Натюрморт жанр изобразительного искусства

           Натюрморт (франц. nature morte, буквально — «мёртвая природа»; англ. still live — тихая жизнь) — жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и организованный в единую композицию. Изображение живых, движущихся существ — насекомых, птиц, зверей, даже людей — может иногда входить в натюрморт, но лишь дополняя его основной мотив.

          По сравнению с другими жанрами в натюрморте вырастает значительность малых предметов, выделенных из контекста быта, уделяется повышенное внимание к структуре и деталям объектов, фактуре поверхности.
    Натюрморт окончательно сформировался как самостоятельный жанр живописи в творчестве голландских и фламандских художников 17 века.
      
      Хотя натюрморт и неподвижная натура, он состоит из предметов, составляющих часть живой, окружающей нас действительности. Собранные вместе, скромные предметы могут глубоко отражать духовный мир человека со всем многообразием его противоречий и особенностей. Не случайно англичане называют жанр натюрморта «тихой жизнью», где неподвижность — внешнее проявление духовной жизни.
        Своеобразие этого жанра заключается в его  больших изобразительных возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов истинный художник может в  образной форме отразить  существенные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку он выражает своё отношение к действительности.

         Издавна натюрморт считается лучшей школой реалистической живописи, где художник постигает  законы цветовой гармонии и пластику форм, учится мастерству владения техническими приёмами и творческому  отношению к натуре.
           Растения и цветы издревле являлись содержанием многих натюрмортов, вошли неотъемлемой частью в картины крупнейших мастеров живописи.

Один из самых первых цветочный натюрморт выделился в произведениях таких художников, как Амброзиус Босхарт Старший и Бальтасар ван Аст, и далее продолжая своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема и его последователей.
       Причины популярности цветочного натюрморта можно найти в особенностях быта голландского общества — традиции иметь сады, загордные виллы или комнатные растения — а также благоприятных природных условиях
 для развития цветоводства.
       Растения и цветы насыщены всевозможными ракурсами, сложной ритмикой и переплетением форм, неожиданными цветовыми нюансами, взаимосвязью цвета и фактурными особенностями.
 
        Цветы в букете как натура всегда привлекали и привлекают внимание художников, и чем тоньше, взволнованнее, искреннее передана их естественная красота, тем более глубокие чувства вызывает она у зрителей.

           С определённой сложностью в изображении букета цветов живописец сталкивается с самого начала работы над этюдом — с композиционным размещением будущего изображения на плоскости холста. В хаотичном, на первый взгляд, нагромождении веток, листьев цветов надо рассмотреть общую массу, силуэт, пространственную структуру, ритмы, колористический строй.
           Композиционный центр составит основу в разработке образной структуры натюрморта. Он должен определить наиболее важную в тематическом отношении часть, подчинить ей все второстепенные детали. Центр композиции обусловливает взаимосвязь всех элементов композиции, общий строй натюрморта.  Ритм направленных в стороны, вверх и частично вниз элементов растительности создаёт как бы  зрительный каркас, который организует изображение и руководит нашим восприятием.

           Незаметные, скрытые от взгляда ритмы, придающие изображению пластическую стройность и завершённость, как правило, маскируются такими живыми деталями, как листья и бутоны цветов. Именно эти детали придают изображению живость впечатления и непринуждённость трактовке натюрморта в целом.
           Свет, как и цвет, — важный выразительный элемент в композиции натюрморта. В полную силу пишут те предметы, которые составляют смысловую основу композиции. Как правило, композиционный центр в постановке
 высвечивается, оставляя второстепенные планы и детали  затемнёнными, как бы поглощёнными тенью.

           В истории натюрморта как самостоятельного жанра художники начиная с 17 века стремились не только составить натюрморт красиво, подобрать к нему интересные предметы и драпировки, но и найти такое освещение, при котором наиболее полно раскрывалась бы идея.

           Во все времена живописцы уделяли свету большое внимание, рассматривая освещённость предметов как образное начало в постановке, способное вызвать у зрителя определённое настроение.
           Понять и почувствовать эмоциональную силу света в натюрморте поможет изучение мастерства голландских художников-реалистов 16 — 17 вв.; Питера Класа, Виллема Геда, Франса Снайдера, в творчестве которых искусство натюрморта получило наивысшее развитие.
           Будучи блистательными рисовальщиками и живописцами, «малые голландцы» умели подмечать эстетическую ценность вещи, а через неё передавать такую радость восприятия жизни, что до сих пор вызывают восхищение
 любовно написанные ими посуда, фрукты, дичь.

           Начиная с середины 19 века на развитие живописи, в том числе натюрморта, начал оказывать влияние французский импрессионизм. Художники стали проявлять больше интереса к среде, в которой находится  натюрморт,

 т. е. к передаче света, воздуха. игры цветовых  и световых пятен на поверхности предметов.
           За счёт обогащения световыми эффектами значительно расширились живописные возможности палитры художников.

           Как правило, классический натюрморт имеет чёткое пространственное разделение на три плана с ясно выраженным композиционным центром. Передний план отводится мелким предметам дополняющим общий замысел, но не отвлекающим внимание зрителя от главного предмета, являющегося центром композиции (второй план).
 Драпировки, расположенные на третьем плане натюрморта, играют роль фона.

На интернет портале Московского художника Якова Пульнова у Вас есть возможность сделать заказ на портрет на заказ по фотографии написанный в классической технике живописи акрилом на холсте или портрет с натуры нарисованный на специальной бумаге в красивой технике сухая кисть, портрет в подарок девушке в графическом исполнении или портрет на заказ выполненный пастелью.

Получить информацию о стоимости на портрет и заказать у художника-портретиста работу Вы можете по эл. почте или телефону. Сроки на выполнение и цена работы зависит от размера картины, выбранной техники исполнения, количества людей на одной работе и поставленной задачи.

Этот e-mail адрес защищен от спам-ботов, для его просмотра у Вас должен быть включен Javascript

8 (909) 626-6833

< Предыдущая		Следующая >

НАТЮРМОРТ КАК ЖАНР ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА. | Статья по изобразительному искусству (ИЗО, 9 класс):

НАТЮРМОРТ КАК ЖАНР ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА.

 

1.1 История возникновения и становление натюрморта как жанра   изобразительного искусства.

В искусстве натюрморта – (от франц.)  naturemorte – «мертвая природа», принято называть изображение неодушевленных предметов,  соединенных в одну композицию. «Натюрморт – одна из острых бесед живописца с натурой» [7, с. 16].

Художники обращаются к натюрмортам, как к инструменту, который характеризуют воссоздавшийся образ. Натюрморт является самостоятельным жанром, который владеет  в значительной степени влиянием в изобразительном искусстве. Натюрморт несет в себе не только внешний материальный смысл предметов, но и целостную составляющую, которая отображает  времена, важные эпохальные факты.

и Натюрморт , в своем лучшем выражении , оказывается эффективным средством идейного и художественного восприятия людей. Он  формирует предпочтения, понятия и образы. «Как самостоятельный жанр искусства натюрморт сильно воздействует на зрителя, поскольку вызывает ассоциативные представления и мысли во время восприятия неодушевленных предметов, за которыми видятся люди определенных характеров, мировоззрений, различных эпох и т.д. Влияние натюрморта зависит, прежде всего, от верно выбранной и правильно раскрытой темы, а также от особенностей творческой индивидуальности того или иного художника» [24, с. 42].

Натюрморт служит определенной творческой лабораторией, где художник выявляет и разрешает разнообразные профессиональные задачи, оттачивает мастерство. Особенность выполнения натюрморта  заключается  в том, что его можно поставить и писать в разнообразных обстановках; в помещении при естественном и искусственном освещении, на открытом воздухе. В отличие от живописного натюрморта, учебный имеет конкретную цель, оказывать стимуляцию образовательной и познавательной деятельности учащихся..

