Натюрморт: суть, виды, основные поджанры, история, выдающиеся художники. Примеры натюрмортов известных картин

Содержание

«До конца XIX века натюрморт в России рассматривался в качестве «низшего» жанра»

В России художники начали обращаться к жанру натюрморта лишь в начале XVIII века, отмечает обозреватель Дмитрий Буткевич. Яркими представителями русской плеяды натюрмортистов по праву называют Федора Толстого и Ивана Хруцкого. И первый, и второй прибегали в своих картинах к такому приему как «обманка» — на холсте присутствуют элементы, выглядящие как реальные предметы.

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Довольно поздно в сравнении с западным искусством. Пришел он, очевидно, из Франции, о чем говорит установившееся в русском языке название жанра: натюрморт —«мертвая природа». Вплоть до конца XIX века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Одним из первых русских натюрмортистов можно назвать Федора Петровича Толстого.

Он более известен своими медальонами в память войны 1812 года. Однако делал он и прелестные акварельные и гуашевые натюрморты-«обманки». Срезанные цветы в прозрачном стекле, непременные мушки и бабочки вокруг, капли росы — все это выглядело как реальные, ненарисованные предметы. Опишу одну из его работ из Русского музея: 15х18 см, лист бумаги, иллюзорно изображающий синий лист бумаги в паспарту и голубой рамке (все нарисовано). В середине плоскости белый цветок, на зеленом стебле сидит розово-оранжевая бабочка, рядом ползают три мухи, кругом в обилии крупные капли росы. Две капли сползают по паспарту на рамку. Вот что такое «обманка».

Художник середины XIX века Иван Хруцкий считается нашим главным натюрмортистом. Ранний период его творчества посвящен почти исключительно «живописи цветов и фруктов», как писали в официальных документах того времени. Почти всегда в его работах присутствовали иллюзорные, «обманочные» элементы. Позже Хруцкий стал изображать жанровые сцены, но почти всегда с серьезным присутствием в них предметов живой и неживой природы.

Например, работа 1854 года «В комнате» — на полу играют двое детишек, а вокруг любовно выписанные стол, стул, лампа, портьера, игрушечный барабан и огромное количество гигантских растений. Кто тут главный герой?

В XX столетии натюрморт в России станет одним из ведущих жанров. Но это уже другая история.

натюрморт — Галерея Art Icon

Натюрморт — один из популярных жанров живописи. Его целью считается отображение предметов, находящихся между собой в определенной логической связи. Он привлекает художников широкими возможностями по цветопостроению полотна и способствует развитию композиционных навыков. Чаще всего натюрморт отображает срезанные цветы, фрукты, кухонную утварь, овощи, процесс приготовления пищи.

Появление жанра

Натюрморт возник в 16-17 веках. Однако долгое время жанр, вовлекающий нас в мир общения предметов, не был признан искусствоведами и публикой. На тот момент целью живописи, как и других направлений искусства, являлось отображение общественных проблем и идей. Однако благодаря талантливым фламандским и голландским мастерам люди сумели рассмотреть красоту жанра и глубокий философский смысл.

Клара Петерс «Натюрморт с цветами и золотым бокалом»

Официально временем рождения натюрморта считается 17 век. Этот период характеризуется разделением мира духа и вещей, но при этом их синкретизма. При помощи атрибутики создавался образ, предоставляющий зрителю возможность понять и прочувствовать идею полотна. В это время на картинах мастера часто отображали социальные условия жизни. После того как изображение вещи в иносказательном смысле изжило себя, натюрморт переживал кризисные времена.

Возрождение жанра

В связи с неспокойной политической атмосферой в середине 19 века натюрморт становится базой для самовыражения мастеров. В это время восприятие вещей самих по себе теряет сроки, и на первый план выходят какие-то их характеристики или свойства. Именно они становятся новой концептуальной площадкой. Объекты полотен имеют особое значение на философском, культурном, личном, общественном и религиозном уровне. Поднимаемые в полотнах темы вызывают массу разнообразных эмоций у зрителя, позволяя заняться аналитической деятельностью.

Современный этап развития

В первые годы 20 года намечается тенденция по размыванию границ внутри жанра. Натюрморты становятся органичной частью пейзажей, кубических полотен или картин импрессионистов. На сегодняшний день объектами полотен могут выступать общественные уборные или пустые пивные банки. Натюрморт тесно переплетается с другими жанрами, в том числе фотореализмом и поп-артом, в которых особенно прославился Энди Уорхол.

Энди Уорхол «200 однодолларовых купюр»

В России жанр появился в 18 веке. В то время художники отображали на полотнах мир вещей, окружавших человека в повседневной жизни. Часто натюрморты показывали нам море и собранный урожай. 20 век ознаменован расцветом жанра в России. В тот момент он закрепился в живописи. Художники активно экспериментировали с композицией, формой и цветом. В это время появилось много новых идей и образов, которое нашли отражение на полотнах.

В 50-е годы развитие жанра приостановилось. Именно в это время натюрморт окончательно закрепился в искусстве.

Как я снимаю натюрморт. История Ron Mayhew

фото: Ron Mayhew

В этой статье я хочу познакомить вас с американским фотографом путешественником Роном Мэйхью (Ron Mayhew) из Флориды, США. И хотя Рон очень увлечен фотографией из путешествий и пейзажной фотографией, его основной вид деятельности – это съемка еды, а точнее натюрморты. Рон расскажет о себе, своем творчестве и о том, как он создает свои натюрморты.

фото: Ron Mayhew

Рон, приветствую вас! Представьтесь пожалуйста нашим читателям и расскажите немного о себе.

Меня зовут Рон Мэйхью (Ron Mayhew), я живу в самой красивой части Соединенных Штатов, в красивой юго-западной Флориде. Для меня фотография — это страсть, средство моего самовыражения. Моя камера — это мой холст, моя записная книжка. Я использую фотоаппарат, чтобы исследовать свой мир, который обычно наполнен множеством путешествий по реальному миру. Но в последнее время, как вы увидите, я исследую мир фотографии натюрморта. Это моя самая большая страсть в этом виде искусства.

А так как я безумно люблю путешествовать и интересуюсь другими культурами и странами, фотография для меня — это еще и повод для моих странствий. Я путешествую, чтобы найти что-то новое и интересное и сфотографировать, и, наоборот, фотографирование — это моя рационализация путешествий. Мои увлечения удовлетворены. Поэтому неудивительно, что большинство моих изображений — это люди, принадлежащие к разным культурам, живущие в своей собственной среде. Кроме того, очень интересно делать снимки прекрасных пейзажей, которые нас окружают, особенно на западе Америки, а также в моем родном штате Флорида.

фото: Ron Mayhew

Как вы считаете, что самое важной для создания хорошего снимка?

Я думаю, что – это умение видеть, а не просто смотреть. Умение видеть имеет решающее значение для создания любого вида изобразительного искусства, особенно фотографии. Делая фотографию, я стараюсь визуализировать конечное изображение в виде отпечатка. Мои годы работы в качестве профессионального скульптора в предыдущей жизни были жизненно важны для того, чтобы научиться видеть и визуализировать. Я бы создал всю скульптуру в своем воображении, прежде чем вставлять стамеску по дереву. Изучая натюрморт, я как никогда полагаюсь на свой дар визуализации.

фото: Ron Mayhew

Расскажите о ваших наградах, если такие были.

Мне приятно, что моя работа была отмечена на нескольких национальных и международных конкурсах. Недавние выставки с моими работами прошли в:

Photoville FENCE 2020, Сарасота, Флорида.
Нью-Йорк, фотографическое искусство, «Яркость… Воздействие света 2020», Нью-Йорк, США.
Галерея Праксис, выставка натюрморта, Миннеаполис, Миннесота.
Галерея Смита, выставка «Свет», Джонсон-Сити, Техас.
Галерея PhotoPlace, выставка «В поисках света», Миддлбери, Вермонт.
Фотогалерея Ph31, «Фотографический взгляд — зима 2021», Будапешт, Венгрия.

Кроме того, мои фотографии были представлены в многочисленных журналах и газетах в различных международных СМИ. Также мои работы опубликованы в семи книгах, в том числе «Улицы Парижа», в которых представлены 148 моих уличных сцен снятых в этой замечательной французской столице.

фото: Ron Mayhew

Что или кто вдохновляет вас на ваше творчество?

Хотя меня никто никогда не принимал за эксперта по истории искусства, есть выражение, которое подходит для описания меня: «Я знаю, что мне нравится». Я точно могу ответить кто и что меня вдохновляет. Голландские мастера живописи седьмого века — одни из моих любимых. Художники, техника и мастерство которыми я восхищаюсь. Их внимание к деталям и, особенно, способ рисования света — исключительное мастерство создания света и тени. Хотя мне нравятся также и многие пейзажи, и сцены повседневной жизни той эпохи, меня по-настоящему очаровали именно натюрморты.

Художественные музеи всегда входят в мой список мест, которые стоит посетить во время путешествий, особенно в Европе. И изюминкой каждого визита для меня являются галереи Золотого века Голландии. Картины вроде Яна Давидса. «Натюрморт с фруктами, цветами, очками и омаром» Ян Давидс де Хем всегда заставляет меня остановится и смотреть.

И вот случилось то, что случилось — неизбежное: почему бы не подражать стилю гроссмейстеров с помощью моего средства, фотографии. Их внимание к деталям, использование цвета и особенно их мастерство рисования света. Другими словами, я стараюсь изо всех сил вложить их сильные стороны в свои собственные композиции. Это не так просто, как я думал. В то время как работа с камерой проста, фактическое создание и постановка освещения для натюрморта, а также постобработка более сложны.

фото: Ron Mayhew

У вас своя студия?

Да, у меня небольшая студия. Пару стоек и светодиодных фонарей. Пару софтбоксов и рулон черной фоновой бумаги в углу моего гаража — вот вся моя студия.

Как вы создаете свои натюрморты?

Когда у меня есть концепция моего натюрморта и проработаны цветовые схемы, следующее действие которое я прорабатываю – это композиция. Это действительно двухэтапный процесс. В первую очередь я выделяю время для покупки и отбора скоропортящихся продуктов. Делайте покупки у овощного продавца, мясника и т.д., чтобы получить нужный реквизит лучшего качества. Для этого часто требуется несколько остановок, чтобы получить нужные предметы. Меня больше интересуют уродливые, испорченные, одиночные объекты. Фрукты и овощи часто оставляют для созревания на несколько дней. Цвета становятся более насыщенными, а сморщивание создает интересные текстуры.

Далее собственно сочинение. Поверх «козлов» кладется подходящая поверхность, будь то старая столешница, плита из обветренного дерева или тканевое покрытие стола. Реквизит, который кажется подходящим из-за формы, цвета или текстуры, расположен в моей воспринимаемой композиции. И затем они меняются снова и снова, пока я не останусь доволен общим видом. Особенность реквизита в том, что у меня никогда не бывает именно того, что я хочу.

Следовательно, я провожу много времени на блошиных рынках, в благотворительных магазинах и т.п. Как только я выберу настройки по своему вкусу, я буду часто просматривать их в видоискателе камеры. Это помогает визуализировать общую композицию. После удовлетворения скоропортящиеся продукты кладут на место. Это утомительно и часто сводит с ума, потому что сила тяжести убеждает виноград, например, скатиться по полу вместо того, чтобы оставаться там, где он был так осторожно размещен.

фото: Ron Mayhew фото: Ron Mayhew фото: Ron Mayhew

Какое освещение вы используете в своей работе?

Путем проб и ошибок я остановился на одном источнике света для своих натюрмортов, который точно повторяет то, как голландские мастера рисовали свет в своих натюрмортах. Светильник представляет собой светодиодную лампу со сбалансированным дневным светом 3200 люмен в 18-дюймовом квадратном софтбоксе, установленном на световой стойке. Обычно я помещаю свет слева и немного впереди или сзади объекта, в зависимости от того, в какую сторону падают тени.

Кроме того, я добавляю большой кусок черной пенопластовой сердцевины на подставку для освещения, которая действует как флаг или дверь сарая, чтобы отрезать свет от задней части набора и фона. Моя цель — сделать свет мягким, но направленным. Тень — важная часть композиции, она добавляет объема и подчеркивает текстуру. Меньшие черные или белые флажки из пенопласта могут быть добавлены, чтобы смягчить блики или раскрыть тени в частях композиции.

фото: Ron Mayhew

На что вы снимаете? Какое оборудование, камеру вы используете?

Когда композиция, наконец, завершена, а иногда это может занять несколько часов и еще много часов охоты и сбора реквизита, пора делать снимок. Я фотографирую на камеру OM-D E-M5 Mark II и объективы 12–40mm f2.8 Pro или 45mm f1.8 — это часто используемые объективы и камера. Все это я устанавливаю на штатив с прикрепленным дистанционным тросиком. После кадрирования натюрморта с помощью светодиодного экрана камеры я устанавливаю фокус с помощью ручной фокусировки с включением выделения контуров.

Я выбираю точку фокусировки около передней трети натюрморта. Далее настраиваю экспозицию. Съемка в ручном режиме с ISO, установленным на 400, и диафрагмой от f7.1 до 11. Я выставляю экспозицию немного вправо, используя центрально-взвешенный замер на более яркой области установки. Я могу настроить экспозицию с помощью режима live view, прежде чем сделать первый тестовый снимок, который я загружаю в Lightroom на свой рабочий стол, чтобы я мог просмотреть всю композицию на большом мониторе.

