Картинки в стиле поп арт: Attention Required! | Cloudflare

Содержание

Жизнь в стиле поп-арт – картинки в интерьере.

   Поп-арт – яркое и необычное направление искусства, для которого характерны эпатаж и безудержное веселье, выраженное в насыщенных «кислотных» тонах. Несмотря на свое более чем полувековое существование, этот стиль молод и актуален, и его приверженцев можно найти повсеместно.
   Главный «манифест» этого стиля звучит примерно так: к чему использовать для украшения квартиры дорогие вещи и картины, когда сделанные своими руками поп-арт картинки в интерьере смогут занять не менее достойное место.
   Используйте натяжные потолки картинки.

Поп-арт картинки в интерьере: особенности стиля.

   В интерьере в стиле поп-арт непременно присутствует игра с формой, размерами и цветом, что позволяет получить порой весьма неожиданный, и в чем-то просто обворожительный результат. Иногда жилище, оформленное в характерной для этого стиля манере, может напоминать кукольный домик, однако это не означает, что жить в нем будет не комфортно. В отличие от некоторых других стилей, здесь уделяется определённая доля внимания организации удобства жилого пространства, однако некоторые предметы мебели в интерьере поп-арт просто неуместны. К ним следует отнести шкафы и прочую корпусную мебель, а для хранения вещей предполагается использовать стеллажи, ниши и этажерки. Кроме того, здесь не может быть мебели с четкими геометрическими формами и острыми углами, обыденными формами и стандартными размерами.
    Взгляните на декоративные наклейки для интерьера на стены.

   Поскольку важнейшим элементом стиля является акцент на деталях, в первую очередь для них необходимо подготовить подходящий фон. Как правило, таким фоном становится выкрашенная в белый цвет стена, на которой могут размещаться самые разнообразные поп-арт картинки в интерьере помещения. Декор остальных стен в помещении должен значительно отличаться по цвету и фактуре. Для их отделки могут применяться самые различные материалы, от штукатурки до обоев. Их дизайн также может разительно отличаться, однако предпочтение отдается светлой цветовой гамме.

   Зато всевозможные аксессуары должны быть выполнены в яркой цветовой гамме (кислотные, химические тона). Самым простым способом создания интерьера в стиле поп-арт является использование мебели, в частности кресел, журнальных столиков или диванов необычной формы и ярких цветов. Отменным дополнением станут всевозможные необычные скульптуры, статуэтки, люстры и светильники.
   В данном случае можно смело использовать элементы, выполненные собственноручно. Это могут быть абажуры, изготовленные вами из бумаги, перьев и других мало подходящих для этих целей материалов, или вазы из декорированных стеклом или камешками пластиковых бутылок. Чем необычнее и экстравагантнее изготовленный вашими руками аксессуар, тем больше у вас шансов получить комплименты от истинных ценителей этого уникального стиля.
к содержанию ↑

Изображения в стиле поп-арт.

   Как упоминалось ранее, поп-арт картинки в интерьере имеют огромное значение. Обязательным элементом в помещении является портрет какой-либо знаменитости, напечатанный на принтере и «раскрашенный» необычными яркими цветами. Великолепным украшением такого интерьера всегда является коллаж, который может занимать полностью одну из стен. Для его изготовления могут использоваться самые доступные материалы, в том числе старые газеты и журналы, этикетки от продуктовых упаковок и пр.
   Важным моментом является внешний вид подобных «произведений искусств» - они даже внешне не должны иметь художественной ценности, поскольку основным правилом стиля поп-арт является отказ от дорогостоящих предметов меблировки, посуды и украшений.

Читайте также: Венецианская штукатурка фото - очарование!

Crossfashion Group - Поп-арт в моде: история стиля, актуальность и примеры образов

Осень часто связывают с хандрой и депрессивными состояниями. Идти на поводу у своего плохого настроения не стоит, не пасть духом из-за непогоды помогут эксперименты с новым образами, например, в ярком и слегка саркастичном стиле поп-арт.

Начало начал.

Стиль поп-арт возник в искусстве в 50-х годах прошлого столетия. Основателями этого направления называют прогрессивную творческую молодежь, участников «Независимой группы», которая образовалась при Институте современного искусства в Лондоне. Вместе креативные художники-иллюстраторы, скульпторы и фотографы брались за организацию культурных событий, тематических выставок и образовательных семинаров. В то время наблюдался бум поп-культуры. Сарказм по этому поводу сквозил в каждой картине и скульптуре, созданной в стиле Pop Art. Тематика была одна: массовые продукция, культура и источники информации.

 

Поп-арт возник в Британии, но считается достоянием американской культуры. В 60-х годах здесь благодаря своим странным картинам с изображениями массовых продуктов и кумиров общественности прославился художник-иллюстратор Энди Уорхолл. Кока-кола, консервные банки, разноцветная Мэрилин Монро и черный Ленин – необычная манера исполнения безумно понравилась молодежи и стала примером для наследования.

В моду вводить поп-арт стали понемногу только в 70-х годах. Первой «ласточкой» в абстрактной живописи на подиуме стало платье под красивым названием Mondrian (в честь художника Пита Модриана) от Ив Сен-Лорана. Смелый тренд после этого стали пробовать и другие дизайнеры.

 

Как создать образ в стиле поп-арт?

Вариантов, конечно же, много. Можно позволить себе облачиться в яркие принты с ног до головы, благо сочетание разнонаправленных рисунков теперь не причисляется к модным табу. С другой стороны красиво выглядят и образы поскромнее, но с яркими деталями.

 

Одежда в стиле поп-арт.

В большей или меньшей степени к ней привыкли все мы – на футболках-майках-свитшотах ми регулярно видим ту же Монро и других популярных актрис, медвежат и зайчиков, губки и бантики. Другой вопрос, позволительно ли такие вещи носить взрослым тетям и дядям? Модные знатоки утвердительно кивают головами, а мы ликуем: наконец-то можно по-человечески впасть в детство.

Куда можно надевать одежду в стиле поп-арт? Проще всего тем, кто не привязан к рабочему месту, об их внешности беспокоятся разве что любопытные соседи. Если вы точно знаете, что босс неодобрительно взглянет на футболку с губкой бобом, лучше ... спрятать ее под пиджак. Чем не деловой дресс-код? В таком случае можно преспокойно после работы отправляться в кино или на арт-вечеринку, просто сняв свою «защиту».

Чаще всего поп-арт образы составляют либо в стиле колор-блокинг, когда цветов много и все они яркие, либо размещают на нейтральном фоне несколько кричащих деталей. К вполне обычному образу с юбкой можно добавить куртку с принтом-комиксом, а к черным брюкам приобрести интересную футболку. Поп-арт – это изображения массовых продуктов, комиксы, принты а-ля Ван Гог, микс неоновых цветов, наложения картинок друг на друга и негатив. Выбирать есть из чего!

 

Поп-арт аксессуары.

Любимая тема тех, кто хочет выделяться из толпы, но на авантюры идти не готов. Сережки в виде алых губ или спелых фруктов, сумка с фото кумира, шарф в горох, туфли с комиксным декором – вписать такие вещи в свой образ достаточно легко. Конечно же, лучше не перегружать целостную картину десятком деталей, хватит одного-двух ярких штрихов.

 

Мейк-ап в стиле поп-арт.

Вариант, конечно же, больше для тематических вечеринок и фотосессий. В крайнем случае, можно позволить себе яркий макияж в манере поп-арт light для пляжных образов. Если вы не испугались и до сих пор горите желанием попробовать, используйте яркие желтые, красные или голубые тени, сделайте красивые черные стрелки на верхнем веке, помаду подберите ярко-розовую или традиционную алую.

 

Поп-арт маникюр.

Самый простой способ попробовать для себя поп-арт тренд. Можно использовать один цвет или красить каждый ноготь в другой яркий оттенок, добавить горох, черный контур, мазки кистью.

В сезоне осень-зима 2014-2015 первым, кто обратил внимание на поп-арт культуру, стал бренд Chanel. Сам показ проводился в супермаркете, модели ходили с металлическими корзинками и запакованными в пищевую пленку сумочками.

Яркие коллекции зрители увидели на показах Valentino и Red Valentino.

Еще один показ, который стоит вспомнить, провел бренд Moschino. Как говорят, умные люди не копируют идеи, а воруют их. Одежда с принтом а-ля Макдональдс, который превратился в традиционное сердечко, и безумной мультяшной губкой уже полюбилась модницам всего мира. Как доказательство – многочисленные фото в этих самых знаковых вещах. Высмеивание массовой культуры пошло в массы, вот такой вот каламбур!

 

 

Автор Оксана Гаврилюк

 

Фото: kak-sdelat-mne.ru, gozetta.com, eatwell101.com, artyfactory.com, glamour.ru, art-assorty.ru, www.pinterest.com, jo-jo.ru, allure.ru, womie.ru, blog.styleup.ru, trendy.wmj.ru, vogue.ru, elle.ru

 

Поп-арт для инстаграм 1 картинка в день за 21000 рублей

  • Цена договорная

    Отрисовать тату эскиз рукав

    Нужно отрисовать рукав . Из тех элементов которые я дам . Не просто в фотошопе разместить их же , а сделать полную картину, творчество от себя приветствуется . Хочется самому понять как это смотрится и...

    Юрий

  • Цена договорная

    Сделать модель танка

    По видео создать можель танка, некоторые детали уже есть

    Ольга

  • Цена договорная

    Дизайн барной стойки в кафе

    Дизайн барной стойки с раздачец

    Дд Р.

    Можайское шоссе, Москва

  • Цена договорная

    Помощь фрилансеров

    Создание логотипа футбольной команды из мурманска

    Aleksei

  • Цена договорная

    Дизайнер сайта на Битрикс24

    Нужно сделать одностраничник в битрикс24, по аналогии с www. papa-carlo.ru. ВАЖНО. в битриксе24 максимальный тариф, что дает максимальные возможности сервиса. Спасибо за внимание!

    Чермен Д.

  • 150 картин, 30 художников, история жанра в искусстве, идеи, черты, определение

    Кратко, поп-арт — это стиль искусства, наиболее популярный в 60-х годах 20-ого века. Сюжеты картин строятся на известных всем объектах: знаменитостях, комиксах, еде, бытовых предметах. Ему присущи яркие цвета, плоскость, ирония и отсутствие глубокого смысла.

    Родина поп-арта

    Считается, что движение «поп-арт» зародилось в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей «Независимая группа» (объединение, чьи члены исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на современное искусство), куда входили Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл, которые затем провели выставки с первыми образцами поп-арта. Их работы оказали сильное влияние на последующее развитие движения.

    Независимая группа (1956)
    The Independent Group

    История появления термина

    Кто именно изобрел название термина, неизвестно, но обычно его авторство приписывают британскому искусствоведу Лоуренсу Аллоуэю, который в 1958 году опубликовал эссе под заголовком «Искусство и средства массовой информации», где он впервые употребил слова «популярная массовая культура», что было близко к укоренившееся затем названию «поп-арт».

    Лоуренс Аллоуэй — портрет
    Lawrence Alloway

    Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших поп-арт как законную форму искусства.

    Первое изображение

    Хотя еще в 1952 году на лекции был показан коллаж Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача», официально первым образцом современного поп-арта считается коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Он был показан на новаторской выставке «Независимой группы» под название «Это завтра» в 1956 году в Галерее Уайтчепел в Лондоне.

    Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача»
    I was a Rich Man’s Plaything — Eduardo Paolozzi, 1952

    Коллаж размером 26×24.8 см был склеен из изображений, вырезанных из журналов массового тиража. На нем в соблазнительных позах изображены полуобнаженные герои: культурист и девушка на диване с абажуром на голове.

    Ричард Гамильтон «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
    Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? Richard Hamilton, 1956

    Действие происходит в гостиной, заполненной образцами и эмблемами послевоенной хорошей жизни в американском стиле.

    На столе стоит консервированная ветчина. На стене в рамке висит обложка американского комикса «Young Romance». Мужчина держит в руках гигантский леденец на палочке. Центр коллажа на уровне глаз занимает надпись «поп».

    Успех изображения был ошеломительным. Многие до сих пор придерживаются мнения, что именно Ричард Гамильтон в одиночку стал пионером поп-арта и что именно он определил условия, которых должно было придерживаться течение.

    Ричард Гамильтон — портрет
    Richard Hamilton

    В то же время появление стиля поп-арт можно считать почти случайным, коллаж Гамильтона изначально был иллюстрацией к афише выставки и лишь через несколько был показан и продан как произведение искусства.

