5 способов сделать рисунок из фото на Android телефоне

Процесс рисования на телефоне довольно утомителен, гораздо проще превращать в рисунки уже готовые фотографии. Для этих целей можно найти немало приложений в магазине Google Play. Но какое из них выбрать? Мы хотим помочь вам разобраться в этом вопросе и предлагаем обзор лучших инструментов, предназначенных для преобразования фото в рисунок с помощью различных встроенных фильтров.

Deep Art Effects

Работать с Deep Art Effects невероятно просто. Все, что нужно сделать, это загрузить любое изображение и запустить процесс конвертации. Через несколько секунд вы получите красивый и яркий рисунок. Для редактирования фотографий используется искусственный интеллект, поэтому можно быть уверенным в точности и тщательности прорисовки эскиза. В приложение встроено более десяти фильтров для обработки. Есть кнопки популярных социальных сетей, с помощью которых вы сможете делиться полученным результатами с друзьями.

Deep Art Effects позволяет конвертировать фото в настоящие произведения искусства в стилях Ван Гога, Моне, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Пикассо, Рафаэля, Рембрандта, Дали и некоторых других, поскольку набор фильтров здесь достаточно широк.

Нужно отметить, что изображения, проходящие конвертацию, не передаются третьим лицам, поэтому вы можете быть уверены в вашей конфиденциальности. В бесплатной версии, рисунки создаются в разрешение HD, а версия Pro дает возможность получать картинки с разрешением Full HD. В бесплатной версии, разумеется, есть реклама.

PaintLab

Приложение PaintLab признано лучшим в нескольких странах, что свидетельствует о его превосходных характеристиках.  Оно было загружено более 10 миллионов раз, что говорит о его невероятной популярности. Инструмент прост и приятен в использовании, вам не понадобится много времени, чтобы научиться с ним работать. Вы сможете сделать рисунки в стиле поп-арт, карикатуры, живописи и в другие художественные формы.

Здесь имеется несколько тематических фильтров, для создания поздравительных открыток к различным праздникам. Некоторые из присутствующих здесь функций, аналогичны тем, что используются в Prisma, еще одним широко популярным приложением для редактирования фотографий.

Учитывая количество имеющихся здесь возможностей, смеем предположить, что вам вряд ли придется скучать в ближайшее время. Вы можете использовать встроенную функцию селфи, чтобы увидеть, как будет выглядеть ваша фотография после преобразования.

Приложение бесплатно для загрузки, хотя в нем есть реклама. Приобретение лицензии поможет избавиться от всплывающих объявлений и получить доступ к нескольким дополнительным опциям.

Artista Cartoon

Artista Cartoon — это классическое приложение для конвертации изображений с некоторыми интересными дополнениями. Однако, в отличие от других подобных инструментов, Artista Cartoon обладает своеобразным художественным подходом. Разработчики позаботились о том, чтобы дать пользователям ощущение реальности создаваемой графики или живописи. Фильтры имитируют работы известных художников, что заставляет считать это приложение в своем роде уникальным.

Разумеется, вы сможете поделиться результатами с друзьями при помощи встроенных кнопок социальных сетей. У этого приложения есть один существенный недостаток – слишком много всплывающей рекламы. К сожалению, с этим ничего нельзя поделать, так как здесь не предусмотрены платные функции.

Pencil Sketch

Pencil Sketch — рисунок карандашом, так переводится название этого приложения, что полностью отражает его возможности. Здесь присутствует и целый ряд дополнительных функций, позволяющих редактировать фотографии, удалять дефекты, наносить надписи, улучшать внешний вид изображений. Основное его предназначение – конвертация фото в карандашный эскиз.

Поскольку большинство произведений искусства являются спонтанными импровизациями, создаваемые с помощью этого инструмента рисунки можно смело выдавать за наброски, принадлежащие кисти какого-нибудь художника. В целом, это очень интересное и забавное приложение, и мы настоятельно рекомендуем вам с ним познакомиться.

MomentCam Cartoons

MomentCam Cartoons придется по вкусу активным пользователям социальных сетей. С его помощью можно создавать карикатуры из фотографий, а затем устанавливать в качестве аватарок на своих страницах. Кроме того, вы сможете делать анимированные смайлики и делиться ими с друзьями. Коллекции фонов и фильтров пополняются ежедневно, что дает огромный простор для полета фантазии.

MomentCam был загружен более 50 миллионов раз в Play Store, что доказывает его высокую востребованность. Об этом же свидетельствует огромное количество положительных отзывов. Скачивание бесплатно, но, как и в любом другом подобном приложении, здесь есть реклама.

Художница Алина Глазун — о дадаизме, Dries Van Noten и котиках

Алина Глазун — 33-летняя московская художница и искусствовед, которая работает со словами и предметами. Ее запоминающиеся инсталляции с буквами для игры «Эрудит» вы наверняка видели на арт-ярмарках, в музеях и на просторах инстаграма. Сейчас в ММОМА идет выставка «Летняя коллекция», где транспарантам Алины отведен целый зал. На этой неделе ее работы едут в Берлин, а на предстоящей ярмарке Cosmoscow Глазун представит арт-объекты и свой первый фарфоровый сервиз. Vogue встретился с Алиной накануне осеннего сезона и обсудил с ней дадаизм, моду и искусство прошлого.

Алина Глазун для Vogue

© Александр Гронский

Алина, ты художник, искусствовед, кошатница и еще «королева треша»…

Последнее — это звание, которым меня наградил художник и мой приятель Дмитрий Гутов. Я сначала не понимала почему, но потом смирилась, — видимо, его вдохновили мои яркие наряды и несовместимые фактуры. К тому же я часто работаю с найденными предметами, которые кто-то может считать ненужными.

Твоя визитная карточка — инсталляции из букв для игры «Эрудит», необычных фактур и объектов. Расскажи про свой творческий метод.

Многие думают, что в моих работах заключен какой-то месседж. Но для меня текст — это некий орнамент, в котором меня волнует сочетание цвета с ритмом букв, а смысловая нагрузка вторична. Мне важно, чтобы слово было приятно читать, произносить. Я пытаюсь опустошить слово от привычных коннотаций, предлагаю зрителю посмотреть на него более чисто. Когда в пустую коробку наклеиваешь фразу, кажется, что это концептуализм. А если добавляешь туда котика с висящими ушками и тупым лицом — пафос снижается. Это дадаистическая практика, она мне близка, но с фокусом на благородство и визуальность вещей и цветов.

Обычно ты работаешь с малыми формами, но в ММОМА сейчас висят огромные плакаты.

Это часть моей серии из десяти транспарантов, которую мы делали с питерской галереей «Миф» для «Пассажа» в 2019 году. Все, что написано на транспаранте, кажется манифестом. На моих транспарантах изображены довольно бессмысленные вещи: допустим, тигр, вопрошающий: «Ррр-рр-ррр?». Это концентрация моей работы с текстом. Ономатопея — звукоподражание животному, это несуществующее слово, но благодаря вопросительному знаку в конце оно вовлекает тебя в диалог, являясь по сути точкой ноль. Это то, к чему я стремлюсь, полное смысловое разрушение, коммуникация ради коммуникации. Этот метод позволяет открывать внутри себя и внутри зрителя пространства смыслов, куда очень многое можно проецировать.