фото: Ron Mayhew

Неизменно, в некоторые компоненты необходимо внести незначительные изменения. Поверните этот стержень немного влево, наклоните его вправо. Немного переместите опору, чтобы открыть негативное пространство и т. д. Еще один пробный снимок и любые последние изменения вносятся в настройку камеры, а после делаю окончательный кадр.

Вначале я попытался привязать камеру к ноутбуку с помощью Olympus Capture. Но я быстро понял, что предпочитаю большой настольный монитор для критического анализа изображения. Вдобавок я обнаружил, что Olympus Capture неуклюжая и не очень удобная для использования.

Еще раз проверьте фокусировку и экспозицию. Готовы, наконец, сделать финальный снимок. Это будет единичный выстрел. Затем сделаю HDR с пятью выдержками +/- 2 ступени. Часто, но не всегда, обработанный Lightroom HDR хорошо справляется с удалением бликов на твердых или блестящих объектах в некоторых натюрмортах.

фото: Ron Mayhew

Расскажите о постобработке.

Постобработка значительно различается от изображения к изображению и выполняется в Lightroom и Photoshop. После того, как файл загружен в Lightroom, я обычно начинаю с кнопки «Авто» в окне «Основные» и дорабатываю дальше по своему вкусу. Скорее всего, сюда будут добавлены немного Dehaze и Clarity. Далее изображение открывается в Photoshop. После копирования файла я обычно корректирую цвет и добавляю немного контраста с помощью коррекции кривых.

Часто клонируются нежелательные частички мусора, пятна или другие отвлекающие факторы. Теперь я могу наложить другой фон или наложить текстуру в зависимости от изображения и внешнего вида, который мне нужен. После сохранения в Photoshop изображение волшебным образом снова появляется в Lightroom, где я делаю окончательные корректировки и, как правило, виньетку.

фото: Ron Mayhew

Какую камеру вы посоветуете для съемки натюрмортов?

Для съемки моих натюрмортов подойдет практически любая зеркальная или MFT-камера. Камера играет относительно небольшую роль в моем рабочем процессе для этих изображений. Тем не менее, я полностью привержен системе Olympus уже около шести лет. В настоящее время я использую три корпуса: OM-D E-M1 Mark II и Mark III и OM-D E-M5 Mark II.

И различные объективы от 7–14 mm f2.8 Pro до 300 mm f4 Pro, а также несколько фиксов о которых писал ранее. Я ни разу не пожалел, что переключился на Olympus. Качество сборки их корпусов и линз невероятные, но вот защита от атмосферных воздействий недооценивается многими фотографами, а она тут очень хорошая. Я много путешествую, и компактный размер и вес комплекта Olympus ценится на каждом этапе моего пути.

Еще больше работ автора в его социальных сетях и на сайте.

фото: Ron Mayhew

[ronmayhewphotography.com], [instagram.com/ronmayhew1]

Следите за новостями в наших социальных сетях
Вконтакте, Facebook, Instagram, Telegram и YouTube

comments powered by HyperComments

Как правильно составить натюрморт

Думаю, каждый из вас хоть раз в жизни рисовал натюрморт.

Почему именно натюрморт? Потому что это самый простой жанр, доступный для начинающих. На примере натюрмортов легче учиться передавать объем, пространство, фактуру.

Если вы учитесь самостоятельно, то вопрос грамотной постановки натюрморта будет для вас актуален.

В данной статье мы разберём теорию композиции натюрморта и поговорим о том, как правильно его составить.

Натюрморт (фр. «мертвая природа» или голл. stilleven, нем.stilleben, англ. still-life «застывшая жизнь») — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению неодушевленных предметов.

Этот жанр достаточно молодой и начал появляться лишь в 15-16 веках как часть композиции, окончательно сформировался в 17 веке в нидерландской и фламандской живописи. Получил развитие в 18-20 веках в европейской, русской, американской живописи.

Прежде всего, запомните,

Хороший натюрморт рождается задолго до того,

как вы возьмете в руки краски и кисть.

Вы должны максимально грамотно продумать детали и композицию натюрморта уже на стадии его постановки, чтобы в последствии не мучиться с рисунком и не исправлять ошибки композиции непосредственно на листе или холсте.

Очень важно изначально продумать, о чем будет ваш натюрморт.

Даже если вы ставите постановку в чисто учебных целях, то каша из разномастных, не объединенных одним направлением предметов, будет смотреться странно и негармонично.

Подумайте, к какой тематике вы хотели бы отнести ваш натюрморт.

Примеры тематики натюрморта:

— предметы искусства
— охотничий натюрморт
— цветы и фрукты
— о смысле жизни
— завтрак
— национальный
— дачный
— учебный

Интересно, что в живописи старых мастеров было 2 типа натюрморта:
— «вещи человека» (личные, характеризующие человека, например «суета сует»)
— «вещи для человека» (например «цветы и фрукты», «битая дичь»)

Посмотрите на пример ниже.

Глядя на этот натюрморт, можно сказать, что он об изобилии, плодородии, щедрости земли, которая дает нам такое количество плодов.

Идея передается художником в виде множества фруктов, корзин и подчеркивается изображением рушника с вышитым на нем древом жизни.

Выделите основную идею натюрморта и придерживайтесь её, выбирая предметы и драпировки.

Итак, предметы в натюрморте должны быть связаны по смыслу. Но это не единственное условие для гармоничной композиции.

Основные ориентиры по подбору предметов для интересного натюрморта:
— Предметы подходят по смыслу
— Предметы имеют разные формы и пропорции
— Разнообразие предметов по размерам. Используйте крупные, средние и мелкие объекты для более интересного ритма.
— Цветовая гармония. Выбирайте драпировки и объекты, гармоничные по цвету.
— Разнообразие текстур и фактур. Предметы с различными поверхностями (матовыми и глянцевыми, шероховатыми и гладкими) смотрятся интереснее, поскольку подчеркивают различие друг друга.

Помните о самом важном правиле:

предметы должны вам нравиться, вызывать эмоциональный отклик,

натюрморт должен всячески вдохновлять вас на его написание.

Теперь поговорим о композиции натюрморта и рассмотрим все основные аспекты.

О чём стоит задуматься при расстановке предметов:

1. Определяемся с форматом: горизонтальный, вертикальный или квадрат?

2. Расположение предметов будет симметричное или асимметричное?

3. Будет ли использована какая-то композиционная схема: треугольник, круг, диагональ?

Давайте рассмотрим разные варианты данных пунктов.

Горизонтальный формат — наиболее распространен, т.к. подчеркивает плоскость стола и позволяет расставить большое количество предметов.

Он располагает к задумчивому движению, передает идею покоя, изобилия, неторопливого разглядывания, релакса.

Зачастую художники дополняют его вертикалью (боковая поверхность, ниспадающая драпировка) для проявления глубины пространства.

Вертикальный формат более подвижный и дает ощущение идеи роста.

Этот формат подойдет для изображения цветов, веток, высоких ваз.

Вертикальный формат также несет более высокое одухотворенное начало.

Квадратный формат легко ловит и концентрирует восприятие зрителя.

В нём нет движения вширь или ввысь, появляется круговое движение и устремленность в центр. Он даёт ощущение стабильности.

Круглый или овальный форматы встречаются довольно редко, поскольку неудобны для оформления.

Однако они легко вписываются в квадрат и могут использоваться под паспарту.

1) Треугольник: в основе такой схемы в центре располагают высокий предмет, который дополняют более мелкие объекты в основании треугольника.

2) Круг: подходит для квадратного формата, когда нет одного доминирующего по размеру предмета. Взгляд зрителя как бы скользит по кругу, обозревая натюрморт.

3) Диагональ: дает подвижную композицию и зачастую ощущение внутреннего дисбаланса. Подходит для передачи движения, хаоса, а также для акцента на пустую часть формата. Там, например, может быть окно с пейзажем.

Симметрия: даёт ощущение стабильности и незыблемости.

Ассиметрия

: более притягивает взгляд, поскольку появляется динамика и интерес, основная проблема при этом — создать равновесие композиции.

Линии золотого сечения: правильные гармоничные пропорции, созданные самой природой. Объекты, расположенные в фокусных точках, на пересечении линий золотого сечения или, как альтернативы, третей непроизвольно притягивают взгляд зрителя.

Свободное расположение предметов — бесфоновый натюрморт, взгляд сверху, рассыпанные предметы, ощущение дыхания, света, свободы.

Плотное расположение предметов — стабильность, благородство, наполненность — близкое расположение предметов друг к другу.

Это главное место в картине, куда чаще всего направляется взгляд зрителя. Целесообразно именно здесь располагать предмет, проявляющий идею натюрморта.

Композиционный центр — место или объект, который в первую очередь притягивает взгляд зрителя.

Может проявляться различными способами (светлое на темном, создание иной формы, более сложной, контрастность, цвет).

Расставляя предметы, следите за их чередованием, повторяемостью — ритмом. Целесообразно использовать предметы подобные, но разных размеров: крупные, средние, мелкие.

Например, посмотрите на натюрморт слева.

Обратите внимание на то, как здесь встречаются различные подобные формы: половинка граната, долька граната, зерна граната.

Или как в натюрморте справа чередуются пятна розового. Они есть и в букете, и в бокалах, и на скатерти.

Именно такой повтор делает картину цельной.

Композиционный центр и ритм рождают пластику натюрморта —

движение глаза по картине.

одинаковых по форме объектов
несоразмерных объектов (очень большие и очень маленькие, рекомендуется использовать 3 размера: большой, средний, маленький)
выстраивания предметов на одной линии
отсутствия перегораживая (когда все предметы видны целиком, перегораживание дает эффект глубины пространства)
совмещения осей у симметричных предметов
соприкосновения силуэтов
«лесенки»
неуравновешенности частей (когда одна часть композиции перевешивает другую)
дробности
слияния силуэтов

Верхний ряд:

1) все линии силуэтов прямые — выглядит скучно
2) все линии силуэтов со сгибами
3) все предметы горизонтальные — не хватает вертикалей

Нижний ряд:
3) одинаковая форма оснований у всех объектов
4) все объекты имеют ручки и сложные элементы
5) все основания равны по площади

Очень многое зависит от фона, он может давать необходимую пластику и единство цвета.

ОГРАНИЧЕННОЕ ПРОСТРАНСТВО

Неглубокое пространство, например, позволяет больше сосредоточиться на предметах:

Если же пространства вокруг предметов много, то оно может быть дополнено драпировками.

Драпировки добавляют натюрморту цельности, собирают разрозненные части за счет пластики складок.

Кроме того, яркий цвет драпировок вносит рефлексы на предметы, и это служит объединяющим живописным началом для натюрморта.

Изображение окон в натюрмортах появилось в 19 веке с течением импрессионизма. Окно дает композиции ощущение большего пространства, открытости, дыхания и света.

Фоном для натюрморта может послужить целый кусок комнаты, где видны мебель и даже персонажи, как здесь:

Очень важно следить за гармонией цветовых сочетаний в натюрморте. Для этого можно использовать определенную цветовую схему: сочетание нюансных оттенков, только холодных или только тёплых, или, наоборот, контрастных.

Кроме того, обязательно должен присутствовать ритм повторяющихся оттенков по всему натюрморту.

Важно, чтобы и фон, и предметы были созвучны — повторяющиеся цветовые пятна были разбросаны по всей картине.

В завершении процесса постановки натюрморта необходимо выставить свет.

Это очень важный этап, поскольку свет может коренным образом изменить вид натюрморта.

Свет поможет выделить главный объект, а также придать всей композиции цельность.

Свет может играть эмоциональную роль, являясь одним из главных действующих персонажей, задавая настроение.

Свет может быть и отдельным, очень важным, объектом композиции (например, свеча).

Итак, мы вкратце пробежались по теории композиции. Теперь её важно подкрепить практикой.

Давайте подытожим сказанное и создадим ваш натюрморт. Вот краткая инструкция для вас:

Придумайте тему натюрморта.

Безусловно, можно поставить на стол все красивые предметы сразу, но гораздо логичнее будут выглядеть компоненты, объединенные одной историей, угадываемой личностью их хозяина или хотя бы стилистически.

Рассортируйте все составные части по форме.

Желательно, чтобы она была разнообразна — найдите предметы широкие и узкие, высокие и низкие.

Проследите за тем, чтобы натюрморт не состоял из продуктов и вещей, которые не сочетаются по цвету.

Если вам сложно определить это на глаз, воспользуйтесь цветовым кругом. Впишите в него равносторонний треугольник. Его углы будут указывать на 3 основных цвета, хорошо сочетающихся друг с другом. В качестве дополнительных цветов можно взять оттенки, которые находятся по бокам от основных.

Присмотритесь к фактуре каждого участника натюрморта.

Интереснее будут смотреться предметы, сделанные из разных материалов. К тому же, это позволит вам развивать свои навыки рисования стекла, керамики, меди, дерева и т.д.

Подберите подходящий фон.

Можно разложить натюрморт на драпировке или непокрытой поверхности. Важно, чтобы по цвету она была нейтральной (если оттенки предметов насыщеннее) или сочеталась со всей композицией. В любом случае фон не должен забирать на себя львиную долю внимания зрителя.

Расставляя предметы на плоскости, старайтесь ориентироваться на законы композиции.

Не перегружать пространство и не оставлять незаполненным какую-то его часть.

