Рисунок, живопись и композиция пейзажа

Чтобы рисовать пейзажи потребуется научиться, не просто рисовать, но и точно чувствовать передаваемую на рисунке тему, компоновать, а также развить колористические навыки, практиковаться в живописи. Пейзаж должен быть гармоничным, целостным, четко передавать то или другое состояние природы. Давайте подробнее разберемся в необходимых для художника-пейзажиста правилах и методах.

РИСУНОК.

Рисунок – изображение, зафиксированное на плоскости, с помощью графики. Он является основой для всех видов изобразительного искусства. Без рисунка сложнее работать над художественным произведением.

К рисункам пейзажей многие известные художники относились очень трепетно, ведь передавать на рисунке неповторимое разнообразие природы это так увлекательно и интересно. В создании своих шедевров им помогали: развитое объемно-пространственное видение, знание перспективы и характера строения деревьев и других растений, камней, гор и прочих природных объектов.

Создание рисунков с натуры поможет Вам в изучении закономерностей форм окружающей нас природы. Начинающему пейзажисту нужно приучить себя систематически рисовать на природе, придумывать пейзажные композиции на основании своих наблюдений, делать наброски. Можно рисовать разными материалами: карандашом, тушью, сангиной, черной акварелью, сепией. Следует носить с собой альбом или хотя бы блокнот и зарисовывать в него все, что привлечет ваше внимание. Например: интересные изгибы ручейка или тропинки, необычная форма дерева, груда камней. Помните о пропорции и масштабе.

Дерево. Леонардо да Винчи. Перо.

Когда интересная композиция найдена – приступайте к рисованию, не торопитесь, сначала хорошенько обдумайте все детали рисунка, найдите соотношение высоты и ширины каждого элемента. Если на рисунке обнаружатся ошибки – лучше исправить их сразу, потом Вы можете увлечься рисованием и забыть о них. Прорабатывайте рисунок дальше, вводя тона и таким образом, придавая предметам объем. Не стоит сильно увлекаться просто темным тоном. Рисуйте тона постепенно, сравнивая все тени между собой. Какие-то из них, в любом случае, будут светлей или темней. Также

внимательно отнеситесь к свету, определите, где на рисунке будет самое светлое место и где будет темней всего. Чем разнообразнее тона и полутона – тем живописнее получится рисунок. Напоследок еще раз проверьте все размеры предметов, правильно ли они вписаны в пространство. Первым таким рисункам уделяйте примерно 6-8 часов, разбивая это время на 3-4 сеанса. Постепенно переходите к более сложным рисункам, ставьте перед собой конкретные задачи. Например: изучить строение ивы, кленового листка или сосновой ветки. В таких случаях нужно будет сосредоточиться именно на строении, а тона рисовать не обязательно. Рисуйте иногда на ватмане, длительные, детальные, сложные рисунки, с большим количеством тонов. Например: корабль в штормовом море, закат в горах, рассвет в сельской местности. Такие рисунки станут для вас, как бы, контрольными работами. Чем больше Вы будете рисовать, тем лучше у вас будет получаться.

ЖИВОПИСЬ.

Живопись – разновидность изобразительного искусства, когда передача зрительных образов на какую-нибудь поверхность, происходит при помощи нанесения на нее красок.

Смотря на картины художников-мастеров живописи, можно очень вдохновиться и получить массу впечатлений и непередаваемых эмоций, можно долго восхищаться их полнотой и реалистичностью переданных состояний природы. В чем же их секрет? Их секрет в искусно подобранной, интересной, гармоничной композиции, в их выразительности, легкости, мастерстве рисунка, живости цвета.

Чтобы начинающему художнику научиться рисовать живопись, нужно будет поупорствовать в практике и изучить особенности живой природы. Следует обязательно периодически выезжать на этюды. Также стоит приобрести нужные для этого вещи, такие как: грунтованный картон, холсты в подрамниках, складные мольберт, зонт и стульчик, этюдник, акриловые или масляные краски, кисти.

Море. М’якшило В. К. Олія.

Когда едете на природу, если имеете достаточно свободного времени, не торопитесь сразу начинать рисовать, потратьте 1-2 дня на изучение местности, осмотритесь, выберите самый волнующий Вас мотив, обратите внимание, что утром, днем и вечером все выглядит по-разному. Погуляйте с альбомом, сделайте ряд коротких этюдов. Это поможет отыскать правильное отношение дальнего и ближнего плана, отношение земли и неба, разных оттенков зеленого. Сравнивайте этюды между собой. Они не должны быть одинаковыми или слишком похожими. Если Вам удастся отобразить разницу видимой природы в разную погоду и разное время дня – значит, Вы справились с задачей, смогли передать цветовые отношения. Важно также правильно выбрать общий тон этюда, он тоже будет зависеть от погоды и времени суток. После коротких этюдов, когда Вы распишетесь, переходите к более длительным. Рисуйте в разных форматах (в горизонтальном и вертикальном), берите разную высоту горизонта (для этого достаточно просто присесть). Посмотрите на выбранный мотив с разных точек зрения, походите вокруг, подходите ближе и отходите дальше, чтобы выбрать идеальное расстояние, ведь мотив может казаться интересней при ближайшем рассмотрении или наоборот издалека.

Рисуйте в разную погоду, но помните, что состояние солнечного дня меняется очень быстро и рисовать больше чем 1,5 – 2 часа не стоит, а пасмурный день можно рисовать дольше — 2-3 часа.

Когда пейзаж скомпонован, не лишним будет сделать краткосрочный этюд. Приступая к работе, в течение 1-го или 2-ух сеансов прорисуйте мотив, далее подмалевывайте, не стараясь взять точные цвета, внимательно отнеситесь к темным местам и теням. Потом не торопясь, сравнивая отношения цветов и тона, вводите цвета более точно. С большой осторожностью относитесь к внесению белого цвета в краски смешанные для рисования теней и темных мест, тут главное не переборщить.

Пока не разберетесь со всеми цветами и тонами, не рисуйте много деталей. От сеанса к сеансу, все время сравнивая отношения цветов, вносите детали. В зависимости от сложности пейзажа, для его написания может понадобиться разное количество времени от 1 дня до нескольких месяцев, а может и больше.

Вечір. М’якшило В. К. Олія.

Развивайте в себе колористическое видение – умение сочетать краски правдиво, жизненно, гармонично, а оттенки делать многообразными и слаженными. Разрабатывайте зрительную память, не рисуйте только с натуры, рисуйте также по памяти, ведь не всегда есть время выбраться на этюд. Наблюдайте за тем что Вас окружает более активно и творчески, вглядывайтесь в то, на что раньше вообще не обращали внимания.

КОМПОЗИЦИЯ.

Композиция – составление целостного образа из отдельных его частей.

В изобразительном искусстве умение компоновать означает расположить объекты таким об разом, чтобы они передавали определенное впечатление, обстановку события. Например, композиция может быть динамической, статической, подавляющей, гармоничной или любой другой, в зависимости от того, что она должна передавать.

Выразив на полотне свою идею в композиционном строе, с предельной ясностью – Вы можете дать возможность людям, увидевшим вашу картину хотя бы один раз, сразу поверить в ее неподдельную правдивость. У известных художников есть такие картины, что, кажется, просто преступлением убрать или прибавить что-то, нарушив этим композицию этих картин.

Для того чтобы задумать удачную композицию, нужно иметь много впечатлений от увиденного и ряд образов, которые если объединить в одно целое, должны ясно отобразить то, что Вы задумали нарисовать. Явление, передаваемое на холсте, должно быть вам хорошо знакомо и изучено вами заранее, в достаточной мере. Композиции на картинах бывают четкими и ярко выраженными, но бывают и такие, которые вообще не заметны на первый взгляд, но это еще не значит, что композиция отсутствует, она может быть настолько простой и убедительной, что просто не будет сразу ощущаться.

Стежинка в ліс. Олія. М’якшило В. К.

Итак, как же правильно скомпоновать пейзаж? Каких-то особых схем, которые сработают наверняка – нет. Законов композиции существует огромное множество. Они становятся понятными только на собственном творческом опыте. Не лишним будет изучить композиционные решения лучших произведений мирового искусства, не для копирования готовых идей, а для рассмотрения примеров разнообразности композиций. В работе над композицией пейзажа большую роль играют: воображение, достаточно ли времени вы уделяете рисованию с натуры, делаете ли правильные выводы. В общем, если Вы любите природу и хотите научиться отображать ее правильно в своих композициях, нужно: отнестись к делу с упорством, посвящать как можно больше своего времени выездам на природу, писать этюды, делать наброски, напрягать зрительную память и воображение, компоновать пейзажные мотивы, которые больше всего Вам интересны.

Нужно ставить перед собой определенные задачи и обязательно доводить дело до конца, чтобы неудачей не отбить у себя охоту к рисованию. Не расстраивайтесь если что-то не получается, пробуйте снова. Не уничтожайте даже самые неудачные свои работы, они потом могут пригодиться вам для сравнения, чтобы отследить причину своих ошибок и пути их исправления впоследствии приобретения большего опыта. Почитайте литературу о художниках, их советы, походите по музеям, внимательно рассматривайте понравившиеся Вам картины, дружите с другими художниками-любителями, а если есть возможность то и с художниками-профессионалами, с ними Вы сможете посоветоваться, поработать вместе на природе. Полезно также будет посетить занятия художественных студий, различные мастер-классы по рисованию.

Удачи Вам и побольше вдохновения в вашем творческом поиске!!!

Поделись в соц. сетях:

Рекомендуем к прочтению:

Что такое искусство.

Как стать художником.

Еще на нашем сайте можно заказать художественную роспись.

Принципы работы над композицией в пейзаже

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«Художественная школа»

г. Благовещенск

Доклад

Тема: «Принципы работы над композицией в пейзаже»

Подготовила: преподаватель

МБУДО «ХШ» г. Благовещенск

Кухтина Ольга Александровна

г. Благовещенск

май 2020 год

Содержание:

1. Введение …………………………………………………………………….3

2. Значение композиции при работе над пейзажем. …………………………3

3. Освоение элементов пейзажа. ……………………………………………..4

4. Значение плановости в пейзаже.. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7

5. Заключение ………………………………………………………………….8

6. Литература.. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

Введение

На протяжении всей истории живописи, начиная с самых ранних периодов, и вплоть до сегодняшнего дня, пейзаж выражал чувства художника с некоторыми нюансами и различиями в зависимости от манеры того или иного мастера воспринимать, интерпретировать передавать один и тот же сюжет.

От того, как художник воспринимает открывшийся перед ним пейзаж, и какие чувствительные струны души он затрагивает, будет зависеть создание будущего произведения. Если восприятие будет цветным, то художник создаст картину в красках. Если же сосредоточенным по форме, то есть направленным на гармонию структуры, объема и пространства, то тогда для выражения своих чувств художник выберет рисунок.

Значение композиции при работе над пейзажем.

Выбор пейзажа может оказаться не таким, уж простым делом, как кажется на первый взгляд. На самом деле, пейзаж не часто открывается перед нами во всей своей красе или, по крайне мере, представляет собой исключительно эстетический интерес.

Имея даже небольшой опыт рисования пейзажа, мы понимаем, что глаз не всегда способен правильно оценить красоту будущего произведения. Например, большой панорамный пейзаж может показаться нам привлекательным и наполненным игрой красок, но при попытке отразить его на бумаге изображение получиться блеклым.

Но может получиться и наоборот. Пейзаж на первый взгляд мало привлекательный, а на бумаге окажется достойным интереса и весьма значительным.

Это не простое явление основывается на зрительном восприятии, психологии и художественном опыте человека.

Если же решение нарисовать пейзаж с натуры принято, перед нами встает проблема выбора композиции.

В живописи композицией называется выбор и размещение на поверхности, то есть на основе рисунка, выразительных элементов и отношений между ними.

Композиция в значительной степени зависит от интуиции и зрительного «образования» художника. Она не подчиняется никаким твердым и обязательным правилам. Однако, изучая художественные произведения и практические исследования, можно вывести определенные принципы и тенденции, которые в наибольшей мере отвечают нашим представлениям о гармонии и восприятии окружающего мира, и в дальнейшем следовать им.

Вот некоторые из принципов, которые чаще всего мы можем использовать:

— стараться не размещать основной объект прямо в центре рисунка;

— чтобы линия горизонта не разделяла рисунок на две части, равные между собой;

— избегать двух равных по контрасту друг с другом частей;

— оставлять немного свободного места вокруг объекта;

— пытаться разбавлять монотонность горизонтальных линий добавлением вертикальных мотивов;

— избегать в пейзаже схождений линий в центре рисунка;

— помнить, что «линии интереса» ведут взгляд наблюдателя вглубь рисунка, а не к боковым краям (см. приложение).

