Картинка это шедевр: Это шедевр — Анимация гиф картинка смайлик скачать
8 признаков шедевра
Автор: Юлия Волошина
Современное искусство не имеет строгих рамок и критериев. Оно наоборот нарушает все возможные условности. Но как же тогда не запутаться в столь сложной теме, как понять, кто из художников – гений, а кто просто мастер эпатажа? Попробуем разобраться вместе с изданием Forbs.
У настоящего произведения искусства есть ряд критериев, которые несложно распознать.
Новаторство. Как известно, гении – это нарушители устоявшихся законов. Именно новаторские идеи, оригинальность, свежий взгляд даже на банальные вещи отличают искусство от ремесла. Традиционные натюрморты и пейзажи, каноны которых не менялись веками – безусловно, красиво, но все же этого недостаточно. Современный художник всегда пытается выйти за рамки принятых стандартов, найти новые средства выражения.
Ярким примером новаторства служит творчество Георга Базелица. В его экспрессионистических работах все наоборот.
Георг Базелиц «Прощание»
Мастерство – второй очень важный признак. Искусство должно восхищать. Чем качественнее и сложнее работа, тем больше ее ценность. Сейчас людей поражает не просто идея, но вещь, которую сложно повторить, на которую потрачено много времени, труда, материала и денег.
Например, гениальные произведения Александра Калдера. Его мобили – кинетические творения, приводящиеся в движение от ветра или электричества – выглядят сказочными и невесомыми. Мобили – это не только новаторство Калдера, но и сочетание труда, инженерной и художественной мысли, высокого мастерства.
На выставке работ Александра Калдера
«Пространственная концепция» Лучио Фонтана
Смысл.
Просто красивая необычная сложная вещь – это объект дизайна. Произведение искусства относится к категории духовной, поэтому оно должно нести некое послание, обладать глубоким смыслом.
Лучио Фонтана. Казалось, какой может быть смысл в разрезанных холстах? Но стоит копнуть глубже, и перед нами разворачивается целая драма. Разрезанный холст – это об отчаянии художника, это о кризисе в жизни каждого из нас, о попытке разрушить полотно реальности. Фонтана писал: «Мои прорези… это, прежде всего, философское выражение, проявление веры в бесконечность, утверждение духовного начала. Когда я усаживаюсь перед одной из моих прорезей и начинаю ее созерцать, внезапно я чувствую, что дух мой освобождается, я ощущаю себя человеком, вырвавшимся из оков материи, принадлежащим к бесконечному простору настоящего и будущего…»
Интерактивность. С помощью этого приема зритель становится соавтором, принимает активное участие в процессе творения. Современное произведение искусства – это всегда некая загадка, двусмысленность, открытый вопрос, на который каждый должен ответить себе сам.
Другой пример интерактивности – создание атмосферы, когда произведение искусства буквально поглощает зрителя в свой мир.
Трейси Эмин показала всему миру очень личное и сокровенное. Известная инсталляция Трейси «Моя кровать» рассказывает о периоде депрессии в жизни художницы. Так, разглядывая эту работу, зритель попадает в атмосферу комнаты Трейси, становится свидетелем чужой тайны.
Трэйси Эмин «Моя кровать»
Социальная актуальность.Современное искусство поднимает острые социальные вопросы, бунтует, спорит, протестует. Это способ рефлексии для общества, зеркало, в которое смотрит наша цивилизация.
Эдвард Буртинский показывает, как человечество создает новый узор планеты. На его фото промышленные здания, вредные отходы, индустриальные конструкции превращаются в тонкое кружево, совершенные и сложные геометрические комбинации. Художник показывает динамическую картину взаимодействия природы и промышленности.
Его работы обладают планетарным значением. По творчеству Буртинского снят потрясающий документальный фильм «Manufactured Landscapes».
Эдвард Бертински, фото из цикла «Вода». Река Тьйорса, Исландия.
Авторский стиль. Каждый уважающий себя художник ищет уникальный, неподражаемый стиль, своеобразный знак качества, по которому его будут узнавать современники и потомки.
Бэнкси. Этот художник разрисовывает стены улиц злободневными картинами, которые остро критикуют социально-политические события в мире. Но не только благодаря актуальности и мастерству Бэнкси стал популярным. Его настенные росписи узнаваемы с первого взгляда. Фирменным стилем Бэнкси считается использование трафаретов. Именно благодаря этой особенности работы всемирно известного художника отличают от художеств местных хулиганов. К слову, картины Бэнкси, классифицируемые как «вандализм», существенно увеличивают стоимость недвижимости, на которой они размещены.
Многие из работ Бэнкси незаконны, поэтому художник вынужден скрывать свою личность.
Многие из работ Бэнкси незаконны, поэтому художник вынужден скрывать свою личность
Из серии работ Райнера «Маски смерти».
Психологизм – признак близкий к смыслу. Но он затрагивает не только информационную, но и эмоциональную сферу. Такие произведения пробуждают глубокие эмоции, апеллируют к чувственности, к подсознанию зрителя. Например, Арнульф Райнер показывает всю многогранность и сложность человеческой натуры. Его картины привлекают и пугают, задевают глубинные пласты нашего подсознания. Райнер касается табуированных тем – смерть, религия – и резко уничтожает все запреты. Это творчество всегда на грани безумия, на грани того, что может выдержать психика.
Композиционная гармония. Целостность и завершенность работы – один из важнейших критериев. Современный художник избавляет свое творение от всего лишнего, стремясь сделать его максимально точным и лаконичным.
Например, минималистские лампы Дэна Флавина – это всегда гармоничные волшебные произведения.
Одна из фантастических свето-инсталляций Дэна Флавина
19 человек, у которых случайно получилось не фото, а настоящий шедевр эпохи Возрождения
Одни долгие годы учатся выстраивать кадр и подбирать свет для удачного снимка, а другие случайно нажимают на кнопку фотоаппарата или мобильного телефона и получают на выходе чуть или не картину эпохи Возрождения. Причем эти везунчики умудряются увековечить обычные бытовые моменты вроде чистки зубов или приготовления салата.
Мы в AdMe.ru до сих пор не верим своим глазам: оказывается, даже потолочный вентилятор можно сфотографировать так, что этот снимок с руками оторвут в картинной галерее.
«Я просто ждала, пока парикмахер сделает моей подруге прическу»
«Мои любимые мальчики»
«Моя жена спит на диване»
«Мне удалось подловить подругу за рисованием.
Только посмотрите, как здесь падает свет»«Друзья проверяют, есть ли на мне клещи»
«Мой снимок сбора урожая случайно оказался похож на работы Юзефа Хелмоньского (польского художника XIX века)»
«Случайно удалось сделать красивое фото моей любимой курицы»
«Мои друзья в очереди в гардероб»
Все матери прекрасны. Даже если они кошки
«Старый рабочий стол дедушки на нашей семейной ферме»
«Готовимся к выступлению вместе с коллегой»
«Мой приятель полирует карбюратор»
«Это моя жена выбирает напиток»
«Мне сегодня удалось удачно сфотографировать небо»
«Я хотела сфотографировать маму с луной в руке. И тут на заднем плане вспыхнул фейерверк»
«Он чистил зубы и кричал мне, что похож на героя картины эпохи Возрождения»
При правильном освещении прекрасна даже кровать
«На моем столе сегодня появился натюрморт эпохи Возрождения»
«Мой папа и старший брат устанавливают потолочный вентилятор»
А у вас получались кадры, которые не стыдно отправить на ближайшую фотовыставку? Нам было бы безумно интересно их увидеть.
Фигурные пазлы: соберите свой шедевр
20.04.2021Стандартные пазлы с выступами и выемками знают и любят практически все. А вот фигурные головоломки — для многих новое явление. Сейчас мы расскажем, что представляют из себя резные мозаики и кому стоит их попробовать.
Новое или хорошо забытое старое?
Фигурные пазлы кажутся свежим изобретением, которое основано на привычной нам головоломке, но в действительности всё ровно наоборот. Чтобы убедиться в этом, достаточно почитать историю игры.
Считается, что пазлы придумал лондонский картограф Джон Спилсбери. Примерно в 60-х годах XIII века он смастерил первую головоломку: наклеил на деревянную основу географическую карту и распилил её по линиям государственных границ. А после использовал игру в образовательных целях — предлагал ученикам правильно собрать картинку.
Современные фигурные пазлы имеют тот же принцип, что и мозаика Спилсбери: рисунок делят на множество элементов, каждый из которых — самостоятельная фигура.
У них нет скрепляющих выемок и выступов, поэтому изображение легче разрушить. Это не недостаток товара, а особенность игры.
Чтобы прямоугольная картинка не рассыпалась при сборке, просто используйте рамку подходящего размера. Она зафиксирует пазлы.
Как собирать
Посмотрите короткий ролик с нашей мозаикой из детской серии. Вы увидите, что собирать такой пазл по-настоящему увлекательно.
Какие бывают фигурные пазлы
Формально наборы до 260 элементов считаются детскими. Но на практике гораздо большее значение для игроков имеет сюжет картинки. Поэтому мы условно разделили пазлы на 2 группы.
Универсальные
К ним относится коллекция наборов с шедеврами мировой живописи. Знаменитые картины с удовольствием собирают школьники и взрослые. Примерно за 3 часа вы получите репродукцию шедевра и сможете превратить её в интерьерный декор. Для этого понадобится лишь рамка и немного клея.
Детские
Такие наборы подойдут для учеников начальных классов.
Где искать
Занимательные деревянные пазлы ждут вас на странице торговой марки Puzzle. Каждая деталь в их наборах — отдельная фигурка, которая хорошо прорезана и не имеет заусениц. Поэтому собирать картинку удобно и приятно. А если хотите устроить марафон домашних развлечений, посмотрите и другие увлекательные головоломки. Например пластиковые и металлические. У Puzzle они тоже есть.