 Экспозиция Алины Глазун в рамках выставки «Летняя коллекция» в ММОМА на Петровке

То есть реакция зрителя дает тебе почву для дальнейшей работы?

После работы в жанре паблик-арт я поняла, что самые простые фразы, которые я использую, люди воспринимают по-разному. Например, фразу «Все немного разные», которая висела на фасаде Музея Москвы, практически ни одно издание не смогло правильно подписать. На фото был мой текст, а в подписи различные его вариации: «Все немного разные», «Мы такие разные», «Все такие разные» и так далее. Проекция наших знаний настолько превышает то, что мы реально видим. А как же мы вступаем в диалог? Получается, заведомо друг друга не понимая. Был еще один уличный проект — автобусная остановка с надписью «Все разминулись», и там тоже, конечно, началась народная интерпретация: «Мы разминулись», «Они потерялись». Меня это очень захватило, и я даже посвятила этому феномену свою персональную выставку в галерее «Миф» в этом году. Ключевыми на выставке были вопросы: «Что мы видим?», «Что тут написано?» и фраза «Смотри». А заканчивалось все на скульптуре курочки, купленной на блошином рынке, к которой случайно подошел металлический нимб от иконы. Позади нее я написала «ко-ко-ко». Для меня это кульминация, конец языка, конец смысла, чистота.

Проект Алины Глазун в рамках Международной биеннале молодого искусства, 2020

Какое искусство ты любишь?

Ощущение, как будто вот-вот подступят слезы радости, как когда смотрю на сочетание розового, зеленого, серого мрамора в какой-нибудь итальянской церкви. Из искусства я больше всего люблю Раннее Возрождение, Северное Возрождение, Средневековье. Когда путешествую по Европе, могу проигнорировать музеи современного искусства, но ищу все Возрождение и Средневековье, которое есть в городе. На выставку Дюрера в венском музее Альбертина я на полном серьезе приходила, когда она открывалась, и уходила перед закрытием. Часами рассматривала его работы, это захватывающее чувство, когда интеллект из головы перемещается, и ты начинаешь воспринимать мир через сердце.

Ты искусствовед и при этом художник. Как ты выбрала профессию?

Я училась в МГУ на факультете искусств, там параллельно осваивала академический рисунок и историю искусства. Это произошло практически случайно. Я никогда не ходила в художественную школу и даже в музеи, мой папа — летчик, мама — домохозяйка. Я поступила с портфолио, которое подготовила за три месяца, а другие абитуриенты шли к этому почти всю жизнь. Что разглядела в моих работах приемная комиссия? У меня интуитивно включилось правильное 3D-мышление. Мои рисунки не изображали натюрморт с точностью, но с аналитической точки зрения все объемы были переданы достоверно. Естественно, работы других поступающих были более эстетичны и «правильны». Но в процессе учебы нам давали настолько фрустрирующие задания, что мы все сравнялись. Оказалось, нарисовать смятую салфетку гораздо сложнее, чем статичный натюрморт, в ней же заложено движение. Я часами корпела в мастерской, сутками напролет читала, дышала пыльным клещом в Библиотеке искусств на Большой Дмитровке. И мне казалось, что я нашла свое призвание — живопись. А через два года наступил полный кризис. Мне начало казаться, что я неконкурентоспособна, что такой великой, как Моранди, я не стану никогда.

Зал персональной выставки «Много ли зим» в галерее «Миф», 2021

Это тот момент, когда искусствоведческое образование мешает быть художником. Как ты преодолела его?

Искусство нельзя выстроить в последовательную иерархию, нет смысла выделять великое и сиюминутное. Иначе как и зачем быть художником, ведь есть великие мастера. Я просто расслабилась и пришла к ощущению, что искусство — это огромное пространство того, что может резонировать с нашим разумом, сердцем, мышлением. То великое искусство сейчас не нужно. Мы же не ездим в карете, не носим фрак с цилиндром. Мы продолжаем всем этим восхищаться, но изменились условия жизни, сформировался другой запрос. Искусство прошлого не обесценилось и не приобрело статус мифологемы, святыни. Все существует в пространстве. Я склеиваю между собой бархат и котика, а Микеланджело ваял скульптуру. Для меня это явления одного порядка. Это как благотворительность — кто-то занимается спасением кошек, а кто-то лошадьми. Лошади большие, кошки маленькие, но в целом это существует в одном поле помощи.

Раз уж мы неминуемо пришли от искусства к кошкам, давай поговорим о них. У твоих котов есть свой инстаграм, они часто фигурируют в твоих работах.

Старший кот Улисс у меня случайным образом появился, когда мне было 25 лет, кошка родила его перед дверью в квартиру родителей в мой день рождения. Я взяла его к себе, нашла дом его сестрам, брату и маме, прониклась эмпатией и стала штучно помогать брошенным котам, которых находила на улице. Потом появились единомышленники, и мы придумали проект Moscow Breed, «Московская порода», то есть все дворняжки Москвы. Мы спасаем, лечим и пристраиваем. Спасибо моим коллегам, которые сейчас занимаются этим более плотно, чем я. Второго кота я взяла по объявлению на «Авито» в качестве друга своему Улиссу. Выбрала жалкого больного котенка, но максимально похожего внешне на Улисса, назвала его Федр. Любовь к кошкам и к искусству долго жила во мне как что-то несовместимое, я даже стеснялась, что занимаюсь кошками. А потом на карантине расслабилась и поняла, что мои коты — это такая же неотъемлемая часть жизни, как и мое искусство, и почему бы не сделать их персонажами. Интересно, что мои инсталляции с котами часто покупаются в подарок друзьям на свадьбу или близкому человеку.

Алина Глазун для Vogue

© Александр Гронский

Инстаграм — важный медиум для тебя?

У меня страница в инстаграме появилась года четыре назад, я им сначала пренебрегала, а зря. Использую его как базу своих работ, одновременно отправляя их в зону общественного пользования. Мне очень нравится, когда люди фотографируются рядом с работами, особенно с большими. В Петербурге есть культурная площадка «Третье место», там стояла моя арка с надписью «Страшновато», я заходила на этот геотег и смотрела фото людей. Так интересно было читать, что они пишут, как соединяют со своими смыслами.

В инстаграме регулярно поступают запросы на продажу, но я всех отправляю в галерею. Самая классная коллаборация в моей жизни — работа для Apple Music — тоже случилась через социальную сеть. В карантин Apple сделали разные плейлисты и пригласили художников со всего мира придумать обложки. Мне достался альбом «Хайп-ракета» с русской попсой. В директ мне написала девушка из Apple с ТЗ сделать максимально яркую, пластиковую, из дешевых материалов работу. Она до сих пор стоит у меня дома, и за несколько тысяч долларов они просто купили ее фотографию.

Месяц назад я сделала еще один аккаунт @past_season_fashion, в который выкладываю фотографии себя. Наряжаться для меня то же самое, что склеивать между собой предметы для инсталляций. Мне долго казалось, что я делаю что-то постыдное: наряжаюсь, фотографируюсь и выкладываю. Зато моя любовь к одинаковым сумкам и блестящим туфлям раскрыта. Я очень люблю визуально-тактильный материальный мир и перестала этого стесняться.

