Картины Натюрморт — Jose Art Gallery

Натюрморт стал едва ли не самым эстетическим жанром в живописи. Художники-натюрмортисты искусно комбинируют между собой разрозненные элементы, будь то обычные предметы быта, еду или нечто более экзотическое в целостную картину. Искусство натюрмортов остается популярным, невзирая на веяния времени. Натюрморты знаменитых художников славятся своим вниманием к деталям. Приобрести отличные натюрморты, идеально подходящие для вашего интерьера, можно на сайте Jose Art Gallery.

Все работы Живопись Графика Фотография Скульптура Цифровое искусство

ЦенаUSD

0 — 10,000+ USD

Ориентация

Размер

 

Натюрморт

Жанр

 

Страна

Сортировать:

По умолчанию

Фильтр (1)

Натюрморт с апельсинами.

20×20 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Красный натюрморт с цветами.

70×100 см, масло/холст

Андрей Гайдар

2 100 $

Лимоны

42×30 см, гуашь/бумага

Kristina Chief Chief

215 $

ЗИМНИЙ ДИПТИХ

180×90 см, смешанная техника/холст

Хени Стейнберг

3 450 $

КОЛ

80×90 см, масло/дерево

Стефано Маццолини

970 $

Воздушные одуванчики.

45×35 см, масло/холст

Елена Хевелева

220 $

Я помню чудные мгновенья

50×50 см, масло/холст

Елена Моисеенко

400 $

Натюрморт с сиренью вечером

50×50 см, масло/холст

Елена Моисеенко

400 $

Забытая мелодия

65×50 см, масло/холст

Елена Моисеенко

400 $

Break for coffee

40×30 см, масло/холст

Елена Моисеенко

250 $

Скрипка и роза

70×90 см, масло/холст

Сергій Березін

800 $

Орехи

25×20 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Тепло осени

30×30 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Сливи

30×30 см, масло/холст

Вера Савка

280 $

Q232

40×40 см, масло/холст

Стефано Маццолини

322 $

ВБВК

70×50 см, масло/холст

Стефано Маццолини

484 $

Натюрморт с дыней

80×50 см, масло/холст

Ольга Дарчук

750 $

Хранитель древностей

45×35 см, масло/холст

Елена Моисеенко

220 $

Натюрморт

25×20 см, масло/картон

Ирина Карпяк

220 $

Завтрак

40×30 см, масло/холст

Ирина Карпяк

220 $

Натюрморт с апельсинами

20×20 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Натюрморт с апельсинами.

20×20 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Калина

60×45 см, масло/холст

Ирина Карпяк

220 $

Последние хризантемы

40×40 см, масло/холст

Ирина Карпяк

220 $

Весенние цветы

50×50 см, масло/дерево

Ирина Карпяк

220 $

Moonfish (Vomer)

50×40 см, масло/холст

Сергей Кузьмин

1 500 $

Делфтский фарфор

14.5×18.5 см, масло/дерево

Лариса Степанюк

220 $

Мои любимые туфли я

50×40 см, масло/холст

Ljuba Ananina

220 $

ХФГ

92×120 см, масло/холст

Стефано Маццолини

429 $

Q231

40×40 см, масло/холст

Стефано Маццолини

322 $

NWQQ

90×120 см, масло/дерево

Стефано Маццолини

775 $

Рубиновые яблоки, натюрморт

57×52 см, масло/холст

Людмила Рябкова

550 $

Натюрморт. Вещи века | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Светлана Усачева

Рубрика: 

ВЫСТАВКИ

Номер журнала: 

#3 2012 (36)

Жанр, представляющий вниманию зрителя «неподвижную натуру», во все времена не терпит суеты. Настраивая на неспешное общение, он побуждает любоваться деталями, искать в простых вещах скрытые смыслы и значения. Подлинные предметы, созданные природой или руками человека, превращаются в натюрморте в художественный образ, отражающий приметы времени, стиль и характер искусства. Эти особенности жанра определили содержание выставки «Натюрморт. Метаморфозы. Диалог классики и современности», которая открывается в ноябре 2012 года в Третьяковской галерее. Авторы проекта соединили в едином пространстве произведения XVIII—XIX веков и работы конца XX—начала XXI столетия, предлагая зрителю стать свидетелем необычного творческого диалога между старыми мастерами и современными творцами.

Врусском изобразительном искусстве XVIII—XIX веков натюрморту отводилось место среди «малых» родов живописи. Подобное положение подразумевало прежде всего специфику работы художников, основной задачей которых являлось «копирование» натуры. Однако со временем эпитет «малый» приобрел характер уничижительного, а период XVIII и XIX веков рассматривается лишь как предыстория блестящего расцвета натюрморта в начале XX столетия.

Преодолевая ставшее привычным предубеждение, выставка подробно освещает наименее известный период итории жанра. Развитие натюрморта в эпоху старых русских мастеров нельзя назвать последовательным. Тем не менее произведения этого времени отличают и тематическое разнообразие, и художественная самобытность. Композиции с атрибутами научных и художественных занятий, постановки с цветами и плодами, кухонными и столовыми принадлежностями выражают полноту «тихой жизни» вещей, их внешнюю красоту и смысловую значительность.

Первая половина XVIII столетия — время расцвета «ученых» натюрмортов. Их преобладание во многом определила просветительская деятельность императора Петра I, его пристрастие к научным занятиям и коллекционированию раритетов, в том числе экзотических и курьезных. Под руководством приглашенных Петром голландских художников супругов Георга и Доротеи Марии Гзель русские рисовальщики создавали в Кунсткамере иллюстрированный каталог природных «куриозов» и рукотворных редкостей.

Запечатленные на листах отдельные экспонаты еще нельзя назвать натюрмортами в полном смысле этого слова. Во многом бесхитростные, эти изображения восхищают точностью воспроизведения подлинного облика и величины предметов, тщательностью в передаче особенностей природных и искусственных материалов. Кунсткамерные рисунки можно назвать одним из первых опытов постижения природы вещей, в котором научная фиксация неотделима от художественных задач.