Допустим, мы учли все вышеперечисленные принципы и определились с композиционным строем будущей работы, но все же основной сложностью остается перенесение на плоскую поверхность реального трехмерного пространства, причем сохраняя направление глубины пейзажа.

Огромное значение для создания композиции пейзажа имеет внимательное изучение объекта под разными углами зрения, чтобы точнее воспринять, а затем воспроизвести его наиболее выгодным образом. Поэтому выполняется серия этюдов для предварительного и подробного изучения пейзажа, причем первый из них сделан под выбранным углом зрения.

Однако создание композиции не ограничивается выбором удобного угла зрения, существует ряд и других проблем – таких, как вставка в рисунок одних элементов, изъятие из него других, либо изменение их габаритов и местоположения.

Идет «оттачивание» изображения, то есть выбор размеров рисунка, вертикального или горизонтального формата. Для того чтобы сделать правильный выбор, можно воспользоваться методом «кадрирования» (многие художники для этой цели используют кадр диапозитива).

Мы же на занятиях в художественной школе пользуемся поисковой рамкой. С ее помощью учащимся легче определиться и выбрать необходимый и понравившийся угол природы для изображения. Но, чтобы прийти к этому, необходима большая подготовительная работа.

Освоение элементов пейзажа.

Освоение пейзажа начинается с «личного знакомства» с каждым в отдельности элементом природы.

В художественной школе с так называемой азбукой природы мы начинаем знакомство на пленэре, а также в некоторых учебных постановках. Именно на занятиях учащиеся приучаются кропотливо изучать, многократно прорисовывать разнообразные виды растений.

Возьмем, к примеру, деревья. Они являют собой бесконечное многообразие форм, размеров текстур.

Отдельно стоящее дерево непрерывно меняется с изменением освещения, не говоря уже о влиянии ветра или времени года. Дерево, будь оно все в цвету или увенчано массой листьев, представляет собой великолепный объект для эскиза.

Деревья, как и люди, не похожи друг на друга, и их общие силуэты неодинаковы. Ствол могучего бука с его относительно гладкой корой резко отличается от ствола дуба с сильно текстурованной корой. Береза своими формами ничем не напоминает сосну. При выполнении эскизов деревьев, сплошь покрытых листвой, учащимся вовсе не обязательно прорисовывать всю структуру ветвей, но знание этой структуры позволяет им лучше понять порядок сосредоточения листьев на дереве.

Ведь после того, как учащийся научится видеть в каждой травинке уже хорошо знакомого друга с характерными, своеобразными очертаниями и пластикой, для него не будет больше существовать некой общей зеленой массы.

Основная задача обучения в художественной школе состоит в том, что начинающий художник должен не только изучить как можно подробнее форму, общее строение, пропорциональные отношения внутри изучаемой формы растения, но и научиться на основе принципов перевоплощения передавать конкретную особую пластику каждого растения.

Так как на практике, часто бывает – в работах начинающих художников мы видим абсолютно произвольное написание травинок, деревьев.

Именно передача красоты и выразительности форм отличает понятие пластики от обычного конкретного понятия передачи движения предмета в картине. Неповторимая пластика каждого растения, особый взмах стеблей, красивый поворот или наклон соцветия, красота внутреннего движения, которое заключено в форме растения – это всегда увлекает и вдохновляет художника запечатлеть увиденное.

Художник может трактовать, преобразовывать одну и туже форму так, что она будет в каждом новом прорисованном своем варианте выражать различное настроение изображаемого растения.

Одним из важнейших формообразующих факторов передачи пластики растения в живописи и рисунке является эмоционально – эстетическое переживание художника, так как он, прежде всего, передает эмоции, а форма растения воспринимает свои очертания от запроектированного по замыслу художника переживания.

Понимание пластики растения, его динамики движения приходит к начинающему художнику только через многократную и длительную прорисовку формы данного растения. И здесь огромную роль для изучения растительных форм играют уроки декоративно – прикладного искусства. Ведь наиболее выразительным и ярким примером большой пластической наполненности форм выступают элементы узора декоративно – прикладного искусства хохломской, палехской, федоскинской, жостовской, городецкой росписи, где на основе глубоко изученной формы растения создается живописный образ.

Каждый элемент узора выражает своей формой то единое, общее эмоциональное устремление, которое выстраивается в нерасторжимое пластическое единство, так же как и живописное произведение любого другого жанра.

В композиции всегда необходимо учитывать глубокую пластическую, эмоциональную связь между всеми элементами картины. Поэтому в художественном образовательном процессе для начинающих художников имеет важное значение изучение плоскостных узоров росписи, так как они овладевают основным принципом создания пластического рисунка, то есть приемом сопряжения окружностей разного радиуса.

Хохломская, палехская, федоскинская, жостовская росписи учат и направляют сознание учащихся на осмысление шарообразных форм, сфер, окружностей, радиусов, заложенных в растениях, и многих других элементах природы, поэтому как все эти формы являются не только основой малых элементов росписи, но и сложных композиций в целом (см. приложение).

Изучение плоскостных узоров подготавливает учащихся к созданию пластического рисунка объемных форм предметов в классической живописи.

Таким приемом сопряжения объемных шарообразных форм, составляющих античную систему рисунка, пользовались многие известные художники – Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, П. Рубенс, Э. Делакруа (см. приложение).

Этот период требует в обучении длительного труда, так как именно на примере различных постановок учащиеся анализируют и сравнивают диаметры окружностей составляющих предметов.

Становится довольно понятно, что связь в обучении с занятиями ДПИ и работой над постановкой, дает учащимся большие навыки для успешного освоения пейзажа: навыки рисования кистью, техники и методики исполнения разных видов мазка, точное исполнение мелких деталей в живописной картине любого жанра, изучение секретов компоновки, как отдельных живописных элементов, так и крупных композиций в целом.

В результате успешного освоения приемов росписи:

1. Учащиеся активнее, внимательней и глубже овладевают

различными жанрами живописи.

2. Повышается качество и точность рисунка в живописных

работах учащихся

3. В их работах появляется больше пластики, изысканности

в проработке мелких деталей.

4. Учащиеся лучше понимают обобщенные формы, точнее

чувствуют и передают пластику и пантомимику

изображаемых предметов и пустот между ними.

На примере же учебных постановок, мы приучаем юных художников передавать плановость в работах (конкретное, подробное изображение первого плана, более обобщенное изображение второго плана, размытое – третьего плана), изучаем законы линейной перспективы, световоздушной среды, что не маловажно для освоения пейзажа.

Значение плановости в пейзаже.

Главной задачей в пейзаже является передача предметов в пространстве, а также показ уходящих в глубину элементов.

В пейзаже невозможно прорисовывать с одинаковой детализацией ближние и дальние предметы. По законам перспективы предметы первого плана (почва и элементы растительности на ней) даются в крупном масштабе, с четко

разработанными подробностями. Большие же объекты передаются фрагментарно.

Основное тематическое повествование имеет место на втором плане: здесь крупные объекты передаются целиком и с достаточной четкостью. Изображения третьего плана, менее четкие, даются в сближенных тональных отношениях, так как в воздушной среде теряют резкость очертаний. Воздух не обладает полной прозрачностью и как бы окутывает дали дымкой. Они кажутся неясными, потому что в туманные дни воздух содержит большое количество испарений, а в сухую погоду, особенно в городе, прозрачности воздуха мешают частицы пыли и копоти. Кроме того, теплые воздушные течения в жаркие дни вызывают заметные для глаза колебания воздуха, которые мешают четко видеть дальние предметы.

Темные предметы на дальнем расстоянии кажутся светлее, а светлые – темнее, теряя часть светосилы.

Не маловажное значение в передаче пространства пейзажа имеет свет. Ведь иллюзию глубины в пейзаже создает не только композиция, но и применение цвета. От умения учащихся подчеркивать достоинства цветов и располагать их в работе многое зависит.

Принято считать, что холодные тона отдаляют предметы, а теплые выдвигают их на первый план. И это утверждение служит хорошим фундаментом для передачи глубины в картине.

Для создания пространственной глубины на плоскости применяется несколько методов. Один из них – это тепло — холодность, другой используется для создания ощущения простора и дали – это добавление немного фонового цвета в предмет, который необходимо перенести на задний план (горы).

Для среднего же плана подбирают более темные и теплые цвета, чтобы приблизить его к зрителю. Ну, а первый план всегда пишется самыми теплыми и яркими красками, тогда он придвигается вплотную к зрителю.

Цвет способен передавать настроение и вызывать у людей эмоциональную реакцию. Какими бы ни были предмет и композиция картины, с помощью цвета мы можем управлять реакцией зрителей.

Поэтому учащимся нелишне будет изучить свойства цвета и безграничный диапазон эмоциональных реакций:

Желто- оранжевый – свет, тепло, счастье, уют.

Красный – огонь, жара, возбуждение, опасность.

Синий (красный, лиловый) – волнения.

Лиловый – темнота, интриги, ночь.

Голубой – вода, прохлада, мечтательность, лунный свет,

— небо, даль, безмятежность, легкость.

Зеленый – листва, природа, спокойствие, тишина.

Желто – зеленый – великолепие.

Полутона перечисленных цветов создают приглушенное настроение, и в зависимости от яркости иногда вызывают ощущение грусти и дискомфорта.

Заключение

Для художественных учебных заведений рисунок пейзажа имеет особое значение.

Учащиеся художественной школы должны не только изучить пейзажный жанр искусства, но и усвоить целый ряд методических положений, связанных с изучением различных пород деревьев, рисунком ветвей, цветов и листьев растений. Все эти виды учебной работы тесно связаны с методикой преподавания тематического рисования пейзажа в школе, а также с преподаванием декоративного рисования. Ведь для многих учащихся пейзаж может впоследствии стать излюбленным жанром искусства в их творческой деятельности.

Литература:

— Вулф Р. Основы техники изображения природы акварелью. – Минск: Попурри, 2003. – 128 с., ил.

— Калле П. Карандаш. «Школа рисования». – Минск: Производственно-практическое издание, 2000. – 160 с., илл.

— Пейзаж: шаг за шагом: пер. с англ. – М.: АСТ: Астрель, 2006. – 303 с., ил. – (Мастер-класс)

— Чиварди Д. Рисунок. Пейзаж: методы, техника, композиция. – М.: Изд-во ЭКСМО-Пресс, 2002. 64 с., илл.

Композиция в пейзаже @ ines-art

Еще одна отличная статья на мой взгляд. Где художник дает ценные советы по живописи, композиции и прочим аспектам.
Это не просто техничные указания, схемы и правила. Это именно советы и собственные наработки на примерах которые вы могли бы получить лишь от своего учителя. Уроков по таким «нюансам» никто не пишет.

 
Эта серия правил (я предпочитаю слово «советов») собрана для того, чтобы помочь вам научиться правильно составлять композицию пейзажа. Здесь содержатся основные правила, встречающиеся в большинстве книг, плюс некоторые собственные идеи. Однако, хочу предупредить: не позволяйте правилам препятствовать вашей работе и собственным поискам. Они должны лишь помогать в тот момент, когда вы в сомнениях и не знаете, как лучше расположить тот или иной элемент на картине. Правила существуют, как известно, для того, чтобы их нарушать, правда… когда вы знаете, что именно нарушаете и почему так будет лучше. А потому наберитесь терпения – впереди длинная дорога.

I. Основные советы.

Рис 1.

1. Посмотрите на картину. В пейзаже должен быть центр интереса – особенная, красивая и заметная часть картины. Он может быть выделен с помощью цвета и контраста. Эта часть должна выглядеть особенно и значимо. Окружающая область – быть чуть менее заметной. Необходимо помнить, что центр интереса:
• Должен отличаться сильным цветом (это не значит ярким) и если возможно большим разнообразием красок.
• Выделятся некоторым контрастом света.
• Предпочтительно, чтобы он занимал большую часть картины и находился на переднем плане (однако это всё необязательно).
• Строения, животные и люди будут привлекать внимание. Они легко переходят в центр интереса, как главные действующие лица. • Окружающие элементы и фон должны вести взгляд зрителя к центру интереса. Смотрите рис 1. и 2.
• Центр интереса не должен быть в центре картины. Также он не должен занимать половину холста. Лучше всего пропорция 1/3.
• Область, выбранная вами как центр интереса, не должна быть изолирована от остальной части изображения.
• Правильно построенный центр должен привлечь и удержать взгляд зрителя.