Выбрать головоломку
| Где прячется кнопка «шедевр» или много цвета из ничего Сегодня у нас пойдет речь о абсолютно «неформатной» для меня теме — обработке фотографий. В этой замечательной статье Вы узнаете о следующих вещах: 1. 2. о мой любви к ручке blacks в этом процессе 3. о волшебной «пленочной эстетике силами RPP» о которой в последнее время происходит так много сотрясения воздушных масс силами pavel_kosenko и чуть-чуть alextutubalin и о том, как делать то же самое силами лайтрума/ACR используя мой стандартный процесс 4. хит сезона — о волшебных ручках «шедевр» в лайтруме, о существовании которых Вы и не подозревали (ну 99% моих читателей — точно). Хотя вру, конечно — Вы их видели, но не трогали никогда. Волшебные ручки позволяют в большинстве случаев просто забыть о существовании ручек saturation/vibrance и группе ручек HSL. Волшебные ручки позволяют получать эффект, аналогичный Маргулисовскому Color boost (задирание угла наклона кривых a/b в пространстве Lab) и получать смещение цветов, похожий на сдвиг кривых a/b. Господа, если Вы не знали про описанную мной фичу, или знали, напишите в комментах. В процесс мы будем насиловать вот это фото и делать из левой половины правую: Я специально выбрал не самую интересную, но очень проблемную фотографию для обработки, в которой легко показать нужный эффект.
Итак, делаем из этого вот это: Шаг 0, предварительный предварительная правка температуры, кроп, техническая экспокоррекция в случае ETTR. Я сделал экспокоррекцию -0.8, получив картинку, близку к варианту, который сделала бы камера без ETTR (судя по EXIF, я снимал с коррекцией 2/3 EV). Причины такой съемки я описывал в тексте про экспозицию. Гистограмма исходной картинки в лайтруме выглядела так: а после этого шага аккуратно отползла к центру. Картинка вялая, скучная, цвета нет — не завезли. Те, кому удавалось увидеть зимнее небо в марте за городом, могут вспомнить, что оно совсем не такое. Такой пейзаж народу не нужен. Шаг 1 двигаем blacks в плюс. Картинка была неконтрастная, так что blacks=40 спасает ситуацию, при этом в гистограмме становится видно пропадание мелких деталей в тенях. Почему именно blacks, а не контраст, кривые и т.д.? Лирическое отступление.
Blacks=40 — это экстремизм, обычно я ограничиваюсь цифрой в районе 15. Далеко не все карточки безболезненно выдерживают обрезание теней. Ну ничего не попишешь — контрастные сцены на слайд снимать тоже тяжело. В этом случае на этом шаге нам придется высветлить темные места либо с помощью кисточки, либо с помощью fill light (эту операцию я без blacks вообще никогда не делаю). Шаг 2 Правка полутонов На этой картинке я этот шаг пропустил, но часто после подъема blacks картинка становится темноватой и перед работой с цветами надо полутона поставить на место. Шаг 3 А где же кнопка «шедевр»?
Итак, на третьем шаге я повышаю blue saturation до +100 (хотя обычно хватает и 20). Почему так много? Ну так в заголовке у меня и написано «много цвета из ничего». 🙂 Чаще всего я повышаю насыщенность именно синего канала, но иногда доходят руки и до других. Хотите понять, почему не обычные ручки saturation и vibrance? Ну так давайте отменим эту операцию и попробуем альтернативные, поднимая насыщенность неба до той же величины. Разлив яда на освещенном солнцем снегу. Vibrance, 68 попугаев: Лучше, чем у saturation, но если сравнивать с результатом повышения насыщенности через camera calibration, то видно, что: 1. желтого на снегу у vibrance чуть больше, чем надо Выигрыш от операции с camera calibration налицо. Повышение насыщенности любым каналом повышает общую насыщенность картинки, однако степень влияния на каждый пиксель зависит от того, какой был исходный цвет этого пикселя. Чем больше изначальный вклад выбранного канала в исходную насыщенность цвета пикселя, тем сильнее поменяется насыщенность пикселя при операции с этим каналом. Это глобальный оператор, у него нет никакой селективности по отдельным цветам, как у vibrance или у ручек модификации цвета в HSL. Цвета мне было маловато, поэтому я добавил еще чуток через vibrance, 17 попугаев: Шаг 4 Смещение цвета Сдигаю green hue на +8, тоже в камера calibration. Синий позеленел, желто-оранжевый покраснел. Если бы позеленение синего меня не устроило, я бы добавил легкое смещение баланса белого в сторону фиолетового, вернув синий на место и сдвинув желтый еще дальше к красному. Но мне понравился результат. Как и повышение насыщенности, смещение цвета действует по-разному на разные цвета, однако без селективности и дефектов HSL. Шаг 3 и 4 позволяют очень аккуратно повысить насыщенности и добиться хорошего разделения близких оттенков без кислотности. Именно за это народ ценит рекомендованыне Маргулисом действия в Lab, и именно в этом качетсве pavel_kosenko постоянно рекламирует RPP. Очень хорошо это заметно на осенних фотографиях, типа такой: Шаг последний Обработка по вкусу Тут никакой системы. Добавил контраста кривыми, кисточкой нанес маску на тень и понизил на 40 попугаев насыщенность по маске. Бонусы Любите ли Вы зеленые тени, как pavel_kosenko? Ручка shadows tint в camera calibration интеллигентно усиливает зеленый в тенях (или ослабляет). Обратите внимание — она именно усиливает имеющийся зеленый, а не добавляет тонировку как ручки в секции split tonning. Если без шуток о зеленых тенях, то иногда эта операция очень даже полезная — недавно я обрабатывал кучу городских фотографий из Непала с удивительным сочетанием красных кирпичей, загорелых лиц и красной пыли в воздухе. Легкое добавление зеленого в тень позволяло сделать картинки чуть менее однообразно-красными и более цветными. При обработке уличных фотографий, снятых при смешанном освещении (желтые лампы + белый свет или свет неба), невозможно поставить нормальный ББ: остается либо слишком много желтого, либо слишком синеет все остальное. Понижение blue saturation смягчает проблему — уходит и желтый и синий и остаются другие цвета. Повышение blue saturation на фотографиях с синим небом и облаками повышает контраст на небе — синий темнеет. Почему бы не делать это в Lab, как проповедовал нам Маргулис? Потому что минимальную обработку в лайтруме делать удобней и быстрее, легко обрабатываются серии фотографий. А почему бы не делать это в RPP, как проповедует Паша? Не нужны виртуальные машины, лайтрум шустрее, функциональней и привычнее. P.S. Как всегда напоминание для копипастеров/контентмейкеров: данный текст не предназначен для «творческой» переработки и включения кусками в чужие тексты, размещения на сайтах, передачи по проводам и исполнения в танце. Это произведение защищается российским и международным законодательством об АП (разделом об интеллектуальной собственности в ГК и т.д.) и предназначено исключительно для внимательного чтения, обсуждения тут и в других местах, расширения кругозора и повышения личного творческого потенциала читателей. P.P.S. Оригинал текста тут: http://skoblov.livejournal.com/94841.html. Там же комменты с обсуждением статьи. |
Интересно, сколько человек об этом знает
В результате картинка становится более темной, причем контраст в тенях растет намного быстрее, чем в светах, по всему диапазону растет насыщенность, а часть теней может и пропасть. Ручка «контраст» у лайтрума повышает контраст в полутонах и прибивает его в светах и тенях (аналог S-кривой), кривые делают вообще все, что захотите. Ручка blacks ограничивает снизу используемый ДД камеры. Чем больше blacks, тем меньше ДД за счет обрезания шумных теней.
Да и вуаль все равно в том или ином виде есть почти всегда.
Кривые или ручка «brightness». На самом деле это можно потом 100 раз переделывать — лайтруму наплевать на последовательность движений ручками.
Следствием этого является повышение насыщенности картинки (независимо по трем каналам) и смещение цвета (тоже эффект независимый по трем каналам). Эффект похож на поканальные манипуляции в пространстве Lab, хотя возможностей для манипулирования тут сильно меньше, чем в фотошопе. Аналогично операциям в Lab, повышение насыщенности этими ручками намного аккуратней, чем традиционными средствами, и влияет не только на саму насыщенность, но и на цветовое разнообразие картинки (близкие оттенки разъезжаются), чему Маргулис посвятил огромный кусок своей книжки про Lab.
Saturation на 56 попугаев:
Готово.
А голубые животы облаков синеют не так, как у vibrance, что показано моем примере.
Обсуждение приветствуется рядом с оригиналом, но это не обязательно 🙂Почему «Дерьмо художника» — это шедевр
В среду, 15 апреля, на Букмейте выйдет книга Бориса Гройса «Частные случаи» («Ад Маргинем Пресс», Музей современного искусства «Гараж», перевод Анны Матвеевой), в которой философ и культуролог расшифровывает картины, реди-мейды и фотографии главных художников последних 100 лет: от Василия Кандинского и Марселя Дюшана до Ольги Чернышевой и Пола Чана. Публикуем главу «Внутренняя жизнь консервной банки» — остроумную интерпретацию «Дерьма художника» Пьеро Мандзони, в которой концептуалистская выходка, иронизирующая над арт-рынком, становится частью большой традиции, восходящей к Древнему Египту.
Немногим из произведений искусства ХХ века довелось стать по-настоящему культовыми. Но наряду с писсуаром Марселя Дюшана и «Банкой супа Campbell» Энди Уорхола к ним можно причислить и Merda d’artista («Дерьмо художника») Пьеро Мандзони. Многие в наше время слышали, что кто-то додумался продавать собственное дерьмо в качестве произведения искусства, но при этом они никогда не слышали о Пьеро Мандзони и вообще очень мало знают о современном искусстве.
То, что среди наиболее известных модернистских художественных произведений есть и объекты повседневной жизни, безусловно, не случайно. В том, что эти объекты удается репрезентировать вне их привычного контекста и даже с большим успехом, есть что-то магическое. Нам кажется, что мы видим чудо, — а только то, что воспринимается как чудо, становится культовым объектом.
В этом отношении работа Мандзони отличается от работ Дюшана и Уорхола. «Дерьмо художника» не относится к категории реди-мейдов. Здесь художник не выбирает одну из множества вещей массового производства, чтобы назвать ее произведением искусства. Мандзони произвел около 90 консервных банок с дерьмом художника, мог бы произвести и больше. Значит, перед нами новый массовый продукт, новый бренд, тираж которого не обязательно ограничен рынком искусства. В этом и есть разница между консервными банками Мандзони и «Банкой супа Campbell» или «Коробкой Brillo», которые в свое время выставлял Уорхол.