Традиционные для европейского искусства аллегорические натюрморты «vanitas vanitatum» («суета сует») почти не получили распространения в отечественной среде. Редкие живописные образцы этой разновидности жанра, весьма наивные по манере исполнения, находятся в собрании Исторического музея. Гораздо привлекательнее для русских любителей искусства стали натюрморты с приметами повседневной жизни. В 1730—1740-е годы особой популярностью пользовались живописные обманки «ученого» содержания. Увидев в кабинете на стене сбитые вместе доски с прикрепленными к ним гравюрами, письмами, подвешенными на ленточках картинками и часами или полки с книгами за стеклянной дверцей книжного шкафа, зритель некоторое время воображал, что все предметы — настоящие.

Большинство произведений такого рода происходят из усадебных коллекций музеев «Кусково» и «Останкино».

В отличие от кунсткамерных рисунков, на которых показаны редкости, в кабинетных обманках собраны вещи повседневные, характеризующие круг интеллектуальных занятий своих обладателей. Они погружены в течение своего времени и, как писал о подобных изображениях известный итальянский писатель Умберто Эко, привлекательны «упоительной обыденностью». Именно обыденность позволяет наделить смысловой неоднозначностью покрытые пылью кабинетные безделушки, потертые гравюры или надорванные письма с надписями — в частности, позволяет увидеть в привычных вещах символику суеты сует.

Метаморфозы иллюзии и действительности, присущие эпохе барокко, демонстрируют фигурные обманки. В собрании Эрмитажа сохранились обрезные изображения книг с металлическими застежками из коллекции Петра I. Однако большинство дошедших до нас обманок представляют человеческие фигуры. «Натюрморты» такого рода создавали театральные эффекты в пространстве усадебных интерьеров и парков, удивляя посетителей. Использовались они и для вполне бытовых целей. Так, стоящий у камина слуга-калмычонок в картине, запечатлевшей интерьер кабинета И.И. Шувалова, оказывается не только живописной фигурой, но и каминным экраном.

Живописные и графические натюрморты с атрибутами ученого кабинета и живописной мастерской можно встретить и в искусстве XIX века, но уже крайне редко. Наиболее известным полотном, олицетворяющим мир изящных искусств, является обманка художника-любителя Н.А. Мордвинова «Подрамник, папка с рисунками и барельеф», виртуозная техника исполнения которой неизменно вызывает желание зрителя повернуть холст и увидеть несуществующую картину.

Ведущее место в тематической структуре русского натюрморта на протяжении двух столетий занимала живопись «цветов и плодов». Флоральные мотивы можно найти во многих видах изображений — от ботанических рисунков до декоративных десюдепортов. Цветы и их неизменные спутники — насекомые — являлись важной темой в искусстве барокко, наделявшего явления окружающего мира глубоким метафорическим смыслом.

Цветущие и увядающие растения, метаморфоза насекомых воспринимались как атрибуты vanitas, олицетворявшие скоротечность человеческой жизни и надежду на воскресение души. Вместе с тем огромное значение имело научное изучение всевозможных «натуралий». Эти разнообразные свойства воплощали ботанические рисунки растений, тесно связанные с декоративной цветочной живописью. В 1717 году Петр I приобрел рисунки голландской художницы Марии Сибиллы Мериан, хранящиеся ныне в Архиве Академии наук в Санкт-Петербурге. Мериан тщательно воспроизводила облик и строение растений и насекомых, стремясь к наукообразию изображений, и даже использовала при работе микроскоп. В то же время ее акварели до сих пор поражают совершенством композиционного и цветового решения, «необыкновенной точностью и тонкостью в передаче деталей» ¹. Не случайно Гете причислял Мериан к лучшим голландским живописцам цветов².

Цветочные и фруктовые композиции являлись непременным украшением дворцовых и частных интерьеров XVIII века. В отечественных собраниях сохранились лишь редчайшие образцы живописи такого рода. В их числе фигурные десюдепорты из собрания Русского музея кисти А.И. Бельского и И.И. Фирсова, исполненные для Екатерингофского дворца. Во второй половине столетия изображения даров царства Флоры приобрели в стенах Академии художеств статус особого жанра. Здесь в середине 1760-х годов был образован класс цветочной живописи. Его содержание определено в трактате академического педагога И. Урванова: «В цветочном роде употребительные предметы суть: цветы, фрукты, насекомые, и к оным иногда присовокупляются вазы, стаканы, блюды, ножи и проч.»³. Натуралистический подход к передаче облика неподвижной натуры получил в Академии теоретическое обоснование. Во время натурных штудий ученики рисовали и писали отдельные цветы, фрукты и овощи, изучая особенности их строения. Одновременно они копировали произведения западноевропейских мастеров, в основном современных. Особой популярностью среди воспитанников пользовались полотна французского художника Ж. -Б. Удри, приобретенные для Эрмитажа императрицей Екатериной I, а также работы голландца Я. Брейгеля-младшего. Но чаще как эталоны использовались картины, созданные педагогами класса — немецкими живописцами Г. фон дер Минтом (Фондерминте) и Х.-Ф. Гозенфельдером. Единственная известная сегодня картина фон дер Минта «Натюрморт с цветами» 1764 года из частного собрания впервые будет показана на выставке в Третьяковской галерее. Пышный букет в вазе, вокруг которого разбросаны отдельные раковины, цветки и плоды, изображен на фоне пейзажа. Представить натюрморт «в образе ландшафта» нередко предлагалось ученикам класса в качестве учебного задания. В 1770—1780-е годы в классе значилось более двадцати воспитанников, но, к сожалению, ни одной работы русских художников этого времени пока не удалось обнаружить.