    История возникновения поп-арта

    Далекие предшественники

    Слияние изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началась еще задолго до 1950-х гг.

    Почти столетие назад, в 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе символически посодействовал развитию популярного вида искусства, взяв для своей картины позу из недорогой серии печатных изданий под названием Imagerie d’Épinal (Имажери д’Эпиналь). Эта чрезвычайно популярная серия включала в себя ярко окрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором (и соперником Курбе) Жаном-Шарлем Пеллерином (1756-1836). Каждый школьник знал эти изображения с уличной жизнью, военных и легендарных персонажей. Неужели средний класс понял намек Курбе? Может быть и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что низкой формой живописи вторгся в высокое.

    Испанский живописец Пабло Пикассо использовал ту же стратегию. Он пошутил о любовной связи людей с покупками, создав женщину из этикетки и рекламы универмага Бон Марше. Хотя «Au Bon Marché» (1913) не может считаться первым поп-арт коллажем, он, безусловно, посеял семя для будущего движения.

    Au Bon Marché — Pablo Picasso, 1913
    Бон Марше — Пабло Пикассо

    Связь с дадаизмом

    Первопроходец дада Марсель Дюшан продвинул потребительскую уловку Пикассо дальше, используя в своих экспозициях реальные продукты массового потребления: стеллаж для бутылок, лопату для снега, писсуар (перевернутый). Он называл эти предметы реди-мейдами, то есть техникой «использования в искусстве вещей из магазина».

    Нео-дада, или ранний поп-арт

    Ранние поп-арт художники последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к фигурам в разгар абстрактного экспрессионизма и намеренно использовав «низкопробные» популярные образы. Они также воспроизводили трехмерные объекты.

    Пивные банки Джаспера Джонса (1960) и кровать Роберта Раушенберга (1955) — это одни из примеров. В годы своего становления эти работы причислялись к нео-дада. Сегодня мы можем назвать это ранним поп-артом.

    Цели и причины течения

    Некоторые молодые британские художники 50-х годов, выросшие в военных условиях жесткого ограничения в рационе питания и утилитарного дизайна, смотрели на Америку с ее соблазнительной поп-культурой и потребительским образом жизни с долей романтической иронии и зависти.

    Они рассматривали США как страну свободных — свободную от уродливых условностей классовой власти, которая могла задушить ту культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодую, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства.

    Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию со стороны властей своего времени.

    Поп-арт и минимализм — самые новые жанры искусства.

    Британские же деятели искусств переняли подобную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они размахивали перед лицом власти.

    Поп-арт был способом выражения желания перемен, реакцией против существующего положения вещей.

    Он также был реакцией молодых деятелей искусств на послевоенный потребительский бум, когда все больше и больше товаров рекламировалось и продавалось.

    Поп-арт в США

    В США поп-арт появился в конце 1950-х годов и развивался он иначе, чем в Великобритании. Тогда как в Англии на потребительскую культуру и идеализированную картину жизни смотрели со стороны, американцы находились в ее самой гуще, что не могло не повлиять на развитие стиля.

    После Второй мировой войны экономический бум привел к повышению заработной платы и увеличению количества свободного времени, а массовое производство привело к созданию телевизоров, посудомоечных машин и автомобилей в беспрецедентных масштабах. Наряду с новыми технологиями в печатном производстве, распространилась и развилась рекламная индустрия брендов, каждый из которых продавал товар с обещанием доставить удовольствие.

    Поп-арт в США был обезличенным и отстраненным от личности художника, тогда как в Великобритании он был более субъективным и метафоричным.

    Благодаря вновь обретенному богатству, мобильности и свободному времени многие американцы переехали в пригороды (так как дома стали легкодоступными), а телевидение стало доминирующим средством массовой информации в 1950-х годах.

    Но в 60-е годы многие увидели, что этот доминирующий социальный порядок и его бесконечное шаблонное повторение подавляют и восстали против этого заранее предусмотренного образа жизни, бросив вызов политическому истеблишменту, протестуя, например, против войны во Вьетнаме.

    Процветали общественные движения, стремящиеся обеспечить равенство и гражданские права афроамериканцев и женщин. Этот бунтарский дух укоренился и в мире искусства, поскольку многие молодые художники в то время чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и что они видели в музеях, не имело никакого отношения к жизни и культуре, которая их окружала. В знак протеста они обратились к таким источникам, как поп-музыка, упаковка продуктов, комиксы и голливудские фильмы, используя образы массового производства для создания искусства, которое критиковало и подрывало его. Так и родилось это направление живописи, скульптуры и моды.

    Пока британцы создавали юмористические или романтизированные произведения, американцы  рисовали агрессивные, более смелые, драматичные и менее беззаботные картины.

    Окруженные продуктами потребительской культуры, американские поп-авторы вдохновлялись тем, что они видели и испытывали, живя в рамках этой культуры. В США это новое движение рассматривалось как возвращение к репрезентативному искусству, то есть тому, что изображало визуальный мир узнаваемым образом.

    Почти все поп-арт художниками были дизайнерами, занимавшимися печатью.

    В предыдущие десятилетия в Америке доминировали абстрактные экспрессионисты, которые (как следует из их названия) использовали выразительные жесты и абстрактные, не изображающие реальных предметов образы. Столкнувшись с миром потребительских вещей, поп-арт авторы отвернулись от этой абстракции, вместо этого используя жесткие грани и узнаваемые формы для создания типа искусства о видимом мире вокруг них. Используя безличные, приземленные образы, поп-арт авторы также хотели отойти от акцента на личные чувства и символику, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.

    Американский поп-арт был ответом на культуру того времени, которая погрязла в рекламе и коммерциализме. Хотя этот стиль не склонен открыто критиковать такое положение вещей, он находился под сильным влиянием СМИ, точно так же, как художники прошлого находились под влиянием природы и религии.

    В результате он очень глубоко противоречил массе, поскольку, в отличие от многих авангардных движений до этого, он включал в себя тематику и методы, с которыми широкая аудитория была уже очень хорошо знакома.

    Идеи

    Поп-арт отличался тем, что не идеализировал культурные объекты, а изображал их такими, какие они есть. Основная идея этого движения состояла в том, что искусство не является элитарным, оно может быть связано с простыми людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятным каждому, а не быть привилегией ограниченного круга лиц.

    Ключевые идеи:

    • Размытие понятия между «высоким» и «низким» искусством. Фундаментом жанра служила идея об отсутствии иерархии в культуре. Вдохновение могло черпаться из любых источников.
    • Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех их объединяло холодное дистанцирование в эмоциях. Одни считают это принятием популярного мира, другие шокированным отступлением.
    • Отсутствие глубокого смысла. Простота — это одновременно и сильная сторона, и то, за что направление подвергалось жесткой критике. Смысл поп-арта лежит на поверхности.

    Характерные черты

    Поп-арт легко узнаваем благодаря своей живости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих знаковых произведениях этого движения.

    К его особенностям относятся:

    • Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы популярных медиа и продуктов. В них входили коммерческие товары, такие как банки из-под супа, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, фирменные названия, логотипы и прочее.
    • Отсутствие выдуманных сюжетов и предметов. Поп-арт всегда основывается на то, что есть. Авторы не выдумывают новых героев и объектов.
    • Яркие цвета. Стиль характеризуется сочными, яркими цветами, к основным относится красный, желтый и синий.
    • Ирония и сатира. Юмор — один из основных компонентов поп-арта. Мастера используют их, чтобы сделать заявление о текущих событиях, посмеяться над причудами и бросить вызов существующему положению вещей.
    • Инновационные методы. Многие поп-арт художники были дизайнерами или занимались печатью, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, с помощью которого через сетчатый экран с трафаретом чернила переносятся на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля, использовал литографию. Авторы картин часто брали образы из других областей массовой культуры и включали их в свои произведения, либо измененными, либо в своей первоначальной форме. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высокой и низкой культурой, которое делало различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.
    • Смешение медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали множество различных типов журналов и газет. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили развитие жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили кажущиеся несопоставимыми образы в единое полотно, чтобы создать совершенно современную форму. Точно так же Марисоль известна своими скульптурами, которые для изображения фигур используют множество различных материалов.
    • Плоские образы под влиянием комиксов и газетных фотографий.

    Самые известные британские поп-арт художники

    Питер Блейк

    Портрет Питера Блейка, дата рождения — 1932

    Питер Блейк — известный английский представитель направления, наибольшую славу которому принесла его обложка для альбома группы Биттлз «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». На ней изображена сама группа в окружении картонных знаменитостей. Это культовая обложка, которая, по опросам, считается одной из лучших в мире.

    Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера — Питер Блейк, 1967
    Peter Blake — Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

    Блейк известен своими красочными графическими работами, использовавшими образы массовой культуры.

    «Я хотел создать искусство, которое было бы визуальным эквивалентом поп-музыки», — говорил он.

    Патрик Колфилд

    Patrick Caulfield, 1936 — 2005

    Колфилд писал полотна, в которых использовал повседневные сюжеты, натюрморты, домашние интерьеры, взятые из рекламы и дешевых иллюстраций, чтобы передать живую яркость и юмор.

    Его изображениям характерна толстая черная обводка и яркие, насыщенные цвета.

    Дэвид Хокни

    Дэвид Хокни — один из самых выдающихся художников Англии 20 века и яркий представитель поп-арта Великобритании. В 1961 году его работы были выставлены в Лондоне на Young Contemporaries.

    В 1963 году он познакомился с Энди Уорхолом, а затем посетил Лос-Анджелес, который вдохновил его на написание потрясающе реалистичных картин с плавательными бассейнами. Эти работы были выполнены в плоском стиле яркими красками акрила.

    В 2011 году Хокни был признан самым влиятельным британским художником всех времен.

    Аллен Джонс

    Один из основоположников британского поп-арта. Джонс использует в своих работах простые образы в сочетании с ярким, смелым цветом. Наиболее известен своими эротическими скульптурами и изображениями женщин в натуральную величину с фетишистским и садомазохистским подтекстом.

    Влиятельные американские поп-арт художники

    Джим Дайн

    Джим Дайн был представителем нео-дада и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (найденных объектах повседневного потребления, помещенных в арт-среду) и хеппенингах (вид искусства, напоминающие перфоманс, но артист полностью не контролирует происходящее).

    Jim Dine — портрет

    Впервые он привлек к себе внимание своими хеппенингами в 1959 году, которые ставил в сотрудничестве со скульптуром Класом Олденбургом, художником Алланом Капроу и авангардным композитором и концептуалистом Джоном Кейджем.

    В 1962 году его работы, наряду с другими значимыми авторами, были показаны на важной выставке поп-арта в Пасадене. В 60-х годах Дайн создал целый ряд произведений искусства, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности дадаизма, например, в своей эротической инсталляцией, которая была закрыта полицией Лондона за непристойность.

    В сюжеты его произведений входят повседневные предметы и символы: сердца, инструменты, одежда, черепа, наполненные личным смыслом.

    Центральную часть его творчества занимают гравюры. За свою жизнь он создал свыше 1000 гравюр, некоторые из них поистине масштабны.

    Джим Дайн смело экспериментировал с материалами и техниками: шлифовал пластинами, тер и скреб бумагу; импровизировал, «атакуя» работы серией спонтанных действий.

    Многие его произведения автобиографичны. Например, его серия работ с инструментами восходит к детству, когда он играл в скобяной лавке своего деда. Серия «Халат» была вдохновлена рекламой в журнале, которую он увидел в 1963 году. Как рассказывал Дин

    Я искал способ делать автопортреты, не рисуя свое лицо. Я увидел этот халат в рекламе. В ней не участвовал человек, но форма халата выглядела как моя, так что он стал для меня своего рода метафорой.

    Роберт Индиана

    Роберт Индиана (настоящее имя Роберт Кларк), прежде чем присоединиться к движению в Нью-Йорке в 1954 году, начинал как абстрактный художник и резчик по дереву. Отброшенные трафареты побудили его исследовать искусство надписей, он стал помещать буквы и слова (например, Love, Eat, Die) на свои картины, основанные на форме пинбольных автоматов.

    Роберт Индиана — портрет

    Роберт Индиана называл себя «американским художником вывесок». Самую большую славу ему принесло графическое изображение «Love», которое в 60-х годах впервые появилось на рождественских открытках и марках. Марка с его графикой считается самым широко распространенным поп-арт изображением (было продано более 300 миллионов).

    Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел в разных стилях и на разных языках, включая стальную еврейскую со словом «Ahava».

    В 2008 году он создал новое произведение со словом «Hope», все доходы от которого (удалось собрать 1 млн. долларов) были пожертвованы в фонд предвыборной кампании Барака Обамы.

    Джаспер Джонс

    Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х гг. Впервые его узнали благодаря полотнам с изображением американского флага, а также графике с мишенями и цифрами.

    Портрет Джаспера Джонса

    Он также был известен тем, что использовал в своих масляных картинах краски с воском и гипс.

    После успеха изображений с флагом Джонс начал использовать в сюжетах своих произведений реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, скульптура «Банки супа», 1964).

    Его использование образов и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали поп-арт художником, но его работы (включая большое количество пародий на Дюшана, парадоксы и противоречия) также привели к тому, что его стали относить к нео-дадаистам.

    Ранние работы Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы рассматриваем, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различия между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью. В его глазах это одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

    Роберт Раушенберг

    Роберт Раушенберг также использовал «найденные образы» в своем творчестве, но, в отличие от образов Джонса, они были объединены в отношении друг с друга или с реальными объектами. Работы обоих этих художников часто называют нео-дада, поскольку они опираются на «найденные образы», впервые изученные такими дадаистами, как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

    Роберт Раушенберг — портрет

    Вдохновленный Швиттерсом, который создавал коллажи из отбросов, подобранных им на улице, Раушенберг объединял реальные предметы, найденные им в своем нью-йоркском районе, с коллажными и живописными техниками.

    «Вообще-то у меня было правило. Если я обошел весь квартал и мне не хватило материала для работы, я мог пройти еще один квартал в любом направлении».

    Он считал, что его работы «должны были выглядеть по меньшей мере так же интересно, как и все то, что происходило за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она сделана из реального мира».

    Работы автора стирали границы между живописью и скульптурой, смешиваю между собой методы и того, и другого.

    Алекс Кац

    Алекс Кац — уникальный фигуративный художник, известный своими масштабными упрощенными изображениями семьи и друзей. Кац создавал культовые картины, документирующие американскую сцену, а затем и американский пейзаж.

    Алекс Кац — портрет

    Он рисовал свою жену Аду и других людей множество раз в плоском стиле на ярком фоне одного тона.

    Он также создавал коллажи, а в 90х годах рисовал природу, использовав простые образы листьев, света, теней и цветов.

    Рой Лихтенштейн

    Рой Лихтенштейн — один из ведущих и узнаваемых авторов в этом жанре.

    Он сделал комиксы центром своего творчества, что до него еще не делал никто. Лихтенштейн брал комиксы, увеличивал их, обрезал, заменял пузыри с репликами на другие, иногда смешивал героев одних серий комиксов с другими и создавал картины.

    Рой Лихтенштейн — портрет

    Несмотря на то, что полотна кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетической полимерной краской, имитируя газетную печать. Для своей культовой точечной техники он использовал трафареты с кругами, так как рисовать их вручную, учитывая большой размер работ, было сложно.

    Рой Лихтенштейн восхищался яркими красками и смелыми линиями комиксов, ему нравились реплики героев. Разница работ Лихтенштейна в сравнении с другими художниками, которые использовали подобный китчевый материал, заключалась в том, что он сделал сам комикс произведением искусства.

    Ричард Гамильтон однажды назвал Роя Лихтенштейна самым «изумительно экстремальным» из американских поп-арт художников. Больше всего Гамильтона поразила чистота творчества Лихтенштейна, поразило то, как его картины-комиксы были «верны средствам массовой информации».

    Поначалу его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но коллекционеры и владельцы галерей быстро приняли их.

    «Трудно было достать картину, которая была настолько отвратительной, чтобы ее никто бы не повесил… Все вешали все подряд. Повесить мокрую тряпку с краской было почти приемлемо, к этому все привыкли. Единственное, что все ненавидели, — это коммерческое искусство; очевидно, и его они ненавидели недостаточно», — говорил он.

    Жесткий коммерческий стиль полотен из комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не противопоставлял поп-арт дадаизму: «Я не думаю, что поп-арт существовал бы, если бы до него не существовало дадаизма, но я и не думаю, что поп-арт — это тоже самое, что и дада. Я не рассматриваю свою работу как антиискусство или что-то, что отличается от основного направления живописи со времен Ренессанса».

    Хотя в стиле Роя Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа лежит в рамках классической живописи: в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов.

    Клас Олденбург

    Олденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йоркской.

    Клас Олденбург — портрет

    Его работа была сосредоточена на превращении привычного в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, повседневные объекты и помещал их в общественные места, тем самым побуждая зрителя по-другому рассматривать окружающую их среду.

    Работа Олденбурга полна юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой — мягкие, такие как чизбургер, из твердой крашеной штукатурки.

    Его главным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.

    Джеймс Розенквист

    Благодаря сложному переплетению таких мотивов, как бутылки из-под Кока-Колы, кухонные приборы, упакованные продукты питания, женские накрашенные губы и наманикюренные руки, большие полотна и гравюры Розенквиста воплощают головокружительную вездесущность потребительского мира.

    Розенквист использовал рекламный стиль живописи на небольших холстах, где изображения становились мягко размытыми, а их качество терялось при ориентации крупным планом и обрезке изображения.

    Он создавал ошеломляюще грандиозные произведения, казалось бы, не связанные друг с другом. Часто эти работы заполняли целые стены галереи.

    Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества перед его нездоровой одержимостью не только материальным потреблением, но и политической славой и славой знаменитостей.

    Самая известная работа Джеймса Розенквиста — массивная, откровенно политическая картина «F-111». Созданная в 1964-65 годах, она стала своего рода протестом против милитаризма в Америке.

    F-111, 1964-1965

    Поперек 26-метровой работы, состоящей из 51 панели, изображен военный истребитель-бомбардировщик, перемежающийся множеством изображений, таких как пляжный зонт, грибовидное облако, спагетти и молодую девушку под феном, очень похожим на боеголовку.

    Эд Рушей

    Рушей стал известен в конце 1950-х годов, когда он начал делать небольшие коллажи, используя изображения и слова, взятые из повседневных источников, таких как реклама. Этот интерес к повседневности привел его к использованию пейзажа его родного города Лос-Анджелеса как источника вдохновения, к которому он возвращался снова и снова.

    Эд Рушей — Портрет

    Рушей часто сочетает образы города со словами и фразами из повседневной речи, чтобы передать определенный опыт. Он также исследует банальность современной городской жизни и шквал образов и информации, поступающих из средств массовой информации, с которыми мы ежедневно сталкиваемся.

    Рушей играет с языком в своих работах, используя такие приемы, как звукоподражание, каламбуры, аллитерация и оксюморон. Многие из его ранних работ изображают отдельные слова в типографском формате или шрифте.

    Предложения и фразы наводят на мысль о повседневном американском языке и сленге, а также привлекают внимание к определенному опыту или напоминают об излишествах голливудской культуры.

    Энди Уорхол

    Энди Уорхол — самый знаменитый художник, икона поп-арта.

    Сначала он успешно работал как «коммерческий художник», тематика его картин была заимствована из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

    Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвысил ее образность до статуса музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, у которых, по его мнению, была банальность, что делало их более интересными.

    Энди Уорхол — Портрет

    Он чувствовал, что такие изображения были лишены своего смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на публику. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в ряде сюжетов, начиная от суповых банок, заканчивая знаменитостями.

    Будь то изображение с лапшой или портрет Элизабет Тейлор, Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы все они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него есть лучшая или худшая картина».

    Уорхол рассматривал эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры:

    «Самое замечательное в этой стране то, что Америка положила начало традиции, когда самые богатые потребители покупают в основном то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и увидеть Кока-колу, и вы знаете, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, просто подумайте, вы тоже можете пить ее.

    Кока-кола есть Кока-кола, и никакие деньги не дадут вам лучшей кока-колы, чем та, которую пьет бродяга на углу. Вся Кока-Кола одинакова, и вся Кока-кола хороша. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, бродяга знает это, и вы знаете это». Очевидная ирония этого утверждения заключается в том, что цена этой бутылки на картине взлетает в стратосферу, как только Уорхол подписывает ее.

    Его многочисленные причудливые заявления были намеренно загадочны и противоречивы, избегая разъяснений и заставляя публику размышлять об их значении. Уклончивая позиция Уорхола была стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он говорил:

    Я начинал как коммерческий, и хочу закончить как бизнес-художник. Быть преуспевающим в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства.

    Важные поп-арт картины

    Натюрморт № 20 — Том Вессельман, 1962

    Still Life #20, 1962 Tom Wesselmann
    Натюрморт № 20 — Том Вессельман

    Натюрморт Still Life #20 — это часть серии скульптурных натюрмортов, которые Том Вессельман начал создавать в начале 1960-х годов.

    На левой стороне изображены некогда функциональные предметы, которые он собрал, а затем поместил в настоящем шкафу над частью реальной раковины.  Свет над краном можно включить или выключить, а шкафчик можно открыть или закрыть.

    Справа автор собрал в композицию двумерные изображения разных видов продуктов и напитков. Над ними висит репродукция картины художника Пита Мондриана, который использовал элементы искусства в их самых чистых формах—прямые линии, прямые углы и основные цвета — в попытке представить будущее утопическое общество.

    Вессельман часто включал репродукции работ других художников в свои конструкции, чтобы продемонстрировать, как искусство интегрировалось в повседневную жизнь и присоединилось к коммерческому миру.

    На балконе — Питер Блейк, 1955 – 1957

    On the Balcony, 1955 – 1957, Peter Blake
    На балконе — Питер Блейк

    Несмотря на то, что изображение выглядит коллажем, это полотно, написанное маслом. На ней изображена группа подростков, как олицетворение современного мира, восприимчивого к поп-арту, разрушающего традиционные представления об арт-объектах. Вокруг них множество картин и фото на тему «Балконы». Например, слева репродукция Мане, а справа журнал «Лайф». Всего на работе насчитывается 32 варианта балконов.

    Как и на многих полотнах Блейка, подростки изображены с короткими стрижками и прямыми, более естественными взглядами, чем их черты лица, которые считаются более утонченными.

    Флаг — Джаспер Джонс, 1954 – 1955

    Flag, 1954 – 1955 Jasper Johns
    Флаг — Джаспер Джонс

    Эта картина имеет большое значение для поп-арта. Джонс написал ее поверх коллажа из газет — которые определяли этот символ страны в тот момент.

    Художник не стал выдумывать какой-либо сюжет, он нарисовал узнаваемый всеми флаг. Он также не стал вкладывать в изображение свой смысл, он отдал эту привилегию зрителям. Кто-то видит в картине флага национальную гордость и свободу, а кто-то только империализм или угнетение.

    Сам автор нарисовал изображение в контексте «охоты на ведьм» 1950‑х годов, когда началось устранение коммунистов в Правительстве США.

    Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн, 1963

    Drowning Girl, 1963 Roy Lichtenstein
    Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн

    Одна из знаковых работ поп-арта. Сюжет работы взят из комикса DC «Run for Love!», где был изображен парень и тонущая девушка. Художник обрезал изображение, увеличив девушку и изменив ее слова на «Мне наплевать. Я лучше утону, чем попрошу Бреда о помощи».

    Это, вероятно, о том, что бойфренд девушки разбил ей сердце, что вызвало ее страдание и утрату доверия к нему. Эти болезненные эмоции, которые могут длится долго, откликнулись в сердцах людей. Возможно именно поэтому эта картина так популярна.

    Синий цвет подчеркивает печаль и отчаяние.

    Большой всплеск — Дэвид Хокни, 1967

    David Hockney, A Bigger Splash , 1967
    Большой всплеск — Дэвид Хокни

    Хокни написал эту работу еще в Калифорнийском университете в Беркли. Большой всплеск был создан как конечный результат двух меньших картин, в которых он развивал свои идеи, — «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). A Bigger Splash — значительно более крупная работа.

    Хокни был одним из первых художников, широко использовавших акриловую краску, которая была тогда довольно новым художественным средством. Он чувствовал, что как быстросохнущая субстанция она больше подходит для изображения жарких, сухих пейзажей Калифорнии, чем традиционные масляные краски.

    В картине Хокни исследует, как изобразить постоянно движущуюся поверхность воды. Всплеск был основан на фотографии плавательного бассейна, которую Хокни видел ранее. Он был заинтригован идеей того, что фотография может запечатлеть это событие на долю секунды, и стремился воссоздать его в живописи.

