Самые известные картины Энди Уорхола

В этой статье мы вспомним самые известные картины Энди Уорхола — одного из самых ярких деятелей искусства второй половины 20-го столетия. По большому счету, Уорхол — человек, вбивший самый крупный гвоздь в крышку гроба Искусства, в его классическом понимании. 

 

Энди Уорхол (1928 — 1987) — известный американский художник, дизайнер, скульптор, продюсер, режиссер, писатель, издатель журналов, коллекционер, основоположник идеологии «homouniversale» и автор работ, уже ставших синонимом успешного коммерческого поп-арта. 

Собственно говоря, Энди Уорхол — Папа поп-арта, первенство которого в этом весьма неоднозначном направлении искусства не оспаривает никто. 

Энди Уорхол, лишив искусство его извечной элитарности, сделал его доступным для масс, в огромной мере поспособствовал тому, чтобы далекие от искусства люди могли научиться видеть красоту повседневных вещей и понимать, что все вокруг них прекрасно по своей сути.

 

Итак, самые известные картины Энди Уорхолы, которые зачастую являются и самыми дорогими его работами: слава и деньги всегда идут рука об руку. 

«Электрический стул» был создан американским художником Энди Уорхолом в 1964 году и представляет собой  холст среднего размера, на который серебристой акриловой краской нанесена трафаретная печать.

В центре полотна изображен незанятый электрический стул, установленный в пустой комнате, причем стул имеет каркас с высокой спинкой, а также кожаные ремни у его подножия и более длинные ремни и пряжки по бокам. 

 

Кабель, идущий из-под сиденья, изогнувшийся в полупетле, расположен перед креслом. За креслом у задней стены можно разглядеть небольшой деревянный столик, а в правом верхнем углу композиции расположена едва заметная табличка с надписью «Молчание»…читать полностью

Примечательно, что это не первый шелкографический портрет Мэрилин Монро, сделанный Энди Уорхолом.

И даже не один из пяти, которые он создал в 1964 году, используя фотографию актрисы с рекламного плаката «Ниагары».

При всем при этом «Shot Sage Blue Marilyn», проданный 9 мая 2022 на аукционе Christie’s в Нью-Йорке, стал самым дорогим произведением искусства 20-го века и самым дорогим произведением американского художника: цена составила 170 миллионов долларов США плюс 25 миллионов комиссионных, итого — 195 миллионов.

«Мэрилин» приобрел владелец галереи Ларри Гагосян, хотя неясно, от чьего имени он сделал выигрышное предложение. Непомерная цена, которая бьет рекорды (и превышает почти 180 миллионов, которые были заплачены в 2015 году за «Алжирских женщин» Пабло Пикассо. 

Полотно было написано сразу после смерти Мэрилин Монро. Энди Уорхол объединил две картины: 25 грубо нарисованных   в кислотных цветах портретов актрисы и 25 точно таких же, но черно-белых. 

На второй картине большинство портретов плохо видно или размыто. Таким образом артист сумел показать лицо смерти, преследующей Мэрилин, и подчеркнуть контраст с ее жизнью. Картина сейчас находится в Лондоне, в галерее Тейт.

Эта картина, по словам художника, стала его лучшей работой. Все началось с одной картины, потом родилась целая серия. Она выражает желание Уорхола раскрыть истинную природу вещей и дать всем понять, что утюг или пылесос так же красивы, как изумрудные холмы или залитая солнцем поляна с цветами. 

Уорхол очень просто объяснил свою страсть к рисованию обычных вещей: «Я работаю с тем, что мне нравится. А он, было время, очень любил супы Кэмпбелл и часто ел их прямо из банки. 

Эта картина была продана за 24 миллиона долларов уже  после смерти Уорхола. Сам автор в свое время, не ведая о грядущем феерическом успехе своих работ, продавал такие по 100 баксов.

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь, в результате получил три пулевых ранения в живот. Близкое столкновение со смертью вдохновило новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе знаменитого «Револьвера» — точной копии оружия, из которого в него стреляли, едва не лишив «Папу» поп-арта жизни.  

На красном фоне мы видим трафаретное черно-белое изображение револьвера. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground — первой алтернативной команды в истории рок-музыки. Его известным вкладом стал конверт для дебютного альбома The Velvet Underground и Нико. Именно там впервые были изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Очисти медленно и смотри». 

И первые тиражи альбома были снабжены желтым бананом, приклеенным к конвертам, под которым, сорвав его, можно было обнаружить другой фрукт — на этот раз розовый и очищенный.

Уорхол сказал: «Я попросил некоторых своих друзей предложить темы для моей работы. Наконец, друг задал правильный вопрос: «Эй, а какой твой любимый?» 

Так я начал рисовать деньги! » Энди Уорхол, как пропагандист всего массового производства, не мог не заметить такую знакомую американскую вещь, как однодолларовую купюру. Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. В картине нет ничего, кроме денег. 

Тем не менее, эта работа является одной из самых дорогих: ее продали за 43,8 миллиона долларов. Таким образом Уорхол доказал свою основную идею «искусство — это прибыль, если оно хорошо продается».

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 миллиона долларов. 

Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить его любимую тему в искусстве — тему славы, однообразного повторения одних и тех же образов и страха смерти. Исполнил Уорхол выполнил эту работу в своем любимом цвете — серебре.

Что может быть проще, чем просто раскрасить известную всем бутылку? Но в этом был секрет искусства Энди Уорхола — он должен быть понятен каждому, и все пьют кока-колу, от президента до рабочего.

 

Художник делал ставку не на элитарность, а на массы, и не отказался от нее. «Удивительно, что в этой стране зародилась новая традиция потребления — богатые покупают точно те же продукты, что и бедные. 

Президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы только подумайте, вы тоже пьете кока-колу, — сказал он.

Тема «Долларовых банкнот» послужила мотивом для прорывной серии Уорхола 1961 года, которая, в свою очередь, побудила его к революционному исследованию процесса шелкографии для создания своих картин. 

Двадцать лет спустя Уорхол вновь обратился к теме денег, на этот раз сосредоточившись на элегантной криволинейной форме самого знака доллара. 

В отличие от монохроматических и статичных картин «Долларовая банкнота» 1961 года, «Знаки доллара» Уорхола 1981 года пульсировали яркими оттенками, многослойной энергией, как будто прославляя мастерство художника в выбранной им среде. Основанный на одном из собственных рисунков Уорхола, стилизованный мотив доллара здесь, кажется, отражается малиново-красным, розовым и золотым на нежно-голубом фоне.

..читать полностью

От знаменитостей, которых Энди Уорхол очень часто рисовал, художник перешел к политикам. Одна из его поздних работ — картина «Красный Ленин», до недавнего времени принадлежавшая Борису Березовскому. 

Еще до смерти олигарх продал произведение искусства, а «Красный Ленин» оставил молоток почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру. Изначально шелкография Уорхола оценивалась в 45–75 тысяч долларов.

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были основаны на фотографии королевы 1975 года, сделанной фотографом Питером Гружоном, и были включены в подборку Уорхола «Правящие королевы». 

Он также включает его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Маргрете II из Дании и Нтомби Твала из Свазиленда. Британская королева изображена на произведениях художника во Владимирской тиаре, когда-то принадлежавшей представителям Российского Императорского Дома Романовых. 

Елизавета II недавно приобрела четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом, для Королевской коллекции.

Мало кто знает, что знаменитая версия плаката Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу. Дело в том, что его партнер Джерард Маланга создал эту работу в стиле Уорхола, отдав работу последнему по рисованию ради прибыли. 

Но аферы Джерарда раскрылись, и его ждала тюрьма. Затем ситуацию спас Уорхол — он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи пойдет ему.

Источник текста и фото: USA Art News

ТЕАТР-МУЗЕЙ САЛЬВАДОРА ДАЛИ

ТОП-12 ЭКСКУРСИЙ В БАРСЕЛОНЕ

Поп-арт, Энди Уорхол | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Энн Манникс

Рубрика: 

МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА

Номер журнала: 

#4 2013 (41)

ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ УОЯТЕРСА В БАЛТИМОРЕ ПРЕДСТАВЛЯЕТ ПЕРВУЮ В США МУЗЕЙНУЮ ЭКСПОЗИЦИЮ ПОЗДНИХ РАБОТ КУЛЬТОВОГО АМЕРИКАНСКОГО ХУДОЖНИКА ЭНДИ УОРХОЛА (1928-1987). БАЛТИМОР — КОНЕЧНАЯ ОСТАНОВКА В НАЦИОНАЛЬНОМ ТУРЕ ЭТОГО НАШУМЕВШЕГО ПРОЕКТА 2010 ГОДА, УЧАСТНИКАМИ КОТОРОГО СТАЛИ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ МИЛУОКИ, МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ФОРТ УОРТ И БРУКЛИНСКИЙ МУЗЕЙ В НЬЮ-ЙОРКЕ. ВЫСТАВКА В БАЛТИМОРЕ ОТКРЫЛАСЬ 17 ОКТЯБРЯ 2010 И ПРОДЛИЛАСЬ ДО 9 ЯНВАРЯ 2011 ГОДА. В ЕЕ СОСТАВ ВОШЛО БОЛЕЕ 50 РАБОТ, ОТРАЖАЮЩИХ РЕШИТЕЛЬНЫЙ ВОЗВРАТ ПОП-АРТ ХУДОЖНИКА К ЖИВОПИСИ И ВОЗРОЖДЕНИЕ В НЕМ ЭКСПЕРИМЕНТАТОРСКОГО ДУХА В ПОСЛЕДНИЕ 10 ЛЕТ ЖИЗНИ. В ЭТОТ ПЕРИОД, НАХОДЯСЬ НА ПИКЕ СВОЕЙ ПОПУЛЯРНОСТИ, ОН СОЗДАВАЛ КАРТИНЫ В ГОРАЗДО БОЛЬШЕМ КОЛИЧЕСТВЕ И БОЛЕЕ КРУПНЫХ МАСШТАБОВ, ЧЕМ В ЛЮБОЙ ДРУГОЙ МОМЕНТ СВОЕЙ СОРОКАЛЕТНЕЙ КАРЬЕРЫ. В ЧИСЛЕ ЦЕНТРАЛЬНЫХ ЭКСПОНАТОВ ПОКАЗА — СЕРИЯ ПСИХОЛОГИЧЕСКИХ АВТОПОРТРЕТОВ УОРХОЛА В ЕГО ЗНАМЕНИТОМ ЛОХМАТОМ СЕДОМ ПАРИКЕ, ТРИ ВАРИАНТА «ТАЙНОЙ ВЕЧЕРИ», А ТАКЖЕ РАБОТЫ, СОЗДАННЫЕ ИМ СОВМЕСТНО С БОЛЕЕ МОЛОДЫМИ ХУДОЖНИКАМИ. НЕКОТОРЫЕ ИЗ ПОЗДНИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ, ХРАНЯЩИХСЯ НЫНЕ В НАЦИОНАЛЬНЫХ И МЕЖДУНАРОДНЫХ ГОСУДАРСТВЕННЫХ И ЧАСТНЫХ СОБРАНИЯХ, А ТАКЖЕ В УНИКАЛЬНОЙ ПО ПОЛНОТЕ КОЛЛЕКЦИИ, ПРИНАДЛЕЖАЩЕЙ ХУДОЖЕСТВЕН НОМУ МУЗЕЮ В БАЛТИМОРЕ, НИКОГДА НЕ ВЫСТАВЛЯЛИСЬ ПРИ ЖИЗНИ АВТОРА.

Абстракции
В 1965 году, будучи в зените славы, Уорхол объявил, что уходит из живописи, чтобы заняться кино. Спустя примерно 10 лет он вновь резко сменил направление и опять с энтузиазмом принялся за картины. Абстрактные работы, которые Уорхол создал в поздний период своей карьеры, представляют собой радикальный отказ от имиджа культовой персоны поп-арта, чье творчество до той поры неизменно ассоциировалось с изображениями узнаваемых товаров и знаменитых людей.

Для создания серии «Окисление» (1978) Уорхол, его помощники и гости студии мочились на холсты, заранее покрытые металлизированными красками, чтобы произошла химическая реакция, вызывающая изменение цвета. Получившиеся в результате образы, которые в зависимости от прочтения можно истолковать и как вульгарные, и как прекрасные, свойственны той двусмысленности, которую культивировал Уорхол. Работая над серией «Тени» (1978-1979), он наносил изображения на фоновый слой краски методом шелкографии. Существуют различные версии происхождения этих изображений: это могли быть тени от находившихся в студии Уорхола предметов или, например, от частей человеческого тела. Сам художник уклончиво именовал свои работы «диско-декором» — аллюзия к музыкальному сопровождению церемонии открытия первой выставки «Теней» в Нью-Йорке. Уорхол так оценивал ее роль: «Это шоу будет таким же, как и все остальные. Рецензии будут плохими — рецензии обо мне всегда плохие. Но о вечеринке отзывы будут превосходными».

Вдохновленный новыми экспериментами в области абстракций, Уорхол создает серию «Роршах» (1984). Он пишет на половине большого холста, а затем складывает его пополам и таким образом при помощи наипростейшей из печатных техник получает двойное изображение. Эти образы напоминают настоящие психологические тесты Германа Роршаха, в которых мысли тестируемых выявляют путем ассоциаций, возникающих у них при виде неопределенных симметричных форм.

Пряжа и камуфляж
Заказ итальянского производителя пряжи в 1983 году натолкнул Уорхола на идею создания серии абстракций путем шелкографирования радужно-разноцветной пряжи по всей поверхности картин. Эти чисто механические банальные переплетения линий вызывают в памяти картины знаменитого абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, работавшего в технике «дриппинг» (dripping). Вместе с тем они отличаются от полло-ковской неистово экспрессивной техники нанесения краски вручную.

В картинах серии «Камуфляж» (1986) Уорхол использовал готовый шаблон, а формально-декоративные свойства подчеркивал за счет избыточно ярких комбинаций и повторений отдельных элементов, характерных для функционального милитаристского дизайна.

Хотя в этой серии имеются типичные для абстрактной живописи середины XX века оконтуренные пространства, заполненные цветом, в ней также проявляются палитра и смелые образы Анри Матисса, которого Уорхол считал образцом для подражания и чьи работы также можно увидеть в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (коллекция сестер Кон). Если принять во внимание заложенные здесь скрытые образы, такой «камуфляж» представляется достаточно провокационным для художника, утверждавшего, что все в его творчестве и в нем самом лежит на поверхности.

Процесс фотошелкографии
На протяжении большей части своей карьеры Энди Уорхол использовал фотошелкографию для создания ярких, четких, отчетливо очерченных изображений. Возможности технологий массового производства приводили его в восторг, и многие из картин, представленных на выставке в Балтиморе, он создал в сотрудничестве с коммерческими фотостудиями и типографиями. Уорхол начинал работу над картиной с фотографии, сделанной им самим или найденной в каком-нибудь журнале, рекламном объявлении, газете или в коллекции раскадровок фильмов. Он посылал фотографию в фотостудию, где ее превращали в контрастное черно-белое изображение на прозрачной пленке. Коммерческая мастерская шелкографии использовала эту прозрачную пленку для нанесения изображения на ткань, натянутую на раму.

Шелк обрабатывался так, чтобы типографская краска проникала только сквозь определенные участки ткани, а остальная поверхность оставалась «заблокированной».

Получив фотоформу из мастерской, Уорхол и его ассистенты могли отпечатать изображение на любом количестве полотен. На полотно предварительно уже была нанесена сплошная заливка одного или более цветов. Для воспроизведения рисунка на покрытом краской холсте на всю поверхность фотоформы наносили типографскую краску и прикатывали ее резиновым валиком. Валик продавливал типографскую краску сквозь фотоформу ровным слоем мелких точек, но только на незаблокиро-ванных участках. Используя этот многоэтапный процесс, Уорхол разработал новую технологию современной живописи, впоследствии ставшую его повсеместно узнаваемым авторским стилем. На протяжении последнего десятилетия своей карьеры Уорхол вернулся к традиционной живописи кистью, часто микшируя в одном и том же произведении живопись «вручную» с техникой шелкографии.

Совместные произведения («Коллаборации»)
Пока Уорхол разрабатывал свое направление в абстрактной живописи, на нью-йоркскую художественную сцену ворвались неоэкспрессионисты с их драматичными и эмоционально насыщенными метафорическими сюжетами. В октябре 1982 года владелец художественной галереи в Швейцарии Бруно Бишофбергер познакомил Уорхола с Жан-Мишелем Баския. Тот получил признание как художник, выплеснувший на холст эмоции и страсти улиц и соединивший высокое искусство с повседневностью, что оказалось удивительно созвучно творчеству Уорхола. Его поразила легкость, с которой творил этот молодой человек (Баския был младше Уорхола на 30 лет).

Между ними установились близкие отношения, продолжавшиеся около трех лет. Дни проходили в совместной работе над картинами в студии и заканчивались развлечениями в ночных клубах. В разгар работы над «Коллаборациями» Уорхол признался: «Жан-Мишель заставил меня писать по-другому, так что это дело хорошее». Под «хорошим делом» подразумевалось писание картин кистью, «вручную».

Оценив незаурядный потенциал этого партнерства, Бишофбергер заказал серию совместных работ Уорхола, Баскии и итальянского художника Франческо Клементе, в результате чего родились такие произведения, как «Происхождение хлопка» (1984). Уорхол и Баския продолжили работать вместе, создав еще более сотни общих картин. В начале их сотрудничества Уорхол шелкографировал свои логотипы для создания фона, на котором его товарищ рисовал скалящиеся физиономии и примитивное граффити.

Со временем Баския начал добавлять в картины шелкогра-фированные изображения, а Уорхол после долгих лет использования фотографий, шелкографии и валиков заново открыл для себя живопись. По сути, «Коллаборации» ознаменовали собой не только возврат Уорхола к традиционной для живописи технике, но и его возвращение к фигуративу.

Подобно работам Уорхола 1960-х и 1970-х годов, «Коллаборации» представляют собой отражение того времени, когда они создавались. Примером этому может служить и работа «Без названия (Инфаркт)», в которую художник включил заголовок «Джесси [будет] с Фрицем, а я сам по себе» — аллюзия к Джесси Джексону и Уолтеру (Фрицу) Мондейлу, кандидатам на пост президента США от Демократической партии в 1984 году.

Черно-белая реклама и физиологические диаграммы
В 1950-е годы молодой Уорхол был преуспевающим графическим дизайнером коммерческих проектов в области индустрии моды. В 1985 году он вновь обратился к рекламным образам, но теперь прообразами для его работ стали черно-белые рисунки и текст дешевой рекламы в газетах, в объявлениях на последних страницах журналов по бодибилдингу и в евангелистских религиозных брошюрах. Подобные незамысловатые ностальгические образы ранее уже появлялись в тех картинах переходного — между рекламой и живописью — периода, которые Уорхол создавал в поисках своего собственного поп-арт стиля в начале 1960-х.

Интерпретация изображений бодибилдеров в «Черно-белой рекламе» Уорхола связана с другой серией, включающей «Физиологическую диаграмму» (около 1984-1985). Создание этих изображений человеческого тела совпало с началом кризиса в сфере здравоохранения, связанного с распространением ВИЧ, а также со все более очевидным для Уорхола старением собственного тела. Демонстрировавший неизменное поклонение физической красоте объектов своего творчества, в том числе людей, которые посещали его студию «Фабрика», сам художник был весьма ослаблен увечьями, полученными во время покушения на него в 1968 году.

К 1980 Уорхол стал регулярно выполнять физические упражнения, заинтересовался альтернативными лечебными практиками Нью-Эйдж и связанными с этим графическими символами (такими, например, как схема на картине «Физиологическая диаграмма»).

