чёрно-белые тона и ничего лишнего

Техника выполнения

Мастеру, работающему с чикано, важно тончайшим образом прорисовать тени и блики. Линии должны быть чёткими, а фон тёмным. Чёрный бэкграунд должен оттенять светлые элементы. Часто в таком виде рисунка выделяют ключевую деталь. Глаза нарисованной девушки, чьи-то губы или волосы. 

• плечи;
• грудь;
• спина;
• рука выше кисти.

Делать этот вид татуировок советуют в ярко освещённом помещении. Лучше, чтобы это была лампа дневного света или естественные солнечные лучи.

Самые популярные темы

• святые, ангелы, Иисус Христос и Дева Мария;
• черепа или лик Смерти;
• оружие;
• крест;
• игровые автоматы, игральные карты и кости.

Соответственно обладатель такого тату должен быть верующим, смелым, беспощадным, азартным и неоднозначным человеком. Скромному офисному клерку и уж тем более хрупкой девушке лучше избегать такого рода рисунков. 

История возникновения боди арта

Жанр этот зародился в начале пятидесятых годов в Калифорнии в латиноамериканских кварталах. В те годы к мексиканцам в Америке относились неуважительно, и рассчитывать они могли лишь на самую чёрную работу с мизерной оплатой. Неудивительно, что молодые латиноамериканцы пошли по кривой дорожке и сформировали свирепые, кровожадные банды.

Несмотря на преступную жизнь, мексиканские эмигранты оставались глубоко верующими людьми. Вот почему, символом их группировок часто становились святые. Неудивительно, что они набивали на тело кресты и лик Мадонны. Татуировки для них не были украшением. Это была необходимость, деталь, способная подчеркнуть принадлежность человека к той или иной банде.

Так как преступники во все времена любили азартные игры, члены латиноамериканских банд стали набивать на теле игральные кости, карты и даже изображения игровых автоматов. Тем более понятны мотивы черепов, смерти или оружия.

Многие латиноамериканцы получали первые татуировки chickano в местах лишения свободы. Там не было ярких чернил и потому подобный боди арт был, есть и остаётся чёрно-белым.

С тех пор прошло много лет. Боди арт чикано стал популярен во всём мире, в том числе и в России в самых разных слоях населения. Теперь изображения креста или черепа на плече не означает, что владелец принадлежит к преступному миру.

Вот почему, многие мастера во всех уголках земли осваивают технику чикано.

О чём должен предупредить клиента мастер?

Если человек набил тату чикано и поехал в Мексику или США, ему следует спрятать изображение под одеждой. Ведь и поныне в некоторых неблагополучных кварталах эти символы связаны с преступным миром, и туриста могут неправильно понять.

Заключение

Ответы на частые вопросы

Нет, любые вмешательства, в том числе набивка тату, до восемнадцати лет делается лишь с согласия родителей или опекунов. В противном случае у салона могут возникнуть неприятности. Тем более что сами наколки имеют специфический, зачастую негативный характер.

Обязательно ли учиться технике мексиканского боди арта в Латинской Америке?

Нет, в наши дни немало виртуальных тренингов, обучающих видео и статей на тему чикано.

12 идей для вашего дома

Пустые стены мозолят глаза? Время подобрать правильный декор и преобразить интерьер! Мы собрали для вас простые и эффектные идеи, которые помогут вдохнуть жизнь в обстановку комнаты.

Декорирование стен подручными средствами

Любые подручные материалы можно использовать для декорирования стен. Не верите? Смотрите примеры на фото выше! Большой популярностью пользуются элементы декора из простых деревянных паллет. С помощью такого строительного материала можно сделать красивые подвесные полки. Поставьте на них книги, вазы, цветы, статуэтки, ракушки — всё, что душа пожелает!

Чтобы сделать элегантные подвесные полки, достаточно иметь под рукой пару старых досок и плотную веревку. Покрасьте их в приятный цвет водоэмульсионной краской. Можно также использовать старые ящики, предварительно обработав поверхность наждачной бумагой.

Интересные идеи покраски стен

Если вы не любите обои, вам точно нужна креативная покраска стен. Идеи такого декора мы показали на фото выше. Чтобы сделать покрытие более интересным и рельефным, можно использовать технологию текстурной покраски. Узор наносится на стены самыми разными средствами, которые оказались под рукой. Но давайте по порядку:

1. Перед началом декорирования подготовьте стену. Нужно снять старый малярный слой, заделать все трещинки, зашлифовать место шпаклевания и нанести специальную грунтовку.

2. С помощью обычного валика нанесите первый слой краски. Обычно берется акриловая краска одного базового оттенка. Дождитесь, пока она схватится.

3. Создайте рельефные текстуры с помощью нанесения глазури. Используйте обычную маховую кисть и вдавливайте ее в стену, чтобы остались необычные следы. Наносите глазурь тканью или губкой для мытья посуды. Также можно использовать специальные валики с уже готовым рисунком, который легко переносится на стену.

4. Завершающий штрих — нанесение лака или слоя прозрачной глазури.

Декор стен под кирпич

Поклонники стиля «лофт» наверняка давно мечтают о кирпичной стене в своем доме. Но что делать, если у вас панельный дом или совсем не хочется выкладывать кирпичную стену? Не волнуйтесь, ведь этот модный декор можно осуществить и другими способами! Имитация кирпича создается по-разному:

• кирпичный декор: плитка для стен;

• фотообои под кирпич;

• кирпич из пенопласта или картона;

• рельефное нанесение штукатурки;

• декоративный камень — тонкая и легкая пластина, имитирующая поверхность кирпича.

Конечно, более естественно и правдоподобно выглядит гипсовая плитка или искусственный камень. Но обои — более дешевый и простой в исполнении вариант.

Украшение стен фотографиями

Воспоминания — один из лучших вариантов настенного декора. Фотографии родных и близких всегда вызывают особые эмоции и поднимают настроение в пасмурные деньки. Используйте счастливые кадры, чтобы расставить нужные акценты в помещении.

Вот несколько вариантов размещения:

• Генеалогическое дерево. Выберите по одной фотографии каждого члена семьи, от самых маленьких до прабабушек и прадедушек. Нарисуйте на стене силуэт дерева или используйте готовую наклейку. Разместите старшее поколение у корней, младшее — на веточках.

• Фотографии в рамках. Классический и самый простой способ украсить стену. Используйте рамки одного стиля и составьте небольшую композицию из снимков разного размера. Чем просторнее комната, тем больше может быть этот коллаж. 

• Гирлянды из фотографий. Сделайте на стене широкую «паутину» из тонких веревок или ленточек. Распечатайте много-много небольших фотографий (эффектно смотрятся полароидные снимки) и закрепите их с помощью декоративных прищепок.

• Композиция из фотографий. Снимки можно разместить на стене в виде той или иной фигуры. Например, в форме сердца.

• Фотографии на натуральном холсте — это возможность превратить обычный снимок в произведение искусства. Такие фото смотрятся более солидно и необычно, чем обычные фото в рамке. Под картины на холсте можно выделить отдельную стену, создав домашнюю галерею.

Объемный декор

Гипсовый декор для стен — это огромный простор для творчества. Чаще всего из гипса создают фальшивый камин или имитацию лепнины. Важно учесть, чтобы такой гипсовый декор вписывался в стиль интерьера. Античные колонны, например, будут нелепо выглядеть в дизайне а-ля техно. Цветовое решение также стоит выбирать под общую палитру помещения.

Гипс — любимый материал для эко-дизайна. Он гипоаллергенный, не содержит химических веществ, термоизоляционный, негорючий и долговечный. С его помощью можно сделать прекрасное лепное панно, которое заполнит пустые участки стены. Пластичный гипс воплотит в жизнь любые задумки в плане дизайна.

Оформление стен рамками

Рамки могут служить превосходным декором сами по себе — без фотографий. Для нежного интерьера (например, прованс) стоит выбирать пустые рамки пастельных оттенков и с плавными линиями узора. Классический интерьер украсят строгие багеты из натурального дерева. Броские рамы с позолотой отлично впишутся в интерьер барокко.

Располагать их можно самым разным образом: хаотичной композицией, строгой линией, по диагонали, в виде геометрической фигуры. Правила такие же, как и в случае с картинами/фотографиями. Можно выкрасить рамки с разными фактурами в цвет стены, чтобы создать необычный объемный декор. Или оставить в багетах картон и выкрасить его в яркие контрастные цвета — отличное дополнение интерьера в стиле китч. Экспериментируйте и дайте волю фантазии!  

Картины как элемент декора

Картины – беспроигрышный и всегда уместный вариант декора. Работы художников издавна использовались для украшения дома. Искусство прошлого и настоящего настолько разнообразно, что каждый сможет подобрать идеальный вариант для себя.

Модульные картины

Репродукции классиков

Не обязательно тратить миллионы долларов, чтобы купить оригинальную живопись Клода Моне или Ван Гога. Печать репродукций на холсте — великое изобретение человечества! Любой шедевр можно заказать за вполне вменяемые деньги и в нужном для декорирования количестве. Для классического интерьера стоит подобрать подходящий багет. Комнату в современном стиле можно украсить репродукцией без рамы.

Постеры и плакаты

Постеры — яркие представители современного искусства, без которых не обходится ни один модный интерьер. Мотивирующие фразы, цитаты, афиши кино и рекламные плакаты — всё это заслуживает внимания. Можно использовать постеры на плотной бумаге, но только в раме за стеклом. Еще один интересный способ — печать постеров на холсте. Такой декор более долговечный, не боится света и влаги.  

Зеркальный декор на стену

Дизайнеры обожают использовать зеркала в оформлении интерьера. Все дело в том, что они помогают визуально расширить пространство и сделать его более свободным. Особенно часто зеркала применяются при декорировании малогабаритных квартир, ванных комнат и ниш.

Создание зеркал в благородных рамках — это особое искусство. Дорогие зеркала обрамляются в металл или дерево. Дополнительно наносится позолота или рельефный рисунок. Некоторые зеркала стилизуются под благородный мрамор или малахит. Развешиваются такие зеркала по тому же принципу, что и картины: хаотичной композицией или строгим рисунком.

Рама для зеркала подбирается в зависимости от стиля интерьера. Хай-тек и минимализм требуют тонких хромированных рам, барокко — резных позолоченных багетов, эко-дизайн — рамок из дерева или бамбука. Можно использовать зеркала и без рамы. Зеркальные плитки, выложенные определенным рисунком, станут отличным дополнением современного интерьера. 

Мягкие панели

Красивые мягкие панели — популярный вариант декора для спальни и детской комнаты. Поверхность таких элементов изготавливается из текстиля или меха. Чтобы избежать аллергии, стоит убедиться, что в панелях находится гипоаллергенная искусственная набивка.

