Сколько людей – столько и возможностей создать нечто уникальное. Мы всегда обсуждаем с заказчиком все детали, чтобы конечный результат был по-настоящему индивидуальным. Никаких скучных типовых решений.

Современное оборудование позволяет работать практически без ограничений. А значит, мы можем воплотить даже самые сложные задачи, передавая всю палитру цветов, оттенков и текстур. И главное – гарантируется полная схожесть с оригиналом.

Согласитесь, часто вы опасаетесь, что кто-то подарит точно такой же или похожий подарок, как и вы. Ситуация не самая приятная. Но здесь вы 100% с подобным не столкнетесь. Такой подарок нельзя купить в сувенирной лавке или найти в первом попавшемся интернет-магазине. Это кропотливая и высокоточная работа, за которую берутся только профессионалы.

Мы готовы реализовать любую идею – от фигурки в обычном офисе до создания сказочного персонажа в фантастических декорациях. Всячески поддерживаем креативность клиентов и с радостью предложим свои интересные варианты.

Дарите правильные подарки. Те, которые запомнятся на многие годы и точно не будут пылиться на самой дальней полке. SPRINT3D к вашим услугам!

РГППУ — Творческий экзамен кафедра ИД

Абитуриент должен выполнить графическое линейно-конструктивное изображение натюрморта с легкой тональной проработкой, составленного из группы гипсовых геометрических тел, с натуры. Линейно-конструктивный рисунок с легкой проработкой тона предполагает построение предметной плоскости и геометрических тел в их пропорциональной и композиционной взаимосвязи с учетом законов линейной и воздушной перспективы, где тон наносится с целью выявления местоположения падающих и собственных теней и не должен мешать визуальному восприятию линейного построения. Изображение натюрморта на формате листа можно располагать по горизонтали или по вертикали (в зависимости от точки зрения). Материалы: бумага формата А-3 (ватман), простые карандаши различной твердости и мягкости, ластик.

Абстрактная геометрическая плоскостная монохромная композиция, выражающая требуемые в задании ассоциативные ощущения легкого, тяжёлого, динамичного, статичного, ажурного, равновесного и т.д. Абитуриент представляет свое видение темы задания посредством условных графических средств: линии, плоскости, пятна, применяя наиболее подходящие для выражения ассоциативных ощущений автора средства и приемы композиции, такие как: пропорции, масштабность, ритм, контраст или нюанс, симметрия, асимметрия, динамика, статика. В композиционном решении взаимосвязь геометрических фигур должна выявлять психологический образ, предложенный в теме задания в экзаменационном билете. Необходимо раскрыть тему точно, без побочных ассоциаций. Материалы: бумага формата А-3 (ватман), простые карандаши различной твердости и мягкости, черные: роллер, линер, гелевая ручка.

Увидели опечатку? Выделите фрагмент и нажмите Ctrl + Enter

Композиция из геометрических фигур фото

Автор На чтение 15 мин. Опубликовано 12.12.2019

09 Февраля 2016

Фотография — это то, чем становятся живопись, композиция, пластический ритм, геометрия, размещенные в считанных долях секунды (Анри Картье-Брессон).

Фото: Ronald Koster

Когда мы думаем о композиции в фотографии, первое, что приходит в голову — это золотое сечение, правило третей, формат кадра, контраст, точка съемки…

Но есть еще один важный элемент в композиции – геометрия. Геометрия в фотографии — это простые формы, такие как квадрат, треугольник, круг, прямые и кривые линии.

Геометрические объекты обычно вспомогательные, они усиливают восприятие и могут объединять отдельные элементы фотографии в единое целое. Выбирая ту или иную геометрическую форму в фотографии, автор может заранее акцентировать внимание будущего зрителя на его определенных зонах. Установлено, например, что углы квадрата оказываются очень активными зонами, а для круга или овала – это центр. Не случайно, с давних времен сложилась традиция портретов в овале. Углы не отвлекали внимание от главного — изображения лица. Наиболее распространенный и наиболее разносторонний геометрический инструмент – это линии. Более подробно о них читайте в нашей отдельной статье.

Фактически, любой объект окружающей среды можно сравнить с какой-либо геометрической фигурой, но все они пробуждают у зрителя разные эмоции и чувства. Простые геометрические формы, такие как круг и квадрат, намного быстрее фиксируются нашим глазом и воспринимаются мозгом, а следовательно и лучше запоминаются, нежели сложные и неправильные. Вообще выделяют три базовых фигуры. Это прямоугольник, треугольник и круг. Всё остальное – овал, квадрат, трапеция, эллипс, ромб всего лишь их вариации. Все они отличаются как графически, так и (не удивляйтесь) эмоционально.

КВАДРАТ В КОМПОЗИЦИИ

Квадрат — это самая устойчивая, законченная форма, готовая вызывать утверждающие образы. Он ассоциируется с такими понятиями, как порядок, стабильность, надежность, прочность. В то же время, квадрат воспринимается несколько приземленно и тяжеловесно.

Фото: Robertino Nikolic. “Свет играет с геометрией или геометрия со светом?”. Победитель конкурса Black & White Spider Awards, 2007.

Фото: Alma (источник — 1510.deviantart.com)

Фото: G. Diaz Deleon

ПРЯМОУГОЛЬНИК В КОМПОЗИЦИИ

Прямоугольник, расположенный̆ большей̆ стороной̆ по горизонтали вызывает ощущение стабильности, покоя, основательности.

Фото: Guerel Sahin

Фото: Guerel Sahin

Особенно гармонично смотрится, если он выполнен в пропорциях «золотого сечения». Прямоугольник, расположенный̆ большей̆ стороной̆ вдоль вертикали, создаёт ощущение лёгкости, воздушности.

Фото: Joe McNally

ТРЕУГОЛЬНИК В КОМПОЗИЦИИ

Треугольник — наиболее часто встречающаяся в природе форма. Треугольник — самая динамичная, неустойчивая форма, которая ассоциируется с движением, развитием, скоростью. В положении «вершиной вверх» вызывает образы устойчивости, стабильности (пирамида). Несколько треугольников — позитивное динамическое движение. В положении «вершиной вниз» – шаткое равновесие, балансировка. В отличие от прямоугольника, стороны не противостоят друг другу, а меняют направление развития. Это может быть использовано для создания конкретных образов. Треугольник естественным образом вносит в композицию ощущение глубины пространства.

Фото: Josh Johnson

КРУГ В КОМПОЗИЦИИ

В форме круга более чем, в какой̆ — либо, выражена идея природы, земли, мироздания. Круги изобилуют как в природе, так и в мире рукотворных предметов. Поэтому такие понятия как «добро», «жизнь», «счастье», «процветание» ассоциируются у человека именно с этой̆ формой̆. Данная форма направляет взгляд внутрь кадра. Круг ассоциируется с чем-то легким, воздушным и при этом – уравновешенным. Но, в отличие от квадрата, это равновесие ближе к физическому понятию «неустойчивое равновесие». Круги — самые приятные глазу фигуры, которые можно смело использовать в кадре. Они сразу приковывают внимание зрителя и, благодаря своей идеальной симметричности, привносят в изображение гармонию. Поскольку у круга нет углов, он прекрасно контрастирует с прямоугольным обрезом кадра.

Фото: Steve McCurry

Фото: Georgios Karamanis

Фото: Elia Locardi

Как и треугольник, круг — очень эффектная геометрическая фигура, которую можно с пользой применить в композиции кадра, хотя и с другим смыслом. В отличие от диагоналей, заряжающих кадр динамикой и напряжением, кривые линии создают гармонию. Таким образом, можно создавать выразительные и информативные композиции, основанные на простых геометрических фигурах.

Фото: William Morris Kahn

Фото: Joe McNally

Фото: Joe McNally

Геометрические объекты можно условно разделить на три группы по их функциям: направляющие линии, разделители пространства и обрамление. Разделители пространства делят снимок на отдельные зоны, несущие свою смысловую нагрузку, но работающие вместе для создания единой композиции. Примером, простейшего разделителя пространства может послужить линия горизонта, отделяющая небо от поверхности моря. Очень хорошо смотрятся в качестве разделителя пространства треугольники, но и такие элементы, как диагонали и незамкнутые линии, тоже уверенно можно использовать.

Фото: Вадим Докторов

Обрамления носят функцию притяжения взгляда зрителя и его фокусировку на основном объекте. В качестве обрамляющих элементов отлично работают дверные проемы, арки, окна. Кроме того, великолепно с этой функцией справляются и естественные элементы, например, ветви деревьев. Важно чтобы обрамление присутствовало, как минимум, с двух сторон снимка и было выполнено в спокойной тональности, желательно более темной, чем главный объект, чтобы не отвлекать зрителя. Обрамляющий элемент должен иметь интересный цвет, форму, текстуру или иные примечательные характеристики, но стоит помнить, что обрамляющие элементы должны направлять, а не отвлекать. Особенно хорошо в этом плане работают треугольники или арки. Арка способна создать интересную динамичную композицию.

Фото: Guerel Sahin

Пробуйте, экспериментируйте и не забывайте, что в одном снимке вы можете использовать сразу несколько геометричских фигур для построения композиции.