Чувство гармонии есть практически у каждого человека: просто передвигайте предметы по столу, и в какой-то момент вы поймете, что пространство заполнено правильно.

Выставьте свет над натюрмортом.

Он не должен быть слишком тусклым или наоборот делать некоторые фрагменты вашей композиции «засвеченными».

Если дневного света недостаточно, поставьте дополнительно настольную лампу так, чтобы центр композиции четко просматривался и не уходил в тень от других предметов.

Успехов вам в составлении натюрмортов!

Буду рада вашим комментариям и репостам!

ОБУЧАЮЩИЕ МАСТЕР-КЛАССЫ СЕРИИ «НАТЮРМОРТ»

Ю.М. Лотман. НАТЮРМОРТ В ПЕРСПЕКТИВЕ СЕМИОТИКИ

В работах по истории живописи натюрморту обычно отводится скромная роль на периферии художественного процесса. Это вполне оправданно: сюжетная мифологическая и историческая живопись, портрет, пейзаж кажутся более непосредственно связанными с магистральными движениями развития искусства. Однако существуют эпохи, когда натюрморт выступает вперед. С семиотической точки зрения они представляют особый интерес. Именно тогда делается ясной важность культурных проблем, связанных с этим жанром, их теоретическая актуальность для искусства как такового.

Оппозиция «слово – вещь» принадлежит к основным семиотическим образующим всякой культуры. При этом «вещь» берется не в ее лингвистическом значении, как денотат знака, а в ее реальности, противопоставленной знаковости как таковой. Вещи приписывается не просто материальность, но и единственность, самодовлеющее бытие, целостность и особая, независимая от человека и его идей подлинность. Знак воспринимается как нечто условное, созданное человеческой культурой, вещи приписывается безусловность и чувственная реальность, выводящая ее за пределы мира социальных конвенций.

Слово воспринимается в культурном мире как знак вещи, нечто заменяющее вещь в процессе коммуникации, но не способное заменить ее в реальном употреблении. Поэтому вещи приписывается признак реальности, того, что не может быть заменено. На фоне вещи слово выглядит эфемерным. Это убеждение отчетливо выразилось в словах из шекспировской комедии «Как вам это понравится», запомнившихся Пушкину. «В одной из Шекспировских комедий, – писал он, – крестьянка Одрей спрашивает: “Что такое поэзия? вещь ли это настоящая”» ¹.

То, что сама вещь есть нечто «настоящее», с точки зрения бытового сознания не подлежит сомнению.

К столь же, казалось бы, очевидным свойствам вещи относится достоверность. Если слово всегда подозрительно с точки зрения его истинности, то достоверность вещи в бытовом сознании не вызывает сомнений. Сенсорная ощутимость вещи – возможность увидеть и потрогать – делает ее как бы критерием достоверности. Отличие между «услышать», с одной стороны, и «увидеть и потрогать», с другой, связано с возможностью опосредованности первого и обязательной непосредственностью второго. Услышать можно от другого, но посмотреть и потрогать можно только самому. Поэтому сенсорность восприятия означает здесь непосредственность контакта. Слово функционирует в отчуждении от предметного мира, вещь всегда дана в непосредственном контакте. Поэтому между нею и связанным с ней человеком возникают отношения «личного знакомства». Вещь включается в сферу непосредственно эмоционального восприятия.

Все перечисленные выше свойства вещи проявляются, однако, лишь в контексте культуры, а человеческая культура по своей природе строится на основе слова. Это приводит к неожиданным трансформациям, которым подвергается вещь в процессе социокультурного функционирования. Если слово – знак вещи, то сама эта вещь, включенная в знаковый мир культуры, делается знаком отсутствия знака, превращается в знак выключенности из знаковых отношений. Это включает ее в длинную цепь сложных семиотических отношений.

С одной стороны, слово, как бы тяготясь своей «нормальной» культурной функцией, может проявлять стремление изменить свою семиотическую природу и сделаться вещью.

Такие тенденции заметны в религиозных движениях средних веков, они же явственно проявились в теориях русских футуристов. Стремление превратить слово в вещь порождало заявления типа: «Должно поставить вопрос о письменных, зримых или просто осязаемых, точно рукою слепца, знаках» (В. Хлебников, А. Крученых) ². «Поэтическое слово чувственно, – утверждал Николай Бурлюк. – Мы хотим, чтобы слово смело шло за живописью» (Хлебников) ³. А близкий в 1913 г. к футуристам автор манифеста «Перчатка кубо-футуристам» (подпись: М. Россиянский – коллективный псевдоним В.Г. Шершеневича и Л.С. Зака) писал: «Поэтическое произведение есть сочетание не столько слов-звуков, сколько слов-запахов» ⁴.

Но если слово стремится сделаться вещью, то вещь в определенных культурно-семиотических ситуациях проявляет тяготение стать словом. Она обрастает знаковыми признаками, превращается в эмблему.

На пересечении этих семиотических процессов располагается искусство изображения вещи, то есть натюрморт.

Изображение вещи в форме рисунка глубоко двойственно по своей природе: по отношению к словесному тексту и к сюжетно-литературной живописи оно будет выступать как бунт против «словесности», вызов знаковому миру, но по отношению к самой вещи (натуре) натюрморт реализует себя как особо утонченная форма знака. Это определяет возможность двойной типологии натюрморта.

Во-первых, натюрморт может стремиться к полной иллюзии вещности. Художник задается целью внушить зрителю, что перед ним не изображение вещи, а сама вещь. «Натюрморт есть… вторжение в область обоняния, осязания, вкуса и даже звука – область чувств, которая, кажется, противопоказана искусству живописи и которая в других жанрах обычно не акцентирована и не привлекает специального внимания художника» ⁵. Крайним выражением этой тенденции могут считаться миниатюры Федора Толстого, воспроизводящие капли воды, упавшие на рисунок, и ползающих по нему мух, и натюрморты, выполненные в жанре «trompe l’oeil»*. Таковы прославленные «Шкафы для украшений» Георга Хинца, «Доска с рисунком и отпечатком» М. Эккардта, натюрморты Г. Теплова, А. Мордвинова и др.

На первый взгляд натюрморты этого типа могут показаться то ли данью примитивному натурализму, то ли чем-то относящимся к внехудожественному иллюзионизму, «tour de force», демонстрирующим ловкое мастерство и более ничего. Такое представление ошибочно: перед нами игра на грани, требующая изощренного семиотического чувства и свидетельствующая о сложных динамических процессах, которые, как правило, протекают на периферии искусства еще до того, как захватывают его центральные сферы. Именно имитация подлинности делает понятие условности осознанной проблемой, границы и меру которой нащупывают и художник, и его аудитория. Если с этой точки зрения посмотреть, например, на акварель Ф. Толстого «Цветок, бабочка и мухи» (1817, ГРМ), то нетрудно заметить, что на лежащем перед нами листе художник сталкивает разные типы условности: бабочка и цветок «как бы нарисованы», а капли воды на рисунке и мухи, ползающие по нему и пьющие эту воду, «как бы настоящие». Таким образом, бабочка и цветок становятся рисунками рисунка, изображениями изображения. Для того чтобы зритель уловил эту игру, ему необходимо тонкое ощущение семиотических регистров, ощущение рисунка как невещи, а вещи как нерисунка.

«Обманки» Г. Теплова и А. Мордвинова особенно интересны еще с одной стороны: это любительская живопись, занимавшая в искусстве их эпох явно периферийное положение. Но именно от этого она не теряет, а выигрывает в наших глазах: мы наглядно убеждаемся в том, что сложные процессы внутреннего развития искусства порой завязываются на его периферии: достаточно поставить рядом «Подрамник, папку и гипсовый барельеф» Мордвинова и коллаж Курта Тёбнера «Die angelehnten Abgelehnten» ⁶, чтобы убедиться в семиотическом родстве «trompe l’oeil» и коллажа. Это, в частности, проявляется в почти обязательном включении в произведения обоих жанров словесных текстов. «Похвала селедке» Иозефа де Брая – наглядный тому пример**. Особенно же характерен натюрморт С. Боннекруа «Стена в мастерской художника», где элементом обманки является натянутый на подрамник натюрморт типа «Vanitas vanitatis» ⁷, – в картину введен семиотический антипод «trompe l’oeil». Здесь уместно вспомнить слова И.Е. Даниловой: «Часто в натюрморте представлены произведения прикладных искусств: художественное стекло, керамика, скульптура малых форм, гравюры, живопись – иными словами, искусство в искусстве» ⁸. Именно столкновение различных кодов и порождаемые этим семиотические эффекты составляют основу воздействия «trompe l’oeil» и тех натюрмортов, которые ориентированы в этом направлении***.

Следует также отметить, что свойственное «trompe l’oeil» повышение меры иллюзорности сопровождается одновременно и повышением меры условности: увеличивается вещная реальность, но уменьшается реальность пространственная. Обманки стремятся к плоскостному, двухмерному миру, строго фиксированной точке зрения зрителя. Не случайно идеальным объектом изображения в таком натюрморте является стена и прикрепленный к ней лист бумаги или столешница с положенной на нее акварелью. Взгляд зрителя направлен перпендикулярно плоскости рисунка – горизонтально или сверху вниз.

Суммируя сказанное, можно сделать вывод, что в этом случае речь идет не столько об иллюзии натуральности, сколько о семиотике такой иллюзии. Антиподом подобного натюрморта, в интересующем нас аспекте, является аллегорический натюрморт, своеобразной вершиной которого стал тип «Vanitas». В этом случае изображаемые предметы имеют определенное аллегорическое пли закрепленное за ними культурной традицией значение. Включение в композицию черепа – эмблемы смерти и быстротечности всего земного, – часов, драгоценностей и монет (символизирующих богатство) придает натюрмортам этого типа характер зашифрованного сообщения. Такой натюрморт не смотрят, а читают. Но его не просто читают – его разгадывают: это тайнопись для посвященных, говорящая на условном эзотерическом языке. А. Майер-Мейнтшел показала, как введение языка цветов превращает натюрморт в сложный текст, который может восприниматься и как «натуральное изображение», и как религиозно-этическое, и как мистическое сообщение, в зависимости от кодовой установки аудитории ⁹.

Возможность многообразных прочтений – от поверхностно-бытовых до скрыто-аллегорических – прямо переносит нас в ситуацию, обычную для литературного текста, но сравнительно мало характерную для живописного. Так, стихотворение Тютчева «Фонтан» в первой строфе содержит пейзажное изображение фонтана. Далее идет символическое истолкование: фонтан – человеческий ум («О, смертной мысли водомет…»). Но затем идет зашифрованное и, казалось бы, непонятное четверостишие:

Как жадно к небу рвешься ты!..
Но длань незримо-роковая,
Твой луч упорный преломляя,
Свергает в брызгах с высоты ¹⁰.

Смысл стихов прояснится, если мы вспомним, что ключом к ним является эмблема, которую мы встречаем в ряде эмблематических изданий: фонтан, струя которого приостанавливается рукой, выходящей из тучи (обычное обозначение в христианской эмблематике Бога). В сборнике 1705 г. «Симболы и Емблемата», изданном в Амстердаме, который был, вероятно, для Тютчева непосредственным источником ¹¹, дана легенда: «Een fontein van een hand gestopt» и латинский девиз «Vires alit» (русский перевод: «Ободряет силу»; даны также французский, итальянский, испанский, шведский и немецкий переводы девиза) ¹².

Только знание эмблематического смысла позволяет до конца проникнуть в казалось бы пейзажно-живописную зарисовку Тютчева. Это исключительно близко к эмблематическим натюрмортам, скрытого смысла которых непосвященный зритель может вовсе и не подозревать. Порой в полотно вводится лишь одна какая-либо явно эмблематическая деталь. Но она задает ключ чтения, и остальные элементы, порой старательно «замаскированные» под бытовые предметы, раскрывают свою символическую сущность.

Насыщенность натюрморта значениями особенно проявляется в те эпохи, когда пристальное внимание искусства обращено на анализ своего собственного языка, как, например, в период барокко или в XX в.

Если поэтическое слово футуристов стремилось уподобиться вещи, то в живописи начала XX в. отчетливо проявилась тенденция трактовать вещь как слово. Лингвистическое сознание проникает в самые основы натюрморта.

В натюрморте начала XX в. можно выделить две тенденции, которые определяются как аналитическая и синтетическая. Обе не только характеризуются обращением с вещью как со словом, но и явно обнаруживают влияние лингвистического мышления на художников.

Аналитическая тенденция проявилась в кубистических натюрмортах. Обычно в этом случае подчеркивается разложение объекта на плоскости и геометрические формы. Однако важно и другое: целостный объект, обладающий единым значением (вещь = слово) рассматривается как составленный из иерархически более низких (более элементарных) единиц, которые на своем уровне обладают своими пространственными значениями и одновременно входят в более высокий уровень как составляющие смысловую целостность вещи. Аналогия с фонемами очевидна. В свою очередь, эти элементы отличаются друг от друга по дифференциальным признакам. Подобно тому как футуристы в «самовитом слове» воскрешали ощутимость и значимость фонемы, кубисты делают воспринимаемыми и значимыми пространственные формы вещи.