В конце XVIII столетия класс цветочной живописи был закрыт. Тем не менее на протяжении следующего столетия «цветы и плоды» оказались ведущей темой в натюрмортной живописи, отразив ведущие стилевые тенденции. Важное место цветочные и плодовые композиции заняли в искусстве бидермейера (бидермайера) — стиля, воплотившего в европейской культуре 1820—1840-х годов ценности бюргерской городской среды. По точному определению Д.В. Са-рабьянова, «среди стилевых направлений XIX века бидермейер был самым натюрмортным», поскольку одним из его важнейших качеств являлась «сосредоточенность на предмете»⁴. В России круг поклонников жанра оказался весьма широким. Сохранив привлекательность для просвещенных ценителей художеств, он стал пользоваться успехом у городских обывателей — купцов, мещан, чиновников. Развиваясь в общеевропейском контексте, отечественная живопись «цветов и плодов» испытывала значительное влияние произведений европейских мастеров. Среди них — австрийцы Ф.Г. Вальдмюллер и Й. Нигг, французы Ж.Ф. Ван Даль и Симон Сен-Жан, немцы Г. Галлер-Фион и Леопольд Штоль. Натюрморты этих и других живописцев эпохи бидермейера поражают пышностью, порой чрезмерной. Художники собирали в одной картине цветы и плоды разных сезонов, редкие оранжерейные экземпляры. Яркий, неестественно насыщенный колорит придавал полотнам красочную декоративность, а скрупулезная точность в исполнении мельчайших деталей позволила И.В. Гете сравнить авторов подобных произведений с «образованными ботаниками»⁵.

Ботаническая направленность натюрморта первой половины XIX века способствовала новому всплеску интереса к натурным рисункам цветов. Один из признанных русских мастеров графических произведений такого рода — Ф.П. Толстой. Художник вспоминал, что обратиться к цветочным рисункам его побудило знакомство с иллюстрациями иностранного автора, которые ему показала императрица Елизавета Алексеевна⁶. Уподобляясь «образованному ботанику», Толстой изображал «копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями…». При этом каждое растение в его работах представлено «в лучшую для себя минуту»⁷. Сочетание столь разных свойств являлось органичным выражением классицистических традиций, царивших в Академии художеств того времени, и присуще произведениям представителей отечественной школы «цветов и плодов». В частности, его можно обнаружить в графических работах никому не известных ныне воспитанников Школы рисования в отношении к искусствам и ремеслам, основанной в Москве графом С.Г. Строгановым (Строгановское училище). В школе имелся класс рисования цветов с натуры, в котором ученики совершенствовали навыки реалистической передачи облика растений. При этом рисунки становились основой для создания декоративных росписей и орнаментов. Некоторые воспитанники успешно сочетали деятельность в декоративно-прикладной сфере и в станковой живописи. Выпускник школы и ее педагог М.В. Васильев, автор многочисленных образцовых акварельных рисунков цветов для учеников, был удостоен звания академика за станковый натюрморт⁸.

Дошедшие до нас произведения, литературные свидетельства и архивные материалы свидетельствуют, что к жанру были причастны многие русские живописцы, прежде всего — академические воспитанники, получавшие за свои картины звание «неклассного» (свободного) художника. Среди них — П. Титов, В.Д. Пототуев, В.Д. Садовников, И. Михайлов. Другие авторы не ограничивались в своем творчестве исключительно сферой натюрморта, а работали одновременно в нескольких жанрах. Помимо натюрмортов, писали портреты, пейзажи, жанровые картины В.А. Голике, А.М. Легашов, Ф.Г. Торопов. К сожалению, имена этих и других мастеров, работавших в жанре «цветов и плодов», в настоящее время мало известны не только любителям, но даже специалистам. Единственным, кто избежал подобной участи, является И.Ф. Хруцкий. Работы Хруцкого, хранящиеся ныне в музейных собраниях России и Беларуси, соединяют академические традиции жанра с приметами стиля бидермейер с его подчеркнутой любовью к вещной, материальной стороне жизни. Произведения мастера выделяются и содержательным своеобразием. Тон в них задают не экзотические, нарядные мотивы, а вещи повседневного небогатого обихода. Некоторые из них (керамический кувшин с рельефными фигурками животных, стеклянный графин, золоченая ваза с фруктами, лубяной короб, корзина с ягодами) переходят у Хруцкого из картины в картину и стали со временем своеобразными атрибутами его авторства. Благодаря популярности работ живописца, аналогичные мотивы появились в произведениях его современников. К середине столетия в них стал преобладать демократический и даже «сельский» колорит. Грубая плетеная корзина с овощами стала одним из основных «героев» натюрморта И. Михайлова, лубяной короб участвует в постановке Ф.Г. Торопова. Сами программы, задаваемые для исполнения в Академии, все чаще именовались в это время не «цветы и фрукты», а «плоды и овощи».

Во второй половине XIX века художники, обращавшиеся к данному жанру, начали ценить в нем преимущественно декоративные свойства. Торжественной, почти нарочитой пышностью отличаются работы В.И. Сверчкова. Художник явно ориентировался на внешнюю эффектность мотивов, уделяя гораздо меньше внимания фактуре предметов. Новые веяния в искусстве конца XIX столетия, прежде всего свойства пленэрной живописи, заметны в произведениях Е.И. Волошинова. Вместе с тем творчество этого художника, учившегося в Академии художеств в середине века, можно назвать своеобразным завершением классических традиций «цветов и плодов». В настоящее время несколько крупноформатных натюрмортов Волошинова хранятся в музеях украинских городов Сумы и Лебедин и впервые будут представлены в Москве. Все они поражают великолепной избыточностью природных мотивов. Яблоки, арбузы, лук, изображенные с близкой точки зрения, приобретают столь монументальный облик, что кажутся символическим воплощением изобилия натуры. Картина Волошинова «Жизнь во ржи» погружает зрителя в созерцание жизни у корней высоких растений. Натюрморт здесь предстает «в образе ландшафта», напоминая о композициях XVIII столетия.

Гораздо реже, чем «цветы и плоды», в русском искусстве XVIII—XIX веков встречаются так называемые «кухни», «закуски» и бытовые постановки. Несмотря на то, что подобные композиции ведут свое происхождение от голландских и фламандских прототипов, они почти утратили аллегорический подтекст, присущий европейским образцам. Скорее это живописный рассказ о жизни самих предметов и их незримых хозяев. Подчас содержание картин весьма незамысловато и привлекает чисто живописными свойствами, прежде всего любовной тщательностью в передаче деталей. В этом отношении примечательна картина художника Волкова из собрания Третьяковской галереи, изображающая скромный набор для завтрака. Выразительный образ аскетичного застолья создан в «Натюрморте с селедкой» из коллекции Ярославского художественного музея. Большинство бытовых натюрмортов относится к первой половине и середине XIX века. Обращаться к «вещам, у каждого в комнате находящимся» призвал своих учеников А.Г. Венецианов⁹. Уделяя пристальное внимание «вещественной разнице» предметов, он учил показывать их пространственную взаимосвязь, стремясь сделать натюрморты частью картин других жанров, в первую очередь интерьеров, и разрушая, таким образом, академические нормы их восприятия. Одним из самых необычных произведений своего времени в этом отношении является «Отражение в зеркале» из собрания Русского музея, где мир предметов взаимодействует с призрачным пространством зазеркалья.