Рис 2. Бревна расположены на картине как указатели, в область выбранную художником.
Рис 3. Берег подводит взгляд к мосту, который и становится центром интереса.

2. Возможно, что вам захочется включить в картину второй центр интереса. Это непростительно новичку и непрофессионалу. Есть риск конкуренции и, как следствие, неудачной композиции.

Рис 4. На этой картине нет необходимости в цветах на переднем плане, однако художник добавил второй центр интереса и вполне удачно.

3. Не выталкивайте зрителя из картины! Этого можно избежать, если не подводить элементы к краю и за пределы картины, особенно деревья, дороги и реки. Вы можете добавлять «остановки», чтобы избежать выхода за пределы. Это правило очень практично, животные и люди должны оставаться в композиции.

Рис 5. Обратите внимание на крайнюю справа лошадь. Художник для остановки использовал цвет. Если вы прищурите глаза, то заметите, что лошадь сливается с деревьями, но вот если бы она была светлой, то взгляд ушел бы к самому краю картины.


Рис 5а. Посмотрите на первый рисунок – бревно указывает прямой линией к краю. На следующем рисунке были добавлены ветки, для сглаживания прямой линии и ветка же использована в качестве остановки. А можно, как в последнем изображении, убрать бревно полностью, и тогда зритель последует взглядом за линией берега.

4. Реки, потоки, дороги и т.д. вносят в картину движение. Прямых линий следует избегать – по ним взгляд скользит слишком быстро. Позвольте зрителю неторопливо прогуляться по вашему пейзажу.

Рис 6. Этот поток не очень удачной формы движения.
Рис 7. Путь движения взгляда – плавная кривая. По ней можно проплыть…
Рис 8. Неверно. Путь – прямая. Слишком быстро и резко.
Рис 9. Так намного лучше.

5. Логика неприменима к искусству. Все определяется визуальным влиянием. Солнечный свет может появиться на траве, даже если это дождливый день. Линейная и атмосферная перспективы могут быть искажены, если того требует ситуация. Тени могут быть больше, чем им положено… В общем, чувствуйте себя свободно, вы — художник 🙂

Рис 10. По наклону деревьев видно, что ветер дует справа налево, однако дождь льет в противоположном направлении.

6. Собирайте важные предметы в пределах центра интереса. Не разбрасывайте их по композиции, иначе они станут перетягивать внимание друг с друга.

Рис 11. Все люди собраны в центре интереса, в правой части картины.
Рис 12. Лошадь расположена неверно. Было бы лучше расположить её неподалеку от скамейки.

7. Позвольте зрителю поучаствовать в картине. Оставьте место для размышления и воображения. Дайте место небольшой тайне.

Рис 13. Что за поворотом? Может быть озеро? Или город? Художник оставил это на нашу фантазию.

8. Глубина. Художники ограничены созданием иллюзии трехмерного изображения на двухмерной плоскости. Однако картины выглядят как настоящие. Иногда я слышал, как люди, видевшие мои работы, спрашивали : «Это что фотография?» Но в моей работе не было ничего настоящего, только представление действительности. Вот несколько советов для создания иллюзии глубины:
• Располагайте объекты так, чтобы они перекрывали друг друга.
• Цвета расположенные вдали на заднем фоне обычно холоднее и убывают в цвете. Чем ближе расположены предметы тем теплее и насыщеннее выглядят цвета. На самом деле не всё так просто. Когда мы смотрим на дерево на расстоянии 100 ярдов, то цвет ещё остается теплым. Смещение цвета будет очень незначительным по сравнению с тем деревом, что стоит рядом с вами. Тем не менее, даже если вы немного добавите лилового или синего в цвет листвы, то вытолкнете эти деревья на задний план.
• Небольшие и не очень четкие предметы на расстоянии от переднего плана.
• Создайте как минимум три плоскости. Обычно это передний план, средний и фон.
• Смягчайте текстуру на объектах заднего плана. Посмотрите на рис 13. здесь чувство расстояния передано хорошо. Деревья расположены впереди гор, интенсивность желтого цвета в световых пятнах больше вблизи, к дальней части становиться холоднее и светлее. Тени на дальней горе — светлее и отличаются оттенком от тех, что в середине. Картина также разделена на три части.

Рис 14. Вы можете добавить и больше плоскостей, которые усилят чувство расстояния, если передний план чуть темноват.
Рис 15. Туман – отличное средство для создания глубины.

9. Сохраняйте контраст для центра интереса, чтобы области вокруг не конкурировали за внимание. Самые светлые и темные тона возле центра интереса, вокруг – средние величины цвета и света.

Рис 16. Неверный контраст. Дерево слева конкурирует за внимание.
Рис 17. Лучше — контраст был уменьшен и теперь сфокусироваться легче.
Рис 18. Темная одежда на человеке выводит его из поля зрения, а дверь на теневой стороне дома хоть и темная, но окружена средними величинами цвета и света, и увлекает взгляд зрителя в неправильную область. Обдумывайте направление света изначально.

10. Ваша картина не будет выглядеть перегруженной, если вы включите в композицию некоторую «зону отдыха», желательно перед центром интереса.

Рис 19. Вы можете видеть до деревьев некоторое пространство просто чистого снега – хорошая передышка для взгляда и выделение центра интереса.

11. Если возможно, включите в картину и горизонтальные, и вертикальные и диагональные линии. Эти линии не должны присутствовать в чистом виде, но следует придавать с их помощью направление движения. Диагональные предпочтительны потому, что они не идут параллельно рамке картины и дают глубину.

Рис 20. Там, где озеро достигает земли у нас есть горизонтальная линия, сосна дает вертикаль, а трава по берегу – диагональ. Линия дерева разбивает пересечение горизонтали и диагонали, иначе бы получился ровный синий треугольник.

12. Когда вы изображаете движущиеся объекты, часто необходимо передать динамику через окружающие объекты.

Рис 21. Художник изобразил движение лошадей. Чувство движения было передано через пыль. Также ни одна из лошадей не висит в воздухе – такое может быть на фотографии, но не должно изображаться на картине. То же самое с фотографией водопада: вода может застыть на снимке и иметь четкие контуры, однако на картине её так рисовать нельзя. Смазанное изображение воды даст чувство движения и динамики.

13. Наиболее привычное для взгляда движение слева направо. Не забывайте об этом, когда будете искать путь для движения взгляда вдоль реки или дороги.

14. Также как и при чтении книги ещё одно привычное направление — сверху вниз.

II. Распространенные ошибки.

15. Не начинайте движение с угла!

Рис 22. Пример плохого направления. Река начинается из левого нижнего угла.
Рис 23. Расширив устье реки, мы решили проблему.

16. Избегайте повторений линий, форм и размеров. Это создает противоречия и рассеивает внимание.

Рис 24. Две одинаковые березы. Одну из них стоило бы изогнуть по – другому и сделать их разной толщины.


Рис 25. Две лошади одинакового размера, в одинаковых позах.

17. Избегайте группировать людей или животных в одинаковых количествах. Если хотите изобразить пару, то внесите разницу в размеры и движения.

Рис 26. Неверное изображение. Олени одинаковы в движениях и размерах. Так они конкурируют за внимание.
Рис 27. Так лучше. Олень справа другого размера и в другой позе.
Рис 28. Третий олень также добавил разнообразия.

18. Не сгибайте линии на ваших картинах наружу, лучше направляйте их внутрь. Также не рисуйте горизонтальных и вертикальных линий параллельных рамке картины.

Рис 29. Неправильно. Телефонный столб наклонен неверно.
Рис 30. Также неудачный вариант – столб направлен параллельно рамке картины.
Рис 31. Так намного лучше. Направление движения теперь внутрь картины и удерживает взгляд.

19. Избегайте длинных прямых линий. Маскируйте их или слегка искривляйте.

Рис 32. Прямые линии скрыты или сглажены цветами. Каменная стена слегка искривлена.
Рис 33. Крыши домов, выложенные черепицей, обычно изогнуты. Они слегка искривляются с течением времени.

20. Не используйте чистых геометрических форм таких, как квадраты (окна, двери), треугольники (деревья), овалы или круги. Даже, если они являются такими по происхождению. Например, когда рисуете окно, разделите форму веткой дерева или цветочным горшком.

Рис 34. Тень на переднем плане – треугольной формы.
Рис 35. Так лучше. Теперь форма тени разделена и выглядит естественно.

21. Никогда не делите картину на равные части. Линия горизонта не должна проходить через середину. Это делает картину искусственной.

Рис 36. Линия горизонта проходит посередине.
Рис 37. Лучше. Теперь часть неба срезана и части находятся в пропорции 1/3.

22. Избегайте соприкосновения граней.

Рис 38. Неверно. Шляпа ковбоя соприкасается с вершиной холма.
Рис 39. Теперь всё на своих местах.
Рис 40. Неправильно. Верхушка сосны касается верха холста. Мы здесь не можем больше добавлять. Значит придется обрубать часть дерева!

23. Пересечение форм нежелательно. «X» – подсознательный знак запрета.

Рис 41.

24. Не закрывайте зрителю вход. Приглашайте его.

Рис 42. Неверно. Художник закрыл дверь, и невербально, для нас, это означает закрытую территорию, запрет.
Рис 43. А вот эта композиция выглядит доброжелательно. Чувствуете приглашение войти? Совет: когда вы изображаете неосвещенную область, не используйте черный цвет. Цвет абсолютной темноты — пурпурный. III. Советы по улучшению изображения.

25. Нет необходимости изображать каждый кирпич, камушек, доску и т.д., если только вы не рисуете сверхреалистичную картину. Лучше использовать некоторые приемы импрессионизма, ведь самое важное – выразить идею, передать значение.

 

Рис 44. Крыша не детализирована, но текстура легко угадывается.

26. Затемняйте и сглаживайте углы картины.

Рис 45. Оба нижних угла – затемнены, таким образом сглаживается рамка картины.

27. Не изображайте тень сплошной, лучше добавьте немного световых пятен. Картина станет намного приятней.

Рис 46.

28. Животных лучше всего никогда не ставить на картине боком, т.к. исчезает ощущение трехмерного пространства – получается плоская картинка. Здесь предпочтительнее пропорция ¾.

Рис 47. Неправильно.

Рис 48a. и 48b. Значительно лучше.

29. Строения и другие предметы созданные человеком выглядят интересней, если вы добавите в их текстуру трещины, неравномерности и т.д. Пусть они расскажут свою историю. Совет: изображайте текстуру только на ближних объектах – на большом расстоянии текстура смазывается и исчезает.

Рис 49. Художник наносил краски сухой кистью, чтобы здание выглядело старым.

30. Добавьте в ваши картины драматичности. Закатное небо с яркими оранжевыми цветами смотрится намного интереснее, чем обычное полуденное. Можете добавить дождь, мокрые улицы, ветер и т.д. Всё это сделает картину интереснее.

Рис 50. Такая простая композиция выглядит загадочно из – за дождя и солнца, выглядывающего из облаков.

31. Если вы не преследуете создание сверхреалистичной картины, то изображайте предметы немного смазано, будто смотрите на мир из – под полуопущенных век.

Рис 51. Конечно в жизни всё выглядит более детально, но художник изобразил только наиболее существенные элементы, а остальное упростил.

32. Мягкие грани и края на фоне улучшат ощущение расстояния. Оставьте четкость на переднем плане, в пределах центра интереса.

Рис 52. Деревья на заднем плане были нарисованы размыто, а дерево переднего плана – четко. Это усилило ощущение глубины и сфокусировало взгляд.

33. Не делайте резких границ между двумя областями на картине.

Рис 53. Освещенная часть травы внезапно прекращается, когда достигает куста.
Рис 54. Лучше.

34. Вносите разнообразие в формы. Если у вас на картине есть круглые деревья, не делайте круглыми и облака.

35. Баланс также очень важен. Не должно быть значительного смещения массы на одной из сторон – слева, справа, вверху или внизу. Представьте, что у рисунка есть вес и он может накрениться.

Рис 55. Неправильно. Есть явное смещение тяжести с правой стороны картины, в левой же части – пусто. Рис 56. Так лучше. Теперь дерево слева добавляет равновесия.

36. Мазки кисти должны быть направлены к центру интереса.

IV. Некоторые советы по цветовой гамме.

Цветная палитра похожа на ноты для музыканта. Цвета должны быть гармоничны.