И Дюшан, и Уорхол играют с границей между «высоким» искусством и массовой культурой, которая им обоим представляется очевидной. Для Мандзони же эта граница гораздо менее очевидна. Он запускает свое производство консервных банок так же, как дизайнер запускал бы свою новую коллекцию, но все же его «Дерьмо художника» кардинально отличается от любого произведения дизайна. В его работе ключевой элемент — не форма, а содержание. И в этом заключается второе важное отличие Мандзони от Дюшана и Уорхола. Их обоих интересовала форма современной массовой культуры, а Мандзони интересует содержание. Однако содержание у него представлено не как тема, нарратив или идеология, а как материал. В этом смысле «Дерьмо художника» прежде всего иронический и в то же время предельно точный комментарий к главной стратегии модернизма, состоящей в том, чтобы открыто тематизировать материальность произведения искусства.
Главным вопросом искусства обычно является его отношение к реальности.
Долгое время это отношение понималось в миметическом смысле, как способность художника точно отражать реальность. После того как модернистское искусство отказалось от мимезиса как главной цели, единственным элементом, связывающим искусство с реальностью, стала специфическая материальность самого произведения искусства, материал, из которого это произведение сделано. Именно поэтому модернистское искусство так жестко привязано к тематизации своей собственной материальности: только посредством ее оно постигает собственную истину, если под истиной понимать отношение к реальности. Таким образом абстрактное искусство утрачивает свой статус чистой формы и приобретает содержание — не сюжет, не нарративное содержание, а содержание реальное и материальное. В этом смысле каждое произведение модернистского искусства можно рассматривать как консервную банку, содержание которой кроется в самой форме произведения. Посредством своей формы модернистское искусство постоянно стремится обратиться к этому скрытому материальному содержанию.
Вот почему Клемент Гринберг хотел, чтобы картина выглядела плоской, не имела глубины, чтобы она выявляла плоскость холста, скрытую за слоем краски. Точно так же многие модернистские скульпторы тематизируют материал, из которого созданы их скульптуры, а не скрывают его за видимостью скульптурной формы.
Но жест, который совершает Мандзони в своем «Дерьме художника», выставляет весь кропотливый труд модернистского искусства (которое лишь приближалось к скрытой материальности искусства, но не выражало ее напрямую) избыточным.
Мандзони открыто представляет содержание своего произведения: это дерьмо. Чистой идентичности формы и содержания, к которой так стремилось искусство модернизма, он здесь со всей очевидностью достигает, притом самым простым путем: на поверхности произведения представлена исчерпывающая информация о его скрытом содержании.
Информация откровенно убедительная, ясная, определенная. Но почему она именно такова? На то есть несколько важных психологических причин.
Если нечто скрыто от нас, то мы почти автоматически начинаем предполагать, что скрытое — это что-то дурное, отвратительное и потенциально опасное. К тому, что от нас скрыто, мы по определению будем относиться с подозрением, — и развеять это подозрение возможно, лишь подтвердив его. Только когда тайное становится явным и скрытое действительно оказывается таким опасным и страшным, каким мы его себе представляли (или даже еще хуже), мы готовы поверить в его истинность.
Таким образом, истина того, что скрыто, становится достойной веры только в том случае, если это ужасная, неприемлемая истина. Открытие внутреннего содержания успешно лишь тогда, когда принимает форму разоблачения. В каком-то смысле мы всегда подозреваем, что вся еда, которую мы покупаем в консервах, — полное дерьмо, потому что, как считают многие, неизвестно, из чего сделано содержимое консервных банок. С другой стороны, с самого рождения модернистского искусства широкая публика думает, что все это просто «дерьмо», которое продают по бешеным ценам; иными словами, что модернистское искусство — это гигантское надувательство, что вся его суть — продавать какое-то дерьмо по цене золотых слитков.
Но ведь именно это и делает Мандзони: продает консервные банки, в которых, как он гарантирует, содержится его дерьмо, и продает фактически на вес золота. Значит, привлекательность его произведения заключается в первую очередь в том, что оно прямо и безоговорочно подтверждает все антимодернистские подозрения широкой публики. В этом отношении Мандзони принадлежит долгой традиции модернизма, который всегда умел перевернуть антимодернистские предрассудки и приспособить их себе на пользу. Многие художники-модернисты, от Маринетти, Дали и Пикассо до Дюшана и Уорхола, иронически играли с антимодернистской пропагандой, в которой художник всегда представал в роли афериста, манипулятора и мошенника. И не случайно именно эти художники ныне прославились на весь мир.
Но не нужно обманываться и принимать на веру идентичность формы и содержания в «Дерьме художника». Это только кажется, что Мандзони преодолевает разрыв между формой и содержанием. На самом же деле он радикализирует его.
Дело не в том, действительно ли внутри консервных банок Мандзони находится его дерьмо или же, как теперь подозревают, его там нет.
Главное — что в «Дерьме художника» Мандзони тематизирует и подчеркивает табу, запрещающее зрителю узнать, из какого материала на самом деле сделано произведение.
Главное — что в «Дерьме художника» Мандзони тематизирует и подчеркивает табу, запрещающее зрителю узнать, из какого материала на самом деле сделано произведение.На произведение искусства, выставленное в музее или галерее, можно только смотреть, созерцать его, но нельзя вскрыть или разрушить. Таким образом, тело произведения искусства, охраняемое доминирующей в системе искусства конвенцией, остается вне доступа для всех попыток узнать его материальное содержание, поскольку обычному зрителю запрещено заглянуть внутрь произведения искусства. Истинная материальная природа произведения для зрителя табуирована: взгляд зрителя не смеет проникнуть глубже поверхности произведения, потому что тем самым он мог бы это произведение уничтожить.
Пьеро Мандзони «Дыхание художника», 1959-1960. Фото: christies.comМандзони еще более усиливает это табу, наполняя внутренний объем своего произведения своим дыханием (Body of Air, 1959–1960) или своим дерьмом (настоящим или предполагаемым).
Если проколоть иголкой поверхность воздушного шарика, надутого дыханием художника, его дух пропадет, а само произведение будет непоправимо испорчено. Однако знание, что внутри произведения искусства находится дерьмо, напрямую отталкивает зрителя и лучше любых запретов предотвращает попытки заглянуть внутрь. В итоге произведение искусства остается неприкосновенным, даже когда оно начинает циркулировать вне системы искусства, как и предвидел Мандзони в отношении своих консервных банoк. Поэтому можно сказать, что «Дерьмо художника» — не десакрализация произведения искусства, а, наоборот, его сакрализация. «Sacer» («священный») на латыни означает именно все запретное, причем не только относящееся к богам, но и все нечистое, опасное. Как пишет в книге «Человек и сакральное» в 1939 году Роже Кайуа, сакральное амбивалентно: оно чисто и нечисто, свято и скверно. Когда Мандзони наполняет произведение искусства человеческими телесными выделениями, произведение гуманизируется — и его неприкосновенность становится вровень с неприкосновенностью человека.
Табу, которое запрещает нам убивать и расчленять людей, чтобы посмотреть, что у них внутри, так же амбивалентно. Этот запрет, несомненно, имеет этическое обоснование: убивать нельзя, потому что убийство — зло; но не менее, если не более, сильным обоснованием этого табу выступает страх увидеть внутренность человеческого тела, которая вызывает чувство ужаса.
Потому аналогия между произведением искусства и человеческим телом у Мандзони — самый интересный и самый радикальный жест его творчества: он наполняет свои произведения изнутри собственным дыханием или собственным дерьмом — тем, что обычно наполняет человеческое тело. Людей тоже можно рассматривать как двуногие консервные банки — банки, наполненные дыханием и дерьмом.
Эквивалентность человеческого тела произведению искусства имеет долгую предысторию. Судьба современного гуманизма тесно связана с судьбой современного и модернистского искусства по крайней мере в двух аспектах. Во-первых, как гласят доминирующие конвенции европейского модернистского мышления, искусство — это только то, что создано человеческими руками.
Во-вторых, произведение искусства отличается от прочих вещей в первую очередь тем, что на него можно только смотреть и интерпретировать его, но нельзя использовать. Фундаментальная максима гуманизма — что человек всегда цель, но никогда не средство — уже показывает, что европейский гуманизм рассматривает человека прежде всего как произведение искусства. Права человека — это, если быть точным, права искусства в приложении к людям. По сути, уже на заре эпохи Просвещения человек воспринимался не столько как душа или дух, сколько как тело среди других тел, а в пределе — как вещь среди других вещей. Однако на уровне вещей нет никакого понятия, кроме понятия искусства, которое позволило бы нам выделить одну вещь изо всех прочих и приписать ей какое-то особое достоинство или физическую неприкосновенность, не дарованные всем другим.
Поэтому в контексте европейской культуры вопрос «Что такое искусство?» затрагивает реалии более обширные, чем один лишь мир самого по себе искусства. Критерии, которые мы используем, чтобы отличить произведение искусства от всех прочих вещей, не слишком отличаются от критериев, по которым мы отличаем человека от всего прочего, что существует в мире.
В европейской традиции два процесса — когда мы признаем некоторые вещи произведениями искусства и когда мы признаем некоторых существ, вместе с их поведением, действиями и мироощущением, людьми — неразрывно связаны. Совершенно неудивительно, что в контексте европейской культуры концепция биополитики, предложенная несколько десятилетий назад Мишелем Фуко и развитая другими авторами, в особенности Джорджо Агамбеном, с самого начала имела критический оттенок. Рассматривать человеческое как нечто животное и даже скотское означает де-факто автоматически принижать его достоинство, особенно когда эта концепция используется с целью улучшить физическое благополучие этой человеческой скотинки. Истинное достоинство человека возникает лишь тогда, когда человек рассматривается как произведение искусства.
Такое понимание человеческого лежит в основе всех гуманистических утопий, в которых не просто человечество, но общество в целом рассматривается как произведение искусства.
Итак, получается, что, только ответив на вопрос о природе произведения искусства, мы можем ответить на древнейший вопрос: что же такое человек — тот современный индивид, которого мы считаем обладателем человеческих прав и субъектом демократии? Люди и произведения искусства неразрывно связаны густой сетью метафор и метонимий, и эта сеть особенно наглядно предстает перед нами в работе Мандзони. Его произведение представляет нам «консервацию» человека, или, по крайней мере, «консервацию» внутреннего мира человека. При этом гуманизация искусства продвигается еще дальше — как и зеркальный по отношению к ней процесс превращения человека в произведение искусства.
Искусство с самого своего начала являет собой — помимо многого прочего — процесс сохранения. К произведениям искусства не только относятся иначе, чем ко всем другим вещам, — они надолго переживают другие, профанные вещи. Обычные вещи, когда становятся не нужны, отправляются на помойку. Но произведения искусства хранят в музеях и архивах, берегут, реставрируют.