Урок 1. С построения композиции начинается любой снимок.
И для того чтоб ваши фотографии смотрелись гармонично и грамотно нужно изучить ее основы.

Основы композиции.

Статика и динамика в композиции.

Вначале небольшое вступление

Что же такое композиция ?
Композиция (от лат. compositio ) означает составление, соединение сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей.
Имеется в виду продуманное построение изображения, нахождение соотношения отдельных его частей (компонентов), образующих в конечном итоге единое целое — завершенное и законченное по линейному, световому и тональному строю фотографическое изображение.

Для того чтоб лучше передать в фотографии идею используют специальные выразительные средства: освещение, тональность, колорит, точка и момент съемки, план, ракурс, а также изобразительный и различные контрасты.

Знание закономерностей композиции поможет вам сделать свои фотоработы более выразительными, но это знание вовсе не самоцель, а лишь средство, помогающее достигнуть успеха.

Можно выделить следующие композиционные правила:
передачи движения (динамики), покоя (статики), золотого сечения (одной трети).

К приемам композиции можно отнести: передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра.

Средства композиции включают: формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и асимметрию, открытость и замкнутость, целостность. Таким образом, средства композиции — это все, что необходимо для ее создания, в том числе ее приемы и правила. Они разнообразны, иначе их можно назвать средствами художественной выразительности композиции.

К рассмотрению этих и других вопросов мы еще обязательно вернемся, ну а
сегодня мы более подробно рассмотрим передачу движения (динамики) и покоя (статики).

Вначале я расскажу что характерно для статической композиции, и покажу на примере как добиться этого в своей работе.

Статичные композиции в основном используются для передачи покоя, гармонии.
Чтобы подчеркнуть красоту предметов. Может быть для передачи торжественности. Спокойной домашней обстановки.
Предметы для статичной композиции выбираются близкие по форме, по массе, по фактуре. Характерна мягкость в тональном решении. Цветовое решение строиться на нюансах – сближенные цвете: сложные, земляные, коричневые.
В основном задействован центр, симметричные композиции.
Для примера, я составлю небольшой натюрморт. Художественная ценность его не велика, и все приемы и средства композиции в нем немного утрированы для наглядности ))
Итак, для начала я отбираю предметы, которые буду использовать, и рисую схему своего будущего натюрморта.
В принципе, любой предмет можно вписать в одну из этих фигур:

Поэтому и мы возьмем их за основу.
Для своего натюрморта я выбрала три предмета – чашку, блюдце и, как вспомогательный предмет, — конфету. Для более интересной композиции предметы возьмем разные по размеру, но очень сближенные по цвету и фактуре (как обязывают свойства статики).
Подвигав немного фигуры, я остановилась на этой вот схеме:

Здесь как раз задействован центр, фигуры расположены фронтально, и находятся в состоянии покоя.

Теперь нам необходимо определиться с тональность предметов, то есть разделить на самый светлый предмет, самый темный, и полутон. А заодно и с цветовой насыщенностью.
Закрасив фигурки, и поиграв немного с цветами, я останавливаюсь на таком варианте:

Теперь, исходя из этой схемы, я выстраиваю свой натюрморт. Фотографирую, и вот что у меня получается:

Но как мы видим это не совсем подходит под нужные нам свойства.
Нужно добиться большей обобщенности предметов, чтоб они практически смотрелись единым целым, а также цвета были более сближенные. Эти задачи я собираюсь решить с помощью света.
Использую комбинированное освещение — сочетание направленного и рассеянного света:
неяркого заполняющего света, и направленного – луч фонарика.
После пары кадров и экспериментов со светом мне удается добиться желаемого результата.
Обрабатываю его немного в ФШ и вот результат:

Как видим, нам удалось создать статический натюрморт, по всем правилам:
Предметы находятся в состоянии покоя, в центре композиции, перекрывая друг друга.
Цвета мягкие, сложные. Все построено на нюансе. Предметы одинаковые по фактуре, практически одинаковые по цвету. Общее световое решение их объединяет и создает атмосферу спокойствия и гармонии.

Теперь переходим к динамической композиции.
Динамика, это полная противоположность статики во всем!
Используя динамическое построение в своих работах, вы сможете более ярко передать настроение, взрыв эмоций, радость, подчеркнуть форму и цвет предметов!
Предметы в динамике в основном выстраиваются по диагонали, приветствуется ассиметричное расположение.
Все построено на контрастах — контраст форм и размеров, контраст цвета и силуэтов, контраст тона и фактуры.
Цвета открытые, спектральные.

Я же для наглядности возьму те же самые предметы, только чашку заменю на более контрастную по цвету.
Опять используя наши три фигурки, я выстраиваю композицию, но уже основываясь на свойствах динамики. Вот такая у меня получилась схема:

Теперь работаю над тоном и цветом, не забывая при этом, что все должно быть максимально контрастно, чтоб передать движение в натюрморте.
Вот и тональный эскиз готов:

Теперь воплощаем все это в реальность, расставляем предметы, делаем кадры.
Смотрим что у нас получилось и что нужно изменить

Так, расположение вроде удачное, но вот из за общего света не очень удалось создать контрастность, особенно по цветам. Предметы выглядят слишком уж одинаково.
Решаю использовать цветной фонарик, чтоб подчеркнуть форму, и сделать предметы контрастными по цвету.
Экспериментирую с синим светом, выбираю на мой взгляд наиболее удачный кадр, немного дорабатываю его в ФШ и вот результат:

Теперь вроде все на своих местах. Композиция построена по диагонали, предметы и их расположение относительно друг друга динамичное, можно сказать контрастное: блюдце стоит, а чашка лежит.
Цвета более чем контрастны.)) Тоже касается и тона.

Вот вроде и все. Специально старалась свести все приемы и правила к минимуму, чтоб не переписывать здесь многочисленные страницы конспекта.))
Если возникнут какие то вопросы, которые я здесь не рассмотрела или упустила, обязательно задавайте!

Теперь переходим к заключительной части нашего урока – к домашнему заданию.
Оно будет предельно простое.
Вам нужно будет самостоятельно составить две композиции на статику и динамику, руководствуясь правилами описанными в этом уроке.
Для начала выберите предметы которые больше всего подходят на ваш взгляд для задуманной композиции, затем обязательно составьте схему ! (обычную и тонально-цветовую) А потом уже преступайте к постановке предметов по схеме и непосредственно уже к самой съемке.
За основу нужно взять наши три фигурки:

Если вы хотите усложнить себе задание, постарайтесь использовать одни и те же предметы и в статике и в динамике.

СОВЕТ!
Для большей выразительности лучше
все три предмета брать разными по размеру — большой, средний и маленький, вспомогательный.
А также разными по тону – самый светлый, средний и темный.

Итак, в качестве домашнего задания нужно предоставить
две работы: на статику и динамику, а также две схемы к ним!

Так что используя полученные знания и вашу фантазию, создавайте новые шедевры!
Творческих вам успехов!

Фотография, путешествия, автомобили и что-то еще.

Фотографировать хорошо, а хорошо фотографировать еще лучше

Урок 3. Просто о фотографии. Геометрия в композиции.

В предыдущих уроках мы уже рассмотрели основные подходы к фотосъемке, поговорили о ракурсе, выборе фона и кадрировании. Мы изучили Правило третей – широко используемый принцип, помогающий нам решить, в какое место кадра поместить снимаемый объект. В этом уроке мы поговорим о геометрических составляющих снимка и о том, как их использовать для достижения гармоничной композиции. Также этот урок может быть полезен в выборе объекта съемки, поскольку в начале съемки мы далеко не всегда знаем, что будем снимать, а скорее наоборот берем камеру и устремляемся в поисках того, что можно запечатлеть.

Сами по себе геометрические элементы, как правило, не интересны и скорее носят вспомогательную функцию, играя роль хорошей основы для объекта. Геометрические объекты можно условно разделить на три группы: направляющие линии, разделители пространства и обрамление.

Направляющие линии выполняют роль путеводителя взгляда человека по снимку. Известно, что физиологически глаз человека осматривает фотографию по диагонали с левого верхнего угла в направлении правого нижнего угла. Грамотно используя направляющие линии, можно создать так называемые ловушки для взгляда и буквально заставить зрителя направить взор в ту точку кадра, где расположен главный объект.

Пример направляющих линий. Обратите внимание как перила моста уводят взгляд в сторону здания на заднем плане.

Разделители пространства делят снимок на отдельные зоны, несущие свою смысловую нагрузку, но работающие вместе для создания единой композиции. Примером, простейшего разделителя пространства может послужить линия горизонта, отделяющая небо от поверхности моря. Очень хорошо смотрятся в качестве разделителя пространства треугольники, но и такие элементы, как диагонали и незамкнутые линии, тоже уверенно можно использовать.

Обрамления носят функцию притяжения взгляда зрителя и его фокусировку на основном объекте. В качестве обрамляющих элементов отлично работают дверные проемы, арки, окна. Кроме того, великолепно с этой функцией справляются и естественные элементы, например, ветви деревьев. Важно чтобы обрамление присутствовало, как минимум, с двух сторон снимка и было выполнено в спокойной тональности, желательно более темной, чем главный объект, чтобы не отвлекать зрителя.

Пример обрамления. Более темный тон обрамления фокусирует внимание на главном объекте.