Синтетическая тенденция, проявившаяся, например, в натюрмортах Сезанна, может быть сопоставлена с законами построения связного текста. Повторяемость цветовых пятен и объемных форм, сопоставимая с законами сингармонизма или грамматического согласования, связывает отдельные предметы в структурное единство. При этом вещи у Сезанна подчеркнуто замкнуты в себе, разделены своей материальностью. Соединение их достигается не теми способами, какими несколько вещей образуют кучу, а какими несколько слов образуют фразу или несколько фраз образуют абзац: выраженное между ними формальное единство заставляет подразумевать неочевидную смысловую связь. Представим себе фразу, значение слов которой нам непонятно, но грамматическая структура, выражающая отношение между ними, известна. В этом случае слова будут нам казаться полными скрытого смысла, загадочными. Таков натюрморт Сезанна: структура отношения между предметами нам ясно выражена, но сами предметы – «слова на неизвестном языке». Они значительны, так как непонятны.

Все сказанное подводит нас еще к одному положению. В уже цитированной работе И.Е. Данилова спрашивает: «В аллегорической картине Джованни Беллини, которую условно называют “Озерная мадонна”, в самом центре композиции, на мраморном полу террасы лежит апельсин. Что это – натюрморт? Нет. Но почему такие же апельсины, лежащие на мраморной столешнице или на каменной кухонной полке в полотнах мастеров XVII века, становятся натюрмортом?»

Мы не собираемся отвечать на этот вопрос, так как ответ дан самим автором процитированной статьи. Однако уместно было бы привести в этом случае сравнение: вещь в сюжетной картине ведет себя как вещь в театре, вещь в натюрморте – как вещь в кино. В первом случае – с ней играют, во втором – она играет. В первом случае она не имеет самостоятельного значения, а получает его от смысла сценического действия, она – местоимение. Во втором она – имя собственное, наделена собственным значением и как бы включена в интимный мир зрителя.

Натюрморт обычно приводят как наименее «литературный» вид живописи. Можно было бы сказать, что это наиболее «лингвистический» ее вид. Не случайно интерес к натюрморту, как правило, совпадает с периодами, когда вопрос изучения искусством своего собственного языка становится осознанной проблемой.

1986

ПРИМЕЧАНИЯ

[1] Пушкин Л.С. Полн. собр. соч.: В 16 т. Л., М., 1949. Т. 12. С. 178.
[2] Хлебников В. Собр. произведений: В 5 т. Л., 1933. Т. 5. С. 248.
[3] Хлебников В. Неизданные произведения. Л., 1940. С. 334.
[4] Литературные манифесты: От символизма к Октябрю. 2-е изд. М., 1929. Т. 1. С. 70.
[5] Кузнецов Ю.И. Социальное содержание натюрморта: Флора и фауна // Натюрморт в европейской живописи XVI – начала XX века. (Выставка картин из музеев СССР и ГДР): Каталог. М., 1984 (страницы не нумерованы). Ср.: Das Stilleben und sein Gegenstand. Dresden, 1983. S. 25.
[6] См.: Kurt Teubner: Collagen und Assemblager. Staatliches Lindenau-Museum. Altenburg, 1983. S. 28.
[7] «Суета сует» (лат.)
[8] Данилова И.Е. Натюрморт – жанр среди других жанров // Натюрморт в европейской живописи XVI – начала XX века. М., 1984. Ср.: Das Stilleben und sein Gegenstand. S. 23.
[9] Майер-Мейнтшел А. Мир на столе: Натюрморт и его предмет // Натюрморт в европейской живописи XVI – начала XX века. Ср.: Das Stilleben und sein Gegenstand. S. 18–19.
[10] Тютчев Ф.И. Полн. собр. стихотворений. Л., 1939. С. 68.
[11] Симболы и Эмблемата оуказомъ и благоповеденни Его Освещеннейшаго Величества Высокодержавнейшего Московского Великаго Государя Царя Самодержца и Высочайшею Монарха напечатаны, Symbola et Emblemata, Jussu atque auspiciis Czaris Petri Alexidis excasa. Amsterdam, 1705, Emblema № 64. Р. 22. Ср.: Diego de Saavedra Fajardo. Ein Abriss eines christlischpolitischen Printzens. Amsterdam, 1655. S. 701. Поскольку смысл девиза гласит, что отдых заткнутого фонтана обновляет его силы, эта же эмблема, видимо, источник изречения Козьмы Пруткова: «Если у тебя есть фонтан, заткни его, дай отдохнуть и фонтану».
[12] См.: Schulze A. Tjatcevs Kurzlyvik: Traditionszusammentänge und Interpretationen. München, 1968. S. 76.

Впечатляющие натюрморты известных русских художников с названиями

В России натюрморт долгое время не считали достойным внимания и использовали лишь при обучении для оттачивания художественных навыков. Все изменилось в начале XX века, когда меценаты стали ввозить в страну картины из Франции. Натюрморты импрессионистов вызвали живой интерес у русских художников, что привело буквально к повальному выбору этого жанра многими знаменитыми живописцами от реалистов до абстракционистов.

Натюрморты великих русских художников — на пути перемен

Наверное, было бы странно, если бы все русские живописцы взялись рисовать классические натюрморты, красиво выкладывая на столе предметы, скрупулезно обеспечивая фон и правильное освещение. Поскольку каждый мастер работал в своем направлении и манере, это привело к рождению на свет и самых необычных картин-натюрмортов. Посмотрим, как это проявилось у художников разных стилей.

Натюрморты русских импрессионистов, реалистов и модернистов

Значительный шаг вперед в русском натюрморте сделал импрессионист И. Грабарь. Хотя этот вид работ все еще оставался средством для оттачивания художественных навыков, в процессе создания натюрморта мастер ставил разнообразные живописные задачи, проводил эксперименты и всякий раз достигал чего-то нового в композиционном плане, плане форм или цветовых решений. Так появились на свет многие прекрасные картины, такие как «Сирень и незабудки», которые вдохновили многих других художников продолжить эти эксперименты.

И. Грабарь. «Сирень и незабудки». 1905 г.

Яркое наложение импрессионизма на неодушевленные предметы прослеживается и в работах А. Арапова. Размывая фон и избавляя зрителей от необходимости всматриваться в детали, художник сосредотачивается на эмоциях. Мы не увидим на его полотнах тончайшей прорисовки цветков или предметов, но без труда наполнимся эмоцией радости и ощутим дыхание жизни в его ярких работах.

А. Арапов «Натюрморт с цветами и свечой».

Импрессионист К. Коровин и представитель модерна В. Серов буквально вдохнули в натюрморт жизнь, вписав его в пейзаж или какой-либо сюжет. Так, у Коровина рождается натюрморт с портретом В.В. Перцовой, в котором он уделил одинаковое внимание натурщице, прекрасным букетам и волшебному солнечному дню. А у Серова это соседство особенно ярко проявилось в знаменитой картине «Девочка с персиками», где можно одинаково полно любоваться очаровательной девочкой и бархатистыми персиками, подчеркивающими нежность юного создания.

К. Коровин. Натюрморт с портретом В.В. Перцовой. 1916 г.

В. Серов. «Девочка с персиками». 1887 г.

У импрессиониста К. Петрова-Водкина большинство натюрмортов имеют такую особенность: в качестве предметов к традиционным цветам или фруктам он использовал какие-то вещи трудящегося человека. Так, на его известном полотне «Черемуха в стакане» изящная веточка черемухи окружена вполне житейскими мелочами — коробком спичек, письмами, журналом, посудой и другими вещами. Многие такие предметы повторялись в разных натюрмортах автора и использовались неспроста, так как художнику нравилось противопоставлять цвета, поверхности разной фактуры и изображать все объекты в сферической перспективе.

К. Петров-Водкин. Натюрморт «Черёмуха в стакане». 1932 г.

Художник-реалист Н. Богданов-Бельский использовал богатые композиции, в каждой из которых любой детали и цветовому решению уделяется максимум внимания, что делает натюрморт очень живописным.

Н. Богданов-Бельский. Пасхальный натюрморт. Начало XX века

У представителя модерна Н. Сапунова цветочные композиции буквально стали частью его жизни. Он создавал многочисленные композиции из ваз и букетов или одних цветов, которые могли словно узоры заполнять все полотно его картин. Отсюда и разнообразие работ, которые помогают зрителю глубоко почувствовать красоту и грандиозность момента, пережитого художником. Его натюрморты по большей части лишены прорисовки деталей, что помогает зрителю больше погрузиться в чувства, нежели в обдумывание сюжета.

Н.Н. Сапунов. «Вазы и цветы». 1910 г.

Художник-реалист Б. Кустодиев при написании натюрмортов продолжал следовать своему живописному видению. Он любил рисовать отдельные букеты, создавал определенные композиции предметов или органично вписывал неодушевленные объекты в естественную среду. Многие его работы этого жанра очень реалистичны и детализированы.

Б. Кустодиев. Натюрморт «Финский букет». 1917 г.

Натюрморты русских абстракционистов

Не обошли вниманием натюрморт и представители абстракционизма, показав миру совсем другое видение реальности. Так, для И. Машкова натюрморт стал одним из его любимых видов работ. Будучи эксцентричным художником, он также непредсказуемо проявлял себя и в натюрмортах, работая в разных стилях от примитивизма до соцреализма. В результате на свет появились многочисленные колоритные «Хлебы», весьма реалистичная картина «Рыбы, овощи, фрукты», картина с мощными линиями «Фрукты на блюде (Синие сливы)» и многие другие. Натюрморты Машкова приковывают к себе внимание и вызывают разнообразные эмоции.

И. Машков. «Снедь московская. Хлебы». 1924 г.

Не менее многогранно к работе с натюрмортами подошел и абстракционист В. Баранов-Россине. Так, мы видим, как в обычный сюжет «Натюрморт с цветами и фруктами» вторгаются плоскости и грани, искажающие пространство. А в работе «Натюрморт со стулом» уже прослеживается характерное для кубизма дробление картины на детали.

В. Баранов-Россине. Натюрморт с цветами и фруктами. 1915 г.

В. Баранов-Россине. Натюрморт со стулом. 1911 г.

Уход от привычных форм и цвета проявился и в работе Никола де Сталя. Он использует в своих натюрмортах как характерную условность форм и цвета, так и разбиение на плоскости. Это позволяет взглянуть на представленную композицию совершенно с другой стороны. Например, в работе «Цветы» образ поверхности и букета в вазе легко узнаваем, но отказ от реалистичности заставляет воспринимать эту картину иначе. Заметим, что у художника было много натюрмортов с цветами подобного характера, в которых он экспериментировал с фоном, тонами и формами.

Никола де Сталь. «Цветы». 1952 г.

Дробление пространства и необычную для натюрморта цветовую гамму использует и В. Рохлина, которая много творила в стиле кубизма. В частности, в картине «Натюрморт с яблоками» зритель невольно вынужден отвлечься от привычных образов и погрузиться в новую атмосферу темных тонов и смещенных граней.

В. Рохлина. Натюрморт с яблоками

Натюрморты русских экспрессионистов

Экспрессионисты, как и импрессионисты, были сосредоточены на передаче чувств, причем им важен был максимальный накал этих чувств. Одним из художников, который создал в этом стиле множество натюрмортов, стал А. Явленский. Изучая его живопись, мы увидим яркие тона, часто несочетаемые друг с другом, угловатые формы, толстую черную обводку и искаженные очертания. Такие работы побуждают зрителя отойти от рассматривания, сравнения и оценивания и переключиться на переживание эмоций.

А. Явленский. «Цветы, фрукты и кувшин». 1909 г.

Наиболее сильно эмоции проявились в работах Х. Сутина. Реалистичные ужасающие туши животных или мрачные цветы в темных тонах многих заставят содрогнуться. Его работы неспроста вызывают такой эффект, так как они выстраданы всей его тяжелой жизнью. Сутин голодал настолько, что порой по ночам стучал соседям и клянчил хотя бы кусок хлеба, но когда ему что-то давали, терзаемый жутким голодом вначале рисовал натюрморт и только потом позволял себе съесть скудную еду. Но страдания в конце концов оправдали себя, так как и сегодня его натюрморты никого не оставляют равнодушным и уходят с аукционов за огромные деньги.

Х. Сутин. «Бычья туша». 1925 г.

Мы рассмотрели далеко не всех русских мастеров, которые пробовали себя в новом для них жанре натюрморта. Интересные композиции неодушевленных предметов встречаются также у М. Ларионова, П. Кузнецова, Л. Поповой, Р. Фалька, В. Шухаева и некоторых других живописцев.

Нетипичные натюрморты самых известных русских художников

Если многие русские художники занимались натюрмортами регулярно и преследовали свои изобразительные цели, то некоторые именитые мастера могут удивить переходом к неодушевленному объекту. Рассмотрим несколько всем известных имен.

Начнем с совершенно неожиданной работы И. Шишкина, написанной им в 1855 году. Сложно представить, что «поэт русского леса» вдруг взялся за изображение посуды. Однако ничего странного в этом нет, так как это как раз одна из ученических работ, выполненных художником во времена обучения в Московском училище живописи и ваяния. Работа хранится в Смоленском государственном музее-заповеднике, куда она поступила в дар вместе с коллекцией Н. Соркина. Кстати, великого художника все же куда больше волновала живая природа, так как в этом же 1855 году его ученический этюд «Сосна на скале» купил Государственный Русский музей.

И. Шишкин. Ученический натюрморт. 1855 г.