37. Позвольте цветам смешиваться, внося разнообразие. Избегайте использования более трех цветов в одной области.
Рис 57. Понаблюдайте за изменениями цвета в тени каменной стены. Художник изменял насыщенность цветов и смешивал их между собой.
Рис 58. Голубой цвет в этой картине есть только на двери. Это автоматически привлекает внимание.

Совет: я не буду слишком углубляться в гармонию цвета, это тема для отдельной книги. Если вы возьметесь за изучение этого предмета серьезно, то стоит изучить различные книги и источники. Я лично предпочитаю разнообразные цвета и оттенки, избегая черного. Чем больше цветов вы смешиваете, тем грязнее становится оттенок. Это происходит при смешении более, чем трех цветов вместе. Изменяйте оттенок цвета, чтобы избежать монотонности. Также с помощью цвета легко выделить центр интереса. Большинство людей предпочитают теплые цвета. И помните, что в вашей картине должен преобладать один цвет и температура. Рисуйте центр интереса чуть более насыщенным цветом, чем окружающие области. Не повторяйте на фоне цветов, которые были использованы для переднего плана, однако для баланса цвета используйте оттенки одного цвета в разных частях картины.(смотри рис. 57 ) Можно использовать разницу между температурой цвета для создания контраста и глубины. Посмотрите на рис. 61. Холодные цвета кажутся дальше, теплые – ближе.

Рис 59. На этой картине цвета не гармоничны. Горы отрезаны от картины, как отдельная часть потому, что сине — фиолетовый оттенок появляется только на заднем плане.
Рис 60. Здесь художник поступил мудро, добавив синий оттенок в лужи, а зеленый к подножию гор. Обратите внимание на большое кол — во различных оттенков зеленого цвета.

Если ваша живопись преимущественно зеленых оттенков, то небо лучше делать не чистого синего цвета, а голубовато – зеленым. Также можно добавлять оттенки голубого в листву потому, что поверхность многих листьев (особенно мокрых) слегка отражает цвет неба.

Не стоит использовать чистые цвета – это выглядит неестественно. Особенно если используете белую краску, то добавьте в неё чуть – чуть желтого или оранжевого. Поэтому многие производители акварельной бумаги подкрашивают её слегка оранжевым цветом, чтобы чистые области холста не резали глаз.

Рис 61. Посмотрите – зеленый цвет добавлен к стене дома, это позволяет избежать отрыва от остального изображения и выглядит, как свет, отраженный от листвы.
Рис 62. Пурпурный и желто – коричневый цвета на этой картине создают разрыв и глубину. Ближняя скала теплее цветами, чем дальняя.

38. Нужно использовать разницу между темными и светлыми насыщенными областями для создания нужного освещения.

Рис 63. Пример мастерского использования цвета и насыщенности. Контраст с темными областями создает иллюзию света.

39. Когда вы рисуете картину, используйте всего несколько величин освещенности. В жизни из – за особенностей отражения и преломления света получаются миллионы градаций, которые очень сложно воспроизвести. Возможно вам придется сделать тень темнее, чем на самом деле. Используйте контраст между светлыми и темными областями для лучшего восприятия.

Рис 64. Использования от 6 до 10 величин градации света вполне достаточно для большинства картин.

40. И не забывайте, что природа – наш учитель. Тем не менее, иногда не стоит изображать всё именно так, как оно есть на самом деле. Некоторые деревья могут быть круглой или треугольной формы, и если вы их так изобразите, то это будет выглядеть непрофессионально. Также в жизни бывают монотонные цвета или, например, два дерева одинаковой высоты. Картины в природе огромны, и мы должны привлекательно выразить какую – то небольшую часть в маленьком плоском эквиваленте. В этом плане художник несколько ограничен. И, в заключение, хочу сказать ещё одну важную вещь. Мне кажется талант – это не самое важное для художника. По крайней мере, не так важно, как усердие, упорство и трудолюбие. Истину приходится изнурительно искать. Талант только подсказывает нам что правильно, а что – нет. А вот опыт исправляет ошибки.

Автор :  Johannes Vloothuis
Переводчик:  Александр Львов
Источник:  www.dlight.ru

Композиция в пейзаже

Отличная статья на мой взгляд. Где художник дает ценные советы по живописи, композиции и прочим аспектам.
Это не просто техничные указания, схемы и правила. Это именно советы и собственные наработки на примерах которые вы могли бы получить лишь от своего учителя. Уроков по таким «нюансам» никто не пишет.  
Эта серия правил (я предпочитаю слово «советов») собрана для того, чтобы помочь вам научиться правильно составлять композицию пейзажа. Здесь содержатся основные правила, встречающиеся в большинстве книг, плюс некоторые собственные идеи. Однако, хочу предупредить: не позволяйте правилам препятствовать вашей работе и собственным поискам. Они должны лишь помогать в тот момент, когда вы в сомнениях и не знаете, как лучше расположить тот или иной элемент на картине. Правила существуют, как известно, для того, чтобы их нарушать, правда… когда вы знаете, что именно нарушаете и почему так будет лучше. А потому наберитесь терпения – впереди длинная дорога. I. Основные советы.
Рис 1.

1. Посмотрите на картину. В пейзаже должен быть центр интереса – особенная, красивая и заметная часть картины. Он может быть выделен с помощью цвета и контраста. Эта часть должна выглядеть особенно и значимо. Окружающая область – быть чуть менее заметной. Необходимо помнить, что центр интереса:
• Должен отличаться сильным цветом (это не значит ярким) и если возможно большим разнообразием красок.
• Выделятся некоторым контрастом света.
• Предпочтительно, чтобы он занимал большую часть картины и находился на переднем плане (однако это всё необязательно).
• Строения, животные и люди будут привлекать внимание. Они легко переходят в центр интереса, как главные действующие лица. • Окружающие элементы и фон должны вести взгляд зрителя к центру интереса. Смотрите рис 1. и 2.
• Центр интереса не должен быть в центре картины. Также он не должен занимать половину холста. Лучше всего пропорция 1/3.
• Область, выбранная вами как центр интереса, не должна быть изолирована от остальной части изображения.
• Правильно построенный центр должен привлечь и удержать взгляд зрителя.

Рис 2. Бревна расположены на картине как указатели, в область выбранную художником.
Рис 3. Берег подводит взгляд к мосту, который и становится центром интереса.

2. Возможно, что вам захочется включить в картину второй центр интереса. Это непростительно новичку и непрофессионалу. Есть риск конкуренции и, как следствие, неудачной композиции.

Рис 4. На этой картине нет необходимости в цветах на переднем плане, однако художник добавил второй центр интереса и вполне удачно.

3. Не выталкивайте зрителя из картины! Этого можно избежать, если не подводить элементы к краю и за пределы картины, особенно деревья, дороги и реки. Вы можете добавлять «остановки», чтобы избежать выхода за пределы. Это правило очень практично, животные и люди должны оставаться в композиции.

Рис 5. Обратите внимание на крайнюю справа лошадь. Художник для остановки использовал цвет. Если вы прищурите глаза, то заметите, что лошадь сливается с деревьями, но вот если бы она была светлой, то взгляд ушел бы к самому краю картины.


Рис 5а. Посмотрите на первый рисунок – бревно указывает прямой линией к краю. На следующем рисунке были добавлены ветки, для сглаживания прямой линии и ветка же использована в качестве остановки. А можно, как в последнем изображении, убрать бревно полностью, и тогда зритель последует взглядом за линией берега.

4. Реки, потоки, дороги и т.д. вносят в картину движение. Прямых линий следует избегать – по ним взгляд скользит слишком быстро. Позвольте зрителю неторопливо прогуляться по вашему пейзажу.

Рис 6. Этот поток не очень удачной формы движения.
Рис 7. Путь движения взгляда – плавная кривая. По ней можно проплыть…
Рис 8. Неверно. Путь – прямая. Слишком быстро и резко.
Рис 9. Так намного лучше.

5. Логика неприменима к искусству. Все определяется визуальным влиянием. Солнечный свет может появиться на траве, даже если это дождливый день. Линейная и атмосферная перспективы могут быть искажены, если того требует ситуация. Тени могут быть больше, чем им положено… В общем, чувствуйте себя свободно, вы — художник

Рис 10. По наклону деревьев видно, что ветер дует справа налево, однако дождь льет в противоположном направлении.

6. Собирайте важные предметы в пределах центра интереса. Не разбрасывайте их по композиции, иначе они станут перетягивать внимание друг с друга.

Рис 11. Все люди собраны в центре интереса, в правой части картины.
Рис 12. Лошадь расположена неверно. Было бы лучше расположить её неподалеку от скамейки.

7. Позвольте зрителю поучаствовать в картине. Оставьте место для размышления и воображения. Дайте место небольшой тайне.

Рис 13. Что за поворотом? Может быть озеро? Или город? Художник оставил это на нашу фантазию.

8. Глубина. Художники ограничены созданием иллюзии трехмерного изображения на двухмерной плоскости. Однако картины выглядят как настоящие. Иногда я слышал, как люди, видевшие мои работы, спрашивали : «Это что фотография?» Но в моей работе не было ничего настоящего, только представление действительности. Вот несколько советов для создания иллюзии глубины:
• Располагайте объекты так, чтобы они перекрывали друг друга.
• Цвета расположенные вдали на заднем фоне обычно холоднее и убывают в цвете. Чем ближе расположены предметы тем теплее и насыщеннее выглядят цвета. На самом деле не всё так просто. Когда мы смотрим на дерево на расстоянии 100 ярдов, то цвет ещё остается теплым. Смещение цвета будет очень незначительным по сравнению с тем деревом, что стоит рядом с вами. Тем не менее, даже если вы немного добавите лилового или синего в цвет листвы, то вытолкнете эти деревья на задний план.
• Небольшие и не очень четкие предметы на расстоянии от переднего плана.
• Создайте как минимум три плоскости. Обычно это передний план, средний и фон.
• Смягчайте текстуру на объектах заднего плана. Посмотрите на рис 13. здесь чувство расстояния передано хорошо. Деревья расположены впереди гор, интенсивность желтого цвета в световых пятнах больше вблизи, к дальней части становиться холоднее и светлее. Тени на дальней горе — светлее и отличаются оттенком от тех, что в середине. Картина также разделена на три части.

Рис 14. Вы можете добавить и больше плоскостей, которые усилят чувство расстояния, если передний план чуть темноват.
Рис 15. Туман – отличное средство для создания глубины.

9. Сохраняйте контраст для центра интереса, чтобы области вокруг не конкурировали за внимание. Самые светлые и темные тона возле центра интереса, вокруг – средние величины цвета и света.

Рис 16. Неверный контраст. Дерево слева конкурирует за внимание.
Рис 17. Лучше — контраст был уменьшен и теперь сфокусироваться легче.
Рис 18. Темная одежда на человеке выводит его из поля зрения, а дверь на теневой стороне дома хоть и темная, но окружена средними величинами цвета и света, и увлекает взгляд зрителя в неправильную область. Обдумывайте направление света изначально.

10. Ваша картина не будет выглядеть перегруженной, если вы включите в композицию некоторую «зону отдыха», желательно перед центром интереса.

Рис 19. Вы можете видеть до деревьев некоторое пространство просто чистого снега – хорошая передышка для взгляда и выделение центра интереса.

11. Если возможно, включите в картину и горизонтальные, и вертикальные и диагональные линии. Эти линии не должны присутствовать в чистом виде, но следует придавать с их помощью направление движения. Диагональные предпочтительны потому, что они не идут параллельно рамке картины и дают глубину.

Рис 20. Там, где озеро достигает земли у нас есть горизонтальная линия, сосна дает вертикаль, а трава по берегу – диагональ. Линия дерева разбивает пересечение горизонтали и диагонали, иначе бы получился ровный синий треугольник.

12. Когда вы изображаете движущиеся объекты, часто необходимо передать динамику через окружающие объекты.

Рис 21. Художник изобразил движение лошадей. Чувство движения было передано через пыль. Также ни одна из лошадей не висит в воздухе – такое может быть на фотографии, но не должно изображаться на картине. То же самое с фотографией водопада: вода может застыть на снимке и иметь четкие контуры, однако на картине её так рисовать нельзя. Смазанное изображение воды даст чувство движения и динамики.

13. Наиболее привычное для взгляда движение слева направо. Не забывайте об этом, когда будете искать путь для движения взгляда вдоль реки или дороги.

14. Также как и при чтении книги ещё одно привычное направление — сверху вниз.

II. Распространенные ошибки.

15. Не начинайте движение с угла!