    Динамизм всплеска сильно контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, краем бассейна, пальмами и желтой доской для прыжков в воду. Это придает изображению несвязный эффект, абсолютно преднамеренный, что фактически является одним из отличительных признаков стиля Хокни.

    Мне очень понравилась идея нарисовать этот момент, длящийся две секунды: мне нужно две недели, чтобы нарисовать то, что длится две секунды.

    Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1962

    Campbell’s Soup Cans, 1962 Andy Warhol
    Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол

    Картина с банками супа любимая у Энди Уорхола.

    В поиске идей для сюжетов изображений он любил расспрашивать своих друзей и знакомых. Один из них посоветовал ему нарисовать что-то простое, узнаваемое, что-то, что есть у каждого дома, например, эти банки супа.

    Уорхол скупил все вкусы и нарисовал их на 32 картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и произвели фурор. Молодые художники считали это чем-то новым интересным, но большинство же проходили мимо с безразличием и даже с откровенным презрением.

    Владелец соседней галереи спародировал выставку, выставив реальные банки этого супа на витрине, указав, что в соседнем здании их можно купить дешевле.

    Затем мастер продолжает экспериментировать, рисуя эти же банки и складывать их в подобие стопок в магазине.

    Все работы за 3000 долларов владелец галереи выкупил у художника, продав их за 15 млн долларов после смерти Уорхола.

    Картины Лихтенштейна не поддаются легкому политическому прочтению. Празднует ли он Whaam! действия войны, острые ощущения погони, славу убийства? Или он комментирует этот праздник как бесчеловечный как для врага, так и для самих себя? Или это просто комикс для маленьких мальчиков? Эти вопросы (даже если Лихтенштейн никогда не собирался их поднимать) висят над нами полвека спустя.

    Американский истребитель выпускает струю огня, которая взрывает вражеский самолет, не давая пилоту ни единого шанса спастись. Это картина насилия, но насилие переживается из третьих рук. Картина скрупулезно создана из военного комикса DC, точки и смелые цвета оригинала воссозданы вручную в огромном масштабе.

    После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали всемирной одержимостью. Уорхол, увлеченный славой и поп-культурой, использовал ее черно-белую рекламную фотографию из фильма «Ниагара» для создания нескольких серий изображений.

    Общая идея всех работ Мэрилин заключалась в том, что ее образ воспроизводился снова и снова, как это можно было увидеть в газетах и журналах того времени. После просмотра десятков или сотен таких изображений зритель перестает видеть изображенного человека, но остается с иконой популярной, потребительской культуры. Образ (и человек) становится еще одной коробкой из-под хлопьев на полке супермаркета, одной из сотен коробок — и все они абсолютно одинаковы.

    В картине «Золотая Мэрилин Монро» Уорхол играет на идее иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотистый фон.

    На заднем плане сохранились византийские религиозные иконы, которые и по сей день занимают центральное место в православных верованиях. Только вместо Бога мы смотрим на изображение (которое становится немного кричащим при ближайшем рассмотрении) женщины, которая поднялась до славы и умерла в ужасной трагедии.

    Уорхол тонко комментирует наше общество и его прославление знаменитостей до уровня божества. Художник указывает на ценности и окружение своих современников.

    Напольный бургер —Клас Олденбург, 1962

    Floor Burger, 1962 Claes Oldenburg
    Напольный бургер —Клас Олденбург

    Это очень спорное произведение, которое не все считают искусством. Мягкая скульптура — к такому жанру относится бургер, было чем-то новаторским, сюрреалистичным.

    Его мягкое, податливое и красочное тело бросало вызов условности, которое говорило, что скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее тематика и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое пространство изобразительного искусства.

    Избранный президент — Джеймс Розенквист, 1960–61

    President Elect, 1960–61 James Rosenquist
    Избранный президент — Джеймс Розенквист

    Как и многие поп-арт художники, Розенквист был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. В своей картине в стиле рекламного щита «Избранный президент» мастер смешивает рекламу калибра Мэдисон-авеню с политическими амбициями, изображая улыбающееся лицо Джона Ф. Кеннеди рядом с потребительскими товарами, а именно желтым Шевроле и куском торта из рекламы.

    Розенквист создал коллаж, используя изображения, вырезанные из их первоначального контекста, который он адаптировал для того, чтобы соответствовать монументальному масштабу в фотореалистичном стиле. Как объясняет Розенквист, «Это лицо с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые сами себя рекламировали. Почему они поместили объявление о себе? Так вот какое у него было лицо. А его обещание — это половина Шевроле и кусок черствого пирога».

    Работа говорит об увлечении Розенквиста подсознательным убеждением через рекламу.

    Витрина с 

    пирожными, I — Клас Олденбург, 1961–62

    Pastry Case, I, 1961–62 Claes Oldenburg

    Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург

    Тарелка глазированного печенья, два сандея, торт, огромная стойка ребрышек и наполовину съеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам, скорее, как неловкие родственники.

    Подобно портретам, но без человеческой фигуры, магия скульптуры Ольденбурга — это выразительный элемент, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и веселый) из поп-арт художников, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в ссылках на американскую культуру.

    Зайки — Зигмар Польке, 1966

    Bunnies, 1966 Sigmar Polke
    Зайки — Зигмар Польке

    В «Bunnies» объект полотна — группа женщин, вызывающе одетых в стиле кроликов Плейбоя. Хотя издали женщины кажутся привлекательными, при ближайшем рассмотрении их черты лица распадаются на множество цветных кругов, которые выглядят более чудовищными, чем человеческие. Полька-дот стирает индивидуальную идентичность женщин, тем самым указывая на их объективацию, присущую таким образам.

    Такие журналы, как Playboy, представляют женщин как физически привлекательные сексуальные объекты, соблазняя зрителя внимательно разглядывать фотографии высокой четкости.

    Помещая свое большое изображение на стену галереи и привлекая зрителя к тщательному изучению женских тел в общественном пространстве музея, художник принуждает зрителя чувствовать себя некомфортно и заставляет его противостоять привычным способам рассматривания.

    Стандартная станция — Эд Рушей, 1966

    Standard Station, 1966 Ed Ruscha
    Стандартная станция — Эд Рушей

    Эта картина превращает банальный образ бензоколонки в символический символ американской потребительской культуры. Здесь, с помощью трафаретной печати, Рушей сглаживает перспективу в единую плоскость, чтобы создать образ, который вызывает эстетику коммерческой рекламы.

    Мягкий туалет — Клас Олденбург, 1966

    Soft Toilet, 1966 Claes Oldenburg
    Мягкий туалет — Клас Олденбург

    В 1961 году Клас Олденбург написал манифест, утверждающий его радикальную художественную позицию: «Я за искусство политико-эротико-мистическое, которое не сидит на заднице в музее, а делает что-то другое».

    Мягкий туалет — работа, которая избегает обычных свойств арт-объекта, не стоит ни на чем — даже на пьедестале, как многие скульптуры, — а скорее висит на металлической подставке.

    Он превратил туалет — фабричный, жесткий фарфоровый символ современной гигиены — в сшитый вручную податливый предмет из набитого винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, мягкий туалет наделен собственной индивидуальностью и чувством драмы.

    Электрическое кресло — Энди Уорхол, 1965

    Electric Chair, 1965 Andy Warhol
    Электрическое кресло — Энди Уорхол

    Эта картина, написанная серебряной краской — часть серии Энди Уорхола «Смерть и катастрофы», где он запечатлел все ужасы суицидов, аварий и массовых беспорядков.

    Картину описывают как «примечательна своей визуальной трезвостью и эмоциональной сдержанностью», а пустота и тишина комнаты «представляют смерть как отсутствие и тишину».

    Изображение основано на фото 13 января 1953 года, когда на таком стуле были казнены супруги Розенберг — за то, что передали СССР информацию об атомной бомбе во время второй мировой войны.

    Интересно, что это единственная картина из серии, где нет человека.

    Обед — Джордж Сигал, 1964-66

    The Diner, 1964-66 George Segal
    Обед — Джордж Сигал

    Освещенные сверху люминесцентной лампой у реалистичного обеденного прилавка находятся две фигуры. Сцену создают знакомые предметы: кофейные чашки, сахар, диспенсеры для салфеток.

    Объекты реальны, а белые монохромные фигуры — нет. Они застыли в движении, один сидит, а другая работает за прилавком.

    Закусочные — квинтэссенция среднего класса Америки — появились в работах многих художников. Сигал воссоздал повседневную сцену в натуральную величину, момент выглядит таинственно, почти магически открыто. Это мог бы быть кто угодно, в любой забегаловке любой части страны.

    Театральность произведения усиливается тем, что мы стоим с ним в одном пространстве.

    210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол, 1962

    210 Coca-Cola Bottles, 1962 Andy Warhol
    210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол

    На картине изображена икона американской потребительской культуры с характерным для Уорхола механическим стилем. Строгий порядок бутылок отражает сам производственный процесс, в то время как повторяемость отражает его повсеместность.

    Эволюция направления, или нео-поп-арт

    В 1980-е годы возродился интерес к творчеству Энди Уорхола и его современников. Уорхол умер в 1987 году, но задолго до этого он вдохновил новое поколение художников. Следует отметить, что нео-поп-арт (или новый поп-арт) на самом деле не новое движение в искусстве, а скорее эволюция старой версии. Этим термином было удобно классифицировать череду новых художников, которые сочетали в себе элементы поп-арта, авангарда, минимализма, концептуализма и инсталляции.

    Иногда его еще называют «шок поп-артом» из-за его провокационности и противоречивости. Авторы не стеснялись использовать средства массовой информации для привлечения внимания и раскрутки своих работ.

    Пост-поп — это переработанная версия поп-арта, адаптированная под новое время: с новыми знаменитостями, с изображением актуальных проблем. Он критикует западную культуру, как когда-то запад критиковал Америку; часто высмеивает публичных персон.

    Прекрасные примеры этого стиля — скульптура Катарины Фрич 1993 года «Крысиный Король» и скульптура Джеффа Кунса 1988 года: «Майкл Джексон и Бабблз».

    Одна из черт этого направления — игра на чувствах людей, депрессивность, пессимизм, попытка вызвать страх, тревогу. Это было отражением того времени, критикой всеобщих навязчивых идей.

    Наряду со звездами, массово использовались образы животных, таких как мультяшные собаки Кита Харинга, надувные пластиковые кролики Джеффа Кунса, гигантские угрожающие крысы Катарины Фрич или мертвые акулы, коровы и овцы в формальдегида Дэмьена Херста.

    Как стиль развивался в других странах

    Был ли в СССР?

    Считается, что в СССР поп-арта не было. Хотя некоторые картины с натяжкой причисляют к советскому поп-арту.

    «В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть».

    В 70-ые годы в СССР появилась некая разновидность жанра, основанная на политической агитации и социалистических идеях. Назывался такой вид искусства «соц-арт».

    Одной из известных российских (уже после распада СССР в 1991 году) поп-арт картин считается граффити Врубеля «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви».

    Дмитрий Врубель — Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви, 1990
    Mein Gott, hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben

    Сейчас нео-поп-арт в России есть: на картинах, в архитектуре и дизайне.

    Традиционно в российским поп-арт художника причисляют Александра Шабурова и Вячеслава Мизина; Дубоссарского и Виноградова, Алексея Каллима, Ростана Тавасиева, Диану Мачулину, Рошаль-Федорова Михаила.

    В Китае

    В Китае, как и в СССР, стиль получил иное развитие. Смесь западного поп-арта и китайского социалистического реализма получило название политический поп.

    Оно возникло в Китае в 1980-х годах для того, чтобы создать вид искусства, которое ставило под сомнение политический и социальный климат быстро меняющегося Китая

    Политический поп был отчасти реакцией на безудержную модернизацию страны, но также и способом примириться с культурной революцией.

    Wang Guangyi Great Criticism – Coca Cola, 1994

    С банальностью попа и полуироничным подходом к капитализму, в сочетании с пропагандистскими образами эпохи Мао, художники бросили вызов преобладающему отношению к искусству в Китае.

    В Японии

    Два самых известных японских художников.

    Tadanori Yokoo (Ёкоо Таданори)

    Takashi Murakami (Такаши Мураками) — хотя его относят и к пост-модерну.

    Критика

    «Это просто мусор, а не вид искусства», — говорят одни. «Он не заслуживает внимания, это чепуха», — говорят другие.