Развиваясь как отдельный «род» изобразительного искусства, натюрморт нередко играл значительную роль в портретах, жанровых произведениях, бытовых картинах классической эпохи. Для портретов XVIII века типично использование определенного набора аксессуаров, обозначающих социальный статус или характер занятий персонажа. Примечательным явлением в русской живописи XIX столетия стали так называемые «фигуры с плодами». В первой половине XIX века в роли «фигур», как правило, выступали дети и нарядные красавицы, предлагающие зрителю корзины с фруктами. Этот сюжетный мотив неоднократно использовал И.Ф. Хруцкий. Есть он и среди работ А.В. Тыранова. Со временем романтический образ приобрел более демократическую и даже социальную окраску. В 1859 году выставку Московского училища живописи и ваяния украшали сразу две «фигуры с плодами»: акварель А.И. Стрелковского «Крестьянка с овощами» и картина «Разносчик фруктов» В.И. Якоби, где прекрасную продавщицу сменил плутоватый коробейник. Бытовые вещи, характеризующие различные стороны человеческой жизни, придают особую «предметность» портретным образам, связанным с искусством бидермейера. Тщательно выписанные игрушки подчеркивают кукольную привлекательность героев детских портретов, изящные женские безделушки раскрывают тайны дамского будуара, рукоделие повествует о буднях городской мастерицы. Из всех этих деталей проступает характер века, ценившего неторопливые занятия, дорожившего предметами, окружавшими человека, и видевшего в них отражение не только быта, но и бытия.

Идея включить в экспозицию классических произведений работы сегодняшних авторов может показаться неоднозначной и даже провокационной. Тем не менее подобный подход делает возможным само развитие музейных коллекций, объединяющих признанные временем шедевры с творениями, претендующими на эту роль. Актуальное искусство, которое представляют И.Г. Макаревич, Т.Г. Назаренко, И.И. Кабаков, М.А. Рогинский, М.К. Кантор и другие мастера современности, переосмысляет традиционные типы изображений, придавая им новый, подчас парадоксальный смысл и значение. Возможен ли диалог далеких друг от друга эпох в таком консервативном жанре, как натюрморт? Каков он, образ вещей нашего времени? Принять участие в решении этих непростых вопросов авторы выставки предлагают зрителям.

1. Копанева Н.П. Акварели Марии Сибиллы Мериан в Санкт-Петербургском филиале Архива Академии наук // Вестник истории, литературы, искусства: альманах. Т. 3. М., 2006. С. 471.
2. См.: Лукина Т.А. Мария Сибилла Мериан. Л., 1980.С. 42.
3. Краткое руководство к познанию рисования и живописи исторического рода, основанное на умозрении и опытах / Сочинено для учащихся художником И.У. СПб., 1793.С. 38.
4. Сарабьянов Д.В. Бидермейер: стиль без имен и шедевров // Пинакотека. 1998. № 4. С. 10.
5. Цит по: Болотина И.С. Натюрмортная графика Ф.П. Толстого // Проблемы русского и советского натюрморта. М., 1989. С. 79.
6. Болотина И.С. Там же. С. 86.
7. Болотина И.С. Там же. С. 80—81.
8. Сборник материалов для истории С.-Петербургской Академии художеств за сто лет ее существования / Под ред. П.Н. Петрова. В 3 ч. Ч. 3. СПб. 1864—1866. С. 280.
9. Болотина И.С. Предметный мир Венецианова и его учеников // Проблемы русского и советского натюрморта. М., 1986. С. 68.

Вернуться назад

Теги:

Топ-20 известных художников-натюрмортов

С древних времен художники изображали расположение неодушевленных предметов. Однако натюрморт превратился в самостоятельный жанр до конца 16 ^-го -го века, когда фламандские и голландские художники запечатлели замысловатые композиции из бытовых предметов. На заре искусства эти сцены использовались для обозначения процветания, а также были наполнены религиозными символами. Со временем этот жанр стал популярным в Европе и США и принял множество форм и форм. В этом посте мы исследуем работы 20 художников, преуспевших в этом жанре.

• Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610)
• Амброзиус Босхарт Старший (1573-1621)
• Клара Питерс (1594-1657)
• Джейкоб Ван Эс (1596-1666)
• Питер Клас (1597-1661)
• Франсиско де Сурбаран (1598-1664)
• Джованна Гарцони (1600-1670)
• Луиза Муайон (1610–1696)
• Геррит Доу, также известный как Джерард До (1613-1675)
• Виллем ван Альст (1627-1683)
• Адриан ван дер Спеллед (1630-1673)
• Рэйчел Рюйш (1664-1750)
• Жан-Батист-Симеон Шарден (1699-1779)
• Луис Мелендес (1716-1780)
• Франсиско Гойя (1746-1828)
• Сара Мириам Пил (1800-1885)
• Гюстав Курбе (1819-1877)
• Лилли Мартин Спенсер (1822-1902)
• Анри Фантен-Латур (1836-1904)
• Поль Сезанн (1839-1906)
• Ключевые выводы
• Спасибо за прочтение!