Мягкие вставки служат отличным декоративным акцентом. Чаще всего панель располагают на стене над изголовьем кровати. Панели помогают выделить определенную область в помещении, например, гостевую зону или место для чтения. Производители предлагают мягкий декор в разнообразном исполнении, но вы можете сделать его вручную. Для этого достаточно использовать листы фанеры и какую-нибудь плотную ткань: хлопок, лен, парча, бархат и т.п. Используйте ажурные узоры и цветные вставки, чтобы стилизовать панель под соответствующий стиль интерьера. 

Пэчворк — техника ласкутного шитья — еще один вариант исполнения мягкого декора. Разноцветные куски ткани, сшитые в единую композицию, натягиваются на основу из пластика или дерева. Такой эксклюзивный элемент идеально подходит для интерьера в стиле поп-арт.

Декор стен виниловыми наклейками

Виниловые наклейки для декора стен — прекрасная идея для тех, кто ищет быстрое и практичное решение. Производители придают винилу любую форму, создавая оригинальный и простой рисунок. Главное преимущество такого украшения — возможность в любой момент снять наклейку и заменить на другую.

Особой популярностью пользуются минималистические рисунки и фигуры. Наклейки лучше всего наносить на однотонный контрастный фон. Разумеется, лучше всего подходит крашеная стена, а не обои. Чаще всего встречаются черные наклейки на стене пастельного оттенка — это смотрится очень эффектно.

Виниловые наклейки чаще всего встречаются в детских комнатах. Изображения птиц и животных вдохнут жизнь в обстановку помещения. Для расширения пространства можно использовать изображения окна или уходящей за горизонт дороги. Еще одна интересная идея — наклейка в виде карты мира, которая приглянется любителям путешествий.

Роспись

Для этого варианта украшения стен нужно иметь художественные навыки и яркую фантазию. Если вы сомневаетесь в своих умениях, рекомендуем нанять профессионального художника. Но так как в моде минималистические рисунки, вы всегда можете поэкспериментировать и изобразить на стене простые линии или геометрические фигуры.

Роспись — древний способ декорирования дома, который не утратил актуальность. Настенная живопись выполняется акрилом, водоэмульсионными или масляными красками. Некоторые мастера используют аэрограф и флуоресцентные краски.

Несколько креативных идей для росписи стен:

• 3D-рисунки — изображения, которые кажутся объемными или глубокими при рассмотрении с определенной точки;

• картинки под трафарет — лайфхак для людей, не имеющих художественные навыки;

• вертикальные или горизонтальные полоски — легко осуществить с использованием скотча;

• резиновые штампы и валики — наносятся по предварительно нанесенной разметке.

Украшение стены цветами

Природа готова поделиться своей красотой с теми, кто жаждет прекрасного! Цветочные горшки не обязаны томиться на подоконнике — для них можно обустроить уютное местечко на стене. Главное, обеспечить достаточный объем солнечного света или выбрать сорта растений, которые в нем не сильно нуждаются. Не забывайте, что цветок — это живой декор, за которым требуется уход, в том числе регулярный полив.

Для декорирования стен цветами используют подвесные кашпо. Вьющиеся разновидности растений создадут удивительный эффект зеленого водопада. Свисающие побеги не только насытят помещение кислородом, но и помогут визуально вытянуть стену.

Декоративный мох — это тренд последних лет. Зеленый ковер используется для украшения любого уголка дома. Растение требует минимального ухода и крайне неприхотливо. Если разместить панели со мхом в ванной, высокая влажность сделает всю работу за вас.

Цветочные горшки оригинальной формы — еще один способ преобразить интерьер. Горшки можно подвесить или установить на прозрачных, практически незаметных полках. В таком случае лучше выбрать компактные растения, чтобы вся композиция не оказалась слишком громоздкой.

Несколько важных советов

Выбирая декор для дома на стену, не забывайте учитывать особенность всего помещения. Не перегружайте пространство сразу несколькими видами декораций. Остановитесь на одном центральном элементе. Если остановились, например, на фотоколлаже — не стоит на той же стене устанавливать множество подвесных полок. В моде минимализм и сдержанность! Иногда одна маленькая деталь смотрится куда интереснее, чем обилие декора. 

Если вы не уверены, что сможете создать украшение своими руками, обратитесь к специалисту или купите готовый декор. Картины и фотографии, как ни крути, можно назвать универсальным способом декорирования.

Рисунки | Creative Blog

Уличные художники любят эксперименты и особенно часто они это делают с необычными формами, при этом выходя за . ..

Обзор оригинального «зеленого» стрит-арта

Искусство, Рисунки

Какое необычайное волшебство происходит перед глазами ребёнка, который вращает в своих руках калейдоскоп! Маленькие …

Сказочные бумажные витражи Эрика Стэндли

Графика, Миниатюры, Рисунки

Гуидо Даниэле родился в 1950 г. Соверато, Калабрия, Италия. В 1972 году окончил Школу искусств Brera в Милане по специальности …

Руки-звери. Художник Guido Daniele

Искусство, Курьезы, Люди, Рисунки

Учитывая сильную жару, которая в последнее время поразил Нью-Йорк, расплывчатые картины художника Филипа Барлоу (Philip Barlow) …

Расплавленные города Филипа Барлоу

Рисунки

Два десятка логотипов, которые порадуют любителей пива. Наверное, они будут очень кстати — лето, Евро-2012… Надеюсь, у …

Логотипы для любителей пива

Рисунки

…

Плакаты – отличный способ для художника продемонстрировать свое искусство и творчество. В отличие от печатной . ..

25 необычных плакатов для вдохновения

Постеры, Рисунки

Пара десятков отличных минималистических постеров-плакатов к фильмам. Уверен, некоторые из них принесут вам творческое …

Минималистические постеры к фильмам

Постеры, Рисунки

Отдельное счастье приносят нам советские пластинки с их порой роскошным, а порой и маразматическим . ..

Обложки советских пластинок

Рисунки, Упаковка, Фотографии

Мужские свитера с графическими рисунками

Мужские свитера с графическими рисунками стали настоящим прорывом в моде. В прошлое ушли цветочные мотивы и анималистические принты, которые так полюбились мужчинам. Геометрические узоры считаются универсальными. С таким свитером можно создать любой образ и всегда он будет смотреться выгодно.

Мужская мода развивается наравне с женской. В прошлом году дизайнеры отдавали предпочтение анималистическим принтам, то в этом году ставка была сделана на незамысловатые геометрические фигуры и графику. Подобные свитера были показаны на модных показах и каждый лейбл показал интересные модели.

Геометрия в каждой детале 

Минималистические рисунки когда-то уже мелькали в мужском гардеробе, но не прижились. О них быстро забыли и отдали предпочтение строгой и скучной классике. Сейчас они снова ворвались в моду и стали классическими моделями, которые будут уместны в любом образе. Добиться такого принта у создателей коллекций удалось с помощью приема color blocking.

• JW ANDERSON
• Pringle of Scotland

Свитера получились яркими, но при этом остались сдержанными. Модернистский подход в создание коллекции применяют не все, но в этот раз получились утонченные модели с нотками озорства.

Геометрические мотивы всегда смотрятся выгодно. Современная интерпретация чем-то напоминает классику и при этом выбивается из общей концепции стандартных вещей, которые подходят для ношения в любых ситуациях. Игривые формы, яркие оттенки, незамысловатые узоры собрались в целое и заменили приевшиеся рисунки, на которые не хотелось смотреть.  

Современные модные Дома продемонстрировали новинки. Они показали не только геометрию, они смешали формы с различными оттенками.

• Giorgio Armani
• Neil Barrett

С такой вещью можно легко создать элегантный образ. Для этого достаточно приобрести белую рубашку свободного кроя и узкие брюки. Классическое длинное пальто и аксессуары сделают свитер незаменимым. Остроты образу добавят кожаные вещи.

Мужские свитера с графическими узорами универсальны. Они отлично сочетаются с разными стилями, цветами и оттенками. Такой свитер можно носить с классическими брюками, любимыми джинсами и даже шортами. В любом образе он будет смотреться самодостаточно.

Хороши графические рисунки тем, что они не скоро еще выйдут с моды. Свитер с геометрическими узорами обязательно должен быть в гардеробе любого мужчины. 

Ещё статьи по теме:

Minimal Cat Art — это субреддит, где люди делятся своими простыми рисунками кошек

gangbangkang

Кошки не перестают радовать нас своей эффектной внешностью и склонностью принимать правильные позы. От кошек, которые непреднамеренно позиционируют себя как модели в стиле пин-ап, до естественно двуликих красавиц-химер, эти пушистые друзья, несомненно, являются нашими творческими музами. Их влияние не знает границ, и вам не нужно быть художником, чтобы выразить, как они вас вдохновляют.Сабреддит Minimal Cat Art — это место, где люди могут поделиться своими рисунками этих свирепых пушистых комков всего несколькими простыми линиями.

Субреддит «предназначен для глупых, недостаточно подробных изображений кошек, которые сделаны более забавными или милыми из-за их грубой техники и / или отсутствия деталей». Эту идею минимализма можно интерпретировать множеством способов. Некоторые пользователи Reddit рисуют очертания тела и не более того, что превращает животное из кошачьего в странное, похожее на инопланетян существо.Другие используют более реалистичный подход и предпочитают подчеркивать черты лица или другие определяющие характеристики. Но независимо от стиля, всех их объединяет одна общая идея: изображать кошек, которые что-то для них значат, и получать от этого удовольствие. «Наше видение, — говорится в субреддите, — состоит в том, чтобы наслаждаться искусством и быть отличными друг для друга».

Minimal Cat Art — это недавно запущенный сабреддит (вдохновленный этим постом Reddit), который может сделать каждый. Просто добавьте свои рисунки кошек, чтобы присоединиться!

Redditors вдохновляются своими кошками и создают рисунки кошек.

неандербол

мзбб348

Сабреддит называется Minimal Cat Art, и он предлагает вам собрать своего пушистого друга в несколько строк.

групповуха

групповуха

Некоторые интерпретации делают кошек похожими на инопланетян…

пейт1212

мзбб348

…а некоторые более реалистичны.

Seakit

групповуха

The_adriator

Они приглашают присоединиться всех, так что представьте свой собственный рисунок кота!

celerywife

F3as1ble

celerywife

celerywife

мзбб348

Аляска Адамс

Минимальное искусство кошек: Reddit

Статьи по теме:

Фотограф и цифровой художник весело превращают кошек в знаменитостей

Трогательная дружба между девушкой и ее кошкой

Кошки в искусстве: как наши кошачьи друзья веками вдохновляли художников

известных художников-минималистов — Художники движения минимализма

Минималистское искусство зародилось как послевоенное движение в американском изобразительном искусстве в 1960-х и 1970-х годах. Считавшийся прямым ответом на стили абстрактного экспрессионизма и модернизма, минимализм включал в себя геометрические формы, нейтральные поверхности и промышленные материалы, а не громкие и хаотичные произведения искусства. Поскольку минимализм, казалось, отрицал такое яркое выражение, произведения искусства, которые были созданы, намеренно избегали появления изобразительного искусства, а эти гладкие и геометрические работы намеренно избегали обычной художественной привлекательности.