Геометрические объекты могут иметь различную форму, но наиболее сильно работают простые узнаваемые формы, такие как треугольники, квадраты, круги, дуги, прямые или изогнутые линии. Но не все геометрические объекты работают одинаково. Так, например, квадраты и круги – фигуры статичные, а потому не слишком интересные. Наиболее сильными для восприятия являются треугольники, дуги и линии.

Треугольники. Все мы знаем, что треугольники делятся на равнобедренные и неравнобедренные. При построении композиции следует избегать равнобедренных треугольников. Они слишком статичны и могут привести к такой же статичной и скучной композиции. Исключением может стать ваше осознанное желание передать атмосферу спокойствия в кадре. Неравнобедренный, неуравновешенный треугольник содержит в себе динамику и напряжение, что привлечет внимание зрителя.

Пример треугольника как разделителя пространства. В данном случае перевернутый треугольник создает ощущение напряжения в кадре.

Дуги. Очень удобный элемент, одинаково хорошо выполняющий роль и направляющей линии, и разделителя пространства, и обрамления.

Пример дуги. На снимке дуга играет роль одновременно разделителя пространства и обрамления.

Линии. Пожалуй, наиболее распространенный и наиболее разносторонний геометрический инструмент. На линиях следует остановиться подробнее. Линии могут быть прямыми: горизонтальными, вертикальными, наклонными. Также линии могут быть изогнутыми.

Горизонтальные линии придают снимку статичность и равновесие. Самой важной горизонтальной линией является линия горизонта, особенно на снимках с морскими пейзажами. С ней нужно быть очень аккуратными и постараться не допустить «завала» горизонта, если, конечно, вы сознательно используете завал в качестве художественного приема. Схожую роль в композиции играют вертикальные линии, например фонарные столбы или углы зданий.

Наличие наклонных линий или «диагоналей» в кадре вносит в композицию элемент динамики. Кроме того, с помощью диагоналей можно придать снимку объем, перспективу и даже настроение. Диагональ, проведенная от левого нижнего угла в правый верхний угол придаст кадру положительную динамику, а вот диагональ, направленная из левого верхнего угла в правый нижний внесет нотки грусти и ностальгии. Конечно, в зависимости от сюжета и зрителя, этот прием далеко всегда вызывает в сознании одинаковый отклик. Важно то, что ощущение динамики и пространства с использованием диагоналей весьма существенны.

Изогнутые линии с мягкими изгибами воспринимаются нами как наиболее красивые элементы композиции. Принято считать, что такого восприятия в основе лежит ассоциация с изгибами человеческого тела. Идеальной изогнутой линией считается S-линия или как ее еще называют «линия красоты». S-линия имеет неоспоримое преимущество перед всеми другими геометрическими элементами, является залогом красивой картины и, в отличие от других линий, может выступать как главный элемент композиции.

Пример «линии красоты» в пейзаже. Фотограф Станислав Савин ( sav_in ).

Если вам удалось разглядеть такую линию, смело приступайте к съемке. Возможно, вы на пороге создания шедевра!

Композиция (Фигуры) | Фрэнсис Бэкон

Информация в данном разделе на сайте francis-bacon.com основана на данных из Francis Bacon : Каталог Raisonné Мартина Харрисона и Ребекки Дэниэлс, опубликованного издательством The Estate of Francis Bacon в 2016 году. Следующие ниже «Примечания для читателей» взяты из каталога raisonné (Том 1, стр. 102 и 103) и подробно описывают методологию и мышление, лежащие в основе компиляции и представления некоторых данных, таких как названия, даты и носители.

Для читателей

Картины каталогизированы в хронологическом порядке с указанием года их завершения: таким образом, картина, датированная 1956-57 гг., Будет найдена в 1957 году. Недокументированные картины, к которым могут быть прикреплены только приблизительные (приблизительно) даты, обычно помещаются в конце года. в котором они, как полагают, были нарисованы; от этого правила отступают, когда есть твердые доказательства того, что картина была сделана в определенный день в течение определенного года (например, «Уличная сцена (с автомобилем на расстоянии)», 1984 (84-03).

Названия картин, помещенные в кавычки, например «Фигурка с площадкой для крикета», 1982 (82-09), не использовались Бэконом или его галеристами и носят чисто описательный характер. Среди картин с описательными названиями в каталоге многие не стали известны публике до 1998 года. Некоторые из первоначально данных им названий были здесь пересмотрены; например, «Фигуры в пейзаже», c.1956 (56-11) были заменены на «Две фигуры в траве», что более логично, учитывая его связь с Фигурками в пейзаже , 1956-57. (57-01).

Медиа

В прошлом большинство картин Бэкона описывалось как «холст, масло». Но он использовал много других материалов и любил смешивать песок, пыль, волокна и пастель, например, со своими маслами. Несмотря на то, что были приложены все усилия, чтобы включить эти детали, до тех пор, пока картины не будут исследованы (и в идеале научно протестированы) со снятым стеклом, описания средств массовой информации неизбежно будут неполными.

Размеры

Размеры холста даны в британских единицах измерения, высота предшествует ширине, после чего следует метрическая система; это соответствует британскому производству полотен Бэкона.

Подписи

После 1969 года Бэкон подписал, подписал и датировал большинство своих картин на оборотной стороне холста: до этой даты он делал это только с перерывами. Нашей целью было записать все такие подробности, но почти наверняка есть упущения. Современная практика крепления задних панелей на картинах означает, что даже при предоставлении привилегированного доступа к работам не всегда возможно осмотреть обратную сторону.

Даты фотографии

Картины обычно отправляли на фотосъемку вскоре после ухода из мастерской Бэкона.Таким образом, даты фотографий предоставляют ключевые данные в хронологии картин.

переулок

номера аллеи (аллея 106) — это номера, присвоенные каждой картине в первом резоне каталога, Рональд Элли и Джон Ротенштейн, Фрэнсис Бэкон, (Лондон: Thames & Hudson; Нью-Йорк: Viking Press, 1964).

Картины уничтоженные

Бэкон уничтожил многие сотни картин.Так называемые «разрезанные полотна» не включены (за одним исключением, Do uble Портрет Люсьена Фрейда и Франка Ауэрбаха , 1964 (64-03)) в этот каталог. Сорок таких полотен, найденных в мастерской Бэкона после его смерти, сейчас находятся в городской галерее Дублина The Hugh Lane. Маргарита Каппок опубликовала их в 2005 году под заголовком «Разрушенные полотна», что вызвало вопросы относительно намерений Бэкона в отношении разрушений. На небольших портретных полотнах он — или его друг — неизменно вырезали голову, а на больших полотнах вырезали головы и основные изобразительные элементы в количестве, достаточном для аннулирования «образа».Несомненно, Бэкон разрезал полотна так, чтобы оставить носилки нетронутыми для повторного использования, но, хотя он не мог предвидеть, что потрепанные фрагменты в конечном итоге будут иметь коммерческую ценность или будут выставлены на обозрение, он мог бы сделать разрушение более полным (сжигая фрагменты, ибо пример). Его частичное разрушение было, как правило, амбивалентным, в то время как как создателю образов, которые «потерпели неудачу», коннотации насилия в том, что он поднес к ним нож, имеют явные психологические последствия.

Четыре полотна, снятые со студии Бэкона в 1978 году, появились на рынке в апреле 2007 года, а еще пять из другого источника были проданы в июне 2007 года; Шесть фрагментов холста, подаренных в 1950-х годах кембриджскому художнику Льюису Тодду, который рисовал на их загрунтованных сторонах, были проданы на аукционе в марте 2013 года.

Картины с суффиксом «D» в каталоге (например, 67-15D) уничтожены. Две из них — картины, которые были проданы и уничтожены в результате несчастных случаев, когда они находились в частной собственности; третья была повреждена и не подлежала восстановлению, когда упала в Токийский док. Другие картины с этим суффиксом в настоящем каталоге были уничтожены Бэконом, но до того, как он это сделал, были выставлены на всеобщее обозрение; поскольку их изображения доступны в каталогах, они были включены для полноты картины.

В резюмированном каталоге 1964 года под давлением Бэкона Рональд Элли отправил брошенные или уничтоженные картины в два приложения, классифицированных как «A» и «D». Эти компромиссные категории были отброшены в настоящем каталоге, а сохранившиеся картины помещены там, где они встречаются в хронологии. Убедительной причиной отказа от использования этих категорий является то, что из девяти картин «Аллея», внесенных в список «Разрушенных» в 1964 году, четыре действительно сохранились.

Брошенные картины

30 июля 1996 года Дэвид Сильвестр написал тогдашнему владельцу «Lying Figure», гр.1953 (53–21), который был разочарован тем, что не включил его в ретроспективу Бэкона в Центре Помпиду в Париже. Он объяснил, что ни одна из картин, перечисленных в резоне каталога 1964 года как «Заброшенные», не рассматривалась как кандидат на включение, добавив: «Мне кажется разумным, что при жизни художника и в течение нескольких лет после его смерти должна быть проведена ретроспективная выставка. не включать работы, которые он считал заброшенными. Я думаю, что нужно по-другому относиться к тому, что художник умер несколько лет назад.Сильвестр добровольно поделился своим комментарием: «Как мы все знаем, работы, от которых отказался художник, могут по-прежнему быть произведениями большой ценности: в музеях мира есть любое количество таких работ самых разных мастеров. На мой взгляд, «Лежащая фигура» — прекрасный пример работы Бэкона ».