Черно-белые рекламные объявления
Уорхол создал серию «Черно-белые рекламные объявления», используя свою «патентованную» технику поп-арта: он вырезал рекламные объявления, создавал их проекции, переводил проекции на бумагу и заказывал ацетатные фоторамы для последующей шелкографии.

Однако в некоторых случаях, вдохновленный «Коллабора-циями», созданными совместно с Баския, Уорхол писал рекламные объявления на бумаге, а затем заказывал фоторамы на основе этих изображений, сохраняя следы от щетины, мазков и капель краски на окончательном отпечатке. Рисунки Уорхола от руки и текучая живописная фактура оживляют поверхность этих работ, которые в основном представляют собой шелкографи-рованные репродукции его оригинальных рисунков кистью.

Более крупные картины серии «Черно-белые рекламные объявления» он писал непосредственно на холсте, следуя проекции рекламного объявления, как, например, в картине «Две пятидолларовые купюры. Тяжелоатлет» (1985-1986). В этих работах видна текучая живописная фактура и мягкая линия. Во всех «Черно-белых рекламных объявлениях» Уорхол намеренно соединяет ручные и механические процессы, в полной мере используя возможности создания зрительных иллюзий.

Автопортреты
Подобно Рембрандту или Пикассо, Уорхол был весьма плодовит по части автопортретов. Наиболее известна выполненная в 1986 году серия изображений на фоне пустоты, в хаотично растрепанном парике наподобие узнаваемой шевелюры друга Уорхола Баскии (чью прическу создал известный стилист Раст). В отличие от картины «Автопортрет. Обои» (1978), портреты в парике представляют собой безжалостные изображения постаревшего художника, вызывающие тревожные чувства.

В то же время и контур фигуры на раннем автопортрете на обоях, и встречающаяся в более поздних картинах словно отделенная от тела голова создают призрачный образ человека, который однажды заметил: «Я уверен, что если посмотрюсь в зеркало, то не увижу ничего. Люди часто называют меня зеркалом, а если зеркало смотрит в зеркало, что можно там увидеть?»

Тайная вечеря
Написанная по заказу греческого артдилера Александра Иоласа, устроившего первую персональную выставку Уорхола в 1952 году, серия «Тайная вечеря» стала главным экспонатом на церемонии открытия новой галереи Иоласа в Милане. Она расположилась напротив монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, в трапезной которого находится знаменитая фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Для этой выставки Уорхол сделал серию шелкографий, крепившихся непосредственно к стене и как бы имитировавших фрески Леонардо. Уорхол изготовил дополнительные версии, проецируя исходное изображение на полотно и очерчивая фигуры от руки. Над одной из своих выдающихся поздних серий Уорхол работал больше года. В общей сложности было сделано более сотни вариантов «Тайной вечери», включая самые масштабные картины из созданных художником за всю его карьеру.

Когда Уорхола спрашивали, имеет ли изображение «Тайной вечери» какое-либо особое значение для него самого, он уклончиво отвечал: «Нет. Это хорошая картина». Только из надгробной речи на похоронах художника большинство людей узнало о том, что он был верующим католиком. Эти картины могут воплощать как личные религиозные верования, так и непочтительное отношение к сюжету, выразившееся в ироничных вставках коммерческих логотипов и потенциально греховном повторении образа Иисуса Христа.

При ретроспективном взгляде особую остроту приобретает создание интерпретаций последней трапезы Христа и апостолов незадолго до смерти Уорхола, наступившей 22 февраля 1987 года вследствие неожиданных осложнений после операции.

Вернуться назад

Теги:

Энди Уорхол от А до Я

T

КУЛЬТУРА•ЛИЧНОСТЬ

Текст: Катя Фисенко

На Netflix (у некоторых он еще работает) вышел документальный сериал про Энди Уорхола, снятый его давним поклонником и учеником Райаном Мерфи. Рассказываем, все, что нужно знать о короле поп-арта. 

Андрей Варгола

Уорхол родился в Питтсбурге, США, в семье словацких иммигрантов.
Андрей Варгола — так звучит настоящее имя Уорхола на словацком.

наверх

Андрей Варгола (справа) с матерью Юлией и старшим братом 

Болезнь

В детстве Энди заболел хореей Сиденгама — острой ревматической лихорадкой, из-за чего на время оказался прикован к постели. Во время болезни Уорхол много рисовал и собирал картинки известных людей или героев мультфильмов Диснея, вырезанных из газет и журналов. Так началась его любовь к знаменитостям и искусству. Развившаяся болезнь вызвала проблемы с кожей, его стали называть «Энди, красноносый Уорхола». Уже во взрослом возрасте ему так осточертел цвет его носа, что как-то раз он пошел в клинику (он вообще был сторонником пластической хирургии), чтобы там ему отшлифовали нос, но, по словам Уорхола, стало только хуже.

«Велвет Андерграунд»

Уорхол был менеджером и продюсером легендарной группы. Они снимались в его фильмах и участвовали в шоу «Взрывная пластиковая неизбежность», сочетающем в себе театр, кино, танец и музыку. Шоу положило начало великому альбому группы The Velvet Underground & Nico, обложка которого стала самостоятельным произведением искусства.

Гомосексуальность

Уорхол был открытым геем и стал иконой ЛГБТ-сообщества. Несмотря на то, что художник был религиозным человеком и часто появлялся в церкви, это не мешало ему открыто говорить о своей сексуальности. В ранних работах он исследовал мужское тело, составляя целые сборники с эротическими рисунками.

Aвтопортрет Энди Уорхола, 1987

Энди Уорхол и Шон Кэссиди, 1978

Деньги

К искусству он подходил меркантильно и был уверен, что самое лучшее — делать деньги: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. После того как я занимался тем, что называется искусством, я подался в бизнес-искусство. Я хочу быть бизнесменом искусства, или бизнес-художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства».

Если верить Уорхолу, на протяжении 20 лет он питался одним и тем же: супом Campbell и сэндвичами. А когда ходил в ресторан, заказывал то, чего совсем не хотелось, не мог съесть и просил официанта завернуть с собой. Упакованную еду он оставлял на улице — для бродяг. Это называлось нью-йоркской диетой Энди Уорхола.

Журнал Interview

Уорхол обожал знаменитостей и основал легендарный журнал, кажется, только для того, чтобы они имели возможность разговаривать друг с другом чаще. Первые выпуски Уорхол сам раздавал людям на улице: простых горожан он любил не меньше звезд. В первых номерах журнала появились интервью с Джоном Ленноном, Сальвадором Дали, Дэвидом Боуи, Труменом Капоте. Печатная версия журнала просуществовала почти 50 лет и была закрыта в мае этого года.

Зависть

Энди Уорхол иронично называл себя самым завистливым человеком на свете, утверждая, что зависть — одно из главных чувств, заставляющее его что-то делать: «Собственно говоря, я всегда стараюсь покупать вещи и людей только потому, что завидую — вдруг кто-нибудь другой их купит, и они в конечном счете окажутся хорошими».

Уорхол и фотограф Артур Феллиг

Иллюстрация

В 1941-м Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги — Меллон), где учился иллюстрации и коммерческому искусству. Его первая работа появилась в журнале Glamour в 1949 году в статье «Успех — это работа в Нью-Йорке». По сути, это было стартом его собственного успеха и карьеры, молодой Уорхол начал зарабатывать иллюстрацией. Его картинки — женские туфли и машины — стали печататься на страницах журналов, в том числе Vogue и Harper’s Bazaar.

Кинематограф

За свою карьеру Уорхол снял сотни фильмов: короткометражных, многочасовых, абсурдистских, экспериментальных, коммерчески успешных и ставших культовыми. Среди самых известных: восьмичасовой «Спи», немой «Минет», «Винил» — ремейк «Заводного апельсина» и «Девушки из “Челси”». Последний стал классикой мирового кино.

реклама

реклама

Любовь

Любовь Уорхол трактовал своеобразно и утверждал, что не уверен вообще, что когда-нибудь испытывал это чувство. Иногда казалось, что он любит свой телевизор или звукозаписывающий магнитофон больше, чем кого-либо. Хотя в этом была своя доля лукавства: «Я не знаю, был ли я когда-нибудь способен на любовь, но после 1960-х я никогда больше не думал на языке «любви». Один человек в 1960-е обворожил меня больше, чем кто-либо за всю мою жизнь. И очарованность, которую я испытал, была, вероятно, очень близка к какому-то роду любви».

Мэрилин Монро

Она была для него идеальным сочетанием красоты и чувства юмора, одной из главных женщин его жизни. После ее смерти он создал «Диптих Мэрилин» — символ творчества Уорхола и всего поп-арта. Журнал The Guardian отдал работе третье место в списке «500 выдающихся произведений современного искусства».

Нью-Йорк

Всю жизнь Энди Уорхол прожил в США. Он родился и вырос в Питтсбурге в семье словацких иммигрантов, а большую часть жизни провел в Нью-Йорке. Здесь он обрел настоящую популярность, здесь появилась его мастерская «Фабрика» и его суперзвезды — свита друзей и подруг, постоянно сопровождавших его повсюду и участвующих в его арт-проектах. Он любил этот город и все, что связано с его страной: «Существуют три вещи, которые для меня всегда красивы: мои старые добрые ботинки, которые не жмут, моя собственная спальня и таможня США, когда я возвращаюсь домой».

Отходы

Уорхол был собирателем мусора и отходов. Он часто использовал бракованные кадры в своих фильмах, даже делал отдельные фильмы только из такого материала. В 1970-х он начал собирать вещи, место которых, казалось бы, в мусорной корзине, для своего проекта «Капсулы времени». Он запечатывал в картонных коробках бесконечные упаковки, флаеры, билеты, открытки, банки с супом и даже мертвых муравьев. За 13 лет Уорхол собрал 610 таких капсул, их содержимое сейчас хранится в музее имени художника в Питтсбурге.

Поп-арт

В свой расцвет поп-арт критиковался за стирание границ между низменным и возвышенным — он эксплуатировал образы рекламы и продуктов потребления, превращая бутылки кока-колы и упаковки из-под кетчупа в дорогостоящие произведения искусства. Уорхол был пионером поп-арта и его иконой. Его мало интересовали критики, зато он обожал потребительскую культуру. Его восхищала идея равенства, которая, как ему казалось, достижима через консюмеризм: «Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают в принципе то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай — ты тоже можешь пить кока-колу. Все кока-колы одинаковы, и все они хороши».

Роберт Раушенберг

Еще один представитель поп-арта и концептуализма. Они были знакомы и дружили с Уорхолом. Раушенберг работал преимущественно в технике коллажа, иногда так же, как Уорхол, использовал шелкографию и занимался инсталляциями.

Уорхол любил и ненавидел скуку одновременно. Так или иначе, через его творчество отчетливо прослеживается ее мотив: он делал нарочито длинные бессюжетные фильмы, где действие не меняется вовсе, или копировал одно и то же изображение сотни раз. Он воспринимал скуку как путь к катарсису: «Чем больше вы смотрите на одну и ту же вещь, тем больше из нее уходит смысла и тем лучше и опустошеннее вы себя ощущаете».

Телевидение

«Когда у меня появился первый телевизор, я перестал придавать большое значение близким отношениям с другими людьми», — конечно, Уорхол тонкий шутник, но телевидение и правда играло большую роль в жизни художника и было его любимым средством коммуникации. Он всегда мечтал о собственном телешоу и в 1980-х стал автором двух: Andy Warhol’s TV и Andy Warhol’s Fifteen Minute, которое показывали по MTV.

Энди Уорхол почти всегда начинал свой день одинаково: он звонил своим телефонным подругам. Самыми близкими были писательница Пэт Хэкетт и художница Бриджит Берлин, они могли разговаривать часами обо всем: о снах, общих друзьях, сексе и его собаке Арчи.

«Фабрика»

Мастерская Уорхола была пристанищем всех звезд и суперзвед Ньй-Йорка: от Боба Дилана и Жан-Мишеля Баския до Сальвадора Дали и Уильяма Берроуза, здесь знакомились друг с другом, творили, принимали наркотики и закатывали вечеринки. Некоторые жили тут днями и неделями.

Оставаясь местом главных богемных тусовок города, «Фабрика» сохраняла свою первоначальную задачу, хотя сам Уорхол трудился не так много — ему нравилось иметь ассистентов, которые выполняли монотонную работу вроде шелкографной печати одного и того же изображения.

«Фабрика» сменила четыре адреса, но главной оставалась самая первая — вся покрытая серебристой краской: ей были выкрашены стены, потолки и даже унитаз, повсюду была расклеена фольга, висели осколки зеркал.

Харинг

Кит Харинг — близкий друг Уорхола, завсегдатай «Фабрики» и представитель поп-арт-движения. Его маленькие угловатые человечки не менее узнаваемы, чем картины Уорхола. В 1986-м Харинг открыл на Манхэттене Pop Shop, в котором начал продавать свои работы и сувениры: от магнитов до футболок. Магазин, кстати, работает до сих пор, но в онлайн-режиме.

церковь

Глубоко религиозные родители Уорхола были прихожанами русинской грекокатолической церкви. Сам он тоже верил и любил церковь, его священник даже утверждал, что Уорхол приходил в церковь почти каждый день, но в безлюдные часы.

«Челси»

«Девушки из “Челси”» — пожалуй, самый известный полнометражный фильм Уорхола-режиссера о 12 девушках, развлекающихся в отеле «Челси». В фильме сыграли суперзвезды Уорхола — его свита, гости его «Фабрики» и друзья. Несмотря на то, что фильм принадлежал к авангардному, экспериментальному кино, его прокатывали в кинотеатрах, он пользовался коммерческим успехом. 

Шелкография

Большинство работ Уорхола выполнены в технике шелкографии, которая позволяла быстро копировать одно и то же изображение. Именно этим методом были созданы «Банки с супом «Кэмпбелл»» (Уорхол, кстати, говорил в одном из интервью, что это, пожалуй, его любимая работа), «Диптих Мэрилин», «Восемь Элвисов», серия «Смерть и катастрофа» и т. д.

Щедрость

Несмотря на любовь к бизнес-искусству, роскоши и деньгам, Энди Уорхол был довольно щедрым человеком: он часто помогал нищим, был волонтером в приюте для бездомных.

Уорхол и фотограф и поэт Джерард Маланга с детьми в Нижнем Ист-сайде

Эди Седжвик

Актриса, модель, подруга Уорхола, его суперзвезда и муза. Седжвик постоянно тусовалась на «Фабрике», снялась в нескольких картинах Уорхола, сопровождала его на вечерах и съемках телешоу.

Образ Седжвик стал культовым: стрижка пикси, темные тени и ресницы, короткое черное платье и огромные серьги — американская молодежь ей подражала, а рок-группы посвящали ей свои песни.

Хорошее чувство юмора было для Уорхола чуть ли не главным человеческим качеством: «Смешные люди — единственные люди, которые мне интересны, потому что, если в человеке нет ничего смешного, мне с ним скучно».

«Я стреляла в Энди Уорхола»

3 июня 1968 года Валери Соланас вошла в «Фабрику» и несколько раз выстрелила в Энди Уорхола. Она попала в живот, пули повредили восемь органов. После стрельбы Соланас выбежала на улицу и сообщила первому встреченному полицейскому: «Я стреляла в Энди Уорхола».

Валери Соланас была радикальной феминисткой, она знала Уорхола, уже бывала на «Фабрике» и даже снималась в его кино. Она заявила полиции, что тот «слишком контролировал мою жизнь». Ей диагностировали параноидальную шизофрению и посадили на три года.

После покушения Уорхол пересмотрел свое восприятие искусства и творчества и до конца жизни носил поддерживающий корсет.

{«width»:1200,»column_width»:111,»columns_n»:10,»gutter»:10,»line»:40}false7671300falsetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}true

«Голубая простреленная Мэрилин» Уорхола — теперь самая дорогая картина ХХ века

Арт-рынок

«Голубая простреленная Мэрилин» Энди Уорхола из коллекции Томаса и Дорис Амман. Фрагмент.

Фото: Christie’s

Серия аукционов искусства ХХ–ХХI веков Christie’s в Нью-Йорке принесла аукционному дому $420,9 млн и 18 новых рекордов цен на современных художников. В торгах участвовали покупатели из 29 стран, 2,3 млн зрителей со всего мира следили за ходом аукционов онлайн

Анна Савицкая

11.05.2022

Вечером 9 мая аукционист Юсси Пилкканен, международный президент Christie’s, отметил ударом молотка продажу шелкографии «Голубая простреленная Мэрилин» Энди Уорхола из коллекции Томаса и Дорис Амман за $195 млн. Теперь это самое дорогое произведение искусства ХХ века, проданное на публичных торгах (и второе по стоимости после «Спасителя мира» Леонардо да Винчи).

Работа является одной из 27 знаковых портретов Мэрилин Монро Энди Уорхола и относится к серии «Простреленные Мэрилин».

Название отсылает к известному в истории искусства инциденту 1964 года, когда американская художница по имени Дороти Подбер увидела недавно завершенные картины Уорхола, сложенные друг против друга в его студии, и спросила у художника, может ли она их «щелкнуть». Уорхол выразил согласие, так как был уверен, что Подбер собирается их сфотографировать: на английском глагол shoot означает и «стрелять», и «делать фотографии». Тогда Подбер вытащила из сумочки револьвер и прострелила четыре работы с Мэрилин, целясь прямо в лоб.

Победителем в аукционной битве за Монро стал великий и ужасный Ларри Гагосян, владелец глобальной империи галерей современного искусства. Также на торгах были проданы две работы Сая Твомбли: «Без названия» (1955) — за $21 млн — и Venere Sopra Gaeta (1988) — почти за $17 млн. Суровая работа Жан-Мишеля Баскиа «Его камердинер, нюхающий клей» (1984) ушла за $6 млн. Амман приобрел эту картину в галерее Мэри Бун в Сохо на самой первой выставке художника.

«Голубая простреленная Мэрилин» Уорхола стала самым дорогим произведением искусства ХХ века, проданным на публичных торгах.

Фото: Christie’s

Коллекционеры и арт-дилеры, брат и сестра Томас и Дорис Амман основали в Цюрихе в 1977 году компанию Thomas Ammann Fine Art AG, которая стала ведущей швейцарской галереей современного искусства, представлявшей на рынке и продававшей работы Фрэнсиса Бэкона, Альберто Джакометти, Анри Матисса и Пабло Пикассо, а также Энди Уорхола (именно Томас Амман еще в 1977 году инициировал подготовку каталога-резоне работ художника).

Сай Твомбли. «Без названия». 1955.

Фото: Christie’s

Коллекция Томаса и Дорис Амман принесла по итогам торгов в общей сложности $317,8 млн с учетом комиссии аукционного дома, что является второй по стоимости частной коллекцией, когда-либо проданной на Christie’s. Опережает ее только распродажа художественного собрания Пегги и Дэвида Рокфеллеров в мае 2018 года. Впрочем, предварительная оценка коллекции Амманов варьировалась от $284 млн до $420 млн, так что на исход торгов повлияли итоги тяжелого дня на Уолл-стрит.

Основные индексы на Нью-Йоркской фондовой бирже упали в этот день на 2–4%, что немедленно отразилось и на других рынках.

На следующий день суммарная выручка вечернего аукциона искусства ХХI века составила $103 млн, с молотка ушли абсолютно все выставленные на торги лоты. Были проданы произведения Кристофера Вула, Ёситомо Нары, Герхарда Рихтера, а также молодых художников из разных стран, почти треть из которых — женщины. Самый молодой автор, чья работа участвовала в аукционе, — американка Анна Вейант 1995 года рождения. Ее композиция «Лето» 2020 года была продана за $1,5 млн, почти в пять раз выше эстимейта, в результате оживленной битвы покупателей, которая продолжалась почти десять минут. Сюрреалистический «Портрет дамы» (по мотивам работы Луи-Леопольда Буальи) польской художницы Эвы Юшкевич, выполненный в 2019 году, ушел за $1,6 млн — вся сумма будет передана варшавскому Музею истории польских евреев «Полин».

Герхард Рихтер. Abstraktes Bild. 1994.

Фото: Christie’s

Самым дорогим лотом — $36,5 млн — ожидаемо стала картина Рихтера Abstraktes Bild (1994) из коллекции знаменитого музыканта Эрика Клэптона. Работы канадского художника-самоучки Мэтью Вонга в последние годы обычно уходят с молотка со значительным превышением эстимейта (в 2019 году он покончил с собой в возрасте 35 лет, буквально на пике художественной карьеры). На этот раз его монументальная «Зеленая комната» (2017) достигла в ходе аукциона суммы в $5,3 млн.

Серия торгов продолжится в четверг 12 мая, когда состоятся распродажа коллекции Энн Х.Басс и вечерний аукцион искусства ХХ века.

Подписаться на новости

Сай Твомбли Герхард Рихтер Энди Уорхол Christie’s

В Испании на будущей плантации авокадо обнаружили большой мегалитический комплекс

Археологи, работающие на территории объекта, возраст которого составляет около 7 тыс. лет, каталогизировали более 500 менгиров

07.09.2022

Главные выставки осени: от палеолитических венер до Мельникова

А также «Египетский сервиз» Наполеона, фламандцы и носороги — собрали для вас все самое лучшее в грядущем выставочном сезоне Москвы и Петербурга

02.09.2022

Как королева Елизавета II управляла величайшей мировой коллекцией искусства

Во время своего правления Елизавета II открыла Королевскую коллекцию для публики. Одно из последних великих европейских королевских собраний, сохранившихся в неприкосновенности, представляет собой ретроспективу вкусов за более чем 500 лет

09.09.2022

Ученые рассмотрели новые детали на «Молочнице» Вермеера

Анализ полотна «Молочница» Яна Вермеера перед его большой выставкой в Рейксмузеуме показывает, что художник работал намного быстрее, чем предполагалось ранее, и жертвовал деталями в пользу лаконичности

09.09.2022

Третьяковка покажет проекты, посвященные Дягилеву, Рериху и Грабарю

Директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова вместе с коллегами рассказала о новых приобретениях и раскрыла подробности будущих выставок

21.09.2022

Художественный музей Берна расскажет все, что узнал о коллекции Гурлитта

Таинственную коллекцию, которую десятилетиями прятал наследник нацистского арт-дилера, покажут на выставке в Швейцарии после подробного исследования

05. 09.2022

Материальная база отечественных киногрез: костюмы для героев

Рассказ о костюмах, которые создавала для классических советских фильмов художница Ольга Кручинина, открывает серию книг, посвященных представителям этой славной, но не всеми по достоинству ценимой профессии

16.09.2022

Энди Уорхол — биография и картины

Биографии художников

Год рождения: 6 августа 1928

Дата смерти: 22 февраля 1987

Страна: США

Работы художника находятся:

Биография:

   Этот человек с непримечательной внешностью и копной белых волос стал настоящим явлением в искусстве XX века. Он превзошел всех своих предшественников, пытавшихся «внедрить искусство в массы». Уорхол попросту сделал искусство частью нашей повседневной жизни, поставив его на полностью коммерческие рельсы, но сохранив индивидуальность и уникальность собственного почерка. К Энди Уорхолу можно относиться по-разному, любить его и ненавидеть, но равнодушным он точно никого не оставляет.

   Родился будущий бунтарь и новатор в 1928 году в США, в Питтсбурге. Его семья была эмигрантами из Австро-Венгерской империи, сейчас эта местность стала частью Словакии. Принадлежали родители Уорхола к малочисленной восточнославянской народности – русинам. Сам Энди был четвертым ребенком в семье и при рождении звался Андрей Вархола. Много лет спустя один из писавших о нем журналистов случайно опустил последнюю букву в его фамилии. Американизированное звучание так понравилось художнику, что он оставил звучный вариант. Так родилась легенда по имени Энди Уорхол.

   История формирования интереса к искусству и появления в голове мальчика странных и необычных идей напрямую связана с пережитыми им болью и страданиями. Учась в третьем классе школы, мальчик заболел тяжелой формой скарлатины, которая осложнилась странным и мучительным заболеванием – пляской святого Витта или хореей Сиденгама. Болезнь сопровождается непроизвольными подергиваниями конечностей и всего тела. В школе мальчика дразнили, и он мучительно тяжело переживал свою неловкость в движениях, стал очень мнительным. Трудное лечение сказалось и на его будущей жизни – в Уорхоле навсегда поселился подсознательный страх перед врачами и любым лечением. Но этот период стал крайне важным для ее становления как будущего художника. Вынужденная неподвижность заставила его заинтересоваться искусством в простейшей его форме – вырезая картинки из журналов и газет, он составлял коллажи. Это серьезнейшим образом сказалось на его творческой манере, сделав ее узнаваемой и уникальной.

   В 1949 году Энди закончил обучение в Технологическом институте Карнеги, получив степень бакалавра изящных искусств в сфере графического дизайна. Это направление лучше всего отвечало стилю Уорхола. Учился он хорошо, но друзей у странного и эксцентричного молодого человека не было.

   После окончания учебы он уезжает жить в Нью-Йорк, где сразу получает заказы на рекламу, создание открыток и оформление витрин. Следующим шагом в его карьере становится приглашение на работу иллюстратором в модные журналы Vogue и Harper’s Bazaar. Уже через год его ждет первый успех после рекламы обуви. Затем Уорхол становится иллюстратором самоучителя испанского языка Маргариты Мадригаль. Он и другие ее книги были очень популярны, прославился и Энди.

   Первая его персональная выставка состоялась в 1962 году. Он перестал считать копейки, так как его труд стал высоко оплачиваться. Успех принес ему добротный дом на Манхэттене и дал возможность экспериментировать с искусством.

   Освоив трафаретную печать и шелкографию, Уорхол создал невероятно популярные и в наши дни портреты знаменитостей, в том числе и звезды первой величины – Мерилин Монро. Он экспериментирует с возможностями графики, создавая изображения с использованием повседневных, обыденных предметов – бутылок Кока-Колы и банок с консервированным супом Кемпбелл. Эти произведения по-разному оценивались критиками и общественностью. Одни считали их обличением бездуховности современного общества потребления, другие признавали банальщиной и признаком дурного вкуса. Как бы то ни было, произведения пережили своего создателя и сделали его иконой поп-арта и концептуального искусства.

   Разбогатев, Энди получает возможность выразить себя в разных направлениях искусства. Его личная студия под названием «Фабрика» становится клубом для разнообразных прогрессивных селебрити того бурного времени, а также средоточием всего концептуального в искусстве Америки. Попасть на «Фабрику» мечтают все, кто стремится что-то значить в этом конкурентном мире.

   В этот же период художник экспериментирует с кино, но его фильмы не интересуют публику, слишком уж они необычны и непонятны для людей.

   В 1968 году Валери Соланас совершает покушение на Уорхола, выстрелив ему в живот три раза. Следствием стала клиническая смерть и многочасовая сложнейшая операция, год в корсете и картины, связанные с темой насилия и смерти. В 1963 году он создает «Катастрофу с тунцом» — яркое отражение его тогдашних настроений. Обвинений Соланас он так и не выдвинул.

   Жизнь и творчество артиста всегда была заполнена экспериментами. Так, в 1979 году он попробовал разрисовать автомобиль для гонок, пользуясь практически чем попало, в том числе и собственными пальцами. Ему был безмерно интересен сам процесс создания необычного произведения.

   Скончался художник после удаления желчного пузыря от остановки сердца, во сне, в 1987 году. Похоронен Энди Уорхол в родном Питтсбурге, а на его родине в Словакии ему поставили памятник как звезде современного искусства.

Картины Энди Уорхола

От банки Campbell’s до банки сгущенки: работы Энди Уорхола в диалоге с русским искусством

В Петербурге открылась выставка «Энди Уорхол и русское искусство», где 100 произведений Уорхола показывают рядом с работами российских художников — от Комара и Меламида до Павла Пепперштейна и группы Recycle. Мы попросили куратора выставки Татьяну Звенигородскую и художников рассказать, как идеи Уорхола проявляются в российском искусстве.

Банки

Татьяна Звенигородская

Банка супа Campbell’s — одно из самых знаменитых произведений короля поп-арта. В 1962 году в галерее Ferus арт-дилера Ирвинга Блума в Лос-Анджелесе Уорхол впервые выставил серию с банками, состоящую из 32 живописных полотен в соответствии с количеством вкусов, доступных в линейке Campbell’s. Выставка произвела эффект разорвавшейся бомбы и вызвала многочисленные споры о том, насколько художник может работать со столь низменными предметами повседневности. Первый показ серии стал поворотным в карьере Уорхола и принес ему славу. Тогда же художник понял, что пора переходить к тиражной печати.

Российский художник Авдей Тер-Оганьян обращается к знаменитым «Банкам супа Кэмпбелл» в рамках проекта «Картины для музея». Еще в 1980-х годах он начал делать копии ключевых работ прославленных художников XX века. Идея была в том, чтобы обогатить коллекции отечественных музеев, лишенные некоторых зарубежных шедевров.

Несмотря на постулированную концепцию, Тер-Оганьян не повторяет работы досконально, а, скорее, творчески их интерпретирует. В период их создания художнику были доступны лишь маленькие репродукции невысокого качества из зарубежных журналов и книг и чаще всего в черно-белом варианте.

В 1990-х мастер сделал еще одну серию, посвященную главным картинам XX столетия, но на этот раз максимально точно воспроизводя оригинал. Он довел идею тиражируемости до кульминации, создав трафареты, по которым любой желающий смог бы повторить для себя знаменитую картину какого‑нибудь прославленного художника. В этом намерение Тер-Оганьяна совпадает с мыслями Энди Уорхола, который говорил, что поп-арт — это искусство для всех.

Дмитрий Шорин

Художник

Уорхол в своей работе с супом опирался на массовость этого продукта. Банка Campbell’s была необходимостью и почти единственным дешевым средством для выживания. Поэтому она и приобрела свою популярность и была почти в каждой квартире в Америке.

Сгущенка в СССР также была очень известным продуктом, но достать ее было гораздо сложнее. Эта банка была популярна скорее в своем дефиците. И для каждого ребенка она была розовой, редко воплощаемой мечтой.

Это диалог между квазиэлитарным и повседневным, потреблением и искренним детским восторгом.

Энди Уорхол. «Суп „Кэмпбелл“ томатный», 1968.

1 из 3

Авдей Тер-Оганьян. «Суп „Кэмпбелл“», 1996.

2 из 3

Дмитрий Шорин. «Сгущенка», 2010.

3 из 3

Цветы

Татьяна Звенигородская

Окружающий мир и даже такая прелестная его часть, как клумба с цветами, в оптике Уорхола теряет объем и обращается неким глянцевым, искусственным подобием. А вот цветы Игоря Шелковского хотя выполнены в эстетике, характерной для поп-арта с его обращением к «низкой» культуре и ярким цветам, все же лишены уорхоловского лоска и напоминают, скорее, не рекламу, а русский лубок.

Тему поп-арта природы продолжают пейзажи Владимира Потапова, на уровне материала демонстрирующие мусорный ландшафт нашей эпохи. Голографическая пленка с яркими бликами, по замыслу художника, отсылает к сиянию Фаворского светаФаворский светСогласно текстам Нового Завета, таинственный божественный свет в момент Преображения Иисуса Христа. , которое общество заменило на искусственные излучения, дар прогресса и результат поклонения технократическому началу. Подмену одно другим раскрывал и Энди Уорхол, показывая, что за множеством соблазнительных вещей и идей современности скрывается пустота.

Владимир Потапов

Художник

В своих работах я использую голографическую пленку, а простыми словами — дешевый упаковочный материал для подарков. Его китчевый блеск и цветные переливы одновременно являются знаком общества потребления и отсылают своей матричной структурой к цифровой  реальности.

Используя этот материал в качестве основы, я создаю сочетание классического поп-арта с классической пейзажной живописью.

Мне нравятся неожиданные сочетания и новые смыслы, которые они дают, когда одно прорастает из другого, где классическая реальность оказывается под сомнением, ее иллюзорность нарушается мерцающей глубиной подарочной обертки.

Энди Уорхол. «Цветы», 1975.

1 из 3

Игорь Шелковский. «Цветы», 2021.

2 из 3

Владимир Потапов. «Лес», 2021.

3 из 3

Мэрилин Монро

Татьяна Звенигородская

Первые портреты голливудской дивы появились в творчестве Уорхола сразу после ее смерти в 1962 году. Неслучайно художник говорил:

«В какой‑то момент я понял, что все, что я делаю, как‑то связано со смертью».

Для шелкографии он использовал коммерческую фотографию актрисы к фильму «Ниагара» 1953 года. Именно там Монро впервые появилась в образе сексапильной блондинки, который потом стал столь востребован среди продюсеров и принес ей славу и любовь миллионов.

Главный русский художник, для которого образ Мэрилин Монро стал одним из основных источников творческого вдохновения, — Владислав Мамышев-Монро. Голливудская дива была любимым образом мастера, своеобразным альтер эго, что отразилось и на фамилии художника. Он перевоплощался в нее для серии «Жизнь замечательных Монро» 1995 года, используя поп-артистскую стратегию работы с архетипическими образами массовой культуры. А до этого Мамышев-Монро примерял маску белокурой кинозвезды в сериале «Смерть замечательных людей», выходившем в 1990–1992 годах на Пиратском телевидении (ПТВ). Этот андеграундный канал стал основой русской видео-арта.

Владислав Мамышев-Монро

Художник

«Для меня исключительную ценность представляют фундаментальные качества самой природы моих героев, например различия в акцентах проявления любви (в случаях с Иисусом и Мэрилин) или агрессивная брутальность (у Наполеона и Гитлера) и т. д. Впрочем, даже эти содержательные качества для меня второстепенны, и главными объектами изучения для меня являются геометрические формы этих лиц, своеобразные портретные мандалы, т. е. абсолютно символические значения, за которыми уже давно и автоматически закрепились в сознании миллионов те или иные качества».

(Из интервью Томашу Гланцу для книги «Souostroví Rusko: Ikony postsovětské kultury». )

Энди Уорхол. «Мэрилин Монро», 1967.

1 из 2

Владислав Мамышев-Монро. «Монро», 2005.

2 из 2

Мао

Татьяна Звенигородская

Несмотря на то что Уорхол говорил: «Я так много читал о Китае», с Поднебесной у него связан единственный персонаж — лидер КНР Мао Цзэдун. Портрет одного из самых влиятельных людей XX века Уорхолу предложил сделать арт-дилер Бруно Бишофбергер. Это был период, когда все говорили о Китае в связи с дипломатическим визитом президента Никсона в Пекин в 1972 году.

Изображение, которое Уорхол использовал для своих шелкографий, висело в Китае чуть ли не в каждом доме, распространялось в пропагандистских плакатах и листовках, а также присутствовало на обложке главного издания маоистов, знаменитой «Маленькой красной книги» с цитатами вождя. Ее тираж считается одним из самых больших в мире — опережают его только священные книги мировых религий.

Прямое влияние Уорхола на русских художников демонстрирует работа Александра Косолапова «Горби-Мао», в которой поп-арт накладывается на советскую идеологию и выявляет ее бессмысленность. Художник переехал в Америку в 1975 году, и мир капитализма стал ему знаком уже не понаслышке. Косолапов открыл, что, несмотря на диаметрально противоположные ценности, обе державы используют одинаковые методы воздействия пропаганды на людей, чтобы убедить их в подлинности навязываемых им ценностей. И там и там появляется обещание утопического мира. В одном случае постулируется образ достижимости американской мечты для всех, а во втором — светлой эры коммунизма. Средства первой системы — агрессивная реклама и маркетинг, оружие второй — агитационные плакаты и лозунги. Однако в обоих случаях за громкими словами скрывается пустота.

Энди Уорхол. «Мао», 1982.

1 из 2

Александр Косолапов. «Горби-Мао», 1991.

2 из 2

Подробности по теме

От «Дадуды» до «Грэмми»: как Михаил Горбачев стал героем поп-культуры

От «Дадуды» до «Грэмми»: как Михаил Горбачев стал героем поп-культуры

Десять портретов евреев XX века

Татьяна Звенигородская

Идею создать портреты выдающихся евреев столетия подарил художнику его друг и арт-дилер Рональд Фельдман. За советом насчет конкретных персонажей они обратились к директору галереи при Еврейском центре Вашингтона Сьюзен Моргенштейн. Список героев и героинь должен был охватить самые широкие аспекты культуры, науки, политики, бизнеса и финансов, представив собой пантеон великих. Характерный нюанс: Уорхол настоял, чтобы все деятели были на момент создания серии уже мертвы. В результате, из мира политики представлены судья Верховного суда США Луис Брандес, премьер-министр Израиля Голда Меир. Из сферы кино и музыки — актриса Сара Бернар, комедианты братья Маркс и композитор Джордж Гершвин. Области науки и философии представили Альберт Эйнштейн, Зигмунд Фрейд и Мартин Бубер. Среди литераторов оказались Франц Кафка и Гертруда Стайн.

Уорхол сочетает узнаваемые фотографии знаменитостей с элементами абстракции, призывая взглянуть по-новому на хорошо известных персонажей. Как личности они уже принадлежат прошлому, однако их достижения остаются в контексте современности.

На самом деле Уорхола интересовала не национальность его героев, главной его темой всегда была слава.

Артист с таким увлечением взялся за идею во многом потому, что эти люди были знаменитостями.

Александр Меламид иронично комментирует работу Уорхола серией шелкографий «Десять плохих евреев». Художник берет стандартную формулу списка лучших из лучших, но выбирает исключительно личностей с дурной репутацией.

В числе американских криминальных деятелей — Мейер Лански, создатель крупного игорного бизнеса, известный под прозвищем Бухгалтер Мафии; Багси Сигел, влиятельный в 1930–1940-х годах гангстер, и серийный убийца Дэвид Берковиц. Среди деятелей кровавой советской истории — глава НКВД Генрих Ягода, руководивший созданием ГУЛАГа и распространением сети исправительно-трудовых лагерей; Лазарь Каганович, близкий сподвижник Сталина, чья подпись стоит на 189 документах, по которым были расстреляны более 19 000 людей; Матвей Берман, начальник ГУЛАГ ОГПУ-НКВД, и еще один руководитель ГУЛАГа Нафталий Френкель; политический венгерский деятель Матьяш Ракоши, при котором развернулись масштабные репрессии. Появляются в этом черном списке и женщины. Розалия Землячка считается одной из ответственных за массовые расстрелы в Крыму в годы красного террора, а Юлия Бристигер, полковник госбезопасности, отличилась особой жестокостью в годы репрессий.

Александр Меламид

Художник

Я еврей.

Как сказал Борис Слуцкий: «Ношу в себе, как заразу, эту проклятую расу». Во время заразы ищу ее корень: мы из лаборатории, или из эволюции, или от Бога? Поиск ответа продолжается.

Энди Уорхол. Серия «Десять знаменитых евреев XX века», 1980.

1 из 3

Энди Уорхол. «Альберт Эйнштейн», 1980. Из серии «Десять знаменитых евреев XX века».

2 из 3

Александр Меламид. Серия «Десять плохих евреев».

3 из 3

Подробности по теме

Комар и Меламид: что посмотреть на выставке самого известного дуэта художников

Комар и Меламид: что посмотреть на выставке самого известного дуэта художников

Подробнее на Афише

Энди Уорхол — 7433 Работы, биографии и выставки на Artsy

204 тыс. подписчиков

Биографии

Одержимый знаменитостями, потребительской культурой и механическим воспроизведением, поп-художник Энди Уорхол создал одни из самых знаковых образов 20-го века. В своих самых известных работах он широко использовал поп-культуру и повседневную тематику: его 32 …

Посмотреть все прошедшие выставки и ярмарочные стенды

Обзор

Работы на продажу (3,152)

Результаты аукциона

Примечательные работы

• Название художника

  Название произведения

  Партнер

• Имя художника

  Название произведения

  Партнер

• Имя художника

  Название искусства

  Партнер

• Название художника

  Название выставки и еще 10

  Групповая выставка в крупном учреждении

  Museum of Sample Art (Example) и еще 33

  Собраны крупным учреждением

  Пример, и еще 5

  достижения

  Активный вторичный рынок

  Недавние результаты аукциона в базе данных Artsy Price

  Высокий аукционный рекорд

  US 85,0 млн. , Phillip

  Получите выгодные предложения от ведущих мировых аукционных домов и галерей, чтобы получить ваши работы на продажу. Это просто и бесплатно.

  Отправить сейчас

  Iconic Collections

  • Works on Paper

    From $500

  • Works on Paper

    From $500

  • Works on Paper

    From $500

  • Works on Paper

    From $500

  • Works на бумаге

    От $500

  • Работы на бумаге

    От $500

  • Работы на бумаге

    От $500

  10003

  From $500

  • Works on Paper

    From $500

  • Works on Paper

    From $500

  Works For Sale

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Местонахождение

  • Некий Художник

    Местонахождение

  • Некий Художник

    Местонахождение

  • Некий Художник

    9008 Местонахождение0003

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Location

  Articles

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Местоположение

  • Некоторый художник

    Местоположение

  • Некоторый художник

    Местоположение

  • Некоторый художник

    Location

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Location

  • Some Artist

    Location

  Related Artists

  • Artist Name

    Nationality, b. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  • Имя исполнителя

    Национальность, р. 9999

  Распутывание Энди Уорхола | Житель Нью-Йорка

  Жизнь Энди Уорхола задокументирована лучше, чем жизнь любого другого художника в мировой истории. Это потому, что каждые несколько дней или около того он сметал все вещи со своего стола в ящик для хранения, ставил дату, маркировал их «TC» — сокращение от «капсула времени» — и затем сохранял их вместе со всеми предыдущими TC. , в специальном месте в его мастерской. В результате у нас есть его корешки от билетов в кино, его газетные вырезки, его ковбойские сапоги, его парики, его коллекция слепков зубов, его коллекция порнографии, бесчисленные полароидные снимки людей на бесчисленных вечеринках, на которые он ходил… вы называете это. У нас есть копии счетов, которые он отправлял, а также счетов, которые он получал от все более раздражающихся кредиторов, включая один (« PAY UP YOU BLOWHARD ») от Джузеппе Росси, врача, который в 1968 году спас ему жизнь после того, как женщина, которая считала, что ее недостаточно снимали в его фильмах, однажды пришла в его студию и застрелила его. В одной коробке, я слышал, есть еще и кусочек торта, на тарелке. Он хранил не только материальные предметы. Когда это было возможно, он записывал свои телефонные разговоры, а иногда ассистент печатал их. Он верил в силу банальности. Эта вера была источником картин в стиле поп-арт — консервных банок с супом «Кэмпбелл», картонных коробок «Брилло», — которые сделали его знаменитым в 1960-х и изменили вкус Америки в искусстве.

  После смерти Уорхола, в 1987 году, в его родном городе Питсбурге был основан музей, посвященный его творчеству. Капсулы времени — их шестьсот десять — были доставлены туда и выстроены на металлических полках, готовые для человека, который превратит их содержимое в подходящую богатую биографию. Семь лет назад появился он: Блейк Гопник, бывший ведущий искусствовед Washington Post . (Его брат, Адам, пишет для этого журнала.) Гопник фантастически дотошен; книга состоит из девятисот страниц, не считая семи тысяч сносок, доступных в электронной версии или в Интернете. Но вы не унывайте, ведь гопник — яркий летописец. Вот небольшой отрывок из его описания работы доктора Росси по ремонту внутренностей Уорхола после 19-го века. 68 стрельба. Хирург обнаружил

  два отверстия в дуге мышцы диафрагмы, пробитые справа и слева, когда пуля прошла сквозь тело Уорхола; пищевод оторван от желудка, так что пища и желудочная кислота высыпались снизу; печень, чья левая доля была раздавлена ​​и кровоточила, и селезенка, полностью разрушенная и излившая больше крови, чем любой другой орган. [] Пуля также проделала рваную дыру в кишечнике Уорхола, выпустив фекалии и повысив вероятность смертельной инфекции.

  Читая это, мне казалось, что мне самой делают операцию.

  Уорхол родился в Питтсбурге в 1928 году. Он был младшим из трех сыновей Андрея и Юлии Уорхолы, иммигрировавших в Соединенные Штаты из небольшой деревни на территории современной Словакии. Горожане были карпато-русинами, славянским народом, а семья была византийской католической. (Во взрослом возрасте Уорхол время от времени ходил на мессу. «Церковь — это веселое место», — сказал он.) Славяне пользовались большим спросом в Питтсбурге с его сталелитейными заводами, потому что они, по общему мнению, были готовы выполнять любую работу. , при любой зарплате. В результате они также были самой недооцененной этнической группой в городе. Андрей был разнорабочим; Юля домашняя. Когда ей не хватало работы, она ходила от двери к двери, часто с сыновьями на буксире, продавая декоративные цветы, сделанные из консервных банок из-под персиков. Андрей умер в 1942. Два старших мальчика бросили школу и устроились на постоянную работу. Энди остался в школе. Большую часть своей юности его баловала семья. Когда Уорхолы приобрели новую камеру Baby Brownie Special (1,25 доллара), он сразу же взял ее в руки и больше не отпускал. Его братья построили ему фотолабораторию в подвале. Кроме того, он влюбился в кино; он сказал, что хочет зарабатывать на жизнь показом фильмов. Это был необычный жизненный план для мальчика его происхождения, но Джулия сэкономила девять долларов — заработок за девять дней от уборки дома — на покупку ему проектора. Он показывал мультфильмы о Микки Маусе на стене в квартире.

  Уорхол любил называть себя самоучкой, что было широко распространено. На самом деле, он учился в превосходном художественном колледже, Технологическом институте Карнеги, где ряд его учителей признали его талант и сохранили работы, которые он им отдал, как редкую дань уважения. В ту минуту, когда он вышел из школы, в 1949 году, он упаковал свои вещи в бумажный пакет и сел на ночную борзую, направляющуюся в Нью-Йорк. Ему было двадцать.

  Уорхол жил в нескольких кишащих тараканами субарендах, обычно в акциях, пытаясь прорваться на коммерческую иллюстрацию. Однажды, когда он показывал образцы своей работы главному редактору Harper’s Bazaar , к его ужасу, из его портфеля выползло насекомое. Редактор так пожалела его, что дала ему задание. Уорхол не стеснялся. В Музее современного искусства он подошел к сотруднику и предложил ему разработать рождественские открытки для сувенирного магазина. (Он получил работу.) Друг вспомнил, как видел его в книжном магазине, когда он просматривал полки с пластинками, чтобы узнать, какие лейблы выпускают самые интересные обложки. Потом он пошел домой и обзвонил арт-директоров. «Он был похож на маленький чешский танк», — сказал другой друг.

  Многие люди, встречавшиеся с ним в те годы и позже, находили его странным — «странным маленьким ублюдком», по словам одного из них. Он был беззастенчивым гомосексуалистом, а в начале пятидесятых это было достаточно странно. Он любил рисовать обнаженных мальчиков, их соски и промежности были усеяны маленькими сердечками, похожими на нежные поцелуи. Если бы он встретил мужчину, который ему понравился, он мог бы сказать, что любит фотографировать пенисы, и не будет ли этот мужчина против? «Нет, конечно, нет», — ответил один хладнокровный британский куратор. — Для чего ты собираешься их использовать? «О, я еще не знаю, — сказал Уорхол. — Я просто фотографирую. Мужчина расстегнул молнию.

  Через три года после того, как Уорхол приехал в Нью-Йорк, на пороге его дома появилась его мать. Она объяснила одному из его друзей: «Я прихожу сюда, чтобы позаботиться о моем Энди, и когда он в порядке, я иду домой». Она прожила почти двадцать лет. В доме была большая вонючая коллекция сиамских кошек. Сообщается, что в какой-то момент их было семнадцать, в основном по имени Сэм. (Но Джулия, указывая пальцем, могла бы представить их по отдельности: «Это хороший Сэм, это плохой Сэм, это тупой Сэм…»). ее своим друзьям. С другой стороны, один бойфренд сказал, что, по его мнению, Уорхол был благодарен за ее присутствие, потому что это давало ему предлог не заниматься сексом. Он объяснял своему гостю, что не хочет шуметь в спальне, пока его мать находится в пределах слышимости.

  Мультфильм Джека Зиглера

  Уорхол утверждал, что был девственником до двадцати пяти лет, и некоторые люди сказали бы, что это неудивительно. Всю жизнь его мучила его внешность. У него была ужасная кожа, не только прыщи, но и нарушение распределения пигмента, так что его цвет лица был то светлее, то темнее. У него также был выпуклый нос, или он так думал, и ему сделали операцию на носу. К тому времени, когда ему было за тридцать, он потерял большую часть своих волос. После этого каждое утро он приклеивал парик к своей голове. Его самым знаменитым париком был серебряный, который он обычно носил с бахромой каштановых волос, выглядывающей из-под шеи. Эти трудности не предвещали ничего плохого для его сексуальной жизни, и многие говорили, что он паршив в постели. По словам друга, он считал секс «грязным и неприятным». Он делал это с тобой раз или два, и все. Гопник, как и его практика, также приводит конкурирующие доказательства: «Через несколько лет Уорхолу сделали операцию по поводу анальных бородавок и разрыва, а десятилетие спустя он принимал пенициллин от венерического заболевания». Друг и соратник Уорхола Тейлор Мид сказал, что Уорхол «веет как сумасшедший».

  Уорхол лгал постоянно, почти для развлечения. Он солгал о своем возрасте даже врачу. Он рассказал Who’s Who , что родился в Кливленде, в семье «фон Уорхол». (Вскоре после прибытия в Нью-Йорк он сменил Уорхолу на Уорхола.) Он изобрел нежный шепот, в который потом мог бросить маленькую гранату. Если кто-то спрашивал, как он себя чувствует, он мог сказать: «Я в порядке», а затем, подойдя ближе, добавлял: «Но у меня диарея». Некоторые считали его глупым. Не те, кто хорошо его знал. «Уорхол только прикидывается тупицей, — сказал друг. «Он невероятно аналитический, интеллектуальный и проницательный».

  Его коммерческой специализацией были рисунки для рекламы женской одежды, прежде всего обуви. В 1955 году высококлассный сапожник И. Миллер заключила с ним контракт на работу как минимум на двенадцать тысяч долларов в год, большие деньги по тем временам. Он также занимался оформлением витрин, особенно для Бонвита Теллера. Но он уже смотрел дальше этого: он хотел быть галерейным художником. Учителя и одноклассники из Технологического института Карнеги предоставили некоторые связи, а гей-сообщество Манхэттена предоставило больше. Было у него и несколько особенных крестных отцов, привлеченных к нему, кажется, его обаянием (не все считали его жутким) и его драйвом. Возможно, его самым важным проводником был Эмиль де Антонио, агент художников, который знакомил его со всеми; он знал Джона Кейджа, которого уважал Уорхол, и многих коллекционеров. («Я устроил небольшую вечеринку для одной ужасно богатой женщины, которую знал, — вспоминал де Антонио, — и подал только марихуану и Дом Периньон, а Энди составил красивое меню по-французски».) Другим полезным человеком был Иван Карп, директор в галерее Лео Кастелли, самом престижном арт-рынке Манхэттена. Через Карпа Уорхол в конце концов познакомился с Генри Гельдзалером, ассистентом куратора в Метрополитен-музее, чья работа заключалась в том, чтобы выяснять, кто такие новые популярные художники, и рассказывать об этом кураторам.

  В пятидесятые годы в Соединенных Штатах уже был карман концептуального искусства, но звездными художниками были абстрактные экспрессионисты, прежде всего Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, с их натужными мазками и импасто. За Ab Exes шли молодые Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, отчасти концептуальные, отчасти живописные, переходящие в «поп», стиль, в котором использовались образы массовой культуры — комиксы, фильмы, реклама — и применялся легкий, игривый стиль. тон, полная противоположность тяжелой работе абстрактных экспрессионистов. Уорхола тоже интересовали эти популярные темы и манеры, и его раздражало, что другие люди, по его мнению, опережали его. Согласно известному рассказу, однажды ночью он пожаловался на это друзьям и спросил, может ли кто-нибудь придумать образы поп-культуры, которые никто другой не использовал. Декоратор по имени Мюриэль Латоу сказала, что у нее есть предложение, но она хочет пятьдесят долларов вперед, прежде чем объявить его. Невозмутимый Уорхол сел и выписал чек. Затем Латоу сказал: «Вы должны найти что-то, что будет узнаваемо почти всеми. . . что-то вроде банки супа Кэмпбелл».

  Гопники называют это «моментом эврики» Уорхола, и для изощренности книги типично то, что решающую, зародышевую идею поп-арта Уорхола следует без извинений приписывать кому-то другому, а не Уорхолу. Часто художники, которых хвалят за рождение новой тенденции, являются не ее создателями, а теми, кто сделал ее привлекательной для широкой публики. У Уорхола было столько же последнего дара, сколько и первого; Гопники называют его «Великая Губка». В любом случае, на следующий день после того, как Латоу поделилась с ним своей маленькой мозговой бомбой, Уорхол (или его мать, по другой версии) пошел в супермаркет «Финаст» через дорогу и вернулся домой с одной банкой супа Кэмпбелл всех видов, которые там продаются. К следующему году 19В 62 году он выпустил «Банки с супом Кэмпбелл», монтаж всех тридцати двух разновидностей. Сегодня эта картина висит в Музее современного искусства — «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» движения поп-музыки, по словам Генри Гельдцалера. Это и пощечина, и великая радость: такая свежая, такая дерзкая, такая красно-белая, такая уверенная, что она покрыла все виды супов в мире, от перцового горшочка до шотландского бульона.

  В быстрой последовательности за «Супами Кэмпбелл» последовали другие ныне известные поп-картины Уорхола: «Зеленые бутылки кока-колы» (1962), «192 однодолларовых банкноты» (1962), «Коробка мыльных подушечек Brillo» (1964), Мэрилин Монро и Элизабет Тейлорс, Марлон Брандос и Элвисы. Для некоторых вы можете легко построить фоновое повествование. «Мэрилин Диптих», состоящий из пятидесяти шелковых экранов с изображением Монро, переходящих от ярких цветов к призрачным черно-белым, был выставлен сразу после ее смерти. Но я не вижу никакой истории, скрывающейся за Лиз Тейлор или Элвисами, или, если уж на то пошло, за панелями двадцати четырех статуй Свободы (1962) или тридцати Мона Лиз (1963). Все эти дамы, не говоря уже об Элвисе и Брандо, были звездами, а Уорхол с детства и до самой смерти был очарован знаменитостью.

  Вскоре он сам стал знаменитостью, пусть и необычной. Когда ему было за тридцать, он прославился в телеинтервью тем, что прикладывал два пальца к губам и произносил что-то вроде «э-э» или «гм», но не более того, пока работали камеры. (Вы можете увидеть это на YouTube. Смотреть неприятно.) Для интервью в прямом эфире он часто брал с собой Джерарда Малангу, который работал с ним, и говорил: «Почему бы вам не задать несколько вопросов моему помощнику Джерри Маланге? Он написал много моих картин». В этом была доля правды. Из перечисленных выше работ все, кроме 1962 «Банки с супом Кэмпбелл» представляли собой трафаретную печать, обычно основанную на фотографиях, сделанных кем-то другим и сделанных Малангой с ракелем. С 1963 по 1972 год — период, когда он создавал большую часть своего поп-арта — Уорхол не создавал рисованных работ.

  Параллельно иконоборчеству Уорхола по поводу авторства было известное хладнокровие по отношению к его героям. «Для художника с репутацией подлизывающегося к звездам, — пишет Гопник, — Уорхол также обладал пожизненной способностью создавать искусство, подчеркивающее их недостатки и пустоту». Вероятно, самые важные дискуссии о творчестве Уорхола — это книги и эссе, которые философ Артур Данто писал о нем с середины шестидесятых годов. Это не совсем художественная критика. Их область применения шире. Данто говорит, что работа Уорхола, отказавшись от утверждений модернизма о том, что живопись должна быть о природе живописи, дала ей свободу идти своим путем, в то время как искусствоведы остались в школьных классах, споря. Данто не говорит, что ему нравились работы Уорхола, но я думаю, что да. Мне жаль, что ему нравилась коробка Brillo — она дала название его книге «По ту сторону коробки Brillo» — больше, чем банки супа Кэмпбелл, но ему, вероятно, нравилась ирония в том, что коробка Brillo, увековеченная Уорхолом, была разработана абстрактным экспрессионистом. художник Джеймс Харви, подрабатывающий деньгами. Ab Exes смотрели на Уорхола с ненавистью. На вечеринке в конце шестидесятых пьяный де Кунинг сказал Уорхолу: «Ты убийца искусства, ты убийца красоты, ты даже убийца смеха».

  Уорхол не убил смех — он был бы менее известен, если бы сделал это — но его юмор приглушенный, невозмутимый. В 1964 году он создал серию из девяти трафаретных изображений лица Жаклин Кеннеди, основанных на фотографиях для прессы: на одном она была изображена в знаменитой шляпке-таблетке незадолго до того, как Джон Ф.К. был застрелен; второй, когда Линдон Джонсон приводился к присяге в самолете обратно в Вашингтон; третий на похоронах Кеннеди. В этих произведениях не было ничего откровенно насмешливого. Но в 1964 году, когда в общественном сознании тело Кеннеди еще не остыло, возник вопрос: что же говорил Уорхол? Зрители могли спросить то же самое о его более ранней серии «Смерть и катастрофы» (1962-65), составленный из фотографий окровавленных трупов, вывешивающихся из разбитых автомобилей, изувеченных тел людей, прыгнувших насмерть, электрического стула, на котором были казнены Этель и Юлиус Розенберги, осужденные за шпионаж в пользу Советского Союза, и так далее. Подобно суповым банкам, шелковые ширмы часто весело размножались и, как Мэрилин и Лиз Тейлор, покрывались яркими красками: синими, красными, фиолетовыми, желтыми.

  В том же году, что и «Девять Джеки», Уорхол обнародовал шелкографию своих «Цветов» — больших пятнистых цветков гибискуса на фоне травянистого поля. Они выглядели как обои или, как предполагают гопники, ткани для платьев Marimekko. В любом случае, это было то, что, в отличие от изображения электрического стула, вы могли бы повесить над диваном в гостиной. Очевидно, именно для этого они и были созданы, потому что Уорхол (или Маланга) выпустил более четырехсот пятидесяти экземпляров в разных версиях — разных размеров, разных цветовых решений, если использовать вдохновенное слово Гупника, — и они продавались как горячие пирожки. Уорхол утверждал, что гордится ими. Если не ошибаюсь, гопники ему не верят. Он цитирует Уорхола, объявившего в следующем году, что он уходит с карьеры художника. «Цветы», пишет Гопник, были «в значительной степени его последними известными поп-картинами». Но, как автор не прямо говорит, но неоднократно намекает, они также были в значительной степени последними заметными картинами Уорхола, и точка. «Я ненавижу картины, — сказал он репортеру в 19 лет.66, добавив: «Вот почему я начал снимать фильмы».

  Свой первый фильм он снял в 1963 году. Он назывался «Сон» и длился пять с половиной часов, и все, что в нем было показано, — это спящий его бойфренд Джон Джорно. В следующем году он продолжил это с «Империей», восьмичасовой ночной съемкой Эмпайр-стейт-билдинг, снятой из окна соседнего здания «Тайм-Лайф». После этого, вплоть до середины семидесятых, он снял множество фильмов, некоторые из которых были чистыми и суровыми, как «Сон» и «Империя», а другие, такие как «Девочки из Челси» и «Одинокие ковбои», неуклюжие, забавные и неуклюжие. грязный, с трансвеститами, сидящими вокруг и облизывающими бананы, или людьми, ведущими неторопливые разговоры о сексе или занимающимися сексом.

  Но фильмы были не просто фильмами. Они были кинематографическим крылом того, что к настоящему времени стало целой «сценой». В 1964 году Уорхол перенес свою профессиональную штаб-квартиру в обширное помещение, которое он стал называть Фабрикой — до того, как он сюда переехал, здесь располагалась шляпная фабрика — на Восточной Сорок седьмой улице, к западу от Организации Объединенных Наций. Место было грязным, но друг Уорхола Билли Нейм (в девичестве Билли Линич, но Линич был именем, верно? Так почему бы просто не называть его по имени?) переехал сюда с группой других помешанных на скорости людей и преобразил пространство с помощью фольги и аэрозольной краски. , так что в конце концов каждая поверхность была серебристой.

  Так же, как фильмы Уорхола были не просто фильмами, Фабрика была не просто местом, где производились вещи. Это также было витриной для определенной группы людей, собравшихся вокруг Уорхола. Билли Нейм был одним из них; Жерар Маланга другой. Также важной была Ундина (Роберт Оливо), дикая и порочная. Наиболее известной посторонним была Эди Седжвик, миловидная и довольно несчастная богатая девушка, которая в черных трико и дорогих свитерах часто сопровождала Уорхола на прогулках в качестве его «свидания» и оплачивала счет. Эти и некоторые другие были суперзвездами Уорхола, как он их называл.

  В 1966 году он также стал менеджером протопанк-рок-группы The Velvet Underground, инкубатория Лу Рида, Джона Кейла и других, в то время почти неизвестных. Один из его членов описал типичное шоу: «Некоторые моряки или что-то в этом роде были в аудитории из пяти человек, и мы что-то сыграли, и они сказали: «Вы включите это еще раз, и мы выбьем из вас дерьмо». опять таки.» «Нашей целью было расстроить людей, — сказал один из основателей группы, — вызвать у них рвоту». Уорхол мало знал о музыке, и менее чем через год они с The Velvets расстались. («Всегда оставляй их хотеть меньшего», — сказал Уорхол.) Но какое-то время кинопоказы и перформансы Уорхола, особенно «Взрывающаяся пластмасса, неизбежность» и «★★★★», представляли собой мультимедийные мероприятия, в которых суперзвезды прыгали в беспорядочная мода на диссонирующие звуки Бархатных, в то время как два или более фильма проецировались рядом или даже накладывались друг на друга.

  Картины Энди Уорхола, Эстампы+, Биография, Идеи

  Краткое изложение Энди Уорхола

  Энди Уорхол был самым успешным и высокооплачиваемым коммерческим иллюстратором в Нью-Йорке еще до того, как он начал создавать произведения искусства, предназначенные для галерей. Тем не менее, его трафаретные изображения Мэрилин Монро, банок с супом и сенсационных газетных статей быстро стали синонимами поп-арта. Он вышел из бедности и безвестности восточноевропейской семьи иммигрантов в Питтсбурге, чтобы стать харизматическим магнитом для богемного Нью-Йорка и в конечном итоге найти место в кругах высшего общества. Для многих его восхождение перекликается с одной из амбиций поп-арта — привнести популярные стили и сюжеты в эксклюзивные салоны высокого искусства. Его главным достижением было возвышение собственной персоны до уровня популярной иконы, представляющей собой новый вид славы и известности для прекрасного художника.

  Достижения

  • Ранняя коммерческая иллюстрация Уорхола недавно получила признание как арена, на которой он впервые научился манипулировать популярными вкусами. Его рисунки часто были комичными, декоративными и причудливыми, а их тон совершенно отличался от холодного и безличного настроения его поп-арта.
  • До сих пор много споров вокруг культовых трафаретных изображений, с помощью которых Уорхол закрепил свою репутацию поп-исполнителя в начале 1960-х годов. Некоторые просматривают его 9Серия 0418 Death and Disaster и его фотографии Мэрилин как откровенное выражение его горя на публичных мероприятиях. Другие рассматривают их как одно из первых проявлений «усталости от сострадания» — того, как публика теряет способность сочувствовать событиям, от которых они чувствуют себя отстраненными. Третьи думают о его фотографиях как о экранах, размещенных между нами и ужасающими событиями, которые пытаются зарегистрировать и обработать шок.
  • Несмотря на то, что художники использовали поп-культуру на протяжении 20 ^-й -й век, поп-арт ознаменовал новый важный этап в расколе между высокими и низкими формами искусства. Картины Уорхола начала 1960-х сыграли важную роль в этом развитии, но спорно, что разнообразная деятельность его более поздних лет была столь же влиятельной в расширении значения поп-арта в других сферах и дальнейшем размывании границ между мирами высокого искусства. искусства и массовой культуры.
  • Хотя Уорхол продолжал периодически создавать картины на протяжении всей своей карьеры, в 1965 он «ушел» из среды, чтобы сосредоточиться на создании экспериментальных фильмов. Несмотря на годы забвения, эти фильмы в последнее время вызвали широкий интерес, и теперь Уорхола считают одним из самых важных режиссеров того периода, родоначальником независимого кино.
  • Критики традиционно считают, что карьера Уорхола пошла на спад в 1968 году, после того как Валери Соланас застрелила его. Ценя его ранние картины превыше всего, они игнорировали деятельность, которая занимала его внимание в более поздние годы — вечеринки, коллекционирование, издание и рисование портретов на заказ. Тем не менее, некоторые начали думать, что все эти начинания составляют самое важное наследие Уорхола, потому что они предвосхищают разнообразные интересы, виды деятельности и вмешательства, которыми сегодня заняты художники.

  Жизнь Энди Уорхола

  Уорхол сказал: «Бизнес-искусство — это шаг, следующий за искусством. Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник». Он стал одним из самых успешных художников в мире, делал трафаретные печати, скульптуры, фильмы, руководил группой и даже создавал обои — проекты, которые часто приносили большую прибыль (и всегда создавали его бренд).

  Прочитать полную биографию

  Прочитать художественное наследие

  Важное искусство Энди Уорхола

  Развитие искусства

  1968

  Суп Кэмпбелл I

  К 1960-м годам нью-йоркский мир искусства погрузился в колею, самые оригинальные и популярные полотна абстрактных экспрессионистов 1940-х и 1950-х годов стали клише. Уорхол был одним из художников, которые чувствовали необходимость вернуть образы в свои работы. Владелец галереи и дизайнер интерьеров Мюриэль Латоу подала Уорхолу идею раскрашивать банки из-под супа, когда она предложила ему нарисовать предметы, которые люди используют каждый день (по слухам, Уорхол ел суп на обед каждый божий день). Он раскрашивал банки с супом Кэмпбелл, коробки Brillo и бутылки Coca-Cola с 19 века.62 и далее.

  Уорхол начал свою карьеру и стал чрезвычайно успешным дизайнером потребительской рекламы. Здесь он использовал приемы своего ремесла для создания изображения, которое было бы легко узнаваемым, но при этом визуально стимулирующим. Потребительские товары и рекламные образы наполняли жизнь американцев процветанием той эпохи, и Уорхол решил тонко воссоздать это изобилие с помощью изображений, найденных в рекламе. Он воссоздал на холсте опыт пребывания в супермаркете. Итак, Уорхолу приписывают видение нового типа искусства, которое прославляло (а также критиковало) потребительские привычки его современников и современных потребителей.

  Скриншот — Множественные музеи, галереи и коллекции

  Художественные изображения

  1962

  Coca-Cola (3)

  «Я просто рисую вещи, которые всегда считал красивыми, вещи, которые вы используете каждый день и о которых никогда не думаете». Заявление Уорхола олицетворяет его дух; его работы помещают обычные предметы вперед и в центр. Эта идея применима к нарисованному вручную портрету бутылки Coca-Cola. Еще один вызов господству абстрактного экспрессионизма — « Coca-Cola 9» Уорхола.0419 равен по размеру многим популярным полотнам того времени (6 футов на 5 футов), но лишен их абстракций. Однако здесь есть и другие сходства. Как и в популярной серии работ Барнетта Ньюмана « Станций Креста », Coca-Cola состоит из большой черной массы на белом фоне. Бутылка выпрыгивает на зрителя; требуя такого внимания, которое получали глубокие полотна Мазервелла, — но теперь царит чувство иронии.

  Казеин на хлопке — частная коллекция

  1962

  Золото Мэрилин Монро

  После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали навязчивой идеей всего мира. Уорхол, увлеченный славой и поп-культурой, получил ее черно-белую рекламную фотографию (из ее фильма 1953 года Ниагара ) и использовал фотографию для создания нескольких серий изображений. Общей идеей для всех работ Мэрилин было то, что ее изображение воспроизводилось снова и снова, как его можно было найти в газетах и ​​​​журналах того времени. Просмотрев десятки, а то и сотни таких изображений, зритель перестаёт видеть изображенного человека, а остаётся иконой массовой, потребительской культуры. Изображение (и человек) становятся еще одной коробкой с хлопьями на полке супермаркета, одной из сотен коробок, которые абсолютно одинаковы.

  В Gold Marilyn Monroe Уорхол продолжает обыгрывать идею иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотой фон. Фон напоминает византийские религиозные иконы, которые и по сей день находятся в центре внимания православных конфессий. Только вместо бога мы смотрим на образ (становящийся немного кричащим при ближайшем рассмотрении) женщины, прославившейся и погибшей в ужасной трагедии. Уорхол тонко комментирует наше общество и его возвеличивание знаменитостей до уровня божественного. Здесь поп-художник снова использует обычные предметы и образы, чтобы сделать очень четкое представление о ценностях и окружении своих современников.

  Шелкография — Музей современного искусства, Нью-Йорк

  Artwork Images

  1963

  Сон

  В начале 1960-х годов, в период огромного творчества, Уорхол продолжал бросать вызов статусу-кво с помощью другого средства — кино. За свою карьеру Уорхол снял более 650 фильмов на самые разные темы. Его фильмы были высоко оценены миром искусства, и их влияние заметно в исполнительском искусстве и экспериментальном кинопроизводстве по сей день. В 2013 году актриса Тильда Суинтон участвовала в инсталляции, где она спала в стеклянном ящике в MoMA, а писательница, актриса и режиссер Лена Данхэм недавно выразила желание переделать «9» Уорхола.0418 Сон выстрел за кадром, но сама в качестве объекта.

  «Сон » — один из самых ранних фильмов художника и его первый набег на продолжительное кино, стиль, который стал одной из его визитных карточек. Этот шестичасовой фильм представляет собой подробное исследование спящего Джона Джорно. Возлюбленная Уорхола в то время, зритель видит Джорно глазами Уорхола, полоска обнаженного тела Джорно есть в каждой сцене. Хотя это кажется серией непрерывных изображений, на самом деле это шесть стофутовых рулонов пленки, наслоенных и соединенных вместе, воспроизводимых с повтором. Повторение лежало в основе «девятки» Уорхола.0418 oeuvre , а также его увлечение мирским. Всем людям нужно спать; Уорхол снова превратил банальность в художественное выражение.

  Империя и Ешь сменил Сон в каноне фильмов Уорхола. Empire рассказывает о восьмичасовой хронике Эмпайр-стейт-билдинг в сумерках, а Eat — это 45-минутный фильм о человеке, который ест гриб. Темы Уорхола были такими же обширными, как и его фильмография, они углублялись в более явные области, такие как гомосексуальность и гей-культура, такие как Минет , непрерывный кадр лица ДеВерена Букволтера, когда он получает оральный секс от режиссера Уилларда Мааса, и Одинокие ковбои , непристойный вестерн. Его фильмы широко признаны шедеврами поп-музыки, хранящимися в киноинститутах и ​​архивах современного искусства по всему миру.

  Черно-белая 16-мм пленка — Музей современного искусства, Нью-Йорк

  Художественные изображения

  1963

  Оранжевая автокатастрофа четырнадцать раз

  Оранжевая автокатастрофа из серии «Смерть и катастрофа », которая привлекла к себе большую часть внимания Уорхола в этот период. Часто используя ужасные и графические изображения, взятые из ежедневных газет, он использовал метод фотошелкографии, чтобы повторить их на холсте. Повторение изображения, его фрагментация и деградация важны для создания впечатления от изображений, но также и для стерилизации изображения. Один раз увидев наглядную фотографию, зритель обезумеет и потрясется, но то, что эта фотография воспроизводится снова и снова (каждый день в прессе), подрывает силу изображения, поскольку сцена ужаса становится еще одним изображением для массового рынка.

  Существует альтернативный способ просмотра этой и других работ Уорхола из серии « Смерть и катастрофа », предложенный искусствоведом Los Angeles Times Кристофером Найтом. Показанная автомобильная авария очень похожа на фотографию автокатастрофы на Лонг-Айленде, в которой погиб Джексон Поллок в 1956 году. Уорхол напоминает зрителям, что абстрактный экспрессионизм (поддерживаемый Поллоком) теперь мертв. Так что, возможно, Уорхол не столько занимается популярным искусством, сколько дает очень конкретные и элитные комментарии миру искусства. Точно так же Уорхола Electric Chair В серии есть знак «Молчание» в задней части изображенной комнаты для казни на электрическом стуле, которую Уорхол связывает с модернистской работой Джона Кейджа со звуком (и книгой эссе Кейджа 1961 года). Более того, серия Уорхола Race Riot является ответом на многие популярные абстрактные работы, каждая из которых обозначена как Black Series , созданная современными художниками, такими как Джексон Поллок, Роберт Раушенберг, Эд Рейнхардт и Фрэнк Стелла.

  Шелкография на холсте — Музей современного искусства, Нью-Йорк

  Художественные изображения

  1964

  Коробки Brillo

  По-прежнему используя технику шелкографии, на этот раз на фанере, Уорхол представил зрителю точные копии часто используемых продуктов, которые можно найти в домах и супермаркетах. На этот раз его произведения искусства штабелируются, это скульптуры, которые можно расположить в галерее по-разному, но каждая коробка совершенно одинакова, одна не лучше другой. Вместо серии слегка отличающихся друг от друга картин, созданных многими известными художниками (вспомните стога сена или соборы Моне), Уорхол подчеркивает, что все эти произведения одинаковы и (по его мнению) прекрасны! Делая эти предметы на своей «фабрике», Уорхол вновь высмеивает (или блестяще провоцирует) мир искусства и художника-творца.

  С Brillo Boxes у Уорхола также есть личная связь. Уорхол был родом из Питтсбурга — стального города, товара, который сделал город процветающим, а позже совсем депрессивным. Brillo — это стальная вата, продукт, который домохозяйки стереотипно используют для поддержания блеска посуды в своих милых американских домах. Нравился ли Уорхолу сам продукт, думал ли он, что витрины магазина нелепы, или ему, как гею, нравился контраст стали и шерсти в одной удобной упаковке?

  Акриловая шелкография на дереве – Музей Нортона Саймона, Пасадена, Калифорния 1972 визит в Китай. Уорхол взял черно-белое изображение Мао из своей Красной книги (известного коммунистического издания Мао) и создал сотни полотен тоталитарного правителя разного размера. Размер некоторых из этих картин достигает 15 футов на 10 футов, масштаб, напоминающий о господствующем характере правления Мао над Китаем и устрашающем культе личности, которым владел Мао. Этот монументальный размер также перекликается с высокими пропагандистскими представлениями, которые демонстрировались по всему Китаю во время Культурной революции. Но, создав сотни таких изображений и разместив их на стене, Уорхол превратил изображение Мао в продукт супермаркета — как бутылки Coca-Cola — выстроенные в ряд на полках (и доступные в маленьком, среднем и большом размерах). Мао Уорхола теперь является потребительским продуктом, основным строительным блоком капитализма или самой идеи, против которой выступает коммунизм.

  Уорхол идет еще дальше. Подобные граффити всплески цвета, красные румяна и синие тени для век буквально «стирают лицо» образа Мао — акт восстания против коммунистической пропагандистской машины, использующий против себя ее собственный провозглашенный образ. Уорхол использует приемы модернистского искусства, такие как экспрессионистские мазки вокруг лица Мао, в качестве дальнейшего каламбура: мазки являются признаком личного самовыражения и художественной свободы — тех самых идей, против которых выступала Культурная революция Мао.

  Синтетическая полимерная краска и чернила для трафаретной печати на холсте. Художественный институт Чикаго. художник в одиночку или с группой своих друзей, и делал это путем мочеиспускания на холсте медной краски, который был помещен горизонтально на пол, а затем позволял результату окисляться. В результате получился металлический блеск удивительной глубины цвета и текстуры; поверхность, напоминающая работы абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок. Уорхол вложил много мыслей и дизайна в эти работы, и его цитируют: «[Эти картины] тоже имели технику. беспорядок. Затем я сделал это сам — и это слишком много работы — и вы пытаетесь придумать хороший дизайн ».

  Моча на металлическом пигменте акриловым пигментом на холсте — Музей изящных искусств, Бостон

  Artwork Images

  1984

  Роршах

  Хотя самые ранние работы Уорхола провозглашали драматический разрыв с абстрактным экспрессионизмом, он сохранял интерес к абстракции на протяжении всей своей карьеры. , а в 1984 году сосредоточил свои идеи на большой серии из картин Роршаха . Они были вдохновлены так называемым тестом Роршаха, разработанным швейцарским психологом Германом Роршахом. Тест требует, чтобы пациенты сказали, что они видят в наборе из десяти стандартизированных чернильных пятен; таким образом, как полагал Роршах, мы можем получить доступ к бессознательным мыслям. Уорхол считал, что большая часть абстрактной живописи работает аналогичным образом: вместо того, чтобы художники могли передавать мысли через абстрактную форму, как многие считали, он думал, что зрители просто проецируют свои собственные идеи на картины. Его 9Таким образом, картины 0418 Роршаха были своего рода пародией на абстрактную живопись: они были зеркалами, в которых отражались собственные мысли зрителя, и временами они казались похожими на гениталии или рисунки на обоях.

  Синтетическая полимерная краска на холсте. Музей современного искусства, Нью-Йорк

  Artwork Images

  1984

  General Electric с официантом

  По предложению арт-дилера Бруно Бишофсбергера Уорхол начал сотрудничать в создании картин. Сначала он работал с итальянцем Франческо Клементе и с гораздо более молодым гаитянско-американским художником Жаном-Мишелем Баския; позже он продюсировал работу с Китом Харингом. В начале 19 века репутация Уорхола пошла на убыль.80-х, и он мало рисовал с 1960-х, но его сотрудничество с Баския, длившееся два года между 1984 и 1985 годами, зарядило его энергией и поместило среди молодого и более модного поколения. «Дженерал Электрик» с официантом типична для картин, которые пара создала вместе: Уорхол предоставил увеличенные заголовки, названия брендов и фрагменты рекламных объявлений; Баския добавил свое выразительное граффити. Успех сериала зависел от мультяшных качеств, присущих как поп-арту, так и граффити.

  Холст, акрил, масло — Коллекция неизвестна

  Художественные изображения

  1986

  Автопортрет

  Автопортреты Уорхола, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры, раскрывают основную тему. Можно утверждать, что самым успешным произведением искусства Уорхола был его собственный образ, изобретенный и заново изобретенный на основе его произведений. Просто подумайте о том, что Уорхол начал свою художественную карьеру занудным, застенчивым, лысеющим дизайнером, а закончил ее звездой, чья популярность могла сравниться с его величайшими изображениями (Монро, Элвис, Мао).

  В этой конкретной работе основное внимание уделяется голове и парику Уорхола (одному из десятков, которые он носил на протяжении многих лет). Используя повторяющиеся изображения, каждое из которых немного отличается от другого, а затем накладывая изображения друг на друга, Уорхол создает иллюзию движения. Созданный в конце его жизни, Автопортрет изображает художника в его фирменном парике, а также драматически использует тень и свет.

  Синтетическая полимерная краска и чернила для шелкографии на холсте — Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия

  Artwork Images

  1986

  Тайная вечеря

  За серебристым париком и черными очками Уорхола (суп Кэмпбеллс, Мэрилин и слава фильмов о наркотиках/сексе) стоял набожный католик, который регулярно ходил к мессе и работал волонтером в приютах для бездомных. Мать Уорхола была очень религиозной женщиной, которая привила ему связь с церковью.

  Религиозность Уорхола наиболее ярко выражена в поздних работах, созданных им на основе «Тайной вечери» Леонардо да Винчи (1495–1498). Уорхол основывал свои работы на черно-белой фотографии популярной гравюры 19 века и в итоге создал более сотни рисунков, картин и трафаретных изображений шедевра эпохи Возрождения. От наложения названий брендов на лица апостолов до сокращения единства сцены Уорхол почтил оригинальную картину, добавив ее в свой бизнес-предприятие.

  Синтетическая полимерная краска и чернила для шелкографии на холсте — The Brant Foundation, Greenwich, Connecticut

  Биография Энди Уорхола

  Детство

  Энди был третьим ребенком, родившимся у родителей-иммигрантов из Чехословакии, Ондрея и Ули (Юлии) Уорхола, в рабочем районе Питтсбурга. У него было два старших брата, Джон и Пол. В детстве Энди был умным и творческим. Его мать, сама художница, поощряла его творческие порывы, подарив ему первую камеру в девять лет. Известно, что Уорхол страдал от нервного расстройства, из-за которого он часто оставался дома, и в эти длительные периоды он слушал радио и собирал фотографии кинозвезд вокруг своей кровати. Именно это знакомство с текущими событиями в молодом возрасте, как он позже сказал, сформировало его одержимость поп-культурой и знаменитостями. Когда ему было 14 лет, его отец скончался, оставив семейные деньги на высшее образование для одного из мальчиков. Семья решила, что Энди больше всего выиграет от обучения в колледже.

  Раннее обучение

  После окончания средней школы в возрасте 16 лет в 1945 году Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона), где получил официальное образование в области графического дизайна. Вскоре после выпуска, в 1949 году, он переехал в Нью-Йорк, где работал коммерческим иллюстратором. Его первый проект был для журнала Glamour для статьи под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке». На протяжении 1950-х годов Уорхол продолжал свою успешную карьеру в коммерческой иллюстрации, работая для нескольких известных журналов, таких как Vogue , Harper’s Bazaar и The New Yorker . Он также производил рекламу и витрины для местных нью-йоркских ритейлеров. Его работа с I. Miller & Sons, в которой его причудливая реклама с пятнами была особенно отмечена, принесла ему некоторую местную известность, он даже получил несколько наград от Клуба арт-директоров и Американского института графических искусств.

  В начале 1950-х Энди сократил свое имя с Уорхола до Уорхола и решил стать серьезным художником. Его опыт и знания в области коммерческого искусства в сочетании с его погружением в американскую поп-культуру повлияли на его самые известные работы. В 1952 года он выставил Пятнадцать рисунков, основанных на произведениях Трумэна Капоте на своей первой индивидуальной выставке в галерее Хьюго в Нью-Йорке. Выставляя работы в нескольких местах Нью-Йорка, он наиболее заметно выставлялся в Музее современного искусства, где он участвовал в своей первой групповой выставке в 1956 году. Уорхол обратил внимание на новых начинающих художников, очень восхищаясь работами Роберта Раушенберга и Джаспера. Johns, что вдохновило его на расширение собственных художественных экспериментов.

  В 1960 году Уорхол начал использовать рекламу и комиксы в своих картинах. Эти работы, образцы раннего поп-арта, характеризовались более выразительными и живописными стилями, включающими четко узнаваемые мазки, и испытали слабое влияние абстрактного экспрессионизма. Однако последующие работы, такие как его Brillo Boxes (1964), ознаменовали бы прямой бунт против абстрактного экспрессионизма, почти полностью удалив любые свидетельства руки художника.

  Зрелый период

  В сентябре 1960 года, после переезда в таунхаус на Лексингтон-авеню, 1342, в Верхнем Ист-Сайде Манхэттена, начался его самый продуктивный период. Из-за того, что в его предыдущей квартире, где он жил с матерью, не было отдельной студии, теперь у него было достаточно места для работы. В 1962 году он предложил Департаменту недвижимости 150 долларов в месяц за аренду соседней устаревшей пожарной части на улице Ист 87 . Ему было предоставлено разрешение, и он использовал это пространство вместе со своим пространством на Лексингтон-авеню до 19.64.

  Удалить рекламу

  Продолжая тему рекламы и комиксов, его картины в начале 1960-х были основаны в основном на иллюстрированных изображениях из печатных СМИ и графическом дизайне. Для создания своих масштабных графических полотен Уорхол использовал непрозрачный проектор, чтобы увеличивать изображения на большом холсте на стене. Затем, работая от руки, он обводил изображение краской прямо на холсте, не проводя под ним карандашом. В результате произведения Уорхола с начала 1961, как правило, более живописны.

  В конце 1961 года Уорхол начал работу над своими картинами. В сериале использовалось множество различных техник, но большинство из них были созданы путем проецирования исходных изображений на холст, их обводки карандашом и последующего нанесения краски. Таким образом Уорхол убрал большинство следов руки художника.

  В 1962 году Уорхол начал изучать шелкографию. Этот трафаретный процесс включал перенос изображения на пористый экран, а затем нанесение краски или чернил с помощью резинового ракеля. Это обозначило еще одно средство рисования при удалении следов его руки; как трафаретные процессы, которые он использовал для создания Суповая банка Кэмпбелла изображений, это также позволило ему многократно повторять мотив на одном и том же изображении, создавая серийное изображение, напоминающее массовое производство. Часто он сначала наносил слой цветов, который дополнял трафаретное изображение после его нанесения.

  Его первые трафаретные картины были основаны на лицевой и оборотной сторонах долларовых банкнот, и он создал несколько серий изображений различных товаров народного потребления и коммерческих товаров, используя этот метод. Он изобразил этикетки для транспортировки и обработки, бутылки Coca-Cola, этикетки для кофейных банок, этикетки для коробок с мылом Brillo, крышки спичечных коробков и автомобили. С осени 1962 он также начал производить фотошелкографию, которая заключалась в переносе фотографического изображения на пористую шелкографию. Его первым был Baseball (1962), а в последующих часто использовались банальные или шокирующие образы, взятые из бульварных газетных фотографий автомобильных аварий и беспорядков за гражданские права, денег и потребительских товаров для дома.

  В 1964 году Уорхол переехал по адресу 231 East 47 ^th Street, назвав его «Фабрика». Добившись к этому моменту умеренного успеха как художник, он смог нанять нескольких помощников, которые помогали ему выполнять свою работу. Это стало поворотным моментом в его карьере. Теперь с помощью своих помощников он мог более решительно убирать руку с холста и создавать повторяющиеся массовые изображения, которые казались бы лишенными смысла и вызывали вопрос: «Что делает искусство искусством?» Эту идею впервые предложил Марсель Дюшан, которым восхищался Уорхол.

  Удалить рекламу

  Уорхол всю жизнь был увлечен Голливудом, о чем свидетельствует его серия культовых изображений таких знаменитостей, как Мэрилин Монро и Элизабет Тейлор. Он также расширил свою среду до инсталляций, особенно в галерее Stable в Нью-Йорке в 1964 году, воспроизводя коробки Brillo в их реальном размере, а затем печатая рисунки их этикеток на блоках из фанеры.

  Желая продолжить исследование различных медиа, Уорхол начал экспериментировать с кино в 1963. Два года спустя, после поездки в Париж на выставку своих работ, он объявил, что уходит из живописи, чтобы сосредоточиться исключительно на кино. Хотя он никогда полностью не реализовывал это намерение, он снял много фильмов, в большинстве из которых снимались те, кого он называл звездами Уорхола, эксцентричная и эклектичная группа друзей, которые часто посещали Фабрику и были известны своим нетрадиционным образом жизни.

  В период с 1963 по 1976 год он создал около 600 фильмов продолжительностью от нескольких минут до 24 часов. Он также разработал проект под названием The Exploding Plastic Inevitable , или EPI, в 1967 году. EPI представлял собой мультимедийную постановку, сочетающую рок-группу The Velvet Underground с проекциями фильма, света и танца, кульминацией которой стал чувственный опыт перформанса. Уорхол также издавал книги художников самостоятельно с 1950-х годов, но его первая массовая книга, Индекс Энди Уорхола , была опубликована в 1967 году. Позже он опубликовал несколько других книг и вместе со своим другом Джерардом Малангой 1969. Журнал посвящен знаменитостям и выпускается до сих пор.

  После покушения на его жизнь в 1968 году, совершенного знакомой и радикальной феминисткой Валери Соланас, он решил дистанцироваться от своего нетрадиционного окружения. Это ознаменовало конец фабричной сцены 1960-х. Впоследствии Уорхол искал общения в высшем обществе Нью-Йорка, и на протяжении большей части 1970-х годов его работа состояла из заказанных портретов, сделанных из напечатанных фотографий Polaroid. Наиболее заметным исключением из этого правила является его знаменитая 9-ка.Серия 0418 Mao , сделанная в качестве комментария к визиту президента Ричарда Никсона в Китай. Не имея гламура и коммерческой привлекательности его более ранних портретов, критики считали Уорхола проституирующим его художественный талант и рассматривали этот более поздний период как период упадка. Однако Уорхол видел в финансовом успехе важную цель. К этому моменту он успешно перешел от коммерческого художника к бизнес-художнику.

  Поздние годы и смерть

  В конце 1970-х и 1980-х Уорхол вернулся к живописи и создал работы, часто граничащие с абстракцией. Его 9Серия 0418 Oxidation Painting , которые были сделаны путем мочеиспускания на холсте медной краски, перекликается с непосредственностью абстрактных экспрессионистов и грубостью капельных картин Джексона Поллока. К 1980-м годам Уорхол восстановил большую часть своей критической славы, отчасти благодаря его сотрудничеству с Жаном-Мишелем Баския и Франческо Клементе, двумя гораздо более молодыми и более передовыми художниками. А в последние годы жизни Уорхол обратился к религиозным темам; его версия Леонардо да Винчи Тайная вечеря особенно известна. В этих работах Уорхол соединил священное и непочтительное, сопоставив увеличенные логотипы брендов с изображениями Христа и его апостолов.

  Удалить рекламу

  Уорхол умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет после осложнений после операции на желчном пузыре. Он был похоронен в своем родном Питтсбурге. Его поминальная служба прошла в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке, и на ней присутствовало более 2000 человек.

  Наследие Энди Уорхола

  Энди Уорхол был одним из самых влиятельных художников второй половины 20-го ^-го -го века, создав одни из самых узнаваемых изображений, когда-либо созданных. Бросая вызов идеалистическим взглядам и личным эмоциям, передаваемым абстракцией, Уорхол использовал популярную культуру и коммерческие процессы для создания работ, которые нравились широкой публике. Он был одним из отцов-основателей движения поп-арт, расширив идеи Дюшана, бросив вызов самому определению искусства. Его художественный риск и постоянные эксперименты с предметами и средствами массовой информации сделали его пионером почти во всех формах изобразительного искусства. Его нетрадиционное чувство стиля и окружение знаменитостей помогли ему достичь статуса мегазвезды, к которому он стремился.

  Согласно завещанию Уорхола, его имущество должно финансировать Фонд Уорхола для развития изобразительного искусства, который впоследствии был создан в том же году. Благодаря совместным усилиям Фонда визуальных искусств Энди Уорхола, Музеев Карнеги в Питтсбурге, Института Карнеги и Центра искусств Dia в 1994 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, был открыт Музей Уорхола, в котором хранится большая коллекция работ Уорхола.

  Влияние и связи

  Влияние на художника

  Influenced by Artist

  • Robert Rauschenberg

  • Jasper Johns

  • Marcel Duchamp

  • Frank Stella

  • John Cage

  • Larry Rivers

  • Leo Castelli

  • Филип Перлштейн

  • Дадаизм

  • Абстрактный экспрессионизм

  • Neo-Dada

  • British Pop Art

  • Damien Hirst

  • Jeff Koons

  • Christopher Wool

  • Gilbert and George

  • Stella Vine

  • Жан-Мишель Баския

  • Франческо Клементе

  • Кит Харинг

  • Stephen Shore

  • Lawrence Alloway

  • Pop Art

  • Installation Art

  • Video Art

  • Neo-Expressionism

  Open Influences

  Close Influences

  Useful Resources об Энди Уорхоле

  видео

  книги

  веб-сайты

  статьи

  Еще

  видео

  Документальные фильмы:

  • Просмотр 46K

  • 286K просмотр

  Интервью:

  • 938K Просмотры

  • 519K VIEW

    758 просмотров

  • 1 тыс. просмотров

  • 15 тыс. просмотров

  • 281 тыс. просмотров

  • 286k views

  • 11k views

  • 388k views

  • 16k views

  Videos with Warhol:

  • 324k views

  Experimental Films by Warhol:

  • 18k views

  • 165 тыс. просмотров

  • 231 тыс. просмотров

  Друзья Уорхола:

  • 11 тыс. просмотров

  • 337k views

  • 120k views

  • 70k views

  View more videos

  websites

  articles

  Similar Art

  Fountain (1917)

  Marcel Duchamp

  Read more

  Skyway (1964)

  Роберт Раушенберг

  Подробнее

  10 самых известных картин Энди Уорхола

  Энди Уорхол (6 августа 1928 – 22 февраля 1987) — американский художник, кинорежиссёр и продюсер. Он был пионером движения поп-арт.

  Его работы охватывают ряд техник, включая живопись, шелкографию, фотографию, видео и скульптуру, и исследуют связь между творческим самовыражением, рекламой и культурой знаменитостей, которая расцвела в 1960-х годах.

  Уорхол начал свою карьеру как успешный коммерческий иллюстратор. Он приобрел известность как важный и спорный художник в конце 1950-х годов после того, как выставил свои работы во многих галереях.

  К началу 1960-х поп-арт превратился в экспериментальный стиль, который многие художники переняли независимо друг от друга; некоторые из этих пионеров, такие как Рой Лихтенштейн, в конечном итоге стали ассоциироваться с этим жанром.

  Уорхол, впоследствии известный как «Папа поп-музыки», воспринял этот новый подход, позволивший включить общие темы в палитру художника.

  Уорхол нарисовал свои культовые банки с супом Кэмпбелл для своего первого большого шоу, которое, по его словам, он ел на обед большую часть своей жизни.

  С этого начала он построил свой последующий стиль и темы. Вместо того, чтобы сосредоточиться на отличительной теме, как он изначально намеревался, он все больше сосредотачивался на фирменном стиле, тем самым исключая ручную работу из творческого процесса.

  Уорхол регулярно включал в свои работы шелкографию; его более поздние работы были основаны на слайд-проекциях. На пике своей славы как художника Уорхол нанял многочисленных помощников для создания своих мультипликаторов шелкографией в соответствии с его инструкциями для создания уникальных вариантов и вариаций.

  1.

  Банки с супом Кэмпбелл

  Банки с супом Кэмпбелл были созданы в период с ноября 1961 года по март или апрель 1962 года. Они состоят из тридцати двух полотен, каждое размером 20 дюймов (51 см) в высоту и 16 дюймов (41 см) в ширину, и на каждой изображена банка супа Кэмпбелл — по одной банке каждого типа супа, производимого предприятием в то время.

  Неживописные картины созданы методом трафаретной печати и представляют собой иконографию популярной культуры; они являются частью тенденции поп-арта.

  Прежде чем начать рисовать, Уорхол работал коммерческим иллюстратором. 9 июля 1962 года в галерее Ferus в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, открылась первая персональная выставка Уорхола «Банки супа Кэмпбелла», организованная Ирвингом Блюмом. На этом шоу состоялась премьера поп-арта на Западном побережье.

  Тема вызвала споры сначала, отчасти потому, что это было оскорблением техники и философии предшествующего художественного движения абстрактного экспрессионизма.

  Мотивация Уорхола как художника была поставлена ​​под сомнение. Из-за его принадлежности к этой теме имя Уорхола стало ассоциироваться с картинами Кэмпбелла в банке с супом.

  2.

  Мэрилин Диптих

  Мэрилин Диптих (1962) — это шелкография, одно из самых известных изображений киноактрисы, выполненное художником.

  Работа состоит из 50 изображений. Каждый образ актрисы основан на том или ином рекламном кадре из фильма «Ниагара» (1953).

  Основной рекламный кадр, который Уорхол использовал в качестве основы для многих своих картин и гравюр с изображением Мэрилин, а также для Диптиха Мэрилин, принадлежал ее кинокомпании и распространялся ею. Мэрилин Диптих был закончен всего через несколько недель после смерти Мэрилин Монро 19 августа.62.

  Это произведение искусства было создано методом шелкографии. Двадцать пять фотографий слева цветные, а двадцать пять изображений справа черно-белые. Диптих Мэрилин находится в коллекции Тейт.

  3.

  Shot Marilyns

  The Shot Marilyns были созданы в 1964 году и состоят из четырех полотен, каждое со стороной 40 дюймов, и на каждом изображена Мэрилин Монро, выстреленная в лоб одной пулей.

  В 19В 64 году Уорхол создал пять разных цветных Мэрилин с разным фоном: красным, оранжевым, голубым, шалфейно-голубым и бирюзовым. Он хранил их в The Factory , в своей студии на Манхэттене на 47-й Восточной улице.

  Дороти Подбер, подруга фотографа Фабрики Билли Нейма, увидела только что законченные картины, сложенные одна против другой в студии, и спросила Уорхола, может ли она их заснять.

  Уорхол согласилась, полагая, что она хотела сфотографировать работы. Подбер надела свои черные перчатки, достала из сумочки небольшой пистолет и выстрелила в стопку из четырех картин «Мэрилин», которые теперь известны как «Застреленная Мэрилин». Пятой работы с бирюзовым фоном не было среди тех, что были в стеке.

  4.

  Brillo Box

  Скульптуры, воспроизводящие упаковку товаров массового производства — кукурузных хлопьев, персиков Kellogg’s Del Monte, чистящих губок Brillo — относятся к наиболее известным работам Уорхола.

  Скульптуры делались так же, как делаются повседневные вещи: эффектно и методично, одна за другой, с помощью множества разных рук. Неслучайно мастерская Уорхола называлась «Фабрика».

  Коробки Brillo Энди Уорхола — это точные копии коммерческих упаковок, созданные на дереве с помощью синтетической полимерной краски и шелкографии. Хотя они удовлетворяют предпосылке, что искусство должно имитировать жизнь, они также поднимают вопросы о том, как мы определяем и оцениваем искусство.

  5.

  Coca-Cola (3)

  Энди Уорхол закончил работу над Coca-Cola 3 в 1962 году как часть более крупной серии картин Coca-Cola, включающей Зеленые бутылки Coca-Cola и Coca-Cola.

  Картина, наряду с другими произведениями серии, считается основополагающим произведением поп-арта. Работа представляет собой черно-белое изображение старинной бутылки Coca-Cola высотой 6 футов.

  Первоначально Уорхол экспериментировал с бутылками Coca-Cola в начале 1950-х, когда он коллажировал фотографии бутылок Coke из периодических изданий.

  У Уорхола была особая точка зрения и интерес к бутылкам Coca-Cola. «Кока-кола есть кока-кола, и никакие деньги не принесут вам лучшей колы», — говорил Уорхол, имея в виду концепцию экономического и политического равенства.

  6.

  Суп Кэмпбелл I

  Суп Кэмпбелл I состоит из 10 репродукций банок супа Кэмпбелл 1968 года. Художественное движение.

  Читайте также: Художники поп-арта

  Это вторая серия репродукций Уорхола с банками супа Кэмпбелла, которая дебютировала через шесть лет после его первых 32 картин «Банки с супом Кэмпбелла» (вверху), а за ней последовало портфолио «Банки с супом Кэмпбелла II» в 1969.

  Каждое портфолио состоит из десяти трафаретных отпечатков, соответствующих картинам, и было одним из первых портфолио, выпущенных Factory Additions , фирмой, основанной Уорхолом для продажи его гравюр.

  Автоматизированный метод фотошелкографии удалит все следы прикосновения художника и обеспечит степень совершенства, соответствующую дизайну банок. Это интригующая модификация носителя, который ранее использовался для создания рекламных роликов.

  7.

  Автопортрет

  Автопортрет (1966) был создан в виде сетки красочных, повторяющихся портретов, выполненных методом шелкографии, которые стали одним из определяющих стилей Уорхола. Уорхол, опытный колорист, сочетал первичные и вторичные цвета, а также множество оттенков одного и того же оттенка.

  На более поздних этапах своей карьеры Уорхол больше сосредоточился на портретной живописи. Он рисовал портреты тех, кем восхищался — музыкантов Майкла Джексона и Грейс Джонс, боксера Мухаммеда Али, — а также богатых светских людей, с которыми он встречался на светской сцене Нью-Йорка.

  К середине 1960-х годов Уорхол собрал значительную аудиторию художников, режиссеров, исполнителей, авторов и заказчиков произведений искусства, очарованных его персонажем. Занятия автопортретом только увеличили его известность.

  Самообразы Уорхола со временем стали такими же известными, как культовые портреты Мэрилин Монро или Элизабет Тейлор. Художник зарекомендовал себя как звезда.

  8.

  Знак доллара

  Яркие цвета Энди Уорхола 1981 Серия «Знак доллара», состоящая из одного или нескольких стилизованных знаков доллара, воплощает взгляды художника на связь между искусством и капитализмом.

  Картина Уорхола « знаков доллара », созданная с использованием многочисленных шелкографий для сильного и текстурированного эффекта, кажется, была украдена из альбома для рисования или написана поверх квитанции.

  Сериал связывает искусство с деньгами, отделяя их от наличных денег и расширяя до мультяшных размеров.

  9.

  Алмазная пыль Йозеф Бойс

  Йозеф Бойс (Алмазная пыль) — акриловая краска для трафаретной печати на холсте, выпущенная в 1980 году. социологические и антропософские идеи. Он является одним из основателей противоречивого художественного движения, известного как Fluxus.

  Бойс вместе с Энди Уорхолом и Кайи Хигасияма принял участие в инициативе «Global-Art-Fusion» 12, 19 января85.

  Это был арт-проект Fax, начатый концептуальным художником Ули Фуксером, в рамках которого факсы с рисунками всех трех художников были отправлены по всему миру за 32 минуты — из Дюссельдорфа (Германия) в Нью-Йорк (США) в Токио (Япония). ), и поступил в венский Музей современного искусства Пале-Лихтенштейн. Во время холодной войны 1980-х годов этот факс был посланием надежды на мир.

  10.

  Красный Ленин (FS II.403)

  Красный Ленин — это копия Владимира Ленина, одного из самых выдающихся политических лидеров России и лидера коммунистической революции в стране.

  Образ Ленина как сюжет поразителен, поскольку он отличается от более известных знаменитостей и светских львиц, которых, как известно, рисовал Уорхол. Уорхол не только расширяет свою тематику, но и демонстрирует развитие в рамках собственного стиля поп-арт.

  Основная часть этой трафаретной печати — один ярко-малиновый красный, а черты лица и руки Ленина — желтые, а воротник и подлокотник — серые. Простота произведения привлекает внимание зрителя к лицу Ленина.

  Энди Уорхол – взгляд на жизнь и поп-арт картины Энди Уорхола

  Прежде чем работы Энди Уорхола были представлены в галереях, он уже был очень плодовитым коммерческим иллюстратором. Картины Энди Уорхола с предметами домашнего обихода и знаменитостями выдвинули его в высшие эшелоны мира картин поп-арта. Каков собственный капитал Энди Уорхола и как он стал настолько известен во всем мире? Ответы на эти вопросы, а также многие другие интересные факты мы найдем в наших подробных разделах о биографии и творчестве Энди Уорхола.

  Table of Contents

  • 1 An Andy Warhol Biography
    • 1.1 Childhood
    • 1.2 Early Training
    • 1. 3 Mature Period
    • 1.4 Late Years and Death
    • 1.5 Legacy
  • 2 Andy Warhol’s Artworks
    • 2.1 Coca-Cola 3 (1962)
    • 2.2 Gold Marilyn Monroe (1962)
    • 2.3 Sleep (1963)
    • 2.4 Orange Car Crash Fourteen Times (1963)
    • 2.5 Brillo Boxes (1964 9 Sobell’s
    )

    268)

    • 2,7 MAO (1973)
    • 2.8 Окислительная живопись (1978)
    • 2.9 Роршах (1984)
    • 2.10 Общий электрик с должностным лицом (1984)
    • 2.11. Для самоотверженности (1986)
  • 3111.
    • 3.1 Дневники Энди Уорхола (2014) Энди Уорхола и Пэта Хакетта
    • 3.2 Уорхола (2015) Клауса Хоннефа
  • 4 Часто задаваемые вопросы
    • 4.1 Где находится музей Энди Уорхола?
    • 4.2 Каков собственный капитал Энди Уорхола?

   

   

  Биография Энди Уорхола

  Национальность	Американский
  Дата рождения	6 августа 1928 г.
  Дата смерти	22 февраля 1987 г.
  Место рождения	Питтсбург, Пенсильвания

  Работы Энди Уорхола, когда он работал коммерческим иллюстратором, недавно были признаны первыми работами, в которых он впервые научился влиять на общественные вкусы. Его рисунки в это время были, как правило, комичными, орнаментальными и причудливыми, в отличие от холодного и механического духа его творчества.1093 Картины в стиле поп-арт . Он поднялся из нищеты и неуверенности восточноевропейской семьи экспатриантов в Питтсбурге, чтобы стать очаровательным маяком для контркультуры Нью-Йорка и, в конечном итоге, занять положение в высшем обществе.

  Многие видели в восхождении Энди Уорхола эхо одного из устремлений поп-арта: привнести распространенную эстетику и темы в элитные галереи изобразительного искусства. Его величайший успех заключался в том, что он возвысил свой образ до уровня публичной иконы, что символизировало новую степень известности и популярности великого художника.

   

  Детство

  Энди Уорхола родился в районе Питсбурга в семье мигрантов из Чехословакии. В детстве Уорхола был умным и артистичным юношей. Его мать, сама художник-любитель, поддержала его творческие наклонности, купив ему его первую камеру, когда ему было девять лет. Сообщалось, что он страдал психическим заболеванием, которое приковывало его к дому на длительное время, и во все эти моменты он слушал радио и окружал себя изображениями голливудских знаменитостей.

  Это раннее знакомство с текущими событиями, как он впоследствии заявил, вдохновило его на пристрастие к поп-культуре и знаменитостям.

  Фотопортрет американского художника Энди Уорхола на его выставке, посвященной чернокожим трансвеститам в США. Феррара, ноябрь 1975 г.; Неизвестно (Mondadori Publishers) , общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Когда Уорхолу было 14 лет, умер его отец, и семейные средства предназначались исключительно для дальнейшего образования одного из братьев. Семья думала, что Уорхола получит наибольшую пользу от обучения в колледже.

   

  Раннее обучение

  После окончания средней школы в возрасте 16 лет Уорхол поступил в Университет Карнеги-Меллона, где получил официальное образование в области визуального дизайна. Вскоре после выпуска, в 1949 году, он переехал в Нью-Йорк, чтобы работать художником по рекламе. Его первая работа была в журнале Glamour, где он написал статью под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке».

  На протяжении 1950-х годов Уорхол поддерживал прибыльную коммерческую карьеру иллюстратора, работая для таких журналов, как «Vogue» и «The New Yorker».

  Фотография Энди Уорхола в Нью-Йорке в 1950 году; [1] , общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Энди Уорхол изменил свою фамилию с Уорхола на Уорхол в начале 1950-х годов и решил стать профессиональным художником. Его знания и навыки в области корпоративного искусства в сочетании с его участием в американском поп-сообществе повлияли на его самые примечательные работы. Уорхол обращал внимание на новых восходящих художников, особенно на Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга, чьи работы побудили его расширить собственные художественные поиски.

  Уорхол начал использовать рекламные и комические панели в своих работах в 1960 году. Эти ранние произведения поп-арта отличались более эмоциональной и художественной техникой, с четко различимыми мазками.

  Говорят, что эти техники были вдохновлены абстрактным экспрессионизмом . Тем не менее, его последующие произведения, такие как Brillo Boxes (1964), продемонстрировали сильную реакцию против абстрактного экспрессионизма, устранив практически все свидетельства ручной работы художника.

   

  Зрелый период

  Его самая продуктивная фаза началась в сентябре 1960 года, после переезда в дом на Манхэттене. В прежней домашней обстановке у него не было специально отведенной мастерской, но теперь было достаточно места для работы. Продолжая тему рекламных роликов и комиксов, картины Энди Уорхола начала 1960-х в основном основывались на графических образах из новостных материалов и графики. Рисуя от руки, он затем обводил рисунок краской прямо на холсте, без карандашного рисунка ниже. Как следствие, произведения Уорхола начала 1961 года часто более живописны.

  В 1961 году он начал работать над знаменитыми банками для супа Campbell’s. В сериале использовались различные процессы, но основная часть была сделана путем проецирования эталонных фотографий на холсты, воспроизведения их графитным карандашом, а затем он закрашивал их.

  С помощью этого метода Уорхол смог скрыть большую часть штрихов художника. В 19В 62 года Уорхол начал экспериментировать с трафаретной печатью. Создание изображения на пористом экране с последующим добавлением краски или чернил с помощью резиновой губки было методом трафарета.

  Это был еще один метод создания при стирании знаков его руки; Подобно трафаретным процедурам, которые он использовал для создания изображений банки супа Кэмпбелла , это также позволило ему многократно воспроизвести тему на одном и том же изображении, создавая серийное изображение, напоминающее массовое производство. Обычно он начинал произведение с нанесения слоя цвета, который соответствовал трафаретному изображению после его завершения.

  Фотография Энди Уорхола с Арчи, его любимой таксой, сделанная в 1973 году; Джек Митчелл, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

  Его самые ранние работы, выполненные методом шелкографии, были смоделированы как на лицевой, так и на оборотной сторонах банкнот, и он продолжал использовать этот процесс для создания нескольких серий изображений других потребительских товаров и коммерческие вещи. Он представлял грузовые и технологические этикетки, бутылки из-под газировки, наклейки на контейнеры для кофе, этикетки для мыльниц и автомобили. Начало осени 19 г.В 62 году он начал создавать фото-шелкографию, которая заключалась в копировании фотографии на пористую шелкографию.

  Бейсбол (1962 г.) будет его первым, и многие последующие часто использовали обычные или поразительные изображения, взятые из бульварных газетных фотографий автомобильных столкновений и демонстраций гражданских прав, наличных денег и предметов домашнего обихода. В 1964 году Уорхол переехал в то, что он прозвал «Фабрикой». Поскольку к этому моменту он приобрел некоторую известность как художник, он смог нанять много рабочих, чтобы помочь ему завершить свою работу.

  Теперь он мог более определенно убирать руку с холста и создавать однообразные, массовые произведения, которые казались лишенными ценности, и задавался вопросом: «Что определяет искусство?» Это понятие изначально было предложено героем Уорхола, Марселем Дюшаном .

  Уорхол давно интересовался Голливудом, о чем свидетельствуют его классические фотографии Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Он также баловался инсталляциями, особенно когда он воспроизвел коробки Brillo в их первоначальных размерах, а затем трафаретно напечатал дизайн их этикеток на фанерных плитах.

  Уорхол начал работать с кино в 1963 году, чтобы продолжить свое исследование других медиа. Два года спустя, во время тура по выставке своих картин, он объявил, что перестанет рисовать, чтобы сосредоточиться только на фильмах.

  Хотя он так и не реализовал свое видение полностью, он снял несколько фильмов, в большинстве из которых снимались звезды Уорхола, эклектичная и разнообразная группа людей, которые посещали «Фабрику» и были известны своим необычным образом жизни.

  В 1967 году он также создал концепцию The Exploding Plastic Inevitable (EPI). EPI был мультимедийным мероприятием, в котором музыкальная группа The Velvet Underground объединила показ фильмов, освещения и танцоров, завершившийся чувственной театральной встречей. Уорхол сам издавал авторские публикации с 1950-х годов, но «Индекс Энди Уорхола», его дебютный массовый выпуск, был выпущен в 1967 году. Он написал множество дополнительных книг, а в 1969 году стал соучредителем Интервью журналу со своим коллегой Жераром Малангой.

  Фотография Энди Уорхола, Жана-Мишеля Баския, Бруно Бишофбергера и Франсеско Клементе в Нью-Йорке, 1984 год; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4. 0, через Wikimedia Commons

  Журнал, посвященный знаменитостям, издается до сих пор. Это означало конец сцены The Factory в 1960-х годах. После этого Уорхол искал компанию в высшем обществе Нью-Йорка, и на протяжении большей части 1970-х годов работы Энди Уорхола состояли в основном из портретов, сделанных по контракту с печатных полароидных изображений. Наиболее примечательным исключением является его знаменитая серия книг о Мао, созданная в ответ на поездку президента Ричарда Никсона в Китай.

  Без блеска и рыночной привлекательности его ранних картин критики воспринимали Уорхола как распродажу своего творческого гения, и этот более поздний этап считался периодом упадка. Уорхол, с другой стороны, считал финансовые достижения важной целью. К этому моменту он успешно перешел от графического дизайнера к корпоративному художнику.

   

  Последние годы и смерть

  Картины Энди Уорхола вернулись в конце 19 века70-х и начале 1980-х годов, создавая изделия, иногда граничащие с абстракцией. Его последовательность Oxidation Painting, созданная путем мочи на холст с медной краской, отражала непосредственность абстрактных экспрессионистов и грубую энергию капельных работ Джексона Поллока .

  В последние годы своей жизни Уорхол обращался к религиозным темам; особенно известно его изображение «Тайной вечери» Леонардо да Винчи.

  Надгробие Энди Уорхола на византийском католическом кладбище Святого Иоанна Крестителя, Питтсбург; Allie Caulfield, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

  Уорхол соединил святое с мирским в этих произведениях, противопоставив огромные логотипы компаний изображениям Христа и его апостолов. Уорхол скончался 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет в результате послеоперационных проблем после регулярного лечения желчного пузыря. Он был похоронен на своей родине в Питтсбурге. Более того, 2000 человек присоединились к церемонии Уорхола в соборе Святого Патрика.

   

  Наследие

  Уорхол использовал популярную культуру и корпоративные методы для создания искусства, находящего отклик у широкой аудитории, отвергая утопические идеи и сокровенные чувства, представленные через абстракцию. Он был отцом-основателем жанра поп-арта, развивая взгляды Дюшана, нападая на основной смысл искусства.

  Его творческий риск и постоянное новаторство с темами и средствами массовой информации сделали его первопроходцем почти во всех областях изобразительного искусства. Его уникальное чувство моды, известность и компания помогли ему достичь желаемого статуса мегазвезды.

  В 1994 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, открылся Музей Энди Уорхола, в котором хранится значительная коллекция картин Энди Уорхола. Многие споры до сих пор сопровождают знаменитые трафаретные картины, которые помогли Уорхолу зарекомендовать себя как поп-художник в начале 1960-х годов. Его серия «Смерть и катастрофа », а также его изображения Мэрилин рассматриваются многими как подлинное проявление его страданий во время публичных мероприятий. С другой стороны, другие считают их ранними признаками «усталости от сострадания» или сниженной способности населения сочувствовать обстоятельствам, которые далеки от них.

  Другие считают его фотографии ширмами, установленными между нами и гнусными событиями, чтобы зафиксировать и обработать травму. Хотя художники опирались на поп-культуру на протяжении всего 20-го века, картины в стиле поп-арт представляют собой значительный новый этап в разделении низших и высших форм искусства.

  Работы Энди Уорхола начала 1960-х сыграли важную роль в инициировании этих достижений, но спорно, что его последующие практики были столь же влиятельными в расширении влияния картин поп-арта на другие сферы, а затем в дальнейшем стирании границ между царствами высокого мастерства. и распространенная культура.

  Несмотря на то, что Уорхол продолжал время от времени создавать картины в течение своей карьеры, в 1965 году он «ушел» из среды, чтобы сосредоточиться на создании экспериментальных фильмов. Эти картины недавно приобрели международную известность из-за многолетней изоляции, и теперь Уорхол признан одним из самых значительных режиссеров века, отцом-основателем инди-кино. Критики обычно считают, что карьера Уорхола идет на спад после того, как Валери Соланас напала на него в 1919 году.68.

  Они отдали предпочтение его ранним работам над вещами, которые занимали его внимание в последующие годы, такими как вечеринки, коллекционирование, публикации и создание портретов по контракту. Однако другие пришли к выводу, что все инициативы Уорхола составляют его самое важное наследие, поскольку они предвещают многие увлечения, занятия и инициативы, которыми сегодня занимаются художники.

   

   

  Произведения Энди Уорхола

  К началу 1960-х годов поп-арт считался новаторским жанром, который разные художники осваивали по отдельности; некоторые из этих предков позже отождествляли себя с этой тенденцией. Уорхол принял этот новый подход, при котором общие темы могут быть включены в палитру художника. Он построил свой последующий стиль и темы из этих истоков. Вместо того, чтобы сосредоточиться на отличительном предмете, как он начал делать, он сосредоточился на уникальном стиле, постепенно удаляя ручную работу из художественного подхода.

   

  Coca-Cola 3 (1962)

  Дата завершения	1962
  Средний	Казеин на хлопке
  Размеры	176 см x 137 см
  Текущее местоположение	Частная коллекция

  «Я просто создаю вещи, которые я всегда считал прекрасными, вещи, которые вы используете каждый день и о которых не думаете». Замечание Уорхола заключает в себе его подход; в его работах предметы повседневного обихода помещаются спереди и в центре. Это относится и к нарисованному вручную изображению бутылки из-под газировки.

  Еще один вызов господству абстрактного экспрессионизма. «Кока-кола» Уорхола имеет тот же размер, что и многие знаменитые полотна того периода, но на ней отсутствуют абстракции.

  Однако есть и дополнительные параллели. Coca-Cola, как и культовая серия картин Барнетта Ньюмана « Крестных остановок », состоит из массивной черной массы на белом фоне. Бутылка кричит на зрителя, ища внимания, которое получали глубокие полотна Мазервелла, но ирония царит безраздельно.

   

  Золото Мэрилин Монро (1962)

  Дата завершения	1962
  Средний	Шелкография
  Размеры	211 см x 145 см
  Текущее местоположение	Музей современного искусства

  Жизнь, профессия и горе Мэрилин Монро стали предметом национальной заботы после ее ранней кончины от передозировки снотворного 19 августа. 62. Уорхол, который был одержим знаменитостями и поп-культурой, получил ее черно-белую рекламную фотографию и использовал ее для создания нескольких серий изображений.