    Владельцам музеев и выставок запрещали покупать произведения в этом жанре, считая это напрасной тратой денег.

    Однако сейчас поп-арт картины одни из самых дорогих в мире. Так, полотно Энди Уорхола, написанная в 1962 году «Авария серебряной машины», в 2013 году была продана за 105,4 миллионов долларов, «Восемь Элвисов» за 100 млн; «Шедевр» Роя Лихтенштейна в 2017 году был продан за 165 миллионов долларов.

    Поп-арт в XXI веке

    Поп-арт в наше время можно встретить везде: в дизайне одежды (от массмаркета до высокой моды), полиграфии, эффектах и обработке фото, музыкальных обложках, дизайне интерьера, картинах.

    Примеры современного в архитектуре

    В моде

    Если приглядеться, поп-арт печатают везде: на футболках, пижамах, платьях.

    А вам нравится это направление? Считаете ли вы его искусством? Какие эмоции он вызывает? Расскажите об этом в комментариях!

    Показать еще 31 картину

    Источники

    https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/pop-art/think-you-know-pop-art

    https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/pop-art/

    https://www.theartstory.org/movement/pop-art/

    Создаём поп-арт эффект для фото в Фотошоп / Creativo.one

    В этом уроке мы рассмотрим очень красивый и легкий абстрактный поп арт эффект для фотографии.

    Материалы для урока:

    Архив

    Шаг 1

    Для начала выберите подходящее фото, например изображение совы.

    Шаг 2

    Дублируйте изображение, кликните по слою правой кнопкой мыши и выберите пункт Duplicate layer (Создать дубликат слоя), в открывшемся окне нажмите кнопку Ок.

    Шаг 3

    Выберите дублированный слой, затем откройте Галерею фильтров и выберите необходимый: Filter - Artistic - Cutout (Фильтр - Имитация - Аппликация).

    Шаг 4

    Измените настройки в соответствии с изображением ниже, далее нажмите Ок.

    Примечание переводчика: Имейте ввиду, что данные параметры фильтра приведены для изображения, используемого в уроке. Для своей фотографии корректируйте настройки по своему усмотрению.

    Шаг 5

    Снова дублируйте слой, как было описано ранее, но тот к которому был применен фильтр.

    Шаг 6

    Откройте Галерею фильтров и выберите раздел Sketch(Эскиз), в нем фильтр Halftone Pattern(Полутоновый узор).

    Шаг 7

    Измените настройки, как указано на изображении ниже, затем нажмите Ок.

    Шаг 8

    Измените режим наложения данного слоя на Overlay (Перекрытие).

    Шаг 9

    Ниже вы видите изображение на данной стадии урока. Если вы считаете, что на этом цель по созданию абстрактного эффекта выполнена можете заканчивать, если нет - работаем дальше.

    Шаг 10

    Выберите слой с первоначальным изображением.

    Шаг 11

    Дублируйте слой, затем переместите дубликат в Палитре слоев на самый верх.

    Шаг 12

    Измените параметр Непрозрачность, как показано ниже.

    Шаг 13

    Наслаждаемся полученной работой. Правда ведь легко и просто, а результат отменный!

    Автор: Jackson5

    Поп-арт в GIMP – реалистично подделываем Энди Уорхола

    Из этого интереснейшего урока вы узнаете, как создать поп-арт изображение из фотографии в GIMP, подражая стилю известного американского художника и дизайнера Энди Уорхола (Andy Warhol). Внимательно изучив вводную часть урока и повторив все шаги из практической части, вы сможете превратить своё фото в настоящий поп-арт портрет!

    Пример работы:

    Pop art by Andy Warhol – что нужно знать, подражая известному иллюстратору в GIMP?

    Вдохновиться для работы (кликабельно)

    Если вы решились сделать поп-арт картину из фотографии именно в стиле Энди Уорхола, тогда вам будет полезно узнать несколько фактов из истории создания этих изображений самим автором.

    • Первое. Энди создавал картины методом шелкографии, а проще говоря, занимался трафаретной печатью. Для создания многоцветного поп-арта, он последовательно наносил краски на холст или бумагу через комплект трафаретов, представляющих из себя отдельные «слои» целого изображения.
    • Второе. Печатая свои картины, автор использовал так называемые кислотные оттенки цвета, как это видно на большинстве его работ.
    • Третье. Уорхол никогда не позволял заказывать размер портрета. Однажды его друг спросил: «Почему ты так непреклонен? Почему все портреты должны быть метр на метр?». И Энди ответил: «Потому что я надеюсь, что когда-нибудь Центральный музей возьмёт портрет каждого человека и сложит их вместе, как один большой слитный портрет под названием «Портрет общества».

    Резюме. Чтобы ваш поп-арт в стиле Энди Уорхола получился реалистичным: 1) на готовом изображении должна проглядываться текстура бумаги или холста; 2) картина должна быть яркой, красочной, выделяться на фоне большинства других изображений; 3) портрет должен быть квадратного формата (не обязательный пункт).

    Специально для этого урока мы создали доску на Pinterest под названием «Pop-art by Andy Warhol style», на которую добавили самые яркие работы мастера. Внимательно их рассмотрев, вы наглядно познакомитесь с творчеством всемирно известного иллюстратора и проникнитесь духом его работ.

    На этом вводная часть урока закончена. Надеемся, она оказалась для вас полезной, и вы правильным образом настроились на дальнейшую работу в GIMP.

    Подготавливаем изображение, создаём слои-трафареты

    Прежде чем создавать pop-art effect, необходимо провести подготовительную обработку изображения и создать несколько «трафаретных» слоёв.

    Предлагаем вам скачать бесплатные материалы для освоения нашего урока – качественные лицензионные фотографии, а также шпаргалку по сочетанию цветов.

    Шаг 1

    Загрузите в GIMP качественное изображение, которое намерены преобразовать в поп-арт картинку. Мы будем использовать фото размером 1920×1080 пикселей.

    Шаг 2

    Возьмите инструмент Свободное выделение (Лассо) и сделайте обводку модели, расставляя контрольные точки вдоль силуэта модели. Замкните контур, соединив конечную точку с начальной и превратив обводку в выделение. (Чтобы активировать выделение в GIMP 2.10, нажмите клавишу Enter).

    Шаг 3

    Выберите в меню Выделение – Растушевать. Параметры растушёвки можно оставить по умолчанию – 5 px.

    Шаг 4

    Выберите во вкладке меню Правка – Копировать. И сразу, Правка – Вставить. В диалоговом окне Слои появится новый плавающий слой.

    Шаг 5

    а) Сделайте правый клик мышью на плавающем слое и в контекстном меню выберите пункт В новый слой.

    б) Сделайте ещё раз правый клик на образовавшемся слое с моделью на прозрачном фоне, и выберите пункт Слой к размеру изображения.

    в) отключите видимость нижнего слоя, нажав на пиктограмму глаза. Проверьте, чтобы активным оставался верхний Вставленный слой. Ваша стопка слоёв будет выглядеть так.

    Шаг 6

    Выберите в меню Цвет – Порог. В диалоговом окне инструмента смещайте левый ползунок слайдера и при необходимости сместите правый ползунок так, чтобы на получившемся силуэте модели сохранить максимум деталей.

    Нажмите ОК.

    Ваша заготовка для попартовой картины должна выглядеть примерно так.

    Шаг 7 – добавляем слои-трафареты

    а) Создайте поочерёдно три новых прозрачных слоя, нажимая на пиктограмму листа бумаги с загнутым уголком внизу диалогового окна Слои.

    В дополнительном окне настроек каждого слоя введите следующие имена: Trafaret 3, Trafaret 2, Trafaret 1.

    б) Переключитесь на слой с чёрно-белым изображением на прозрачном фоне. Сделайте по нему щелчок мышью, чтобы активировать. В итоге, ваша стопка слоёв будет выглядеть так.

    Подготовительные работы по созданию поп-арт картины из фото завершены. Приступаем к основной части урока.

    Раскрашиваем поп-арт иллюстрацию через цветные трафареты

    В этой части урока мы, образно говоря, будем послойно «наносить краску» на холст через трафареты. На деле же, мы просто зальём каждый слой-трафарет отдельным цветом.

    Шаг 1

    Возьмите инструмент Выделение по цвету и выделите чёрный цвет на силуэте модели, кликнув по нему.

    Шаг 2 – важный

    Активируйте верхний слой с именем Trafaret 1. Таким образом созданное выделение переместится на прозрачный слой.

    Шаг 3

    а) Щёлкните по пиктограмме выбора Цвета переднего плана и фона.

    б) Подберите желаемый цвет в палитре и перетяните его на выделенную часть изображения.

    Шаг 4 – будьте внимательны

    Вернитесь на слой с чёрно-белым силуэтом. Тем же инструментом сделайте выделение белого цвета на изображении.

    Шаг 5

    Активируйте слой Trafaret 2, чтобы перенести выделение на него.

    Шаг 6

    В цветовой палитре подберите новый цвет и так же перетяните его на выделение.

    Шаг 7 – не пропустите

    Выберите в меню Выделение – Снять выделение.

    Шаг 8

    Наконец, перейдите на слой с именем Trafaret 3 и залейте его третьим цветом, контрастирующим с остальными.

    Стопка слоёв с окрашенными трафаретами будет выглядеть так.

    А результат создания простейшего поп-арт изображения выглядит примерно так.

    На этом этапе начинающие пользователи GIMP могут остановиться и сохранить свой pop-art portrait в формате JPEG или PNG. А продвинутые, и те кто не желает довольствоваться малым, но хотят приблизиться к оригинальному искусству Энди Уорхола, могут продолжить работу. А заодно, освоить новые приёмы обработки в GIMP.

    Превращаем картину в реалистичную подделку поп-арта от Энди Уорхола

    Раз уж мы изначально настроились создавать иллюстрацию, по качеству исполнения максимально приближенную к работам Уорхола, давайте доведём дело до конца.

    Для дальнейшей работы вам понадобится текстура тёмно-серого холста. Скачайте нужный комплект текстур из нашего архива и установите его в GIMP.

    Шаг 1 — необязательный

    а) Возьмите инструмент Кадрирование. В настройках поставьте флажок в чекбоксе Фиксировать соотношение сторон. (Можно установить соотношение сторон 1:1.)

    б) Сделайте равностороннее выделение модели, расположив её в центре квадрата.

    в) Нажмите Enter.

    Теперь начинается самое интересное!

    Шаг 2

    а) Создайте новый прозрачный слой с именем Texture.

    б) И переместите его наверх в стопке слоёв.

    Шаг 3

    а) Из диалогового окна Текстуры перетяните установленную текстуру с именем Холст тёмно-серый (400×400) на поверхность изображения.

    б) Измените режим слоя на Объединение зерна и сведите непрозрачность слоя так, чтобы текстура холста едва угадывалась.

    Изображение будет выглядеть примерно так.

    Шаг 4

    Создайте новый белый слой c именем Noise поверх слоя Texture.

    Шаг 5

    а) Выберите в меню Фильтры – Шум – Шум RGB. В настройках фильтра установите значения всех переменных на 0,50. Нажмите ОК.

    б) Измените режим слоя на Объединение зерна и сведите Непрозрачность практически до минимума.

    Картинка должна выглядеть так.

    Шаг 6

    Выберите в меню Фильтры – Шум – Таяние. В настройках фильтра установите число Повторов на 100. Нажмите ОК.

    Шаг 7

    Создайте новый прозрачный слой с именем Eyes и расположите его между слоями Texture и Trafaret 1.

    Шаг 8

    Возьмите белую кисть с жёсткостью 2. Hardness 075 и подобрав нужный размер кисти раскрасьте белки глаз поп-арт модели, как показано на скриншоте.

    Шаг 9 – многосоставной

    Теперь:

    • Создайте очередной прозрачный слой с именем Lips поверх слоя Eyes.
    • Отключите видимость нижестоящих слоёв.
    • Включите видимость нижнего слоя с оригинальным изображением.
    • Проверьте, чтобы активным остался слой с именем Lips.

    Шаг 10

    а) Измените в палитре цвет кисти на красный – HTML-разметка: ff3333.

    б) Закрасьте губы модели, как показано на скриншоте. (При необходимости подправьте контур губ инструментом Ластик.)

    Шаг 11

    а) Включите видимость слоёв, отключенных ранее.

    б) Измените режим слоя с именем Lips, на котором нарисованы красные губы, на режим Умножение.