У тебя очень яркие образы, в них часто мелькают и Chanel, и Moschino, и Balenciaga.

Недавно мне кто-то сказал: «Вау, твоя работа выглядит как Dries Van Noten», это мне гораздо приятнее слышать, чем «Это вроде Джозефа Кошута» (Джозеф Кошут — 76-летний американский художник, пионер концептуального искусства, который работает с объектами и словами. — Прим. Vogue). Я всегда любила одежду, относилась к ней как к предметам, с которыми я работаю: выделяя сочетание фактур и цветов. Тренды я не могу на себя проецировать, но могу очароваться конкретной вещью и купить туфли Miu Miu со стразами в семи разных цветах, просто потому что это моя вещь, и я буду носить ее 20 лет. Если бы я обладала большими финансовыми возможностями, покупала бы Dolce & Gabbana. Та визуальная избыточность, которую они используют, мне очень близка. Мне нравится девчачий стиль, который создает Миучча Прада для Miu Miu, но меня всегда останавливают логотипы. Исключение — красная и голубая сумки с двумя котятами Balenciaga. Мне показалось, она выглядит как моя работа: что-то нарисовано, что-то написано, связи никакой, еще и котята.

 Экспозиция Алины Глазун в рамках выставки «Летняя коллекция» в ММОМА на Петровке

Цены на твои работы довольно демократичные. Это сознательная стратегия?

Да, мы с галереей «Миф» держим относительно низкие цены. Мне нравится ликвидность, потому что за эти деньги работы покупаются, причем не только коллекционерами, а просто людьми, которые хотят жить с этими вещами.

А из коллекционеров кто покупает твои работы?

Коллекционер Антон Козлов системно меня собирает наряду с другими художниками с 1950-х годов до наших дней. Довольно много работ у коллекционера и мецената Владимира Сорокина. А петербургский коллекционер и инвестор DuoBand Сергей Лимонов покупает и маленькие объекты, и настенные работы, например, он всех опередил и приобрел обе инсталляции с котами «Боже», на которые до сих пор поступают запросы в галерею. У него же есть моя работа «Мальчик поцарапал пальчик» — аллюзия на «Пьету» одного из моих любимых художников XV века Козимо Туры. Сердце замирает, когда ее разглядываешь: Дева Мария спокойно смотрит на стигмат на руке мертвого Христа, как будто на пустяковую ссадину, маленькую царапинку на руке ребенка, в духе «сейчас подую — и все пройдет».

Алина Глазун. Без названия. 2019

Козимо Тура. Пьета (фрагмент). 1640

Фото для Vogue сделал фотограф Александр Гронский на фоне твоих работ. Расскажи о них.

Александру пришлось освоить фотосъемку животных для моих проектов (Гронский специализируется на съемке пейзажей и выиграл ряд престижных премий в этой области. — Прим. Vogue). В том числе и для этих, самых свежих работ, которые едут в Берлин в галерею Haus am Lützowplatz на выставку Ceremony: Russian Seasons, The Wedding. В ней будут участвовать и другие российские художницы: Ольга Чернышева, Устина Яковлева, Аполлинария Брошь. Текст на работе («Это нормально») решено было оставить на русском, наверное, иностранцы будут воспринимать это без месседжа, как мы воспринимаем арабскую вязь, — как орнамент. Я иногда работаю с английскими и немецкими текстами, но мне это не так интересно, потому что инструментов меньше, не чувствую эти языки. Хотя однажды я, кажется, сформулировала свой арт-стейтмент в работе на английском — Less than God, more than text. Это про то, что мои работы со словами предлагают зрителю поле для трансгрессии привычных смыслов.

Ты участвуешь в ярмарке Cosmoscow уже третий год. Что мы увидим на этот раз?

На Cosmoscow третий год подряд меня показывает агентство Art Ru. Они сфокусированы на середине века, шестидесятниках с другими ценами, но у них есть несколько современных авторов, и мои работы успешно там продаются. В этом году буду соседствовать на стенде вместе с психоделичным поп-артом Сергея Шутова и гипнотическими видео Платона Инфанте. В этом обрамлении будет висеть мой диптих «Козлик и зайчик». Это продолжение серии работ, в которых главные герои — мои коты Улисс и Федр, тут минимальная связь между текстом и изображением. Еще будет бархатная работа со светящимися буквами «домашний» — вариант моей большой инсталляции, которая будет показана в сентябре в Тюмени в рамках Уральской биеннале. На ней — фото звездного неба NASA, надпись «Россия» и опять же мои коты с выражениями мордашек как у ангела из растиражированного описания философа Вальтера Беньямина: «Глаза его широко раскрыты, рот округлен, а крылья расправлены. Так должен выглядеть ангел истории. Его лик обращен к прошлому. Там, где для нас — цепочка предстоящих событий, там он видит сплошную катастрофу, непрестанно громоздящую руины над руинами и сваливающую все это к его ногам». А на стенде ArtTube Editions будет представлен мой первый фарфоровый сервиз на две персоны, изданный тиражом 25 экземпляров.

Сервиз Алины Глазун для ArtTube, 2021

Выставка «Летняя коллекция» проходит в ММОМА (Петровка, 17) до 26 сентября.

Кто такая Плачущая девушка Роя Лихтенштейна? — Public Delivery

Введение

Плачущая девушка — это картина Роя Лихтенштейна, которая была создана сначала в 1963 году в виде офсетной литографии на легкой, не совсем белой тканой бумаге, а вторая версия — в 1964 году в виде фарфоровой эмали на стали. На картине площадью 46 квадратных дюймов изображена девушка со слезами на глазах.

Картина представляет женскую идентичность в эпоху 1950-х и 1960-х годов, когда женщины боролись за равные права, а женская идентичность идеализировалась и очаровывала девушек, испытывающих давление, чтобы они вели себя определенным образом или выглядели определенным образом. Они также оказались в тесных и ограничивающих отношениях.

Таким образом, Лихтенштейн исследует аспекты этой женской идентичности и показывает эмоции, которые сказывались на женщинах той эпохи из-за отсутствия равенства и ощущения себя в ловушке.

Анализ

Плачущая девушка выглядит подчеркнутой, о чем свидетельствуют ее слезы, печальный взгляд и смиренная позиция, демонстрируя тему того, что она оказалась в ловушке женской идентичности, отнесенной к второстепенным ролям и смотрящей на нее в обществе.

Картина также является ярким моментом борьбы за очарование американской девушки 1960-х годов. Несмотря на то, что у нее красивая внешность, за этой внешностью скрываются жалкие эмоции, которые являются признаком ее борьбы в обществе, где доминировали мужчины, в то время, когда девушки требовали совершенства.Напряженный взгляд и слезы являются выходом из этой борьбы и страданий.

Описание обоих произведений

Плачущая девушка , как и другие картины Лихтенштейна, использует яркие резкие цвета и эмоции. При этом у девушки ярко-желтые волосы, губы и ногти окрашены в ярко-красный цвет. С другой стороны, она испытывает непреодолимые эмоции, о чем свидетельствуют слезы, стекающие с ее нижнего века. Это изображение удачно передает захваченное чувство, которое большинство женщин в то время чувствовали, борясь за равенство.