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610)

Караваджо известен интенсивным реализмом своих крупномасштабных религиозных и мифологических произведений и своим изменчивым характером. Он также известен использованием техники светотени. Несмотря на то, что его жизнь была короткой, Караваджо оказал влияние на художников своего времени и более поздние художественные направления, в основном на искусство барокко и реализм 19 века. Картина, которую мы здесь видим, приписывается руке художника и является лишь одной из двух сцен натюрморта, связанных с ним (другая — Корзина с фруктами 9).0056). В отличие от других произведений Караваджо, общей чертой которых являются драматические световые контрасты, здесь однородный свет охватывает композицию, состоящую из фруктов и овощей, несущих послание жизни и плодородия, а для некоторых также имеющих сексуальный подтекст. Говорят, что художник нарисовал эту сцену в своем доме, где он вырезал отверстия в потолке, чтобы получить нужное количество света!

Караваджо, Натюрморт с фруктами на каменном уступе, ок. 1603 г.

Амброзиус Босхарт Старший (1573-1621)

Амброзиус Босхарт Старший был одним из пионеров голландского натюрморта. Он был сыном художника Амброзиуса Босхарта II, который обучал своего сына. Амброзиус начал свою карьеру с сбора редких цветов в ботанических садах и сделал несколько рисунков для ботаника Карла Клузиуса. Позже он использовал эти научные рисунки для создания своих картин. После того, как испанские войска отвоевали Антверпен, протестантская семья Босхарт бежала в Северные Нидерланды. Находясь там, художник имел доступ к прекрасному ботаническому саду, который был источником вдохновения для его натюрмортов. В этом произведении проявляется умение художника точно изображать цветы и насекомых. Цветы разных видов собраны в корзинку. Розовая гвоздика, белая роза и желтый тюльпан, лежащие на столе, приковывают к себе внимание. Присутствие насекомых, таких как бабочки и пчелы, напоминает нам о краткости жизни, но также и о красоте природы.

Амброзиус Босхарт Старший, Цветочный натюрморт, 1614

Клара Петерс (1594-1657)

Клара Петерс была одной из очень немногих женщин-художниц, активно практикующих в Европе XVII века. Хотя нет никаких доказательств ее происхождения, ученые считают, что художница была ученицей Осиаса Берта, известного художника-натюрморта из Антверпена. К 1612 году Петерс рисовала множество реалистичных натюрмортов, часто изображающих группы ценных предметов, таких как металлические кубки, золотые монеты и редкие цветы, которые она размещала на узких выступах. Одной из самых известных работ художника является Натюрморт с рыбой и кошкой . В этой работе она очень подробно изобразила изобилие домашнего хозяйства. Выделяется чешуя разных видов рыб, сложенных друг на друга, а также изображенный в правом нижнем углу кот, который держит рыбу под лапами. Вся композиция имеет приглушенный свет. Лишь несколько световых акцентов придают картине драматический оттенок.

Клара Петерс, Натюрморт с рыбой и кошкой, около 1620 г.

Джейкоб Ван Эс (1596-1666)

После Клары Петерс и Осиаса Берта Джейкоб был одним из ведущих представителей первого поколения фламандской живописи-натюрморта. . За свою карьеру он создал множество натюрмортов с реалистичной едой или цветочными композициями. Информации о жизни Ван Эса не так много. Имеющиеся данные свидетельствуют о том, что он был активен в основном в Антверпене, где он стал мастером в 1617 году, хотя позже он присоединился к гильдии Святого Луки. Он, должно быть, имел успех, поскольку его картины были задокументированы в нескольких коллекциях Антверпена 17-го века. Даже опись Питера Пауля Рубенса включала две его работы. Этот натюрморт свидетельствует о мастерстве художника в передаче текстуры еды и его способности отражать полупрозрачную природу вина. Как это принято в этом жанре, художник запечатлел течение времени, положив на тарелку кусок бекона и нарезанный ломтиками апельсин. Все ощущение картины изобилия и достатка.

Джейкоб Ван Эс, Натюрморт с беконом, c.1617-66

Питер Клас (1597-1661)

Питер Клас был одним из самых важных художников-натюрмортов своего времени. Большая часть биографии художника неясна, но многие считают, что его работы напоминают тщательно расставленные застольные сцены Клары Петерс и Осиаса Берта Старшего. На протяжении многих лет росписи столов Класа изображали широкий спектр продуктов питания и напитков, табачных изделий и музыкального оборудования с чрезвычайной реалистичностью. Новаторские композиции Класа и его способность рекомбинировать один и тот же набор объектов во множество оригинальных аранжировок оказали влияние на художников в его родном городе и за его пределами. Роскошная сервировка стола, которую мы здесь видим, является прекрасным примером таланта художника. Первое, что привлекает наше внимание, — это большой пирог с индейкой на заднем плане, украшенный мертвой птицей, держащей цветок. Кувшин с вином также выделяется, так как отражает окно и часть накрытого стола, а также размытую фигуру художника за мольбертом. Здесь течение времени символизируется недоеденной пищей.

Питер Клас, Натюрморт с пирогом с индейкой, 1627

Франсиско де Сурбаран (1598-1664)

Сурбаран известен своими изображениями на религиозные темы. Однако он также создавал натюрморты, в которых мастерски улавливал физический характер предметов и пространства, в котором они обитают. Эта картина Сурбарана является единственным подписанным и датированным натюрмортом художника и считается шедевром жанра. Все предметы в этой композиции несут значительный религиозный смысл. Например, трехэлементная планировка могла быть воспринята религиозными испанцами как намек на Святую Троицу. В то же время эта работа была истолкована как дань уважения Богородице, где апельсины, их цветы и чаша с водой намекают на ее чистоту, а роза без шипов — на ее Непорочное зачатие. Рядом с этими значениями текстуры фруктов представлены с большим реализмом. Вся композиция излучает гармоничный ритм света и тени.

Франсиско де Сурбаран, Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой, 1633

Джованна Гарцони (1600-1670)

Гарцони был опытным художником-ботаником 17-го века, который также создавал натюрморты. Она родилась в артистической семье и познакомилась со многими художниками и учеными, оказавшими на нее влияние. Примечательно, что у художницы был нетрадиционный образ жизни, она никогда не была замужем и работала в различных судах по всей Европе. Например, она работала у Медичи во Флоренции в течение 25 лет. Со временем Джованна разработала особый стиль для своих натюрмортов. Обычно она работала темперой на пергаменте и добавляла точные точки краски, которые давали жизнь реалистичным композициям, в которых местная флора и фауна соседствовали с экзотическими видами. Эта картина отражает мастерство художника в рисовании и живописи. В нем гиперреалистично изображена чаша с цитронами, собранными с дерева. Присутствие мухи на одном из фруктов и некоторых цветов на столе намекает на течение времени.