Рис 22. Пример плохого направления. Река начинается из левого нижнего угла.
Рис 23. Расширив устье реки, мы решили проблему.

16. Избегайте повторений линий, форм и размеров. Это создает противоречия и рассеивает внимание.

Рис 24. Две одинаковые березы. Одну из них стоило бы изогнуть по – другому и сделать их разной толщины.


Рис 25. Две лошади одинакового размера, в одинаковых позах.

17. Избегайте группировать людей или животных в одинаковых количествах. Если хотите изобразить пару, то внесите разницу в размеры и движения.

Рис 26. Неверное изображение. Олени одинаковы в движениях и размерах. Так они конкурируют за внимание.
Рис 27. Так лучше. Олень справа другого размера и в другой позе.
Рис 28. Третий олень также добавил разнообразия.

18. Не сгибайте линии на ваших картинах наружу, лучше направляйте их внутрь. Также не рисуйте горизонтальных и вертикальных линий параллельных рамке картины.

Рис 29. Неправильно. Телефонный столб наклонен неверно.
Рис 30. Также неудачный вариант – столб направлен параллельно рамке картины.
Рис 31. Так намного лучше. Направление движения теперь внутрь картины и удерживает взгляд.

19. Избегайте длинных прямых линий. Маскируйте их или слегка искривляйте.

Рис 32. Прямые линии скрыты или сглажены цветами. Каменная стена слегка искривлена.
Рис 33. Крыши домов, выложенные черепицей, обычно изогнуты. Они слегка искривляются с течением времени.

20. Не используйте чистых геометрических форм таких, как квадраты (окна, двери), треугольники (деревья), овалы или круги. Даже, если они являются такими по происхождению. Например, когда рисуете окно, разделите форму веткой дерева или цветочным горшком.

Рис 34. Тень на переднем плане – треугольной формы.
Рис 35. Так лучше. Теперь форма тени разделена и выглядит естественно.

21. Никогда не делите картину на равные части. Линия горизонта не должна проходить через середину. Это делает картину искусственной.

Рис 36. Линия горизонта проходит посередине.
Рис 37. Лучше. Теперь часть неба срезана и части находятся в пропорции 1/3.

22. Избегайте соприкосновения граней.

Рис 38. Неверно. Шляпа ковбоя соприкасается с вершиной холма.
Рис 39. Теперь всё на своих местах.
Рис 40. Неправильно. Верхушка сосны касается верха холста. Мы здесь не можем больше добавлять. Значит придется обрубать часть дерева!

23. Пересечение форм нежелательно. «X» – подсознательный знак запрета.

Рис 41.

24. Не закрывайте зрителю вход. Приглашайте его.

Рис 42. Неверно. Художник закрыл дверь, и невербально, для нас, это означает закрытую территорию, запрет.
Рис 43. А вот эта композиция выглядит доброжелательно. Чувствуете приглашение войти? Совет: когда вы изображаете неосвещенную область, не используйте черный цвет. Цвет абсолютной темноты — пурпурный. III. Советы по улучшению изображения.
25. Нет необходимости изображать каждый кирпич, камушек, доску и т.д., если только вы не рисуете сверхреалистичную картину. Лучше использовать некоторые приемы импрессионизма, ведь самое важное – выразить идею, передать значение.

 

Рис 44. Крыша не детализирована, но текстура легко угадывается.

26. Затемняйте и сглаживайте углы картины.

Рис 45. Оба нижних угла – затемнены, таким образом сглаживается рамка картины.

27. Не изображайте тень сплошной, лучше добавьте немного световых пятен. Картина станет намного приятней.

Рис 46.

28. Животных лучше всего никогда не ставить на картине боком, т.к. исчезает ощущение трехмерного пространства – получается плоская картинка. Здесь предпочтительнее пропорция ¾.

Рис 47. Неправильно.

Рис 48a. и 48b. Значительно лучше.

29. Строения и другие предметы созданные человеком выглядят интересней, если вы добавите в их текстуру трещины, неравномерности и т.д. Пусть они расскажут свою историю. Совет: изображайте текстуру только на ближних объектах – на большом расстоянии текстура смазывается и исчезает.

Рис 49. Художник наносил краски сухой кистью, чтобы здание выглядело старым.

30. Добавьте в ваши картины драматичности. Закатное небо с яркими оранжевыми цветами смотрится намного интереснее, чем обычное полуденное. Можете добавить дождь, мокрые улицы, ветер и т.д. Всё это сделает картину интереснее.

Рис 50. Такая простая композиция выглядит загадочно из – за дождя и солнца, выглядывающего из облаков.

31. Если вы не преследуете создание сверхреалистичной картины, то изображайте предметы немного смазано, будто смотрите на мир из – под полуопущенных век.

Рис 51. Конечно в жизни всё выглядит более детально, но художник изобразил только наиболее существенные элементы, а остальное упростил.

32. Мягкие грани и края на фоне улучшат ощущение расстояния. Оставьте четкость на переднем плане, в пределах центра интереса.

Рис 52. Деревья на заднем плане были нарисованы размыто, а дерево переднего плана – четко. Это усилило ощущение глубины и сфокусировало взгляд.

33. Не делайте резких границ между двумя областями на картине.

Рис 53. Освещенная часть травы внезапно прекращается, когда достигает куста.
Рис 54. Лучше.

34. Вносите разнообразие в формы. Если у вас на картине есть круглые деревья, не делайте круглыми и облака.

35. Баланс также очень важен. Не должно быть значительного смещения массы на одной из сторон – слева, справа, вверху или внизу. Представьте, что у рисунка есть вес и он может накрениться.

Рис 55. Неправильно. Есть явное смещение тяжести с правой стороны картины, в левой же части – пусто. Рис 56. Так лучше. Теперь дерево слева добавляет равновесия.

36. Мазки кисти должны быть направлены к центру интереса.

IV. Некоторые советы по цветовой гамме.

Цветная палитра похожа на ноты для музыканта. Цвета должны быть гармоничны.

37. Позвольте цветам смешиваться, внося разнообразие. Избегайте использования более трех цветов в одной области.
Рис 57. Понаблюдайте за изменениями цвета в тени каменной стены. Художник изменял насыщенность цветов и смешивал их между собой.
Рис 58. Голубой цвет в этой картине есть только на двери. Это автоматически привлекает внимание.

Совет: я не буду слишком углубляться в гармонию цвета, это тема для отдельной книги. Если вы возьметесь за изучение этого предмета серьезно, то стоит изучить различные книги и источники. Я лично предпочитаю разнообразные цвета и оттенки, избегая черного. Чем больше цветов вы смешиваете, тем грязнее становится оттенок. Это происходит при смешении более, чем трех цветов вместе. Изменяйте оттенок цвета, чтобы избежать монотонности. Также с помощью цвета легко выделить центр интереса. Большинство людей предпочитают теплые цвета. И помните, что в вашей картине должен преобладать один цвет и температура. Рисуйте центр интереса чуть более насыщенным цветом, чем окружающие области. Не повторяйте на фоне цветов, которые были использованы для переднего плана, однако для баланса цвета используйте оттенки одного цвета в разных частях картины.(смотри рис. 57 ) Можно использовать разницу между температурой цвета для создания контраста и глубины. Посмотрите на рис. 61. Холодные цвета кажутся дальше, теплые – ближе.

Рис 59. На этой картине цвета не гармоничны. Горы отрезаны от картины, как отдельная часть потому, что сине — фиолетовый оттенок появляется только на заднем плане.
Рис 60. Здесь художник поступил мудро, добавив синий оттенок в лужи, а зеленый к подножию гор. Обратите внимание на большое кол — во различных оттенков зеленого цвета.

Если ваша живопись преимущественно зеленых оттенков, то небо лучше делать не чистого синего цвета, а голубовато – зеленым. Также можно добавлять оттенки голубого в листву потому, что поверхность многих листьев (особенно мокрых) слегка отражает цвет неба.

Не стоит использовать чистые цвета – это выглядит неестественно. Особенно если используете белую краску, то добавьте в неё чуть – чуть желтого или оранжевого. Поэтому многие производители акварельной бумаги подкрашивают её слегка оранжевым цветом, чтобы чистые области холста не резали глаз.

Рис 61. Посмотрите – зеленый цвет добавлен к стене дома, это позволяет избежать отрыва от остального изображения и выглядит, как свет, отраженный от листвы.
Рис 62. Пурпурный и желто – коричневый цвета на этой картине создают разрыв и глубину. Ближняя скала теплее цветами, чем дальняя.

38. Нужно использовать разницу между темными и светлыми насыщенными областями для создания нужного освещения.

Рис 63. Пример мастерского использования цвета и насыщенности. Контраст с темными областями создает иллюзию света.

39. Когда вы рисуете картину, используйте всего несколько величин освещенности. В жизни из – за особенностей отражения и преломления света получаются миллионы градаций, которые очень сложно воспроизвести. Возможно вам придется сделать тень темнее, чем на самом деле. Используйте контраст между светлыми и темными областями для лучшего восприятия.

Рис 64. Использования от 6 до 10 величин градации света вполне достаточно для большинства картин.

40. И не забывайте, что природа – наш учитель. Тем не менее, иногда не стоит изображать всё именно так, как оно есть на самом деле. Некоторые деревья могут быть круглой или треугольной формы, и если вы их так изобразите, то это будет выглядеть непрофессионально. Также в жизни бывают монотонные цвета или, например, два дерева одинаковой высоты. Картины в природе огромны, и мы должны привлекательно выразить какую – то небольшую часть в маленьком плоском эквиваленте. В этом плане художник несколько ограничен. И, в заключение, хочу сказать ещё одну важную вещь. Мне кажется талант – это не самое важное для художника. По крайней мере, не так важно, как усердие, упорство и трудолюбие. Истину приходится изнурительно искать. Талант только подсказывает нам что правильно, а что – нет. А вот опыт исправляет ошибки.

Автор :  Johannes Vloothuis
Переводчик:  Александр Львов
Источник:  www.dlight.ru

Искусство композиции в пейзаже

Подумайте о пейзажной фотографии как о пазле с множеством различных кусочков, стоящих вашего внимания. Если вы сложите все кусочки в верном порядке, вы получите цельную, структурированную картинку, которая имеет смысл и хорошо выглядит. Но если вы сложите их кое-как, конечный результат будет представлять собой хаотичную массу форм, цветов и деталей, в которых трудно будет разобраться.

Это, в двух словах, все о композиции – систематизация элементов сцены в видоискателе вашей камеры таким образом, чтобы они формировали картинку, на которую интересно смотреть; чтобы она удерживала внимание зрителя и завлекала его взгляд в путешествие по кадру непосредственно с переднего плана к отдаленному заднему.

Каждый раз, когда вы подносите камеру к глазам, вы формируете композицию изображения – каждое решение вопроса, откуда стоит снимать, основано на сознательном или подсознательном выборе того, что вы хотите включить в изображение. Проблема состоит в том, что многие фотографы тратят недостаточно времени на обдумывание композиции перед съемкой, и в 9 случаях из 10 конечный результат получается несбалансированным и совершенно не вдохновляющим.

Зачастую основной объект расположен слишком далеко и затерян в море пустого пространства, или же в кадре присутствуют раздражающие помехи. Многие изображения не имеют очевидной начальной точки, так что зритель бесцельно блуждает взглядом вокруг, а недостаток ощущения глубины или масштаба делает такие снимки плоскими, как пресловутый блин.

Художник – одна из ипостастей фотографа, когда дело доходит до композиции снимка, поскольку если сцена перед вами не идеальна, вы можете поменять местами элементы в кадре, пока она таковой не станет. Мы просто должны принять то, что мы имеем, и сделать из этого лучшее, на что мы способны.

К счастью, это не настолько сложно, как кажется, поскольку благодаря использованию различных объективов, внимательному выбору точки съемки и размышлениям о том, какую часть сцены вы хотите зафиксировать на пленке, всегда возможно сформировать удачную композицию. Существует также множество «правил» построения композиции и устройств, которые могут помочь вам получить более интересные картинки, и чем больше вы снимаете, тем лучше становится ваше естественное чувство композиции – пока это не превратится в интуитивное действие, каковым становится управление машиной, когда вы достаточно долго за рулем.

Шаг 1. Создайте интересный передний план

Живописные изображения зачастую могут обрести драматический эффект просто при помощи включения чего-либо в непосредственный передний план. Не только потому, что это поможет создать эффект глубины и масштаба, что по сути жизненно необходимо, но также потому, что он усилит всю композицию кадра, связав разные элементы сцены и обеспечит ясную «точку входа» в кадр – движение взгляда в стандартных форматах изображений обычно начинается снизу. Для интересного переднего плана может быть использовано все что угодно: стены, реки, скалы, живые изгороди и деревья, заборы, дороги, тропки, клумбы и т.д.