Вопрос «финиша», как обозначения предполагаемого состояния завершения, вероятно, менее актуален для Бэкона, чем для большинства других художников. Атеист и нигилист, единственное «завершение», которое он узнал — и его преследовали, — это смерть: закончить картину было, пожалуй, аналогично смерти.То, что он назвал так много из них «Учеба для…», не было ни прихотью, ни случайно: он был не столько предварительным, сколько открытым. Более того, если Fragment of a Crucifixion , 1950 (50-02), на котором более половины холста неокрашено, считался Бэконом «законченной» картиной, то классифицировать «Лежащую фигуру» нелогично. 1953 (53-21), например, как «незаконченный».

Примечания к заглавиям

Роберт Мелвилл, просматривая raisonné каталога Alley / Rothenstein 1964 года в Studio International , июль 1964 года, заметил, что Study from Innocent X , 1962 (62-2), несмотря на то, что было написано всего два года назад, уже было дано три разных (если неофициальных) титула — Red Pope , Red Pope on Dais и Red Figure on a Throne .Мелвилл сомневался, что Бэкон дал какой-либо из своих картин название «Папа», и отметил, что, когда он работал с Эрикой Браузен в Ганноверской галерее, «мы привыкли называть их« кардиналами », а не« папами »в присутствии посетителей. , чтобы никто не обиделся ». Мелвилл предсказал, что все картины в каталоге 1964 года отныне будут известны под названиями, присвоенными им Рональдом Элли. Этот принцип соблюден в настоящем каталоге. Более того, для «пост-аллейных» лет, с 1963 по 1991 год, последовательно применялись названия, установленные Bacon и Marlborough Fine Art; например, хотя Картина , 1980 (80-09) была выставлена ​​в 1999 году под описательным названием Три фигуры, одна с дробовиком , последующие исследования показали, что ее первоначальное название было Картина , и было возвращено на здесь.

Все пять работ Бэкона, включенные в его первую выставку в 1930 году, имели определенные названия. В настоящем каталоге названия картин, датируемых 1929 и 1930 годами, следуют за названиями, принятыми Элли, но они заключены в кавычки, поскольку маловероятно, что Бэкон назвал их такими, какие они есть, в их средствах массовой информации; (Элли пришлось мириться с безразличием или враждебностью Бэкона к его творчеству до 1944 года).

Полное руководство по композиции для художников

Повествование: что пытается сказать художник? Что это за история? (Совет: подумайте о визуальном путешествии, которое ваши глаза проходят через картину.Куда ведет вас художник?)

Эта картина была подарком моему прекрасному партнеру Шонтеле. Ей только что исполнилось 30. Мы считаем Коби нашим первым ребенком, поэтому мы старались хорошо его нарисовать!

История проста: запечатлеть улыбку и добродушие Коби.

Координатор: есть ли доминирующий фокус? Где это находится? Как художник обращает на это ваше внимание?

Да, Коби!

Я привлекаю к ​​нему внимание позиционированием, деталями и контрастом.

Вспомогательные координаторы: есть ли какие-либо второстепенные координаторы? Какова их цель?

Пейзаж — второстепенный фокус. Идея состоит в том, чтобы показать Коби на природе, а не самого Коби.

Кобе любит быть среди людей и природы, но не любит быть в центре внимания. Типичный портрет домашнего животного здесь не подойдет.

Обрамление: Есть ли элементы, обрамляющие часть картины?

Зелень и океан обрамляют верхнюю часть картины.Вода на земле и ее отражения обрамляют Коби с правой стороны.

Движение / Ведущие линии: есть ли ощущение движения или активности? Какова природа этого движения?

Это еще картина, не считая того, что Коби задыхается и развевает мех.

Баланс: кажется ли картина сбалансированной? Какие-то части кажутся более сильными или тяжелыми, чем остальная часть картины? (Совет: помните, что маленькое, загруженное пространство может иметь такое же влияние, как и большое тихое место.)

Да, мне кажется, он уравновешен.

Коби занимает небольшую часть картины, но привлекает больше всего внимания.

Верхняя половина картины уравновешивается нижней половиной картины. В верхней половине есть дерево, кусты, горы, вода и небо. В нижней половине — Коби.

Связанные элементы: есть ли тонкие связи между отдельными частями картины?

Легкие части Кобе соединяются с легкими частями тротуара.

Тень формы соединяется с отбрасываемой тенью.

Голубое отражение воды на тротуаре приведет вас к темно-синему океану (тонкое, нечеткое звено).

Визуальная кисть: Является ли визуальная кисть ключевой особенностью картины? Использует ли художник визуальную манеру письма, чтобы передать характер предмета?

Я использовал толстую кисть, чтобы нарисовать мех Коби, особенно в свете. Я не пыталась закрасить каждую прядь волос, а позволяла видимой мазке делать большую часть работы.

Большие формы: Какие большие, доминирующие формы?

Пейзаж состоит из больших простых форм. Коби состоит из более замысловатых форм.

Упрощение: Какие области были упрощены? Какие области подробно описаны?

Пейзаж простой. Коби подробно описан. Но помните, живопись относительна. Если мы сузимся только до Коби, мы увидим, что его лицо детализировано, а остальная часть его тела проста.

2.4: Форма и композиция — гуманитарные науки LibreTexts

Глядя на искусство, многие люди сегодня используют целостный или гештальт подход к его пониманию.При таком подходе произведение искусства воспринимается как единое целое, и делается интуитивный вывод. Этот подход к искусству — хорошее начало, но он также может быть полезен для изучения отдельных частей произведения искусства и их отношения к целому. Когда мы изучаем произведение искусства, разбирая его, мы смотрим на его дизайн. Дизайн делится на две большие категории: элементы дизайна и принципы дизайна. Элементы дизайна являются физическими частями произведения искусства, или образуют .Принципы дизайна — это способы, которыми эти части расположены или используются, или композиция .

2.4.1 Элементы конструкции

Дизайн — это управляющий план или подход, с помощью которого создаются и собираются различные части художественного произведения. Редко можно найти произведение искусства, которое является полностью случайным или возникло полностью из бессознательной интуиции художника. Кроме того, если посмотреть на то, как организованы различные части произведения искусства — даже интуитивно понятная или случайная работа — можно раскрыть ключи к целям и убеждениям художника, сообществу, в котором художник работал, и проблемам, с которыми он работал. произведение искусства предназначалось для обращения.

Есть шесть основных элементов дизайна: линия, форма, масса / объем, перспектива, текстура и цвет. Один из способов подумать об этих элементах дизайна — это «подняться по лестнице» измерения. Наш воспринимаемый мир имеет три пространственных измерения и одно временное. Математически точка имеет нулевые размеры. Линия имеет одно измерение — длину. У фигуры есть два измерения: длина и высота. Форма с массой или объемом имеет три измерения: длину, высоту и ширину. Переходя от точек к объемам, мы «поднялись по лестнице» измерения от нуля до трех.Помимо трех измерений физического пространства, художники могут включить в свою работу еще две вещи. Они могут добавить текстуру и цвет.

Вот краткое объяснение определения и динамики каждого элемента дизайна.

2.4.1.1 Строка

Line — элемент дизайна первого порядка. Линия представляет собой бесконечный ряд точек, расположенных в определенном направлении. Направление линии может быть прямым (неизменным) или изогнутым (изменяющимся).Все виды объектов являются линейными или преимущественно сформированы с помощью линий. Каллиграфия , или «красивое письмо», — одно из популярных применений линии. Символ строки в письменном виде выполняет две основные функции. Во-первых, линейная фигура или форма письменного символа обозначает его значение. Во-вторых, способ создания фигуры может рассматриваться как выразительный сам по себе. тугра , или каллиграфическая подпись султана, и усовершенствованный текст арабской каллиграфии известны своей выразительной красотой, как и многие произведения азиатского письма.Во многих культурах письма красота письма так же важна, как и сообщение, которое он содержит. (Рисунок 2.35)

Одно из качеств линии — жест. Жест — это линия, создаваемая движением руки, руки или тела художника, своего рода танца с материалом, как это видно на этой фотографии Джексона Поллока посреди картины. (Джексон Поллок: upload.wikimedia.org/wikipedia/ en / b / b7 / Jackson-Pollock.jpg) Например, короткие, неровные строки стаккато могут быть прочитаны как нетерпеливые, неуверенные или изящные.Ровные горизонтальные линии выражают спокойствие. Прямые линии могут обозначать жесткость, что ни хорошо, ни плохо, но зависит от контекста. Жесткий мост — это хорошо для тех, кто рассчитывает на то, что он не уступит дорогу. Жесткое дерево во время урагана иногда будет вырвано с корнем.