    Шаг 12

    Выберите в меню Фильтры – Размывание – Гауссово размывание. Установите Радиус размывания на 2 px. Нажмите ОК.

    Шаг 13

    Далее, переключайтесь поочерёдно на нижестоящие слои и применяйте к каждому слою Гауссово размывание с теми же значениями. Сделайте размытие слоёв Eyes, Trafaret 1 и Trafaret 2.

    [Слои, которые нужно смягчить гауссовым размыванием, подчёркнуты пунктиром.]

    После всех вышеописанных шагов, ваша картина станет максимально похожа на оригинальную работу Энди Уорхола.

    На заметку.

    Устали? Можно сохранить проект со всеми слоями в формате .xsf и вернуться к нему в другое удобное время.

    Производим замену цветов, сохраняем 6 отдельных картин

    На данном этапе рекомендуем вам завести на компьютере папку, например, с именем Pop art by Andy Warhol in GIMP. В неё мы будем последовательно сохранять шесть попартовых картинок с различной цветовой гаммой, которые создадим далее.

    Шаг 1

    Прежде всего сохраним уже готовую работу. Через меню Файл – Экспортировать как, сохраните изображение с именем Pop art 1 в формате .jpg или .png.

    Шаг 2 – важный!

    Заприте Альфа-канал у слоя Trafaret 2, на котором вы должны были остаться после всех вышеописанных шагов.

    Для этого в диалоговом окне Слои сделайте один клик по маленькому квадратику с шахматной клеткой над стопкой слоёв.

    Шаг 3

    Выберите в палитре новый цвет и перетяните его на поверхность холста. Вы увидите, как закрасится не весь слой, а только нужная нам область изображения.

    Шаг 4

    Поднимитесь на слой Trafaret 1. Как и на предыдущем слое заблокируйте Альфа-канал и залейте его новым контрастирующим цветом.

    Шаг 5

    Спуститесь на фоновый слой с именем Trafaret 3 и сделайте его заливку третьим цветом на ваше усмотрение.

    На фоновом слое запирать Альфа-канал не обязательно.

    Шаг 6 – по необходимости

    Если желаете изменить цвет губ или глаз, тогда блокируйте на нужных слоях Альфа-канал и заливайте детали портрета подходящим цветом.

    Шаг 7

    В меню Файл выберите команду Экспортировать как и сохраните получившийся портрет под именем Pop-art 2.

    Шаг 8

    Повторяйте шаги с 3 по 7, сохраняя изображения с новыми порядковыми числами. В итоге ваша папка с готовыми иллюстрациями будет красочно пестрить шестью эффектными изображениями.

    Собираем попарт-коллаж из 6 разноцветных портретов

    Теперь давайте соберём все получившиеся портреты на одном холсте, как это не раз делал сам Уорхол. Коллаж будет представлять из себя общее изображение с тремя портретами по ширине и двумя по высоте.

    Шаг 1

    Создайте новый проект через вкладку меню Файл – Создать (Ctrl+N). Установите размеры 3840×2580 px и нажмите ОК.

    Как рассчитать размеры ширины и высоты для нового проекта? Умножьте ширину готового поп-арт изображения на три, а ширину – на два. В нашем случае формула выглядит так:

    • Ширина – 1280×3=3840 px;
    • Высота – 1280×2=2580 px.

    Шаг 2

    Выберите в меню Файл – Открыть как слои и найдите папку с сохранёнными картинками. Зажав клавишу Ctrl выделите каждый файл. Нажмите Открыть.

    Шаг 3

    Возьмите инструмент Перемещение и расставьте миниатюры на поверхности холста по своему усмотрению.

    Для удобства размещения картинок включите функцию Прилипать к краям холста в меню Вид. В итоге при перемещении картинки будут сами притягиваться к кромкам холста, не выходя за его границы.

    Шаг 4 – не пропустите

    Создайте новый прозрачный слой с именем Borders.

    Шаг 5

    Возьмите инструмент Кисть с параметрами:

    • Цвет переднего плана – Чёрный;
    • Непрозрачность – 25,0;
    • Кисть – Acrylic 05;
    • Размер – 50,00;
    • Динамика рисования – Track Direction.

    Шаг 6

    Проведите кистью линии по краям всего изображения, а также вдоль сторон примыкания миниатюр внутри холста, как показано стрелками на скриншоте.

    Чтобы линии получались прямыми, используйте помощь клавиш. Для начала сделайте клик наведённым курсором в одной точке, затем зажмите клавишу Shift и перенесите курсор в другую точку, снова сделайте клик. Линия получится прямой.

    Шаг 4 — заключительный

    Выберите в меню Изображение – Свести изображение и сохраните иллюстрацию в формате JPEG или PNG.

    Готовый результат:

    На этом урок по созданию поп-арт эффекта из фотографии в GIMP закончен.

    P. S. А какая иллюстрация получилась у вас? Поделитесь результатом вашей работы в комментариях!

    Стиль поп-арт в брендинге

    Поп-арт или популярное искусство – это стиль в графическом дизайне, который зародился в 1950-1960 годах. В те годы абстрактный импрессионизм стал заменяться новомодным популярным искусством, в основе которого были средства массовой информации и реклама.

    Самым первым идолом поп-арта стала работа Ричарда Гамильтона и она называлась – «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

    Коллаж вызвал всеобщее удивление и ажиотаж, работа до сих пор считается основоположником стиля поп-арт.

    Также одним из первых последователей популярного искусства становится Энди Уорхол. Однажды, в 1960 году он работал на компанию «Кока-кола» и создал для них новый дизайн бутылок. Эта работа произвела настоящий фурор, а Энди Уорхол становится популярным художником с неординарным мышлением и видением искусства.

    Особенности стиля

    Чтобы отличать стиль поп-арт от других стилей графического дизайна, можно выделить несколько особенностей популярного искусства. Например, в поп-арте всегда присутствуют яркие цвета. Это важно, ведь главной аудиторией является молодежь, которую привлекают яркие расцветки. Кстати, от целевой аудитории зависит вся несерьезность поп-арта и пропаганда потребительского отношения.

    Композиционные решения в популярном искусстве всегда динамичные и неожиданные. А главными героями обычно становятся известные фигуры (певцы, актрисы, политики).

    В поп-арте часто используется техника коллажа и китча. А также, стиль рисовки из комиксов. Жирные контуры, живые герои, которые вот-вот начнут двигаться, и техника растровых точек, словно при печати в типографии.

    Вы, наверное, не раз замечали изображения Мэрилин Монро, раскрашенные и растиражированные в цветных квадратах. Это знаменитая работа в стиле поп-арт, сегодня по этому принципу оформляются фотографии других знаменитых людей. Открытые и простые цветовые решения, а также недорогие материалы, рассчитанные на массы.

    Как искусство, поп-арт отражает реалии современной жизни. Реализм является главным источником вдохновения для художников этого стиля, например визуальные вещатели (журналы, комиксы, телевидение).

    Вообще, изначально стиль поп-арт был призван критиковать популяризацию, однако, благодаря рекламе СМИ и Голливуда, искусство поп-художников стало очень популярным.

    Поп-искусство стало невероятно многообразным. Теперь это не просто коллажи и плакаты, теперь это стиль для создания интерьеров, логотипов, упаковок продуктов, рекламы общественных заведений. Это способ привлечь внимание публики, и многие активно им пользуются.

    Например, вот несколько примеров отличного дизайна интерьеров в стиле поп-арт.

     

    А это пример рекламы и рекламного плаката для суши-бара.

    Поп-арт в брендинге активно используется для привлечения внимания целевой аудитории – молодежи.

    А совсем недавно была создана необычная модель кабриолета Bentley. Дизайн был разработан совместно с британским художником Питером Блейком.

    В салоне автомобиля сиденья обиты разноцветной кожей, а на подголовниках вышита подпись дизайнера. Машина создавалась для благотворительности и выставится на аукционе.

    Поп-арт – это неотъемлемая часть нашей жизни. Это недалекое искусство во всех отношениях, но поразительно эффектное и привлекательное для масс.

     Читайте также:

    21 аккаунт в Инстаграм, которые стоит посмотреть

    7 культовых дизайнеров всех времен

    Дизайнеру: психология логотипов

    Поп-арт | Национальные галереи Шотландии

    Художественное движение 1950-1970-х годов, которое в основном базировалось в Великобритании и США. Поп-артистов называют так из-за того, что они используют образы из популярной культуры. Они также представили методы и материалы из коммерческого мира, такие как трафаретная печать, в практику изобразительного искусства.

    Поп-арт появился примерно через десять лет после Второй мировой войны, прежде всего в Великобритании и Соединенных Штатах.Это так называется, потому что художники исследовали образы из популярной культуры. После периода послевоенной жесткой экономии движение сосредоточилось на гламурном коммерческом дизайне и медиа-культуре, говоря об оптимизме и возможностях. Многие поп-художники, особенно в Соединенных Штатах, выступили против более раннего интроспективного языка абстрактного экспрессионизма, стремясь привлечь внимание масс, смешивая элементы поп-культуры, коллажей и гравюры с традиционными техниками живописи.

    С начала 1950-х годов группа художников и писателей под названием «Независимая группа» собиралась в лондонском Институте современного искусства, чтобы обсудить растущую культуру кино, рекламы и консьюмеризма, эмигрирующих из Соединенных Штатов.Среди членов были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Лоуренс Аллоуэй, Элисон и Питер Смитсон. Считается, что термин «поп» имеет несколько источников, о которых писали Аллоуэй, Смитсон и Гамильтон. Паолоцци также использовал это слово в коллаже под названием « Я был игрушкой для богатого человека , 1947». Его коллажи 1940-х и 1950-х годов теперь часто называют «протопоп», а его новаторская лекция «Бухта» в Институте для современного искусства в 1952 году следовал аналогичным идеям.

    Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека, 1947
    © Попечители Фонда Паолоцци, Лицензия DACS 2017.

    В 1956 году Гамильтон привлек международное внимание своим коллажем « Just What is it, который делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными» , 1956. Создан для групповой выставки This is Tomorrow в 1956 году в галерее Уайтчепел в Лондоне. сатирический подход к новому поверхностному «американскому образу жизни».В 1957 году Гамильтон написал письмо Элисон и Питеру Смитсон, в котором описал характеристики Попа как:

    «Популярный, преходящий, расходный, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, трюковой, гламурный и большой бизнес».
    - Ричард Гамильтон

    В Нью-Йорке к 1950-м годам художники начали исследовать популярную культуру в стилях нео-дада, фанк, бит и перформанс. Среди известных людей были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, которые участвовали в ряде персональных выставок.В 1962 году в галерее Sidney Janis в Нью-Йорке прошла международная выставка New Realists , на которой художники исследовали такие поп-темы, как «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение». Аллоуэй, который переехал в Нью-Йорк, чтобы работать куратором в Музее Гуггенхайма, ввел британский термин «поп», чтобы обозначить эту новую эру в искусстве, которая распространилась по остальным Соединенным Штатам и Европе.

    Многие культовые образы поп-музыки из США были созданы Энди Уорхолом, и его имя стало синонимом стиля.Уорхол, как известно, копировал такие бренды, как Coca Cola и Campbell’s Soup, вместе с изображениями знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Джеки Кеннеди и Элизабет Тейлор, в массовом производстве с использованием методов шелкографии, но он также делал фильмы, цифровые произведения искусства, картины и скульптуры. Название студии Уорхола The Factory отсылает к его массовым работам. Позиция Уорхола о том, что искусство и жизнь должны быть взаимосвязаны, продолжает влиять на современную практику сегодня.

    Во Франции поп-арт возник в форме модернистского реализма, определенного критиком Пьером Рестани как «новые способы восприятия реальности». Художник Арман отказался от своего более раннего абстрактного стиля живописи в пользу создания скульптур из найденных или выброшенных произведенных предметов. В Германии термин «капитальный реализм» стал обозначать художников, на которых оказала влияние американская поп-музыка, основанная Зигмаром Польке и включающая участников Герхарда Рихтера и Конрада Люга, которые исследовали и анализировали образы и фотографии популярной культуры с понимающей иронией.В Великобритании поп продолжал развиваться в Лондоне, среди представителей которого были Дэвид Хокни, Джо Тисон и Билли Эппл.