В то время как первая версия была написана вручную на холсте, вторая была эмалью на стали с жесткими черными контурами и точками изгиба самого изображения, демонстрируя более механическое происхождение, подчеркивая очаровательную идеальную американскую девушку даже в ее печали.

Вдохновение

Создавая это впечатляющее произведение искусства, Лихтенштейн был вдохновлен комиксом Secret Hearts N.88, 1963, который раскрыл отношения людей этого возраста в 1950-х годах. Поэтому он хотел изобразить борьбу за женскую идентичность и за совершенство.

Местонахождение оригинальной работы

Плачущая девушка был создан как приглашение на выставку Лихтенштейна в галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке. Одна из этих работ из пяти экземпляров была куплена в 1965 году и является частью постоянной коллекции Художественного музея Милуоки в Милуоки, штат Висконсин. В настоящее время он находится на просмотре (апрель 2019 г.). Принты для продажи доступны на вторичном рынке искусства.

Видео: Рой Лихтенштейн — Схема художника

9 мин 3 сек

В фильме показаны архивные кадры Лихтенштейна дома и на работе в его студии, а также интервью с его женой Дороти и другом Фредериком Тутеном для создания интимный портрет художника.

О художнике

Рой Лихтенштейн был художником в стиле поп-арт, родился в 1923 году в Нью-Йорке и умер в 1997 году. Хотя его работы были основаны на вымышленных персонажах, их послание было глубоким и звучным. Такие работы, как Whaam , выпущенные в 1963 году, выявили напряженность, существовавшую в послевоенный период холодной войны.

Для этой работы он использовал изображение из серии комиксов DC 1950 года. Динамизм композиции и использованных изображений позволил аудитории легко расшифровать смыслы его работ.Лихтенштейн заимствовал свой стиль из комиксов, изображающих обычную тривиализацию культуры в американской жизни, и использовал методы полиграфической промышленности, яркие цвета и эмоции в своих впечатляющих произведениях искусства.

Рой Лихтенштейн | MoMA

Ключевая фигура в движении поп-арта и за его пределами, Рой Лихтенштейн основал свою изобретательскую карьеру на подражании, начав с заимствования изображений из комиксов и рекламы в начале 1960-х годов, и в конечном итоге охватив изображения предметов повседневного обихода, художественных стилей и т. Д. сама история искусства.Ссылаясь на уравнивающее отношение Лихтенштейна к темам, которые он выбрал для своего искусства, Ричард Гамильтон, такой же поп-художник, писал в 1968 году: «Парфенон, Пикассо или полинезийская девушка сводятся к одному и тому же клише синтаксисом гравюры: воспроизводить Лихтенштейн — все равно что бросить рыбу обратно в воду ».

Лихтенштейн позже вспоминал, что 1961 год, когда он закончил Девушка с мячом , ознаменовал прорыв как в его собственном абстрактном стиле, так и в «преобладающем вкусе» в мире искусства.«Хотя почти все казалось подходящим предметом для искусства, — вспоминал он, — коммерческое искусство и особенно карикатуры не рассматривались как одна из этих возможностей». Рисунок из Девушка с мячом был взят из печатной рекламы Mount Airy Lodge в горах Поконо в Пенсильвании, а другую картину, Drowning Girl , он создал на обложке комиксов. На этих двух картинах и на протяжении всей своей другой работы Лихтенштейн вручную копировал исходное изображение, корректируя его композицию в соответствии со своим повествованием или формальными целями, а затем выводил этот измененный эскиз на холст с помощью проектора.

В этом строго ручном процессе он использовал перфорированные шаблоны для воспроизведения и часто преувеличения точечного рисунка, обычно используемого при печати изображений. Этот узор, известный как точки Бена-Дэя, стал визитной карточкой его стиля, который включил механическое воспроизведение в мир изобразительного искусства. Его преобразования исходного изображения обычно включали уменьшение цветовой палитры до насыщенных основных цветов, устранение случайных деталей, усиление контрастов и «подчеркивание графических клише и графических кодов коммерчески печатаемых изображений.«В Drowning Girl , например, Лихтенштейн вырезал большую часть исходной сцены и изменил утверждение в текстовом пузыре, усилив это изображение девушки в беде.

Вскоре Лихтенштейн переключил свое внимание с клише коммерческой печатной культуры на эстетические клише высокого искусства. С помощью смелого графического моделирования мазков кисти в таких печатных изданиях, как Brushstroke и Brushstroke , он, например, пародировал создание автографических знаков абстрактного экспрессионизма.Тем не менее, там, где Джексон Поллок наполнял свои мотки краски бравурной энергией и силой, Лихтенштейн превратил это устройство в нечто клише, коммерческое и воспроизводимое. «Видимые мазки на картине передают ощущение грандиозного жеста; но в моих руках мазок становится изображением великого жеста », — сказал он позже.

История искусства оказалась неизменно богатым полем для преобразований Лихтенштейна. Одновременно с его серией «Мазки» были исследования пейзажного жанра, а в 1969 году — два залпа на Клода Моне.Моне также работал серийно, посвятив несколько полотен непрерывному изучению меняющегося солнца, движущегося по фасаду Руанского собора или стога сена в поле. В своих сериях «Собор» и «Стог сена» Лихтенштейн воспроизвел эти мотивы в своих фирменных точках Бен-Дей, сделав импрессионизм, по его словам, «индустриальным». В Artist’s Studio «The Dance» , Dance (II) Анри Матисса заполняет заднюю часть студии, наполненную дополнительными отсылками к художнику, от лимонов (излюбленный мотив) до побеленных коряги (перекликающихся с жилками танцоров). тел) к музыкальным нотам, текущим в открытом окне.В другие картины из этой серии Лихтенштейн включил репродукции своих работ, положив начало длительной практике самоцитирования.

В 1992 году Лихтенштейн расширил свою репрезентативную систему на холст размером с комнату, Interior with Mobile . Окрашенный почти исключительно основными цветами, обведенными сплошным черным контуром, с пространством, описанным в плоскостях немодулированного цвета, полос и точек Бен-Дея, он был неизменно плоским, но достаточно большим, чтобы войти в него — искусственное пространство, которое из-за своего размера притворялось быть реальным.На протяжении всей своей карьеры Лихтенштейн смешивал такие противопоставления — между реальностью и искусственностью, высоким искусством и массовой культурой, абстракцией и фигурацией, а также ручным и механическим — чтобы выявить их взаимозависимость.

Введение Натали Дюпешер, независимого исследователя, 2018

Рой Лихтенштейн. Тонущая девушка. 1963

Рой Лихтенштейн основал свою изобретательскую карьеру на подражании, начав с заимствования изображений из рекламы и комиксов в начале 1960-х годов.Источником его картины « Тонущая девушка » является «Беги за любовью!» — мелодраматическая главная история комикса DC Comics № 83 1962 года по комиксам DC Comics. фон, цепляясь за перевернутую лодку. Лихтенштейн резко кадрировал изображение, убрав лодку и парня, чтобы девушка выглядела одна и была сосредоточена, ее голова кружилась в водовороте. Он также сократил первую строчку диалогового окна, которая изначально гласила: «Мне все равно, если у меня судорога!», До более двусмысленной «Мне все равно!» Во второй строке он изменил имя парня с «Мал» на «Брэд».Объясняя привлекательность комиксов, Лихтенштейн сказал: «Я был очень взволнован и заинтересован в очень эмоциональном содержании, но отстраненном, безличном обращении с любовью, ненавистью, войной и т. Д. В этих мультипликационных изображениях».