Топ-10 самых известных художников-минималистов и их лучшие работы

Распространяясь на изобразительное искусство, музыку и другие средства массовой информации, искусство минимализма расширило абстрактное представление о том, что искусство должно исходить из своей собственной реальности, а не быть простой копией чего-то другого.Минималистские художники и художники реагировали только на то, что было прямо перед ними, а созданные произведения искусства заставляли зрителей относиться только к тому, что они могли видеть. Ниже мы обсудим некоторых из лучших художников-минималистов из этого движения и их не менее известные работы.

Тони Смит (1912–1980)

Одним из известных художников минимализма 20 ^го века был американский скульптор и художник Тони Смит.Несмотря на то, что Смит считался довольно странной фигурой в мире искусства, поскольку он решил выставлять свои работы только после 50 лет, Смит внес большой вклад в появление движения минимализма в начале 1960-х годов.

Смит был известен на протяжении всей своей карьеры своими большими геометрическими скульптурами, которые обычно размещались на открытом воздухе.

Смит получил образование в школе New Bauhaus в Чикаго в 1930-х годах и был вдохновлен развитием американского искусства после Второй мировой войны.Его работы объединили несколько традиций европейского модернизма с этими достижениями, чтобы создать минималистское искусство произведения, которые не были ограничены какими-либо рамками среды.

Тони Смит и одна из его работ, Haags Gemeentelijk Museum, 1968; Эрик Кох / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Несмотря на связь с абстрактными экспрессионистами, его работа не имела ничего общего с хаотической спонтанностью движения. В начале 1960-х Смит отказался от живописи, чтобы полностью сосредоточиться на скульптуре.Обсуждалось, что скульптуры Смита являются наиболее верным выражением его навыков художника, поскольку огромные сооружения легко сочетают физическое присутствие архитектуры с концептуальным резонансом абстрактной живописи. Его вклад в развитие американского искусства не поддается описанию, поскольку Смит преподавал в нескольких известных школах искусства и дизайна по всей стране.

Превосходство в живописи, скульптуре и архитектуре. Выставки его работ проходят во многих лучших художественных музеях мира.

Являясь частью серии, написанной между 1953 и 1955 годами, Луизенберг произведений искусства состоял из 25 ярких и геометрических картин, которые были связаны фундаментальной композиционной моделью. Каждая картина в этой серии состоит из кругов разного цвета, но одинаково окрашенных, которые вместе образуют странные формы, похожие на арахис или амебу. В Louisenberg #8 эти формы расположены в плотную сетку, где каждая форма имеет определенное место.

При просмотре Louisenberg #8 ощущается большое чувство порядка, так как каждая форма следует одной и той же композиционной структуре. Например, круги занимают одно место, арахис занимает два места, а самая большая амебоподобная форма занимает четыре места.В этой картине Смит продемонстрировал довольно простой способ работы, поскольку он просто создавал варианты одного рисунка и упорядочивал их различными способами для создания новых композиций. Исходя из этого, Louisenberg # 8 существует как слабо перевернутая версия Louisenberg # 4 .

Созданная во время пребывания Смита в Германии, его серия «Луизенберг» была названа в честь геологического объекта недалеко от города Байройт, состоящего из уникальных скал в форме арахиса.

Демонстрируя свое образование архитектора, Смит следовал точной формуле, которая была скрупулезно выражена в его картинах. Его вдохновение для серии минималистских картин было довольно абстрактным, поскольку они представляли его очаровательную смесь североамериканских и североевропейских художественных влияний с тонкой отсылкой к стилю абстрактного экспрессионизма.

Кроме того, использование Смитом повторяющихся элементов в Louisenberg #8 , наряду с другими картинами из этой серии, существовало как двумерное проявление его растущего интереса к модульной архитектуре.Позже в своей карьере Смит сосредоточился исключительно на этом типе адаптивной архитектуры.

Агнес Мартин (1912–2004)

Одной из немногих известных художниц-минималистов, приехавших из Канады, была Агнес Мартин, оказавшаяся влиятельной участницей движений абстрактного экспрессионизма и минимализма. Несмотря на то, что ее культовые работы со спектральной сеткой называют настоящими минималистскими картинами, Мартин считала, что ее стиль тесно связан со стилем абстрактного экспрессионизма.

До 1950-х годов картины Мартина были полностью репрезентативными, но в середине десятилетия она обратила внимание на абстрактное искусство и открыла для себя свой истинный стиль.

Мартин создавал большие квадратные монохромные композиции, которые обычно были покрыты гипсом, нарисованными от руки карандашными линиями и разбавленными слоями масляной или акриловой краски. В 1950 году, после того как она стала гражданином США, Мартин переехала в центр Манхэттена, где она была вдохновлена ​​​​разработкой своего очень влиятельного стиля, включающего светлые квадратные сетки повторяющихся линий. Используя сетку в качестве организационного элемента в своих картинах, которые включали в себя немного цвета, Мартин смогла плавно смешать стили живописи цветового поля и минимализма.

Хотя ее отсутствие повествований и ненужных деталей прочно укрепило Мартина в стиле минимализма, она заявила, что ее целью было создание произведений искусства, сосредоточенных на эмоциях, а не на высокоинтеллектуальных формах абстракции.Хотя работы Мартина не были репрезентативными, названия и пояснения к ее картинам указывали на то, что она находилась под сильным влиянием природного уре.

Будучи шизофреником, она с трудом находила общий язык с другими людьми, поэтому ее внимание к природе в ее работах представляло собой мирное и упорядоченное убежище.

При рассмотрении ее картин минималистские картины Мартина были основаны на сетке с четко очерченными однородными геометрическими формами и фиксированными областями холодных цветов, которые были тщательно нанесены, чтобы не оставлять следов кисти.Ее абстрактные работы избавили ее от необходимости изображать традиционные предметы и позволили ей экспериментировать с бесконечными вариациями сдержанного цвета. Говорили, что как один из самых необычных художников своего времени, который вел столь же странный образ жизни, Мартин слышала голоса, которые повлияли на то, что она рисовала.

Одной из первых известных минималистских картин Мартина является Белый цветок , которую она создала вскоре после создания своего отличительного стиля. Используя структуру сетки и мягкие цвета, Белый цветок состоит из неиерархических белых линий, которые пересекаются, образуя отдельные прямоугольники. Эта картина, подчеркнутая белыми штрихами и размещенная на холодном сером фоне, кажется напоминающей ткань.

Во всем «Белом цветке» и в большинстве других работ Мартина постоянно присутствует полная симметрия формы.

Несмотря на то, что картина «Белый цветок» была создана на ранних стадиях минималистского стиля Мартина, она демонстрирует ее и без того строгую приверженность формальному балансу, который будет регулярно фигурировать в остальных ее картинах. Хотя эту картину можно рассматривать как отдельный объект, она не состоит из отдельных элементов. Это демонстрирует истинную сложность картин Мартина, поскольку ее свободно нарисованные сетки исчезающих и хрупких линий требуют большего размышления, чтобы их нюансы были по-настоящему раскрыты и поняты.

Кармен Эррера (1915-настоящее время)

106-летняя кубинка Американская художница Кармен Эррера — старейшая участница движения минимализма. Художественная карьера Эрреры особенно вдохновляет, ведь она продала свои первые работы только в 89 лет. Хотя она добилась международного признания и признания только в более позднем возрасте, Эррера практиковалась как художник и на протяжении всей своей жизни создала несколько известных произведений искусства, прежде чем она прославилась за это. Однако то, что делает ее историю такой интересной, — это качество ее работы, а не обстоятельства ее открытия.

Впервые Эррера вышла на арт-сцену в 1940-х годах, когда жила в Париже, а в 1954 году окончательно поселилась в Нью-Йорке.

С самого начала своей карьеры Эррера усовершенствовала свой стиль рисования и создания четких и безупречных произведений искусства, используя абстрактный геометрический минималистский стиль. В большинстве своих работ Эррера привнесла ощущение тепла и телесности, которые подчеркивают аспекты мудрости, жизненной силы и жизни при просмотре ее абстрактных форм.

В то время как работы Эрреры были связаны с другими художниками неоконкрета, которые появились после Первой мировой войны, ее использование плоских форм и ограниченной цветовой палитры имеет много общего с нью-йоркским минималистским искусством.

Творческая идентичность Эрреры вписалась в общую художественную сцену только в 1960-х годах после открытия других художников-минималистов, таких как Фрэнк Стелла. Первоначально вдохновленные оп-артом, многие работы Эрреры содержат некоторые формы оптических иллюзий в дополнение к другим абстракциям минимализма. Таким образом, она считается современным художником большого значения.

Одной из известных минималистских картин Эрреры является Untitled , которую она написала, когда была еще относительно неизвестной. В этой резкой монохромной работе черные и белые линии проходят вверх и вниз по холсту и разделены неровной линией, которая разделяет кадр на два неравных треугольника. Влияние Эрреры в стиле оп-арт ясно видно в Untitled , поскольку это голое изображение с тщательно четкими краями создает ощутимую вибрацию, которую можно рассматривать как оптическую иллюзию.

Было отмечено, что на этом произведении искусства и на большинстве других картин Эрреры можно увидеть мало свидетельств того, что она действительно нарисовала произведение.

В то время это был ключевой аспект оп-арта, что еще больше связало эту картину с этим движением. Рассматривая процесс понимания зрителями форм и цветов на холсте, Эррера поставил под сомнение роль художника в новую технологическую эпоху точности. Использование зубчатой ​​линии говорит о любви Эрреры к дизайну и городской жизни, поскольку она ссылается на очертания промышленного пространства.

Энн Труитт (1921–2004)

Еще одной из самых известных женщин-художников минимализма была американская скульптор Энн Труитт, получившая признание критиков в 1960-х годах как одна из первых минималисток движения. При поддержке известного искусствоведа Клемента Гринберга Труитт держалась в стороне от нью-йоркской арт-сцены и годами совмещала свою художественную карьеру с воспитанием семьи. Несмотря на то, что Труитт была связана с двумя основными художественными движениями, живописью цветового поля и минимализмом, Труитт получила степень в области психологии и стала медсестрой.

Труитт стала художником на полную ставку только в 1950-х годах и начала вносить то, что считалось ее самым важным вкладом в движение, в начале 1960-х.

Хотя она чувствовала, что ее работы сильно отличаются от художественных тенденций движения минимализма, живопись и скульптурный стиль Труитт предвосхитили многих других известных художников минимализма, таких как Дональд Джадд и Эллсуорт Келли . Однако во многих других отношениях она отличалась от большинства минималистов, поскольку ее внимание к поэтике формы и материала оказало влияние на молодых художников.