Не менее интересна работа И. Репина «Яблоки и листья». Но это вовсе не ученическая работа, так как к 1879 году маэстро уже был в звании академика и создал немало шедевров. Однако натура его была многогранной, он легко брался и за исторические, и за жанровые картины, и за пейзажи или портреты. Картина «Яблоки и листья» лишь подчеркивает эту многогранность — мастер изобразил мертвую природу в нетипичной манере. Здесь нет красивого стола, опрятных салфеток или аккуратной выкладки фруктов и цветов. Яблоки словно бы показаны в их естественной среде, о которой мы можем лишь догадываться по темному фону вдалеке. Тем не менее, художник-реалист не изменяет своим взглядам и показывает неживую природу невероятно реалистично с естественными вмятинами и увяданием.

И. Репин. Натюрморт «Яблоки и листья». 1879 г.

Любопытно, что эту работу можно перепутать с одноименной картиной В. Серова. Но и тут нет никаких случайностей. Будучи учителем Серова, Репин дал ему задание нарисовать представленную композицию из яблок, но сам так вдохновился ею, что нарисовал свой вариант. Поэтому теперь мы имеем возможность сравнить мастерство двух именитых живописцев.

В. Серов. «Яблоки и листья». 1879 г.

Нечасто брался за натюрморты и художник-реалист И. Левитан, но все они проникнуты глубокой нежностью и словно бы лучатся светом. Левитан любил после прогулки по лесу с учениками ставить перед ними цветы. Но эта процедура обычно ограничивалась лишь постановкой вазы с цветами на стол, а не длительным созданием композиции. Если присмотреться к натюрмортам живописца, то в них нет никаких отвлекающих от самого букета деталей. Зато каждому цветку и их общей композиции уделялось максимум внимания. Здесь проявлялось все мастерство художника-реалиста, который заставлял жить, играть множеством оттенков и заставлять даже с полотна источать утонченные ароматы каждый цветок, каждый лепесток и как будто случайную травинку всей композиции. От того так зачаровывают его «Одуванчики», «Васильки» или «Лесные фиалки и незабудки».

И. Левитан. «Васильки». 1894 г.

Также небольшое количество работ этого жанра встречаются и М. Врубеля, которого многие считают мастером «демонической» темы. Однако художник был неординарным и проявлял себя в самых разных темах и направлениях. Большинство его натюрмортов представляет собой цветочные композиции, в которых мы видим все то же рваное пространство, угловатые формы и мрачные тона, что и на картинах с изображением демонов.

М. Врубель. «Орхидея». 1887 г.

Не менее любопытен и натюрморт К. Малевича. Сложно представить, что основатель супрематизма предпочел потратить время на изображение фруктов и цветов, чем окунуться в очередную серию геометрических фигур. Однако работа «Натюрморт» была выполнена художником в 1911 году, то есть еще до того, как он нарисовал свой знаменитый «Черный квадрат» и основал супрематизм. Зато к этому времени он уже участвовал в выставках авангардистов «Бубнового валета» и увлекался новыми веяниями.

Если сравнить его «Натюрморт» с натюрмортами других представителей этого сообщества, например, с работой «Синие сливы» И. Машкова или картиной «Поднос и зеленка картонка» П. Кончаловского, то мы увидим сходство в густых черных контурах и контрастных цветах. Хотя у Малевича картина более динамична и разнопланова: одни фрукты вырисованы едва ли не детально, другие лишь обозначены, изображены плоскими с угловатыми формами, объемная ваза соседствует с плоскими тарелками, а яркие плоды с темной листвой.

К. Малевич. Натюрморт. 1911 г.

Если внимательно изучить коллекции самых известных русских художников, то мы найдем натюрморты у В. Сурикова, В. Васнецова, М. Шагала, В. Кандинского и ряда других авторов. Как мы видим, в руках русских мастеров самых разных стилей натюрморт заиграл новыми красками и показал зрителю новые возможности взгляда на реальность. Наверняка каждый найдет в этом многообразии творчества то, что именно его удивит и заставит долго всматриваться в картину.

Натюрморты современных художников — онлайн-галерея «Смарт»

По школьным учебникам мы помним, что натюрморт — это изображение предметов, «неживой природы». В памяти всплывают картины с цветочными букетами и с фруктами, выполненные в реалистичной манере. Потом мы вспоминаем натюрморты, которые видели в музеях, но тоже в первую очередь вспоминается классика — реалистичное искусство.

Но современное изобразительное искусство не стоит на месте. Пишут ли современные художники натюрморты? Какие они? Такие же, как 100-200-300 лет назад? Отчасти — да, отчасти — категорическое «нет».

Почему «да»? Потому что жанр натюрморта как был, так и остается. Это изображение неживой природы. Это определение в теории искусства не меняется, оно статично и стабильно.

А что же меняется? Меняется быт людей, меняются предметы — и это только верхушка айсберга. Главное — меняются стили, в которых работают художники. Меняется их отношение к этому жанру. Появляются новые техники исполнения.

С появлением фотографии художники в большинстве своем перестали ставить своей целью «нарисовать похоже». На первый план вышла уникальность трактовки старых, понятных образов. Какие трактовки могут быть в натюрмортах, спросите вы? А давайте посмотрим!

Мы подготовили обзор натюрмортов художников нашей галереи!

Работа Абжинова Эдуарда «Васильки» интересна своей техникой (холст, масло, воск). В такой технике мало кто работает, она достаточно сложна. Именно воск придает такую фактурность красочной поверхности. Сложный цвет фона (серо-зеленый) — как будто состаренный, припыленный. И на этом фоне ярко-синие васильки! Немного наивно, нарочито неидеально. Никаких парадных глянцевых ваз! Никаких пышных парадных цветов! Тихие, скромные васильки, которые мы больше помним по детству, нежели по сегодняшнему дню. Все это в совокупности — состаренность, припыленность, фактурная восковая поверхность, простые полевые цветы — выстраивает какую-то простую деревенскую историю. Когда все просто. Когда не надо «казаться», а можно просто «быть».

«Balance» — работа Григоряна Юрия. Этот натюрморт про современность, про идеальный баланс (и про его хрупкость, нестабильность). Вряд ли можно назвать эту работу натюрмортом в его классическом понимании, но у нас не стоит задача сверяться с теорией искусства. Мы думаем, здесь больше не про предметы, а про состояние. Состояние баланса — в настроении, в делах, в жизни. Это не про «натюрморт на кухню», понимаете, да?

«Дыня на закате» — работа художника Ефанова Павла. Какие цвета! Яркий, сочный поп-арт! Выглядит очень современно! Этот натюрморт — про жизнь, которая бьет ключом, про молодость и беззаботность) Полуабстракция-полунатюрморт. Но мы все же явно угадываем ровные ломтики порезанной дыни.

Работу «ХЛЕБЪ» художника Михаила Кабан-Петрова сложно назвать натюрмортом. Она и не является натюрмортом в классическом понимании. Работа концептуальная и философская. Это не просто «я положил кусок хлеба на стол и его нарисовал», как может показаться неискушенному зрителю Для того, чтобы разобраться, как относиться к такого рода работам, нужно ознакомиться с творчеством этого художника, почитать/послушать его интервью. И паззл начнет складываться. Но, повторимся, для неискушенного зрителя это «натюр» «морт» — неживая натура. Мы писали о творчестве Михаила здесь.

Работа «Семь груш» художника Колеватых Сергея. Яркая жизнерадостная композиция! И эту работу можно отнести к натюрмортам. Она напоминает нам компьютерную игру или какую-то другую цифровую иллюстрацию. Ощущение ультрасовременности и диджитала. Согласитесь, существенно отличается от классических натюрмортов, которые мы помним со школы?) В этой новизне и заключается смысл поисков художника.

«Ваза № 3» из серии «Голландия» художника Колистратова Дмитрия. Посмотрите внимательно — ваза разбита и склеена. Хотим обратить ваше внимание, что картина не обязана быть «красивой» — глянцевой, прилизанной и парадной. Зачастую именно неидеальность «делает» настроение и вызывает эмоции. Если бы вы увидели красивую, новую, целую вазу, вы бы подумали «Красивая ваза». И все) А сейчас даже у неискушенного зрителя появятся вопросы — «А почему она разбита? Она сама разбилась или ее кто-то разбил? Зачем ее склеили? Почему это важно?». Все эти вопросы могут наводить на более глубокие мысли — «Можно ли склеить то, что уже было разбито? Профессию? Отношения? Жизнь?»

Разве это просто натюрморт? Это просто про вазу? Просто про неживую натуру? Нет, конечно. Но в основе — жанр натюрморта.

«The gloaming (Сумерки)», художник Корчагин Олег. Черно-белый натюрморт, уходящий в сумеречную синеву. Все вокруг становится одного цвета — предметы, дома, деревья. И чаша на столе — как символ дома, убежища, крова над головой. И дело не в цвете, а в ощущении дома. А возможно, вы вспомните свои личные события. И от этого эта картина станет еще теплее, еще ближе.

Посмотрите также на технику письма: поверхность кажется шероховатой, потертой, неровной — как будто состаренной, напоминающей о старой деревне. Такие моменты тоже очень выделяют работу среди других. Главное — не быть «как все». Для профессионального художника — это смерть.

Это лишь часть работ художников нашей галереи, которые мы можем объединить одним словом «натюрморт». Но теперь вы знаете, что они бывают очень и очень разными.

Ниже — некоторые из этих работ в интерьерах. Обратите внимание, как современно они смотрятся.

Еще больше натюрмортов вы можете посмотреть здесь.

Пенни, Луиза: 9780312541538: Amazon.com: Книги

«Редкое угощение». — People magazine

«Трудно решить, что приносит больше всего удовольствия в этой увлекательной книге: Гамаш, проницательный и добрый человек, постоянно удивляющийся убийствам; деревня, которая на первый взгляд кажется идеальным местом для бегства от цивилизации; или умный и тщательно продуманный сюжет ». — Chicago Tribune

«Умный, мудрый и сострадательный, Гамаш предназначен для славы.Не пропустите этот звездный дебют ». — Kirkus Reviews (звездный обзор)

«Потрясающе. Как виртуоз, Пенни играет сложную вариацию на тему разгадки, спрятанной у всех на виду ». — Publishers Weekly (обзор со звездами)

«Жемчужина книги». — Список книг (обзор с пометкой)

«[] Удачный дебют… обманчиво простой стиль [Пенни] маскирует сложные шаблоны хорошо продуманного сюжета». — Мэрилин Стасио, The New York Times Book Review

«Прекрасно выполненная традиционная мистика.»- Denver Post

« Звездный дебютный роман. Обстановка восхитительна… Молодец! » — Deadly Pleasures

«Жемчужина дебютного романа — умный, обаятельный, с проницательно реализованными персонажами… и чрезвычайно привлекательным старшим инспектором Арманом Гамашем. Не могу дождаться следующего выпуска ». — Дебора Кромби, автор книги «Вода, подобная камню»

«Превосходный, тонкий сюжет, полный понимания более глубоких уголков человеческой натуры и множества мудрых наблюдений, которые обогатят читателя еще долго после того, как страницы будут закрыты.»- Энн Перри, автор книги Long Spoon Lane

« Жорж Сименон поддержал Мегре за более чем сотней книг. Для всех нас, кто любит детективную литературу, будет приятно, если Луиза Пенни сможет остаться здесь достаточно долго, чтобы сделать то же самое для Гамаша ». — Реджинальд Хилл, автор «Чужого дома»

« Натюрморт — шедевр традиционной гостиной-мистерии, перекрашенный в осенние цвета канадской сельской местности. Луиза Пенни — художник-рассказчик.»- Джулия Спенсер-Флеминг, автор книги« К тьме и смерти »

« Какое счастье — обнаружить такого детектива, как Арман Гамаш, сильного, спокойного и харизматичного, работающего над хорошей тайной в правдоподобной обстановке ». — Питер Лавси, автор The Circle

«Какое удовольствие читать детективный роман, написанный с таким умением и цельностью, с сильным характером и атмосферой … Я не мог оторваться». — Маргарет Йорк, автор книги «Ложные претензии»

« Натюрморт — прекрасная умная книга, и я надеюсь, что буду читать Луизу Пенни намного больше!» — Энн Грейнджер, автор книги «Это ложь убийства»

Главный инспектор Арман Гамаш из Surêté du Québec и его группа следователей вызываются на место подозрительной смерти в сельской деревне к югу от Монреаля.Джейн Нил, жительница крошечной деревушки Три Сосны, к северу от границы с США, была найдена мертвой в лесу. Местные жители уверены, что это трагический несчастный случай на охоте и не более того, но Гамаш чует что-то мерзкое в этих отдаленных лесах и вскоре уверен, что Джейн Нил погибла от руки кого-то гораздо более зловещего, чем беспечный охотник с луком.
Натюрморт представляет не только увлекательного героя серии в лице Инспектора Гамаша, который командует своими войсками — и эту серию — с цельностью и тихим мужеством, но также и нового талантливого и талантливого писателя традиционных мистерий в лице Луиза Пенни.

Об авторе

ЛУИЗА ПЕННИ — автор серии бестселлеров № 1 New York Times и Globe and Mail , посвященных главному инспектору Арману Гамашу. Она выиграла множество наград, в том числе кинжал CWA и премию Агаты (семь раз), а также была финалистом премии Эдгара за лучший роман. В 2017 году она получила Орден Канады за вклад в канадскую культуру. Луиза живет в небольшой деревне к югу от Монреаля.