    Влияние поп-музыки продолжалось на протяжении 1960-х и 70-х годов, пока его не затмили концептуальное искусство, инсталляция и перформанс. В конце 1970-х - начале 1980-х годов идеи поп-музыки начали возрождаться как нео-поп, возглавляемый Джеффом Кунсом, который прославляет американскую культуру потребления и китч диковинными картинами, скульптурами и фотографиями. Такаси Мураками также был связан с нео-попом, с его присвоением японской поп-культуры и моды, а также своим «суперплоским» стилем рисования.Оба художника придерживаются делового подхода к производству произведений искусства, нанимая помощников на крупных фабриках для производства товаров, что напоминает Фабрику Уорхола в 1960-х годах.

    Поп-арт портретов Энди Уорхола: характеристики картин шелкографии

    Лиз Тейлор (1962) Портрет шелкографии.
    Один из серии однократных и многократных
    портретов, созданных Энди Уорхолом
    кинозвезды. Эти работы занимают
    место среди величайших портретов. картины
    года 20 века.

    Зеленая автомобильная авария (1963).
    Одна из фотографий катастрофы Уорхола,
    на основе полицейских фотографий
    жертв на месте крушения. Сейчас входит в топ-20 самых дорогих
    в мире картины.

    СОВРЕМЕННАЯ ЖИВОПИСЬ
    Другие фотографии, подобные тем, что были сделаны Энди Уорхолом
    , см .:
    Greatest 20-го века. Картины.

    СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ
    Для других художников, таких как
    Энди Уорхол, см:
    Современные художники.

    Введение

    Энтузиазм Энди Уорхол за эстетику телевидения, светские газетные колонки, и журналы для фанатов полностью противоречили европейской модели художник-авангардист, за которым последовали абстрактные экспрессионисты. Уорхол требовал богатства и славы и считал любого, у кого они есть. очаровательный. Кроме того, его «палитра губной помады и перекиси водорода» является, как указал Адам Гопник (New Yorker, 10 апреля 1989 г.), " совершенно оригинальное чувство цвета, которое отличает все предыдущие американские палитры выглядишь европейцем."Отрицание Уорхолом какой-либо оригинальности определило его художественное идентичность и свежий вид его картин - используя новейшие методы коммерческого искусства - это подтверждено.

    Часть уникального мастерства Уорхола заключалась в его признание того, что с человеком можно общаться через средства массовой информации гораздо больше эффективнее, чем может быть арт-объект, и он попытался определить свое существование полностью на неглубокой плоскости воспроизводимых изображений. В его В каталоге выставки 1968 года для Музея современного искусства в Стокгольме он писал: "Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность моих картин, и вот я.Больше ничего нет ". с начала 1960-х до своей смерти в 1987 году Уорхол ловко использовал оба стиля и средств массовой информации, тем самым обнажая поверхностные ценности современного общества с откровенностью, которая была подрывной и намного опережала свое время. Он показал, что вся слава одинакова и бессмысленна в мир постоянно меняющихся образов; его собственный публичный имидж мог быть неотразимо гламурно, но в то же время его поверхностность оставила тревожный эмоциональный пустота.

    Примечание: Среди других поп-исполнителей: Alex Кац (род. 1927), Рэй Джонсон (1927-95), Том Вессельманн (р. 1931), Джеймс Розенквист (р. 1933), Джим Дайн (р. 1935) и Эд Руша (род. 1937).

    Фон

    Уорхол родился недалеко от Питтсбурга в 1928 году. в семью византийско-католических иммигрантов из Словакии из рабочего класса. Получив степень графического дизайна в Carnegie Tech в 1949 году, он переехал в квартиру в Нью-Йорке со своим одноклассником Филипом Перлстайном (б.1924) и быстро добился успеха как коммерческий художник. Уорхола Рисунки обуви New York Times для Миллера и компании принесли ему особые впечатления. признание, и через десять лет он стал одним из самых высокооплачиваемых коммерческих художников. в городе, зарабатывая 65000 долларов в год. Уорхол продолжил карьеру в графике. искусство до декабря 1962 года, но с самого начала у него были личные стремления стать успешным прекрасным художником.

    Стилистически попытки Уорхола в искусстве в 1950-е годы был тесно связан с его коммерческой работой в рекламе, и несколько методов и техник из его практики коммерческого дизайна ожидаемые аспекты его более позднего изобразительного искусства.Например, он разместил «раскраску» партии »для производства своей рекламы и делегировал несколько задач своей матери, тактика, которую он повторил позже, широко используя помощников для изготовления своих произведений искусства. Точно так же его техника рисования - или обводки. картинки из журналов - на бумаге с последующим переносом мокрыми чернилами на подготовленный фон было повторено позже в его применении шелкографии печать.

    Характеристики раннего поп-арта Уорхола

    В то время как некоторые художественные практики Уорхола 1950-х гг. сохранились в его более поздних работах, вряд ли можно сказать, что они неизбежно привело к шокирующей прямоте, с которой он внезапно начал перенять коммерческий стиль в своих картинах в конце 1959 года.Ни один был ли прецедент для его радикального присвоения предмета прямо из средств массовой информации для его больших картин с изображениями из комиксов и газетные объявления (например, Campbells Soup Can, 1962). По словам Барри Блиндермана (Современные мифы: интервью с Энди Уорхолом, 1981 г.) во время раннего шестидесятые Уорхол использовал проектор, чтобы расшифровывать и увеличивать свои источники с механической точностью, и в своих заявлениях для прессы он подчеркивал отрицать любую оригинальность в своей работе.Тем не менее он отказался от комикс как предмет с того момента, как он встретил Роя Лихтенштейна картины комиксов в галерее Лео Кастелли в 1961 году, раскрывающие увлеченный инстинкт необходимости создания оригинального стиля.

    Определившись с тематикой - недорого реклама, комиксы и заголовки из дешевых бульварных газет - Уорхол играл с 1960 по 1962 год в разных стилях. В некоторых композициях он расшифровал свои источники в свободной манере с каплями краски чтобы придать им выразительный характер, характерный для рисования жестов.В то же время он создавал другие образы с твердыми, четкими краями, холодным, механический стиль, к которому он в конце концов остановился, назвав их своим "нет" комментарий »картины.

    Уорхол наслаждался ошеломляющим неизбирательным массовые изображения, продвигаемые с помощью медийной рекламы. Его искусство выражало и превозносили "одинаковость" массовой культуры, которую так называемые Интеллигенция, занимающаяся абстрактным экспрессионизмом, ненавидела. В его книге Философия любого Уорхола (1975), он сказал, что то, что ему нравится в Америка заключалась в том, что ее самые богатые потребители покупают многие из того же, что и самый бедный."Президент пьет кока-колу, Элвис пьет кока-колу - кто угодно и все пьют кока-колу. И никакие деньги не могут купить кого-то лучшего Кока-кола, потому что все кока-колы одинаковы.

    Тем не менее, его выбор предметов не был случайный или произвольный. Как сообщает Кинастон МакШайн в своей публикации, Энди Уорхол: ретроспектива (1989, МОМА, Нью-Йорк), многие из его ранних изображений - «Парики», «Где твой разрыв?», «До и После »- в отношении продуктов, обещающих улучшить осанку, волосы и более крупные мышцы отражают физическую неуверенность Уорхола.Четный Супермен и Попай, которых он нарисовал в 1960-61 годах, - это персонажи, которые переживают мгновенные, физические преобразования. Интерпретация МакШайна подтверждается попытками Уорхола улучшить свою внешность в 1950-х годах, надев серебряный парик и косметическая операция по изменению формы носа в 1957 году.

    У Уорхола не было своей выставки поп-картины в Нью-Йорке, пока Элеонора Уорд не продвигала их в Конюшне. Галерея осенью 1962 года, правда, некоторые из них он повесил (напр.Рекламное объявление, Маленький король, Супермен, До и после и Субботний Папай) в качестве фона к модным манекенам в универмаге, который он организовал для Бонвит Теллер в апреле 1961 года. Это был Ирвинг Блюм из галереи Ферус (Лос-Анджелес). Анхелес), который устроил ему свою первую выставку в галерее осенью 1962 года: установка тридцати двух банок для супа Campbell's, размером 20 X 16 дюймов каждый. Уорхол, всегда идущий в ногу с последними тенденциями, возможно, нарисовал их как ответ на Painted Bronze Ale Cans (1960) Джаспера Джонса, но они превзошли скульптуру Джонса мягким нейтралитетом своего серийное состояние.Образы настолько неотразимы, какие они есть; Они не банки с супом, а образы, отделяющие "означающее" от «означенное» более точно, чем почти любая картина, созданная до того времени. Хотя некоторые из рисунков Уорхола консервных банок все еще сохраняют тонкую жесткость, даже в 1962 году тридцать две банки не имеют и следа выразительного жеста или индивидуальности.

    Шелкография: Устранение прикосновения художника

    Уорхол нарисовал банки и заголовки газет 1961 и 1962 годов вручную, но в конце 1962 года он научился передавать снимок фотографически на шелкографию и сразу же переключился к этой технике, устраняя все следы прикосновения художника и производя более механически отстраненная картина.Более того, он все больше приходил в полагаться на помощников в создании его картин. В июне 1963 г. он нанял Жерар Маланга будет работать полный рабочий день над шелкографией и постепенно другие помощники пополнили фонд заработной платы. Они действовали как сотрудники в бюро графического дизайна. Когда Уорхол начал работу над своей Мэрилин Монро, например, Маланга и Билли Нэйм выполнили большую часть работы, например резал вещи и расставлял ширмы, пока ходил по рядам задавая вопросы вроде "Какого цвета, по вашему мнению, было бы неплохо?" Уорхол сознательно заявил о своей непричастности, полагая, что кто-то другой должен уметь делать все его картины за него.Он утверждал что причина, по которой он использовал помощников и работал так, как он это делал, заключалась в том, что он хотел быть машиной и создать полностью «нейтральный» вид, лишены какого-либо человеческого прикосновения. Однако правда в том, что он легко мог нанял работу, если он действительно хотел подлинно коммерческий смотрю. Как бы то ни было, он предпочел включить случайные человеческие ошибки, такие как как несовпадение экранов, неравномерное рисование и прерывистое мазки.

    Губы Мэрилин Монро (1962, Музей Хиршхорна) и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия) имеет вид несовершенного принта. запустить, где черная линия и цветной экран не совсем подходят друг к другу и качество рисования сильно различается. Банальное повторение создало коммерческими процессами массового рынка, похоже, противоречит (хотя и пассивное) индивидуальное присутствие как на этой картине, так и на Золотой Мэрилин Монро (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Повторение дает образы анонимный, бесстрастный вид, в то время как особенности каждого несовершенного сфабрикованный блок успевает самоутвердиться, создавая неловкий диссонанс между механическим фасадом и чувством личности, похороненной внутри Это. Таким образом, и наблюдатель, и художник превращаются в ничто. больше, чем пассивные вуайеристы, живущие на конвейере массового производства изображений.

    Кинозвезда и Картины катастроф: пугающая пустота

    Растущее количество портретов Мэрилин Монро, Лиз Тейлор и другие кинозвезды имели тесные отношения с Уорхолом. увлечение гламуром и блеском Голливуда.В Энди Уорхоле (1968), в своем выставочном каталоге для Moderna Museet в Стокгольме он заявил: «Я люблю Голливуд. Он прекрасен. Все пластичны. Я хочу будь пластичным ». Он был самым большим поклонником, конечным потребителем. у его «Мэрилин Монро» есть и темная сторона. Они были сделаны после самоубийства актрисы в августе 1962 года. Более того, механический повторение ее портрета заставляет ее казаться прозрачно поверхностной, отрицающей в ней любое чувство индивидуальности, скрытое за поверхностным изображением.Он составляет пугающая деперсонализация человека и, возможно, отражает собственное представление художника о самом себе. Например, еще в 1975 году он писал: "Меня все еще не отпускает мысль о том, чтобы посмотреть в зеркало и увидеть никого, ничего. "

    Во время телетрансляции национальной трагедии как самоубийство Мэрилин Монро или убийство и похороны Джон Ф. Кеннеди (всех которых Уорхол одержимо рисовал) одно и то же видео клипы проигрываются снова и снова целыми днями."Мэрилин" Уорхола и другие портреты из нескольких изображений имеют такое же обезболивающее повторение.