То есть искусство выступает как институт, который берет на себя смелость обещать вечную жизнь на земле, — и это единственное обещание такого рода с тех пор, как Бог и боги сняли с себя ответственность за наше бессмертие.
Философия, с момента ее основания Платоном, также была в близком родстве с религией, и всю свою долгую историю она представляла собой не что иное, как попытку предвидеть посмертную жизнь души, иными словами — достичь метанойи, перехода от точки зрения «здесь и сейчас» к точке зрения жизни по ту сторону, от точки зрения смертного тела — к точке зрения бессмертной души. Метанойя такого рода — это, по сути, необходимое условие становления метафизического, возможности занять метапозицию по отношению к миру, способности созерцать и сознавать мир как целое.
Когда метанойя, то есть осознание собственного бессмертия, становится невозможной, человек утрачивает способность созерцать целое. Собственно, этот перспективизм, эта зависимость от субъективной точки зрения сегодня считается самоочевидной: всякий раз, когда кто-то начинает говорить, мы прежде всего задаемся вопросами, откуда он или она взялись, с какой точки зрения он или она высказываются.
Расовая, классовая и гендерная принадлежность обычно считаются координатами, которые изначально определяют личность говорящего. Такая изначальная определенность служит также культурному понятию идентичности. Даже если мы понимаем эти параметры не как «природные» факторы, а как социальные конструкты, они по-прежнему сохраняют свое влияние. Социальные конструкты можно деконструировать, но их нельзя взять и отменить или заменить другими конструктами на свой вкус.
Но в любом случае, когда тело расстается с жизнью, когда умирает душа, само тело не исчезает, а становится трупом. Пусть для души нет жизни после смерти, но тело продолжает существовать после смерти в качестве трупа. В Древнем Египте, как известно, принято было сохранять и мумифицировать тела, и в каком-то смысле можно сказать, что модернистское искусство наследует этой древнеегипетской традиции.
Это очень наглядно показано в случае Мандзони: в той степени, в которой телесность художника может быть сохраненa и выставленa в музее, художник воплощает мечту об индивидуальном бессмертии, не прибегая к традиционным обещаниям религии.
Здесь можно применить известное понятие гетеротопии — термина, предложенного Мишелем Фуко, — и говорить о гетерометанойе. Фуко помещал музей, так же как и кладбище, библиотеку, больницу, тюрьму и корабль, в разряд «других мест», или гетеротопий. Когда тело помещают на кладбище или в музей, оно трансцендирует место, в котором жило при жизни. Это влечет за собой весьма разительное изменение перспективы, поскольку из музея, библиотеки или кладбища весь мир видится с иной точки зрения, а именно гетеротопической.
Произведения искусства — живые трупы вещей. Мы сохраняем и выставляем вещи в художественных музеях только после их смерти, то есть после того, как они дефункционализировались, ушли из жизненной практики. Существование произведений искусства в музеях — это жизнь после смерти, жизнь вампиров, которую нужно беречь от солнечного света.
Музеи современного искусства особенно ясно показывают, с какими трудностями сталкиваются те, кто стремится к гетерометанойе.
Заявленной целью европейского авангарда было и остается создание «живого» искусства в противоположность «мертвому» искусству музеев. При этом модернистское искусство стремится достичь этой цели, демонстрируя материальное измерение искусства, его чистую телесность, которая обычно остается скрытой под поверхностью образа, — то есть именно телесную или трупную природу образов и вещей. Силой искусства некоторые вещи можно вырвать из контекста их употребления в обычной жизни и перенести в искусственный, кладбищенский, гетеротопический контекст музея — именно затем, чтобы показать их чистую материальность, их телесность. То есть жизнь «живого» искусства есть вечная жизнь трупа, которая трансцендирует все формы обычной жизни.
В то же время гетеротопическую точку зрения музея тоже можно считать своего рода метаточкой зрения. Мы можем апроприировать гетерометанойю настолько, что мы при жизни сможем предвидеть будущее наших тел как бережно хранимых трупов, и тем самым занять гетеротопическую точку зрения.
Нам нетрудно представить себя трупaми, потому что мы еще при жизни подвержены неотвратимому упадку. Мы участвуем в вечном, безграничном физическом угасании без начала и конца. Слиться с этим бесконечным угасанием означает прийти к другой метанойе, к гетерометанойе, к иной точке зрения, которая позволит занять метапозицию в отношении мира как он есть, без необходимости думать при этом о бессмертии души. Труп бессмертен по определению, потому что он уже прошел через смерть. Если спросить того, кто уже испытал на себе эту другую метанойю, откуда он взялся и с какой точки зрения он высказывается, он спокойно ответит, что высказывается только с гетеротопической точки зрения кладбища, библиотеки или музея.
Тем не менее модернистское искусство может не столько продемонстрировать, сколько засвидетельствовать пробуждение радикального материализма, гетерометанойи, метафизики тела. Именно поэтому модернистское искусство находится в постоянном поиске образа, который стал бы иконой чистой материальности, чистой профанности.
Однако успех таких икон радикальной профанности весьма скоротечен: они успешны, лишь пока еще воспринимается энергия, с которой эти вещи были вырваны из жизни. Потому в любую конкретную историческую эпоху становится необходимо снова искать какую-то новую икону телесности: такую, какую еще не использовали; такую, чье восприятие, как говорили русские формалисты, еще не автоматизировано. И все же даже по прошествии определенного исторического времени, особенно когда мы в музее видим реди-мейд, мы очень ясно воспринимаем его как труп.
Мы знаем, что этот писсуар уже никогда не займет положенное ему место в туалете, а уорхоловская банка супа Campbell’s никогда не окажется на полке в супермаркете, ее никто никогда не купит и не съест суп.
Так возникает атмосфера меланхолии, окружающая все реди-мейды в искусстве, пусть даже сами они выглядят довольно игриво. «Дерьмо художника» Мандзони тоже принадлежит к этому ряду. Это произведение, разумеется, можно считать удачной насмешкой над механизмами арт-рынка (соответственно общепринятoй интерпретации).
Но в то же время это глубоко меланхоличное произведение, которое раскрывает перед нами общую судьбу всей органической материи как раз потому, что обещает новую форму сохранения, обессмерчивания живого вещества, из которого мы состоим. По сути, оно показывает, что останется после человека и что в нашей неоегипетской цивилизации сохранится после смерти, — не много, но все же больше, чем ничего.
Чем картина-шедевр отличается от просто хорошей картины?
Ну вообще-то понятие «шедевр», на мой взгляд, — скорее статистического характера.
Так называют произведение, которое признают выдающимся большее количество людей.
То, которое принято считать выдающимся.
Как именно и почему формируется такое общественное мнение — вопрос в каждом случае отдельный.
Наверное, в большинстве случаев такие «шедевры» — действительно очень приличные произведения.
Но не всегда.
Например, не так давно шедевром официально считалась картина «Ленин провозглашает Советскую власть» художника В. Серова (не тот, не Валентин).
А ныне, и присно, и, видимо, во веки веков «главным шедевром» всея Земли будет считаться «Мона Лиза» (она же «Джоконда», она же Изольда Меньшова, она же Валентина Панеяд — ой, тьфу, это не оттуда).
В наше время просто неприлично при виде неё не вздыхать и не умиляться «загадочной улыбке».
А между тем я знаю немало людей, которые не разделяют всеобщей эйфории и даже крутят пальцем у виска.
Потому что полагают, что работа художника Л. Да Винчи, конечно, очень приличная, очень, но…
Но ничего такого уж сверхъестественного из себя не представляет. Даже у него самого есть и поинтересней.
Хотя лично я, честно говоря, её у себя дома с удовольствием бы повесил.
Но вообще на свете есть несколько сотен картин, которые я бы повесил с гораздо большим удовольствием, вот честное слово.
Это я к чему?
Да к тому, что «шедевр» — это, по большому счёту, не явление искусства.
Это — явление массового сознания.
То есть относится скорее к социологии.
И теперь к главному: вы спрашиваете, чем «шедевр» отличается от просто хорошей картины?
Суммой обстоятельств. Тем, как сложилась его судьба.
Возьмите, к примеру, «Черный квадрат» художника К. Малевича.
Несколько экзальтированная эпоха, личная харизма Казимира Севериновича, ловко изложенная теоретическая база и крайне удачный пиар — вот составляющие сумасшедшего успеха произведения, представляющего собой обыкновенный квадрат, закрашенный неровной чёрной краской.
Вуаля!
Многие из «шедевров» даже являются живописью весьма высокого качества.
Но, как показывает жизнь, это совершенно не обязательно…
P.
S. Ой, пардон, забыл — о тех 1-2 картинах, которые я сам считаю шедеврами.
У меня дома висят две ранних работы малоизвестного художника Андрея Данилова.
К сожалению, впоследствии он изменил стиль, но эти картины — по-моему, настоящие шедевры без всяких там кавычек. Для меня — шедевры.
Ну, еще в Эрмитаже найдется пару десятков, в Русском с десяток, в Третьяковке около того, в Музее Ватикана тоже, в Прадо штук 15, как и в Метрополитен-мьюзеум, в Уффици — вообще с полсотни.
Наверное, что-то есть и в Лувре, и в Нэшнл гэллери, но туда пока не доехал.
А судить живопись по репродукциям — всё равно что оценивать еду по описаниям.
Американец случайно купил шедевр художника эпохи Возрождения за 30 долларов (фото)
Работа именитого немецкого мастера Альбрехта Дюрера сейчас оценивается в рекордные $50 млн.
Ее предыдущие владельцы считали, что это репродукция, а не подлинник.
Пять лет назад продавец книг Брейнерда Филлипсона из Бостона (Массачусетс, США) купил на домашней распродаже рисунок, заплатив за него 30 долларов (около 800 грн). В этой работе спустя некоторое время эксперты узнают произведение известного немецкого художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера стоимостью около 50 миллионов долларов (примерно 1,35 млрд грн). За такую находку мужчине уже заплатили крупный аванс, теперь она будет представлена в галерее Agnews в Лондоне. Об этом сообщает издание Art Newspaper.
Будь всегда в курсе событий вместе с телеграм-каналом Быстрый Фокус.