Натюрморт, как самостоятельный жанр, возник на стыке XVI и XVII вв.,  в областях Фландрии и Голландии. Отличительной чертой характера натюрморта является совершенное и безукоризненное отражение реальных предметов. Рассматривая известные голландские натюрморты, кажется, будто чувствуешь вкус этих спелых плодов, сладость и горечь этих напитков. Мастера  изображали самые обычные вещи, но они были прекрасны и одушевлены.

Наибольшую популярность натюрморт получил в Голландии в эпоху Возрождения в 15 веке. Мощнейший подъем натюрморта, как самостоятельного вида искусства произошел в 15вв., хорошо отражается   в творчестве таких художников, как  А.Бейерен, П.Клас, И.Фейта.

В область натюрморта переместились методы и средства изображения, создаваемые в жанре сюжетно-тематической картины. Создается тип  натюрморта с конкретным трехплановым разделением пространства и четко выявленным композиционным центром.

Главные изобразительные принципы натюрморта возникли в Голландии. Его основными тезисами были: реализм, тонкость видения среды, умение обнаружить и изложить художественную значимость. Для создания натюрмортов художники брали обыденные предметы при этом составляя их так, чтобы достичь гармонии всех вещей в совокупности. В своих работах мастера использовали различные приемы многослойной живописи это прописи и лессировки. С их помощью добивались, практически, фотографичного изображения. Главное требование художественного образа в жанре натюрморт, это подлинное  изображение предметов, проявление их изящества и индивидуальных изобразительных способностей . как: бытовой; жанровый; тематический; сюжетно

Любимыми сюжетами голландских художников были «завтраки» с небольшим количеством предметов. С великолепной тактичностью и точностью  изображалась  текстура предметов – металл, керамика, дерево, стекло.

Еще одной значительной характеристикой голландского натюрморта было то, что мастера дополняли его смыслом. В каждом натюрморте воспроизводится  связь человека с окружающим нас миром, выражается позитивное отношение к  жизни, большое желание рассказать, как многообразна природа, как трудолюбив и талантлив человек.

В полной мере  это позитивное  восприятие  жизни  отразилось в искусстве Ф. Снейдерса. Он создавал большие монументальные картины, которые размещались  в больших  дворцовых  помещениях. Такими были известные полотна «Фруктовая», «Овощная», «Рыбная».  Четкая взвешенность композиционного и живописного  решения в его картинах отлично  соединялись с декоративностью живописью. Это уже не тихие «завтраки», которые изображают А. Бейерен [1.рис.1].или П.Класс, а работы, выполненные  мечтами и фантазиями живописца. Так же, Снейдерс в натюрмортах делает значительный акцент на детальной проработке изображения и отражении достоверности предметов, но при всей своей скрупулезности проработки в деталях формы, он не теряет целостности художественного образа. Даже на сегодняшний день,  картины Снейдерса  восхищают  своим реализмом.

В XVII в. Начинают формироваться основные признаки  натюрмортного жанра. Этих признаков придерживаются такие известные живописцы, как Рембрандт, Переда, Сурбаран. Всех их объединяет одна цель – показать гармоничность  предметов, которые окружают человека, изящность  их форм и материальность.,

Значительный вклад в формирование натюрморта вложил французский художник XVII в Ж.Б. Шарден, который стал известен в мировой живописи, как художник бытовой жанровой живописи. В своих натюрмортах он изображает предметы домашнего обихода, добивается поэтичности и лаконичности композиционного и живописного решения. Отличные  примеры  таких натюрмортов  «Медный бак», [1.рис.2] « Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».

Те же композиционные решения  присутствуют и в натюрмортах, под общим названием «Атрибуты искусства». Отличительной чертой творчества П.Шардена является мастерство и  разнообразие  способов, применяемых  для изображения  материальности вещей. Создавая законы реалистичного творчества, Шарден вложил  в натюрморт особенную  воздушность и поэтичность, которая указывает на особенную характеристику творчества.

Но не каждый художник ставил перед собой цель раскрыть социальную суть жизни через «говорящие вещи». Менялись предпочтения, художественные представления, изменялось восприятие окружающей действительности. Мастера начали отмечать в окружающей жизни и другие качества материального мира. Огромной проблемой являлась ограниченная среда нахождения предмета, светопередача, воздушно-пространственная среда и образы природы.

С середины XIX в. значительное  воздействие  на развитие в искусстве стал  оказывать  импрессионизм. Импрессионисты противопоставляли свое видение живописи, академическим обычаям,  которые к этому времени превратились в условные формы салонного искусства. К. Моне, [1.рис.3].А.Сислей и другие мастера изображали природные мотивы  в своем творчестве, спектрально чистыми  цветами. Для них важной задачей было показать на полотне стремительно и неумолимо  изменяющее состояние природы; сам же предмет изображения утратил свою былую значимость, будто исчез в световоздушной среде.

Основная живописная концепция импрессионизма получила своё более обширное становление в области пейзажей, но неизменно прикасалась и к области натюрморта. Живописцы, поглощенные мыслями о цвете и свете, старались показать стремительную смену световых и цветовых пятен, бликов и теней, на поверхности предметов, а не его собственные черты. Именно по этой причине происходит активное снижение интереса к содержанию и объективной оценки действительности.

Так же необходимо подчеркнуть, что, естественно, импрессионизм внес только положительную роль и искусство натюрморта . Благодаря увеличению разнообразия цветовой палитры, живописцы значительно расширили свои изобразительные возможности, первым делом применяя  в процессе работы живописные и психологические функции цвета.

Впрочем, натюрморт, как жанр, стоит рассматривать не в рамках импрессионизма, а скорее в ходе преодоления его проблемных мест, таких как уничтожение объемной формы. Поборов, в начале своего пути, значительное воздействие  импрессионистов, П. Сезанн логически отрицал их способ. В выполненных им различных натюрмортах развитого периода, он старался отыскать решения и способы передачи объективных черт предмета – объема, материала, цветовой устойчивости в его характеристике.

Мастер использует, в основном, выразительные возможности цвета, по средствам цветовых контрастов, для разрешения конкретных проблем. «Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов».

Способ П.Сезанна кроется на четком определении творческих задач. Образующий конструкцию объем, где любой цвет–мазок должен изображать изгиб, поворот формы в зависимости от количества получаемых световых лучей. Именно в этом состоит основная характерная черта мастера, в таком логическом способе  изображении натуры. Основным способом в работе над натюрмортом оказывается его рациональность в выполнении изобразительной формы, отражены  пластичности и объема предмета и его материальной действительности. В своих работах художник находит глубочайшее  понимание  функций реалистичного творчества, добиваясь  вершин живописного мастерства. [1.рис.5].

Другое течение французского натюрморта, сильно  отличающегося как с техники импрессионистов, так и  от живописных стремлений Сезанна является искусство А. Матисса. Его основа —  декоративно-плоскостное восприятие  художника. Натюрморт видится ему как система плоских цветовых пятен, где предметы как бы ложась  на плоскость, обозначаются четкими силуэтами. Если П. Сезанн берет цвет для изображения объема на плоскости, то А. Матисс, наоборот, вовсе отвергает изображение объема на плоскости. Нарушение объема сопровождается намеренным искажением изображения. Изобразительные предпочтения А. Матисса заканчивались на красиво оформленной композиции. [1.рис.4].

и   В жанре натюрморта, себя пробовали мастера разных стилистических течений. Они экспериментировали с формой, цветом и пространством, старались найти совершенно разную фактуру. Натюрморт создается в совершенно разных техниках, таких как: реалистичная, декоративная, кубизм.

Изображение великолепия мира предметов интересовало различных живописцев. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р. Фальк, К. Петров – Водкин, Ю. Пименов и другие создавали прекрасные натюрморты, отражающие не только красоту предметов, но также и внутренний мир человека, его чувства и образы.

        Каждый художник находит для выполнения этой трудной функции свои способы выражения. Бывает так, что человек незримо находится на полотне, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент.