Чтобы его картина выглядела механически созданной, Лихтенштейн тщательно имитировал внешний вид коммерчески напечатанных изображений. Работая вручную, он сначала скопировал исходное изображение, изменяя его композицию по своему усмотрению. Затем он спроецировал и нарисовал свой набросок на холсте, обрисовав его фигуры и формы черным цветом и заполнив изображения основными цветами или узорами из повторяющихся точек, которые копировали точки Бен-Дея, обычно используемые в процессах массовой печати.

1. Драма, такая как пьеса, фильм или телепрограмма, характеризующаяся преувеличенными эмоциями, стереотипными персонажами и межличностными конфликтами; 2. Поведение или события, имеющие мелодраматические характеристики.

Рендеринг основных элементов композиции, часто выполняемый слабо детализированным или быстрым способом. Эскизы могут быть как готовыми произведениями искусства, так и этюдами для другой композиции.

Изображение человека или вещи в произведении искусства.

Произведение искусства, сделанное с помощью краски, нанесенной на холст, дерево, бумагу или другую основу (существительное).

Изображение человека или животного в произведении искусства.

Предмет или значение произведения искусства, особенно в отличие от его формы.

Плотно сплетенная прочная ткань из конопли, хлопка, льна или аналогичного волокна, часто натягиваемая на раму и используемая в качестве поверхности для рисования.

Один из трех основных цветов (синий, красный или желтый), которые можно комбинировать для получения целого ряда цветов.

Серия событий, объектов или композиционных элементов, повторяющихся предсказуемым образом.

Форма или структура объекта.

В фотографии редактирование, обычно путем удаления внешних краев изображения. Этот процесс может происходить в фотолаборатории или на компьютере.

Расположение отдельных элементов в произведении искусства таким образом, чтобы образовать единое целое; также используется для обозначения произведения искусства, музыки или литературы, его структуры или организации.

Цветные точки (обычно четырех цветов: голубой, пурпурный, желтый и черный), используемые для создания затенения и вторичных цветов при механическом воспроизведении изображений.

Область произведения искусства, наиболее удаленная от зрителя; также область, на которой размещается фигура или сцена.

Как художественная стратегия, преднамеренное заимствование, копирование и изменение ранее существовавших образов, объектов и идей.

Лихтенштейн — великий современный художник или подражатель?

Когда в начале 60-х годов на сцене вспыхнул поп-арт, многие люди сочли работы Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна и их современников бесполезной чепухой. «Художественные галереи захвачены презренным и презрительным стилем жевателей резинки, бобби-соксеров и, что еще хуже, хулиганов», — написал арт-критик Макс Козлофф после посещения дебютной персональной выставки поп-картин Лихтенштейна в галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке. Йорк в 1962 году.Семь лет спустя тот же критик все еще вспоминал «кислотный шок», когда впервые увидел работу Лихтенштейна.

Лихтенштейн был флегматиком. «Новые вещи всегда кажутся намного более поразительными, чем они кажутся 20 лет спустя или когда они вошли в историю искусства», — сказал он. Но более чем через полвека после его прорыва его способность вызывать споры не исчезла полностью. Ранее в этом месяце самая масштабная ретроспектива Лихтенштейна за два десятилетия открылась в Центре Помпиду в Париже, в заключительном этапе глобального турне, которое уже посетило Чикаго, Вашингтон и Лондон.И до сих пор есть люди, которые считают, что Лихтенштейн — так называемый архитектор поп-арта, прославившийся своим характерным мультяшным стилем — был подражателем, а не художником.

Один из них — откровенный британский художник комиксов Дэйв Гиббонс, наиболее известный по графическому роману «Сторожи». «Я не уверен, что это искусство», — сказал он мне в начале этого года, стоя перед известным диптихом 1963 года «Whaam!», Который Лихтенштейн адаптировал из комикса «Все американские военные», опубликованного в прошлом году.На огромной картине Лихтенштейна, которая имитирует репродуктивные техники дешевой коммерческой печати (палитра основных цветов, плоский фон, тяжелые черные контуры, поля крошечных точек для имитации тона и тени), безликий летчик-истребитель выпускает ракету, которая пронзает небо слева направо, прежде чем взорвать вражеский самолет впечатляющим огненным шаром красного и желтого цветов. Теперь в коллекции Тейт, Whaam! — один из звездных экспонатов гастрольной ретроспективы.

«В нашем бизнесе есть термин, называемый смахиванием», — продолжает Гиббонс.«Когда вы зацикливаетесь на идее, вы пролистываете свои комиксы и отслеживаете, что сделал кто-то другой. Многие вещи Лихтенштейна настолько близки к оригиналу, что на самом деле в огромном долгу перед оригинальным художником. Но в музыке, например, вы не можете просто насвистывать чью-то мелодию, как бы плохо она ни была, без зачисления или получения оплаты оригинальному исполнителю «.

В случае с Whaam !, этим оригинальным художником был американский иллюстратор комиксов Ирв Новик. Как ни странно, Новик был офицером армейского учебного лагеря, где Лихтенштейн тренировался во время Второй мировой войны.Увидев талант Лихтенштейна как рисовальщика, Новик отвел его от работы по уборке уборных и попросил вместо этого разработать вывески и плакаты. Гиббонс не согласился бы со мной, но два десятилетия спустя Лихтенштейн вернул мне услугу, увековечив одно из панно Новика как шедевр современного искусства.

Сравнение исходников для Whaam! с готовой картиной изгоняет седую идею о том, что Лихтенштейн нажился за счет творчества других. Лихтенштейн изменил произведения Новика множеством тонких, но решающих способов.В целом он хотел упростить и унифицировать изображение, придать ему большую ясность как связное произведение искусства. По этой причине он убрал два дополнительных истребителя справа от оригинальной панели. Он также избавился от комка темной тени, изображающего склон горы, которая была уродливой композиционной ошибкой слева от картины Новика. В результате две панели Whaam! чувствовать себя гораздо более сбалансированным, создавая удовлетворительный и хорошо структурированный визуальный эффект.

В то время как взрыв Новика представляет собой жалкую, царапающую мелочь, выскользнувшую из кадра, самодостаточный огненный шар Лихтенштейна разворачивается, как распустившийся цветок.Лихтенштейн изменил цвет букв, означающих «ВАААМ!» от красного к желтому, чтобы желтый стал еще одним средством соединения всего вместе. В результате через звукоподражательный звуковой эффект взгляд переводится от желтого речевого пузыря над струей к самому взрыву и обратно к горизонтальному паровому следу, оставленному ракетой.

