Картинка для торта «Поп Арт Девушка»

Печать картинки для торта на сахарной бумаге

Печать картинок для торта на сахарной бумаге – это печать съедобными чернилами на пищевом принтере. Вы можете заказать печать картинки для торта на пищевой сахарной бумаге и получить её в пункте выдачи Боксберри или СДЕК уже через 2-3 дня.

 

Как правильно использовать сахарную бумагу:

• Сахарную бумагу необходимо укладывать на торт, который покрыт мастикой или марципаном, или на сухой корж.
• Края картинки, при необходимости, можно немного смочить водой, тогда картинка лучше приклеится.
• Поверхность торта должна быть абсолютно сухой.
• Если необходимо уложить картинку на капкейк, подложите под картинку положить тонкий корж бисквита.
• При использовании айсинга, он должен быть полностью сухим.

Срок хранения картинки 20 дней. Для предотвращения порчи и высыхания, мы отправляем все картинки в плотно закрытом пакете. Сахарную бумагу необходимо хранить в сухом темном месте, при температуре до 25 градусов.

 

Внимание!

Перед переносом картинки на торт, обязательно отделите сахарный лист от подложки.

Печать картинки для торта на вафельной бумаге

Печать картинки для торта на вафельной бумаге – это печать съедобными чернилами на специальном пищевом принтере. Вы можете заказать печать картинки для торта на тонкой или толстой вафельной бумаге  и получить её в пункте выдачи Боксберри или СДЕК уже через 2-3 дня.

 

Вафельная (рисовая) бумага – тоньше сахарной, достаточно хрупкая и ломкая, имеет пористую структуру. Картинки на вафельной бумаге для тортов могут быть напечатаны на двух видах бумаги:

• Тонкая вафельная бумага. Такая бумага не подойдёт для сплошной и яркой печати, может вздуться. При этом, это отличный вариант для печати небольших декоративных элементов, таких как: бабочки, цветы, листья и т.д.
• Толстая вафельная бумага. Более плотная и менее просвечивающаяся, чем тонкая. Такую бумагу почти нельзя согнуть. Толстая вафельная бумага подходит для печати картинок для торта с неярким фоном или без сплошной заливки.
   

Вафельная бумага практически безвкусна. После наложения картинки, обязательно покрытие декор гелем, который придаёт бумаге блеск и делает её мягкой.

Срок хранения вафельной бумаги 6 месяцев. Для предотвращения порчи и высыхания, мы отправляем все картинки в плотно закрытом пакете. Вафельную бумагу необходимо хранить в сухом темном месте, при температуре до 25 градусов.

Печать картинки для торта на шокотрансферной бумаге

Печать картинки для торта на шокотрансферной бумаге – это печать съедобными чернилами на специальном пищевом принтере. Вы можете заказать печать картинки для торта на шокотрансферной бумаге и получить её в пункте выдачи Боксберри или СДЕК уже через 2-3 дня.

Шокотрансферная бумага – пленка со специальным тонким напылением, на котором печатается картинка. Картинки не приклеиваются, как сахарная или вафельная бумага, а переносится на шоколад или глазурь. Поэтому макет для печати должен быть в зеркальном формате.

Как правильно использовать шокотрансферную бумагу:

• Нанести на лист шоколад, температура шоколада должна быть выше 32°С.
• Разровнять шоколад на листе
• Поместить лист в холодильник на 10-15 минут
• После затвердевания, шоколад с картинкой готов для декорирования

Срок хранения картинки 12 месяцев. Для предотвращения порчи, мы отправляем все картинки в плотно закрытом пакете. Шокотрансферную бумагу необходимо хранить в сухом темном месте, при температуре до 22 градусов.

Внимание! После затвердения шоколада, обязательно отделите плёнку от шокотрансферного листа.

Картина по номерам LORI Девушка в красной шляпке. Поп-арт 40х50 см на холсте с деревянным подрамником

Картина по номерам LORI Девушка в красной шляпке. Поп-арт 40х50 см на холсте с деревянным подрамником купить по цене 859 ₽ в интернет-магазине Детский мир

• Кибердни

• ещё -5% за 4 шт

LORI(колорит)

Рейтинг: 0

0 отзывовНет в наличии

Условия возврата

Обменять или вернуть товар надлежащего качества можно в течение 14 дней с момента покупки.

