернуть долг искусству. Нанять натурщицу было дорого, а гравюры ничем не могли заменить. Делакруа был одним из художников, который «испытал чувство отвращения, почти отвращения к их неправильности, их манерам и отсутствию естественности».Вместо этого он похвалил художественную помощь, предоставленную академиями (книгами с обнаженными фотографиями), поскольку они показали ему реальность: «эти фотографии обнаженных мужчин — это человеческое тело, это замечательное стихотворение, которое я учусь читать». Он даже помог фотографу Эжену Дюрье позировать и осветить свои модели. А в девятнадцатом веке Великобритании и Франции, когда порнография была незаконной, фотографии обнаженного спросом у клиентов, которые не имели художественных интересов.

Когда дело дошло до пейзажной фотографии, новая техника появилась как раз тогда, когда импрессионисты начали работать на пленэре.Некоторые комментаторы считали, что настоящая проблема фотографии перед живописью заключается в ее способности запечатлеть то, что фотограф и журналист Уильям Стилман в 1872 году назвал «письменными показаниями природы к фактам, на которых основано искусство» — случайным «естественным сочетаниям пейзажей, изысканной градации. , и эффекты солнца и тени «. Другой практик, Линдон Смит, пошел еще дальше, объявив пейзажную фотографию ответом на «изнеженные и взорванные системы« высокого искусства »и« классики »сэра Джошуа Рейнольдса» и «холодные, бессердечные, неверные работы языческой Греции и Рима». .

Однако быть новичком было нелегко. Эдвард Мейбридж, британский фотограф, который первым запечатлел животных в движении и в результате положил конец старой живописной традиции показа лошадей, бегущих со всеми четырьмя ногами от земли, был в первую очередь пейзажным фотографом. Его снимки дикой природы Йосемити, например, включали переноску увесистых фотоаппаратов, коробок со стеклянными негативами, а также палаток и химикатов для импровизированной фотолаборатории, вверх по горам и через леса.Живописные экспедиции Моне, напротив, требовали только краски и холста.

Ричарда Биллингема Hedgerow (Нью-Форест) , 2003. Фотография: любезно предоставлена галереей Энтони Рейнольдса, Лондон.

Если бы у ранних фотографов не было другого выбора, кроме как договориться о своем участии в живописи, их современные потомки могли бы обратиться к почти двухвековой истории фотографии . Это то, что делает выставка, объединяя старое и новое. Поэтому, когда современный фотограф, такой как Ричард Биллингем, фотографирует пустое пространство моря и неба в сланцево-голубых и серых тонах Ротко ( Storm at Sea ), он имеет в виду наследие, которое включает в себя как монохромную тональность атмосферной фотографической фотографии Гюстава Ле Грея. морские пейзажи 1850-х годов и такие картины, как «Пароход на Женевском озере», «Вечерний эффект », 1863 г. , работы швейцарского художника Франсуа Босиона.

Фотография пары в их загородном доме из альбома Мартина Парра Признаки времени, Англия, 1991 Фотография: Мартин Парр / Magnum

Об этом говорят разные средства массовой информации. Например, хрупкий портрет пригородной пары из альбома Мартина Парра Signs of the Times 1991 года контрастирует с изображением Mr and Mrs Andrews 1750 года Гейнсборо. их поля и леса, удобные и с собой, и их станции, бывший за пару позирования натянуто в их гостиной.

Ори Гершт Blow-Up — Без названия 5 , (2007) Фотография: Bigbang Ii / Предоставлено художником и Mummery + Schnelle, Лондон

Между тем цветочная картина 19 века Анри Фантен-Латура является отправной точкой для фрагментарных цветов Ори Гершт, Взрыв . Гершт заморозил свои цветы жидким азотом, а затем взорвал их небольшим зарядом и сфотографировал, как лепестки превратились в летящие осколки. Среди обнаженных красок картина Ричарда Леройда «« Человек с татуировкой осьминога », 2011» находится рядом с картиной галереи « Анжелика, спасенная Руджеро, » 1819-39 годов, созданной знатоком телесных изгибов Энгра.