Например, на картине Ю. Пименова «Ожидание» (1959г.) [1.рис.6].изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле добавляют тоски и грусти ожидания. В другом виде натюрморта предметы говорят, в первую очередь, о себе, предлагают полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры. Например, картина И. Машкова «Снедь московская. Хлебы» [1.рис.7].будто отражает запах свежеиспеченного хлеба. Мир вещей в натюрморте всегда отображает внешние признаки жизни конкретной исторической эпохи.

В этих трудоемких поисках «нового» положительным было то, что, помимо бесплодных и неудачных экспериментов, включались активные художественные силы. Творческие, способные из них, отдавая дань формальным экспериментам, вставали на твердую почву реализма и изображали выразительные по содержимому и форме живописные произведения. На этом фоне формировалось искусства натюрморта в России. Известные мастера ,такие как  К. Коровин и  И. Грабарь,  были основоположниками французского импрессионизма в России. Творчество К. Коровина во всем ее объеме  – пейзаж, портрет, натюрморт отражает все живое, прямое ощущение  контакта с натурой.  Его картины узнаваемы за счет подвижного колорита, чувствуется присутствие натуры. Все это указывает  на пленэрную живопись с переменчивыми и сложными переливами тонких полутонов. Но все же в его искусстве есть кое-что, что дает возможность рассказывать об углублении реалистичного течения в русской живописи. Об этом рассказывают его картины: «Розы и фиалки» «Гвоздики и фиалки в белой вазе».

На картине К. Коровина  «Розы и фиалки» [1.рис.7] изображен натюрморт  с розами, маленьким букетом фиалок. На подносе лежит яркий апельсин рыжего цвета ,сахарница и кофейником. Композиция строится на фоне открытого окна с видом на вечерний бульвар. Живопись К. Коровина очень звонкая, насыщенная. Натюрморт освещен изнутри комнаты , из -за этого металлический поднос, стеклянная ваза передают ощущение звонкости и четкости. Свет словно творит волшебную игру преображения реальности.

Особенным этапом искусства К. Коровина всегда была натура во всем разнообразии ее проявлений. В его натюрмортах присутствуют природные формы: фрукты, цветы, овощи и все живое, что окружает нашу действительность. Он пишет их в разнообразной обстановке, в совершенно различных местах и каждый раз показывает целостное восприятие окружающей среды. Его характерной особенностью, был талант создавать такие соединения цветовых оттенков, с помощью которых он ловко отражает совершенство и изящность нежных цветов, сложнейшие состояния освещения. В то же время, отображенные им вещи не теряют  своей материальности: рисунка, объема, контура.

К. Коровин всегда был довольно самостоятелен в оценивании  природной формы: движение цвета в среде строило изображение предмета.

Помимо этого есть и другая отличительная особенность творчества  К. Коровина – это его желание к картинному восприятию. Его натюрмортам характерна  четкость, обоснованность композиционного решения. В натюрмортах Коровина всегда есть  центр композиции, через который мы воспринимаем все разнообразие цветовой среды.

Именно такое же стремление побороть односторонность принципа импрессионистов  присуще   работам  И. Грабаря. В своих лучших работах, выполненных в 1905 – 1907г., он формирует принцип материального и вещественного мира. К числу таких полотен относятся «Хризантемы», «Неприбранный стол».

Особое значение в раскрытии  способов изображения натюрморта уделяли мастера из объединение «Бубновый валет»: И. Машкову, П. Кончаловскому,  А. Лентулову,  А. Куприну. Преодолев нелегкий путь поисков в сфере живописной формы, они пришли в советское искусство состоявшимися художниками. Суть их живописных стремлений было, энергичное участие в создании новой жизни. Революция дала им массу вариантов, дала живой материал для выражения в искусстве.

Огромное количество натюрмортов, созданных в это время, говорят о развитии нового в натюрмортах. Конечно же строительства социализма прочно входит в творчество. Так, в натюрморте «Селедка», написанного К. Петровым – Водкиным в 1919г., начался основной путь  творчества художника: достоверно, без приукрашений, поделиться о событиях настоящей жизни суровым языком правды.

В том же 1919г. И.Машков пишет «Натюрморт с самоваром»- определенный образ-представление, навеянный революционными преобразованиями в стране.   Художник желает найти художественную значимость в вещах индустриального общества.

Спустя некоторое время, состояние в стране стабилизируется. Людей переполняет трудовое вдохновение, положительный настрой. Происходит  расцвет и у художников. И. Машков создает в это время свои лучшие натюрморты: «Снедь московская. Хлебы» [1.рис.8], «Снедь московская. Мясо, дичь» и другие, где добивается выражения всех привлекательных сторон предметов, по которым заскучали  зрители. В натюрмортах 20–30х гг. отразились особенные признаки мастерства И. Машкова: реалистичность художественного языка, полноценность выражения темы, чувственность восприятия современной жизни.

Таким же целостным, увлеченным восприятием к миру окружающей действительности отмечено искусство П. Кончаловского . В его наследии есть самые разнообразные  натюрморты. От небольших размеров «Зеленая рюмка»,  до огромных,  монументальные картины «Натюрморт с окном».  В зав   В искусстве советских художников старшего поколения, натюрморт приобрел признаки  независимого жанра, который и по содержательности и по художественной форме занял полноправное со всеми другими жанрами место в творчестве. Натюрморт стал на одну линию с сюжетным изображением, где обсуждались темы великого смыслового содержания.

В своем следующем преобразовании, натюрморт серьёзно пополнился свежими, новыми темами и увлекательными стилевыми признаками. В нем находят отражение  ритм современной жизни, достижения науки и техники. Желание более подробно преподнести  тему вынуждает  мастеров выполнять, свои творческие работы сериями. Например, Ю. Пименов – серии полотен «Вещи каждого дня», «Вещи людей», «Старые и новые вещи».

В последние десятилетия все больше молодых художников начинает работать в жанре натюрморта. Всероссийская художественная выставка «Натюрморт» 1975г. показала не только массовость жанра, но и широкое количество тем. Не теряя связующей нити с новой  действительностью, мастера направляются к опыту истории искусства, тщательно изучая  и другие жанры. Другой источник — это изучение произведений народного творчества, изучение опыта и навыков прошлых поколений.

В течение долгого времени, натюрморт формировался как жанр, не всегда он следовал общему пути развития искусства, были расцветы и падения, у него развились свои характерные особенности, но к нынешнему времени натюрморт все также остается очень актуальным жанром изобразительного творчества и по сей день продолжает свое формирование.

1.2. Гармония цветовых отношений в живописи натюрморта.

    Одним из основных средств выразительности  изображения,  является гармоничный  цветовой строй  живописного произведения[8.с.16]. Именно колористическое единство красок , тоновые и цветовые отношениями , создают  внутреннюю характеристику и эмоциональную выразительность идейно — образной стороны изображения.  В создании художественного образа играет большую роль цветовой строй картины .

    В искусствоведческой литературе , посвященной анализу  произведений живописи , дают самые разные объяснения сущности колорита.  Н.Н. Волков  писал в книге «Цвет в живописи» , что, к сожалению , теория живописи пока не обладает разработанной теорией цветового строя.  

Внимательно изучая литературу ,которая касается вопросов живописи и гармоничного колорита, можно сделать выводы , что колорит картины  определяется согласно замыслу и  служит как средство выразительности изображения.  Распространенным мнением среди искусствоведов считается, что  гармоничный колорит картины основан на контрасте.

Начиная с И. Ньютона , физики делали попытки  разобрать теорию гармоничных сочетаний красок. Каноны цветовых гармоний строились на том, что в основу закладывали пары или триады дополнительных цветов. Но колорит, создаваемый художниками , на основе этих цветов, не отличался  правдивостью ожидаемого  эстетического воздействия на зрителя. В настоящее время, существует в теория колорита , на основе сочетания дополнительных цветов.