По словам журналистов, неизвестная ранее работа немецкого мастера «Богородица с младенцем с цветком на травяном берегу» хранилась в доме у одной из американских семей, которая считала, что это не оригинал, а репродукция, датированная XX веком.
Однако оказалась, что этот эскиз был создан на несколько столетий ранее — около 1503 года.
Произведение находилось в коллекции архитектора Жан-Поля Карльяна, который жил неподалеку от Бостона. Он скончался в 2012 году, а его вдова Элизабет умерла три года спустя. На домашней распродаже в 2016 году рисунок продали Филлипсону всего за 30 долларов. В семье Карльян не верили, что работа является подлинником и даже в шутку сказали покупателю: «О, так ты хочешь купить Дюрера?».
В этой картине произведение немецкого художника спустя некоторое время узнал ключевой акционер галереи Agnews Клиффорд Шорер. По его мнению, этот рисунок может быть продан за рекордную цену. Текущий рекорд принадлежит работе «Голова музы» (1510-1511 год) итальянского мастера Рафаэля — она была продана за 48 миллионов долларов на лондонском аукционе Christie’s в 2009 году.
В 2019 году Шорер случайно познакомился с Филлипсоном, будучи в Бостоне. Продавец книг хранил шедевр без рамки в столовой, думая, что это удачная копия Дюрера.
«Это был невероятный момент, когда я увидел Дюрера. Или это была самая большая подделка, которую я когда-либо видел, или шедевр», — вспоминает Шорер.
Филлипсон предложил представителю галереи эту работу за 500 долларов, однако Шорер убедил продавца, что торопиться с ценой пока не стоит. Позже эксперты обнаружили, что рисунок является подлинником. Филлипсон уже получил за оригинал рисунка немецкого художника аванс в размере 100 тысяч долларов. Дополнительную сумму продавец книг получит после завершения сделки о передаче рисунка Agnews.
На данный момент произведение можно увидеть в лондонской галерее до 12 декабря. Затем его покажут в нью-йоркской Колнаги. Обладателем рисунка по цене в 50 миллионов долларов может стать музей Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе, однако, по мнению журналистов, скорее всего он попадет в руки состоятельного коллекционера.
Напомним, ранее итальянская полиция нашла украденную в 1972 году картину Альбрехта Дюрера «Самоубийство Клеопатры».
Также Фокус писал о том, как медную гравюру Дюрера «Коронованная ангелом Дева Мария» случайно обнаружил эльзасский коллекционер на блошином рынке во Франции.
20 человек, которые хотели сделать обычное фото, а вместо этого получили настоящий шедевр / AdMe.ru
Пока одни месяцами изучают особенности работы со светотенью, постигают искусство композиции и разбираются в работе фотоаппарата, другие просто берут случайную картинку и сразу получить шедевр, похожий на картину. Этим счастливчикам иногда удается даже обычный беспорядок на столе превратить в произведение искусства.
AdMe.ru готов признать, что, хотя фотография вряд ли когда-либо заменит живопись, некоторые из этих картин выглядят так, будто им место на стене художественной галереи.
«Моя подруга как раз завтракала, и я решил ее сфотографировать.
Мы ничего не планировали».«Мой пес Декстер греется на солнышке. Я думаю, что эта фотография очень похожа на картину».
«Пекарня в Ванкувере».
«Просто сплю в крохотной деревушке в Кавказских горах».
Сцена из студенческой жизни
«Жена и дочь в поездке в Бельгию. Это кадр из видео, которое я сделал.
«Задний двор моего дома. И хотя там нет людей, эта фотография выглядит как картина Дэвида Винкбуна».
«Я сфотографировал свою собаку Генри после дождливой прогулки. Он знал, что выглядит царственно».
«Девушка с серым полотенцем».
«Тестовое фото моего друга… по счастливой случайности… оказалось слишком темным.»
После празднования дня рождения
«Сфотографировал друга и получил шедевр.
«Я называю это фото
Венера с детьми».«Пробуждение».
«Вот портрет моей девушки».
«Я сделал это фото в саду Шуккей-эн в Хиросиме. Эти рыбы действительно плавают в воде, а не в масле».
«Я сфотографировал свою сестру в автобусе».
«Моя подруга в новой квартире»
«Знакомьтесь, Эмбер, моя королева!»
Какие шедевры есть в вашей фотогалерее?
Как создать шедевр
Главная Пожертвовать Новое Поиск Галерея Обзоры Как сделать Книги Ссылки Семинары О нас Контакт
Как создать шедевр
© 2008-2012 KenRockwell.ком. Все права защищены.
«Немного раньше графика» Тома Фрица.
я получаю вкусности в Ritz, Amazon и Adorama. Это помогает мне продолжать добавлять на этот сайт, когда вы тоже получаете свои по этим ссылкам. Спасибо! Кен.
июль 2012 г.
Better Pictures Nikon Canon Fuji LEICA Все обзоры
Что такое шедевр
Сегодня утром я думал о том, как странно, что музыка является более эффективным визуальным средством, чем фильмы или фотографии.
Подумайте об этом: хорошая музыка увлекает. Закрой глаза, и ты в совершенно другом месте. Хорошее музыкальное произведение переносит вас не просто в другую страну, оно физически переносит вас в другой мир, наполненный окружающими вас достопримечательностями, запахами, ощущениями, вкусами и всем остальным, как если бы вы были там. Дрянная музыка и близко не подходит, но спросите любого меломана, и хорошая музыка делает все это и даже больше. Если это не делает это для вас, пришло время слушать более внимательно.
Тут я подумал, что это за глупый маленький носитель, с которым мы работаем. Фотография, даже огромная, не является реальностью.
Он маленький, плоский и мы всегда можем видеть за кадром. Вы можете смотреть на фотографию, но вы все еще там, где вы есть. Вы можете находиться в галерее, просматривая фотографию, но вы все еще в галерее. Вы можете быть в темном кинотеатре и смотреть фильм, но вы все еще в кинотеатре.
Конечно, вы можете думать, что вы немного ближе к тому, что изображено в фильме, но вы думаете, как хорошо было бы быть там, а не то, что вы там .Закройте глаза, и фотография или фильм исчезнут. Ваше воображение еще не готово, и оно останавливается, как только может стать серьезным. С музыкой вы только начинаете, когда вы закрываете глаза и начинаете обращать внимание.
Тогда я понял, что именно это отличает хорошую фотографию от шедевра. За меньшее время, чем вам потребовалось, чтобы дочитать до этого места, я понял, что шедевры изобразительного искусства делают то же самое. Когда я думал о некоторых настоящих шедеврах, которые я видел, я сразу же сильно переносился в другой мир.
Я внезапно оказался в этом новом месте.
Затем я придумал свой собственный 29,5-секундный фильм, чтобы проиллюстрировать это. Пара проходит мимо картины в галерее, останавливается, чтобы мельком взглянуть, и парня начинает засасывать картина. Середина холста вытягивается навстречу ему, его тянут за голову и поднимают с ног в изображение. Таща за руку свою растерянную девушку, они окунаются в новый мир. Они приземляются на ноги, и пара оглядывается вокруг: щебечут птицы, играет музыка, потягивают олени и все купается в золоте заходящего солнца.Они улыбаются друг другу, и они там навсегда.
Конечно, если бы это действительно была телевизионная реклама, то на экране появился бы логотип какого-нибудь дорогого лекарства. Забавно, как легальные наркотики рекламируются как нелегальные галлюциногены: «Примите наш препарат от какой-нибудь неприятной болезни, и вы отправитесь в путешествие в лучший мир, где вы всегда будете в отпуске». FDA пока не сочло целесообразным удалить эти подсознательные сообщения.
Впрочем, вернемся к шедеврам…
Когда я впервые перелистнул страницу и увидел статью в журнале Autoweek Magazine о художнике Томе Фрице, получившем премию Питера Хелка от Общества автомобильного изобразительного искусства, небольшое изображение его картины «Немного раньше графика» остановило меня в моих мыслях.Я подумал: «Святое дерьмо!» как меня сразу потянуло в другой мир. Случайному наблюдателю может показаться, что работа Фрица связана с автомобилями, но на самом деле она заключается в том, чтобы делать это «черт возьми!» воздействие через освещение и множество других элементов. Его работы созданы из его воображения, поэтому он может использовать свет так, о чем фотографы могут только мечтать.
То же самое случилось и со мной, когда я смотрел на фотографию, висевшую рядом с кассой на стенде Rubio’s Taco в торговом центре Carlsbad Outlet Mall.Это группа парней, вырисовывающихся в лучах заходящего солнца, когда они ловят рыбу. Печать на холсте имеет ширину в несколько футов.
Стоя у кассы, я увидел маленькую бутылку пива на земле рядом с одним из рыбаков. И тут меня зацепило: я увидел отблеск заходящего солнца в этой пивной бутылке, очень маленькой по масштабу отпечатка, и все это щелкнуло. «Святое дерьмо!» Я снова оказался в солнечной Мексике вместе с ними на рыбалке!
Вот что делает шедевр. Конечно, у всех нас разные вкусы во всем, но разница между отличным фото и шедевром в том, что шедевр создает для зрителя свою собственную реальность.Если это заберет вас, это фантастика.
Рубио. Нет, не шедевр; просто что-то, чтобы разбить текст. (Nikon 15mm f/5.6 при f/8, Nikon D3 auto ISO выбрал ISO 720, приоритет диафрагмы выбрал 1/15.)
Создание шедевра
Чтобы создать шедевр, ваша работа должна привлекать людей. Он должен доставить их туда, куда вы хотите их доставить. Это не обязательно должно быть красивое место, если вы хотите, чтобы они его увидели.
Если вы Себастьян Сальгадо, ваша работа заводит нас в неприятные места, но именно туда вы пытаетесь нас завести. Я никогда не думал, что старые корабли отправляются в Индию, чтобы разобрать вручную на железный лом, или что люди действительно должны добывать серу лично . Как и у других настоящих фотографов, у Себастьяна Сальгадо не так уж и много веб-сайтов. Я чаще вижу его работы в музеях, чем в Интернете.
Крайне важно уметь показывать людям вещи так, чтобы их куда-то тянуло.
Фотографии не могут быть пассивными. Если кто-то увидит ваше изображение и просто захочет нажать ДАЛЕЕ> или посмотреть следующее, это не засчитывается. Отредактируйте это.
Фотографии должны вовлекать зрителя. Они должны остановить зрителя как вкопанный. Просто быть грубым или шокирующим не считается; они должны привлечь его внимание и увести его.
