Нравится изображение, но нужно всего лишь несколько модификаций? Пусть наши талантливые художники сделают всю работу за вас!

Мы свяжем вас с дизайнером, который сможет внести изменения и отправить вам изображение в выбранном вами формате.

Примеры

• Изменить текст
• Изменить цвета
• Изменить размер до новых размеров
• Включить логотип или символ
• Добавьте название своей компании или компании

Включенные файлы

Подробности загрузки. ..

• Идентификатор изображения

  7504673

• Цветовой режим

  RGB

• Художник

  векторлаборатория

произведений по стилю: Поп-арт

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как поп-артисты искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, карикатур и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что художники поп-музыки первыми осознали, что нет прямого доступа к чему бы то ни было, будь то душа, мир природы или искусственная среда. Поп-артисты считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих работах.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, многие из них несколько эмоционально удалены. В отличие от предшествовавшего ему «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт вообще «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или отказ от него, было предметом многочисленных споров.

Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру с коммерческого искусства: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника по рекламным щитам. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и популярной культуры.

Коллажи в стиле поп-арт, созданные британскими художниками Эдуардо Паолоцци и Ричардом Гамильтоном, передают неоднозначное отношение европейцев к американской поп-культуре; оба превозносят предметы и изображения массового производства, а также критикуют излишества. В его коллаже Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отобрав каждое изображение и собрав разрозненные элементы популярных изображений в одно последовательное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Independent Group были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признавая вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 19-го века.45.

В США Рой Лихтенштейн доказал, что он может удовлетворить требования «отличной» композиции, даже несмотря на то, что его сюжет взят из комиксов. Помимо использования изображений из этих массовых книжек с картинками, Лихтенштейн присвоил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только принял те же яркие цвета и четкие очертания, что и популярное искусство, но и его самым новаторским вкладом было также использование точек Бен-Дей: маленькие точки, используемые для передачи цвета в дешевых комиксах массового производства. Сосредоточенные на одной панели в комиксе, полотна Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а скорее представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может смещаться, а текст может быть отредактирован. . Рисуя вручную точки, которые обычно создаются машинами, и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стер различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Джеймс Розенквист также напрямую использовал образы из популярной культуры для своих картин. Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист осуществлял творческий контроль за счет своего сюрреалистического сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист сделал коллаж из журнальных вырезок из рекламных объявлений и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов прекрасно перешло в его реалистичные изображения этих коллажей, расширенных до монументального масштаба. С работами, часто намного большими и широкими, чем 6 метров, Розенквист наделил мирское тем же статусом, который ранее был зарезервирован для высоких, иногда королевских предметов искусства.

Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но на протяжении всей своей карьеры его тематика сильно менялась. Общей темой среди различных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие объекты, как бутылки Coca-Cola и банки супа Campbell, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной живописи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений. Настойчивое стремление Уорхола к механическому воспроизведению отвергало представления о художественной подлинности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок с супом Кэмпбелл; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Далее он приравнял статус массового производства потребительских товаров к статусу знаменитостей на портретах, подобных 9.0236 Мэрилин Диптих (1962).

Клас Ольденбург, известный своими монументальными публичными скульптурами из повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, начал свою карьеру в гораздо меньшем масштабе. В 1961 году он арендовал магазин в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры мирских предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал The Store (1961). Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после 9 лет.0236 Магазин , создание больших предметов повседневного обихода, таких как кусок торта, рожок для мороженого или миксер, из ткани и наполнителя, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных предметах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному паблик-арту, такому как 45-футовая прищепка (1976) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, работы Ольденбурга всегда сохраняют игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы перевернуть ожидания зрителя.

В реестре Ferus Gallery Эд Руша был одним из ключевых художников поп-музыки Лос-Анджелеса, который работал в различных средствах массовой информации, большинство из которых обычно печатались или рисовались. Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих ранних картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на массовую культуру была картина «Большая торговая марка с восемью прожекторами » (1962), где он использовал логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и четкой палитрой мультфильма, перекликаясь с аналогичными рекламными щитами. Его последующие картины слов еще больше стирали границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подрывая границы между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы на холстах.