      Так, в первом выпуске  «Школы изобразительного искусства»  говорится о том, что колорит в живописи построен на гармонии дополнительных цветов. К каждому тону и заключающемуся в нем оттенку цвета сопутствует дополнительный оттенок. » [7, с. 19]. К примеру , если взять красный цвет, то дополнительный будет зеленый, к синему- оранжевый , а фиолетовому -желтый. Сопоставленные рядом, они создают определенное напряжение и звучность.

    Английский  искусствовед  Фильд полагал, что гармоничный колорит создается тогда, когда количество оттенков теплого  соответствует количеству оттенков холодного в картине.  

    Некоторые специалисты в области изобразительного искусства считают, что вывести какую-то общую закономерность создания цветовых гармоний  относительно к конкретному изображению нельзя . А другие, наоборот, надеются найти цветовые гармонии  , по которой можно построить колорит любой картины.

   » У живописцев действительно есть  собственная цветовая гармония ,есть тайны колорита , чувственная прелесть колорита , которая ни сюжетом , ни звучанием изображаемого еще не обеспечивается и всецело им не подчиняются; они обладают известной самостоятельностью» ,- писал Н. Дмитриева   [17, с. 224]. Она  стремилась обосновать колорит, как результат умственного подбора художником красивых сочетаний красок. Это сочетание  художник выбирает согласуя со своим вкусом и  субъективным представлением о гармонии красок.

    Цветовая гармония  — сочетание  отдельных  локальных цветов или цветовых оттенков , оказывающие определенное эстетическое воздействие на зрителя. В живописи цветовая гармония  представляется, как определенное сочетание цветов  с учетом  цветового тона, светлоты, насыщенности, формы, размера  цветового пятна, расположения пятен в пространстве  изображение. [ 9,стр.89].

Понятие гармонии цвета включает  в себя: монохромность, ахроматичность. Монохромность — использование одного цвета работе с большим  спектром оттенков, а  ахроматичность  — разное множество цветов и их оттенков.

Также к основным признакам относится контраст . Контраст разделяют  по яркости (темное-светлое, черное-белое), по насыщенности (чистые и смешанные), по цветовому тону (дополнительные или контрастные сочетания). В гамме — это подобие отношений яркостей, насыщенности и цветовых тонов. Цвета  в картине должны быть уравновешены и сочетаться друг с другом.

     Цветовая гамма живописного произведения — гамма колористическая. Многие художники строят свое произведение опираясь на использование  нескольких колористических гамм, но при этом есть ведущая гамма , которой подчинены все дополнительные гаммы цветов, служащие для создания контраста. При использовании в живописи нескольких колористических гамм, художники создают колористическую тональность живописного произведения. С их помощью живописцы передают настроение, природное или эмоциональное состояние , время года , суток ,погода  и т.д.  

Колористическое богатство живописи достигается  путем нюансировки цвета и поиском различных его оттенков. «Нюанс» — в переводе с французского «nuance» и означает оттенок. Нюансировка цвета дает разнообразие его оттенков, создаёт ощущение пространства. 

Художник , наблюдающий изучающий натуру и отображающий наблюдаемые им закономерности в материале, имеет дело с реальным светом и цветом. (9.зайцев.).Художники — педагоги , в своей практике, часто употребляют такие термины как «светлота» , «тон», «яркость» и «освещенность». Эти понятия являются основными характеристиками цвета.  

 Освещенность натуры оказывает влияние на видение художника и предопределяет характер светлотных и цветовых отношений в картине.[20, с. 224] Есть представить себе постановку, которая освещается очень сильным светом, то можно заметить как он съедает многочисленные нюансы и оттенки цвета. Многие художники , выбирая время написания живописного произведения, выбираю пасмурные дни, в отличии от солнечных. Когда пасмурно, свет становится мягким , рассеянным, можно заметить богатый характер светотеневых отношений. Яркость является частью освещенности , поскольку определяется количеством света, который отражается с поверхности.

В обиходном понимание разница между яркостью и светлотой обычно не замечаются. Оба понятия рассматриваются почти как эквивалентные .[20, с. 20] Существует некоторое различие в употреблении этих слов. Понятие яркость употребляют для характеристики сильно освещенных поверхностей. Так же это слово употребляют, чтобы характеризовать насыщенность и чистоту. Светлота же —  ощущение яркости.

«Интенсивность» — это яркость цветового  пятна, определяется количеством отражаемой энергии, а насыщенность определяется степенью цветности красочного пятна.[20,с 30]  Насыщенность  понятие важное для художественно-педагогической практики. Обычно у детей предметы не разобраны по свету. Очень хорошо это выражается в изображение пейзажа. Изображение будет успешным если правильно передана насыщенность, передний план более контрастный по отношению к заднему. В работах которых недостает насыщенности , цвета кажутся ,как правило монотонными или вялыми.

                                ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Роль гармонии цвета в живописи имеет большое значение.

Проблема развития гармоничных цветовых отношений в живописи  заслуживает более пристального внимания. Необходимо и дальше развивать эту тему, применять на практике, осуществлять поиски решения данной проблемы

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

1. Алтапов М. В., Ростовцев Н.И. «Искусство» 1т. 1 часть М., 1987
2. Арнхейм Р. Искусство и визуальное восприятие (сокр. пер. с англ. В.Н. Самохина, общ.ред. и вст. ст. В.П. Шестакова). — Москва, “Прогресс”,1974.
3. Алексеев С. «О колорите» . «Изобразительное искусство».—  Москва.1974
4. Алгазина Н.В. Цветоведение и колористика. Часть I. Физика цвета и его психофизиологическое восприятие [Электронный ресурс] : учебное пособие / Н.В. Алгазина. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2014. — 153 c. — 978-5-93252-318-6. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/26675.html
5. Алгазина Н.В. Цветоведение и колористика. Часть II. Гармония цвета [Электронный ресурс] : учебное пособие / Н.В. Алгазина. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2015. — 188 c. — 978-5-93252-353- — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/32799.html
6. Бадян В.Е. Основы композиции [Электронный ресурс] : учебное пособие для вузов / В. Е. Бадян, В.И. Денисенко. — Электрон. текстовые данные. — М. : Академический Проект, Трикста, 2017. — 225 c. — 978-5-8291-2506-6. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/60032.html
7. Беда Г.В. Живопись: Учебник для студентов педагогических институтов.- М:  Просвещение, 1986.- 192с, ил.
8. Болотина, И. С. Русский натюрморт / И.С. Болотина. – М.: Искусство,1993. – 132 с.
9. Беда Г.В. Цветовые и тоновые отношения в живописи [Текст] / Г.В. Беда – Москва: Советский художник, 1964 – 78с.
10. Васильев, В.В. История и теория художественного образования [Текст] / А.А. 7.Васильев – Краснодар: Куб ГУ, 2003 – 132с.
11. Васильева Э.В. Цветоведение и колористика [Электронный ресурс] : учебное пособие / Э.В. Васильева. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2012. — 180 c. — 978-5-93252-269-1. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/18266.html
12. Волков, Н.Н. Цвет в живописи [Текст] /. Н.Н. Волков– Москва: Искусство, 1984г, 400с.

Лучший современный натюрморт — CAI

Введение: Возрождение недооцененного жанра

Натюрморт исторически является одним из ключевых жанров западной живописи. Он состоит в изображении всего, что не живет (больше) или не может двигаться. Также известный как Nature Morte , натюрморт обычно представляет собой композицию из цветов, растений, продуктов питания или декоративных предметов, таких как сосуды или ткани. Актуален ли этот жанр сегодня? Или современный натюрморт — образцовый пример ностальгии и устарелой славы?

Правда в том, что одно из многих заблуждений относительно натюрморта — натюрморт по-прежнему очень жив. На самом деле, можно утверждать, что он никогда не уходил. Хотя этот жанр часто считается низшим жанром после исторической живописи, портретной живописи, жанровой живописи (бытовой жизни) и пейзажной живописи, он может быть наполнен самыми качественными знаниями или живописным мастерством.