Джованна Гарцони, Натюрморт с чашей цитронов, ок. 1640

Луиза Муайон (1610–1696)

Муайон происходила из семьи художников и с раннего возраста увлекалась живописью. Она также жила в районе, где проживали протестантские беженцы из южных Нидерландов. Среди них было много художников, которые познакомили Луизу с традицией написания настольных натюрмортов. Муайон, также протестант, стал ведущим членом этой группы и создавал натюрморты, населенные фруктами и цветами. Художница была признана еще при жизни, а ее работы собирали меценаты. Однако, начиная с 1640 года, она взяла 30-летний перерыв в живописи, чтобы сосредоточиться на своей семье. Натюрморты художника, подобные тому, что мы видим здесь, в том числе метод иллюзионизма, известный как trompe l’oeil (вводить в заблуждение). Муайон использовал такие приспособления, как открытая граната, которая слегка нависает над уступом, чтобы создать впечатление приближения пространства к зрителю. Тактильные качества лимонов и апельсинов усиливают эту иллюзию.

Луиза Муайон, Чаша с лимонами и апельсинами на коробке с древесной стружкой и гранатами, ок. 1630 г.

Геррит Доу, также известный как Герард Доу (1613-1675) Leiden fijnschilderij, отличающийся небольшими и гладкими поверхностями. Художник научился искусству гравюры у своего отца и был учеником Рембрандта. На протяжении многих лет он специализировался на жанровых сценах и известен своими «нишевыми» работами в стиле trompe-l’œil и ночными сценами при свечах с сильным присутствием светотени.

Доу был успешным художником. В доказательство этого его работы при жизни стоили дороже, чем работы Рембрандта. Он также известен своим навязчивым вниманием к деталям, поскольку мог целыми днями работать над одним элементом своих картин. В этом Vanitas проявляется способность художника воспроизводить детали. Эта сцена заполнена книгами, гравюрами, незаконченными картинами и черепом. На заднем плане картины также расположено выпуклое зеркало, в котором отражена бытовая сцена. Рядом с этим на стене висит картина, изображающая еще один натюрморт. Наличие реалистичного черепа под названием Memento Mori (латинская фраза, означающая «Помни, что ты умрешь») напоминает нам о неизбежности смерти.

Геррит До, Натюрморт с черепом, ок. 1650 г.

Виллем ван Алст (1627-1683)

Виллем ван Алст, известный как «Голландец», провел много лет во Флоренции, где писал натюрморты, которые были приобретены членами семьи Медичи, такими как кардинал Леопольдо Медичи, заядлый коллекционер. В конце концов художник поселился в Амстердаме и по-прежнему пользовался благосклонностью выдающихся меценатов. На протяжении многих лет он писал различные виды натюрмортов и был одним из первых художников, изображавших охотничьи трофеи в своих композициях. Эта картина является прекрасным примером того типа охотничьего натюрморта, которым он стал известен. На нем изображен реалистичный смертельный голубь, на которого, кажется, только что охотились. Композиция довольно мрачная и окутана тусклым светом.

Виллем Ван Алст, Натюрморт с дичью, 1671

Адриан ван дер Спеллед (1630-1673)

На протяжении своей карьеры Адриан ван дер Спеллед создавал натюрморты, в которых цветочные композиции занимали центральное место. Одна из его самых известных работ — натюрморт с большой цветочной гирляндой, на которой впечатляюще изображены 20 разновидностей цветов. Среди них художник изобразил тюльпан, привезенный из Персии в 16 веке и ставший иконой голландской культуры. Хотя некоторые цветы, скрытые на заднем плане, начинают увядать, большая часть композиции говорит о жизненной силе. Примечательно, что эта цветочная композиция частично закрыта занавеской, нарисованной художником Франсом ван Миерисом. Чрезвычайно реалистичный синий занавес относится к обычной практике защиты картин, а также к рассказу о Пархассии, талантливом греческом художнике, который обманул своего соперника на конкурсе живописи. Его противник попытался отодвинуть занавес, нарисованный Пархассиусом!

Адриан ван дер Спеллед и Франс ван Миерис, Натюрморт Тромп-л’Эй с цветочной гирляндой и занавеской, 1658

Рэйчел Рюйш (1664-1750)

Рэйчел Рюйш происходила из знатной семьи. Ее дед, Питер Пост, был архитектором, а отец, Фредерик Рюйш, ученым. Отец художницы научил ее точно изображать природу; в 15 лет она была ученицей Виллема ван Алста, также включенного в этот список. Рэйчел была популярной артисткой. Она была членом гильдии художников в Гааге и писала цветочные картины для международных клиентов. Она также дожила до восьмидесяти лет, что было необычно для ее времени. В этом натюрморте группа цветов занимает центральное место. Мы даже можем видеть отдельные зерна пыльцы внутри каждого цветка этой пирамидальной композиции. Хотя в этой работе есть некоторые элементы типа картин, известных как Vanitas, которые подчеркивают неизбежность смерти, ученые сомневаются, что это было намерением Рюйша. Жизнь, а не смерть, кажется, подчеркивается насекомыми, размещенными на некоторых стеблях.

Рэйчел Рюйш, Розы, вьюнки, маки и другие цветы в урне на каменном уступе, ок. 1680

Жан-Батист-Симеон Шарден (1699–1779)

Натюрморты Шардена изображают скромные предметы и продукты. В отличие от других художников-натюрмортов, Шарден выбирал предметы из своего дома в качестве предметов, основываясь на их материальных качествах, а не на их символическом значении. Его умение запечатлевать предметы было отмечено в XIX веке: «… никогда, пожалуй, не было развито до сих пор материальное очарование живописи, связанной с предметами, не представляющими внутреннего интереса, преображающими их с помощью магии обработки…» Шарден был признан во время своей жизни и получил высокую оценку членов Академии. Однако по мере того, как вкусы менялись в пользу исторической живописи, его искусство теряло популярность. Эта картина отражает стиль художника, поскольку на ней изображен кусок сырого мяса, висящий на металлическом крючке рядом с другой кухонной утварью. Чеснок и лук-порей представлены с большим реализмом. Наше внимание привлекает отражение света на банке и миске, а также кусок белой ткани, расположенный в левой части картины.