Будучи преданным скульптором, Труитт экспериментировал с глиной, сталью и гипсом после просмотра работ Барнетта Ньюмана в Гуггенхайме в 1961 году.

Следуя абстрактному экспрессионизму, Труитт создавал скульптуры, сложные и детализированные, но скрывающие свою истинную простоту. Когда Труитт исследовала глубины своей эмоциональной и психологической жизни в своих работах, ее часто считали минималистом, несмотря на то, что у нее было больше общего с абстрактным экспрессионизмом. Ее работы были пронизаны эмоциями, что не характерно для минимализма.

Дата покраски	1974
Средний	Холст, акрил
Размеры	103. 5 см х 220,9 см
Где он находится в настоящее время	Неизвестно

Как скульптор Труитт написал немного картин. Однако ее минималистская картина « Путь VII, » существует как известная ее работа. Огромный холст закрашен темно-красным цветом, с несколькими тонкими линиями, расположенными вертикально. Считалось, что они представляют некоторые фрагменты света, просвечивающие сквозь них, ширина линий различается, что предполагает их разную интенсивность за пределами поверхности картины.

Поскольку она была наиболее известна своими скульптурами, в нескольких написанных ею картинах ее описывают как «художницу, работающую в трех измерениях».

В 1960-х и 1970-х годах Труитт стал важным лидером Вашингтонской школы цвета, которая определяла произведения искусства с помощью плоских и сплошных областей яркого цвета. Эту эстетику можно увидеть в Way VII , где видно большое пространство ярко-красной краски. Из-за интенсивности цвета при взгляде на картину ощущается клаустрофобия.Находясь под сильным влиянием картин Барнетта Ньюмана и других авторов «Цветовое поле», Труитт пересекала свой монохроматический холст тонкими полосами цвета в Way VII .

Элсворт Келли (1923–2015)

Важной фигурой в американском искусстве 20 ^го века был Элсворт Келли, который на протяжении всей своей карьеры был наиболее известен как художник.Келли считался могущественной силой в послевоенном мире искусства. Келли прославился в 1950-х годах после того, как начал создавать свои культовые яркие и в основном монохромные многопанельные полотна. Сосредоточившись на сильной взаимосвязи между цветом, формой и формой, Келли был одним из первых художников, которые создавали холсты странной формы и оставались безнаказанными.

Используя многослойные рельефы и линейные рисунки, чтобы бросить вызов понятию пространства, Келли хотел, чтобы зрители испытали его работы таким образом, чтобы вызвать физическую реакцию на используемую структуру и цвет.

Эллсворт Келли прибывает на торжественное открытие LACMA в Широком музее современного искусства, 9 февраля 2008 г., Лос-Анджелес, Калифорния; Иеремия Гарсия, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons

Играя с минималистским рисунком в дополнение к живописи и скульптуре, он никогда не придерживался какого-то одного движения. Скорее, его работы отражали влияние различных направлений, включая минимализм, жесткую живопись, поп-арт и живопись цветового поля.

К началу 1960-х Келли построил для себя международные отношения с точки зрения беспредметного искусства . Обращаясь к механизму D e Stijl для вдохновения в своих картинах, Келли создавал произведения искусства, в которых использовались структурированные цвета на фоне геометрических макетов. В 1970 году Келли перешел от геометрических форм к кривым, возможно, в ответ на его новую среду.

Келли считается одним из великих лидеров американской живописи и одним из самых выдающихся постмодернистских художников 1960-х годов как в абстрактной живописи, так и в скульптуре.

На момент создания « Цвета для большой стены» была одной из самых больших картин, когда-либо созданных Келли. Демонстрируя его ранние эксперименты с многопанельными композициями, этот стиль живописи позже стал важным аспектом его карьеры. Говорят, что эта картина помогла Келли познакомить его с пониманием того, что картины существуют как объекты. Colors for a Large Wall был не только объектом сам по себе, но и состоял из множества более мелких объектов в виде панелей, которые объединялись для создания общего произведения искусства.

Объединяя в этом произведении некоторые фундаментальные стратегии модернизма, каждый квадрат должен был излучать мысль о том, что они сошлись совершенно случайно.

Цвета для большой стены (1951) Эллсворта Келли;  Айноа Диас, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Покрасив каждый из 64 квадратов в один цвет по отдельности, Келли соединил их в формате коллажа, который он расположил случайным образом. Результатом стала картина, внешний вид которой не определялся собственным выбором Келли. Эта картина также намекала на идею реди-мейда и его полезность в искусстве, поскольку Келли создавала каждую панель из разных листов крафт-бумаги.

Сол Левитт (1928–2007)

Известный как лидер концептуального движения, американский скульптор, художник и писатель Соломон «Сол» Левитт помог развить движение минимализма в послевоенном американском искусстве.Достигнув известности в конце 1960-х годов благодаря своим культовым настенным рисункам и современным абстрактным скульптурам, Левитт продолжал экспериментировать с широким спектром средств массовой информации, включая живопись, графику, гравюру и фотографию. С 1965 года он участвовал в бесчисленных персональных выставках по всему миру.

Вера Левитта в то, что художник существует как создатель идей, и это мышление оказалось невероятно важным при переходе от эпохи модерна к эпохе постмодерна.

Левитт также считал, что идея сама по себе может сформировать произведение искусства, а это означает, что художник может придумать идею и по-прежнему иметь полное право собственности на произведение, прежде чем передать фактическое производство кому-то другому. Его настенные рисунки с геометрическими узорами, полученные из набора инструкций, являются его самыми известными, и по мере развития своей карьеры он обращался к концептуальным произведениям.

Большинство произведений Левитта состояло из основных линий, цветов и упрощенных форм, которые использовались на основе определенных математических и архитектурных спецификаций.

Левитт также рассматривал направления производства искусства как само произведение искусства, а это означало, что произведение искусства больше не нуждалось в фактическом материальном присутствии, чтобы его можно было рассматривать как «искусство». Несмотря на то, что Левитт был одним из самых известных американских скульпторов-новаторов и уважаемым постмодернистом, он ненавидел всю огласку и славу, регулярно отказывался от наград и избегал интервью.

На протяжении всей карьеры Левитта серия настенных рисунков была его самой популярной работой. Настенный рисунок № 439 продемонстрировал смелое использование цвета и треугольных форм на плоской плоскости, что создало более полную и трехмерную форму для просмотра зрителем. В рамках этого минималистского рисунка, а также бесчисленного множества других, Левитт работал над установлением прочной связи между стилями минимализма и концептуального искусства.

Это видно по использованию ярких цветов, окрашенных в геометрические формы и размещенных на стене.

Используя смывки цветных чернил, которые были наложены друг на друга, ЛеВитт создал асимметричную пирамиду, состоящую из нескольких разноцветных граней.Возможно, под влиянием поездки в Италию, Настенный рисунок № 439 был вдохновлен эффектом фресок, и его можно увидеть при ближайшем рассмотрении. Глубину создают нисходящие фрагменты треугольника, которые привлекают внимание зрителей, поскольку они работают, чтобы стимулировать обман единства, несмотря на то, что они нарисованы на плоской стене.

Джо Бэр (1929 – настоящее время)

Еще одна важная художница-минималистка из Америки — Жозефина «Джо» Баер, известная своим большим вкладом в движение минимализма. Первоначально изучая исследовательскую психологию, Бэр обратила свое внимание на искусство и решила сделать из этого карьеру на полную ставку. В 1950-х годах Баер начала с живописной работы, вдохновленной стилем абстрактного экспрессионизма, а также воодушевленной ее пребыванием в Лос-Анджелесе. Только в середине 1960-х она начала выставлять свои работы на площадках современного искусства.

Вернувшись в Нью-Йорк, Бэр увлеклась своим стилем абстракции, который подчеркивал резкие края и кажущуюся пустоту холстов. В связи с этим неудивительно, что ее работы привлекли внимание группы минималистов, поскольку в ее картинах отсутствовали все возможные живописные нарративы.

Тщательно написанные произведения искусства Бэр 1960-х годов остались для нее наиболее узнаваемыми, так как они в основном состояли из основного чистого холста, обрамленного полосообразной окрашенной рамкой.

Джо Баер в своей студии, Амстердам, 2014 г.;  Billiesavage, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Ее работы 1960-х годов обычно выставлялись в виде диптихов или подвешивались к полу, чтобы подчеркнуть их большую физическую форму. Из-за отчетливой «пустоты» в ее работах они рассматривались как минималистские работы в дополнение к тому, что они указывают на все типы структурных отношений над предметом.

К 1975 году Бэр полностью отказалась от абстрактной живописи и сосредоточилась на типе «радикальной фигурации», посредством которой она мечтательно и причудливо соединяла образы, символы, слова и фразы.

Станции спектра (основной) , состоящий из трех пустых холстов одинакового размера в рамах, изначально был триптихом, прежде чем были добавлены еще три панели, чтобы сделать его шестичастным произведением искусства. Подобно всем другим картинам Бэра того времени, прямоугольные панели в этом произведении были ограничены очень простым и симметричным форматом. Каждая панель имела обычную черную полосу в качестве границы, что делало их неотличимыми друг от друга невооруженным глазом.

Однако, если присмотреться, можно увидеть тонкую разницу между тремя панелями.

Каждое полотно отличалось тонкой линией другого цвета, идущей параллельно черной окантовке.Как следует из термина «основной» в названии, цветные линии состоят из синего, зеленого и красного цветов, которые известны как основные цвета в световом спектре. Положение этих цветов было преднамеренным, потому что в определенные моменты и на определенных расстояниях их различия могли быть различимы периферийным зрением зрителя.

Фрэнк Стелла (1936 – настоящее время)

Национальность	Американский
Где жил художник	Массачусетс, Америка
Художественные движения	Минимализм, Модернизм, Абстрактный экспрессионизм, Геометрическая абстракция, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция, Жесткая живопись, Картина на холсте Shapes, Картина цветового поля
Самые известные произведения искусства	Черные картины (1959 г. ) Харран II (1967) Михаполь I (1971)

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из самых известных художников-минималистов, появившихся в этом движении.Экспериментируя со множеством других художественных стилей в дополнение к минимализму, Стелла быстро прославился примерно в 1959 году благодаря своему уникальному минималистскому подходу к живописи абстрактного экспрессионизма. Создав серию безличных картин в черную полоску, которые противоречили коммуникативной манере письма и экзистенциальному страху, связанному с движением абстрактного экспрессионизма, Стелла сразу же получила признание как художник-новатор.

Концентрируясь на формальных элементах искусства, Стелла создавала все более сложные произведения искусства, которые следовали естественному прогрессу сложности, жизненности, тактильности и размера.