Контур — это линия, где разные области встречаются и образуют края. Зрительное восприятие человека включает улучшенную способность обнаруживать края в природе.Контурные линии повторяют формы объектов, которые выделяются на фоне. При картографировании контурные линии указывают форму ландшафта с регулярными приращениями вертикальной высоты. На контурных картах линии, которые появляются близко друг к другу, указывают на быстрое изменение высоты. Линии, расположенные далеко друг от друга, указывают на более пологие склоны. (Контуры наземной истины: http://wiki.openstreetmap.org/w/imag…urs_Detail.png)

Перекрестная штриховка — это использование равномерно расположенных пересекающихся линий, которые создают ощущение ценности или светлого и темного.Эти линии штриховки обычно повторяют форму объекта. (Рисунки 2.4 и 2.36)

Некоторые линии вообще не прорисовываются. Вместо этого они подразумеваются или предполагаются намеренным выравниванием форм. Изображение квадрата внутри круга является примером подразумеваемой линии. (Рис. 2.37) Линии, сходящиеся за краем произведения искусства, — это еще один, потому что они подразумевают удаленное пересечение. Третий пример линии, которой на самом деле нет, — это линия экстрасенс, .Два человека, смотрящие друг на друга на художественном произведении, создают между собой психическую грань.

содержит экспрессивных материалов, единиц. По своей природе линия заставляет зрителя следовать по ее пути. Характер линии может управлять направлением, скоростью и вниманием зрителя. Движение линии может быть изогнутым или угловым. Он может прогрессировать плавно или в отрывистом ритме. Линия может быть толстой или тонкой, бледной или жирной. Эти качества «читаются» рационально и эмоционально; таким образом, линия может иметь выразительное и эмоциональное содержание, которое часто можно обнаружить путем самоанализа зрителя.

Line — это не просто элемент двухмерного дизайна. Например, проволока — это линейная среда, которую можно расширить в трех измерениях. Скульптуры и портреты Александра Колдера из проволоки — прекрасные примеры выразительной силы линии в трех измерениях. ( Acrobats , Александр Колдер: www.calder.org/system/post_im…/medium/A00504. Jpg? 1352222725) Другой пример — Пабло Пикассо, рисующий в космосе светом для фотографа Гьона Мили (1904-1984, Албания, жил в США) для журнала Life в 1949 году.(Световые рисунки, Пабло Пикассо: http://www.designboom.com/art/pablo-…ngs-from-1949/)

2.4.1.2 Форма

Элемент дизайна формы — следующий элемент на пути вверх по лестнице измерения. Форма имеет два измерения: длину и ширину. Формы могут быть правильными или неправильными, простыми или сложными. Формы могут иметь твердые или мягкие края.
фигур с твердыми краями имеют четко определенные границы, а фигур с мягкими краями медленно переходят в фон.Есть две широкие категории форм: геометрические и органические. Геометрические формы — это правильные и упорядоченные формы с использованием прямых линий и кривых. Органические формы обычно имеют неправильную форму и часто хаотичны. Ханс Арп (1886-1966, Франция, жил в Швейцарии) в своей работе Untitled использовал рваную бумагу и вырезанные формы для создания абстрактной композиции. В то время как квадраты являются геометрическими объектами, рваные и неровные края Арпа превращают их в органические формы. Ориентация этих фигур примерно соответствует структуре сетки, но, опять же, их отклонение от регулярного порядка подразумевает хаотическое и случайное расположение.В этой работе Арп танцует на «грани порядка». (Рисунок 2.38)

В двумерных произведениях искусства формы — это фигуры, помещенные на двумерную поверхность, известную как основание . Это создает связь между передним планом и фоном, известную как отношение фигура / фон . Фигурка — это объект, который кажется находящимся перед землей. В некоторых произведениях эта взаимосвязь намеренно неясна. В этом случае может произойти эффект, известный как разворот фигуры / фона.В разворот фигуры / земли то, что считалось положительной формой фигуры, можно также рассматривать как отрицательное пространство земли. Этот эффект нарушает ощущение пространства в произведении искусства и дезориентирует зрителя. ( Escher Woodcut II Strip 3 , Мауриц Корнелис Эшер: http://www.tau.ac.il/~tsurxx/FigureGround/Escher2.GIF)

2.4.1.3 Масса / Объем

Следующая и последняя ступенька по размерной лестнице — это объем или масс. Том имеет три измерения: длину, ширину и высоту.Объемы могут иметь внутренние или внешние контуры, а также могут быть закрытыми или открытыми по форме. Масса — это количество вещества, часто означающее его вес. Закрытая форма — это объем, в котором нет отверстий и отверстий. Одна из целей древнеегипетской скульптуры заключалась в том, чтобы служить вечно. Поэтому они использовали закрытые скульптурные формы, которые более прочны и устойчивы к износу и поломке. (Рисунки 2.26 и 2.39) Пустое пространство окружает замкнутую форму, но не движется через нее.И наоборот, пустое пространство окружает, но также перемещается через открытую форму . Скульптуры открытой формы по форме ближе к фигурам, которые они представляют, и, следовательно, более реалистичны или «верны» исходному образцу.

Современные скульпторы, такие как Генри Мур (1898-1986, Англия), исследовали абстрактное использование закрытых и открытых форм, а также негативного и позитивного пространства. ( Лежащий рисунок 1969-70 , Генри Мур: upload.wikimedia.org/wikiped…_Israel_12097_ reclining_figure_by_henry_moore_in_tel_aviv.jpg) В трехмерном искусстве положительное пространство — это пространство, занятое данным объемом, а отрицательное пространство — пустое пространство в этом объеме. Обратите внимание, как фигура изгибается вокруг воображаемой границы. «Седло» посередине предполагает, что невидимый груз давит на форму. Эта скульптура зависит как от пустого пространства вокруг нее, так и от объема, занимаемого бронзой. Кроме того, его масса уменьшается из-за открытости формы, особенно по сравнению с древнеегипетской скульптурой, полностью закрытой.

Чтобы передать трехмерность, массу и объем форм на плоской поверхности, художники используют кьяроскуро (итальянский: «ясный-темный») или различные оттенки светлого и темного. Когда форма поворачивается к источнику света, она кажется ярче, а когда она отворачивается от источника света, она кажется темнее; смещение света и тени создает иллюзию объема в пространстве. Лицо и руки Леонардо Мона Лиза считаются шедеврами светотени.(Рисунок 2.7)

2.4.1.4 Перспектива

Перспектива в искусстве — это иллюзия пространства на плоской поверхности. До открытия геометрической системы линейной перспективы в Италии пятнадцатого века иллюзия пространства создавалась с помощью трех основных визуальных сигналов, указывающих на отступление пространства. Эти три реплики — высота, масштаб и перекрытие. Объекты, расположенные выше на поверхности рисования, объекты меньшего размера и объекты, частично закрытые другими объектами, — все это появляется дальше в пространстве.(Рисунок 2.40)

Линейная перспектива основана на регулярном геометрическом сокращении пространства. Линейная перспектива использует точку схода и линию горизонта. Точка схода — это точка, где все удаляющиеся линии, кажется, сходятся на линии горизонта.

Линия горизонта — это набор всех возможных точек схода на уровне глаз. (Рисунок 2.41) Ортогональные линии — это линии, которые, кажется, встречаются в точке схода, и подразумевают регулярное сокращение пространства.Линии горизонта и точки схода могут дать ключ к разгадке замысла художника. Например, в картине Леонардо «Тайная вечеря » художник обнаружил точку схода прямо за головой Иисуса. (см. рис. 1.25). Поскольку точка схода — это видение зрителя, бесконечно расширенное в одном направлении, размещение Леонардо точки схода за головой Иисуса связывает Его с бесконечностью христианского Бога.

До того, как линейная перспектива была сформулирована как связная геометрическая система, художники использовали интуитивную перспективу для изображения удаляющегося пространства. Интуитивная перспектива осознает, что удаляющиеся линии сходятся, но не понимает, что они сходятся в единой линии горизонта и точке схода. Тем не менее, даже когда в картинах отсутствует строго согласованная геометрическая система линейной перспективы, определение того, где будет горизонт, может сообщить нам о том, как художник смотрит на объект. Сравните две картины с таким же названием, Мадонна на троне , одну работы Чимабуэ (1240–1302, Италия), а другую — Джотто (1266 / 7-1337, Италия).(Рисунки 2.42 и 2.43) Обе картины используют интуитивную перспективу. На картине Чимабуэ 1285 года подразумеваемый горизонт низкий, а зритель сидит у подножия трона, в то время как изображение Джотто, написанное в 1310 году, имеет горизонт выше, и, таким образом, зритель находится на том же уровне, что и Мадонна. Эта разница во взглядах означает изменение представлений об отношении Мадонны к личности. Картина Чимабуэ вызывает у зрителя покорное почтение, в то время как картину Джотто можно рассматривать как более доступную, что свидетельствует о небольшом, но значительном сдвиге в европейской мысли, который в конечном итоге перерос в итальянский ренессанс.