Широкоугольные объективы бесценны для выделения переднего плана. Путем приближения 24мм или 28мм объектива вы можете акцентировать все внимание зрителя даже на мелких деталях, а также усилить перспективу для создания отличной композиции с кажущимся большим передним планом и растворяющейся в удалении остальной частью сцены. Широкоугольные объективы также обладают дополнительным преимуществом в увеличении глубины резкости. При съемке на f/16 или f/22 все получится резко, кроме того, что находится меньше, чем в метре перед камерой и в бесконечности.

Шаг 2. Используйте правило третей

Это старейшее и надежно проверенное правило, которое используется художниками и фотографами для создания визуально сбалансированного изображения.

Представьте, что вы снимаете пейзаж с фермерским домиком на отшибе или одиноким деревом посреди поля в качестве основной точки фокуса. Большинство фотографов поместит этот объект в центре кадра – что может сработать в некоторых ситуациях. Однако в общем случае вы получите более приятный баланс, если используете правило третей. Чтобы это сделать, разделите изображение в видоискателе вашей камеры воображаемой решеткой, используя две горизонтальные и две вертикальные линии. Точка фокуса в таком случае должна находиться на одной из четырех точек пересечения этих линий, или рядом с ними.

Правило третей также может быть использовано для помощи в размещении горизонта. Очень заманчиво придерживаться центра кадра, но если только вы не снимаете симметричную сцену, такую как отражение объекта в озере, результат будет выглядеть статично и безжизненно.

Гораздо лучше расположить горизонт на 1/3 от верха или низа фотографии, так вы сможете акцентировать внимание на земле или небе. Чтобы было легче этого достичь, мысленно разделите изображение в видоискателе на трети двумя горизонтальными линиями, а затем компонуйте кадр так, чтобы горизонт попал на одну из них.

Вам никогда не стоит специально подгонять фотографию, чтобы она соответствовала правилу третей, но при аккуратном использовании оно может хорошо работать, и, в конце концов, вы обнаружите, что естественным образом делите сцену на трети, чтобы определить расположение важных элементов.

Шаг 3 . Эффективно используйте линии

Линии просто не могут быть проигнорированы, когда речь идет о добавлении глубины и динамики в изображение. Они не только создают сильное чувство направления, но также ведут глаз через сцену, так, чтобы он воспринимал все, что попадается по пути.

Если вы всмотритесь внимательно в окружающее при съемке пейзажа, вы обнаружите, что линии появляются везде: дороги, реки, перила, аллеи, дорожная разметка, телеграфные столбы и железнодорожные пути, пересекающие сельскую местность, вытянувшиеся вечерние тени и так далее. Все это и многое другое может быть использовано для усиления композиции ваших фотографий.

Горизонтальные линии разделяют сцену на слои и производят успокаивающий эффект, гармонируя с горизонтом. Глаз обычно движется слева направо и равномерно вверх через сцену.

Вертикальные линии гораздо более активны, так что они придают фотографии напряжение и четкое ощущение вертикального направления – подумайте о возвышающихся стволах хвойных деревьев, стремящихся к небу.

Диагональные линии более энергичны, поскольку они сильно контрастируют с горизонтальными и вертикальными элементами и ведут глаз через всю сцену. Предполагая перспективу, они также добавляют глубину. Линии, проведенные от нижнего левого угла к верхнему правому, работают лучше, потому что это естественный путь движения взгляда.

Сходящиеся линии, образованные дорогами, межами, аллеями и железнодорожными путями, идеальны для создания эффекта глубины, масштаба и перспективы, благодаря тому, что они направлены к горизонту и приближаются друг к другу с увеличением расстояния. Чтобы извлечь все из этого эффекта, смотрите прямо вниз на линии и используйте широкоугольный объектив, чтобы усилить перспективу. Включение в кадр точки схождения линий – «исчезающей точки» — также хорошая идея, поскольку это позволяет привести композицию к удовлетворительному завершению.

Наконец, линиям не обязательно быть прямыми, чтобы хорошо работать на композицию. Восхитительные кривые извилистой реки будут вести взгляд через сцену так же эффективно, как и прямой, как стрела, канал.

Шаг 4. Используйте ваши ноги.

Покойный фотожурналист Роберт Капа обычно говорил: «Если фотография недостаточно хороша, значит, вы недостаточно близко подошли». Он рассуждал в основном о войне и конфликте, конечно, но для съемки пейзажа его слова все еще верны.

Многие фотографы, кажется, патологически боятся подходить близко к объекту, вне зависимости от того, что это за объект. Они видят что-то интересное, щелкают, позабыв обо всем на свете, а потом удивляются, почему на финальном изображении достаточно места, чтобы провести через него танк «Чифтен».

Итак, когда в следующий раз вы соберетесь снять пейзаж, остановитесь на секунду, еще разок посмотрите вокруг на композицию и спросите себя, нельзя ли ее улучшить, пройдя дальше, подобравшись поближе к интересной точке на переднем плане или поискав что-то более подходящее для его заполнения. Вы будете поражены тому, какое влияние это может оказать.

Пока вы не устали, стоит осмотреться вокруг вашего объекта. Этот пейзаж может смотреться гораздо лучше с площадки с краю дороги – и это известный факт, что некоторые из самых ошеломительных точек обзора в Великобритании расположены близко к дорогам – но что если вы также зайдете за угол или подниметесь на холм позади вас? Факт состоит в том, что вы вряд ли получите лучший кадр с первой точки, которую вам удалось найти, но пока вы не приложите усилия к исследованию вашего объекта под разными углами, вы никогда не узнаете об альтернативных вариантах.

Иногда небольшая смена точки съемки – это все, что нужно для полного преображения композиции. Прогулка на несколько метров в любом направлении может подарить вам куда более чистый вид, избавиться от нежелательных помех или обеспечить интересный передний план.

Высота, с которой вы снимаете, также нуждается в рассмотрении. Большинство фотографов снимают любой кадр, держа камеру на уровне глаз, но если присесть на колени или забраться на барьер, можно получить радикально иной вид той же самой сцены. Многие профессионалы даже носят с собой лесенку для этой цели (спросите Чарли Вэйта), так они могут немного приподняться и увидеть гораздо большую часть той сцены, которую стараются снять.

Использование ваших ног – жизненно важная часть композиции изображения, так что никогда не бойтесь износить немного вашу кожаную обувь.

Шаг 5. Выбирайте правильный формат

Хотя это естественно — снимать пейзажи, держа камеру ориентированной горизонтально в «пейзажном» формате, поворот фотоаппарата на бок также может полностью изменить композицию.

Вертикально ориентированные изображения выглядят гораздо более энергично, потому что взгляд вынужден проходить через большее расстояние от низа к вершине кадра. Вы также можете усилить вертикальные линии и высоты, чтобы сделать снимок более напряженным и волнующим, или снять реки и дороги, ускользающие вдаль. Горизонтальный формат гораздо более спокойный для взгляда, потому что он предполагает уравновешенность и сам подражает горизонту – вот почему пейзажные фотографы обычно предпочитают использовать его.

Шаг 6. Эффективно используйте обрамление

Использование искусственных или природных особенностей для составления ваших кадров – прекрасный путь усилить всю композицию, избежав раздражающих деталей и привлечь внимание к вашему главному объекту.

Все, что угодно, может быть использовано как обрамление: арки, проходы окон и дверей, дыра в стене, просвет в густой листве или между деревьями, нависающие ветви, мосты, даже игра теней.

Чтобы использовать «рамки» наилучшим образом, вы в обычном случае обнаружите, что широкоугольные объективы работают лучше, позволяя вам включить обрамление без замутнения сцены вдали. Минимально откройте отверстие диафрагмы на вашем объективе, установив такое значение как f/11 или f/16, если вы хотите, чтобы обрамление получилось резким. Альтернативный вариант – размойте его путем широкого раскрытия диафрагмы и тщательной фокусировки на вашем главном объекте.

Если «рамка» бросает на вас тень, выйдите из нее, чтобы снять показания экспонометра, иначе главная сцена будет «пересвечена». В условиях яркого освещения «рамка» зафиксируется на снимке как силуэт, что может выглядеть сногсшибательно.

Шаг 7. Нарушьте правила

В этой статье мы рассмотрели многочисленные руководящие принципы и правила, которые могут быть применены для улучшения композиции ваших изображений. Однако, поскольку это всего лишь ориентиры, они и должны использоваться таким образом.

Актерам часто говорят выучить их роли, чтобы потом забыть их и начать импровизировать. Ровно то же самое можно сказать про композицию. Когда вы узнали, как работают эти правила, вы можете счастливо оставить их в своем подсознании и следовать своим инстинктам.

Зачастую вы получите гораздо лучшее изображение, умышленно нарушив правила – расположив горизонт по центру кадра или оставив в центре ваш главный объект. Вещь, которую стоит помнить, что бы вы ни делали – убедитесь, что у вас есть причина поступить именно так. Но самое важное – делайте это хорошо.

Автор статьи:  Lee Frost

Учебно-методическое пособие по изобразительному искусству (ИЗО) по теме: Методические основы пейзажной живописи

Не следует полагать, что искусство изображения природы представляет собой произвольную трактовку форм ее основных элементов. Научиться искусству изображения природы, ее тончайших красочных переливов и передачи в живописном произведении всей глубины охвативших чувств при созерцании удивительных картин природы помогает поэтапное, последовательное освоение основных элементов пейзажа.

Приступая к изображению пейзажа, необходимо, прежде всего, выбрать сюжет и композицию. Здесь крайне важно тонко прочувствовать тему, так как это поможет определить акценты будущего изображения. Ученик должен сосредоточить свое внимание на самых характерных особенностях местности, выбрать для композиционного решения наиболее типичные объекты пейзажа. Иногда ради композиционного единства и гармонии художнику приходится немного сдвигать в сторону различные элементы пейзажа (куст, дерево), добавлять или опускать некоторые детали.

Главное в характеристике пейзажа — правильное решение композиции, выбор наиболее удачной точки зрения. В пейзаже, как и в любом  виде изобразительного искусства, действуют законы композиции (единство, соподчиненность, контрасты, новизна).

Построение пейзажа следует начинать с небольших подготовительных набросков. В них юный художник должен сосредоточить внимание на главном, выделить основную идею композиции, не прорисовывая пока отдельных деталей. Для верного композиционного решения пейзажа важен выбор ракурса, расположение линии горизонта. Линия горизонта — воображаемая линия, разделяющая небо и землю, должна быть выше или ниже геометрической середины листа.

• Высокий горизонт позволяет дать более широкую панораму пейзажа, показать простор.
• Низкий горизонт помогает художнику подчеркнуть монументальность пейзажа, его величие и значимость.

Самая большая трудность при компоновке пейзажа состоит в том, чтобы дать верную характеристику изображаемой местности. Для этого надо следить, чтобы все детали пейзажа были увязаны между собой, чтобы они подчинялись главному и помогали  выразить общую композиционную идею. Смысловое содержание пейзажа должно быть выражено ярко и эмоционально.

Решая композицию пейзажа, нельзя выхватывать отдельные, случайные куски природы, надо показывать самое характерное, самое типичное и выражать свое отношение к увиденному. Эстетически эмоциональным  и выразительным будет такой пейзаж, который ярко передаст впечатления, мысли, чувства и настроение художника.

Когда наиболее удачное композиционное решение найдено в предварительных набросках, можно приступать к рисунку. На этом этапе педагогу надо проследить, чтобы ученик методически правильно вел свою работу. Сначала едва касаясь карандашом бумаги, намечают  общую схему расположения предметов, характер их форм и пропорции, и только потом приступают к построениям перспективы.

Перспективой называется изменение внешности и видимые сокращения размеров предметов по мере их удаления к горизонту на большое расстояние от глаз наблюдающего.

Различают несколько видов перспективы:

• Линейная перспектива — передача пространственной глубины в картине на основе законов линейно-графического изображения объемных предметов на плоскости холста при использовании выразительных средств: тоновые пятна, линии, штрихи, разные виды контура, построение определенных размеров, пропорций, масштабов в элементах картины.
• Воздушная перспектива — построение пространственной глубины в картине посредством передачи определенных живописных( цветовых, тоновых) отношений между элементами картины и передачи изменений оттенка и плотности воздушной среды согласно планам картины.