Он расширил свою монохроматическую цветовую палитру, включив в нее более яркие цвета, в конечном итоге перейдя к созданию картин, в которые были включены неживописные элементы, намекающие на трехмерность. Это привело к созданию сложных отдельно стоящих скульптур, а работы Стеллы повлияли на развитие как минимализма, так и живописи цветового поля.

Открыв студию в Нью-Йорке, Стелла, казалось, моментально привлекла к себе внимание.Его методы рисования, которые были сосредоточены на основных элементах цвета, формы, формы и композиции, сильно отличались от предыдущего стиля искусства и помогли определить зарождающееся движение минимализма. По словам Стеллы, картина была не чем иным, как плоской поверхностью с краской на ней, что раскрывало его взгляд на искусство как на самостоятельную сущность.

Одна из самых молодых художниц, представивших ретроспективу в Музее современного искусства, Стелла и сегодня остается одной из самых новаторских художниц.

В возрасте всего 23 лет Стелла получил признание критиков за свою серию Черных картин , которую он создал в период с 1958 по 1960 год. резкие, но однообразные узоры. В эту серию входит Брак Разума и Убожества, II , где Стелла нарисовала черные панели с тонкими перевернутыми и параллельными линиями в форме буквы U.

Создавая геометрический узор, толстые черные полосы разделены только тонкими линиями белой краски.

При просмотре картины отсутствие различных очертаний и выразительная манера письма заставляет зрителей распознавать в ней плоскую поверхность, а не картину. В то время как параллельные линии продолжают создавать форму иллюзорной трехмерности в пространстве, абсолютная простота и пустота холста придают картине очень безличное ощущение.Это отсутствие эмоций, наряду с повторяющимся использованием геометрической формы, делает The Marriage of Reason and Squalor, II прекрасным образцом минимализма, поскольку он придерживается своих основных черт.

Роберт Мангольд (1937 – настоящее время)

Одним из менее известных художников минимализма, связанных с движением минимализма, является американский художник Роберт Мангольд. Тем не менее, он был активным участником стиля с момента его зарождения и пользуется большим уважением у нескольких других художников-минималистов. После того, как Мангольд был нанят вместе с коллегой-художником Солом Левиттом в качестве охранника в Музее современного искусства в Нью-Йорке, он неуклонно делал себе имя после участия в серии популярных выставок живописи в стиле минимализма, проводившихся в 1960-х годах.

Как и другие известные художники-минималисты, картины Мангольда, как правило, включали более яркую и смелую цветовую палитру, что в конечном итоге привело к развитию пост-минимализма в следующем десятилетии.

Портрет Роберта Мангольда, художника-минималиста, 2013 г.; Сильвия Мангольд, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Несмотря на то, что он считается художником-минималистом, работы Мангольда, как правило, существуют на границе между нарисованными и скульптурными формами. Используя приемы наслоения, разделения и смешивания, работы Мангольда подчеркивают присутствие формы через его окрашенные поверхности, поскольку создаются тонкие скульптурные эффекты.

Мангольд хорошо известен своей способностью четко и откровенно говорить о своей художественной практике.

Его картины считаются по-настоящему минималистичными, так как отсутствие в них специфических для среды процессов сформировало ключевую черту движения. В то время как его более ранние работы были созданы в более бледных и однотонных тонах, в 1980-х годах он переключился на более яркие и смелые цветовые комбинации . В некоторой степени это было связано с зарождающимся цифровым пространством, которое сильно повлияло на новые цвета и формы.

Поскольку он и сегодня работает художником, многие из последних работ Мангольда содержат элементы минимализма. Спустя 40 лет после того, как он начал экспериментировать с фигурными и геометрическими полотнами, Мангольд продемонстрировал, что он все еще может создавать столь же интригующие работы, несмотря на то, что прошло так много времени. Структура колонн XXII состоит из изменений формы колонн, которые были соединены в неправильный крест.

Форма этой картины явно отсылает к христианской иконографии и супрематической композиции Казимира Малевича.

Создавая эту картину, Мангольд соединил несколько раскрашенных полотен вместе, чтобы получился крест. Как и многие другие его работы, Колонна XXII намекает на некоторые архитектурные и структурные концепции, несмотря на то, что в основном рассматривается как картина. При рассмотрении креста можно почувствовать напряжение через взаимодействие линий, которые изгибаются вместе с формой.Эти линии продолжают разделять крест на сетки, а Мангольд усложняет математическое единообразие хвата, вводя изогнутые, а не прямые линии.

Мэри Оберинг (1937 – настоящее время)

При просмотре списка художников-минималистов часто упускается из виду американская художница Мэри Оберинг.Создавая очень похожие на сетку изображения, состоящие из монохроматических и геометрических форм, Оберинг сочетает определенные минималистские концепции с традиционными материалами, такими как яичная темпера и сусальное золото.

Получив степень бакалавра в области экспериментальной психологии и степень магистра в области поведенческих наук, Оберинг начал экспериментировать с искусством только в начале 1970-х годов после посещения Италии и встречи с художником Карлом Андре.

Переехав в Нью-Йорк в 1972 году, Оберинг купила себе студию и полностью укоренилась в художественной среде, до сих пор живя и работая там.Ее более ранние работы, которые, как считается, были вдохновлены Фрэнком Стеллой, состоят из фигурных панелей, сочетающих в себе элементы живописи и скульптуры.

Это придало ее картинам очень резкую абстракцию, а точно нарисованные квадраты и прямоугольники добавили единообразия и тщательности ее работе.

Оберинг заявила, что ее стиль рисования вдохновлен работами старых мастеров в Италии, где она провела много времени.Это видно по тому, как она использует богатые и многослойные пигменты, яичную темперу, гипсовые панели и сусальное золото в своих работах. Хотя эти аспекты, как правило, идут вразрез с более строгой философией минимализма, Оберинг зарекомендовала себя как твердый член группы, работая в кругу, который считался передовым направлением движения минимализма в 1970-х годах. Скрупулезная структура ее работ также придает минималистский вид.

Во всех картинах, которые Оберинг создала на протяжении всей своей карьеры, она всегда сохраняла твердое чувство богатого цвета, которое временами считалось максималистским, а не минималистским. В Firefall Оберинг произвел очень структурированное впечатление обрезанного квадрата, который был помещен на прямоугольник через две параллельные линии розового цвета.

Поскольку одна линия длиннее другой, можно увидеть намек на тень, показанную красным цветом.

Благодаря включению формы, которая, кажется, соскальзывает с прямоугольного холста, а также его легкой тени, Оберинг смогла объединить элементы живописи и скульптуры в этом произведении, так как при рассмотрении создается трехмерный эффект. сочинение. Использование насыщенных цветов в зеленых, розовых и красных тонах добавляет роскоши картине.

Движение минимализма оказалось очень новаторским художественным стилем, так как оно сильно отличалось от предыдущего движения абстрактного экспрессионизма. Узнав о 10 самых известных художниках-минималистах выше, становится ясно, что об этом стиле можно узнать гораздо больше, наряду с другими не менее знаменитыми художниками, которые не всегда включаются в список. Если вам понравилось читать об этих художниках, мы рекомендуем вам также ознакомиться с нашей статьей об искусстве минимализма и углубить свои знания об этом движении.

Часто задаваемые вопросы

Что такое минимализм в искусстве?

Развиваясь в Соединенных Штатах, минимализм ворвался на художественную сцену в 1960-х годах. Художники, которые экспериментировали с этим новым стилем, создавали картины и скульптуры, состоящие из простых геометрических фигур, таких как прямоугольники и квадраты. Минималистские произведения искусства продемонстрировали признание таких качеств, как честность, структура, простота и баланс.

Кто был самым известным художником-минималистом?

Поскольку минимализм быстро рос в 1960-х и 1970-х годах, несколько известных художников считались первопроходцами в развитии движения. Среди этих художников были Агнес Мартин, Сол Левитт, Дэн Флавин, Дональд Джадд и Карл Андре, и это лишь некоторые из них. Вообще, первым художником-минималистом считался Фрэнк Стелла, который начал создавать свои культовые картины в тонкую полоску уже в конце 1950-х годов.

минималистских картин

Минимализм воплощает в себе идею художников-абстракционистов о том, что искусство не должно быть имитацией чего-то другого . Минималистское искусство не стремится изображать какую-либо реальность, эмоции или переживания, но намерено вовлечь зрителя в настоящее, в процесс наблюдения за тем, что находится перед ним. Это движение ушло корнями в абстракцию и повлияло на большую часть мышления, лежащего в основе концептуального искусства.

Минималистские работы часто считались воплощением истины. Нет претензий к минимализму, поскольку он не пытается быть чем-то, чем он не является, простота формы, гармоничные цвета и чистые линии также добавляют это представление об очищенной красоте и правде.

Художники Singulart передают порядок, безмятежность и гармонию, присущие знаменитому минималистскому движению.

Вам понравилась эта коллекция?

Узнавайте каждый раз, когда мы публикуем новую коллекцию
и получаем эксклюзивное письмо!

Подпишитесь на рассылку СИНГУЛАРТ

Избранные художники

со всего мира

Безопасная доставка по всему миру

от профессионалов.

Бесплатный возврат

в течение 14 дней после доставки.

Безопасные платежи

кредитной картой или банковским переводом.

Чтобы получить эксклюзивный обзор последних работ %name%, оставьте здесь свой адрес электронной почты!

Подпишитесь на персонализированные уведомления.Оставайтесь на связи с миром искусства.

Подписаться Не сейчас

SA120220129 SA2202201 SA32022 SA4202204 SA5коллекция

минималистских картин на продажу | Rise Art

Откройте для себя минималистские картины, выставленные на продажу одними из самых ярких современных художников мира. Наша коллекция, демонстрирующая оригинальные произведения современных художников-минималистов, постоянно пополняется захватывающими и яркими произведениями.

Просмотрите нашу подборку, подобранную экспертами, и найдите для себя картины в стиле минимализма в различных стилях и на разные темы.Если вы ищете другие произведения искусства в подобном стиле, вы также можете? познакомьтесь с нашими популярными минималистичными принтами и минималистичными фотографиями. Или продолжайте читать, чтобы узнать больше о таких художниках, как Роберт Оуэн Блумфилд, Лиза Карни и Лей Сильвия.

Современные художники-минималисты

Роберт Оуэн Блумфилд

Художник-самоучка Роберт Оун Блумфилд (Robert Own Bloomfield) рисует минималистичные пейзажи, которые представляют собой уменьшенную перспективу мира природы. Горы исчезают в других горах, деревья растворяются в тумане облаков, а фигуры прячутся на виду у Роберта.Используя цвет или придерживаясь монохромной палитры, Роберт уравновешивает пространство и материю, создавая сбалансированные и атмосферные произведения искусства.