Вспомните Яна Брейгеля Старшего (1568-1625), который нарисовал натюрморт с набором очень редких и экзотических цветов с разным периодом цветения, все они цветут в одно и то же время в одной и той же вазе, не только демонстрируя свое уникальное мастерство, но и также его экстраординарные знания как раннего современного естествоиспытателя. Кроме того, Nature Morte часто является прославлением изобилия и богатства жизни, но также и напоминанием о ее эфемерном характере и преходящести вещей.

Интерпретация и замысел натюрморта могут сильно различаться. В любом случае, это наиболее ценный и тонкий жанр, берущий на себя науку, моральные вопросы, философию или раздвигающий границы живописи — будь то в манере мимесиса в 16-м и 17-м веках или путем исследования визуальных возможностей. живописи в 20 веке.

Натюрморт был излюбленным сюжетом многих выдающихся художников модернизма, например, Поля Сезанна (1839–1906) или Джорджио Моранди (1890–1964), и остается им по сей день. Конечно, натюрморт сильно изменился из-за радикального и гениального влияния постмодернистских художественных движений, таких как минимализм или концептуальное искусство. Может быть, поэтому можно подумать, что жанр умер, не случайно, в то время как художественная критика объявила о смерти живописи[2].

Однако картина уцелела, как и натюрморт. Из года в год мы сталкиваемся с признанными и начинающими современными художниками, продвигающими жанр — и живописную среду — с заставляющими задуматься и визуально ослепительными работами. В этой статье мы представим вам полный обзор самых лучших современных натюрмортов, обсудим наиболее актуальные образцы этого жанра и то, что делает их современными и актуальными.

Кто сегодня лучший художник-натюрмортист?

Мы рады представить Вам очень обширную и аргументированную подборку работ художников и натюрмортов. Мы создали подборку самых известных художников, занимающихся натюрмортом, в результате чего в общей сложности 45 мастеров среднего звена и хорошо зарекомендовавших себя художников представляют самый обширный на сегодняшний день онлайн-ресурс по рисованию натюрмортов.

Топ-11 состоит из наиболее влиятельных художников, включая краткую вступительную биографию и дополнительный контекст — поскольку мы можем лишь кратко коснуться каждого художника, мы включили ссылки на лучшую монографическую публикацию о рассматриваемом художнике — за которой следует визуальная антология. высокопоставленных артистов в середине карьеры и признанных художников в алфавитном порядке. Итак, давайте ответим на большой вопрос, кто сегодня является самым важным художником-натюрмортом?

Самыми известными художниками-натюрмортами сегодня являются Микаэль Борреманс, Фернандо Ботеро, Дэмиен Херст, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Яёи Кусама, Рой Лихтенштейн, Ян Пей-Минг, Герхард Рихтер, Люк Туйманс и Энди Уорхол.

Давайте без лишних слов познакомимся с рассматриваемыми пейзажами и художниками, которые их создали.

1. Микаэль Борреманс

Мы начинаем наш список художников с настоящего художника-живописца Микаэля Борреманса. Родился в 1963 в Geraardsbergen, бельгийский художник живет и работает в Генте, Бельгия. Он наиболее известен своими концептуальными и нео-сюрреалистическими картинами, выполненными в традиционной манере, напоминающей старых мастеров, создавая анахронизм в живописи, когда дело касается формы и содержания.

История искусства всегда присутствует в работах Борреманса. В результате он много раз рисовал натюрморты на протяжении всей своей карьеры. Но его натюрморты во многом коварны. У Борреманса живопись — красивая ложь. Он изображает искусственные растения, абсурдные механизмы, мертвые растения и даже — в своей последней серии работ — цветные конусы. Бельгийский художник устанавливает и расставляет эти конусы в разных местах в традициях натюрморта. Однако конусы выходят за пределы своего метафизического состояния от объектов к субъектам.

Для дальнейшего ознакомления с Майклом Борремансом мы настоятельно рекомендуем «Михаэль Борреманс: Как ни крути» или его более позднюю, но только иллюстративную монографию «Михаэль Борреманс: Песня барсука» .

Михаэль Борреманс, Цветные шишки, 2019. Холст, масло – 88 x 120 см. Предоставлено галереей Zeno X, Антверпен.

2. Фернандо Ботеро

Фернандо Ботеро, родившийся в 1932 году в Медельине, Колумбия, является одним из самых знаменитых художников своего поколения и мастером натюрморта. Ботеро наиболее известен своим фирменным визуальным языком, в котором он, кажется, раздувает свои фигуры до пухлых и «круглых» предметов.

Художник-самоучка, гравер и скульптор воплощает эту «округлость» предметов в предметы в своих натюрмортах. Яркие цвета и определенная «наполненность» декораций приводят к натуралистически написанным, но современным картинам.

Для дальнейшего чтения о Фернандо Ботеро мы настоятельно рекомендуем Ботеро: Картины 1959-2015.

Фернандо Ботеро, Натюрморт с бананами, 2003. Холст, масло – 38 × 41 см. Предоставлено La Maison de la Petite Sara.

3. Дэмиен Херст

Далее у нас не кто иной, как мальчик с плаката YBA Дэмиен Херст. Херст родился в 1965 году в Бристоле, Англия, работает и проживает в Лондоне. Известный как один из самых важных современных художников в мире, Дэмиен Херст прославился своими провокационными и раздвигающими границы произведениями искусства, исследующими смертность и наши изначально человеческие структуры и побуждения, такие как религия и желание. Его инсталляции состоят из мертвых коров, акулы в натуральную величину, свиней, овец или бабочек.

Помимо инсталляций, британский художник также занимается рисунком и живописью. С нового тысячелетия он также занимается натюрмортом. При этом Херст наполняет свои полотна фруктами, цветами, черепами и даже плодами, продолжая свое постмодернистское исследование смертности в современную эпоху, используя историческую традицию натюрморта и его иконографию.

Для дальнейшего чтения о Дэмиене Херсте мы настоятельно рекомендуем Дэмиен Херст: Конец века.

Дэмиен Херст, Череп с таблетками, 2008. Холст, масло – 45,7 × 61 см. Courtesy Галерея Гэри Татинцяна. Дэвид Хокни, «Растение на желтой ткани», 1995. Холст, масло – 66 × 45,7 см. Фото: Sotheby’s/David Hockney Foundation (c)

4. Дэвид Хокни

Один из несомненно самых известных художников современности, Дэвид Хокни — современный художник, родившийся в 1937 году в Брэдфорде, Великобритания, в настоящее время живущий и работающий в Нормандии, Франция. Его фигуративные произведения охватывают семь десятилетий и отмечены влиянием его непосредственного окружения. Подумайте о культовых бассейнах Лос-Анджелеса, о его друзьях и семье на портретах и ​​двойных портретах, о его собаках, о полях Йоркшира или о цветах в пейзажах Нормандии.

При этом он также изобразил бытовые предметы в своем окружении, взяв натюрморт в характерной для британского виртуоза манере. Особенно в 1990-е годы Хокни активно занимается натюрмортом, исследуя этот жанр в его самой чистой форме.

Для дальнейшего чтения о Дэвиде Хокни мы настоятельно рекомендуем Дэвида Хокни , опубликованную Тейт в 2017 году.

Алекс Кац, Рододендрон на зеленом, 2020. Холст, масло — 213,4 × 152,4 см. Предоставлено Тимоти Тейлором.

5. Алекс Кац

Родившийся в 1927 году в Бруклине, в настоящее время живущий и работающий в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки, Алекс Кац — современный художник, который сегодня является одним из самых влиятельных художников. Его характерный отчетливо образный визуальный язык, отмеченный большими и четкими цветовыми плоскостями, вдохновленными абстрактным экспрессионизмом и поп-артом, доминирует на художественной сцене с 1950-х годов и по сей день.