Для убедительной и выразительной передачи пространства, глубины, необходимо правильно установить горизонт, точки схода на линии горизонта и верно передать масштаб предметов.

Намечая перспективу, не следует излишне увлекаться и превращать рисунок в чертеж. Явления перспективы надо передавать так, чтобы не потерять выразительности и живости. Чтобы правильно передать перспективы юный художник может разбить свой рисунок на два-три перспективных плана:

• передний;
• средний;
• задний.

Сравнивая их между собой, можно будет легче определять масштабность предметов и правильно решать их в тоне, соблюдая закон контрастов.

Воздушная перспектива также подчинена определенным законам:

• Четкость предметов по мере их удаления от зрителя слабеет. Чем дальше от зрителя находится предмет, тем более расплывчатыми будут его очертания.
• Сила тоновых отношений — контрастов по мере удаления от зрителя ослабевает.
• По мере удаления предмета от зрителя насыщенность и яркость его цвета ослабевает.

Леонардо да Винчи по этому поводу писал: «За пределами известного расстояния деревья кажутся тем более светлыми, чем больше они удаляются от глаза, причем настолько, что они, в конце концов, обладают светлотой воздуха на горизонте. Это происходит от воздуха, который располагается между этими деревьями и глазом».

Одновременно с передачей явлений свето-воздушной перспективы учащийся должен следить за техникой работы. Рисуя предметы на переднем плане надо уделять им много внимания, быть внимательным к деталям; на втором плане прорисовывать предметы более мягко, а на дальнем — изображать их легкими мазками.

Те же самые правила действуют и в моделировке предметов светотенью. Предметы переднего плана изображаются наиболее четко со всеми деталями; предметы на втором плане изображаются более общо, следует сосредотачивать свое внимание на форме, передавать только свет и тень.

При объяснении закономерностей тональных отношений учителю необходимо не только объяснять, но и иллюстрировать свои объяснения средствами педагогического рисунка.

В раздел пейзажа непременно входит и раздел «Рисунок деревьев, цветов и растений». Этот вид учебной работы юному художнику крайне необходим.

Крайне важно посвятить достаточно времени наблюдению за мелкими формами пейзажа и их зарисовкам.

• Рассмотрите подробно стебель выбранного растения, все изгибы его формы, его толщину по отношению к чашечке цветка, к форме листьев и постарайтесь наиболее точно передать все подробности натуры в своем этюде.
• Проанализируйте резную форму лепестков, попробуйте найти в них симметрию (асимметрию), обратите внимание на широкое начало лепестка у основания и сужение к кончику.
• Проанализируйте стебли растения, форму пустот в резных стеблях.
• Проанализируйте все имеющиеся в растении округлые форм, воображаемый их радиус, сочетание этих радиусов между собой, и, конечно же, необходимо постараться максимально точно передать в картине все замеченные характеристики, подробности форм каждого растения.
• Обратите внимание, под каким углом части цветка соединяются друг с другом.
• Рассмотрите все прожилки на лепестках и листьях, их особенный, характерный рисунок.
• Важно передать растения трехмерно, не изображать их плоскими, словно они засушены в гербарии. В изображении растений передача объемности, достигается ракурсами, направленными на зрителя или удаляющимися в глубину.
• Необходимо учитывать характер движения и общую направленность листьев (вверх, вниз, горизонтально).

Так постепенно в процессе знакомства со многими растениями «лично с каждым», постепенно будет открываться красота линий, форм, цветовая гармония и приходить живописный опыт. Подробное изучение формы растений полезно еще и потому, что первый план в пейзаже всегда изображается как можно более подробно и четко.

 Любому художнику важно знать, чем отличается одно дерево от другого, знать, как располагаются ветви на деревьях, как они изгибаются, как на них растут листья. Леонардо да Винчи даже мечтал написать целый трактат «О деревьях и зелени». В «Книги о живописи…» в главе «О разветвлении растений» он пишет: «Во-первых, всякая ветвь любого растения, которую не одолевает ее собственная тяжесть, изгибается, поднимая свою вершину к небу. Во-вторых, веточки, которые растут на ветвях деревьев внизу, больше тех, которые растут наверху. В-третьих, те веточки, которые вырастают ближе к центру дерева, в скором времени отсыхают вследствие чрезмерной тени. В-четвертых, те ветви растений будут наиболее сильными и в наиболее выгодной положении, которые ближе к самыми крайним и верхним частям этих растений: а в чем причина? В воздухе и в солнце, и в-пятых, углы, под которыми ветви отходят от дерева, равны между собой. В-шестых, но эти углы становятся тем тупее, чем старее становятся ветви, образующие их стороны. В-седьмых, сторона этого угла тем наклонней, чем тоньше ветвь ее образующая. В-восьмых, всякое раздвоение ветви, сложенное вместе, ветвь составит толщину ветви, от которой оно отходит… В-девятых, главная ветвь имеет столько изломов, сколько имеет ответвлений, не сидящих друг против друга. В-десятых, на изломах ветвей тот сильнее изгибается, у которого ветви наиболее равны по толщине… В-одиннадцатых, место крепления листа всегда оставляет свой след под ветвью, растущей вместе с этой ветвью до тех пор, пока кора от старости дерева не треснет и не разойдется».

Чтобы разобраться в форме и особенностях деревьев их следует тщательно проанализировать.

Проанализируйте, на какой высоте ствола дерева начинается ветвь, какое у нее строение, ее общую форму, пластику, соотношение ветвей между собой.

Следует изучать расположение ветвей, и угловатость их сучков у разных пород деревьев, прорисовывать дупла, намечать трещины коры.

Обращать внимание на просветы в кроне дерева, их форму, размер и ритм. Кроны деревьев рисуют, не перечисляя листья, а выделяя цельные объемы, отмечая наиболее характерны и отделяющиеся от них ветви и листья.

Необходимо учитывать характер движения и направленность листьев. Есть породы деревьев, у которых большинство листьев растет почти горизонтально, есть породы деревьев, у которых листья расположены наклонно, веерообразно или почти вертикально. Следует передавать точное расположение листьев в их общей форме на ветвях.

В рисунках, этюдах необходимо стремиться, как можно точнее зарисовывать свои наблюдения, внося максимум подробностей, не боясь впасть в натурализм.

При объяснении характерных особенностей формы различных деревьев следует запомнить:

• У березы ветки от ствола идут вверх, затем загибаются книзу и разветвляются, переходя в тонкие коленчатые стебли, которые свисают под тяжестью листьев. У плакучей березы эти крайние ветви более тонкие и длинные, у обыкновенной — они короче, более толстые и узловатые.
• У дуба ветки все время стремятся вверх, резко меняя свое направлений. Листья располагаются группами на конце веток, напоминая шапки причудливой формы.
• У ивы ветки от ствола тянутся вверх, но на молодых кустарниках (вербах) они так и остаются прямыми, свисают только листья; а у взрослого дерева ветви под тяжестью листьев свисают вниз, образуя характерную массу, похожую на поток воды, именно поэтому иву называют «плакучей».
• У ели ветви также стремятся вверх, особенно это хорошо видно на верхушке дерева. Очень распространенная ошибка — рисунки ели с опущенными ветвями.
• У сосны ветви широко расходятся в стороны, а на концах резко поднимаются вверх, где и расположены иглы.

И.И. Левитан говорил, что, изображая дерево в пейзаже, художник должен стремиться точно, передать породу дерева и характерное для него строение, пластику, форму, направление ветвей, каждое дерево должно быть узнаваемо в пейзаже.

В пейзаже многое изменчиво, и художнику, рисующему с натуры, очень важно обладать хорошей зрительно памятью, особенно это актуально в изображении неба и облаков, которые быстро меняются.

По своему внешнему виду облака делятся на несколько типов:

• параллельные, переплетающиеся, как волокна, вытянутые в одном или нескольких направлениях — перистые облака.
• Конические по форме, иногда напоминающие «башни» на горизонтальных основаниях — кучевые облака.
• Плоские, образованные высокой облачностью слоистые облака.

Рисуя пейзаж и моделируя форму крон деревьев светотенью, не следует особенно вдаваться в мелкие детали. Вполне достаточно выявить основные массы. В своих советах молодым художникам Леонардо да Винчи писал: «На далеких расстояниях деревьев от глаза, их видящего, им воспринимаются лишь главные теневые и световые массы, те, которые не являются основными, теряются вследствие своего уменьшения; так что если небольшое освещенное место остается на затемненном пространстве, то оно теряется и ни в какой мере не искажает этой тени. То же бывает с небольшим затемненным местом на большом освещенном фоне».

Рисунок дерева ведется от его основания. От основания дерева проводится тонкая вспомогательная вертикаль, относительно которой прорисовывается ствол дерева. Он часто имеет разные виды наклона, ответвления, раздвоения, поэтому вертикальная вспомогательная линия помогает точно передать форму дерева, расположение ветвей и общий наклон формы.

Передать общий силуэт, контур формы дерева, кустарника или отдельной крупно ветви можно двумя способами:

• в обобщенной форме — в декоративно-монументальной манере
• показать все строение подробно и детально — в реалистичной манере письма.

Особенно подробно прорисованный объем дерева придает поэтичную утонченность, изысканность пейзажу.

Чтобы хорошо изучить характерные особенности разных деревьев, надо, прежде всего их внимательно наблюдать, а потом тщательно прорисовать каждое из них. Во многих старинных пособиях по рисованию пейзажа рисунку веток, цветов, растений и различных пород деревьев отводится специальный раздел. Необходимо обращать внимание на тот факт, что одинокие деревья, растущие посреди поля, луга, имеют широкие, раскидистые ветви и дают большую тень, тогда как деревья этой же породы в лесу, стремясь к свету, вытягиваются высоко вверх и при этом крона образуется лишь в верхней части стволов.

Для художника-пейзажиста каждый в отдельности вид растения является своеобразным олицетворением азбуки природы. Для того чтобы описать поэзию природы, необходимо изучить ее алфавит.  Зарисовка растений не только увлекательный, но и крайне необходимый вид работы. После кропотливого изучения, многократной прорисовки разнообразных видов растений, уже не будет существовать общая зеленая масса, как в природе, так и в картине, в каждой травинке будут видны хорошо знакомые формы, с характерными, своеобразными очертаниями и пластикой. Только тщательно изучив все составляющие части пейзажа, его мелкие формы можно ожидать правдивого, реалистичного изображения всего пейзажа.

Существует определенный порядок работы над пейзажем:

• Определение положение линии горизонта, в зависимости от творческого замысла;
• Прорисовка общих форм растений, деревьев, зданий;
• Уточнение основных пропорций элементов, с учетом закономерностей линейно перспективы;
• определение наиболее освещенных мест, прокладка теней;
• определение композиционного центра пейзажа, расположение предметов с учетом их подчиненности ему.

Пейзаж. Композиция и свет в пейзаже.

Пейзаж. Композиция и свет в пейзаже.

Пейзаж – это развернутая картина природы. Казалось бы, что может быть проще, чем сфотографировать понравившийся вид. Тем не менее, несколько полезных правил построения пейзажа пригодятся вам для создания фотографий высокого класса.
 

Рис.1

Рис. 2

 

Основой построения эффектного пейзажа являются нерушимые правила композиции. И здесь нам пригодится «закон трети». Мысленно разделите кадр воображаемыми горизонтальными линиями. Всегда располагайте линию горизонта таким образом, чтобы она пересекала пейзаж на высоте одной трети от общей высоты кадра. (рис. 1,2)

Исключения могут быть в том случае, если вы, например, хотите подчеркнуть симметричность композиции как на Рис.3 (море и небо).
 

Рис.3

 

В пейзаже большое значение имеет «главный герой». Им может быть дерево, интересное здание или группа зданий, необычной формы облако, яхта или что-то иное. Разместить главного героя следует на пересечении 3-х вертикальных и 3-х горизонтальных линий по правилу третей.
 

Рис. 4

Многоплановость – одна из главных характеристик хорошего снимка. Добиться эффекта пространственной глубины в кадре сложно, но это и есть высший пилотаж. Здесь вам пригодится знание принципа перспективы (рис. 5).

Рис. 5

Используйте широкоугольный объектив, он поможет вам создать эффект третьего измерения. Но при этом помните о заполнении переднего плана. В пейзажной фотографии центром композиции почти всегда является линия горизонта. Незаполненные участки переднего плана оборачиваются композиционными «дырами» . Цветок, ветка дерева, ворота и подобные малозначительные на первый взгляд элементы композиции могут скомпенсировать пустоту переднего плана.