Лиза Карни

Лиза Карни — плодовитый художник, работающий в разных стилях и на разные темы, но при этом сохраняющий свою особую эстетику. Ее картины состоят из брызг краски и маленьких точек, наложенных друг на друга, образуя абстрактные произведения, красочные пейзажи и минималистичные абстрактные экспрессионистские картины.

Lei Sylviye

Минималистичные абстрактные картины Lei Sylviye комментируют проблемные эффекты виртуальной реальности в современной культуре.Его холсты обладают светящимся качеством, в которых яркие цвета мягко сидят на цветных пятнах. Геометрические и острые формы объединяются, чтобы сформировать картины, которые напоминают цифровые произведения искусства.

Характеристики минималистской живописи

Минималистское искусство выросло из абстрактного экспрессионизма, поскольку художники стремились противодействовать жестикуляционному, занятому и эмоциональному стилю абстрактных экспрессионистов. Вместо этого художники-минималисты совершенствовали элементы, часто придерживаясь упрощенных форм, геометрических форм и повторяющихся мотивов. Некоторые художники-минималисты также ограничивают свою палитру и работают в монохроме.

Минималистское искусство | Живопись и рисунок — видео и стенограмма урока

Русский конструктивизм 1917	Художники того времени больше заботились о возможности массового производства, поэтому больше внимания уделялось материалам. Художник-конструктивист Казимир Малевич считал, что конструкция важнее композиции, и поэтому его искусство отошло от репрезентативных образов.
Де Стиль 1917-1931	Этот голландский стиль искусства был основан на простых геометрических формах и основных цветах. Эти художники восставали против чрезмерности ар-деко, превращая повседневные предметы в изобразительное искусство. Это движение изменило определение того, что квалифицируется как искусство.
Баухаус 1919-1933	Staatliches Bauhaus — немецкая художественная школа. Школа сочетала творчество и производство, уделяя особое внимание массовому производству. Этот стиль искусства ориентирован на простые геометрические формы. Эти художники стремились соединить эстетику с повседневной функцией и привнесли изобразительное искусство в ремесла.
Абстрактный экспрессионизм 1940-1960	Этот стиль искусства зародился в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Большинство этих картин имеют большой размер, часто выходят за рамки холста и используют нетрадиционные материалы, такие как домашняя краска. Абстрактный экспрессионизм использует множество средств, включая рисунок и скульптуру.
Минимализм Искусство 1960-х	Все предыдущие упомянутые формы искусства породили минимализм.Художники минимализма сосредоточились на материалах, а не на конструкции, как в русском конструктивизме, основанном на упрощенном использовании предметов повседневного обихода от Де Стейла, использовали технику индустриализации Баухауза и использовали нетрадиционные материалы абстрактного экспрессионизма.

Характеристики минималистского искусства

Минималистское искусство имеет несколько характеристик и может выглядеть скудно или пусто из-за своей простоты. Большинство людей могут узнать этот вид искусства из-за минимализма, используемого для создания картин или рисунков.Характеристики минималистского искусства следующие:

• Использование геометрических форм — в минималистских картинах и скульптурах используются различные геометрические формы, причем прямоугольник и квадрат являются наиболее часто используемыми формами из-за их четких краев и четких линий.
• Ограниченное использование цвета. Художники-минималисты не используют несколько цветов, а ограничивают свой выбор одним цветом, используя разные оттенки этого цвета. Если используется цвет, он не может выражать эмоции или настроение.
• Не хватает экспрессии. Художники-минималисты не раскрывают свою индивидуальность и не используют эмоции в своем искусстве. Искусство фокусируется только на создаваемом объекте.
• Использование повседневных материалов. Минималистское искусство создается из материалов, которые можно использовать каждый день, таких как лампочки, краска для дома и кирпичи.

Примеры минималистской живописи

Есть несколько известных художников-минималистов, но наиболее известными из них являются Элсворт Келли, Фрэнк Стелла и Дональд Джадд.У художников были разные идеи минималистской живописи. Каждый художник, его идеи живописи и примеры их работ будут обсуждаться в следующих разделах.

Ellsworth Kelly

Ellsworth Kelly считается одним из самых известных художников-минималистов, его карьера длится семь десятилетий. Он использовал наблюдения в природе и абстракцию и превратил их в формы и цвета. Келли известен своими резкими линиями и цветовыми блоками. Одна из его знаменитых картин, Красный Желтый Синий Белый и Черный II можно увидеть на изображении ниже.Эта картина была написана в 1953 году, и минималистский стиль проявляется в использовании резких краев и цветовых блоков с четкими краями.

Красный Желтый Синий и Черный II картина художника-минималиста Элсуорта Келли.

Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла считается одним из отцов-основателей минимализма и одним из самых влиятельных художников, скульпторов и граверов Америки.Стелла прославился в конце 1950-х годов своей серией из черных картин . В этой серии он работал от руки на холсте, используя малярную кисть, чтобы создать одинаковые наборы черных полос. Эта техника создавала пространственную иллюзию, которую можно было увидеть во всех черных картинах Stellas .

На картинке ниже представлена ​​литография из серии Фрэнка Стелласа Бенджамина Мура под названием Island No. 10 . На картине можно увидеть использование минималистских примеров рисования геометрических фигур, смелых прямых линий и резких краев.

Литография острова № 10 из серии минималистских картин Фрэнка Стелласа Бенджамина Мура.

Дональд Джадд

Дональд Джадд был скульптором, ставшим художником и искусствоведом с 1940-х годов. Работа Джадда помогла классифицировать минимализм, потому что он верил в создание искусства из повседневных материалов. Он даже написал об этом в эссе под названием Конкретные Объекты .В эссе Джадд представил идею о том, что искусство не обязательно должно быть картиной или скульптурой. Он предположил, что искусством могут быть актуальные предметы, обезличенные и в чистом виде. Примеры этого можно увидеть в бетонной скульптуре Джадда, расположенной в Фонде Чинати в Марфе, штат Техас.

Бетонная скульптура Дональда Джадда в Марфе, штат Техас.

Minimalist Artwork Influence

Представить старые вещи в новом свете и в новом ракурсе — вот что такое современное искусство.Минималистское современное искусство — это результат экспериментов со старым и добавления новых концепций и современной точки зрения к созданным произведениям искусства.

Минималистские произведения искусства были классифицированы по четким линиям, резким краям и геометрическим узорам. Постминималистские произведения искусства фокусируются на пространственных отношениях, и некоторые критики отвергают использование геометрических форм и отдают предпочтение более органичным формам создания искусства.

Искусство минимализма оказало большое влияние на общество. Концепция прославляла простоту.Эта идея создания из простых предметов и идей перешла в музыку, графический дизайн, дизайн интерьера и различные формы архитектуры. Некоторые люди сегодня даже приняли минималистский образ жизни, живя и имея только самое необходимое.

Краткий обзор урока

Минималистское искусство использует четкие края, повторяющиеся геометрические фигуры, блоки цвета, четкие линии и ограниченный выбор цветов. Минималистское искусство отражает правду и простоту, используя только основы для создания различных произведений искусства.Минималистское искусство зародилось в 1960-х годах и восстало против великого искусства прошлого. Несмотря на то, что минималистское искусство возникло в результате восстания, оно по-прежнему отличается от предыдущих художественных направлений, перечисленных ниже:

• Русский конструктивизм
• Де Стиль
• Баухаус
• Абстрактный экспрессионизм

На протяжении многих лет было несколько художников-минималистов, наиболее известным из которых был Эллсворт Келли. Келли использовала цветные блоки с четкими четкими краями для создания многочисленных минималистичных произведений искусства.Фрэнк Стелла прославился своей серией черных картин, которые он создал от руки, используя малярную кисть, чтобы создать одинаковые наборы черных полос. Дональд Джадд написал эссе под названием «Конкретные объекты», в котором представил идею о том, что искусство может быть свободным от эмоций и может быть повседневным предметом.

Минималистское искусство сегодня оказывает влияние на общество через музыку, графический дизайн, дизайн интерьера и архитектуру. Некоторые люди сейчас даже живут упрощенно, имея только самое необходимое для жизни.

Минималистское и геометрическое искусство Эла Стокера — Blackwork and Illustration Now

Спасибо Al aka @al_stocker_draws за участие в серии интервью с черно-белыми иллюстраторами!

Как давно ты рисуешь?

Я всегда любил искусство с самого детства, но больше рисовать я начал только в ноябре 2017 года. Я решил запустить ежедневный челлендж, чтобы попытаться стать лучше, и с тех пор я не останавливался.

Каков ваш процесс?

Я начинаю с того, что набрасываю свои первоначальные идеи на бумаге или в любом альбоме, который могу найти.Затем я беру эту идею и превращаю ее в действительно потрясающую бумагу Fine Grain Heavyweight, которую я использую для всех своих окончательных рисунков. Я использую различные ручки Uni Pin и Rotring Fineliner от 0,03 для мелких деталей до 0,3 для контуров. Детали, как правило, представляют собой смесь прямых линий или штриховок.

Цифровой или традиционный?

Мне нравится экспериментировать с цифровыми технологиями, но я люблю и традиционные! С цифровой работой вы можете стереть что-то, когда захотите, но традиционное рисование действительно проверяет вас на то, чтобы не тратить время на каждую линию.Это не так весело, когда вы делаете ошибку непосредственно перед завершением дизайна, что я делал несколько раз, но это часть процесса обучения и совершенствования.

Сколько времени занимает его создание?

Каждый рисунок обычно занимает от 2 до 7 часов в зависимости от его детализации.

Это хобби или профессия?

В настоящее время я рисую в свободное время и работаю полный рабочий день на другой работе. Я хотел бы однажды сделать это своей карьерой.Было бы невероятно иметь возможность работать над своей страстью каждый день.

Зачем ты рисуешь?

Я считаю, что рисование — лучший способ расслабиться. Наряду с игрой на гитаре, это мой любимый способ отключиться от шума жизни и быть в настоящем моменте.

Вам осталось жить один день, как вы его проведете?

С моими самыми близкими друзьями и семьей исследую Йосемитский национальный парк. Я не был раньше, и это одно место, которое я хотел бы посетить, прежде чем покинуть этот мир.Может быть, я мог бы сделать рисунок, пока я там 🙂 

Как люди могут связаться с вами?

Пожалуйста, отправьте мне электронное письмо по адресу alstockerdraws@gmail. com или через одну из моих ссылок в социальных сетях.