Существуют разные типы линейной перспективы. Основные виды — одно-, двух- и трехточечная перспектива. Различие заключается в количестве используемых точек схода. Одноточечная перспектива использует линию горизонта и одну главную точку схода и обычно используется, когда простые виды имеют вид

изображен, например, исчезающий вдаль железнодорожный путь прямо на глазах у зрителя. Двухточечная перспектива использует линию горизонта и две отдельные точки схода, чтобы представить иллюзию пространства, которое отступает в двух направлениях.(Рисунок 2.44) Трехточечная перспектива включает в себя отступление пространства в третьем, вертикальном направлении выше или ниже линии горизонта, а также два горизонтальных направления в двухточечной перспективе. По мере того как высокие здания отступают вверх от уровня улицы, они также уменьшаются в видимых размерах так же, как железнодорожные пути кажутся сходящимися на расстоянии к горизонту. (Рисунок 2.45)

Многие люди ошибаются, полагая, что линейная перспектива дает совершенно точную картину мира.Это не. Линейная перспектива — это ограниченный инструмент для представления того, как выглядит мир. Он считается достаточно «точным» только в пределах ограниченного «конуса восприятия» около 60 градусов. Таким образом, хотя линейная перспектива — отличный инструмент для представления нашего восприятия космоса, у нее есть ограничения, которые следует признать.

Атмосферная перспектива — это способ создания иллюзии расстояния на плоской поверхности за счет использования цвета и фокуса. В пейзаже, который простирается вдаль, дымка промежуточного воздуха изменяет цвета и четкость объектов.Чем дальше объект находится от зрителя, тем больше он приближается к цвету воздуха, то есть к светлому серо-голубому тону. Темные объекты становятся светлее и синее по мере удаления от зрителя. Кроме того, контраст между светлыми и темными объектами и восприятие деталей уменьшаются с увеличением расстояния. Альберт Бирштадт (1830–1902, Германия, жил в США) использовал этот эффект в своей картине « Скалистые горы, пик Лендера », чтобы создать ощущение монументального пространства. (Фигура 2.46)

2.4.1.5 Текстура

Термин текстура описывает качество поверхности произведения искусства. Текстура — важный элемент дизайна, потому что она задействует не только зрение, но и осязание. Предметы могут быть грубыми или гладкими, влажными или сухими, липкими или гладкими, твердыми или мягкими, хрупкими или гибкими. Два основных подхода к текстуре: фактическая текстура и подразумеваемая текстура или имитированная текстура. Фактическая текстура в первую очередь — хотя и не исключительно — скульптурная, тогда как подразумеваемая текстура в основном используется в двухмерных произведениях искусства.

Художники Северного Возрождения и Золотого века Голландии, пятнадцатого-семнадцатого веков, очень интересовались моделированием самых разнообразных текстур. Одной из основных целей художников того времени было преуспеть в том, чтобы говорить правду о материальном мире. Они работали, чтобы охватить весь визуальный диапазон осязания. Рембрандт ван Рейн (1606–1669, Нидерланды) хорошо известен тем, что использовал impasto , или очень густую краску, чтобы усилить ощущение реальности во многих своих картинах, добавив фактуру.Это можно увидеть в его обращении с плотью на некоторых из его автопортретов, а также в его изображении металла и драгоценностей на его картине Пир Валтасара . (Рисунок 2.47)

2.4.1.6 Цвет

Цвет — важнейший элемент дизайна и один из самых сильных и вместе с тем субъективных элементов в искусстве. Американский трансценденталист XIX века Ральф Уолдо Эмерсон отметил это субъективное качество цвета, когда писал: «Природа всегда носит цвета духа.1. Представления о цвете можно разделить на три большие категории: история цвета, физика цвета и восприятие цвета.

Самое раннее использование цвета ограничивалось тем, какие виды пигментов или красителей можно было найти в местной среде: охры (желто-коричневые) из разных цветов земли, черные и серые из золы и обожженной древесины или древесного угля, красные и желтые из минералов, растений и насекомых. Палеолитические пещерные художники использовали эти материалы для своих росписей.В дополнение к натуральным пигментам древние египтяне разработали синтетические пигменты, такие как порошковое стекло, для создания египетского синего цвета, отличительного оттенка, используемого на статуях, стенах и памятниках. В Римской империи редкая форма пурпура добывалась из особого вида улиток и из-за своей редкости использовалась в основном для королевской одежды. В эпоху Возрождения темно-синий цвет создавался из мелко измельченного драгоценного камня — лазурита.

Египтяне ассоциировали цвета с богами; у бога Амона была синяя кожа, а у Осириса — зеленая.Древние греки использовали более научный подход к цвету. Древнегреческий философ Эмпедокл считал, что цвет делится на четыре категории: белый / светлый, темный / черный, желтый и красный. Древние китайцы связывали цвет с пятью элементами, которым учит традиционная физика: вода (черный), металл (белый), дерево (зеленый), земля (желтый) и огонь (красный). В ряде азиатских традиций черный — это цвет неба, а белый — цвет смерти или траура. В западной культуре все наоборот.

Современные представления о цвете были значительно усовершенствованы в пятнадцатом веке архитектором и теоретиком искусства Леоном Баттистой Альберти (1404–1472, Италия). В своем трактате Della pittura ( On Paint ), опубликованном в 1435 году, Альберти заявил:

Путем смешения цветов рождается бесконечное количество других оттенков, но есть только четыре истинных цвета, из которых может быть создано все больше и больше других видов цветов. Красный цвет огня, синий цвет воздуха, зеленый цвет воды и серый цвет земли.. . белый и черный не являются истинными цветами, но представляют собой изменения других цветов. ²

1. К. А. Бартол, Ральф Уолдо Эмерсон: Беседа в Западной церкви (Бостон, Массачусетс: А. Уильямс и Ко., 1882), 14.
2. Леон Баттиста Альберти, О живописи, пер. Джон Р. Спенсер (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1956), 49-50.

На основе этой ранней структуры были сделаны дальнейшие открытия.

Термин «цвет» описывает ощущение, вызванное изменениями длины волны и интенсивности света при его взаимодействии с человеческим глазом. Видимый свет — это небольшая часть электромагнитного спектра , которую может видеть человек. Когда белый свет солнца проходит через призму, он на преломляется на цветов радуги от красного до оранжевого, желтого, зеленого и синего до фиолетового. (Рисунок 2.48)

Цвет, воспринимаемый людьми, можно разделить на три отдельные части: оттенок, насыщенность и яркость.(Рисунок 2.49) Оттенок — длина волны данного цвета. Цвета с большей длиной волны появляются на красном конце спектра, а цвета с более короткой длиной волны — на фиолетовом. Оттенок — это «название» цвета, например красный, желтый, синий, зеленый и т. Д. Цвет может быть как вычитающим, так и дополнительным. Насыщенность — это чистота цвета, она варьируется от нейтрального серого до чистого цвета, при этом яркость остается постоянной. Яркость — это светлота или темнота цвета, она варьируется от полностью освещенного (чистый оттенок) до полностью затемненного (черный).Каждый чистый оттенок также имеет относительную яркость, например, чистый желтый цвет имеет большую яркость, чем чистый синий.

Вычитающий цвет или отражающий цвет возникает, когда белый свет отражается от поверхности, и все цвета спектра поглощаются этой поверхностью, за исключением цвета, который отражается обратно к зрителю. Вычитающее смешение цветов начинается с основных цветов красного, желтого и синего. Когда эти цвета смешиваются, создаются вторичных цветов зеленого, оранжевого и пурпурного.Смешивание желтого и синего дает зеленый, смешивание красного и желтого дает оранжевый, а смешивание красного и синего дает фиолетовый.

Английский математик и физик сэр Исаак Ньютон продемонстрировал в семнадцатом веке, что белый свет, преломленный через призму, может быть разделен на видимый спектр. В девятнадцатом веке писатель и государственный деятель Иоганн Вольфганг фон Гете и химик Мишель Эжен Шеврюэль отдельно опубликовали исследование, в котором был сделан вывод о том, что красный, желтый и синий являются основными цветами и что все остальные цвета могут быть смешаны с ними.В начале двадцатого века промышленные химики еще больше усовершенствовали понимание печатных красок и вывели субтрактивную цветовую модель CMYK (голубой, пурпурный, желтый и черный): начиная с белого, по мере добавления цвета смесь движется к черному. (Рисунок 2.50)

С появлением телевидения, компьютеров и цифровых изображений появилась аддитивная модель RGB (красный, зеленый, синий), в которой цвета складываются вместе, и цветовая система HSB (оттенок, насыщенность и яркость), основанная на человеческих восприятие, стали отраслевыми стандартами. Дополнительный цвет или цвет пропускания возникает, когда проецируется свет разных цветов. Основные оттенки аддитивного цвета — красный, зеленый и синий. Это цветовая модель RGB. (Рисунок 2.51) Когда красный и зеленый свет перекрываются, виден желтый. Когда красный и синий огни перекрываются, виден красный цвет, а когда зеленый и синий свет перекрываются, появляется голубой цвет. Это второстепенные оттенки аддитивного цвета. Когда красный, зеленый и синий свет перекрываются, виден белый свет. Телевизионные экраны на самом деле представляют собой крошечные точки или пиксели красного, зеленого и синего светящихся огней.Цвета, которые мы видим на этих экранах, складываются.

Наша модель аддитивного цвета RGB напрямую зависит от того, как функционируют человеческие глаза. Сетчатка человека — это слой нейронов, покрывающий внутреннюю часть глаза. В этом листе нейронов есть специализированные нейроны, называемые палочками и колбочками. Палочки — это нейроны, чувствительные к изменениям интенсивности света, а колбочки — к красному, зеленому или синему свету. Причина, по которой у нас есть компьютерные мониторы с RGB-подсветкой, заключается в том, что у нас есть глаза с RGB-подсветкой.