 

Рис. 6

Рис. 7

Практика: нижняя точка часто является наиболее удачной при съемках пейзажа. Скучный травяной газон на переднем плане может быть оживлен неожиданным цветком. Груда живописных валунов станет подходящим толчком для движения взгляда зрителя вдоль извилистой тропинки вглубь кадра к живописной возвышенности («главному герою») как на рис. 6,7.

Помните, что человек не смотрит на ваше изображение застывшим взглядом. Взгляд двигается по очевидным или незримым линиям, которыми связаны между собой отдельные элементы композиции. Если этими линиями являются диагонали – ваш пейзаж приобретет динамизм и станет гораздо интереснее. Естественного появления в кадре диагоналей можно добиться удачным выбором точки съемки. При этом левая диагональ всегда более выразительна, чем правая. Одиночная диагональ производит наибольший эффект, если она расположена под углом 45 градусов к линии горизонта (или к нижнему обрезу кадра).

Рис. 8

Сходящиеся диагональные линии, как известно, являются основой принципа перспективы (рис. 9).

Рис. 9

 

Практика: когда в кадре оказываются два равновеликих объекта, выбирайте такую точку съемки, с которой один из них будет казаться мельче другого. Это позволит создать иллюзию многоплановости изображения.

Рис. 10

Необычный ракурс для пейзажа так же возможен, как и для любого другого жанра фотографии. Вид сверху избавит вас от попадания в кадр неба или линии горизонта. Зато у вас наверняка не будет проблем с выбором нужной выдержки при чересчур ярком солнце (рис. 11).

Рис.11

Преимущества низкой точки съемки в том, что в кадре размер предмета на переднем плане оптически увеличивается. Это особенно важно в тех случаях, когда вы хотите сделать натюрморт с пейзажем на заднем плане. Используйте широкоугольный объектив, благодаря которому в кадре возникнет глубокая перспектива, но даже отдаленные предметы останутся в фокусе.

Фотография – это свет. При съемке панорамных ландшафтов фотографу всегда приходится дожидаться появления в просветах между облаками естественного прожектора, который ярко осветит нужный участок пространства в кадре. Тут самое главное –запастись терпением, хотя и навык улавливать малейшие перемены погоды тоже не помешает. Вряд ли стоит снимать пейзаж в дождливую или пасмурную погоду. Но как только начнет проясняться, в прогалинах между туч просвечивает солнце. Постарайтесь поймать солнечный луч, достаточный для освещения пейзажа.

Рис. 12

Именно в таких условиях контраст между ярким солнцем и мрачными тучами может быть особенно выразительным. Немаловажным фактором удачной натурной съемки может стать даже прошедший дождь, который очистил воздух от пыльной взвеси, разогнал атмосферную дымку и существенно улучшил видимость.

Рис. 13

Понимание природы света и его способности превращать даже самый скучный вид в потрясающее живописное полотно – фундаментальный навык серьезного фотографа. Наиболее эффектные пейзажи получаются на рассвете и на закате.

Рис. 14

Солнце дает боковой свет, высокий контраст и глубокие тени делают пространство более выразительным.
Если вы снимаете в ясный солнечный день, красивые белые облака могут оживить картину природы как на рис. 15-16

 

Рис. 15

Рис. 16

 

Если вы решили стать фотографом-пейзажистом , приготовьтесь к путешествиям. Вашим верным другом будет штатив. И чем тяжелее он будет, тем более удачными будут снимки.

Пейзажи бывают разными: горными и равнинными, сельскими и городскими, морскими или лесными. Пейзажи можно снимать в любое время года, в любое время суток и практически при любой погоде.

Наиболее красивыми получаются пейзажи, в которых есть вода. Будь то быстрая горная речка, водопад или безбрежная гладь океана – такие ландшафты всегда привлекают внимание зрителя своей красотой (рис. 17-18).

 

рис.17

рис.18

Практика: используйте штатив и снимайте на длинной выдержке для эффектной съемки движения воды (рис .19).

Рис. 19

Источник: konelska-studio.com.ua

Пейзажная живопись изображения, фотографии и векторные изображения

В настоящее время вы используете более старую версию браузера, и ваш опыт работы может быть не оптимальным. Пожалуйста, подумайте об обновлении. Выучить больше. ImagesImages homeCurated collectionsPhotosVectorsOffset ImagesCategoriesAbstractAnimals / WildlifeThe ArtsBackgrounds / TexturesBeauty / FashionBuildings / LandmarksBusiness / FinanceCelebritiesEditorialEducationFood и DrinkHealthcare / MedicalHolidaysIllustrations / Clip-ArtIndustrialInteriorsMiscellaneousNatureObjectsParks / OutdoorPeopleReligionScienceSigns / SymbolsSports / RecreationTechnologyTransportationVectorsVintageAll categoriesFootageFootage homeCurated collectionsShutterstock SelectShutterstock ElementsCategoriesAnimals / WildlifeBuildings / LandmarksBackgrounds / TexturesBusiness / FinanceEducationFood и DrinkHealth CareHolidaysObjectsIndustrialArtNaturePeopleReligionScienceTechnologySigns / SymbolsSports / RecreationTransportationEditorialAll categoriesEditorialEditorial ГлавнаяРазвлеченияНовостиРоялтиСпортМузыкаМузыка домойПремиумBeatИнструментыShutterstock EditorМобильные приложенияПлагиныИзменение размера изображенияКонвертер файловСоздатель коллажейЦветовые схемыБлогГлавная страница блогаДизайнВидеоКонтроллерНовости

---

PremiumBeat blogEnterprisePric ing

Войти

Зарегистрироваться

Меню

ФильтрыВсе изображения

• Все изображения
• Фото
• Векторы
• Иллюстрации
• Редакционные
• Кадры
• Музыка

---

• Поиск по изображению

пейзажная живопись

Поиск по изображению

• Сортировать по

• Самое актуальное

  Свежий контент

• Тип изображения

• Все изображения

  Фото

  Векторы

  Иллюстрации

,

3 совета для пейзажной живописи

Сообщение от Обри Сантана

Побывав практически во всех уголках мира, я черпаю вдохновение в своем искусстве в людях, еде и традициях самых разных культур.

Содержание:

Советы для пейзажной живописи и рисования

Рисование и раскрашивание пейзажей так же популярны, как никогда, несмотря на то, что мы живем в мире смартфонов с ультрасовременными камерами. Вероятно, это связано с тем, что задача изобразить нашу среду по-прежнему интригует художников во всех средах. В конце концов, нелегко передать правильные оттенки заката над горами или глубины и ширины океана на одном небольшом холсте.

Любите ли вы деревья и лес или предпочитаете суету большого города, в ландшафтном искусстве есть определенные аспекты, которые одинаковы вне зависимости от местности. Вот несколько советов, которые помогут вам стать лучшим художником-пейзажистом.

Пленэр и фотографии

Рисовать с реальной жизни или с фотографий? Это вопрос, который задают многие начинающие художники. Некоторые художники предпочитают работать из реальной жизни в реальных условиях. Это известно как живопись на пленэре (на открытом воздухе).Художники, которые регулярно рисуют пейзаж акварелью, маслом или акрилом на улице, соглашаются, что это лучший способ передать истинные оттенки пейзажа. Солнечный свет дает большой равномерный свет по ландшафту, который дает наиболее точные значения (свет и темнота) по сравнению с фотографией, которая сглаживает цвета и дает мало или равное значение оттенкам. Кроме того, наблюдение за окружающей обстановкой помогает им достичь правильного масштаба и перспективы.

Но больше всего художники, которые работают на открытом воздухе, особенно любят сосредоточенность и личное время, которое они получают, находясь вне студии, видя вещи своими глазами.Работа над умиротворяющим пейзажем позволяет вам задействовать большинство своих органов чувств — видеть пейзаж, слышать птиц или далекий поезд, нюхать цветы или сосны, ощущать ветерок на своем лице.

Есть много преимуществ для художников, которые в основном работают в студии по фотоотчетам. Во-первых, они могут выполнить свою работу в несколько этапов. У них всегда есть фотография в качестве ориентира, которая никогда не меняется. Находясь внутри, можно красить в любую погоду и в любое время суток.Их припасы всегда под рукой. Многие успешные художники-пейзажисты рисуют только в помещении, а некоторые — только в своем воображении.

Совет 1. Не обязательно все расписывать.

Работаете ли вы в помещении или на улице, важно знать, что вам не обязательно включать абсолютно все. Это означает, что вам не нужно вкладывать каждый лист дерева или каждый кирпич в здание. Добавляя несколько конкретных деталей, а затем исключая или обобщая остальные, вы позволяете сознанию зрителя заполнить остальное, одновременно рассматривая всю сцену.

Кроме того, важной частью любого произведения искусства является композиция, и если что-то в пейзаже не работает с композиционной точки зрения, это нормально не учитывать. То же самое касается добавления и переключения элементов.

Реализм против абстрактного

Самое замечательное в пейзажной живописи — это то, что нет единственного способа запечатлеть окружающую нас среду. Пейзажное искусство может быть очень детализированным и реалистичным, или его можно разбить на простые формы и цвета для современной пейзажной живописи.Независимо от того, выбираете ли вы реализм, абстракцию или их комбинацию, все сводится к разработке вашего личного стиля. Но также стоит попробовать новые подходы, техники и средства, чтобы ваша работа оставалась свежей. Кто знает, возможно, вы обнаружите, что любите делать прямо противоположное тому, что делали раньше.

Совет 2. Привлекайте внимание зрителя.

Создаете ли вы реалистичную картинку или создаете ее абстрактно, постарайтесь не забывать, куда вы хотите привлечь внимание зрителя.Как вы хотите, чтобы их глаза двигались по поверхности? Создавая фокус, вы привлекаете внимание зрителя внутри, и это побуждает его исследовать все на холсте, вместо того, чтобы бросать взгляд на него и уходить.

Это может быть структура, цвет или интересное использование пространства. Эффективный способ сделать это — разместить фокус на переднем плане. Именно здесь вы можете разместить большую часть деталей, поскольку куда бы вы ни поместили больше всего деталей, скорее всего, именно туда будет направлено внимание вашего зрителя.

Смешение цветов и прямое изображение из тюбика

Многие художники смеются над идеей покупки определенных цветов, например зеленого, поскольку этот цвет легко смешать самостоятельно. Однако каждый раз получать один и тот же оттенок зеленого может быть довольно сложно, особенно когда вы только начинаете. Использование пигмента прямо из тюбика дает всегда один и тот же оттенок без каких-либо сюрпризов.

Смешивание цветов — это навык, который должен практиковать каждый художник. Смешивая собственные оттенки, вы получаете самые уникальные и разнообразные оттенки.Как только вы определите палитру наиболее часто используемых оттенков, станет легче смешивать один и тот же оттенок снова и снова.

Совет 3. Начните с ограниченной палитры.

Пейзаж легко усложнить, используя много цветов. Правда в том, что большинство пейзажей — это просто разные оттенки всего нескольких. Используя ограниченную палитру только некоторых из наиболее распространенных оттенков, вы получите гармоничный вид с ощущением пространства и глубины.

Полезно составить простые шкалы значений наиболее доминирующих цветов.Если ваш пейзаж полон зелени, начните с одного оттенка зеленого и добавьте немного черного. Продолжайте делать отдельные кучки темно-зеленого цвета, добавляя каждый раз немного черного, чтобы увидеть, насколько темным у вас получится. Теперь начните с того же зеленого и добавьте немного белого. Сделайте маленькие ложечки светло-зеленого цвета, добавляя все больше и больше белого. Вы можете сделать это, добавив желтый или синий к зеленому. Когда вы добавите красный цвет, вы будете удивлены тем насыщенным черным цветом, который он создаст.

Создавать пейзажи так же просто, как смотреть в окно, брать ручку или кисть и наносить то, что вы видите на бумаге или холсте, от пары линий, представляющих пышный лес, до реалистичного штормового моря.Надеемся, мы воодушевили и вдохновили вас. Неважно, станете ли вы следующим великим художником-пейзажистом или просто рисовальщиком в свободное время, Arteza предлагает широкий выбор ручек, бумаги, красок, холстов и многого другого, чтобы помочь вам создать свой следующий шедевр.

Другие сообщения, которые могут вам понравиться:

Получите учебные материалы, доставленные прямо в ваш почтовый ящик

Хотите больше такого контента?

Подпишитесь и получите письмо прямо на ваш почтовый ящик.

,