Тогда, конечно, есть вопрос о масштабе. Лихтенштейн взял что-то крошечное и эфемерное — одноразовую панель с комиксами, которую большинство людей не заметит — и взорвал ее, так что это была значительная масляная (и акриловая) картина размером более 2 м (6.5 футов в ширину и 1,7 м в высоту. Он говорил, что это современный эквивалент великой «исторической живописи», когда-то считавшейся высшей и сложной отраслью искусства. Спустя годы после его казни люди начали понимать Whaam! как пророческая критика участия Америки во Вьетнамской войне.

Современный манифест

Лихтенштейну даже удалось добиться дальнейшего резонанса из своего бесперспективного исходного материала, потому что Whaam! отчасти является манифестом нового стиля поп-арта.Холодная, отстраненная манера, в которой она написана, отвергает перегретую жестикулярную спонтанность мазков непосредственных предшественников Лихтенштейна в американском искусстве — абстрактных экспрессионистов. «Какими бы качествами ни обладало одно поколение, следующее будет скучно», — сказал он в 1965 году. «И поэтому вы ищете что-то другое».

Красный и желтый огненный шар справа от Whaam! также является пародией на абстрактную живопись некоторых современников Лихтенштейна, таких как Кеннет Ноланд и Моррис Луи.Согласно этому прочтению, выстрел из истребителя, проносящегося слева от картины, является насмешливым суррогатом для самого Лихтенштейна — героического «аса» нового поп-движения — победившего своих конкурентов в драматическом искусстве. мировой воздушный бой.

В 60-е годы не все смотрели на картину таким образом. «Подобные вещи — просто вздор», — сказал британский искусствовед Герберт Рид на собрании попечителей Тейт в 1966 году. В ярости, что Тейт рассматривала возможность покупки Whaam !, Рид и еще одного попечителя, скульптора Барбара Хепуорт — обе они когда-то был в авангарде современного искусства — пытался заблокировать его приобретение.В действительности они не увенчались успехом: согласно недавней статье, опубликованной в The Art Newspaper, Тейт купила Whaam! по сниженной цене в 3940 фунтов стерлингов (10 000 долларов США) в декабре 1966 года. Сегодня это будет стоить многие десятки миллионов фунтов стерлингов.

Мгновенное удовлетворение

«Меня по-прежнему удивляет, что люди 60-х считали — как некоторые до сих пор думают — что нет никакой разницы между исходным изображением Лихтенштейна и законченной картиной, — говорит мне историк искусства Ричард Морфет.Как помощник хранителя в галерее Тейт, его пригласили написать обоснование картины, чтобы убедить попечительский совет купить ее. «Возможно немедленное воздействие Whaam! заставляет некоторых зрителей приравнивать мгновенность к поверхностности, как будто в работе нет ничего больше, чем то, что можно увидеть с первого взгляда. Однако на самом деле сама его смелость является составной частью его сложности ».

Помнит ли Морфет, почему он так страстно относился к Whaam! в 60-х? «Образ Лихтенштейна поражал своим величием, составом и цветом», — отвечает он.«Казалось, что это одновременно касается исторической живописи, экстравагантности барокко и банального явления массовых комиксов».

Whaam! это тонкая и сложная картина. Как и в лучших произведениях искусства, в нем есть нюансы, которые невозможно уловить сразу. Пятьдесят лет назад, в том же году, когда Лихтенштейн нарисовал Whaam !, историк искусства по имени Эрле Лоран напал на него в статье, озаглавленной «Поп-артисты или подражатели?» Конечно, в 2013 году пора раз и навсегда перестать обвинять Лихтенштейна в плагиате.

Алистер Сук — художественный критик Daily Telegraph и автор книги «Рой Лихтенштейн: как современное искусство спас Дональд Дак».

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, перейдите на нашу страницу Facebook или напишите нам в Twitter.

Что такое поп-арт? Определение движения

Поп-арт, возможно, одно из самых влиятельных течений в современном искусстве, возник в 1950-х годах. В отличие от традиционной художественной практики, он опирался на образы из популярной культуры — комиксы, рекламу, упаковку продуктов и другие коммерческие средства массовой информации — для создания картин и скульптур, которые самым буквальным образом отражали обычную жизнь.

Ниже мы представляем введение в поп-арт, описываем его характеристики и то, как он возник, а также некоторых из его самых влиятельных практиков и их работы.

Что такое поп-арт?

Поп-арт зародился в Великобритании в 1950-х годах как реакция, как положительная, так и критическая, на потребительство того периода. Его цель состояла в том, чтобы поставить массовую культуру на один уровень с так называемой высокой культурой.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Считается, что положил начало этому нетрадиционному новому стилю.

произведений поп-арта отличает смелая образность, яркие цвета и, казалось бы, банальная тематика.Практики стремились бросить вызов статус-кво, порывая с предполагаемой элитарностью ранее господствовавшего абстрактного экспрессионизма и делая заявления о текущих событиях.

Другие ключевые характеристики поп-арта:

• Заимствование образов и техник из популярной и коммерческой культуры
• Использование различных медиа и форматов
• Повторение в образах и иконографии
• Включение обыденных объектов из рекламы, мультфильмов и других популярных медиа
• Жесткие грани
• Иронично и остроумно обработка темы

Влиятельные исполнители поп-арта

Хотя британские художники начали движение, вскоре их затмили американские коллеги.Поп-арт, пожалуй, наиболее тесно отождествляется с Энди Уорхолом, чье умное использование мотивов и образов помогло превратить художественный стиль в образ жизни. Большинство самых известных художников поп-музыки начинали в коммерческом искусстве, и этот опыт помог им в слиянии высокой и популярной культуры.

Рой Лихтенштейн — еще один выдающийся американский поп-исполнитель. Подобно Уорхолу, Лихтенштейн рисовал свои сюжеты из печатных СМИ, в частности из комиксов, создавая картины и скульптуры, характеризующиеся основными цветами, жирными контурами и полутоновыми точками, элементами, заимствованными из коммерческой печати.Реконтекстуализация неброского изображения путем импортирования его в контекст изобразительного искусства была торговой маркой его стиля.

Роберт Раушенберг, одинаково интересовавшийся массовой культурой и текущими событиями, работал в различных средствах массовой информации, создавая картины, коллажи и скульптуры. Однако он наиболее известен своими «комбинациями», собраниями найденных предметов, которые сочетают в себе как живопись, так и скульптуру, но не являются ни тем, ни другим.

Энди Уорхол родился и получил образование в Питтсбурге, переехал в Нью-Йорк в 1949 году, чтобы продолжить карьеру коммерческого иллюстратора.В начале 1960-х он начал создавать авангардные и коммерческие работы, изобилующие портретами знаменитостей, повторением изображений и рекламной иконографией — всеми ключевыми чертами стиля.

В том же 60-х годах Уорхол открыл Фабрику, место встречи коллег-художников, а также знаменитостей того времени, писателей и трансвеститов. Сегодня он считается одним из самых важных художников 20 века и продолжает оказывать влияние на современных авторов.

Клас Ольденбург наиболее известен своими гигантскими мягкими скульптурами, представляющими повседневные предметы повседневной жизни. Родившийся в Швеции, Ольденбург переехал со своей женой и соратником Кусье ван Брюггеном в Нью-Йорк в 1956 году. Там он был очарован граффити города, а также его символами коммерческой культуры, такими как витрины магазинов, реклама и быстрые объявления. еда.