Кац черпает вдохновение из современной жизни, включая своих друзей, фильмы, рекламу или предметы из своего непосредственного окружения. Поступая таким образом, американский художник рисует натюрморты так же, как и свои портреты. Он использует фотографические стратегии, такие как кадрирование или декупаж, стремясь получить идеальный фрагмент для рисования.

Для дальнейшего чтения об Алексе Каце мы настоятельно рекомендуем Alex Katz из серии современного искусства Phaidon.

6. Яёи Кусама

Далее у нас японская суперзвезда Яёи Кусама. Родившийся в 1929 году в Мацумото, Нагано, Япония, Кусама является одним из самых влиятельных современных художников в мире, в настоящее время живет и работает в Токио, Япония. Ее фирменные мотивы, такие как горошек, тыквы и понятие бесконечности, функционируют как континуум на протяжении всего ее творчества, охватывая различные средства массовой информации, включая живопись.

В натюрмортах кроме тыквы встречаются изображения цветов, ваз, пепельниц и многое другое. Яёи Кусама взялась за натюрморт так, как могла только она. Ее визуальный язык является результатом ее психического заболевания, при котором она дезориентирована галлюцинациями, пятнами и ослепительным ощущением переживания бесконечности. При этом она изображает повседневные предметы такими, какими она их видит, почти одержимо. Натюрморт — результат бессознательных процессов, которые японская художница стремится уловить и запечатлеть на своем холсте.

Для дальнейшего чтения о Яёи Кусаме мы настоятельно рекомендуем Яёи Кусама: ретроспектива.

Яёи Кусама, Тыква, 1992. Холст, акрил – 60,7 × 72,9 см. Courtesy Seoul Auction

7. Roy Lichtenstein

Как и в случае с номером 11 в этом списке, мы в настоящее время балансируем между современными натюрмортами и современными натюрмортами. Рой Лихтенштейн родился в 1923 году и скончался в 1997 году в Нью-Йорке. Американский художник стал пионером поп-арта в современную эпоху.

Лихтенштейн наиболее известен своим характерным использованием иллюстративных и коммерческих стилей живописи. Он рисовал работы так, как будто они были созданы механически, имитируя эстетику шелкографии и мультфильмов, смешивая низкое искусство с высоким искусством. При этом Лихтенштейн создал десятки натюрмортов, в результате чего в 2010 году состоялась ретроспективная персональная выставка в этом поджанре в ведущей художественной галерее Гагосяна.

Для дальнейшего чтения о Рое Лихтенштейне мы настоятельно рекомендуем0005 Лихтенштейн , опубликовано Taschen в 2016 году.

Рой Лихтенштейн, Натюрморт с палитрой, 1972. Холст, масло, магна — 152,4 × 243,8 см. Предоставлено Гагосяном. Ян Пей-Мин, Инсталляция, treize cranes et une bougie, 2020. Холст, масло – 180 × 150 × 6 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

8. Ян Пей-Мин

Ян Пей-Мин родился в 1960 году в Шанхае, Китай. Современный художник, живущий и работающий в Дижоне, Франция. Творчество Пей-Мина построено на европейских живописных традициях. Подумайте о его современных портретах политиков, актеров, его самого или папы.

Монохромные картины с виртуозным импасто также берут начало в европейской традиции натюрморта. Очарованный мотивом черепа Vanitus , а также кунсткамерой или фруктами, Ян Пей-Мин продолжает создавать потрясающие натюрморты в своем собственном стиле, балансируя между реальностью и воображением.

Для получения дополнительной информации о Yan Pei-Ming мы настоятельно рекомендуем Yan Pei-Ming: Tigres & Vautours .

9. Герхард Рихтер

Пожалуй, самый известный художник современности, Герхард Рихтер родился в 1932 году в Дрездене, в настоящее время живет и работает в Кельне, Германия. Рихтер наиболее известен своими чистыми абстрактными картинами, с одной стороны, и, с другой, тщательно написанными фотокартинами.

Своими фотокартинами Рихтер охватывает множество жанров, включая пейзажную живопись, портретную живопись, интерьерную живопись, обнаженную натуру и, конечно же, натюрморт. Рихтер написал огромное количество натюрмортов, подумайте о его огромном количестве картин, изображающих свечи, яблоки, цветы или предметы повседневного обихода.

Для дальнейшего чтения о Герхарде Рихтере мы настоятельно рекомендуем Герхард Рихтер: Панорама по случаю его одноименной ретроспективы в галерее Тейт Модерн в Лондоне.

Герхард Рихтер, Две свечи, 1982. Холст, масло – 80 x 100 см. Предоставлено художником.

10. Люк Туйманс

Люк Туйманс, родившийся в 1958 году в Мортселе, Бельгия, в настоящее время проживающий и работающий в Антверпене, является одним из самых влиятельных современных художников и пионером так называемой Новой европейской живописи. Его картины часто приглушены по цвету, исполнены нервными мазками и несут определенный сюжет, создавая скрытое течение внутри изображения.

Тюйманс подходит к любому жанру со своим особым стилем. С его натюрмортами видно, что вместо простого изображения выбранных предметов происходит нечто иное. Например, с Untitled (Still Life) 2002 года он создал монументальный натюрморт как реакцию на травму 11 сентября. Тюйманс бежит к Идиллии как противодействию, но картина наполнена исторической травмой, которая, кажется, живет в картине.

Для дальнейшего чтения о Люке Тюймансе мы настоятельно рекомендуем многотомный аргументированный обзор  Люк Тюйманс: Каталог-резоне.

Люк Туйманс, Без названия (Натюрморт), 2002. Холст, масло – 347 x 500 см. Предоставлено галереей Zeno X / Фото: Коллекция Пино

11. Энди Уорхол

Мы завершаем наш топ-11 художником, настолько культовым, насколько это возможно, Энди Уорхолом. Родившийся в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, Энди Уорхол — американский поп-артист с австро-венгерскими корнями. Он безвременно скончался в Нью-Йорке в возрасте всего 58 лет в 1987 году. очень успешный коммерческий иллюстратор, продюсер и, конечно же, один из самых важных художников, основоположников поп-арта в XIX веке.60-е годы. Неотъемлемо связанный с близостью поп-арта к предметам повседневного обихода, Уорхол создал новаторские натюрморты, такие как банки с супом Кэмпбелл, бананы, духи, долларовые банкноты, бутылки из-под кока-колы и многое другое.

Для дальнейшего чтения об Энди Уорхоле мы настоятельно рекомендуем Уорхола из серии Basic Art от Taschen.

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелл, 1962. Синтетическая полимерная краска на тридцати двух холстах, каждый холст 20 x 16 дюймов (50,8 x 40,6 см). Общая установка с 3″ между каждой панелью составляет 97″ в высоту x 163″ в ширину. Коллекция МоМА.

12. Уильям Бейли

Уильям Бейли, Septet III, 2015. Холст, масло – 45,7 x 61 см. Courtesy Betty Cuningham Gallery

13. Клаудио Браво

Клаудио Браво, Носилки, 2008. Холст, масло – 114 × 146,4 см. Предоставлено галереей Форума.

14. Мануэле Черутти

Мануэле Черутти, Фолла, второй персонаж, 2015. Холст, масло – 35 x 29,5 см. С уважением Артюнер.

15. Holly Coulis

Holly Coulis, Loops, Lemon, 2020. Бумага «Арки», гуашь — 45,7 × 61 см.

16. Николь Дайер

Николь Дайер, «За столом моего отца», 2018. Холст, акрил – 116,8 × 101,6 см. Предоставлено художественной галереей ZQ.

17. Алек Иган

Алекс Иган, Носки на бельевой веревке, 2021. Холст, масло, блик — 76,2 × 61 см. С уважением МАКИ.

18. Инка Эссенхай

Инка Эссенхай, Полное цветение, 2020 Холст, эмаль – 152,4 × 111,8 см. Предоставлено галереей Майлза МакЭнери.