Новый 2020 Магазин: www.alstockerdraws.com
Новый Patreon- https://www.patreon.com/alstockerdraws

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

Минимализм в искусстве, архитектуре и дизайне

Он просуществовал всего десять лет в 1960-х годах, но Минимализм до сих пор остается одним из самых значительных и влиятельных движений 20-го века.Поворотный момент в истории модернизма, Минималистское искусство представило новый способ создания, просмотра и восприятия произведений искусства в манере настоящего авангарда. Мало того, что его корни можно проследить до реди-мейдов Марселя Дюшана , его идеология также может быть найдена в революционном черном квадрате 1913 года на белом фоне Казимира Малевича , который перевернул наше представление о живописи с ног на голову. Кроме того, когда абстрактные экспрессионисты, такие как Дональд Джадд, Дэн Флавин и Роберт Моррис, вдохновленные работами румынского скульптора Константина Бранкузи, голландская группа De Stijl, русские конструктивисты и немецкий Баухаус ^[1] , намеренно отказались от принципов любимое и доминирующее американское движение, было ясно, что новая и захватывающая эра в искусстве вот-вот вступит во владение.Но что именно означало и требовалось для создания минималистского искусства и почему многие из тех, кто работал в области архитектуры и дизайна, были так очарованы его философией и эстетикой?

Тони Смит — Ночь, 1962 год. Сталь, окрашенная в черный цвет. Предоставлено галереей Мэтью Маркса

Что такое минимализм?

Оторвавшись от чересчур экспрессивного Абстрактного экспрессионизма , искусство минимализма лишило свои произведения любой формы значимого, символического, эмоционального и личного содержания и начало исследовать сущность и субстанцию ​​вещей . Точно так же, как Action Painting полагался на жесты, чтобы передать чувство, минималистское искусство использовало среду и материал своих работ, чтобы подчеркнуть простоту с помощью гладких геометрических работ , которые предлагали радикально иную, буквальную и объективную эстетическую привлекательность ^[2] . Художники-минималисты использовали готовые промышленные материалы, а также чрезвычайно простые, часто повторяющиеся геометрические формы и чистые качества цвета, формы и пространства, чтобы дать зрителю немедленный визуальный отклик.Таким образом, минималистское произведение не относилось ни к чему, кроме самого себя , а это именно то, что эти художники хотели изобразить в первую очередь. Их геометрическая абстракция ничего не описывала, ни внешний мир, ни повествование истории; нейтральная монохромная палитра основных цветов предназначалась только для того, чтобы очертить пространство, а не выражать чувство; сырые, массово производимые традиционные материалы не символизировали и не представляли ничего, кроме самих себя. В результате Минимализм и его объекты размыли грань между двухмерным и трехмерным , живописью и скульптурой ^[3] .

Понимание искусства минимализма

Чем меньше, тем лучше — концепции минималистичного искусства

К концу 1950-х и началу 1960-х годов группа художников, ранее связанных с абстрактным экспрессионизмом, изменила свой творческий курс в сторону геометрической абстракции, в частности, такие креативщики, как Фрэнк Стелла, Эллсуорт Келли, художники цветового поля, такие как Марк Ротко и Barnett Newman , а также Hard-edge master Ad Reinhardt .Однако отвернуться от столь успешного художественного направления в то время казалось настоящим испытанием, поскольку оно пользовалось большим вниманием со стороны публики и великих критиков, таких как Клемент Гринберг и Гарольд Розенберг. Между 1958 и 1960 годами Фрэнк Стелла создал свою основополагающую серию Black Paintings , для которой он полностью отказался от мазка, глубины и обычной формы холста, чтобы создать концентрически полосатые холсты, натянутые на более толстое деревянное основание, которое выдвигало их из стены. агрессивно.Таким образом, Стелла дала жизнь объекту, колеблющемуся между живописью, скульптурой и даже архитектурным орнаментом . За этим последовало провозглашение минимализма правильным движением, с похожим на манифест эссе Дональда Джадда под названием Особые объекты от 1964 года и Робертом Моррисом 1966 года Notes on Sculpture 1-3 ” . Все это было запечатано групповой выставкой Primary Structures 1966 года, проходившей в Еврейском музее в Нью-Йорке, и написанной в 1967 году Солом Левиттом Paragraphs on Conceptual Art .Минимализм наконец появился на карте современного искусства, и его простая эстетика ярко сияла.

Посмотрите другие работы Фрэнка Стеллы на нашей торговой площадке!

Параграфы Сола Левитта о концептуальном искусстве, опубликованные в Artforum в 1967 году и считающиеся главным манифестом минимализма

Минималистское искусство в живописи

Поскольку картины перестали быть картинами в традиционном смысле, несколько ключевых художников-абстракционистов, таких как Фрэнк Стелла, Элсуорт Келли, Агнес Мартин и Роберт Райман, представили простой минималистский холст, который имел некоторые четко определенные характеристики. Например, поскольку эти произведения искусства были полностью референтными , их присутствие должно было «ощущаться» немедленно, через их «резкие края» или резкий переход между областями сплошного, неизменного цвета из ограниченной палитры, а также повторяющиеся узоры и геометрические формы , приводящие к плоскостности и двумерному пространству. Острые как бритва и громоздкие, эти картины легко могли считаться чем-то другим, хотя это были не совсем скульптуры, у которых все-таки была своя удачная категория.

Слева: Фрэнк Стелла создает свои «черные картины» / Справа: Фрэнк Стелла — Die Fahne Hoch!, 1959 г.

Минималистская скульптура

Минималистские скульптуры, возможно, даже больше, чем картины, сыграли важную роль в этом движении, поскольку в основном они касались создания трехмерных форм в пространстве с использованием промышленных материалов , таких как стекловолокно, пластик, фанера, листовой металл или алюминий, а также геометрических фигур. в ярких цветах. Зритель должен был исследовать отношения между различными частями произведения искусства в повторяющемся круге геометрических тел, таких как кубы, размещенные на полу галереи, а не на пьедестале, как мы привыкли.Минимализм был чем угодно, но только не общепринятым, и такие художники, как Сол Левитт, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Дональд Джадд, Карл Андре, Энтони Каро и Тони Смит , экспериментировали с различными аспектами физического и пространственного . Их частые композиции на основе сетки требовали от художника оригинальности и создания особых отношений между зрителем и произведением искусства, и во многих случаях эти отношения были направлены на прямой физический контакт для работы ^[4] . Минималистская скульптура была целиком посвящена произведению и не имела ничего общего с художником.

Слева: Карл Андре — Рычаг, 1966 / Справа: Дональд Джадд — Без названия, 1969

Эстетика простоты — минималистский дизайн и архитектура

Философия минимализма, как мы могли видеть, прославляет стиль, в котором все сводится к самым простым, самым необходимым элементам. Таким образом, он был широко принят в областях Минимальная архитектура и дизайн , которые были более чем готовы исследовать, интерпретировать и применять динамику чистых элементов.Цель состояла в том, чтобы свести тему к предметам первой необходимости, которые были бы функциональными , тем самым создав пустое пространство и в некотором смысле чувство свободы. Минималистичный дизайн и архитектура, как и изобразительное искусство, берут свое начало в работах Де Стейла, его прямоугольных формах и основных цветах, а также в проектах пионера современной архитектуры Людвига Мис ван дер Роэ, немецкого архитектора, заложившего основу за «масштабный» минимализм после Второй мировой войны. Наконец, есть традиционный японский дизайн, пропитанный культурой и дзен.

Людвиг Мис ван дер Роэ — Кресло в Барселоне, 1929 г.

Минималистичный дизайн

Минималистичный дизайн и его приверженцы стремятся использовать элементарные геометрические формы без орнамента или украшения , сосредоточив внимание на аспектах полезности продукта, а не на том, чтобы он был приятным для глаз, хотя такой фокус часто также приносил приятную эстетику. Предметы честны, с точки зрения того, что они выглядят именно так, как они выглядят, не дают ничего больше, чем обещают, экологически чистые, тщательные и довольно долговечные, учитывая каждую деталь.Сегодня многие дизайнеры-минималисты работают в сфере потребительских товаров; Дитер Рамс , дизайнер Braun , создал множество проигрывателей, радиоприемников, калькуляторов и бытовой техники в соответствии с концепциями минимализма. Другим примером минимализма в дизайне может быть номер шведской мебельной компании Ikea , который способствует некоторой чистоте благодаря тому, что каждый может легко собрать свои предметы.

Минималистичные часы Дитера Рамса, разработанные для Braun

Минимальная архитектура

Своим знаменитым девизом «Меньше значит больше» архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ прекрасно описывает идею своей минималистской архитектуры, которой многие впоследствии восприняли.Во многих его работах мы можем найти много элементов, служащих различным целям — например, мы спроектировали пол, который также был бы радиатором. Минимальная архитектура , таким образом, обычно использует основные геометрические формы, гармоничные цвета, естественные текстуры, открытое пространственное расположение, аккуратные и прямые компоненты, чистую отделку, плоские или почти плоские крыши, большие окна и удовлетворительные отрицательные пространства. Ранние примеры такого визуального воздействия также можно найти в работах Ле Корбюзье в 1920-х годах, который также стремился создать функциональный архитектурный дизайн с минимальным акцентом на внешний вид.Инновации в этой области также пришли через материалы, где сталь, бетон и стекло поставили новые задачи для преодоления ^[6] .

Дом на японском острове Окинава, спроектированный британским архитектором-минималистом Джоном Поусоном.

Влияние японского минимализма

Возможно, движение минимализма наиболее заметно в Японии , где присутствие дзен-буддизма внушает стремление к своего рода искренности. Для них меньше значит больше, и такой образ мышления идеально подходит для этой большой островной нации, располагающей таким небольшим пространством для работы.Еще одна вещь, которую следует учитывать, это тот факт, что в Японии регулярно случаются землетрясения, что делает логичным не иметь в доме ценных висящих предметов. Если мы посмотрим на старинную архитектуру и дизайн интерьеров, то обнаружим, что они источают простые цвета, чистые линии и формы , следуя тенденциям, присутствующим в их культуре в целом. Японский минимализм принял этот образ жизни, и люди сделали то же самое в ответ, хотя сегодня есть примеры крайней преданности эстетике, которая выходит за рамки и без того скудных принципов , сохраняя только то, что необходимо .Он оказал большое влияние на минимализм на Западе, особенно в Америке в 18-м и 19-м веках, и интересно посмотреть, как их идеи слились с западными культурами и потребностями дизайна — возьмите Фрэнка Ллойда Райта, который принял японскую раздвижную дверь, которая позволяет приведение экстерьера к интерьеру.

Учебный центр Rolex в Лозанне, Швейцария, дизайн Кадзуйо Седзимы в 2010 году.

Известные художники-минималисты

Руководствуясь поиском сущности и сущности вещей, минимализм привлек широкий круг практиков, таких как художники, скульпторы, дизайнеры и архитекторы.После 1960-х годов, когда движение достигло своего пика, некоторые художники радикально изменили свою практику и двинулись в разных личных направлениях. Давайте взглянем на некоторые из самых известных имен, связанных с движением.

Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла

Ключевая фигура американского модернизма, Фрэнк Стелла сыграл основополагающую роль в развитии минимализма, постживописной абстракции и живописи цветового поля. Получив известность в 1959 году серией картин в черную полоску, Стелла решительно отошла от абстрактного экспрессионизма.Демонтируя приемы трехмерного иллюзионизма и подчеркивая плоскостность полотна, эта серия послужила катализатором для возникновения минимализма. Он продолжал делать более сложную работу, следуя естественному прогрессу динамизма, тактильности и масштаба. Со временем он перешел от монохромной палитры к , включив в нее широкий спектр цветов . Он сосредоточился на основных элементах картины , таких как цвет, форма и композиция, следуя принципу «линия, плоскость, объем и точка в пространстве» .

Элсворт Келли

Элсворт Келли

Как один из первых художников, создавших полотна неправильной формы, Эллсуорт Келли оказал широкое влияние в послевоенном мире искусства. В своей работе, которая включала живопись, многослойные рельефы, плоские скульптуры и линейные рисунки, он сосредоточился на динамике формы, формы и цвета. Его картины характеризуются неправильными формами и смелыми и контрастными цветами, свободными от жестикуляционных мазков.Его визуальный словарь взят из повседневной жизни , с использованием форм и цветов, встречающихся в растениях, архитектуре, тенях на стене или озере. Однажды он заявил: «В своей работе я не хочу, чтобы вы смотрели на поверхность; Я хочу, чтобы вы посмотрели на форму, на отношения» . Его работы, отличающиеся чистотой формы и цвета и пронизанные пространственным единством , оказали большое влияние на развитие абстрактного искусства в Америке.

Агнес Мартин

Агнес Мартин

Наиболее известная своими вызывающими воспоминания картинами , отмеченными тонкими карандашными линиями и бледными мазками, Агнес Мартин передала наследие абстракции, которое вдохновляло поколения художников.Она руководствовалась убеждением, что искусство обладает эмоциональной и выразительной силой. Твердо веря, что духовное вдохновение является основополагающим в создании великого искусства, на ее работу повлияли природа, дзен-буддизм и даосизм. Исследуя тонкие вариации цвета и используя сетку в качестве организационного элемента на холстах, она смешала стили минимализма и цветового поля. Ее работы отражают невинность и простоту повседневной жизни. С диагнозом шизофрения она переехала в Нью-Мексико в 1967 году, чтобы вести жизнь в одиночестве и тишине.Она продолжала создавать дальновидные картины более трех десятилетий.

Энн Труитт

Энн Труитт

Крупная фигура в американском искусстве на протяжении более 40 лет, Энн Труитт наиболее известна своими большими вертикальными деревянными скульптурами, покрытыми множеством слоев краски, но она также создавала картины, рисунки и письма. Использование ярких цветов и ее приверженность взаимосвязи между смыслом и формой отличали ее от других минималистов. Ее изящные скульптуры были сделаны из стоячих деревянных блоков высотой от пяти до семи футов.После шлифовки дерева и нанесения на него нескольких слоев гипса она наносила несколько слоев акриловой краски, чтобы создать завораживающую визуальную интенсивность. Ее самые важные работы были созданы в начале 1960-х годов, во многом предвосхищая работы таких минималистов, как Дональд Джадд. На протяжении всей своей пятидесятилетней карьеры она работала с крайне ограниченным набором переменных .

Дональд Джадд

Донал Джадд

Синоним минималистского искусства, работа Дональда Джадда была построена на идее объекта, существующего в окружающей среде.Он использовал геометрических и модульных творений , которые характеризовались простым дизайном и отсутствием содержания, ставя под сомнение саму природу искусства. Свободные от личного прикосновения художника, его скульптуры должны были подчеркнуть чистоту самих объектов , а не какое-либо символическое значение, которое они могли иметь. Отвергая классические идеалы изобразительной скульптуры, его произведения предполагали прямое материальное и физическое присутствие. Он объединил различные промышленные материалы, такие как железо, сталь, пластик и оргстекло.Созданные без основы, его изделия стояли прямо на полу и использовали настоящие материалы в реальном пространстве. Его работы часто представлялись в сериализованном виде , имея в виду стандартизацию форм или систем.

Людвиг Мис ван дер Роэ

Людвиг Мис ван дер Роэ

Как один из величайших архитекторов 20-го века, Людвиг Мис ван дер Роэ следовал философии открытого пространства и чистых поверхностей. Открыв промышленные материалы, используемые в строительстве, он помог определить современную архитектуру.Он руководствовался мантрой «меньше значит больше», считая, что важнейшей чертой объекта жилья является его функциональность . Интересуясь теорией строительства и философией, он хотел завершить теорию эстетики , которая объединила бы современные потребности современного человека. Отдавая предпочтение новым материалам, таким как сталь и стекло, а не бетону, он проектировал здания, которые были функциональными, современными и визуально приятными. Его самые известные произведения — Новая национальная галерея в Берлине, павильон Барселоны, апартаменты на Лейк-Шор-Драйв в Чикаго и здание Сигрэм в Нью-Йорке.

Сол Левитт

Соль Ле Витт

Помогая установить концептуальное искусство и минимализм послевоенной эпохи, Sol LeWitt создал настенные рисунки, структуры, картины и концептуальные произведения. Его работа сыграла ключевую роль в создании новой радикальной эстетики 1960-х годов. Полагая, что идея или концепция является наиболее важным аспектом работы, он воспринимал творчество как интеллектуальный и прагматический акт. Его визуальный словарь состоял из линий, основных цветов и упрощенных форм, примененных к его собственным формулам, напоминающим математические уравнения.Он использовал традиционные материалы, такие как дерево, холст и краски, но уделял большое внимание концепциям и системам. Эти традиционные материалы должны были продемонстрировать свою уязвимость к распаду, разрушению или устареванию. Сол Левитт переопределил производство произведений искусства, сократив его до основных элементов .

Карл Андре

Карл Андре

Выдающийся представитель минимализма, наиболее значительный вклад Карла Андре заключался в том, чтобы отделить скульптуру от процессов резьбы, моделирования или конструирования. Не вырезая вещества и не моделируя формы, его работы просто включали сортировку и размещение сырья, такого как кирпичи, блоки, слитки или плиты. Эти материалы будут уложены друг на друга без фиксаторов, удерживающих их на месте. Он часто создавал повторяющиеся единицы с изученным, уменьшенным и строгим чувством, чтобы вызвать чистую сущность художественной формы. Называя себя «материстом» , он утверждал, что его скульптуры исследуют свойства материи .Позже он называл свои произведения «скульптуры как место» , намекая на то, что его произведения создаются путем размещения предметов на полу.

Роберт Моррис

Роберт Моррис

Считающийся одним из первых сторонников минимализма, Роберт Моррис руководствовался видением искусства, сведенным к простым геометрическим формам, лишенным метафорических ассоциаций. Сосредоточившись на взаимодействии произведения искусства со зрителем, он считал, что простота формы не означает простоты опыта. Его интересовали новые понятия случайности, временности и эфемерности. Тем не менее, его практика превзошла дух минимализма, будучи в авангарде некоторых других движений, таких как Process Art и Land Art. Описывая минималистские скульптуры как зависящие от контекста их восприятия, он считал, что произведение искусства не может быть самодостаточным само по себе. Он выступал за использование простых форм для того, чтобы зритель интуитивно воспринимал скульптуры.

Тони Смит

Тони Смит

Характеризующиеся геометрическими формами и отчетливой черной отделкой, скульптуры Тони Смит представляют собой одно из высших достижений американской скульптуры.Скульптор, визуальный художник, архитектурный дизайнер и теоретик, он изучал архитектуру у Ласло Мохой-Надя, Дьёрдя Кепеша и Александра Архипенко и был учеником Фрэнка Ллойда Райта. Работая архитектором, спроектировал более 20 частных резиденций. Его скульптуры были основаны на концепции непрерывной трехмерной пространственной решетки и стандартного тетраэдрического модуля . Его самое известное произведение — Die , шестифутовый черный стальной куб, вдохновленный двумя мускулами на задней части шеи и характеризующийся своим холодным, внушительным характером.Покрытая черной краской, ее нечитаемая поверхность подрывала традиционные представления об искусстве как о чем-то эмоционально и эстетически привлекательном.

Что видишь, то и видишь

Также известный как Азбука искусства, буквальное искусство, редуктивизм, систематическая живопись и искусство настоящего . Минимализм присутствовал почти во всех сферах нашей жизни. Помимо изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, его влияние можно найти в литературе и музыке, в пьесах и романах Сэмюэля Беккета и в произведениях Джона Кейджа и Филипа Гласса.Минимализм как движение существовал, хотя многие художники использовали его принципы, не участвуя активно в его создании, и к концу 1960-х годов все это начало подавать признаки распада в разные стороны. Потребность и понимание важного нашли свое место в произведениях пост-минимализма , названных работами Ричарда Серра и световыми инсталляциями Джеймса Таррелла, а также в скульптурных работах Евы Хессе, Ларри Белла и Линды Бенглис. Его влияние также отражено в ленд-арте благодаря работам Майкла Хейзера, Ричарда Лонга и Уолтера де Марии, известных образцов феминистского искусства… Сегодня у нас все еще есть много современных художников, связанных с минимализмом, и долговечность его идеологии, возможно, можно оценить. объясняется тем, что достичь такой эстетики сложно, но весьма полезно как для зрителя, так и для художника.Минимализм не использует эмоциональное содержание, но передает его зрителю сильно, поэтому ему удалось разрушить все барьеры и не встретить ограничений в своем коротком, но впечатляющем путешествии по искусству и жизни.

Автор: Энджи Кордик и Елена Мартиника .

Совет редактора: Минимализм

Книга, входящая в серию «Темы и движения» Файдона, предлагает первое простое и полезное изложение творчества и мировоззрения художников, связанных с движением в период его расцвета, а также его последующее развитие в более тонкие визуальные формы и его отношение к постмодернизму. .Редактор Джеймс Мейер — специалист, который много писал о многих значительных художниках, принадлежащих к минималистскому искусству. Несмотря на интеллектуальную тернистость этого искусства, Мейер избегает напыщенности, присущей большинству произведений, связанных с ним. 141 страница цветных и черно-белых фотографий (включая редкие проблески ранних работ некоторых художников) и большое количество текстов таких ключевых комментаторов, как Майкл Фрид, Барбара Роуз, Розалинд Краусс и самих художников.

Каталожные номера:

1. Аноним, Минимализм , Изобразительное искусство Корк [28 августа 2016 г.]
2. Бэтчелор, Д., Минимализм (Движения в современном искусстве) , Cambridge University Press, 1997
3. Anonymous, Введение в минимализм , Понимание минимализма [28 августа 2016 г.]
4. Аноним, Минимализм , Британика [28 августа 2016]
5. Аноним, Минимализм , Википедия [28 августа 2016]
6. Anonymous, История минималистского дизайна , Архитектурный дизайн [28 августа 2016 г.

   No related posts.