Они предоставили модели для непочтительных работ, в том числе общественных скульптур размером с дом, с изображением чизбургеров, рожков для мороженого, швейцарских армейских ножей, птичек для бадминтона, пепельниц и других разнообразных вещей, которые можно найти в музеях по всему миру.

Кейт Харинг сделал себе имя в 1980-х годах своими графическими мультяшными фигурами, нарисованными жирными линиями на стенах станций метро Нью-Йорка. Его работы, похожие на граффити, часто касались серьезных проблем, таких как наркомания и СПИД. Во многом он черпал свою силу из контраста между серьезностью сюжета и радостным, ярким пиктографическим языком, на котором он изображен.

Другие художники оставили свой след в механизме, будь то свой фирменный стиль или конкретное произведение.Ниже приведены несколько имен, которые стоит знать:

Поп-арт приобрел известность в значительной степени благодаря работе горстки мужчин, создававших работы, которые были бесстрастными и отстраненными, другими словами, стереотипно мужскими. Тем не менее, было много известных женщин-поп-исполнителей, чей значительный вклад в движение признан сегодня.

• Розалин Дрекслер (р. 1926): Дрекслер, наиболее известная своей работой драматурга и писателя, также создавала картины и коллажи, воплощающие темы поп-арта и стилистические особенности.
• Марисоль Эскобар (1930–2016): Несмотря на сопротивление категоризации, Марисоль (как она предпочитала называться) смешала темы и характеристики поп-арта и народного искусства в своих фигуративных скульптурах.
• Эвелин Аксель (1935–72): бельгийская художница поп-музыки столкнулась с гендерными стереотипами в картинах, изображающих женский эротизм.
• Полин Боты (1938–66): основательница и единственная женщина-художник в британском поп-арт-движении, Боты создавала произведения, выражающие критику мужского доминирования, исследуя женственность и женскую сексуальность.

Влиятельные картины в стиле поп-арт

Многие работы помогли определить движение, каждая из которых воплощает характерные темы и стилистические особенности по-своему уникальным и ярким образом. Ниже представлены несколько примечательных картин влиятельных художников поп-музыки.

Одной из самых известных и знаменитых картин движения является картина Уорхола 1962 года Campbell’s Soup Cans , воспроизводящая изображения из печатной рекламы популярного бренда.

Журналистка Сара Маккоркодейл писала об этом в 2015 году: «Работа, казалось, говорила о духе новой Америки, которая полностью охватывала потребительскую культуру нового десятилетия. До конца года Campbell’s Soup Cans был настолько модным, что светские люди Манхэттена носили платья с принтом банок для супа на светских мероприятиях ».

Есть две версии картины Лихтенштейна Crying Girl : литография, созданная в 1963 году, и изделие, покрытое фарфоровой эмалью на стали, созданное в следующем году.Работа демонстрирует, как поп-арт исследовал и критиковал социальные нормы той эпохи, исследуя идеализированные женские образы, преобладавшие в 1950-х и 1960-х годах, даже когда женщины боролись за равные права. Он отображает многие подписи Лихтенштейна, такие как яркие цвета и изображение эмоций, показывая женщину с яркими светлыми волосами и красной помадой со слезами, образующимися в уголках ее глаз.

Самая большая и самая яркая из трех картин «Всплеск», созданных Хокни, эта работа 1967 года изображает бассейн в Калифорнии, поверхность которого нарушена большим всплеском.Частично основанный на фотографии, он также связан с переездом британского художника в Лос-Анджелес и его увлечением вездесущностью бассейнов. Это привело к появлению множества других изображений бассейнов, каждое из которых представляет собой уникальный взгляд на рекреационное приспособление.

Наследие поп-арта

Когда в 1950-х годах на сцене появился поп-арт, никто не мог предсказать, какое влияние он окажет не только на искусство, но и на музыку, моду, дизайн и культуру в целом. Новый стиль, включающий яркие изображения культурных ориентиров, распространился за пределы U.С. и Британия в Германию, Францию, Японию и даже Россию.

Нео-поп-исполнители, такие как Джефф Кунс и Такаши Мураками, еще больше стерли грань между искусством и поп-культурой. Мураками, в чьих работах сочетаются аниме и культура потребления, даже создал обложку для альбома Канье Уэста 2007 года « Graduation ».

Сегодня дизайнеры, маркетологи и модные дома черпают вдохновение из поп-арта в своих призывах к потребителям во всем мире. Между тем современные художники отдают дань уважения движению, равно как и такие музеи, как MoMA, которые регулярно проводят выставки, демонстрирующие его уникальный стиль.

Одна точка за раз, Лихтенштейн сделал арт-поп: NPR

Рой Лихтенштейн оставляет на усмотрение зрителей решать, что только что произошло на его картине 1964 года, изображающей напряженный телефонный звонок под названием Оххх … Хорошо .. . Поместье Роя Лихтенштейна скрыть подпись

Рой Лихтенштейн оставляет на усмотрение зрителей решать, что только что произошло на его картине 1964 года, изображающей напряженный телефонный звонок под названием Ohhh… Хорошо .. .

Whaam! Варум! Р-р-р-р-г! Полотна художника Роя Лихтенштейна выглядят так, будто сошли со страниц комиксов. Комиксы были большим источником вдохновения для этого поп-художника, который был богат и знаменит, когда умер в 1997 году в возрасте 73 лет. Но на крупной ретроспективе Лихтенштейна в Национальной галерее искусств Вашингтона вы можете увидеть, что художник нашел вдохновение не только в комиксах; Он также отдал дань уважения мастерам — Пикассо, Моне и другим.

Работы Лихтенштейна 1960-х годов были вдохновлены комиксами — это тревожные кадры, часто изображающие женщин, попавших в беду. На одном культовом изображении красивая, напряженная женщина с нахмуренной бровью сжимает телефон обеими руками и говорит: «Ох … Хорошо …». Вы только знаете, что она разговаривает с парнем.

«Что мне нравится в этом, так это то, как она держит телефон», — говорит куратор Национальной галереи Гарри Купер. «Она ласкает телефон, и я думаю, что в каком-то смысле она предпочла бы иметь отношения с трубкой, чем с тем, кто находится на другом конце линии.«

«Мне все равно! Я лучше утону, чем позову Брэда на помощь!» сетует на книгу Лихтенштейна 1963 Drowning Girl . Музей современного искусства, Нью-Йорк / Поместье Роя Лихтенштейна скрыть подпись

«Мне все равно! Я лучше утону — чем позову Брэда на помощь!» сетует на книгу Лихтенштейна 1963 Drowning Girl .

Кто знает, что он ей говорит и на что она неохотно соглашается. Лихтенштейн позволяет нам представить предысторию и то, что может произойти дальше. Купер говорит, что художник «очень внимательно искал эти комиксы, в которых была своего рода суть сюжета».