Разъяснение жанров: натюрморт в живописи

Давайте исследуем историю натюрморта с помощью подборки из 10 картин, соответствующих двум ключевым моментам: 17 веку в Нидерландах и 19 веку во Франции.Голландские и фламандские художники с большим мастерством рисовали натюрморты, иногда с целью передать моральные послания. В конце 19 века предметы повседневного обихода стали предметом формального исследования цвета, стиля и композиции французских художников-импрессионистов и постимпрессионистов.

Что такое натюрморт?

Натюрморт — это произведение искусства, в котором преобладают неодушевленные предметы, естественные или созданные руками человека. Живописное изображение предметов существует с античности, но только в эпоху Возрождения натюрморт возник как самостоятельный жанр. Натюрморт с куропаткой и рукавицами (1504) Якопо де Барбари считается первым в своем роде. Термин «натюрморт» происходит от голландского слова stilleven , что буквально означает неподвижная или тихая жизнь. Эта терминологическая деталь напоминает нам, что этот жанр пережил свой расцвет во время Золотого века Голландии.

Голландские и фламандские натюрморты 17 века

Франс Снейдерс (1579–1657) рисовал классические натюрморты с фруктами и цветами, но наиболее известен как живописец животных из-за его большой способности изображать мех и перья.Он рисовал сцены охоты и боев животных, а также натюрморты, в которых сочетал фрукты, овощи и дичь, или включал в композицию живых животных. Девушка-фрукт — хороший пример роскошного натюрморта фламандского барокко. Помимо своих художественных качеств, эта картина символизирует процветание и богатство.

Снайдерс был соавтором Питера Пауля Рубенса и Якоба Йорданса и был главным художником эрцгерцога Австрии Альберта VII. Его работы также получили высокую оценку в Испании, где он принял участие в украшении Торре-де-ла-Парада, бывшего охотничьего домика, расположенного недалеко от Королевского дворца Эль-Пардо.Сегодня 28 его работ можно увидеть в Музее Прадо.

Франс Снейдерс, Корзина с фруктами , c. 1633, Музей Прадо, Мадрид, Испания.

Виллем Клас Хеда (1594–1680) и Питер Клас (1597–1661) были голландскими художниками Золотого века, посвятившими себя натюрмортам. Как мы видим на картинках ниже, оба написаны почти монохроматической палитрой сдержанных цветов, уделяли особое внимание текстуре и были мастерами улавливания отражения света на различных объектах. Объекты, на которых эффекты света наиболее очевидны, — это стеклянные предметы: roemer (или Rummer) — большой стакан, который доминирует в композиции на обеих картинах, и tazza — украшенный серебряный кубок, который появляется на правая часть картины Питера Класа.

Виллем Клас Хеда, Натюрморт с Ремером и часами , 1629, Маурицхейс, Гаага, Нидерланды. Питер Клас, Натюрморт с таззой , 1636, Маурицхейс, Гаага, Нидерланды.

Натюрморт с ветчиной Флориса ван Скутена (1585 / 1588–1656) вызывает смесь условности и спонтанности. Блюда расписаны с большой технической виртуозностью, а композиция соответствует правилам времени. Голландские художники 17 века часто изображали сыры, сложенные пирамидой, с большими и желтоватыми снизу, а маленькими, темными и более зрелыми сверху.Однако в то же время стол накрывается для неформальной и, возможно, импровизированной трапезы, и еда находится в процессе съедания (см., Например, недавние следы ножа на сыре, найденные внизу пирамида).

В контексте голландской живописи 17-го века этот натюрморт, изображающий легкие закуски и соблюдающий строгий набор композиционных правил, известен как ontbijtjes , что буквально означает небольшой завтрак. Их можно понимать в более общем смысле как изображение закусок или легких блюд, которые нужно принимать в любое время дня.Виллем Клас, Хеда и Питер Клас, чьи работы мы видели выше, также были специалистами по ontbijtjes .

Флорис ван Скутен, Натюрморт с ветчиной , середина 17 века, Лувр, Париж, Франция.

Таблица десертов — вероятно, самый ранний натюрморт Яна Давидса де Хема (1606–1684). Это относится к его антверпенскому периоду, куда он переехал в 1635 году после того, как ранее жил в Утрехте и Лейдене. Эта картина больше напоминает роскошную работу Снайдерса, чем суровую ontbijtjes , которую мы только что видели.Помимо разнообразной еды и роскошной посуды, де Хем изображает два музыкальных инструмента: лютню и флейту. Формально эта работа впечатляет точной прорисовкой фактур, искусно написанными световыми эффектами и почти театральной композицией. Как написала Аделина Колланж в своем описании картины для Лувра, это «блестящий синтез голландской точности и фламандского барокко». Кроме того, с точки зрения смысла, он передает сообщение об эфемерном характере чувственных удовольствий.Это отражает символизм, который де Хим усвоил в Лейдене, и делает картину похожей на vanitas , своего рода натюрморт, направленный на передачу моральных посланий о тщетности удовольствия.

Художник-фовист Анри Матисс (1869–1954) написал свою интерпретацию Стол с десертами . Работа выставлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Это приводит нас к следующему разделу, в котором мы исследуем пять натюрмортов, выполненных французскими художниками-импрессионистами и постимпрессионистами.

Ян Давидс де Хем, Стол с десертами , 1640, Лувр, Париж, Франция.

Французские натюрморты XIX века

За десятилетие с 1860 по 1870 год Анри Фантен-Латур (1836–1904) написал несколько натюрмортов. Он был современником художников, которые позже сформировали группу импрессионистов, но его стиль оставался более академичным. Как мы видим в «Цветы и фрукты на столе» , его композиции часто включали цветы. Многие из его натюрмортов были оценены и проданы в Англии, где он также нашел покровителя в лице богатого коллекционера Эдвина Эдвардса.

Анри Фантен-Латур, Цветы и фрукты на столе , 1865, Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США.

Бриошь Эдуара Мане (1832–1883), вероятно, была вдохновлена одноименной картиной Жана Симеона Шардена, которую недавно приобрел Лувр. Однако манера письма Мане и использование света делают картину уникальной, подчеркивая мягкую кремовую текстуру знаменитой французской булочки. Эта картина демонстрирует мастерство Мане в жанре, который он считал «пробным камнем художника».«Натюрморты составляют примерно пятую часть творчества художника и были ключом к его художественной практике. Сообщается, что он сказал, что художники могут выразить все, что захотят, фруктами, цветами и даже облаками.

Эдуард Мане, Бриошь , 1870, Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.

Следующая картина принадлежит основоположнику импрессионизма Клода Моне (1840-1926). Натюрморт с дыней изображает плоды лета и блюда, напоминающие китайский фарфор.Его округлые формы и тщательно продуманная композиция, немного напоминающая « Цветы и фрукты на столе» Фантин-Латура, , очень приятны для чувств. С помощью цветов и света эта картина достигает импрессионистической цели — передать реалистичные ощущения. Такое ощущение, что мы можем почувствовать сладость фруктов.

Художественный стиль Моне присутствовал в самых разных сферах его жизни. Прогулка по его дому и садам в Живерни — это все равно что погрузиться в его картины.Он также интересовался кулинарным искусством, изучение рецептов и угощение гостей обедом были для него частью искусства жизни. Среди его гостей были художники Огюст Ренуар и Поль Сезанн, а также бывший премьер-министр Жорж Клемансо. Les Carnets de Cuisine de Monet — очень информативная и хорошо написанная книга, основанная на его рецептах.

Клод Моне, Натюрморт с дыней , 1872, Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия.

По мере приближения к 20 веку мы наблюдаем переход к менее фигуративной живописи.Менее реалистичные формы и композиции характерны для произведений последнего десятилетия XIX века. Соломенная ваза, сахарница и яблоки Поля Сезанна (1839–1906) и Цветы и ваза с фруктами на столе Поля Гогена (1848–1903) являются яркими примерами. Фрукты нарисованы в виде упрощенных круглых форм, а невероятный наклон столов указывает на отклонение от реальной перспективы. Например, в картине Сезанна создается впечатление, что предметы вот-вот упадут.Такие визуальные эффекты были характерны для разных постимпрессионистских стилей.

Поль Сезанн, Соломенная ваза, сахарница и яблоки , 1890-1893, Musée de l’Orangerie, Париж, Франция. Поль Гоген, Цветы и ваза с фруктами на столе , 1894, Музей изящных искусств Arts, Бостон, Массачусетс, США.

Позже, уже в 20 веке, Пабло Пикассо переосмыслил натюрморты в кубистической манере. Его Большой натюрморт (1918), , на котором изображен стол, наклоненный к зрителю, и объекты, основанные на геометрических формах, напоминают работы Сезанна.

Пабло Пикассо, Большой натюрморт с пьедесталом , 1931, Музей Пикассо, Париж, Франция.

Откройте для себя больше натюрмортов:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших рассказах, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Натюрморт | Луиза Пенни

«Редкое удовольствие». — People magazine

«Трудно решить, что приносит больше всего удовольствия в этой увлекательной книге: Гамаш, проницательный и добрый человек, постоянно удивляющийся убийствам; деревня, которая на первый взгляд кажется идеальным местом для бегства от цивилизации; или умный и тщательно выстроенный сюжет.»- Chicago Tribune

« Целеустремленный, мудрый и сострадательный, Гамаш предназначен для славы. Не пропустите этот звездный дебют ». — Kirkus Обзоры (помеченный обзор)

«Жемчужина книги». — Список книг (обзор с пометкой)

«[] Удачный дебют… обманчиво простой стиль [Пенни] маскирует сложные шаблоны хорошо продуманного сюжета.»- Мэрилин Стасио, The New York Times Book Review

« Прекрасно выполненная традиционная мистерия ». — Denver Post

«Звездный дебютный роман. Обстановка восхитительна… Молодец! » — Deadly Pleasures

«Жемчужина дебютного романа — умный, обаятельный, с проницательно реализованными персонажами… и чрезвычайно привлекательным старшим инспектором Армандом Гамашем. Не могу дождаться следующего выпуска ». — Дебора Кромби, автор книги «Вода, подобная камню»

« Жорж Сименон поддержал Мегре более чем сотней книг. Будет в восторге… Подробнее…

«Редкое угощение». — People magazine

«Трудно решить, что приносит больше всего удовольствия в этой увлекательной книге: Гамаш, проницательный и добрый человек, постоянно удивляющийся убийствам; деревня, которая на первый взгляд кажется идеальным местом для бегства от цивилизации; или умный и тщательно выстроенный сюжет.»- Chicago Tribune

«Жемчужина книги». — Список книг (обзор с пометкой)

« Прекрасно выполненная традиционная мистерия ». — Denver Post

«Звездный дебютный роман. Обстановка восхитительна… Молодец! » — Deadly Pleasures

« Жорж Сименон поддержал Мегре более чем сотней книг. Для всех нас, кто любит детективную литературу, будет приятно, если Луиза Пенни сможет остаться здесь достаточно долго, чтобы сделать то же самое для Гамаша ». — Реджинальд Хилл, автор «Странного дома»

« Какая радость — обнаружить такого детектива, как Арман Гамаш, сильного, спокойного и харизматичного, работающего над хорошей тайной в правдоподобной обстановке ». — Питер Лавси, автор The Circle

«Какое удовольствие читать детективный роман, написанный с таким умением и цельностью, с сильным характером и атмосферой … Я не мог оторваться». — Маргарет Йорк, автор книги False Pretenses

« Still Life — прекрасная, умная книга, и я надеюсь, что буду читать Луизу Пенни намного больше!» — Энн Грейнджер, автор книги «Это ложь убийства»

— Меньше…

картин натюрморта на продажу

Хотя натюрморты обычно изображают повседневные неодушевленные предметы, зачастую в этих произведениях гораздо больше, чем кажется на первый взгляд! Выбор художником объекта (ов), а также его / ее тщательное расположение часто имеют символическое значение.В результате эти картины могут отражать самые разные вещи, включая определенную культуру или образ жизни, абстрактную идею или личные ценности художника. Натюрморты, особенно популярный в XVI и XVII веках, остаются фаворитом и сегодня, поскольку они позволяют художникам точно контролировать композицию картины, освещение и сюжет. Многие коллекционеры ценят натюрморты за их спокойную созерцательную красоту, внимание к деталям и богатое символическое значение.Мы приглашаем вас открыть для себя множество современных натюрмортов, выставленных на продажу на Saatchi Art. Мы уверены, что вы найдете работы, которые вам понравятся, в нашей впечатляющей глобальной коллекции натюрмортов, выполненных акварелью, акрилом, маслом, темперой и т. Д.