Художники иногда намеренно используют физиологию человеческого зрения. Поскольку человеческое зрение ограничено уникальной биологией, становятся возможными определенные эффекты. Нейроны хранят химические нейротрансмиттеры для отправки сигналов. Если нейрон должен постоянно «стрелять» из-за постоянной стимуляции, он может истощить запас нейромедиатора. Существует небольшая задержка между истощением и восстановлением этого химического вещества в нейроне. Тем временем появляется остаточное изображение .Посмотрите на зеленый, оранжевый и черный флажки в течение 10 секунд, затем посмотрите на пустую стену или пустое белое пространство. (Рисунок 2.52) На некоторое время вы увидите дополнение , или противоположность зеленого (красный), дополнительный оранжевый (синий) и дополнительный черный (белый) в правильном месте на американском флаге. . Исчезновение этого изображения указывает на то, что нейротрансмиттеры в сетчатке пополнились.

Этот эффект регулярно использовался художниками во время импрессионистского движения (ок.1870-1886). Рассмотрим Impression Sunrise Клода Моне (1840-1926, Франция), одну из первых картин импрессионистов. (Рис. 2.53) Если вы смотрите на просторы синего на картине дольше, чем на мгновение, это «истощает» ощущение синего и создает дополнительную реакцию остаточного изображения, которая является оранжевой. Затем, когда мы смотрим на оранжевый восходящего солнца, мы видим не только оранжевый пигмент на самой картине, но и дополнительный эффект «усталой синевы» на нашей сетчатке. По этой причине оранжевая краска солнца выглядит ярче, чем если бы мы видели этот цвет сам по себе.Многие художники-импрессионисты намеренно использовали этот эффект, и это одна из причин, почему картины импрессионистов, как правило, выглядят такими ярко окрашенными.

В своей серии картин Homage to the Square , начатой ​​им в 1949 году, художник Баухауса Йозеф Альберс (1888-1967, Германия, жил в США) экспериментировал с относительным восприятием цвета. ( Homage to the Square , Josef Albers: upload.wikimedia.org/wikiped…0/Josef_Albers’s_ painting_’Homage_to_the_Square ’% 2C_1965.jpg) Его главным интересом было продемонстрировать, как на цвет могут влиять другие цвета, которые его окружают. Его книга «Взаимодействие цвета» (1963) показала, что восприятие одного цвета может меняться в зависимости от контекста. Чтобы продемонстрировать это, посмотрите на прилагаемое изображение. (Рис. 2.54) Серая полоса в центре одноцветная, но кажется, что она смещается при размещении на контрастном фоне.

Современные художники используют особые термины для различного использования цвета. Естественный или локальный цвет описывает цвет тела данного объекта. Наблюдаемый цвет , с другой стороны, показывает, как восприятие этого локального цвета изменяется при перемещении света на объект. В серии картин Руанского собора Моне его изображения различных условий освещения являются хорошим примером разницы между местным цветом и наблюдаемым цветом. Цвет камня собора — средне-серый. Но в разное время дня, например, в убывающем свете заката, он будет отражать апельсиновые и синие оттенки затяжного солнца и растущих теней.(Рисунок 2.55)

Фовисты были группой художников в начале двадцатого века, которые использовали интуитивный цвет как основу своего подхода к созданию искусства. Их больше интересовала выразительная сила цвета, чем роботизированный отчет о локальном или наблюдаемом цвете их предметов. Рассмотрим этот портрет Анри Матисса (1869–1954, Франция) его жены Амели Матисс. (Рис. 2.56) Очевидно, что на самом деле у нее не было зеленой полосы, проходящей по центру ее лица.Цвета, выбранные художником, должны были выражать нечто иное, чем простое визуальное наблюдение.

Другой аспект цвета, используемый художниками, — это цветовая температура . Цвета могут быть как теплыми, так и холодными. теплый конец спектра включает красный, оранжевый и желтый. Холодный конец видимого спектра содержит зеленый, синий и фиолетовый. Тем не менее, даже желтый может быть прохладным, а синий — теплым. Теплые и холодные цвета взаимодействуют по-разному, и художников учат замечать и использовать эту разницу; например, теплые цвета кажутся «продвигающимися», в то время как холодные цвета «отступают» в пространстве, и, следовательно, формы, представленные в этих цветах, оказываются на разной глубине.

Организуя идеи о цвете, художники и теоретики искусства разработали серию цветовых схем или упорядоченных отношений между разными цветами. В монохромной цветовой схеме используется один цвет. Старый гитарист Пикассо — хороший пример монохромной цветовой схемы. (Рис. 2.57) Поза фигуры, текстура рваной одежды и волос, а также преобладающее использование синего цвета работают вместе, создавая единую эмоциональную реакцию усталости и одиночества на изображение.

Дополнительная цветовая схема использует цвета, противоположные друг другу на цветовом круге. Как упоминалось ранее, художники-импрессионисты использовали эффект дополнительных цветовых схем, чтобы усилить яркость своих цветовых палитр. Не будучи импрессионистом, в своей картине «Звездная ночь » Ван Гог (1853–1890, Нидерланды, жил во Франции) использует синий цвет ночного неба, чтобы зарядить оранжевый цвет своего полумесяца. (Рисунок 2.58)

Аналогичная цветовая схема использует только одну область цветового круга.Если, например, в качестве цвета привязки для схемы выбран зеленый цвет, художник будет использовать цвета, которые находятся между желтой и синей точками на колесе. Натюрморт со стаканом и устрицами — Ян Давидс. де Хем (1606–1684, Нидерланды, жил в Бельгии) является хорошим примером аналогичной оранжевой / желто-зеленой схемы. (Рисунок 2.59 ) Есть много других цветовых схем, которые используются для различных приложений, но этих трех достаточно, чтобы проиллюстрировать идею.

2.4.2 Принципы проектирования

Элементы дизайна — это визуальные компоненты, которые художники используют для создания произведений искусства. Принципы дизайна — это различные способы расположения этих элементов или компонентов для получения желаемого эффекта. Есть столько же способов подойти к расстановке элементов искусства, сколько художников. Каждое произведение искусства уникально по замыслу, дизайну и исполнению. Последние достижения в изобразительном искусстве представили случайные и иррациональные подходы к созданию искусства.В этих подходах результат произведения искусства не планируется. Хотя можно сказать, что этим произведениям искусства не хватает осознанного дизайна, иногда они оказываются успешными. Часто успех иррационально или случайно созданных произведений искусства можно отнести к одному или нескольким принципам работы организации. Осведомленность о принципах дизайна в произведении искусства позволяет зрителю добавить глубины анализу этих произведений. Ниже приведены пять принципов дизайна. Список не является исчерпывающим, но с него можно начать.

2.4.2.1 Единство / разнообразие

Единство — в сходстве, а разнообразие — в различии. Дизайн, который показывает единство — это тот, в котором элементы произведения или отношения между элементами подобны или идентичны. Картина Леонардо Мона Лиза (см. Рис. 2.7) считается прорывом в искусстве итальянского Возрождения, потому что мягкие края фигуры похожи на мягкие тона приглушенного фона, тем самым объединяя изображение. Дизайн, который показывает разновидность , — это тот, в котором элементы произведения различаются по размеру, цвету, форме или некоторым другим атрибутам.Одной из проблем, связанных с чрезмерным использованием единства в дизайне, является визуальная монотонность. Визуальное единство может происходить как на концептуальном уровне , так и на физическом уровне. Элементы, выбранные на основе темы, могут отображать концептуальное единство и в то же время отображать разнообразие форм. Художественное произведение, которому не хватает разнообразия, может быть однообразным и неинтересным. Многие артисты вносят разнообразие в свои композиции, следя за тем, чтобы не было двух одинаковых интервалов. Интервал — это пространство между элементами, фигурами или объектами в произведении искусства.

Принцип построения шкалы и пропорции — это вопрос размеров элементов как по отдельности, так и по отношению к другим элементам. Знаменитым примером тонкого использования масштаба является относительный размер фигур в картине Микеланджело Piet à. (Рис. 2.60) Скульптура представляет собой изображение Марии, держащей тело своего сына Иисуса после распятия. Если мы измерим тела Иисуса и Марии от пятки до колена, от колена до бедра и так далее, а затем сравним их, мы обнаружим, что Мария больше Иисуса.Кроме того, фигура Марии непропорциональна, то есть размеры частей ее тела не совпадают. Это необычное использование масштаба и пропорций служит инфантилизатором Иисуса, чтобы тонко подчеркнуть отношения матери и ребенка. Еще одно применение масштаба и пропорции — использование форсированной перспективы. (Рисунок 2.61) Принудительная перспектива — это расположение фигуры и фона, которое искажает масштаб объектов, заставляя маленькие объекты казаться большими или большие объекты кажутся маленькими за счет сопоставления их с противоположностями.Принудительная перспектива наиболее убедительна, когда она сделана фотографически.

2.4.2.3 Баланс

Принцип конструкции весов заключается в визуальном «весе». Элементы дизайна, такие как линии и формы, могут привлекать наше внимание разными способами. Например, они могут быть ярко окрашены, они могут быть большими по сравнению с другими подобными формами или могут иметь необычную текстуру. Композиционный баланс достигается, когда эти конкурирующие визуальные веса примерно эквивалентны.Есть два вида композиционного баланса: симметричный и асимметричный .