Жан-Батист-Симеон Шарден, Натюрморт с говяжьим ребром, 1739

Луис Мелендес (1716-1780)

Гиперреалистичные натюрморты Мелендеса представляют элементы повседневной жизни среднего класса в Мадриде 18-го века. . Привычки в еде, кухонные принадлежности, различные продукты и напитки, а также сосуды отображаются в его композициях. Примечательно, что художник не работал с полными установками. Скорее он изучал и рисовал свои объекты по одному, начиная с тех, что впереди, и заканчивая столешницей и фоном. Подход художника к жанру оценен в этой работе, где груши и дыня соседствуют с бытовой кухонной утварью, написанной с трезвым, но чувственным реализмом. Ученые считают, что этот натюрморт может быть из серии, которая, как говорят, представляет «все виды продуктов питания, произведенных в Испании», которые Мелендес создал для летнего дома короля. По иронии судьбы, многие из этих работ были написаны во времена острой нехватки продовольствия. У самого художника не было денег, и однажды он сказал, что его единственное имущество — это кисть.

Луис Мелендес, Натюрморт с дыней и грушами, c.1770

Франсиско Гойя (1746-1828)

Выразительные картины Франсиско де Гойи ознаменовали развитие будущих художественных движений, поскольку он вводил темные психологические и политические темы в свои драматические композиции. Гойя работал в бешеном темпе, но в свои 60 он написал всего около дюжины натюрмортов, когда сосредоточился на создании личных картин в одиночестве. Один из самых известных называется « Натюрморт с золотым лещом 9».0056 . На этой картине, освещенной лунным светом, художник изобразил красоту рыб, намекая на смерть животных. Картина наполнена таинственностью, и процесс умирания изображен мастерски. В то же время неустойчивое расположение рыб придает композиции драматический оттенок. Некоторые предполагают, что эта сцена на символическом уровне связана с человеческим убийством, которое произошло в результате конфликта Испании с Францией.

Франсиско де Гойя, Натюрморт с золотым лещом, c.1808-12

Сара Мириам Пил (1800-1885)

Сара Мириам Пил была дальновидной художницей. Рядом со своим дядей Чарльзом Уилсоном Пилом, отцом Джеймсом Пилом и другими родственниками она была частью первой творческой династии Америки. Сара, которую обучали ее отец и дядя, специализировалась на создании миниатюрных портретов, а также рисовала реалистичные натюрморты. Вместе со своей старшей сестрой, миниатюристкой Анной Клейпул Пил, Сара была одной из первых женщин, избранных в члены Пенсильванских академиков, группы художников, работающих в Пенсильванской академии изящных искусств. Этот натюрморт под названием «Персики и виноград в фарфоровой чаше» отражает мастерство Сары. Примечательно, что весь виноград изображен в состоянии совершенства, а не ветхости, что было характерно для жанра. Свет направлен на виноград, который лежит на столе, и на персики в чаше, которые имеют замысловатые узоры и текстуры.

Сара Мириам Пил, Персики и виноград в фарфоровой чаше, 1829

Гюстав Курбе (1819-1877)

Курбе был главным представителем реализма. Помимо того, что он был художником, Курбе был вовлечен в политический мир и даже отсидел в тюрьме за свои подрывные идеи. Художник создал этот натюрморт с изображением миски с яблоками во время своего заключения за участие в Парижской коммуне, радикальном правительстве, которое недолго управляло Парижем. В тюрьме ему разрешили рисовать, но без использования живых моделей. Сестра художника принесла Курбе цветы и фрукты, и с этих подарков он начал изучать натюрморт, жанр, которым раньше пренебрегал. Вопреки традиции голландского натюрморта, где фрукты и цветы изображали течение времени, здесь яблоки кажутся спелыми. Композиция населена тусклым светом, вероятно, из того мрачного места, где художник запечатлел этот образ. Однако последнее также связано с его привязанностью к затененным полотнам.

Гюстав Курбе, Натюрморт с яблоками и гранатом, c.1871-72

Лилли Мартин Спенсер (1822-1902)

Лилли Мартин Спенсер выросла в семье, поддерживающей женские таланты. Спенсер, наиболее известная своими изображениями домашней жизни в Америке середины XIX века, также была талантливым художником натюрмортов. Впечатляет то, что эта художница поддержала своим искусством семью из 8 детей. Выйдя замуж, Лилли продолжила формальное обучение и записалась на вечерние курсы рисования в Национальной академии дизайна. Она также была названа почетным членом Академии, что было высшим признанием, которое учреждение тогда разрешало женщинам. Мастерство художника в рисовании и живописи видно на картине Апельсины, орехи и инжир , в котором s он захватил миску с разными фруктами и орехами. В то время как апельсины кажутся на пике совершенства, виноград начинает разлагаться, добавляя ощущение непосредственности и намекая на жизненные циклы.

Лилли Мартин Спенсер, Апельсины, орехи и инжир, c.1860-69

Анри Фантен-Латур (1836-1904)

Анри Фантен-Латур жил во время появления импрессионизма и был другом Мане. Однако он остался верен реалистической традиции, начатой ​​Курбе. Как и его учитель Курбе, художник считал, что его картины не должны изображать нереалистичные образы, а предметы должны быть изображены такими, какие они есть. Художник также видел связь между цветом и поэзией и хотел, чтобы его картины представляли собой симфонию красок. Идеи Анри отражены во многих созданных им натюрмортах, которые были его основным источником дохода. На этой картине мы видим геометрические формы и органичные линии, которые оживляют композицию, в которой цветочный горшок, ваза с грушами и группа гранатов сосуществуют в идеальном равновесии. Схожая цветовая палитра этих трех элементов создает гармоничную и сбалансированную композицию.