Натюрморты — один из пяти основных жанров западного искусства. Истоки натюрмортов восходят к древнему греко-римскому искусству (его можно найти на греческих вазах, римских настенных росписях и мозаиках на полу) и средневековому искусству. В Нидерландах религиозное искусство постепенно заменялось более светскими темами, такими как натюрморты и пейзаж после 1550 года.По мере того, как церковные заказы уменьшались, художникам приходилось создавать произведения, которые нравились коллекционерам и меценатам. Натюрморты часто можно было найти в виде деталей в более крупных композициях — например, неодушевленные предметы можно было найти выстроенными на столе на фоне исторической картины. В картине Караваджо «Ужин в Эммаусе» (1601 г.) он изображает воскресшего Христа, сидящего за столом с двумя своими учениками, а стол накрыт фруктами и мертвой птицей. Подъем европейских художественных академий привел к тому, что натюрморты пришли в упадок.В конце 17 века Французская академия организовала тематику картин в иерархию. Статус был присвоен каждому жанру; художников ценили больше, если они работали с более высокими жанрами, а художественная ценность основывалась в первую очередь на предмете. Французская академия предоставила натюрмортам самую низкую ступень иерархии из-за того, что предмет не менялся и не двигался. По мере того, как в 19 веке академии в Европе начали терять власть, а импрессионизм вышел на первый план, техника и цветовая гармония стали важнее предмета.Внезапно натюрморты стали жанром, который художники начали практиковать с большим рвением, и его восторжествовали такие уважаемые художники, как Клод Моне и Эдуард Мане. К концу 20 века характер натюрморта безвозвратно изменился из-за роста цифрового искусства. Многие натюрморты в смешанной технике сочетают в себе разные среды и выходят за рамки кадра. В 2001 году Джон Балдессари создал «Натюрморт» для выставки в LACMA. Посетителям было предложено преобразовать трехмерные объекты в цифровую форму на оригинальной голландской картине 17 века.

Натюрморт — это произведение искусства, на котором изображены неодушевленные и повседневные предметы, такие как цветы, еда, мертвые животные, растения, книги, украшения, вазы, стаканы, черепа и т. Д. Обычно предполагается, что объекты, составляющие натюрморт, не двигаться и не меняться, и устроены художником. Это дает художнику гораздо больше свободы, чем другие жанры, поскольку они могут расположить композиции так, как они считают нужным. Интересно, что французский термин для обозначения натюрморта — nature morte, что переводится как «мертвая природа».«Натюрморты часто должны быть приятными и успокаивать чувства. Каждый изображенный объект, в свою очередь, относится к одному из органов чувств: нюхать цветы, ощущать вкус фруктов, слушать музыкальные инструменты. Однако иногда они могут иметь оттенок мрачности. Большинство натюрмортов в стиле голландского барокко посвящено теме Ванитаса (суеты всего земного). Эти картины будут ссылаться на добродетели бережливости, тяжелого труда и умеренности, а также намекают на неизбежность смерти через символизм. Например, череп мог символизировать смерть.Ванитас также называют «memento mori» (что означает «помни о смерти»).

Поль Сезанн хорошо известен своими натюрмортами, в которых он играл с перспективой и часто рисовал фрукты, например, в «Натюрморт с яблоками в миске» (1879-82) и «Натюрморт с пластиковым купидоном» (ок. 1895 г.). Знаменитые натюрморты Сезанна были сосредоточены на привлечении внимания к материальности изображаемых объектов, а не на повествовании. Картины Винсента Ван Гога с подсолнухами, такие как «Натюрморт (Ваза с двенадцатью подсолнухами)» (1888), являются одними из самых известных натюрмортов XIX века и пользуются большим спросом у коллекционеров.Истоки коллажного кубизма или синтетического кубизма, по мнению искусствоведов, часто можно найти в произведении Пабло Пикассо (1881–1973) «Натюрморт с плетением стула» (1912). Изображения цветов американской художницей Джорджии О’Киф добавили эротичности жанру натюрмортов. Она также создала натюрморты акварелью, красиво изображая цветы с сочными цветами и яркими деталями. Другие известные художники, создавшие натюрморты, включают Гюстав Курбе, Анри Матисс, Жан-Батист Шарден, Хуан Санчес Котан, Хармен Стенвик, Франс Снайдерс, Джорджио Моранди, Питер Клас Франсиско де Сурбарн, Эжен Делакруа, Жорж Брак и Пьер Боннар.Современные натюрморты были созданы Томом Вессельманом, Марсденом Хартли и Роем Лихтенштейном.

Все о натюрмортах | Сеть художников

Натюрморт

Натюрморт с виллы в Помпеях, c. 70 г. н.э.

Жанр натюрморта столь же разнообразен, сколь и долгая его история. Со времен египтян, когда картины с изображением еды и ценностей были изображены на стенах гробниц, мозаики на полу и настенные росписи Помпеи, произведения искусства Высокого Возрождения и современные натюрморты, этот жанр всегда был одним из тех, к которым обращаются художники. снова и снова.

Объекты, к которым тяготеют художники-натюрморты, также разнообразны: от предметов природного мира до предметов, созданных руками человека. С их помощью натюрморты выражают идеи о роскоши и излишестве, религиозном символизме, личных и аллегорических исследованиях и универсальных человеческих размышлениях о жизни и смерти.

Изобразительное искусство натюрморта — это практика, которой художники занимались на протяжении веков, потому что можно исследовать все основы искусства, включая цвет, форму, композицию и свет.Художники могут искать в этом уникальном жанре ответы, которые художники вечно пытаются найти.

Получите бесплатную электронную книгу по технике натюрморта! БЕСПЛАТНО и доступно только подписчикам электронного бюллетеня Artist Daily. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные бюллетени с советами по рисованию натюрмортов и многому другому!

[fw-capture-inline campaign = «RCLP-Подтверждение-натюрморт-живопись» спасибо = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = »/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf »]

Демонстрация натюрморта маслом

Ismael Checo использует насыщенные цвета, чтобы создать экзотический и насыщенный мир. Здесь мы представляем онлайн-эксклюзивную демонстрацию натюрморта в качестве примера его техники масляной живописи.

Checo’s Materials

Palette
Масляные краски от различных производителей, включая Holbein, Winsor & Newton и Gamblin

Кисти
Щетки из щетины и соболя от различных производителей

Поддержка
Лен и иногда панель из плиты МДФ, загрунтованная акриловым гипсом от Liquitex

Средняя
Смесь подставочного масла и живичного скипидара

Лак
В качестве финального лака синтетический лак Рембрандт от Таленса

		Step 1 Художник начинает с рисования мазками из ультрамаринового синего, жженой сиены и белого хлопья.Тени размыты, чтобы создать простую гризайльную визуализацию объекта, объединенного в простейшие и четкие формы.

		Шаг 2 С помощью кисти из щетины художник наносит цвет широкими мазками, чтобы установить основные взаимосвязи в композиции.

		Step 3 Работая медленно и уделяя большое внимание цветовому впечатлению в каждой точке изображения, художник делает простые и ясные утверждения, смешивая и размещая по одному цвету за раз.Художник склонен немного преувеличивать насыщенность цвета, понимая, что он сможет вернуться позже и добавить серый цвет при необходимости. Хотя художник немного растушевывает и растирает кистью, он старается не переусердствовать с изображением.

		Шаг 4 В некоторых случаях художник будет использовать соболью кисть ближе к концу картины, чтобы получить более тонкую и качественную законченную работу. Завершенная картина: Демонстрация натюрморта 2003, 10 x 15½. Коллекция художника.

Устанавливая стандарты натюрморта

Натюрморт с часами Виллема ван Альста, холст, масло, 1665 год.

Голландский натюрморт установил эталон неземной виртуозности в 17, ^-м,-м веке, и я никогда не перейду за эту необычную смесь. Среди предметов, которые эти художники предпочитали изображать: всевозможные продукты питания, полированное серебро и блестящее стекло, вышитые и тщательно обработанные скатерти, а также тонны и тонны цветов.

Иногда я забываю, насколько все эти объекты символичны для публики, которая имела возможность увидеть их много лет назад. Также интересно отметить, что художники часто целенаправленно изображали предметы, рисовать которые было бы сложно, чтобы продемонстрировать свои навыки рисования.

Вся эта символика и желание покрасоваться привели к появлению множества картин, которые выглядят чрезмерно и немного нереально. Возьмем, к примеру, цветочный натюрморт. Живопись цветов была популярным направлением в золотой век голландской живописи.Символично, что художники и зрители интересовались природой существования цветка — от свежесрезанного и цветущего до увядания и увядания — из-за подразумеваемого «морального» урока, лежащего в основе работы, а именно, что жизнь мимолетна, а смерть — несомненна.

Но живые цветы на картине также были признаком высшей роскоши. В течение 17, ^{-го и}-го века букет цветов был практически неслыханным делом даже в самых богатых семьях. Фактически, в большинстве голландских домов цветы вообще не выставлялись так, как мы привыкли.Вместо этого цветы выставлялись один за другим в небольших вазах или держателях для тюльпанов, специально предназначенных для относительно небольшого количества цветов.

Создавая такую показную цветочную картину, изображающую невероятные букеты, которые большинство зрителей не могли даже надеяться увидеть лично или иметь в своих домах, художники достигли двух целей. жизнь — это не только роскошь, и уповать на такие вещи — пустая трата времени. Но они также подрывали это послание — показывая такие красивые букеты, в первую очередь, они сильно соблазняли зрителей купить картину, по сути передавая идею о том, что в реальной жизни не может быть такой роскоши, но эта картина даст им тебе и цветы на этой картине никогда не умрут.

Для нас, чтобы продвигать традицию голландской живописи и быть частью этого увлекательного и увлекательного жанра stii life, означает действительно понимать мотивацию к искусству и техническое исполнение, которое потребовалось для создания этих потрясающих финальных работ, и работать над тем, чтобы основа живописи нам нужен наш собственный художественный золотой век.

Фокусные точки при рисовании натюрморта

«Отражения в золоте» Гейл Леви, 2007, натюрморт, картина маслом, 16 x 20.

Решение, где разместить элементы на картине, может быть трудным, но решения имеют решающее значение для создания успешного натюрморта.Когда композиция сделана хорошо, она может остаться незамеченной; однако плохо скомпонованная пьеса сразу бросается в глаза зрителю как неуклюжая. Цель натюрморта — направить взгляд зрителя на картину и привести его к тому, что художник считает важным. Хотя не существует единственно правильного способа сделать это, существуют специальные устройства, которые можно использовать, чтобы привлечь внимание зрителя к интересующей точке, а также создать иллюзию объектов, существующих в осязаемом пространстве.

Многие начинающие художники склонны посвящать свою энергию точному рисованию и раскрашиванию предметов, и им сложно создать сильную композицию.«Легко быть пораженным всеми возможностями», — говорит художник-инструктор Джеймс Сулковски, который проводит пленэрные семинары, чтобы помочь студентам преодолеть страх принятия решений. Некоторые художники-инструкторы предлагают использовать видоискатель, который многие художники используют, когда сталкиваются с большой сценой. Приобрести видоискатель можно в любом художественном магазине или сделать простой из картона. Независимо от материала, он служит той же цели: видоискатель позволяет художнику выделить ключевые элементы сцены, а также просмотреть несколько композиций, прежде чем перенести одну на бумагу.

Столкнувшись с большой сценой, полезно задать несколько вопросов. Почему я хочу нарисовать эту сцену? Что меня в нем изначально привлекло? Какой контент нужен, чтобы привлечь зрителя и заставить его почувствовать то, что чувствую я? После ответа на эти вопросы становится ясно, что данная сцена не высечена на камне. Художник может изменить сцену в соответствии с эмоциями или посланием, которым он или она хочет поделиться со зрителем. Портрет натюрморта призван пробудить воображение и возбудить чувства; это должно быть изображение, которое нужно нарисовать или нарисовать.Если определенная область или изображение вам не нравится, смените место или выберите другую тему. Или можно резко кадрировать сцену и сосредоточиться на мельчайших деталях, которые часто остаются незамеченными в большой сцене.

Сулковски рекомендует ученикам определить фокус перед нанесением кисти на холст. «Независимо от обстоятельств, художник должен определить фокус своей картины, а затем структурировать процесс рисования так, чтобы зритель сразу понял центр интереса.При рисовании на пленэре очень важно помнить об этом, чтобы время и энергия не тратились на проработку второстепенных участков холста ». То же самое и при рисовании натюрморта.

Художник-инструктор из Нэшвилла Гейл Леви заставляет учеников своей мастерской часами расставлять элементы, чтобы создать лучшую композицию. Она советует сначала собрать воедино больше предметов, чем они думают, что им понадобится для натюрморта, а затем выбрать один в качестве точки фокусировки.«Сначала поместите этот предмет, а затем поместите вокруг него поддерживающие элементы», — предлагает она. Рисуя натюрморт, Леви начинает с фокуса и делает измерения на холсте пропорционально центру интереса.

В своей картине « Отражения в золоте » Леви использует правило третей, чтобы привлечь внимание зрителя к вазе и фруктам (просмотрите демонстрацию картины). Это одно из нескольких устройств, которые могут привлечь внимание зрителя к центру интереса. Это правило, используемое в живописи и фотографии, предназначено для создания более эстетичной композиции.Он советует художникам разделить холст на три части по горизонтали и вертикали и разместить центр интереса в точке пересечения или в верхней или нижней трети кадра. Таким образом, фокус перемещается из «мертвой точки» холста, а взгляд зрителя перемещается по всему пространству. После того, как фокус установлен, определение эмоций или сообщений, которые он вызывает, поможет решить, какой из вышеупомянутых инструментов наиболее эффективно расскажет ясную и запоминающуюся визуальную историю.

Истинная тишина в натюрморте

Неустойчивый окунь, Сара Силтала, 2007, картон, масло, 12 x 12.

Сара Силтала в основном рисует натюрморты и пейзажи, хотя иногда рисует фигуры углем, чтобы отточить свои навыки рисования. «Меня вдохновляет природа и ее обильные дары, будь то фрукт, цветок, облако, дерево или птица», — говорит она. «Видеть красоту повсюду вдохновляет меня рисовать». Это неудивительно, учитывая, что художник вырос в окружении живописных пейзажей Нью-Мексико, которые на протяжении десятилетий привлекали художников-пленэров со всего мира.Иногда вдохновение поражает ее мгновенно, а иногда ей приходится размышлять над предметом, прежде чем ее начнут рисовать.