Подробнее

О товаре

Картина по номерам на холсте на подрамнике Девушка в красной шляпке. Поп-арт – это отличный способ почувствовать себя художником и интересно провести время. 

• Рисовать по номерам на холсте просто и интересно. Наши краски не нужно смешивать, каждый номер на холсте соответствует своему цвету акриловых красок. Полученный шедевр можно покрыть лаком, так он сохранит яркие и насыщенные цвета. 

Рисование картин по номерам развивает внимательность, усидчивость, аккуратность. Живопись по номерам научит видеть цвет, работать с кистью, накладывать мазки и применять эти умения в своих творениях! 

• Набор для творчества картина по номерам станет отличным подарком как для взрослых, так и для детей. Также рисунок по номерам на холсте – это популярный и современный антистресс. А готовая картина раскраска – это оригинальный подарок своими руками, который станет яркой изюминкой любого интерьера. 

В набор для рисования входят: 

• основа на холсте с контуром на подрамнике из натурального дерева, 
• акриловые краски 31 цвета, 
• набор из 3 кистей, 
• акриловый лак для покрытия готовой картины, 
• контрольный лист для тренировки, 
• элементы для крепления картины на стену.  

Набор для творчества упакован в крафтовую коробку.

Характеристики

Артикул

Им-Рхб-011

Код товара

1000616591

Страна-производитель

Россия

Ширина упаковки, см

42.1

Длина упаковки, см

52.2

Вес упаковки, кг

0.708

Высота упаковки, см

2.7

Габариты упаковки

3см x 42см x 52см

Вес упаковки

0,71 кг

Продавец

Рейтинг и отзывы

У этого товара ещё нет отзывов.
Оставьте первый, это поможет другим покупателям.

Ещё товары

• LORI(колорит)Бренд

• Картины по номерамКатегория

• Юный художникКатегория

• Хобби и творчествоКатегория

Цены в интернет-магазине могут отличаться от розничных магазинов.

Выберите страну

• Россия
• Казахстан
• Беларусь

Скачайте мобильное приложение

• Копите и списывайте бонусы
• Получайте персональные скидки и акции

Скачать

Дамы Роя Лихтенштейна: тонущая девушка, плачущая девушка и беспокойная девушка

Ребекка Маршам, директор по продажам

Заинтересованы в покупке или продаже
Роя Лихтенштейна?

Просмотр произведений искусства

Поклонник комиксов Рой Лихтенштейн (1923–1997) на протяжении всей своей карьеры занимался переработкой популярных графических журналов в сфере «высокого искусства». Одним из его наиболее повторяющихся и знаковых мотивов была девушка из комиксов, попавшая в беду.

Тонущие, плачущие и встревоженные «девочки» Роя Лихтенштейна были изображены как идеализированные блондинки-бомбы, которые соответствовали современным стандартам красоты и пародировали ее социальные ожидания. Выделив проблемную женщину в комиксе, Лихтенштейн увековечил ее боль и высмеял современный образ «идеальной» женщины, наивной и полностью во власти своих эмоций.

Drowning Girl © Рой Лихтенштейн 1963

Drowning Girl (1963)

Drowning Girl Роя Лихтенштейна является переработкой Run for Love! из серии DC Comic Secret Hearts . Из оригинальной обложки комикса Лихтенштейн изменил речевой пузырь; упрощая его до «Мне все равно! Я скорее утону, чем позову Брэда на помощь!» Изображая небольшой поперечный разрез обложки, Лихтенштейн обращает все внимание на плачущую женщину, захваченную волнами. Кобальтово-синий цвет ее волос имитирует бурлящую воду вокруг нее, а ее бледные слезы падают с ее лица в океан ее страданий. Как и во многих его изображениях женщин из комиксов, название означает, что она «девушка», а не женщина, и, следовательно, говорит о хрупкости влюбленных женщин и их готовности умереть за это.

Crying Girl © Рой Лихтенштейн 1963

Crying Girl (1963)

Репродукция Lichtenstein Crying Girl — еще один увеличенный портрет женщины из романтической серии комиксов Secret Hearts . Здесь переработанная комическая девушка Лихтенштейна кажется менее скорбной в своей душевной боли. Скорее, с ее приподнятыми черными бровями и большими белыми глазами она, кажется, просто боится любви.

В оригинальной литографии Лихтенштейн подписал работу «Летти с любовью», посвятив Crying Girl своему коллеге-художнику и девушке Летти Эйзенхауэр. В интервью Эйзенхауэр сказал, что Лихтенштейн «хотел заставить девочек плакать» и сделал это, используя женщину из комиксов как фон для своих проблем в отношениях. В этой несколько автобиографической гравюре Лихтенштейн раскрывает непостоянную природу любви, вызывающей привыкание, но в конечном счете разрушительной. Плачущая девушка неизбежно несчастна, несмотря на то, что в 19 лет она изображается как архетип идеальной женственности.Америка 60-х.

Изображение © Christies / Anxious Girl (этюд) © Roy Lichtenstein 1964

Anxious Girl (1964)

В своем предварительном рисунке для Anxious Girl, Лихтенштейн раскрывает не только свой процесс от рисунка до печати, но и психологическую силу его работы, чтобы показать эмоции через упрощенные линии и пометки. Подавляющее использование желтого цвета в рисунке ее светлых волос, ее платья и фона привлекает внимание к ее печальным голубым глазам.

На этом этапе рисования нам предлагается взглянуть на собственную эмоциональную реакцию Лихтенштейна на оригинальные комиксы. Его быстрое и неровное нанесение белого карандаша, чтобы обозначить цвет кожи девушки, подчеркивает разрушительные последствия разбитого сердца. В раскрашенном конечном продукте эти белые карандашные пометки заменены фирменными красными точками Лихтенштейна, уменьшая некоторые безнадежные чувства в его рисунке. Однако Лихтенштейн снова изображает женщину совершенно бессильной перед лицом любви, несмотря на то, что в глазах мужчин она выглядит образцом женственности.

Женщина с тряпкой для мытья посуды (Женщина, вытирающая посуду) © Рой Лихтенштейн 1963 любезно предоставлено Image-Duplicator

Прирученные женщины

На протяжении 1960-х годов Лихтенштейн был очарован современной рекламой, ориентированной на женщин. Продавая женщинам ряд предметов домашнего обихода, которые облегчили бы ведение домашнего хозяйства, в этой рекламе часто изображались идеализированные мультяшные женщины, которые находили огромное удовольствие в своем рабстве дома и семьи. Женщины с тряпкой для посуды объединяет иллюстрации рекламы посудомоечных машин, чистящих средств и предметов интерьера.

Как доказывает Лихтенштейн, все эти рекламные ролики представляли собой однородный образ женственности, которая была домашней и непринужденно красивой, пока она выполняла свои обязанности. В Woman With Dish Rag лимонно-желтая тряпка сочетается с ее обручальным кольцом, что предполагает неизбежную связь между женитьбой и домашним хозяйством. Превратив эту разрекламированную женщину в произведение поп-музыки, Лихтенштейн доказал, насколько преобладал этот образ покорной, безупречной и безжалостно счастливой женщины в 19 веке.Американская культура 60-х.

Женщина в шляпе с цветами © Рой Лихтенштейн 1963

Женщина в шляпе с цветами (1963)

Даже в своем присвоении известных произведений искусства Лихтенштейн играл с идеалом женщины как музы в «высоком искусстве». Его «Женщина в шляпе с цветами» представляет собой сатирическое поп-переосмысление картины Пикассо « Дора Маар в чате, » 1941 года и было создано в том же году, что и его «Плачущая девушка» и «Утопающая девушка».

В этой пародии на портрет Пикассо его тогдашней возлюбленной и музы Доры Маар Лихтенштейн ниспровергает недооценку Маар как простой музы для этого современного «мастера». Маар, работавший с кружком сюрреалистов в 1930-х годов, сама по себе была успешной художницей, несмотря на то, что ее коллеги-мужчины постоянно изображали ее девицей в беде. Учитывая озабоченность Лихтенштейна проблемной женщиной, неудивительно, что фетишизация Маар Пикассо как корыстного источника вдохновения заинтриговала его. Грубое перепредставление Лихтенштейном портрета Маар в его характерной блочной окраске вызывает беспокойство у зрителей, поскольку оно еще больше сводит Маар к ряду геометрических фигур и превращает ее в одну из его белокурых героинь комиксов. Лихтенштейн не только дает проницательную критику того, что мы называем «высоким искусством», но и нападает на использование искусства для увековечивания современного образа красоты. Своей блондинкой Поп Дорой Маар Лихтенштейн обновляет «шедевр» для современного глаза и стандарта красоты.

«Мне очень трудно влюбиться в одно из этих существ, потому что они для меня не реальность. Однако это не значит, что у меня нет клишированного идеала, воображаемого идеала женщины, которая мне была бы интересна. Но я думаю, что имею в виду, как они должны выглядеть для других людей».

Рой Лихтенштейн, интервью с Дэвидом Сильвестром, BBC, 1966 г.Америка 60-х. Несмотря на то, что его работы сведены к простым графическим линиям и красным точкам, женщины, которых изображал Лихтенштейн, были частью современного воображения как идеальный архетип женственности. Хотя этот образ мог понравиться самому Лихтенштейну, героини его комиксов доказывают способность средств массовой информации устанавливать недостижимый стандарт красоты, сформированный чисто мужским взглядом.

Просмотрите наши гравюры Роя Лихтенштейна для продажи или получите оценку здесь.

11 художниц, оставивших след в поп-арте

Искусство

Рэйчел Лебовиц

2 декабря 2016 г. 18:36

С самого начала 1960-х поп-арт был клубом для мальчиков. Такие громкие имена, как Энди Уорхол и Том Вессельманн, увековечили миф о (мужском) художнике-гении. Движение возникло на фоне взрывов капиталистического потребительства и средств массовой информации после Второй мировой войны, когда художники исследовали новые способы механического производства, часто используя в качестве предмета обычные потребительские товары и иконы поп-культуры. Ассоциированные с бесстрастным, отстраненным отношением к творчеству, кодифицированные характеристики поп-арта, в свою очередь, являются стереотипно мужскими.

Для художниц, участвовавших в движении, создание образа так называемой серьезной художницы казалось единственным способом добиться успеха. Альтернативная стратегия заключалась в (часто нахальной) критике поп-арта и его работы изнутри. Однако во многих случаях эти стратегии интерпретировались как игра по правилам, а не как вызов им, и чаще всего эти пути не позволяли женщинам-художникам занять прочное место в мейнстриме. Однако теперь, когда нюансы их практики лучше изучены, художницы со всего мира получают все большее признание за свой вклад и вызовы поп-арту.

В той или иной степени связанные с поп-движением, следующие 11 женщин-художников (это далеко не исчерпывающий список) были связаны с его мотивами и определяющими характеристиками, некоторые за счет расширения жанра за счет феминистских интонаций, другие за счет работы на его периферии.

Полина Боти, Cuba Si , 1963 год. © частная коллекция. Предоставлено Художественным музеем Вольфсбурга.

Полин Боти, Color Her Gone , 1962. Искусство и музеи Вулверхэмптона © Художественная галерея Вулверхэмптона. Предоставлено Художественным музеем Вольфсбурга.

Основатель — единственная женщина — британской поп-музыки, родившаяся в Лондоне Боти обучалась витражам в Уимблдонской школе искусств и Королевском колледже искусств, хотя также занималась живописью и коллажем. Поскольку она также была привлекательной актрисой, ее талант часто недооценивали. Ни одна из ее работ не выставлялась в Великобритании с момента ее смерти в 1966 году (ей было всего 28 лет) до 1993 года. К счастью, за последние несколько лет ряд выставок вытащил ее из безвестности.

В 1962 году Боти снялась вместе со своими современниками Питером Блейком, Питером Филлипсом и Дереком Боширом в документальном фильме Кена Рассела 9.0114 Поп идет к мольберту . Дезориентирующий и экспериментальный сегмент Боти отличался от сегмента ее соотечественников-мужчин, как и ее практика. В отличие от хладнокровной отстраненности Уорхола или Роя Лихтенштейна, работы Боти возникли из причастного интереса, ссылаясь на политические темы, такие как Карибский кризис. В ярких изображениях подробных фигур на фоне экспрессионистских полос цвета Боти также представила точку зрения на женский опыт и сексуальность, которая представила женщин как желающих, а не просто желанных, с мужчинами в качестве сексуальных объектов. It’s a Man’s World I (1964), например, представляет собой рефлексивную работу, в которой мужские фигуры от «Битлз» до Альберта Эйнштейна сопоставляются с единственной красной розой, повторяющимся символом женской сексуальности для Боти.

Победитель , 1965

Галерея Гарта Гринана

Розалин Дрекслер

Мечта , 1963

9000 Галерея Гарта Гринана

3 9 00003 9 2 Реклама

Дрекслер описала невысказанные нарративы в своей работе как « вид музыки.» Тем не менее, ее смелые цветные коллажи на холсте, написанные краской и бумагой, читаются как сглаженные сцены из фильмов с отчетливыми отсылками к гангстерам, Кинг-Конгу и Мэрилин Монро. В 19В 64 года она была включена — как и Страйдер — в «Первое международное девичье шоу» в галерее Pace вместе с Уорхолом, Вессельманном и Лихтенштейном. Тем не менее, в то десятилетие она не была широко известна и считала себя в основном писателем, особенно если сравнивать свою работу и карьеру с работой и карьерой ее друзей Франца Клайна, Виллема и Элейн де Кунинг.

Помимо писательства — она получила три премии Оби за драматургию — Дрекслер была профессиональным борцом, что, возможно, отразилось в ее пьесе 9.0114 Победитель (1965). Рисуя коллажи из найденных фотографий, она вводит личный рассказ и оставляет следы творческого процесса, усложняя механизированное производство, обычно связанное с поп-музыкой.

Sturtevant

Peinture à Haute Tension (Mial Raysse) , 1970

Galerie Hans Mayer

Sturtevant

109 109 109 Haring Untitled 986

Галерея Энтони Рейнольдса

 

«Я создаю головокружение», Элейн Стертевант сказала о своем творчестве, вызывающем двоякое впечатление. Работая только под своей семейной фамилией, Стертевант выполняла почти под копирку «повторения» работ художников-мужчин, от Марселя Дюшана до Кита Харинга — практика, которую некоторые считают апроприационным искусством, авангардом. В то время как Уорхол одобрил ее цели и дал ей одну из своих оригинальных шелкографий для работы, Ольденбург был раздражен ее копией своей работы 9. 0018 Магазин (1961–64). Хотя зачастую различия между оригинальными работами и творениями Стертеванта неуловимы, они условны. Она рисовала на канонических произведениях поп-музыки, но ее работы были сделаны вручную — раскрашены, а не напечатаны массовым тиражом — и они исследовали само искусство как своего рода трансформацию. Она также исследовала представления о (мужском) герое-художнике и оригинальности, подлинности и авторстве, что отличало ее, но также делало ее неотделимой от поп-движения.

Когда благосклонность мира искусства начала ускользать от нее, Стертевант бросила учебу на десять лет и в конце концов вернулась в середине 80-х. Позже, в начале 21 века, она обратилась к видеоарту. В 2011 году она была награждена Золотым львом за жизненные достижения на Венецианской биеннале.

Corita Kent

персиковый хлеб , 1964

Feuer/Mesler

продано

Corita Kent

новости недели 02 Feuer/Mesler

Продано

Иногда известна как Сестра Мария Корита Кент, Кент была монахиней и учителем рисования в Колледже Непорочного Сердца в Лос-Анджелесе.

Ее уход из школы (и ордена) в 1968 году был частично связан с напряженностью между орденом и церковью из-за прогрессивных реформ движения Второго Ватиканского собора, но также был приурочен к ее собственным творческим обязательствам и растущей известности. На протяжении 60-х она выступала на радио и телевидении и читала лекции по стране. До того, как Уорхол прославил это средство, она работала с шелкографией (трафаретной печатью), потому что ее можно было дешево производить массово и широко распространять. Ее живые, красочные работы говорят через графическую простоту, поскольку они сочетают в себе библейские стихи, логотипы брендов, литературные цитаты и даже тексты песен Beatles, чтобы исследовать более крупные проблемы, такие как бедность, гражданские права и война во Вьетнаме, чтобы в конечном итоге добиться перемен. Глубоко увлеченная своим предметом, она оставалась активисткой вплоть до своей смерти в 1986, получив от фотографа Бена Шана прозвище «радостный революционер».

Эвелин Акселл

Мороженое , 1964

Центр искусств Уокера

 

Эвелин Акселл

4 Валентина

5,

5 2 «Выставка EY: The World Goes Pop» в Тейт Модерн, Лондон

 

Бельгийский художник Аксель недавно был включен в музейные выставки «Международная поп-музыка», гастролировавшие в Миннеаполисе, Далласе и Филадельфии, и «Мир идет поп-музыкой» в Тейт Модерн. На самом деле, прошлым летом ее работа Valentine (1966) принесла ей место в качестве первой поп-артистки, включенной в постоянную коллекцию Тейт Модерн. На работе изображена женщина-космонавт в игрушечном шлеме (настоящий шлем, который раньше носил сын Акселла) и отсылка к Валентине Терешковой, первой женщине, полетевшей в космос. Подобно классическому обнаженному телу, встречающемуся с пин-апом в стиле Монро, на теле женщины есть функционирующая молния, открывающая ее фигуру. Она не просто объект мужского желания, она обладает самообладанием и, похоже, черпает силы из своей традиционно мужской профессии.

Еще одна работа, Ice Cream (1964), вызвала переполох после того, как ранее в этом году была подвергнута цензуре на странице Художественного музея Филадельфии в Facebook. Когда он был создан, он был неправильно истолкован как нарушение статус-кво. Однако теперь это рассматривается как выражение сексуального освобождения и женского удовольствия, противостоящее просто декоративным женским фигурам, которые доминировали в ориентированном на мужчин движении поп-арта.

Выплата внешнего долга Аргентины Энди Уорхолу кукурузой, The Latin American Gold , 1985/2011

Henrique Faria Fine Art

Переехав в Нью-Йорк, аргентинская художница Минуджин подружилась с Уорхолом, которого она позже представила в своем политико-экономическом перформансе «Выплата аргентинского внешнего долга кукурузой». Золото Латинской Америки» (1985/2011). Как и Уорхол, Минуджин исследовала культуру потребления, но ее практика была далека от его вычищенных, массовых работ, которые держали зрителей в стороне. Вместо этого Минуджин выступал против исторически пассивного потребления искусства и растущего влияния новых форм средств массовой информации. Она создавала хэппенинги и эмпирические среды (часто включающие неоновые и дневные цвета), которые находились на границе между поп-музыкой и концептуальным искусством, основанным на участии.

Возможно, самые популярные из ее работ — это ее интерактивные расписные скульптуры матрасов, которые призывают (и приглашают) к сексуальной активности, отсылая к упаковке продукта и потреблению через их яркие, геометрические цвета.

Между тем, для ее известного Minuphone (1967) зритель набирал номер телефона в телефонной будке, которая излучала различные цвета и звуки, когда его или ее лицо появлялось на экране телевизора, переводя человеческие тела в опосредованные формы.

Бугатти , 1964

Allan Stone Projects

Con Edison Co. , ок. 1964

Allan Stone Projects

Заимствуя образы Уорхола и Лихтенштейна для создания ковров ручной работы, художник-самоучка Гребенак исследовал границы между изобразительным искусством и ремеслом. Ведь до того, как попасть в галерейное пространство, ее работы впервые были выставлены на продажу в сувенирном магазине Бруклинского музея. Включая логотипы брендов от Con Edison до Bugatti (ее дилер Аллан Стоун собирал роскошные автомобили), Гребенак объединила популярную и потребительскую культуры с американским народным искусством, а также элементы личного с общим. Ее единственные в своем роде работы контрастируют с гладкими, вездесущими продуктами, на которые они ссылаются, не говоря уже о механизированном искусстве, которое создавали титаны поп-музыки в то время.

Марисоль

Гораций Пуло , 1993

Эль-Музей дель Баррио

 

Марисоль

Ми Мама и 02 9 0 0 3 9 0 0 3 Йо 9 0 1 9 6 8 Museo del Barrio

 

В юности родом из Парижа венесуэлька. Художница Марисоль (урожденная Мария Соль Эскобар) переехала в Нью-Йорк, где подружилась с Уорхолом и даже снялась в двух его фильмах. На какое-то время она, возможно, была так же известна, как и сам Уорхол, выступая как на Венецианской биеннале, так и на «Документе» в 1919 году.68. И все же она избегала внимания. Ее первая персональная выставка в нью-йоркском музее «Марисоль: скульптуры и работы на бумаге» в El Museo del Barrio в 2014 году недавно возродила интерес к ее работам.

Обучаясь абстрактному экспрессионизму у Ганса Хофманна в Нью-Йорке, она изменила свою практику в начале 50-х, чтобы объединить влияние доколумбового фолка и ассамбляжа в стиле Раушенберга — отчасти в ответ на самоубийство ее матери. Ее деревянные скульптуры в натуральную величину выходят за рамки поп-музыки, и она не решалась ассоциировать себя с этим движением. Юмористические, но жуткие, ее работы включают в себя найденные предметы и изображают знаменитостей той эпохи, от Кеннеди до Боба Хоупа, а также маргинализированные группы и даже ее собственную семью.

Девушка с жемчужной сережкой , 2010

Lawrence Fine Art

Девушка Бонда

Галерея Джоан Артман

Скульптурная живопись Страйдера высмеивает мужской журнал. « Девушка с редисом » (1963) — пример сочетания юмора и сложного содержания, которое характеризует ее работы. В произведении крупным планом изображена обычная стилизованная женщина, которую легко вытащить из любой рекламы или комикса, которая переворачивает с ног на голову обычную сексуализированную кокетку с открытым ртом, держа редис между зубами. Редька — одна из фирменных «настроек» Страйдер, трехмерных элементов, которые она добавляла к поверхностям своих картин, на которых изображено все, от купленных в магазине овощей до девушек в стиле пин-ап. В частности, в последнем случае она подчеркивала аспекты женской формы, обычно подверженные мужскому взгляду, чтобы ее работа могла разоблачить и дестабилизировать ее.

Практика Бродяжника постоянно менялась. В 1969 году она помогла организовать «Street Works», многомесячную серию публичных выступлений, в которой участвовали Адриан Пайпер, Вито Аккончи и сама Страйдер. В 70-х она создала массивные инсталляции в виде мягких скульптур из пенополиуретана, а в последующие десятилетия вернулась к изображению женских фигур, исследуя их абстракцию, нарисованную линиями, на стилизованном радужном фоне.

Идель Вебер

Press Type Фирма , 1965

Коллекция Майкла Томаса

Продано

Родившийся в Чикаго Вебер переехал в Нью-Йорк в 25 лет и в том же году был включен в групповую выставку MoMA. Отображая влияние Эдварда Хоппера, а также ее обучение графическому дизайну, работы Вебер содержат ясный, упрощенный и жесткий язык рекламы, но приправленный загадочной капризностью. На ее картинах, написанных тушью и акварелью, анонимные фигуры — бизнесмены в костюмах, тренирующиеся женщины, пары — стоят четкими силуэтами на узорчатом фоне. Скорее архетипические, чем индивидуальные, они отражают единообразие и изоляцию, характерные для городской жизни XIX века.60-е годы. Неясно, предназначены ли эти сцены для критики или более нейтрального отражения этого идеала. Тем не менее, они стоят особняком от других массовых произведений поп-музыки тем, что они противоречат своей ручной росписи с близкого расстояния. Некоторые считают, что ее фигуры вдохновили на вступительные титры популярного телешоу «Безумцы ».

Без названия (Женская свобода) , ок. 1971

Симона Субал

Кики Когельник

Санкист , 1981

RoGallery

7 500 долларов США

Австрийская художница Когельник, сначала увлекшись венской жестовой абстрактной живописью, переехала в США в начале 1960-х годов и быстро оказалась среди таких художников, как Уорхол, Лихтенштейн, Джоан Митчелл и Клас Ольденбург. эпоха, характеризующаяся космической гонкой и сексуальной революцией. В то время как ее более поздние работы напоминают (и критикуют) модную рекламу, ее работы 60-х исследуют гендер, эротику и человеческую фигуру в связи с послевоенным научным и технологическим развитием.