19. Скотт Фрейзер

Скотт Фрейзер, Applied Reflections, 2014. Масло, панель – 71,1 × 96,5 см. Предоставлено компанией Quidley & Company.

20. Раймонд Хан

Раймонд Хан, Три стула, 1982. Холст, масло – 121,9 × 137,2 см. Предоставлено галереей Джейсона Маккоя.

21. Ян Цзечан

Ян Цзечан, Это натюрморт Цветы 1913-2013 № 3, 2013. Тушь и минеральные пигменты на шелке, наклеено на холст – 88 × 70 см. Предоставлено Ink Studio.

22. Йоханнес Карс

Йоханнес Карс, Без названия (гнилые плоды), 2019. Холст, масло – 41,3 × 53,5 см. Предоставлено МАССИМОДЕКАРЛО.

23. Хулио Ларрас

Хулио Ларрас, Улов из Зеркальной бухты, 2020. Холст, масло – 76 × 102 см. Предоставлено Galeria Duque Arango.

24. Алан Маги

Алан Маги, Камни, 1981. Картина на холсте – 116,8 × 172,7 см. Предоставлено галереей Форума.

25. Никки Малуф

Никки Малуф, Ужин подан, 2020. Холст, масло – 137,2 × 177,8 см. Предоставлено галереей Нино Миер.

26. Джастин Мортимер

Джастин Мортимер, Порода 1, 2018. Холст, масло, акрил — 240 x 178 см. С уважением Парафин.

27. Лука Панкрацци

Лука Панкрацци, Без названия (Fuori Registro), 2005. Холст, акрил – 215 × 325 см. Предоставлено галереей Андреа Карач.

28. Hilary Pecis

Hilary Pecis, Outdoor Table, 2019. Холст, акрил – 152,4 × 121,9 см. Предоставлено галереей Холзи МакКей.

29. Timothée Schelstraete

Timothée Schelstraete, 20097, 2020. Холст, акрил, тонер – 70 x 50 см.

30. Ben Schonzeit

Ben Schonzeit, Lake Placid Bouquet, 2011. Холст, акрил – 182,9 × 243,8 см. Предоставлено галереей Plus One.

31. Майкл Симпсон

Майкл Симпсон, Косоглазие 67, 2019. Холст, масло — 230 × 115 × 9 см. Предоставлено Носбаумом Редингом.

32. Mircea Suciu

Mircea Suciu, Натюрморт с лимоном, 2019. Масло, акрил, монопринт на холсте – 13 4/5 × 13 4/5 дюйма / 35 × 35 см. Предоставлено галереей Zeno X.

33. Ким Чан-Юль

Ким Чан-Юль, «Капли воды», 1977 г. Холст, масло – 150 × 150 см. Предоставлено галереей метафизического искусства.

34. Гэвин Тёрк

Гэвин Тёрк, Керзе II, 2021. Холст, масло – 318,8 × 243,3 см. Предоставлено изобразительным искусством Бена Брауна.

35. Анна Вальдес

Анна Вальдес, Кунсткамера, 2020. Холст, масло – 177,8 × 203,2 см. Предоставлено галереей Дэвида Б. Смита.

36. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне, Раджи ди Люче, 2014-2019 гг. Холст, смешанная техника, масло — 80 × 100 см. Предоставлено галереей Albemarle.

37. Корнелиус Фёлькер

Корнелиус Фёлькер, «Лепестки», 2017. Холст, масло – 260 × 200 см. Предоставлено галереей Хосфельт.

39. Элисон Уотт

Элисон Уотт, Картеллино, 2017. Холст, масло – 152 × 152 см. С уважением Парафин.

40. Matthias Weischer

Matthias Weischer, Монстера, 2019. Холст, масло – 285 × 300 × 4 см. Предоставлено KÖNIG GALERIE.

41. Джеймс Уайт

Джеймс Уайт, «Фольга», 2015. Масло и лак на акриловом листе в раме коробки из плексигласа – 124,1 × 149,5 см. Предоставлено галереей Шона Келли.

42. Клэр Вудс

Клэр Вудс, Медлительность, 2020. Алюминий, масло — 100 × 100 см. Предоставлено галереей Мартина Асбека.

43. Гай Янаи

Гай Янаи, Завод в немецком офисе I, 2020 г. Холст, масло – 157 × 127 см. Предоставлено Конрадс.

44. Кристоф Иворе

Кристоф Иворе, Без названия, 2013. Бумага, акрил – 10 × 15,2 см. Предоставлено галереей Zeno X.

45.

Ян Чжэньцзун Ян Чжэньцзун, Наблюдение и панорама № 33, 2018 г. Холст, масло – 200 × 196 см. Предоставлено современным искусством Тан.

Примечания:

[1] Тейт, Натюрморт на https://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/still-life, консультация 17/01/2022.
[2] Д. Кримп, «Конец живописи» в Октябрь (1981): с. 69-86 (консультации через https://doi.org/10.2307/778375).

5 Известные художники-натюрморты и натюрморты

Натюрморт — это жанр искусства, история которого насчитывает тысячи лет, начиная с Древнеегипетские фрески-натюрморты резчик и роспись анонимными художниками голландским художникам шестнадцатого века , которые сделали натюрморт законной формой искусства, и французским художникам девятнадцатого века, положившим начало импрессионистскому движению.

Натюрморт продолжал оставаться популярным видом искусства и был возрожден в 1950-х годах такими художниками, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн , а позже такими художниками, как Джуди Чикаго и Кит Харинг.

Мы выбрали некоторые из самых известных и влиятельных произведений натюрморта с начала 17 века до 1950-х годов.

Лучшие репетиторы по рисованию

Поехали

«Корзина с фруктами» Караваджо

Микеланджело Меризи Караваджо был итальянским художником, родившимся в Милане в конце шестнадцатого века. Он известен тем, что написал некоторые из наиболее критически оцененных религиозных картин своего времени или позже. Его стиль в значительной степени зависел от использования Техника светотени , используя очень темный фон и очень четкие и яркие лучи света, чтобы осветить персонажей на его картинах.

Его стиль, который позже стал известен как тенебризм, оказал значительное влияние на следующее поколение художников, и этот стилистический элемент можно увидеть в работах голландского художника Рембрандта , хотя Рембрандт никогда не ездил в Италию, чтобы изучать итальянских мастеров-художников.

Корзина с фруктами был написан около 1599 года и выделяется в творчестве Караваджо как один из двух натюрмортов.

Одним из трюков, которые Караваджо часто использовал в своей карьере, был trompe l’oeil . В этой картине квазифотографический реализм , который она демонстрирует, обманывает наши глаза и мозг, заставляя думать, что фрукты почти выскакивают из холста.

С  Натюрморт с фруктами на каменном уступе,  Караваджо начал движение римских натюрмортов, хотя для того, чтобы это движение действительно началось, потребовалось некоторое время.

«Корзина с фруктами», написанная около 1599 года, представляет собой натюрморт итальянского мастера барокко Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), который висит в Амброзианской библиотеке в Милане.

Серия «Водяные лилии» Клода Моне

Клод Моне был одним из основателей течения импрессионизма, зародившегося в Париже в 1860-х годах. Само название движения произошло от одной из картин Моне Впечатление, Восход солнца, название, которое впервые использовалось для насмешки над растущим движением.

На протяжении всей своей карьеры Моне оставался главным лидером движения импрессионистов и был его самым плодовитым художником. Один из способов, которым Моне добился намеченной игры с естественным светом, заключался в том, что он рисовал одну и ту же сцену снова и снова, в разное время дня или в разное время года.

Моне был дотошным и очень целеустремленным художником. Он провел продолжительное время, изучая влияние дыма, пара, дождя или тумана на преломление света 9.0032 . Это исследование заставило его снова и снова рисовать одну и ту же сцену, чтобы запечатлеть как можно больше деталей.