Силтала часто обращается к своему альбому для рисования, в котором хранит различные рисунки, идеи и изображения, которые вдохновляют ее, когда она готовится к рисованию. Она тратит много времени на определение композиции своих натюрмортов, стремясь создать в своей работе ощущение спокойствия и умиротворения. «Меня не привлекают загруженные композиции, — говорит она. «Вместо этого я концентрируюсь на одной или двух основных идеях.Создавая свои натюрморты, я переставляю и обычно удаляю объекты так, чтобы я был уверен, что уловил оптимальный свет и тень в окончательной картине ». Когда она довольна своей аранжировкой натюрморта, она делает несколько фотографий своего окончательного оформления для справки в студии. Она часто работает над несколькими картинами одновременно, что делает невозможным создание каждого натюрморта на протяжении всего процесса рисования.

После резки и калибровки деревянной панели она накладывает левкас, а затем набрасывает свою композицию углем.Она начинает рисовать легкими красками, постепенно наращивая цвет. Если бы вы посмотрели демо-натюрморт из Силтала, вы бы увидели, как она работает в стиле старых мастеров, создавая слой за слоем прозрачную глазурь. Она цитирует Коро, Рембрандта и Иннесса как своих вдохновителей. Независимо от размера ее поверхности, на изготовление деталей Силтала уходит несколько недель, потому что каждый слой должен полностью высохнуть, прежде чем можно будет нанести следующий, даже если она использует алкидную среду, чтобы ускорить процесс высыхания.

«Я часто играю с каждым слоем, когда кладу его, вдавливая в них губки, мятую ткань или полиэтиленовую пленку и снимая часть влажной глазури, чтобы открыть предыдущий слой», — отмечает художник. «После такой игры с несколькими слоями получается цветовое поле импрессионизма, сквозь которое просвечивают пятнышки отдельных цветовых слоев». Силтала считает этот этап создания слоя медитативным, поскольку он требует от нее работать спокойно и медленно, полагаясь на терпение по мере высыхания каждого слоя краски.«Это очень хороший баланс для моего беспокойного образа жизни, когда я воспитывала двух маленьких мальчиков», — говорит она. «Жизнь движется очень быстро, и я верю, что нужно время, чтобы накормить дух. Я всегда в восторге, когда посетители видят в моих картинах чувство покоя, потому что я улавливаю то, что действительно стремлюсь выразить в своей работе: тихий момент покоя, красоты и простоты в часто хаотичном мире ».

Натюрморт | Главный инспектор Гамаш — серия

— Главный инспектор Гамаш.

Присоединяйтесь к нам в дискуссии о творческой работе культурного значения из Натюрморт .

Краткое содержание книги

Обсуждение культурных ценностей

Присоединяйтесь к нам в обсуждении творческой работы, имеющей культурное значение из этой книги.

Культурное вдохновение из натюрморта

Автор: Пол Хохман, 14 марта, 2017 · 160 комментариев

Первоначально опубликовано в 1955 году, Удивлен радостью: форма моей ранней жизни — это взгляд К.С. Льюиса на его обращение в христианство и представление о том, что для него настоящая «радость».. . .

Читать сообщение полностью »

Природа праздника Архив

В 2016 году мы прошли через серию «Инспектор Гамаш». Каждые две недели мы публиковали рецепт из мира Трех Сосен и открывали обсуждение этого рецепта. Архив рецепта и обсуждения можно найти на странице архива «Природа праздника».

Архив настоящего места

В 2015 году мы (виртуально) посетили некоторые из реальных мест, которые вдохновили Луизу Пенни на написание серии «Инспектор Гамаш».Каждые две недели мы публиковали новое эссе, фотографии и открывали дискуссию о реальном месте, которое является источником вдохновения для вымышленного места в каждой из книг. Архив места и обсуждения «Натюрморт» можно найти на странице архива Real Place.

Перечитанный архив

В 2014 году мы провели перечитывание серии книг 1–10 «Инспектор Гамаш», руководствуясь вопросами давних поклонников Гамаша и приглашенных блоггеров. В настоящее время у нас ведется обсуждение в Бистро, и вы можете найти архив перечитанного «Натюрморта» на страницах «Перечитанный архив», который включает заметку и видео от Луизы.

Пронк: натюрморт и цена демонстрации

Пронк: О натюрмортах и цене демонстрации

Когда меня спрашивают, зачем я приехал в Амстердам, я отвечаю, что всю жизнь ищу, кто может нарисовать лучший очищенный лимон.

В Рейксмузеуме Амстердама я прохожу мимо Рембрандтов и Вермееров, шумных школьных групп и толп людей, делающих одни и те же фотографии, пока не нахожу тихие залы с натюрмортами.Приятно находиться среди расписных чаш, серебряных чаш, переполненных виноградом, букетов цветов, рассыпающихся буханок хлеба, фруктов с кожурой, соблазнительно свисающих со стола.

Сначала меня привлекли натюрморты, потому что я чувствовал, что они так мало просят своих зрителей: вот картина, единственная цель которой — быть красивой. Когда я был молодым студентом-художником, натюрморты были моим первым опытом масляной живописи. Я часами рисовала и перекрашивала апельсины и лимоны, пытаясь получить правильные пигменты и формы.Без традиционного повествования живопись — это упражнение в цвете, деталях и точности. И никто не умел создавать этих банальных красоток, чем художники голландского золотого века семнадцатого века.

Между прочим, ответ на поиски моей жизни — это человек по имени Виллем Клаэс Хеда. Лучше всего он нарисовал очищенный лимон.

По пути домой из Рейксмузеума я захожу в продуктовый магазин, чтобы купить пиво, буханку хлеба, немного сыра и свежие фрукты на ужин.Мне нужно подняться по крошечной наклонной лестнице, чтобы попасть в мою квартиру на третьем этаже дома у канала.

Оказавшись внутри, я раскладываю свою еду в виде маленькой таблицы на разделочной доске. Хлеб аккуратно нарезанный, яблоки аккуратно нарезанные, порция бри.

Думаю сделать снимок, чтобы опубликовать его в Instagram. Я живу в Вайоминге, где свежие фрукты — большая редкость. Мои обычные домашние ужины с жареным сыром или кесадильями не заслуживают фотографирования.

Поэт Марк Доти однажды описал натюрморт: «Это искусство, которое указывает на человека, не обращая внимания на него; нигде не видно, мы везде.”

Вот все, что не на картинке — я, 27-летняя аспирантка, ем одна в своей голландской квартире на Airbnb, в основном потому, что это дешевле, но также потому, что это способ не пойти в ресторан и не попросить стол на одного.

Я играю в Netflix на своем компьютере и ем за столом без документации.

У голландцев есть термин для обозначения этой специфической марки обильных натюрмортов — pronkstilleven. «Пронк» переводится примерно как «выпендриваться»; От «stilleven» до «натюрморт».«Хвастовство было общим этосом голландской культуры семнадцатого века. К 1660-м годам Амстердам был одним из ведущих портов мировой торговли, в результате чего у Голландской республики было больше денег и товаров, чем они знали, что делать.

ponkstilleven — это идеальный квинтэссенция этой эпохи — он служит одновременно свидетельством богатства и объектом богатства.

Возьмите очищенный лимон, изображенный на многих натюрмортах. Современному глазу это выглядит безобидно.Но лимоны не росли на голландской земле, когда создавались эти картины. Чтобы такие художники, как Виллем Клас Хеда или Ян Давидс де Хем изобразили лимон в одном из своих натюрмортов, этот лимон должен был бы уехать — далеко.

Благодаря серии запутанных торговых путей у голландцев был доступ к лимонам, но по высокой цене. Лимоны были привезены со Средиземноморских островов, упакованы в соль, чтобы сохранить их во время долгого путешествия на север. Голландцам пришлось пройти серию мирных переговоров с Испанией — страной, с которой они ранее восемьдесят лет воевали, — чтобы сохранить свою торговую сеть между Северной Европой и Средиземноморьем.Лимоны были примером дипломатических успехов Голландской республики и ее обширной торговой сети, и люди, которые могли позволить себе лимоны, хотели похвастаться.

На натюрмортах 1601 года Иеронима Франкена Младшего долька лимона стоит рядом с грушами, виноградом, буханкой хлеба, устрицей и бокалом вина.

Название картины? Питание для богатых .

В модном кафе я выкладываю, а затем почти сразу же удаляю фотографию своего латте с крошечной штопваффель.Я поместил книгу в угол картины, чтобы она выглядела более фирменной: Вот я, в Амстердаме, пью этот латте — с крошечным вафельком! — и читаю Джона Бергера. Разве жизнь не шикарна?

За одним столиком от меня, я смотрю, как пара по очереди фотографирует друг друга с напитками и завтраками. По моим подсчетам, они используют три разных устройства, чтобы делать снимки и оставлять еду на десять минут перед тем, как съесть ее.

Поскольку я подозреваю, что они из тех, кто отмечает свое местоположение, когда публикуют что-то в Instagram, я немного слежу.За несколько часов фотография красивой женщины в черной кожаной куртке, застенчиво улыбающейся с латте, собрала более тысячи лайков.

Интернет сообщает мне, что влиятельные лица в Instagram, не являющиеся знаменитостями, могут зарабатывать более тысячи долларов за публикацию спонсируемого контента. Быстрый просмотр различных рассказов блоггеров о стиле жизни и моде, за которыми я слежу, обнаруживает много общего: красивые женщины в стильной одежде, ели роскошную еду, смеялись, пили с друзьями.

Они хозяева квартиры: вот рабочий день с тщательным дневником, теплой чашкой кофе и уютными тапочками; или устройство у бассейна с книгой, солнцезащитными очками и фруктовыми напитками.Самые успешные влиятельные лица в Instagram не продают мне индивидуальный наряд или ресторан — это история человека, у которого, судя по всему, есть свое дерьмо. Беззаботная одежда, обувь, полученная из этичных источников, которая стоит арендной платы за месяц, кладовая с экологически чистыми продуктами, практическое знание современной литературы, кино и музыки.

Разве жизнь не пышна?

Одна из моих любимых фигур голландского золотого века — женщина по имени Петронелла Оортман. Сейчас она наиболее известна тем, что вдохновила Джесси Бертон на роман « Миниатюрист » в 2014 году.Петронелла Оортман, которая вышла замуж молодой и овдовевшей молодой, заказала сложные кукольные домики на базе своего собственного дома. После смерти Петронеллы ориентировочная стоимость ее коллекции кукольного домика была равна стоимости среднего голландского дома у канала. Как и натюрморты, европейские кукольные домики семнадцатого и восемнадцатого веков существовали либо для демонстрации собственного богатства, либо в качестве обучающего инструмента для молодых девушек, чтобы научиться управлять своим домом, в частности, как размещать своих рабов и слуг между комнатами.

Заманчиво возразить, что такая женщина, как Петронелла, будет использовать свои кукольные домики, чтобы добиться власти в обществе, которое давало ей очень мало контроля над чем-либо вообще. Но ни одна из этих женщин, заказавших кукольные домики, не была полностью лишена свободы воли. У Петронеллы было больше контроля, чем у средней женщины: у нее были деньги.

Есть причина, по которой мы хотим, чтобы наши вещи были аккуратно разложены. Это форма повествования; это также оценка богатства. Не случайно появление кукольных домиков совпадает с ранними капиталистическими обществами.Среди кукольных домиков, плоских лежаков и натюрмортов тщательно отобранные коллекции богатства на выставке порождают более тщательно отобранные коллекции богатства на выставке. За каждым pronkstilleven стоит история разрухи. Многие натюрморты семнадцатого века представляют рабов в качестве декора, расположенных рядом с банкетами с едой и вином.

Вот что у меня есть. Вот что вам нужно . При необходимости повторите.

Все политическое. Верить в обратное — это форма умышленного невежества.Даже такая невинная вещь, как взгляд, имеет далеко идущие последствия. Сегодня мы пытаемся установить контроль над нашим окружением, становясь кураторами нашей онлайн-жизни.

Бродя по музеям Амстердама, фотографирую натюрморты. Я стратегически обрезаю их, прежде чем размещать в социальных сетях. Иногда я хочу выделить что-то особенно красивое — лимон или букет тюльпанов; в других случаях нужно сосредоточиться на жестокости — вот дохлая лиса или кролик со шкурой.Вырванные из контекста, эти образы становятся гротескными. Когда мы не можем отвлечься красивой композицией, как цвета и мазки кисти дополняют друг друга, мы можем увидеть, насколько брутальны эти картины на самом деле.

***

Изображение предоставлено:

1) Виллем Клас. Хеда [общественное достояние], через Wikimedia Commons.
2) Виллем Кальф [общественное достояние], через Wikimedia Commons.
3) Джейкоб Аппель [общественное достояние], через Wikimedia Commons.

Линдси Линч — писатель-фантаст из Вашингтона, округ Колумбия. Ее рассказ «Пожалуйста, помогите себе» был недавно удостоен награды Кэти Китамура на конкурсе «Искусство прозы» Pigeon Pages. Она также писала для Electric Lit, Atlantic, The Offing и Lit Hub, среди других изданий.