Линии и формы в композиции, в которой используется принцип симметричного баланса , обычно одинаково расположены вокруг оси , или центральной линии. В «Таинство Тайной вечери » Сальвадора Дали (1904–1989, Испания) обратите внимание на баланс одинаковых форм слева и справа от центральной фигуры Иисуса. ( Таинство Тайной вечери , Сальвадор Дали: загрузить.wikimedia.org/wikipedia/en/f/f1/ Dali _-_ The_Sacrament_of_the_Last_ Supper _-_ lowres.jpg) Вертикальные и горизонтальные оси обычно зарезервированы для очень стабильных композиций, и эта стратегия часто используется в религиозном контексте, чтобы подразумевать неизменную истину.

Асимметричный баланс достигается, когда визуальные веса не соответствуют друг другу по форме, размеру или расположению; они неравномерно распределены в композиции. Ксилография «Большая волна у Канагавы » Кацусики Хокусая (1760–1849, Япония) и «Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами» Поля Сезанна (1839–1906, Франция) являются хорошими примерами асимметричных композиций.Большое пространство справа от Большой волны Хокусая «смещает» приближающуюся волну в левой половине композиции. (Рис. 2.62) Подобным образом большая серая стена слева в картине Сезанна «Натюрморт с яблоками » компенсирует визуально сложный цветочный горшок справа. (Рис. 2.63) В каждой работе почти треть композиции (небо и стена), так сказать, не занята; в этих областях нет никаких предметов. Однако в двухмерном пространстве произведения мы «читаем» каждую пустую область как имеющую визуальный вес, уравновешивающий формы в остальной части композиционного пространства.

Не всегда необходимо, чтобы произведение было сбалансированным. Очевидный дисбаланс может вызвать эффект неустойчивости, дезориентации или стресса, который может стать полезной частью более широкой идеи в произведении искусства. Большие пустые пространства на картине Одда Нердрума (род. 1944, Норвегия) имеют существенный визуальный вес и подразумевают как физическую, так и психологическую изоляцию. ( Человек и заброшенный пейзаж , Odd Nerdrum: s-media-cache-ak0.pinimg.com/736x/27/ a3 / 3b / 27a33b6c5d3c9e087d20f7cb3c34296a.jpg)

2.4.2.4 Выделение / движение

Принцип дизайна акцента или движения — это намеренное использование направленных сил для перемещения внимания зрителя через произведение искусства. Когда мы видим изменение цвета внутри фигуры, это подразумевает движение. И когда мы видим линию в произведении искусства, мы вынуждены следовать ей. Например, стрелки любой формы обозначают направление и широко используются в рекламе для привлечения внимания потенциальных клиентов.

Есть более тонкие способы привлечь внимание зрителя через произведение искусства. Снятие с креста Рогир ван дер Вейден (1404–1464, Бельгия) использует положение рук, ног и голов фигур, чтобы обвести символ бесконечности, который напоминает число 8, лежащее на боку. (Рис. 2.64) Это тонкое напоминание о вечной жизни Христа призвано успокоить и вселить надежду в верующих, созерцающих эту сцену смерти и скорби.

2.4.2.5 Ритм / повторение

Принцип дизайна ритма заключается в повторении визуальных элементов для создания рисунка.Затем этот узор можно использовать для создания сцены для особого объекта, или узор можно прервать, чтобы привлечь внимание к изменению. В своем комментарии к культуре массового потребления Энди Уорхол, используя повторение, заставляет нас заметить небольшие различия между внешне идентичными элементами его инсталляции, 32 Campbell’s Soup Cans . (Рисунок 2.65)

Визуальная композиция | Основные гуманитарные науки

Введение

Термин «композиция» обозначает общую компоновку произведения искусства.Чтобы описать композицию картины (например), необходимо определить частей, из которых состоит картина (например, фигуры, здания, природные элементы), а затем описать, как эти части расположены .

Пирамидальная композиция против динамической

Двумя наиболее выдающимися подходами к визуальной композиции являются пирамидальная композиция живописи Высокого Возрождения и динамическая композиция живописи барокко (см. Западную эстетику).Пирамидальная композиция сосредоточена на единстве , в то время как динамическая композиция в первую очередь связана с контрастом .

Фигуры Леонардо в «Деве в скалах» расположены так, что «вершина» картины (голова Марии) обрамлена фигурами по бокам и впереди. Расположение этих фигур отличается симметричностью и уравновешенностью. Достигается ощущение устойчивости, и взгляд естественным образом притягивается к одной точке (лицу Мэри). Что касается цвета, пятна голубоватого неба в верхней части картины уравновешиваются голубоватыми одеяниями в нижней части; другие цвета также сбалансированы.

«Поднятие креста» Рубена, напротив, имеет диагональные конфигурации фигур. Общее расположение отличается асимметрией и неуравновешенностью. Сильное ощущение динамизма (ощущение, что картина «находится в движении») возникает, когда взгляд беспокойно проводится вдоль каждой линии. Обратите внимание также на несбалансированное использование цвета; например, в то время как левая и центральная панели имеют темный фон, правая панель установлена ​​на фоне светлого неба.

Unity vs. Contrast

Ощущение единства может быть достигнуто посредством повторения частей, а также сбалансированного расположения частей.Точно так же ощущение контраста может быть достигнуто за счет использования резко различных частей и расположения этих частей несбалансированным образом .

Можно утверждать, что все великое искусство должно поддерживать баланс между единством и контрастом. Unity похож на двигатель (стабильный и тщательно структурированный), в то время как контраст подобен , сжигающему топливо внутри двигателя (активному и неконтролируемому). Двигатель без топлива не запустится; точно так же произведение искусства с «чрезмерным единством» — это механическое, а унылое — .И наоборот, топливо без двигателя просто выходит из-под контроля; точно так же произведение искусства с «чрезмерным контрастом» — это беспорядочный и беспорядочный .

Композиция с фигурами, 1969 год, автор Ян Фэйрвезер ::

Ян Фэйрвезер черпал вдохновение в культурах Юго-Восточной Азии, кубизме, абстракции и искусстве аборигенов, создавая многослойные каллиграфические композиции, часто граничащие с абстрактными. В 1965 году он заметил: «[Раньше я] … таскал с собой небольшой альбом для рисования и изучал различные вещи, которые я видел, но со временем меня заинтересовали лишь несколько предметов, и я не хотел ходить в поисках больше никаких предметов.Проблема заключалась в том, чтобы заняться одним предметом, и поэтому практически все сводилось к этому. Под одним предметом я подразумеваю … людей ».

После школы в Великобритании и Швейцарии, Фэйрвезер участвовал в Первой мировой войне, где был схвачен и интернирован в немецком лагере для военнопленных. Он проводил время, обучаясь рисованию. Вернувшись в Гаагу после перемирия в 1918 году, он прошел четырехлетний курс обучения в лондонской школе Slade под руководством Генри Тонкса, а по вечерам изучал японский и китайский языки в Школе востоковедения Лондонского университета. что заставило его усомниться в превосходстве западной визуальной традиции.В течение 1930-х и 40-х годов Фэйрвезер вела кочевой образ жизни, много путешествуя по Канаде, Китаю, Индонезии и Австралии. С 1949 года он также регулярно выставлялся в галереях Macquarie в Сиднее, где его работы повлияли на местных художников, в том числе Тони Таксона, чья собственная абстрактная живопись имеет отголоски каллиграфического стиля Фэйрвезера.

Переломный момент в жизни и работе Фэйрвезера произошел в 1952 году, когда он предпринял шестнадцатидневное путешествие на плоту из Дарвина в Роти, Индонезия, во время которого чуть не погиб.Державшийся индонезийскими властями в течение трех месяцев, он был депортирован и возвращен в Австралию, поселившись на острове Бриби у побережья Квинсленда. На острове Бриби Фэйрвезер построил хижину с соломенной крышей и, живя отшельником, продолжал рисовать до своей смерти в 1974 году, создав некоторые из самых значительных работ за всю его уникальную карьеру.

К 1969 году Фэйрвезер был на пике своих исследований в области живописной абстракции. «Композиция с фигурами», пожалуй, лучшее из произведений позднего периода.Картина представляет собой объединение жизненного опыта Фэйрвезера и его поисков в искусстве. Это также праздник физического акта рисования, который поддерживал Фэйрвезера в его последние годы добровольной изоляции. Капли краски видны на протяжении всей работы, кульминацией которых является завеса капель внизу холста, которую художник не скрыл. Центральная группа фигур, уменьшенных до самых голых форм и окрашенных простыми кремовыми линиями, выступает из многослойного фона Фэйрвезера.Используя ограниченную цветовую палитру оттенков темно-синего, умбры и кремового, типичных для этого периода, фирменное наложение слоев краски Fairweather предлагает только намек на скрытый землистый фон.

Композиция — Академия Вильппу

С 20 сентября 2021 г.

Курс будет состоять из заданий, которые потребуют от студентов создания, в соответствии со своими интересами, либо иллюстраций, композиций для картин, анимационной раскадровки, макета или страниц комиксов.

Формат