  Все произведения искусства «Мэрилин» исходили из того, что изображение Монро повторялось снова и снова, так же, как оно публиковалось в газетах и ​​публикациях того времени.

  После просмотра десятков и сотен таких фотографий зритель уже не видит изображенного человека, а остается символом массовой, коммерческой культуры. Изображение превратилось в еще одну коробку с хлопьями в магазине, одну из сотен одинаковых коробок. Уорхол расширяет понятие иконографии в Gold Marilyn Monroe , поместив лицо Мэрилин на очень большой фон золотого цвета.

  Фон напоминает византийские религиозные иконы, которые до сих пор являются центром православных верований. Вместо божества мы видим картину, которая при ближайшем рассмотрении становится немного безвкусной, — даму, прославившуюся и погибшую в ужасной катастрофе.

  Работа Уорхола тихо критикует то, что наше общество возводит суперзвезд в царство святого. Опять же, поп-художник использовал предметы повседневного обихода и образы, чтобы дать очень конкретное представление о ценностях и среде своих современников.

   

  Сон (1963)

  Дата завершения	1963
  Средний	Черно-белая пленка
  Размеры	16 мм
  Текущее местоположение	Музей современного искусства

  В эпоху невероятной изобретательности в начале 1960-х Уорхол продолжал нарушать статус-кво, используя другое средство — кино. Примерно за свою карьеру Уорхол снял более 650 фильмов на самые разные темы. Его фильмы были высоко оценены миром искусства, и их влияние до сих пор можно признать в исполнительских искусств и экспериментальное кино. Тильда Суинтон выступила в художественной инсталляции в Музее современного искусства (MoMA) в 2013 году, в которой она спала в стеклянной клетке, в то время как писатель, актер и режиссер Лена Данхэм недавно выразила желание воспроизвести Sleep, , но с собой как фокус.

  «Сон» — одна из первых работ создателя и его первая попытка экспериментального кинопроизводства, ставшая одной из его торговых марок. Этот шестичасовой фильм рассказывает о привычках сна Джона Джорно, который в то время был бойфрендом Уорхола.

  Зрители видят Джорно глазами Уорхола, с обнаженным торсом Джорно в каждой сцене. Хотя кажется, что это непрерывная последовательность изображений, на самом деле это рулоны пленки, наложенные друг на друга, соединенные вместе и зацикленные. Творчество Уорхола было сосредоточено на повторении, а также на его одержимости банальностью.

  Всем нужен сон, и Уорхол в очередной раз превратил обыденность в творческое самовыражение.

  В хронологии фильмов Уорхола Empire и Eat (1965) последовали за Sleep . « Empire » — восьмичасовой документальный фильм об Эмпайр-стейт-билдинг на закате, а « Eat » — 45-минутный фильм о человеке, который ест гриб. Темы Уорхола были такими же разнообразными, как и его фильмография, и они углублялись в более открытые аспекты, такие как гомосексуальная культура.

   

  Оранжевая автокатастрофа четырнадцать раз (1963)

  Дата завершения	1963
  Средний	Шелкография
  Размеры	269 см x 417 см
  Текущее местоположение	Музей современного искусства

  Авария оранжевого автомобиля является частью серии Уорхола, которая занимала большую часть его времени в то время. Он часто использовал ужасные и жестокие фотографии из ежедневных газет и копировал их на холсте, используя процесс фотошелкографии. Повторение, фрагментация и искажение изображения имеют жизненно важное значение не только для создания эффекта изображения, но и для очистки изображения.

  Когда зритель впервые видит фотографию насилия, он или она огорчается и напуган, однако повторение этой фотографии снова и снова ослабляет силу изображения, поскольку зрелище трагедии становится еще одним массовым рынком. изображение.

  Искусствовед Кристофер Найт представил альтернативный подход к этому и другим произведениям из серии Уорхола « Смерть и катастрофа ». Показанная автомобильная авария поразительно похожа на фотографию гибели Джексона Поллока в автокатастрофе на Лонг-Айленде в 1956.

  Уорхол говорит зрителям, что абстрактный экспрессионизм больше не жив и не здоров. Так что, возможно, Уорхола меньше интересовало популярное искусство, а больше он давал очень точные и эксклюзивные комментарии миру искусства. Точно так же в серии «Электрический стул » Уорхола есть знак «Молчание» в задней части показанной комнаты для казни на электрическом стуле, который Уорхол связывает с модернистскими работами Джона Кейджа со звуками.

  Кроме того, серия Уорхола «Расовый бунт» является реакцией на произведения современных художников, таких как Роберт Раушенберг, Джексон Поллок, Эд Рейнхардт и многочисленные знаковые абстрактные работы Фрэнка Стеллы под названием «Черная серия».

   

  Коробки Brillo (1964)

  Дата завершения	1964
  Средний	Шелкография
  Размеры	43 см х 43 см х 35 см
  Текущее местоположение	Музей современного искусства

  Снова используя процесс шелкографии, но на этот раз на фанере, Уорхол предоставил зрителю точные копии предметов повседневного обихода, которые можно увидеть в домах и магазинах. На этот раз его работы складываются; это скульптуры, которые можно складывать в галерее по-разному, но каждая коробка идентична; один не лучше другого.

  Вместо последовательности слегка различающихся картин, созданных многими великими художниками (вспомните стога сена или соборы Моне), Уорхол подчеркивает, что все эти вещи одинаковы и (по его мнению) прекрасны!

  Создавая эти предметы на своей «фабрике», Уорхол еще раз высмеивает (или чудесным образом стимулирует) мир искусства и художника-творца. У Уорхола была особая привязанность к коробкам Brillo. Уорхол родился в Питтсбурге, стальном городе, который когда-то был богатым, но сейчас находится в состоянии беспорядка. Brillo — это стальная вата, вещество, обычно используемое женщинами для поддержания блеска кухонной утвари в их великолепных американских домах.

  Оценил ли Уорхол сам продукт, или он нашел розничные витрины нелепыми, или ему понравилось сочетание стали и шерсти в одной приветственной упаковке, как гомосексуальный мужчина?

   

  Суп Кэмпбелл 1 (1968)

  Дата завершения	1968
  Средний	Скриншот
  Размеры	89 см x 58 см
  Текущее местоположение	Множественные репродукции в музеях и галереях

  К 1960-м годам арт-индустрия Нью-Йорка зашла в тупик, а уникальные и востребованные картины абстрактных экспрессионистов превратились в клише. Уорхол был одним из художников, которые считали своей целью повторно интегрировать графику в свои работы. Мюриэль Латоу, галерист и дизайнер интерьеров, порекомендовала Уорхолу рисовать предметы, которые люди используют каждый день, что привело к идее красить банки из-под супа.

  С 1962 по 1964 год он создавал знаменитые банки для супа, коробки Brillo и бутылки для содовой.

  Он начал свою работу в области потребительского коммерческого дизайна и добился огромного успеха. Он использовал свой торговый опыт для создания изображения, которое было бы сразу узнаваемым и интересным с эстетической точки зрения. Потребительские товары и коммерческие изображения наполняли жизнь американцев богатством того времени, и Уорхол решил мягко воспроизвести это изобилие, используя изображения, увиденные в рекламе.

  Он воспроизвел на холсте ощущение присутствия в магазине. В результате Уорхолу приписывают разработку концепции нового стиля искусства, который превозносил (и в то же время критиковал) покупательские наклонности его сверстников и нынешних клиентов.

   

  Мао (1973)

  Дата завершения	1973
  Средний	Шелкография
  Размеры	43 см х 43 см х 35 см
  Текущее местоположение	Художественный институт Чикаго

  В этом портрете Мао Цзэдуна Уорхол смешивает краску и шелкографию, часть серии, которую он разработал в ответ на поездку президента Ричарда Никсона в Китай в 1972 году. Уорхол использовал черно-белую фотографию Мао из своей Красной книги , чтобы сделать сотни картин, изображающих авторитарного правителя разных размеров.

  Некоторые из этих произведений искусства огромны по размеру, отражая властный характер власти Мао над Китаем, а также невероятный культ личности Мао.

  Этот гигантский масштаб также напоминает возвышающиеся пропагандистские изображения, которые можно было увидеть по всему Китаю и во время Культурной революции. Однако, создав сотни одинаковых фотографий и разместив их на стене, Уорхол превратил образ Мао в товар супермаркета, подобный бутылкам Coca-Cola, расставленным на полках. Мао Уорхола теперь является потребительским товаром, фундаментальным принципом капитализма или точной концепцией, против которой выступают коммунисты.

  Уорхол пошел еще дальше. Подобные граффити всплески цвета, алые румяна и голубые тени для век, по сути, «искажают» изображение Мао — акт неповиновения коммунистической кампании по дезинформации, используя свой восхваляемый образ против самого себя.

  В качестве еще одной шутки Уорхол использует приемы модернистского искусства, такие как выразительные мазки вокруг лица Мао. Мазки — это символ личного самовыражения и творческой свободы — те же самые концепции, против которых выступала культурная революция Мао. 9 (1978 г.) 1978 Средний Металлический пигмент на холсте Размеры 193 см x 132 см Текущее местоположение Музей изящных искусств

  Картина оксидации , созданная в конце правления Уорхола, является одной из серии работ, созданных создателем в одиночку или с несколькими его друзьями путем мочи на холст медной краски, который был разложен горизонтально на пол, а затем оставляя результат окисляться.

  Конечным эффектом был металлический блеск с потрясающей глубиной текстуры и цвета, напоминающий работы абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок.

  Уорхол вложил в эти произведения много мысли и дизайна, и его цитируют как замечание: «В этих картинах тоже есть техника. Если бы я попросил кого-нибудь создать картину Oxidation , а они не подумали бы об этом, результатом была бы руина. Затем я сделал это сам, что требует больших усилий, и вы пытаетесь придумать красивый дизайн».

   

  Роршах (1984)

  Дата завершения	1984
  Средний	Синтетический полимер на холсте
  Размеры	417 см x 292 см
  Текущее местоположение	Музей современного искусства

  Хотя ранние работы Уорхола свидетельствовали о значительном расколе с абстрактным экспрессионизмом, он продолжал проявлять интерес к абстракции на протяжении всей своей жизни, и в 1984, направил свои мысли в огромную серию рисунков Роршаха. На них повлиял тест Роршаха, разработанный швейцарским психологом Германом Роршахом. Тест требует, чтобы пациенты описали то, что они видят в серии из 10 стандартных чернильных пятен; Роршах считал, что таким образом мы можем получить доступ к бессознательным идеям.

  Многие абстрактные картины, по словам Уорхола, функционировали аналогичным образом: вместо того, чтобы художники могли выражать мысли через абстрактную форму, как многие думали, он чувствовал, что зрители просто накладывают свои собственные представления на произведения.

  Таким образом, его изображения «Роршаха» были своего рода сатирой на абстрактное искусство: они были зеркалами, отражающими собственные идеи зрителя, и иногда они напоминали анатомию или цветочные узоры.

   

  General Electric с официантом (1984)

  Дата завершения	1984
  Средний	Холст, акрил, масло
  Размеры	111 см x 150 см
  Текущее местоположение	Коллекция Неизвестно

  Уорхол начал сотрудничество в области произведений искусства по настоянию арт-дилера Бруно Бишофсбергера. Сначала он сотрудничал с итальянцем Франческо Клементе, затем со значительно более молодым гаитянско-американским художником Жаном-Мишелем Баския , а затем с Китом Харингом. В начале 1980-х слава Уорхола пошла на убыль, и с 19-го века он ничего не писал.60-е годы.

  Однако его сотрудничество с Basquiat, продолжавшееся с 1984 по 1985 год, вдохнуло в него новую энергию и сделало его одним из более молодой и модной группы.

  General Electric с официантом представляет образы, которые пара создала вместе: Уорхол предоставил более крупные заголовки, названия брендов и рекламные материалы, а Баския добавил свои эмоциональные граффити. Комические элементы, присущие как поп-арту, так и граффити, способствовали привлекательности сериала.

   

  Автопортрет (1986)

  Дата завершения	1986
  Средний	Синтетический полимер на холсте
  Размеры	111 см x 150 см
  Текущее местоположение	Национальная художественная галерея

  На протяжении всего своего пребывания в должности автопортреты Энди Уорхола отражают всеобъемлющее послание. Можно сказать, что самой популярной картиной Уорхола был его собственный образ, который он воссоздавал на протяжении всей своей карьеры. Подумайте вот о чем: Уорхол начал свою художественную карьеру как гик-интроверт, лысеющий дизайнер, а завершил ее звездой, чья слава соперничала с его лучшими изображениями.

  Акцент на этой картине сделан на голове и парике Уорхола.

  Уорхол создает ощущение движения, комбинируя повторяющиеся изображения, которые немного отличаются друг от друга, а затем накладывая изображения друг на друга. Автопортрет , завершенный в конце его жизни, изображает художника в парике и эффектно использует свет и тени.

   

   

  Рекомендуемое чтение

  Вам понравилась эта биография Энди Уорхола? Если вы хотите узнать еще больше о картинах и жизни Энди Уорхола, попробуйте одну из этих книг. Мы выбрали их, чтобы помочь вам лучше узнать произведения Энди Уорхола.

   

  Дневники Энди Уорхола (2014) Энди Уорхола и Пэта Хэкетта Хакетт, размышляя о продолжающемся культурном влиянии Уорхола. Этот международный литературный хит проливает свет на одного из самых влиятельных и вызывающих разногласия персонажей Америки. Дневник Уорхола чрезвычайно занимателен и интересен, наполнен удивительными сведениями о жизни, увлечениях и профессиях богатых, знаменитых и впечатляющих людей.

  Дневники Энди Уорхола

  • С середины 1970-х до нескольких дней до его смерти
  • Более двадцати тысяч страниц дневника Уорхола
  • Международная литературная сенсация

  Просмотреть на Amazon. потребления, которые продолжают оставаться ключевыми проблемами современного опыта. Энди Уорхол широко известен как самый влиятельный сторонник движения поп-арт. Он был критическим и новаторским наблюдателем американской культуры, исследовавшим такие фундаментальные темы, как материализм, потребительство, пресса и слава.

  Уорхол

  • Краткая биография жизни Уорхола
  • Хронологический обзор творчества Энди Уорхола
  • Около 100 иллюстраций с пояснительными подписями

  Посмотреть на Amazon

   

  Даже сегодня практически каждый, кто слышит имя «Энди Уорхол», вспомнит его знаменитые изображения банок с супом и Мэрилин Монро. В то время как образ Уорхола стал синонимом поп-арта и сформировал впечатление публики о нем, его жизнь и карьера значительно более разнообразны и сложны, чем это. Из-за широты и глубины популярности Уорхола, а также из-за его целенаправленных попыток сбить с толку своих биографов было трудно составить его точный или полный портрет. Мы также рекомендуем прочитать некоторые цитаты Энди Уорхола.
  

  Часто задаваемые вопросы

  Где находится музей Энди Уорхола?

  Он расположен на северном побережье Питтсбурга. Это крупнейший музей Северной Америки, посвященный исключительно конкретному художнику. Энди Уорхол, звезда поп-арта из Питтсбурга, хранит в музее большую постоянную коллекцию работ и документов. Планы музея были обнародованы в октябре 1989 года, почти через три года после смерти Уорхола.

   

  Каков собственный капитал Энди Уорхола?

  Мы знаем, что он богат, но каков именно собственный капитал Энди Уорхола? На момент смерти его состояние составляло 220 миллионов долларов с учетом инфляции и оценки его искусства. Энди Уорхол был ключевой фигурой в движении живописи поп-арт 1960-х годов.

   

  Энди Уорхол и его художественное влияние

  Золотая Мэрилин — Уорхол | © Эндрю Мур/Flickr

  Эмили Браун

  26 февраля 2018 г.

  Американский поп-художник Энди Уорхол был одной из самых значительных и плодовитых фигур своего времени. Его работы исследуют связь между культурой знаменитостей и художественным самовыражением. Уорхол уже закрепил свое место в художественном сообществе в начале своей карьеры и после своей безвременной смерти в 1987 году завещал международной публике эксцентричную коллекцию некоторых из самых ярких произведений в истории. самые знаковые произведения искусства в мире.

  Энди Уорхол родился в семье словаков в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Когда ему было восемь лет, он заболел хореей (неврологическое заболевание), которое приковало его к постели. Чтобы развлечь его во время выздоровления, мать давала ему уроки рисования. Уорхол полюбил медиум и продолжал рисовать в свободное время после выздоровления. В 1942 году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги — ныне Университете Карнеги-Меллона. Он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна в 1949.

  Энди Уорхол — Мэрилин 1967 | © Ian Burt/Flickr

  Уорхол стал иллюстратором журнала Glamour , который сделал его ведущей фигурой в движении поп-арт 1950-х годов. Его эстетика представляла собой уникальное сочетание средств изобразительного искусства, таких как фотография и рисунок, с высококоммерческими компонентами, вращающимися вокруг известных брендов и имен знаменитостей. Привлекая международное внимание своими уникальными постановками, Уорхол любил сохранять элемент личной и профессиональной таинственности, признавая, что никогда не говорил о своем прошлом и придумывал новую личность каждый раз, когда его просили.

  Произведения Уорхола представили новую захватывающую форму художественного выражения. В 1961 году он представил концепцию поп-арта и продемонстрировал коллекцию картин, посвященных коммерческим товарам массового производства. В 1962 году он выставил свои культовые картины с изображением банок с супом «Кэмпбелл». Он продолжал демонстрировать работы, изображающие гамбургеры и бутылки Coca-Cola, наряду с портретами причудливых знаменитостей, таких как Мик Джаггер, Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Он использовал несколько сред для создания своих работ, включая фотографию, шелкографию и гравюру. В 19В 64 года Уорхол открыл собственную художественную студию под названием «Фабрика», где работал и поддерживал связь с элитой общества.

  Нью-Йорк. МоМА. Энди Уорхол | © Tomás Fano/Flickr

  Мир был очарован Энди Уорхолом – его внешностью, эстетикой и отношением к его поп-арту. Однако внимание, которое он привлекал, не всегда было положительным. 3 июня 1968 года радикальная феминистка Валери Соланас застрелила Энди Уорхола и Марио Амайю — куратора студии Уорхола. Амайя получила лишь незначительные травмы, а Уорхол был серьезно ранен и чуть не умер. Соланас был приговорен к трем годам тюремного заключения в соответствии с дисциплиной Департамента исправительных учреждений Нью-Йорка. Уорхола цитировали: «До того, как меня застрелили, я всегда думал, что нахожусь скорее наполовину, чем все там — я всегда подозревал, что смотрю телевизор вместо того, чтобы жить жизнью. Люди иногда говорят, что то, как все происходит в кино, нереально, но на самом деле нереально то, как все происходит в жизни».

  Однако нападение не остановило творческую деятельность Уорхола. Он был первым художником, который использовал компьютеры Amiga, представленные в 1984 году, для создания новых форм искусства в цифровом виде. Уорхол также пробовал свои силы в скульптуре и даже работал на телевидении, ведя передачи Энди Уорхола TV и Пятнадцать минут Энди Уорхола на MTV. В более поздние годы он основал журнал Interview Magazine и написал несколько книг, в том числе The Philosophy of Andy Warhol .

  Энди Уорхол и Эди Седжвик | © Джефф Тидвелл/Flickr

  Уорхол неожиданно скончался в Нью-Йорке в 1987 году после операции на желчном пузыре, и в том же году по завещанию художника был основан Фонд Энди Уорхола. Он хотел, чтобы все его имущество (за исключением нескольких вещей, делегированных членам семьи) составляло новый фонд, посвященный «развитию изобразительного искусства». Фонд и по сей день поддерживает создание и представление современного изобразительного искусства.

  No related posts.