Показывайте только изображения, которые хотя бы заставят людей сказать «Вау!» Когда я собираю изображения, если у снимка нет вау-эффекта, я этого не показываю.
«Вау!», «Ооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооо)
Шедевр — это то, что заставляет зрителя подумать « Вот дерьмо!!! », потерять сознание и тут же проснуться в другом месте.
Основы изображения
Основная структура изображения заключается в том, как элементы, такие как формы, линии, цвета и тона, работают вместе. Если образ не имеет прочной базовой структуры, он терпит неудачу.
Формы, линии, очертания, цвета и баланс, составляющие каждое изображение, очевидны при любом размере.Отличное изображение выглядит интригующе даже в виде эскиза или слайда на светлом столе.
Если изображение некачественное, оно будет тусклым пятном в виде эскиза и останется тусклым, независимо от того, насколько резким или большим оно станет.
Изображение — это отношения между светом и тьмой, верхом и низом, теплым и холодным, большим и маленьким, ритмом, точками интереса и гармонией. Как формы, градации, масштаб, углы и все остальное работает вместе? Создают ли они глубину, баланс и воздействие, или это просто запутанная мешанина мусора? Есть ли простота и единство, или вы пытаетесь дать зрителям возможность догадаться, что вы имели в виду? Именно эта динамика придает изображению вау-фактор.Реальное изображение привлекает ваше внимание и вовлекает вас в исследование, независимо от его размера.
Вот почему лучшие фотографы, как правило, имеют художественное образование. Художники понимают эти основные и важные элементы изображения и знают, как использовать их для создания выдающихся изображений. Большинство фотографов понятия не имеют и вместо этого тратят свой творческий потенциал, беспокоясь о резкости объектива, необработанных изображениях в сравнении с JPG или разработке алгоритма преобразования 16–14 бит вместо обязательных основ дизайна изображений .
Великолепное изображение привлекает внимание, если правильно понять основы. Детали и резкость — наименее важные части изображения. Лицом к лицу; когда изображение скучно в размере миниатюры, становится ли оно более интересным в увеличенном виде? №
Посмотрите на onexposure.net и сайт Тома Фрица. Даже эскизы резонируют с волнением, так что вы знаете, что за ними будет рок.
Великолепные изображения привлекают ваше внимание потому, что их основные элементы расположены по порядку.Без основы, независимо от того, сколько деталей вы добавите, это все равно будет отстойным изображением.
Как только вы разберетесь с основами, у вашей фотографии должна быть кульминация. Как только читатель оглядится вокруг, кульминацией станет то, что он найдет AHA! или забавную вещь, которую вы вставили, например, фотографию ряда повторяющихся объектов, где один объект не совсем правильный.
Бывший ученик Гомера ЛаГасси научил меня тому, чему Гомер ЛеГасси научил многих других студентов: изображения должны быть такими же, как паук плетет свою паутину.
Должно быть достаточно базовой структуры, чтобы привлечь ваше внимание на расстоянии в сто футов, и как только она привлечет вас ближе, должно быть достаточно деталей и развлечений, чтобы вы исследовали ее как можно дольше. Легко получить детали на фотографиях, но большинству фотографов никогда не приходит в голову правильно передать основы, чтобы в первую очередь привлечь внимание зрителя.
Когда я сочиняю фото, я игнорирую детали, пока сначала не соберусь с основами, перемещая себя.
Конечно, работы Анселя Адамса содержат больше деталей, чем любое изображение с цифровой камеры, которое я когда-либо видел, но, как и все великие работы, они бросаются в глаза даже в виде крошечных эскизов.Что делает его великим, так это его основы, а не детали.
Великолепные изображения обычно создаются таким образом. Великолепные изображения тщательно создаются, а не просто ловятся. Даже при идеальном освещении критически важные элементы композиции находятся на вашей ответственности.
Это то, что заставляет изображение петь или провалиться. Гален Роуэлл научил нас, как улучшить нашу удачу, в своей книге «Горный свет». Например, если вы ожидаете, что чудесный свет вот-вот произойдет через 10 минут, переместите себя в наиболее выгодное положение сейчас, чтобы вы были там, чтобы поймать то, что вы хотите, когда произойдет слава.
Художники могут проделывать еще больше трюков, чем фотографы. Мне посчастливилось поговорить с художником Томом Фрицем, когда я попросил разрешения использовать его изображение вверху, и он объяснил, как он будет перемещать свои тени, но не источник света, если изменить расположение теней. создает более сильный образ.
Том Фриц сказал мне, что он может начать рисовать, перемещая модели по своей студии, чтобы поиграть с композиционными вариантами. Он получит свет и увидит, как и где разместить источники света и тени.Даже если у него есть старая фотография определенного автомобиля для справки, он создает перспективу, композицию, освещение, облака, окружающую среду и настроение полностью из своего воображения.
Сначала он работает с очень абстрактными концепциями дизайна изображения, и эти формы становятся автомобилями или чем-то еще только после того, как изложены основы.
Первое, что нужно создать, это основы значений и тонов, цветов, форм, баланса и динамики. Если вы сделаете это правильно, ваш образ будет иметь влияние.Добавление деталей позже — самая простая часть. Как фотограф, вы должны искать их, прежде чем начать искать мелочи, такие как фокус или глубина резкости.
Для фотографа самое сложное — увидеть основы, а затем уделить достаточно внимания их правильному воплощению. Мы, фотографы, хромаем из-за того, что отвлекаемся на все четкие детали с первого момента, когда мы смотрим в видоискатель, когда вместо этого мы действительно должны смотреть на основной дизайн нашего изображения.
Если в изображении отсутствуют правильные основы композиции, света, формы и цвета, даже не утруждайте себя нажатием кнопки спуска затвора.
Вот почему изображения большого формата имеют больший процент «хранителей»: мы не утруждаем себя завершением длительного фотографического процесса большого формата, если знаем, что результат будет отстойным. В цифровой среде люди безрассудно пренебрегают основами, которые невозможно заменить в Photoshop. Отличные фотографии должны быть сделаны в камере; Фотошоп просто подстраивает.
Я серьезно отношусь к тому, что не смогу заменить или восстановить основы изображения в Photoshop. Проработав много лет в Голливуде, я (и большинство из вас) знаю, как Голливуд может создать практически любое фотореалистичное изображение с помощью компьютерной анимации.Одна вещь, которую мы не можем переделать, кроме как вручную изменить каждый отдельный пиксель, — это положение освещения. Да, если это изображение полностью нарисовано компьютером, мы можем переделать изображение с нуля, изменив положение солнца в алгоритмах, которые генерируют изображение, но как только изображение создано, нет другого способа войти и переместить источник света после этого.
. Положение основного источника света — один из самых важных элементов любого изображения.
Когда я снимаю в своей студии, большую часть времени я трачу на перемещение источников света, чтобы добиться нужного акцента.Я хочу, чтобы твои глаза текли туда, куда я хочу. Если зритель должен угадать, что изображение пытается сделать, он терпит неудачу.
Самая важная вещь, которую каждый делает в Photoshop, — это затемнение и осветление, чтобы изменить акцент между различными частями изображения. Это требует свободного владения слоями и масками, чтобы обеспечить эффективное затемнение и освещение различных частей изображения, и, что более важно, художественного взгляда, чтобы знать, что и где нужно осветлить и затемнить, насколько сильно. Я не могу использовать такие программы, как Lightroom или Aperture, для серьезного искусства, потому что у них нет такой возможности; все, что они могут сделать, это общие настройки всего изображения, которые вы должны были сделать в первую очередь в камере.
Если вы ничего из этого не понимаете, я подозреваю, что вас никогда не увлекало великое искусство. Обратите внимание на то, какой большой смысл имеет слово «снято», ведь именно этим и занимается великое искусство. Чтобы это имело смысл, вам нужно ценить отличную работу.
Знакомство с основами
Изображение не имеет ничего общего с пикселями. Пиксели — это просто детали. Все основные элементы должны объединять изображение в единое целое, прежде чем кто-либо будет беспокоиться о деталях.
Отличные фотографии не имеют ничего общего с разрешением или резкостью. Они не имеют ничего общего с тем, какую камеру вы использовали. Журнальная репродукция картины Тома Фрица была всего несколько дюймов в ширину, и она до сих пор привлекает меня. Почему? Потому что у него есть правильные основы. 95% любого изображения — это основные элементы, которые можно увидеть через всю комнату.
Если ваши изображения недостаточно эффектны в качестве эскизов, то они не являются хорошими изображениями. Маленький, убогий видоискатель на самом деле очень помогает, хотя и менее удобен.Нечеткий видоискатель заставляет вас создавать композиции, достаточно сильные, чтобы они выглядели прилично даже через крошечный видоискатель. Маленькие ЖК-дисплеи хороши тем, что позволяют видеть основное, не отвлекаясь на детали.
Дерьмовые видоискатели и ЖК-дисплеи не так забавны, но они помогают большинству людей получать более качественные изображения, чем большие, четкие и четкие видоискатели и ЖК-дисплеи.
Когда я снимаю, я сначала внимательно смотрю на детали, когда сочиняю композицию. Почему? Только так я могу убедиться, что в моем изображении нет отвлекающего хлама! Как только я убираю мусор из кадра, я делаю свою самую тщательную работу, отводя взгляд от изображения и составляя композицию краем глаза! Используя свое периферийное зрение, я могу сосредоточиться на фундаментальных и важных основах, не отвлекаясь на детали.
Я могу создать максимально сильный и наиболее сбалансированный образ, когда концентрируюсь на важнейших основах, а не на деталях.
Преимущество камеры обзора в том, что изображение перевернуто. Это абстрагирует все, чтобы вы могли сочинять сильнее. В разговоре с Томом Фрицем он упомянул, что расфокусирует глаза, пытаясь увидеть, что на самом деле происходит на его изображениях. Он использует облака и тени не как облака и тени, а использует их как элементы формы и цвета, с помощью которых он строит свою композицию.
Обучение дизайну изображений
Посещать художественную школу. Прочтите все книги по искусству, которые сможете. Общайтесь с художниками, а не с фотографами. Избегайте Интернета, который перенаселен веб-сайтами, созданными компьютерными и техническими слабаками. Возьмите художественные мастерские. Обратите внимание на то, что вас заводит в изображениях, которые вы видите и создаете, и делайте это чаще.
Сохраняйте непредвзятость.
Открытый разум
Создание шедевра во многом зависит от удачи.Фотограф не может ставить перед собой цель создать его. У меня никогда не было предвзятого мнения о том, какие фотографии я собираюсь сделать. Я просто выхожу и смотрю на то, что вижу, а когда свет горит, я могу получить что-нибудь интересное.
Многие люди думают, что им нужно попасть именно в нужное место, например, в Луковую долину в Восточной Сьерре, в нужное время года, как будто швейцарцы управляли природой для нас по опубликованному расписанию. Я обнаружил, что получаю свои лучшие снимки, просто ковыряясь, что приводит меня к моим величайшим открытиям.Я обнаружил, что ходить по местам, уже отмеченным на чужой карте, гораздо менее продуктивно, чем просто бродить с открытыми глазами. Вы действительно думаете, что кому-то нужно видеть больше одинаковых фотографий Изящной Арки на рассвете?
Дэвид Мюнх, один из величайших ныне живущих фотографов-пейзажистов, сказал то же самое.
Печально, что любители выходят с копиями его изображений и GPS-координатами, пытаясь воспроизвести его изображения, поскольку даже Дэвид Мюнх не смог воспроизвести их сам.Свет никогда не бывает одинаковым дважды. Дэвид Мюнх сказал, что он выходит на улицу с открытой душой и видит то, что может видеть. Он не выходит с намерением создать какой-то конкретный образ.
Помогите мне помочь вам наверх
Я поддерживаю свою растущую семью через этот веб-сайт, как бы безумно это ни звучало.
Самая большая помощь, когда вы используете любую из этих ссылок, когда вы получаете что угодно, независимо от страны, в которой вы живете.Это вам ничего не стоит, и это самый большой источник поддержки для этого сайта и, следовательно, для моей семьи. В этих местах лучшие цены и обслуживание, поэтому я пользовался ими еще до того, как появился этот сайт. Всем рекомендую лично .
Если вы найдете это
страница так же полезна, как книга, которую вам, возможно, пришлось купить, или мастер-класс, который вы, возможно,
пришлось взять, не стесняйтесь помочь мне продолжать помогать всем.
Если вы получили свое снаряжение по одной из моих ссылок или помогли другим способом, вы — семья.Это замечательные люди, такие как вы, которые позволяют мне постоянно добавлять на этот сайт. Спасибо!
Если вы еще не помогли, сделайте это и подумайте о том, чтобы помочь мне подарком в размере 5 долларов.
Поскольку эта страница защищена авторским правом и официально зарегистрирована, копирование, особенно в виде распечаток для личного пользования, является незаконным. Если вы хотите сделать распечатку для личного использования, вам предоставляется разовое разрешение, только если вы платите мне 5,00 долларов США за распечатку или ее часть. Спасибо!
Спасибо за прочтение!
г.и миссис Кен Роквелл, Райан и Кэти.
Главная Пожертвовать Новое Поиск Галерея Обзоры Практические инструкции Книги Ссылки Семинары О Контакты
Masterpiece Me Pro! в App Store
Получите все внутри приложения из бесплатной версии по сниженной цене!
— Окунись в классику!
— Теперь с распознаванием лиц
200 классических картин, на которых можно изобразить свое лицо!
Просто сделайте снимок или выберите его из своей библиотеки и вставьте свое лицо или лицо вашего друга в какое-нибудь классическое произведение искусства!
Затем поделитесь им через Facebook, Twitter, электронную почту, Instagram или SMS!
Веселье на часы или хотя бы на 10 минут!
А теперь еще веселее с набором вкусностей! 216 замечательных вещей, которые можно добавить к вашим фотографиям!
И инструмент для надписей, чтобы вы могли писать на своих фотографиях!
И рамки для фотографий!
Загрузите прямо сейчас!
Если вам понравилось, вернитесь и оставьте отзыв.
Включает в себя эти наборы, в них много бесплатных вещей, или вы можете купить больше по низкой цене!
1. Шедевры! 200 классических картин, в которые можно засунуть лицо!
2. Набор вкусностей! 216 отличных изображений, которые можно наклеить на вашу фотографию!
3. Инструмент подписи! Напишите что-нибудь на своих фотографиях!
4. Пакет рамок! Поместите готовую фотографию в одну из более чем 40 отличных рамок!
Краткие инструкции
— Скачайте и откройте!
— Нажмите на картину
— Затем либо сделайте снимок, либо выберите его из своего фотоальбома.
— Если вы используете IOS 5 и выше, приложение должно найти ваше лицо и поместить его в отверстие.
— Используйте Multi-Touch, чтобы перемещать и изменять размер фотографии, пока она не станет идеальной!
(Нажмите «Перевернуть», если хотите перевернуть картинку)
— Нажмите «Цвет», чтобы настроить цвета вашего изображения, чтобы оно соответствовало картине!
— Когда вы закончите, нажмите на вкладку вкусностей, чтобы добавить забавные вещи к вашей картинке!
— Затем щелкните рамки, чтобы добавить классическую рамку к вашей фотографии!
— Или в любой момент нажмите кнопку «Поделиться» в правом нижнем углу и.
.
— Затем вы можете сохранить его, разместить на facebook, twitter, Instagram, photoapplink или скопировать его, чтобы отправить свое изображение в SMS!
Советы по художественной фотографии для создания шедевра
В 1961 году, после долгих лет споров о том, что фотография на самом деле является изобразительным искусством, д-р С. Д. Джоухар основал Ассоциацию фотографического изобразительного искусства. Ассоциация определила художественную фотографию как «Создание изображений, вызывающих эмоции, посредством фотографического процесса, в котором разум и воображение используются свободно, но со знанием дела.
Невероятная вещь в художественной фотографии заключается в том, что она воплощается в жизнь благодаря вашему собственному художественному видению как фотографа, вызывая чувства через вашу интерпретацию предмета.
Если вы ищете несколько советов о том, как воплотить в жизнь свое абстрактное творческое видение, читайте дальше.
Передача идеи
Художественная фотография становится острой и мощной, когда она передает сообщение или идею — эмоцию. Как художник, подумайте, в чем суть вашей фотографии.Что вы хотите, чтобы люди чувствовали, когда увидят это? Что вы хотите, чтобы они вынесли из этого? Возможно, это одно слово, как счастье или одиночество.
Или это может быть целая фраза, например — смотреть на мир с оптимизмом и воодушевлением. Если вы не знаете, с чего начать, возьмите чистый лист бумаги и запишите несколько идей. Вы будете поражены тем, что вы можете придумать.
Обратите внимание на подробности жизни
Вы можете каждое утро выходить из дома и проходить мимо того же старого дома, окрашенного в бирюзовый цвет, с белыми ставнями, окруженными зелеными лозами.Вам это сейчас может показаться обыденным, обыденным. Но для других эти детали, пойманные через ваш объектив, становятся искусством.
Подумайте о доме в целом, но также подумайте о его интимных характеристиках — о том, как прожилки листьев виноградной лозы выглядят под облупившейся краской белых ставней.
Когда вы начинаете замечать эти мелкие детали, возникает искусство. И ты найдешь его во всем.
Поиск вдохновения
Хотя все формы фотографии основаны на технике, художественная фотография, в частности, связана с чувством и вдохновением в дополнение к технике.Ваши фотографии не должны быть буквальным представлением предмета (например, стоковая фотография миски с яблоками или снимок идеально оранжевого заката, сделанный в золотой час), а скорее — ваша интерпретация этого предмета.
Введите: вдохновение. Что заставляет вас творить в этой миске с яблоками? Это шероховатый участок кожи сбоку, слегка согнутый и необычного вида стебель, червяк, пробивающийся сквозь середину? Найдите части ваших предметов, которые вас вдохновляют, и продолжайте.
Откройте для себя свет
Освещение в художественной фотографии имеет решающее значение для передачи вашего настроения. Если вы стремитесь к темным, глубоким и угрюмым эмоциям, вы не обязательно хотите, чтобы освещение было ярким и веселым (хотя это изобразительное искусство, и эти неожиданные стилистические решения также могут работать в вашу пользу, если вы так считаете).
выберите).
Суть в том, чтобы заранее подумать об освещении и сделать творческий выбор, который украсит ваши фотографии по-своему.
Исследуйте композицию
Если вы хотите сделать художественный снимок, вы должны быть готовы и готовы исследовать композицию. В качестве забавного упражнения попробуйте сделать десять разных снимков одного и того же объекта. Оставьте объект на том же месте, и, как фотограф, поставьте перед собой задачу передвигаться. Спуститесь на землю. Встань высоко. Подойдите ближе. Сделайте несколько шагов назад. Постарайтесь зафиксировать различные характеристики предмета. Когда вы сделаете эти десять снимков, переместите объект в другое место и повторите попытку.Исследования и эксперименты приведут к фантастическим результатам в изобразительном искусстве.
С художественной фотографией мир творчества в ваших руках. От всех нас в Skylum мы с нетерпением ждем, когда ваше видение воплотится в жизнь.
Позвольте Prisma превратить вашу фотографию в шедевр
В наши дни просто загружать и распечатывать фотографии может быть скучно.
Вам нужно добавить эффекты и фильтры, чтобы выделить изображение. Однако добавление эффектов с помощью других инструментов редактирования может занять слишком много времени, и в конечном итоге вы будете разочарованы тем, сколько времени потребуется, чтобы просто создать красивое изображение.
Вот почему сегодня мы представляем вам приложение, которое изменит вашу игру в селфи! Поприветствуйте Prisma, доступную как в Google Play, так и в App Store. Полностью бесплатное и простое в использовании, вот почему мы любим это приложение, чтобы редактировать наши изображения для наших подарков.
Вам еще интересно узнать о Prisma и о том, как она работает? Давайте возьмем эту прекрасную даму в качестве нашего подопытного.
Назовем ее Джейн.
Шаг 1. Выберите свою фотографию
Как упоминалось выше, мы выбираем Джейн в качестве основного поставщика изображений.Поскольку приложение Prisma предназначено только для мобильных устройств, перед запуском приложения убедитесь, что изображение готово на вашем устройстве.
Шаг 2. Обрежьте фото
У вас будет возможность обрезать и повернуть изображение в соответствии с вашими предпочтениями. Это та часть, где вы отсекаете все эти нелестные стороны и сосредотачиваетесь только на том, что вы хотите, чтобы результат вашей распечатки содержался.