Анри Фантен Латур, Натюрморт, 1866

Поль Сезанн (1839-1906)

Поль Сезанн положил начало возникновению направлений современного искусства. Со временем Сезанн экспериментировал с натюрмортом. В этих картинах не было ничего случайного, поскольку художник неустанно переставлял объекты в своей мастерской, часто играя с множеством точек зрения. Наряду с небольшими скульптурами, предметами домашнего обихода и мебелью Сезанна также привлекали фрукты, которые на его картинах появляются только что сорванными. Последний виден на картине Натюрморт с яблоками и персиками . При взгляде на эту картину слова Сезанна оживают: «Они [фрукты] любят, когда их портреты делаются. . . . Они выдыхают свое послание своим запахом. Они доносятся до вас со всеми своими запахами и рассказывают вам о полях, которые они оставили, о дожде, который заставил их расти, о рассветах, которые они наблюдали…»

Поль Сезанн, Натюрморт с яблоками и персиками, c.1905

Начиная с 1600-х годов натюрморт процветал во Фландрии и Нидерландах. По этой причине многие художники из этого списка родом из этих регионов.

На протяжении веков натюрморт ассоциировался со скрытым религиозным символизмом и со временем разделился на разные поджанры, включая этюды о фруктах и ​​овощах, натюрморты с едой и картины Vanitas.

Во время Золотого века Голландии XVII века картины Ванитас, содержащие коллекции символических предметов, отражающих неизбежность смерти и быстротечность удовольствий, были чрезвычайно популярны.

натюрмортов Memento mori (латинская фраза, означающая «помни, что ты должен умереть») связаны с Vanitas, поскольку они напоминают зрителю о скоротечности жизни с помощью таких символов, как черепа и погасшие свечи.

Женщин-художниц, работающих в этом жанре, получили признание при жизни. Последнее связано с тем, что этот предмет считался более подходящим для женского пола.

Со временем художники экспериментировали с жанром и создавали композиции, отражающие повседневные привычки, а не религиозные смыслы. Жанр также продолжал переосмысливаться на протяжении 20 века.

Создавая натюрморты, вы можете практиковать свои навыки рисования и рисования и заново открывать для себя предметы, которые нас окружают!

Спасибо за прочтение!

Спасибо, что нашли время прочитать этот пост. Я ценю это! Не стесняйтесь поделиться с друзьями. Если вам нужны дополнительные советы по рисованию, ознакомьтесь с моим курсом Академии живописи.

Приятного рисования!

Дэн Скотт
Draw Paint Academy

Понравился этот пост? Присоединяйтесь к более 123 000 художников , которые подписываются на информационный бюллетень Draw Paint Academy.

Как современные художники снова делают натюрморты крутыми – журнал Artsper

Что такое искусство натюрморта и откуда взялось это стремление изображать предметы быта? Если несколько столетий назад преимущество неподвижности казалось очевидным, то современный натюрморт — это исправленный выбор. Унаследованное от голландской живописи 16-17 веков, искусство современного натюрморта характеризуется ориентацией на конкретный реализм. Прославление банальности, игра между реальностью и искусственностью или неприкрытая критика чрезмерного потребления? Artsper приглашает вас открыть для себя множество граней современного искусства натюрморта.

Эми Нелдер, Not a Fragile Flower , 2021

Искусство натюрморта: прославление банальности

Современное искусство натюрморта определяется изображением объектов с двойной характеристикой. Они неодушевленные и являются частью повседневной жизни. Многие художники подхватывают и доводят это до пароксизма, даже до предвзятости. Таким образом, ультрамодернизм представленных объектов является радикальным переоснащением стиля натюрморта. Он стряхивает пыль с этого художественного жанра и полирует его современным мазком, иногда с юмором, иногда с мстительностью.

Художница Эми Нелдер использует этот подход в своих современных работах «поп-обманки». Используя образы нашего общества потребления — такие как коробки с хлопьями, товары для дома и даже фигурки суперженщин — она захватывает, высмеивает и прославляет этот аспект повседневной жизни. Исследуя совершенно другой стиль, коллектив PUTPUT сочетает органическое и синтетическое, чтобы денатурализировать тривиальные объекты. В серии «Соцветие » два современных художника развлекаются, создавая цветочные композиции, смешивая настоящие растения и предметы домашнего обихода. Природа, доведенная до искусственной смерти, снова оживает. С всеобъемлющей поэтической точки зрения игра между формами, символами и смыслами, странные диалоги сложности, а иногда и абсурда отражают наш сегодняшний мир.

PUTPUT, Соцветие , 2012

Гиперреализм как создатель искусства

Следуя примеру великих мастеров фламандской живописи, современный натюрморт по-прежнему забавляет характерный для этого художественного жанра антагонизм. Ибо именно актом изображения бренного объекта художники замораживают этот объект в бессмертии. Играя с напряжением между абстракцией, реализмом и гиперреализмом, некоторые художники размывают границы реальности, чтобы искусственно обыграть повседневные предметы.

Этот художественный замысел блестяще иллюстрирует серия Still Under Construction , в которой Феликс Добберт фотографирует скоропортящиеся объекты, лишенные малейшего несовершенства. Гладкие и окруженные промышленной упаковкой, увековеченные фрукты кажутся такими же откалиброванными, как чашка, которая стоит рядом с ними.

Felix Dobbert, Still Under Construction , 2004

Еще более преувеличенно, натюрморт Ани Вавжкович демонстрирует совершенство текстур, которое кажется слишком прекрасным, чтобы быть правдой. Таким образом, благодаря отсутствию дефекта и фотографическому доказательству этой совершенной материализации эти в остальном реальные объекты прикрываются искусственным, иногда химерическим.

Искусство натюрморта как осуждение чрезмерного поведения

Давайте рассмотрим гигантские керамические скульптуры Бачело и Кэрон, «картины-ловушки» Даниэля Споэрри, инсталляции Майка Келли или работы Седрика Танги и Тилля Рабуса. Если возможно, современный натюрморт можно было бы описать в нескольких словах: тревожный звонок. Нагромождая или сопоставляя современные предметы потребления, эти художники, по сути, осуждают тенденции человеческого излишества и чрезмерного потребления.

No related posts.