Его серия «Водяные лилии»,   , состоящая из более чем 250 картин, включает некоторые из его самых известных работ. Картина маслом на холсте под названием «Пруд с водяными лилиями» , написанная в 1919 году, является одним из самых дорогих европейских произведений искусства, когда-либо проданных. В 2008 году на аукционе Christie’s в Лондоне его цена достигла 80 451 178 долларов.

Проверьте онлайн-курсы рисования здесь.

Bassin Aux Nymphéas («Пруд с водяными лилиями»; 1919) — одна из серий картин французского художника-импрессиониста Клода Моне с изображением водяных лилий. Картина написана маслом на холсте размером 100х300 см. Она была продана в 2008 году за 40,9 миллиона фунтов стерлингов, что является рекордом для любой картины Моне.

Лучшие репетиторы по рисованию

Поехали

«Корзина яблок» Поля Сезанна

Поль Сезанн, вероятно, один из самых влиятельных художников XIXвек. Когда возникло импрессионистское движение, он с радостью присоединился к Писаро, Ренуару и Моне в создании удивительных импрессионистских пейзажей и портретов. На протяжении большей части 1870-х годов Сезанн придерживался импрессионистского стиля , но даже несмотря на то, что его картины выставлялись на выставках вместе с другими художниками движения, работы Сезанна всегда были чем-то другим, не совсем импрессионистским.

Сезанн проделал большую работу, изучая отношения между встречающиеся в природе геометрические фигуры . Он всегда стремился свести любой природный элемент к его чистейшей геометрической форме. Многие критики того времени предполагали, что исполнение композиций Сезанна было связано с нарушением зрения, но никаких доказательств этого никогда не было.

Работа Сезанна на протяжении большей части его карьеры представляла собой смесь портретной живописи и натюрмортов, включая пейзажи и «натюрморт» .

Некоторые из его работ напрямую повлияли на Постимпрессионистские движения включая движение кубизма, но в целом наследие Сезанна должно было стать одним из самых революционных художников своего времени и изменить ход развития современного искусства. Он прошел путь Винсента Ван Гога, Пикассо и Гогена.

«Корзина яблок»  живопись включает в себя множество элементов, которые можно использовать для преодоления разрыва между импрессионизмом и кубизмом:

• разрозненная перспектива
• несбалансированные аспекты картины собираются вместе, чтобы уравновесить всю композицию
• одновременные две точки зрения.

Корзина яблок — натюрморт французского художника Поля Сезанна. Он принадлежит Мемориальной коллекции Хелен Берч Бартлетт Чикагского института искусств.

«Живой натюрморт» Сальвадора Дали

Сальвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали-и-Доменек, 1-й маркиз Дали де Пуболь или просто Сальвадор Дали , наверное, был одним из самых эксцентричных и экстравагантных художников ХХ века.

Он также был художественным гением и создавал произведения искусства во многих областях: от рисунков, картин, скульптур до фотографий, произведений, фильмов и даже моды .

Он был очарован квантовой физикой и работой Вернера Гейзенберга о принципе неопределенности . Это увлечение отразилось в его работах, и многие из его картин включали элементы и символы, подтверждающие новую науку.

В то время как Дали находился под сильным влиянием художников Ренессанса , однако некоторые из его работ также включают элементы кубизма, а позже Дали разработал свою собственную интерпретацию Сюрреализма и Дадаизма движений после Первой мировой войны.

Nature Morte Vivante или Живой натюрморт был написан Дали в 1956 году. В то время художник работал со стилем, который он назвал Ядерный мистицизм . В таких шедеврах Дали пытался провести связь между квантовой физикой и человеческим разумом.

Дали сочинил это полотно и попытался связать элементы искусства, науки и физики и полагал, что, несмотря на неподвижность и неподвижность такого натюрморта, атомы, из которых состоят либо объекты, изображенные на картине, либо картина сами по себе, всегда движутся, в постоянном, бесконечном движении.

Дали удачно взял вековой сюжет натюрморта и добавил к нему свой фирменный стиль, передав зрителю то, что он на самом деле имел в виду под ядерным мистицизмом.

Откройте для себя различные уроки рисования фигур рядом со мной на Superprof.

Nature Morte Vivante или Живой натюрморт — картина художника Сальвадора Дали. Дали написал это произведение в 1956 году, в период, который он назвал «ядерным мистицизмом». В настоящее время он находится в музее Сальвадора Дали в Санкт-Петербурге, штат Флорида.

«32 банки супа Кэмпбелл» Энди Уорхола

Родившийся в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в семье словацких иммигрантов, не слишком предопределено Энди Уорхолу стать лидером поп-культуры быстро развивающегося 19-го века.60-е годы.

Будучи болезненным ребенком, он часто был прикован к постели, и позже в жизни он описывал то время , когда он собирал фотографии кинозвезд и слушал радио

со своей мамой, как период, имеющий большое значение в развитии его личности, набора навыков. и предпочтения.

В начале своей карьеры Уорхол работал художником по рекламе и рекламе; он продолжал выполнять обширную работу для американского производителя обуви Исраэля Миллера.

Уорхол, который был замечен миром искусства за его необычные рисунки тушью для рекламы обуви начал выставлять свои работы в галереях Нью-Йорка в конце 1950-х, а затем в Лос-Анджелесе в начале 1960-х.

В то же время, когда он начал прорыв в мире искусства, он был нанят RCA Records для разработки обложек альбомов и рекламных материалов для групп того времени.

Именно в 1960-е годы творчество Энди Уорхола стало по-настоящему известным, и его влияние на американскую поп-культуру утвердилось. Он овладел искусством гравюры, используя как абстрактные, так и реалистичные сюжеты, отражающие суть предметов или знаменитостей.

За это десятилетие он нарисовал знаковых предметов американской повседневной жизни , таких как банки супа Кэмпбелл или бутылки Coca-Cola, а также начал рисовать личностей , которые его очаровали: актеров, певцов и влиятельных людей, таких как Мэрилин Монро. , Марлон Брандо или Элизабет Тейлор.

Он основал Фабрику , художественную студию, которая стала центром для художников , музыкантов, писателей, журналистов и актеров, а также знаменитостей андеграунда.

К сожалению, в 1968 году в Энди Уорхола стреляли, и он получил травмы, которые останутся с ним на всю оставшуюся жизнь. Он пережил спад популярности в 1970-х годах, когда остальной мир искусства воспринимал его скорее как предпринимателя и бизнесмена, чем как художника.

Несмотря на критику того времени, Уорхол продолжал работать над своим искусством, часто с богатыми меценатами. В 1979 году он стал соучредителем Нью-Йоркской академии искусств, частной художественной школы, которая сегодня предлагает одну из самых уважаемых магистров изящных искусств в США.

В Нью-Йоркской академии искусств есть все: от занятий по натюрморту и рисованию с натуры до демонстраций, выставок и галерей . Он начал уроки рисования и уроки живописи для студентов всех уровней, где их могут преподавать профессиональные художники.

Энди Уорхол умер в феврале 1987 года от осложнений после операции на желчном пузыре.

Его влияние на нашу современную культуру до сих пор заметно повсюду. В продаже произведений искусства постоянно представлены его работы (o шестая часть всех продаж современного искусства ), и его стиль повлиял как на «классическое современное искусство», так и на поп-культуру.

32 банки супа Кэмпбелл были произведены в 1962 году Энди Уорхолом. Он состоит из тридцати двух полотен, каждое размером 51 см в высоту и 41 см в ширину, и на каждом изображена банка супа Кэмпбелл — по одной из разновидностей консервов, которые компания предлагала в то время. Он принадлежит и выставлен в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Его 32 Банки с супом Кэмпбелл  , вероятно, самый известный шедевр натюрморта современности. В этой работе Уорхол соединил как классические техники, такие как живопись и рисунок, с передовыми процессами.

Контур каждой из 32 банок супа был сначала нарисован на холсте с помощью проектора, затем вручную были нарисованы банка и этикетка, а также проецировались буквы перед покраской, и, наконец, был нанесен логотип геральдической лилии.