Шаг 3. Выберите фильтр для вашей фотографии
Мы выбираем фильтр Dallas для нашей Джейн.У вас будет возможность выбрать фильтр из более чем 10 предоставленных в приложении. Вы уже понимаете, почему мы любим это приложение для редактирования? Так много вариантов!
Шаг 4. Дождитесь волшебства
Через несколько секунд вы увидите этот причудливый экран загрузки. Ваше изображение создается!
Шаг 5. Подтвердите свою фотографию
Довольны ли вы выбранным фильтром? Или вы думаете, что есть другие фильтры, которые могут лучше выделить ваши особенности? Выбирайте прочь! Так много фильтров на выбор, пока вы не найдете идеальный для вашей фотографии.
Шаг 6. Сохраните фото
Готово и готово распечатать свою фотографию на подарке? Сохрани это!
Шаг 7. Ваше фото готово!
Всего за 7 простых шагов вы тоже можете создавать красивые фотографии кончиками пальцев. Теперь пришло время распечатать его на холсте, чтобы повесить у себя дома. Получите свой квадратный холст, подходящий для изображений, созданных приложением Prisma, прямо здесь !
Статьи, которые могут вас заинтересовать
Создайте фотошедевр с помощью AirBrush в Международный день художника • AirBrush
Опубликовано
Сегодня Международный день художника, и мы готовы поздравить всех творцов-новаторов! AirBrush — это платформа, разработанная специально для расширения возможностей художников и предоставления им наилучших инструментов для оттачивания своего мастерства.
Поэтому мы особенно рады отметить это событие художественным редактированием с использованием некоторых из наших любимых инструментов для профессиональных фотографов. Готовы дать волю своим творческим сокам? Пойдем!
Иногда искусство не только в фотографии. Иногда ваше видение выходит за рамки изображения, которое вы зафиксировали, чтобы создать что-то, что существует только в вашем воображении. В таких случаях наш инструмент Background поможет вам объединить два разных сценария и создать совершенно новый мир, который будет полностью вашим.Итак, начните с чистого холста, затем импортируйте свой фон, чтобы начать создавать свой шедевр.
- Перейдите на вкладку «Креатив»
- Выберите инструмент «Фон» изображение, чтобы отрегулировать размер и расположить себя именно там, где вам нужно
- Если отсутствуют какие-либо элементы, которые вы хотите включить в свою фотографию, нажмите на значок пальца в левом нижнем углу, чтобы перейти к Выбрать область и вручную выберите области, которые вы хотите оставить видимыми.
- Используйте ластик, чтобы удалить любые элементы фотографии, которые вы не хотите видеть. края
У вас острый глаз и умение красиво запечатлевать детали через объектив камеры.Но даже совершенство можно улучшить. И это то, что мы стремимся сделать с AirBrush , простым редактором фотографий. С помощью инструмента Colors Tool вы можете манипулировать цветами и улучшать определенные оттенки для создания действительно уникальных изменений. В этот Международный день художника повеселитесь, рисуя всеми цветами ветра!
- Перейдите на вкладку Creative и выберите инструмент «Цвета».
- Найдите группу, которая лучше всего подходит для вашей цветовой схемы. чтобы сохранить вашу правку
Ни одно произведение фотоискусства не обходится без идеального фильтра.
Фильтры AirBrush с более чем 200 вариантами на выбор так же искусно разработаны, как цвета краски тщательно смешаны. Для этой фотографии в честь Международного дня художника мы изучаем нюансы выразительных фильтров в нашей категории Атмосфера , чтобы создать авангардную отделку.
- Перейдите к Фильтры и нажмите Атмосфера в меню категорий
- Просмотрите коллекцию и выберите ту, которая вас больше всего вдохновляет.В Международный день художника мы неравнодушны к шуму, ослеплению и блеску бриллиантов
- Используйте переключатель, чтобы настроить интенсивность фильтра
- Коснитесь галочки, чтобы сохранить изменения Само собой разумеется, что фотография сама по себе является видом искусства. И AirBrush , простой фоторедактор, рад стать частью вашего творческого процесса! Всем фотографам мы приветствуем вашу страсть и креативность. Отмечая Международный день художника по-своему, не стесняйтесь делиться своими последними изменениями с помощью #AirBrushApp и, конечно же, подпишитесь на нас в Instagram @AirBrushOfficial , чтобы получить больше вдохновения для редактирования.
Примите несовершенную картину под вашим шедевром
За улыбкой Моны Лизы может скрываться совершенно другой вид: женщина, смотрящая прямо перед собой, с нейтральным взглядом, возможно, даже с разочарованным хмурым взглядом. По крайней мере, так предполагает один французский исследователь, хотя искусствоведы в этом не уверены.
ШаттерстокХудожники обычно закрашивают существующие холсты. Знаменитая картина Пикассо «Голубая комната » на самом деле была нарисована поверх другой работы неизвестного мужчины в галстуке-бабочке. Сокращение, повторное использование и переработка, я думаю.
Но и наши скрытые картинки тоже закрашиваем. Каждый из нас.
Что находится под вашим портретом?
Очень немногие из нас по-настоящему аутентичны.
Я не. Я стараюсь быть, но в мелочах я не такой. В моих постах на Facebook нет фотографий, на которых я спорю с супругом.Многие люди стирают фотографии бывших со своих постов в социальных сетях в тот момент, когда отношения рушатся. На наших страницах в LinkedIn не упоминаются причины, по которым нас уволили. Люди, которые тратят половину своего времени в Интернете на просмотр порно, вместо этого предпочитают твитить клипы из Daily Show .Мы живем в придуманной аутентичности, в идеальной картине не только в социальных сетях, но и лично. Осмотрите обстановку в своем офисе. Многие люди весело проводят свой день. Но эти же люди — люди, борющиеся с настоящими демонами.Наркоманы. Люди, страдающие психическими заболеваниями. Мошенники. Воры.
Никогда не увидишь тьмы этих людей. На это есть две причины. Во-первых, мы не хотим. Нам нужно представить самых близких нам людей так, как это лучше всего подходит для нашего поля зрения. Жизнь — это симфония, которую нужно постоянно дирижировать, и в ней нет места диссонирующим нотам.
Связано с этим: Вера в свои способности требует сомнений в себе
Во-вторых, люди по своей природе ставят положительное выше отрицательного в своей внешности — физической, эмоциональной и психологической.Им нужно как эффективно взаимодействовать с окружающими, так и справляться с проблемами, которые у них есть.
Тем не менее, мы должны понимать, что под каждым портретом, особенно под нашим, скрывается еще одна картина.
Некоторые из наших скрытых изображений просто заброшены или прерваны. Мы начали с того, что хотели сделать что-то еще — хотели быть кем-то другим — и просто решили, что это не тот путь, по которому мы можем идти. В этом нет ничего постыдного. Мы попробовали кое-что. Это не сработало.Мы пошли дальше.
В других случаях картина под нами была просто незавершенной. Жизнь ведет нас по разным направлениям, и часто это означает, что мы вынуждены по-разному расставлять приоритеты. Бизнес-лидеры, в частности, живут в мире, наполненном требованиями к нашему времени, нашему вниманию, нашей любви, нашим эмоциям.
Вещи, которые когда-то были важны для нас, иногда отпадают. Мы намерены вернуться к ним, но часто не можем.Наконец, мы сознательно отказываемся от некоторых наших внутренних образов. Это пути, по которым мы идем в личном и профессиональном плане, и которые нам нужно перестать делать.Разводы. Плохие привычки. Для бизнес-лидеров и предпринимателей это неудачи, с которыми мы обязательно столкнемся.
Чтобы увидеть эти скрытые картинки, нужно много времени. В случае Моны Лизы, по данным BBC, потребовалась техника, называемая методом усиления слоев, которая измеряет отражение света для восстановления изображений между слоями краски.
Связано: Оттанцуй свою задницу, когда выиграешь
Но если их можно каким-либо образом измерить, эти фотографии реальны.Наши внутренние картины могут быть невидимы для глаз других, но они, как минимум, придают другую текстуру тому портрету, который мы представляем миру. Нам нужно принять это, понять это, чтобы двигаться вперед.
Если мы победили депрессию, нам не нужно делиться этим с нашими коллегами и партнерами, но мы, безусловно, должны убедиться, что достижения — это слой краски в жизни, которую мы выбираем. Если мы потерпели неудачу, мы должны успокоиться, зная, что холст достаточно прочен, чтобы выдержать более качественную работу.Если мы когда-то были мужчиной в галстуке-бабочке, нам должно быть комфортно быть женщиной в синей комнате.Мы не можем радоваться своим достижениям, если никогда не проходили проверку. Нас определяет сочетание проблем, с которыми мы решаем столкнуться, неудач, лежащих у наших ног, и того, как мы справляемся со всеми ними. Каждый из них — это мазок, слой краски, который иногда резонирует, но чаще его нужно покрыть другим цветом, оттенком или текстурой. Хорошая новость заключается в том, что результат, от шедевра до «Собаки, играющие в покер» и детской акварели, всегда представляет собой уникальную и важную работу, плод нашего сознательного, преднамеренного труда и преданности делу.
Отмечая Международный день художника по-своему, не стесняйтесь делиться своими последними изменениями с помощью #AirBrushApp и, конечно же, подпишитесь на нас в Instagram @AirBrushOfficial , чтобы получить больше вдохновения для редактирования.
Я не. Я стараюсь быть, но в мелочах я не такой. В моих постах на Facebook нет фотографий, на которых я спорю с супругом.Многие люди стирают фотографии бывших со своих постов в социальных сетях в тот момент, когда отношения рушатся. На наших страницах в LinkedIn не упоминаются причины, по которым нас уволили. Люди, которые тратят половину своего времени в Интернете на просмотр порно, вместо этого предпочитают твитить клипы из Daily Show .
Вещи, которые когда-то были важны для нас, иногда отпадают. Мы намерены вернуться к ним, но часто не можем.
Если мы победили депрессию, нам не нужно делиться этим с нашими коллегами и партнерами, но мы, безусловно, должны убедиться, что достижения — это слой краски в жизни, которую мы выбираем. Если мы потерпели неудачу, мы должны успокоиться, зная, что холст достаточно прочен, чтобы выдержать более качественную работу.Если мы когда-то были мужчиной в галстуке-бабочке, нам должно быть комфортно быть женщиной в синей комнате.