Интересно, что ему удалось вызвать такие сильные эмоции, используя такой холодный, механический процесс создания точек — он действительно рисовал цифровые пиксели до того, как появились пиксели.Лихтенштейн не рисовал каждую точку вручную. Вместо этого он использовал различные виды трафаретов с перфорированными точечными узорами. Он проводил краской по верхнему краю трафарета, и цвета переходили сквозь него в виде идеальных кругов. Поступая так, он превратил коммерческие изображения из комиксов, а рекламу в искусство.

В 1960-е молодые американские художники искали способы заявить о себе. Энди Уорхол сделал это с консервными банками. Рой Лихтенштейн сделал это с помощью точек. Он начал изобретать поп-арт, рамки для комиксов были его отправной точкой, но он не делал точных копий.

«Он всегда вносит эти изменения, — говорит Купер. «Он сделал это, потому что чувствовал, что эти вещи можно улучшить … они не совсем искусство, но он мог сделать их искусством».

Лихтенштейн сказал о своей серии Brushstrokes : «В ней есть встроенная абсурдность, и именно поэтому она мне нравится». Поместье Роя Лихтенштейна скрыть подпись

Лихтенштейн сказал о своей серии Brushstrokes : «В ней есть встроенная абсурдность, и именно поэтому она мне нравится.«

Изменив оттенок, расширив линию, расширив точки, Лихтенштейн изменил «крошечные вещи, которые помогли бы создать культовый образ», — говорит Купер. «Образ, который встанет, останется на стене, останется в наших воспоминаниях».

Лихтенштейна всегда можно отличить — его работы выражаются словарным запасом точек. И он заставляет вас смеяться. (Другая взволнованная женщина, на этот раз тонущая, думает: «Мне все равно! Я лучше утону, чем позову Брэда на помощь! » ) Фразы из сериала о романтике.

В другой серии, Brushstrokes , он обращается к этому основному элементу искусства. В 1993 году он рассказал WHYY’s Fresh Air , что рисовал мазок кисти idea . Дело не в том, чтобы заставить людей думать, что это настоящий мазок кисти. «Вы думаете, что это изображение мазка кисти», — сказал Лихтенштейн. «И это своего рода абсурд. В нем есть встроенная абсурдность, и именно поэтому мне это нравится».

Примерно через 80 лет после того, как Клод Моне расписал Руанский собор (слева), Рой Лихтенштейн сделал свой собственный взгляд на культовую достопримечательность (справа.) Щелкните здесь, чтобы узнать больше о серии «Собор Моне». Моне: AP / Sotheby’s / Лихтенштейн: Музей современного искусства Сан-Франциско / Поместье Роя Лихтенштейна скрыть подпись

Примерно через 80 лет после того, как Клод Моне расписал Руанский собор (слева), Рой Лихтенштейн сделал свой собственный взгляд на культовую достопримечательность (справа.) Щелкните здесь, чтобы узнать больше о серии «Собор Моне».

Дороти Лихтенштейн, вдова художника, говорит, что с помощью точек ее муж вышел за рамки абстрактных экспрессионистов послевоенного периода — Поллока с его каплями, де Кунинг с его взмахами кисти, — но он сохранил прошлое в зеркале заднего вида.

«Безусловно, его картины мазками кисти были своего рода одой абстрактному экспрессионизму», — говорит Дороти Лихтенштейн.«Он подумал … что историю искусства можно рассматривать как историю мазков кистью».

У Лихтенштейна были некоторые проблемы с нанесением мазков кистью, но он использовал свои точки, чтобы воспроизвести некоторые из своих величайших кистевых предшественников. Он был вдохновлен серией «Руанский собор» Моне конца 1890-х годов, а в 1969 году превратил свои бледные, точечные соборы в сияющие мерцания.

Дороти Лихтенштейн говорит, что ее муж ходил в музеи в поисках мастеров. «На самом деле было здорово пойти в музей с Роем», — говорит она.«Все было в его уме. Он всегда смотрел на картины и на то, как он мог бы их преобразовать».

Пабло Пикассо был героем Лихтенштейна, говорит куратор Национальной галереи Гарри Купер. Лихтенштейн написал свой вдохновленный Пикассо Кубистический натюрморт в 1974 году. Национальная художественная галерея / Поместье Роя Лихтенштейна скрыть подпись

Пабло Пикассо был героем Лихтенштейна, говорит куратор Национальной галереи Гарри Купер.Лихтенштейн написал свой вдохновленный Пикассо Кубистический натюрморт в 1974 году. Национальная художественная галерея / Поместье Роя Лихтенштейна

Пикассо был его героем, говорит куратор Гарри Купер. «Матисс был прямо там, но на самом деле первым атаковал Пикассо».

«Атаковано», — говорит Купер, — не «атаковано». Лихтенштейн выражал свое почтение Пикассо, Мондриану, Моне и другим, но это было не просто дань уважения.

«Это также доводит этих художников до уровня точек и комической лексики», — говорит Купер. «Я думаю, что художники всегда очень беспокоятся о своих предшественниках — о страхе влияния. И поэтому он сказал о Пикассо, что он понял, что может сделать это своим, и это было приятно».

Купер говорит, что Лихтенштейн оказал большое влияние. «Мы не можем никуда пойти, не увидев поп-арт», — говорит он. Он помог привнести поп-арт в дизайн и более широкую культуру и показал, что это не «просто уловка, а просто шутка».»

Может быть. Но вы все равно будете посмеяться на ретроспективе Лихтенштейна в Национальной галерее до середины января. Выставка отправится в Лондон и Париж. .)

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру. Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые годы.Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало. Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным. Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей.Сегодня поп-арт — один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы — комиксы, консервные банки, газеты и многое другое. Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977 год.Продан за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт возник в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом. Движение быстро распространилось, и многие считают, что пионер британской поп-музыки Ричард Гамильтон сделал коллаж 1956 года. Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? ознаменовал официальное начало культурного феномена после того, как он появился в лондонской галерее Уайтчепел.

Гамильтон описал характерные особенности движения следующим образом: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный. , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес ». После того, как движение ворвалось в США, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Кусама Яёи, «Шляпа», 1929 г.Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих самых знаковых произведениях этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

• Узнаваемые образы: В поп-арт использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров. Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие предметы, популярные в коммерческом мире.Были включены даже торговые марки и логотипы.
• Яркие цвета: Поп-арт характеризуется яркими яркими красками. Основные цвета — красный, желтый и синий — были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
• Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта. Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
• Инновационные методы: Многие художники поп-музыки занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля. Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененной или исходной форме.Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
• Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в один холст, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-артисты, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продано за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель — Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые олицетворяли культурный дух времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которые были включены популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых известных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии с портретом Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА среди других изображений, смешанных и смешанных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни помогал пионеру британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « A Bigger Splash » была одной из множества картин в стиле поп-арт, сосредоточенных вокруг бассейнов, очарование, которое возросло после того, как он переехал в Калифорнию и осознал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Женщины-поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продано за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Акселл внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

• Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я была игрушкой для богатых» .
• Поп-арт изначально назывался «Пропагандистское искусство».
• Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
• The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
• Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
• Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
• Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. В 2013 году он был продан за 105 миллионов долларов.

Поп-арт распространился практически по всем слоям общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое относится к его графическому характеру, вдохновленному аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.