    В 1963 году Уорхол начал работу над катастрофой. серия - например, «Субботняя катастрофа» (1964, Rose Art Museum, Brandeis). Университет - вот что еще больше развило болезненное качество «Мэрилин». Он основал сериал на ужасных полицейских и бульварных фотографиях автомобиля. жертвы аварии, электрический стул и атомная бомба. Он воспроизвел изображения в разнообразной цветовой гамме и орнаменте.Эти изображения беспокоят не только из-за их ужасающей ясности, но еще и потому, что отряд Уорхола предполагает ужасную деперсонализацию: эмоциональная пустота, отражающая отчужденность жизни шестидесятых.

    В 1962 и 1963 годах Уорхол создал несколько портреты почитаемого им художника-неодада Роберта Раушенберга за то, что поднялся от бедности к славе. В известном смысле пример Раушенберга является примером знаменитого высказывания Уорхола о том, что «в будущем все будут быть всемирно известным за пятнадцать минут.'Уорхола очень привлекали представление о знаменитостях как о потребительском продукте, который может владеть.

    Завод (1963-67)

    В конце 1963 года студия Уорхола была переехал на старую фабрику на Сорок седьмой восточной улице. "Фабрика," как стало известно, постепенно превратился в место, наполненное шикарной модой личности и другие "красивые люди", трансвеститы, вместе с участниками музыкального андеграунда, многие из которых были заняты наркотиками и / или странное поведение.Уорхола, казалось, нужно было окружить причуды, а также художники, декадансом и развратом, а также прекрасным Изобразительное искусство. В любом случае, в 1964 году Уорхол все еще продюсировал. назад, многие искусствоведы до сих пор уверены, что важная работа Уорхола датируется с 1960 по 1964 год.

    К 1965 году растущая слава Уорхола привлекала другие знаменитости Нью-Йорка, которые хотели видеть и быть увиденными на Фабрике. В то же время СМИ преследовали Уорхола, в то время как посетители и прихлебатели пытались привлечь его внимание.Осенью 1965 г. при открытии Выставка Уорхола в Институте современного искусства в Филадельфии, четыре тысячи человек разместились в двух небольших комнатах, и персоналу пришлось убрать картины со стен для безопасности. Это была художественная выставка без Изобразительное искусство!

    "Интересно, что это за все эти люди кричат ​​", - вспоминал позже Уорхол в книге" Попизм ". (1980, Уорхол и Хакетт). "Было невероятно представить, что это происходит на арт-открытии.Но тогда мы были не просто на художественной выставке - мы были художественная выставка "

    В 1966 году Фабрика начала собираться. по вечерам в ресторане на Юнион-сквер, известном как Макс Канзас Город. Он был популярен среди художников и писателей, а его задние комнаты принимали цирк эксгибиционизма, наркотиков и сексуальности. Включены знаменитости Трумэн Капоте, Бобби Кеннеди, а также влиятельные фигуры из учреждение города, а также его метро.Но Уорхол оставался катализатор: присутствие, которое вдохновляло или пассивно провоцировало людей на жизнь из своих фантазий, пока он смотрел или фотографировал.

    Одна из самых престижных галерей Нью-Йорка. Постмодернистское искусство принадлежало Лео Кастелли. Уорхол всегда хотел провести там персональную выставку (в 1962 году там была у Роя Лихтенштейна), и Кастелли, наконец, дал ему один в 1964 году. Его первая выставка была одной из лучших. «Цветы», в которых Уорхол отошел еще дальше от натурализма в его палитре - не то чтобы его ранние работы были в каком-то строгом смысле натуралистичными, но он стремился либо использовать шкалу ценностей, соответствующую природе, или более искусственная шкала с хотя бы остаточным сходством.Из В 1964 году он начал включать в свою палитру совершенно ненатуралистические цвета: например, картина бирюзового и розового цвета «Банки супа Кэмпбелла» вместо красных и белых и создание многотональных «Автопортретов» с синим лицом и желтыми волосами.

    К 1966 году став ведущей арт-знаменитость шестидесятых с выставкой в ​​самых модных галерее Уорхолу наскучило рисование, и он практически остановился, предпочитая сосредоточиться на продвижении психоделического мультимедийного перформанса под названием "Взрыв пластика неизбежно" с рок группа Velvet Underground.Он также все больше обращался к кино, съемкам The Chelsea Girls (1966), первая финансово успешная, но в высшей степени успешная скучный, андеграундный фильм. Затем последовал ряд ужасающих фильмов. это не могло полностью оправдать их художественные счета. Это не было сюрпризом, так как его ранние фильмы были бескомпромиссно уорхолковскими в своей пассивности. Все, что он сделал, это просто направил камеру на кого-то и дал ей поработать. звуковой дорожки не было, как в его 6-часовом бездельничьем фильме под названием «Сон». (1963).В «Ешьте» (1963) камера непрерывно фокусируется в течение 45 минут на поп-артист Роберт Индиана, пожирающий гриб. В «Империи» (1964) камера жестко фокусируется в течение 8 часов на вершина Эмпайр-стейт-билдинг.

    Художественные Снижение

    В 1967 году фабрика переехала на Юнион-сквер, 33. Уэст и сцена становились все более и более странными до июня 1968 года, когда Уорхол был застрелен и серьезно ранен фанаткой Валери Соланас, у которой был небольшая роль в одном из его фильмов.Атмосфера карнавала внезапно закончилась. Уорхол был объявлен мертвым на операционном столе, но, к счастью, ожил. Проведя 8 недель в больнице, он в испуге вернулся на Фабрику. человек. Несмотря на его страх, что он может потерять свои творческие способности без стимула Из-за карнавального хаоса вокруг него доступ в студию был закрыт. Фабрика сконцентрировалась на массовом производстве произведений искусства, которые можно было бы продать: коммерческие сувениры авангарда, которые Уорхол назвал "Деловыми". Изобразительное искусство.

    Фактически, работы Уорхола были произведены использует конвейерные методы с 1963 г. - в середине 60-х гг. изготовление до 80 картин шелкографии в день и в один момент фильм каждую неделю. В любом случае к середине 1969 года изобразительное искусство Уорхола в значительной степени высушенные. Как процитировали Бриджид Полк, одну из помощниц Уорхола в студии как говорят: «Я все это делаю последние полтора года. Энди больше не занимается искусством.Ему это надоело ». В основном это было правдой. Уорхол обратил свое внимание на другие предприятия, такие как Interview, его светский журнал сплетен.

    Новые портреты

    В начале 1970-х годов Уорхол возродился его интерес к живописи с серией светских портретов и картин китайского коммунистического лидера Мао Цзэдуна - напр. Мао (1973, Художественный институт Чикаго). К настоящему времени Уорхол стал всемирно известным художником-знаменитостью. - самый обсуждаемый художник после Пикассо, постоянный гость A-list общественные мероприятия и культурные мероприятия.Когда Вьетнамский эндшпиль начал разворачиваются, наряду с политическими и криминальными разоблачениями Уотергейта, как очень богатые, так и контркультурное протестное движение заботились о себе с символами. Картины председателя Мао Уорхола развеселили богатых коллекционеров произведений искусства в то же время подтверждая господство западного капитализма превратив культового чемпиона мировой революции в потребителя продукт для богатых.

    Появились еще портреты.Действительно, Шелкографические портреты семидесятых в обществе Уорхола оживили жанр портретного искусства. Многие были напечатаны на подготовленной текстурной основе. кисти в стандартном формате двух панелей 40 X 40 дюймов, и многие из субъекты принимали вид безразмерных пластмассовых предметов.

    Что реально?

    В семидесятых и восьмидесятых годах Уорхол взял на больше рекламных и дизайнерских комиссий. Он даже стал потребителем сам продукт, когда он был показан в рождественском каталоге 1986 года для Нейман-Маркус: он рекламировал сеанс портрета с Уорхолом по цене 35000 долларов.Усиливающаяся ассоциация Уорхола со статусом и использованием денег поверхностность и материализм американской потребительской культуры в 70-е и 80-е годы, когда люди повсюду начали чувствовать себя более отчужденными нереальность жизни. Как признался сам художник: «Не знаю. где искусственное останавливается и начинается настоящее ». Печальное признание от первосвященника поп-арта, сделавшего карьеру на раскрытии «правда» о современном обществе.

    Поп-арт картин и рисунков Энди Уорхола можно увидеть во многих лучших в мире галереи современного искусства и в лучших художественные музеи по всему миру.

    Обзор движения поп-арт | TheArtStory

    Краткое содержание поп-арта

    Поп-арт начался с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, каждый из которых опирался на популярные образы и фактически был частью международного явления. После популярности абстрактных экспрессионистов, повторное введение Попом идентифицируемых образов (взятых из средств массовой информации и массовой культуры) стало серьезным сдвигом в направлении модернизма.Тематика стала далека от традиционных тем «высокого искусства» морали, мифологии и классической истории; скорее, поп-художники прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни, таким образом стремясь поднять массовую культуру на уровень изящного искусства. Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

    Ключевые идеи и достижения

    • Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой.Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
    • Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, возможно, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства.
    • Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая часть его в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт обычно «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий отказ от него, было предметом многочисленных споров.
    • Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он циркулировал, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
    • Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов.Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

    Обзор поп-арта

    От первых изобретателей в Лондоне до более поздней деконструкции американских образов такими, как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист - движение поп-арта стало одним из самых востребованных художественных направлений.

    Работ по стилю: Поп-арт

    Стиль

    Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой.Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.

    Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, возможно, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства.

    Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая его часть в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт обычно «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или отказ от него, было предметом многочисленных споров.

    Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

    Коллажи в стиле поп-арт британских художников Эдуардо Паолоцци и Ричарда Гамильтона передают смешанные чувства европейцев к американской поп-культуре; одновременно превознося объекты и изображения массового производства, одновременно критикуя излишества.В его коллаже: Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в одно связное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Независимой группы были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признавая вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 1945 года.

    В США Рой Лихтенштейн доказал, что он может выполнить требования к «великой» композиции, даже если его тема заимствована из комиксов. В дополнение к использованию изображений из этих серийно выпускаемых книжек с картинками, Лихтенштейн применил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только использовал те же яркие цвета и четкие очертания, что и в популярном искусстве, но и его самым новаторским вкладом стало использование точек Бен-Дея: маленьких точек, используемых для передачи цвета в дешевых комиксах массового производства.Сосредоточившись на одной панели в комиксе, холсты Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может сместиться, а текст может быть отредактирован. . Рисуя вручную точки, обычно генерируемые машиной, и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стирает грань между массовым воспроизведением и высоким искусством.

    Джеймс Розенквист также напрямую использовал для своих картин образы популярной культуры.Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист проявлял творческий контроль через свои сюрреалистические сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист коллировал вырезки из журналов из рекламы и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов идеально перешло в его реалистичные визуализации этих коллажей, расширенных до монументальных масштабов. Работая часто намного больше и шире, чем 6 метров, Розенквист наполнил обыденное тем же статусом, ранее закрепленным за высокими, иногда королевскими предметами искусства.

    Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но его тематика сильно менялась на протяжении всей его карьеры. Общей темой для разных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие предметы, как бутылки кока-колы и консервные банки Кэмпбелла, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений.Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергала представления о художественной аутентичности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелла; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Он также приравнял статус массового производства потребительских товаров к статусу знаменитостей на портретах, таких как Мэрилин Диптих (1962).

    Клаас Ольденбург, известный своими монументальными скульптурами повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, начал свою карьеру в гораздо меньших масштабах.В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры обыденных предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал The Store (1961). Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после The Store , конструируя большие повседневные предметы, такие как кусок торта, рожок мороженого или миксер, из ткани и набивки, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. .Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных предметах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному общественному искусству, например, 45-футовой прищепке (1976) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, в работах Ольденбурга всегда сохраняется игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы перевернуть ожидания зрителя.

    В реестре Ferus Gallery Эд Руша был одним из главных художников Лос-Анджелеса, работавшим в различных медиа, большинство из которых обычно печатались или рисовались.Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих первых картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на массовую культуру была картина Large Trademark with Eight Spotlights (1962), где он присвоил логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и четкой палитрой мультфильма, перекликающейся с аналогичными рекламными щитами. Его последующие словесные рисунки еще больше размыли границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подорвав разделение между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали в себя трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы, на холстах.Работы Руши предвещают концептуальное искусство конца 1960-х годов, движимое идеей, лежащей в основе произведения искусства, а не конкретным изображением. Исследование Рушей множества обычных изображений и тем вышло за рамки простого их воспроизведения, а изучило взаимозаменяемость изображения, текста, места и опыта.

    Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он циркулировал, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.

    См. Также Поп-арт (художественное направление)

    Источники: www.theartstory.org

    .

    alexxlab

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *