Стиль файн арт: Почему fine art — это лучший стиль свадебной фотографии?

Содержание

Почему fine art - это лучший стиль свадебной фотографии?

В основе fine art фотографии лежит естественное освещение и внимание к деталям, приверженцы этого стиля снимают на пленку и к каждому кадру относятся как к самостоятельному художественному произведению. Сегодня мы задали вопрос экспертам: “В чем преимущества обработки в стиле fine art?” Ответы наших фотографов получились разные, короткие и длинные, но очень интересными. Предлагаем вам проникнуться этим невесомым стилем и решить для себя, действительно ли fine art вам ближе всего.

Ольга Силютина обращает внимание на то, что Fine artсъемка в высоком ключе, здесь есть акцент на классических кадрах. «В это глобальное понятие входит как постановочные кадры, так и управляемый репортаж. Это важные кадры, которые будут радовать вас долгие годы и никогда не выйдут из моды».

Почему же именно fine art не выйдет из моды, что в нем особенного? Сергей Зинченко считает, что этот стиль идеально соотносится с настроением такого события, как свадьба: «Мое видение свадьбы — это что-то

светлое, чувственное и местами воздушное и нежное. Именно в такие эмоциональные краски я хочу чтобы пара погружалась при просмотре своих фотографий. Фотографии fine art — как дорогие картины, их хочется пересматривать и возвращаться к ним снова и снова!». Тем не менее Сергей добавляет, что стиль подходит не каждой свадьбе, но если в вашем торжестве есть нотки изысканности и утонченности, то fine art — это наилучший выбор.

Это светлое и легкое ощущение — отличительная особенность стиля. Впервые название ввел фотограф Joce Villa для обозначения своего стиля, рассказал Егор Коровин (The Fretties). «Он первым начал снимать свадьбы на плёнку в определенном стиле. В итоге, Fine art — это фотография на плёнку или обработанная под плёнку. Отсюда получаются такие пастельные тона».

Елена Павлова продолжает, что свадебная фотография должна быть вне времени, ведь эти фото вы захотите показать детям и внукам. «Вам захочется показать нежные сборы невесты, детали, лаконичные портреты, вас: таких юных и влюблённых, декор, церемонию, искренние эмоции, место самой свадьбы, первый танец, торт.

И стиль, который позволяет сохранить всю атмосферу и информативность свадебного дня, при этом отобразив это стильно и минималистично — Fine Art.

Fine Art является единственным стилем, который позиционирует свадебную фотографию, как объект искусства, уделяя особое внимание эстетике кадра, воздушности, композиции, работе с позированием, лаконичности.

Определенно точно, каждый снимок — это не результат везения или вовремя нажатой кнопки, а грамотно выверенный кадр, который несёт в себе красоту и гармонию!
Если рассматривать Fine Art, как плёночную фотографию, то к вышеперечисленным достоинствам добавляется ещё и магия самой плёнки: неповторимый цвет и глубина кадра, которые не сможет воспроизвести ни одна цифровая камера».

Суммируя вышесказанное, приведем слова Анны Забродиной 

об основных особенностях стиля fine art:
– эстетичность кадра
– мягкий естественный свет (фотографии не пересвечены, не контрастны, а, наоборот, очень мягкие, акварельные с мягкими пастельными оттенками)
минимализм и лаконичность (ничего лишнего в кадре)
– внимание к деталям (здесь важно всё: от колец до лент на букете невесты), работа с позированием (да, fine art фотография постановочная, но именно это даст тот результат, который так привычен для этого вида фотографии)
– воздушность и особенная, присущая только пленке, цветопередача!

«Но помимо этого, ключевым моментом является видение и вдохновение фотографа, умение создавать эстетичные и эмоциональные кадры, ловить свет, уделять внимание деталям!».

В завершение Анна рассказала, что ей близок fine art еще и потому, что подразумевает:
– красивое и эстетичное утро невесты
– естественный свет
– прогулка на закате (золотой час)
– живая красивая флористика

– продуманный декор
– детали (коробочки для колец, свечи,ленты,полиграфия)
– красивая сервировка и декор банкета
– красивая прогулка, где важный акцент уделяется искренним чувствам и любви между главными героями, как они смотрят друг на друга, легкость линий и прикосновений, томность взглядов.

Конечно, мы в Zankyou не агитируем вас ни за один стиль, ведь самое главное — чтобы он подходил именно вам и вашей свадьбе. Мы лишь хотели познакомиться с каждым из них поближе. А что думаете вы по поводу fine art?

Почему fine art - это лучший стиль свадебной фотографии?
Посмотреть галерею

fine art в свадебной фотографии

Несмотря на то, что понятие Fine Art появилось в России около 13 лет назад — немногие пары действительно знают, что это за стиль и чем отличаются фотографии этого жанра от других направлений.  Мы привыкли, что свадебные фотографии снимаются на цифровую фотокамеру. Но желание добиться любимых цветов основателя самого стиля fine art – американского фотографа Jose Villa — изменило всё. Он открыл свадебным фотографам совершенно иной взгляд на съемку торжеств с использованием пленочной техники. Такой, с помощью которого можно было сделать снимки легкими, акцентируясь на деталях и нежных эмоциях героев в кадре.

Фотографии этого стиля совершенно не были связаны со свадьбами или декором. Только со временем, благодаря возможности соответствовать большинству запросов невест, он завоевал широкое признание в свадебном мире.

Знание особой техники использования света и оттенков, расстановка доминирующих и слабых акцентов, и построение целостной композиции, — это те элементы, которые воодушевляют кадр и позволяют ему звучать. Так, словно он – самая красивая мелодия. Fine art называют идеальным стилем для свадебной фотографии, который будет жить всегда. Почему? Потому, что он всегда будет вне времени.

Ошибка – думать, что для fine art существуют определенные позы и постановка. Отличительная черта стиля — в его простоте. Это съемка живых и неподдельных эмоций, настоящих чувств, которые испытывает пара, а фотограф обрамляет эти простые вещи в изящные снимки без пафоса и излишеств.

Важнее наличие внутреннего вкуса и уровень визуального образования, нежели просто поиск необходимого цвета. Огромное значение поэтика самого кадра — вещь тонкая и многогранная, и она – вовсе не о технике и наборе приемов. Она о самой личности в нем.

В fine art фотографиях присутствует элемент художественности — это отличает его от традиционной репортажной съемки. Стиль способен лучше других ловить красоту момента и передавать гармоничность линий, объема, пластики и света, делая их неконфликтными.

После шести лет работы с пленкой fine art фотограф Максим Колибердин уверен – именно она создает все волшебные эффекты в кадре. Фотографу присуща любовь к мягкому естественному свету, открытым пространствам со старыми деревьями и картинам импрессионизма. Благодаря эстетическому подходу к фотографии, этот стиль может рассказать самые красивые романтические истории влюбленных.

Что такое Fine art? Что такое файн арт? Fine Arts

У англичан имеется точное разделение среди Fine arts и Applied arts. Первое значит результат любого творчества, обладающий только эстетическим удовольствием, и никак не распространяется на практическое назначение. К примеру, панно Клода Моне «Уголок сада в Монжероне», находясь на торгах Christie’s, очутится в каталоге в подразделе Fine arts. В таком случае можно сохранить время в розыске картин для своих работ и по запросу «сад» не нажимать по изображению господина Моне. В России такая живопись является «снятой с мольберта» и несмотря на то, что данное известно только лишь ценителям, оно имеет место быть, и нет потребности влезать в глушь английского языка, чтобы дать определение этому феномену. Данная статья расскажет о становлении искусства фотографии в Советском Союзе и в России, и даст обзор о рынке фотографии. Какое наименование давать фото, если они не предусмотрены для иллюстрирования, журналов, рекламных растяжек, семейного альбома и любого иного бытового применения? Они в основном изображают эстетическую или умственную нагрузку, как в этих случаях могут представляться? Возможно, стоит назвать такое фото художественным. Термин «художественная фотография» очень часто используется, что порой кажется ругательством и режет слух.


Пример работы в стиле файн арт - фотография

Фотография не мгновенно заслужила свою роль в строю искусств. Невзирая на то, что в США, Европе и дореволюционной России с половины девятнадцатого века постоянно проводились экспозиции фотографий, и существовала лишь малая часть людей, которые олицетворяли фотохудожество, с независимым искусством. Фотография больше являлась, как дополнительный инструмент в науке и живописи, следовательно, в разделе “Fine arts” не имела возможность оказаться. И лишь когда на западе ей стали интересоваться частные галереи и коллекционеры, когда появилась винтажная, то есть авторская печать, а fine-art фотографы начали сужать тираж собственных творений, только тогда фото начало оцениваться как независимое искусство.

В начале двадцатого столетия фото предстают в галереях популярных музеев мира: Musйe d’Orsay, The Metropolitan Museum of Art. Фотохудожники начали работать не только лишь по заявкам издательств либо частных лиц, но и с целью индивидуальной реализации. В контексте маркетинга fine art фото породнилось с fine art живописью. Нужно уметь различать термин винтаж – это отпечаток с носителя (пленка, матрица), произведенный на бумажном носителе самим автором или под его контролем от понятия тираж – фото с лимитированным числом напечатанных фото. К примеру, в случае если около фото прописано 3/5, то в таком случае нужно обращать внимание на третье фото из имеющихся пяти.


Пример работы в стиле файн арт - фотография

Данные определения могут помочь понять, как формируется нынешний рынок fine art фото. Во – первых, имя и уровень популярности фотографа, а во – вторых, качество и тираж его фотокарточек. Например, деятельность германского фотографа Andreas Gursky дороже трудов британского фотографа Michael Kenna не только из-за различия в популярности, но из-за различия тиражей. Издание каждой фото Andreas Gursky десять штук. То есть каждое фото не более десяти экземпляров, обычно их шесть, в то время, когда у Michael Kenna тиражируется 50 экземпляров. В среднем работа Andreas Gursky стоит сотни тысяч долларов, а у Michael Kenna всего лишь пять тысяч.


Пример работы в стиле файн арт - фотография

В России Fine arts фотография долгий период времени была неактуальна. Горе тысяча девятьсот семнадцатого года в отношении культур отодвинуло государство на второй план в визуальном искусстве. Польза, которая являлась главным принципом во времена СССР, по – мимо всего искусства подчинила себе максимально фотографию. На выставках показывали успехи народного хозяйства, или исторические моменты партий. Деятельность фотографов считалась халтурой в изданиях и дополнительным заработком на свадьбах. Никто не знал, что за одну фотокарточку заграницей дают в несколько раз больше денег, чем русский фотограф мог заработать за всю жизнь. В Советском Союзе попросту отсутствовало понятие коллекционирование фото.

В настоящее время мало, что поменялось. Мало кто задумывается о том, что квартиру либо кабинет можно декорировать не плакатом из магазина мебели, а творением фото искусства, которое можно приобрести напрямую у автора или на выставке. Например, в США одна галерея приходится на тридцать тысяч человек, в то время как в России фотовыставки можно пересчитать по пальцам.

Но все же обстановка немного меняется. Популярных по всему миру фотографов позиционируют не только лишь в Столице и Питере, но и в иных крупных городах нашего государства. Отечественных фотографов все больше и они чувствуют себя частью современного искусства, занимаясь продажей своих фоторабот заграницей. Это лишь может означать, что через определенный период времени fine art фото придет в понимание жителей России. Не только как прием для декора помещений, но и отличный вид денежных вложений. Это и станет помощью молодым фотохудожникам для дальнейшей деятельности на поприще художественной фотографии.

02.11.2017 10806

перейти к разделам

Fine-art фотография - что это такое и c чего начать?

Цифровая фотография открыла людям новые возможности в творчестве. Сейчас любой человек, обладая современным фотоаппаратом или смартфоном, может создавать собственные фотоистории. Многим современным фотографам помимо запечатления момента в фотографии интересно привносить свое собственное видение, становиться художником момента. В этом случае можно говорить о таком направлении творчества как fine-art фотография.

На что стоит обратить внимание, создавая fine-art работы?

Видение художника и идея

Прежде чем приступить к процессу фотосъемки, следует заранее решить, какой посыл будет нести каждая фотография, какие мысли и чувства она должна вызвать у будущих зрителей.

Темой fine-art фотографии может стать все, что угодно, начиная от сложных политических вопросов или социальных явлений до милых домашних животных. Важным будет то, как фотограф и художник в одном лице раскроет ее, сможет ли удивить публику, не оставить ее равнодушной.

@ Татьяна Цыганова

Объект для съемки

Каким должен быть объект на фотографии?

Сложно не согласиться с утверждением, что верно подобранный объект съемки определяет как минимум половину успеха будущей работы. Это справедливо как в отношении неодушевленных предметов, так и людей, животных и т.д.  Интересные черты лица модели, нестандартное телосложение, необычные характеристики вещей могут стать хорошей приправой в fine-art фотографии.

@ Татьяна Цыганова

Техника исполнения

Работая над визуализацией своей идеи, создавая серию снимков, желательно пользоваться одинаковой техникой исполнения для формирования эффекта целостности работы. Авторский стиль всегда помогает фотографу выделиться среди своих коллег и занять достойное место среди других авторов.

@ Татьяна Цыганова

План фотосерии

Если перед фотографом стоит задача в подготовке серии фотографий, объединенных общей идеей, необходимо продумать, за счет чего произойдет это объединение.

При проведении выставок от автора требуется создать краткое описание своей работы, с какой целью и как она была создана, кто или что явился объектом съемки. Имея ранее план фотосерии, написание такого текста не составит большого труда.

Можно выделить несколько вопросов, которые fine-art фотографу следует задать себе перед съемкой:

  • Какая тема является для автора наиболее интересной
  • Какое послание будет нести каждая фотография
  • Кто или что станет объектом фотосъемки
  • Какую технику будет наиболее выигрышно смотреться в серии фотографий
@ Татьяна Цыганова

Подводя итог, хочется сказать, fine-art фотография — это фотография о самом авторе, максимально выражающая его мысли и чувства. Если вам нравится фотографировать и, при этом, вы хотите в каждом полученном изображении видеть что-то от себя самого, не теряйте времени и попробуйте fine-art.

Новости и уроки фотографии в соцсетях: Facebook, Вконтакте и Telegram

 

comments powered by HyperComments

Мнение: Ксения Милушкина о fine art фотографии


Если для фотографа важен не тренд, если он действительно так видит и чувствует, то его самого и его фотографию можно назвать настоящими.


Основы

Фотография — это не цвет, свет, композиция или поза, это произведение множества элементов, которые рождают единое целое. То, что заставляет тебя смотреть на нее снова и снова, искать и находить что-то свое. Любой вид искусства — это нечто субъективное, нельзя любить что-то, чего не понимаешь, не чувствуешь. Также и фотография. Если она заставляет зрителя чувствовать — значит, она задевает нужные струны внутри него и была создана не зря.

Я чаще всего отзываюсь на работы, сделанные в стиле fine art — будь то фотография или живопись. Этот стиль способен лучше других передавать пластику и объем, свет, мягкость линий, их гармонию и неконфликтность.

Что такое fine art фотография?

Fine art — не постановка и не репортаж. В классическом понимании fine art фотография вообще никак не связана с пленкой, свадьбой или декором. Это скорее техника использования света и цвета в кадре, построение композиции, расстановка доминирующих и слабых нот в общем рисунке. Словом, все то, что дает элементам в кадре звучать, как музыка.

Fine art — это умение делать простые вещи красивыми. Сегодня мы говорим о стиле fine art в свадебной фотографии, законодателем которого является Jose Villa. По крайней мере, он так утверждает. Спорить не будем, он действительно был первым фотографом, использующим это название для своих работ.

Что отличает этот стиль от других?

Прежде всего — внутренний вкус, чувство стиля, стремление к прекрасному и уровень визуального образования. Это гораздо важнее, чем найти нужный цвет или готовый пресет, ведь цвет — только один из элементов, его также нужно учиться чувствовать. Например, в репортажной съемке он не так важен. Цвет не влияет на жанр, только помогает идентифицировать автора. При этом в свадебной fine art фотографии есть свои стандарты, которые помогают зрителю сразу выделять такие снимки, и цвет и свет являются первичными визуальными признаками.

Обратная сторона

Конечно, тут же мы получаем обратную сторону такой стандартизации — отсутствие индивидуальности. То же самое произошло с популярными фильтрами vsco и стилем kinfolk — все стали одинаковыми. Поэтому фотографу надо учиться прыгать выше этих стандартов и выделяться другими качествами — вкусом, чувством стиля – т.е. вторичными признаками, которые и станут его отличительной чертой. Снимает он при этом на пленку, на цифру или на спичечный коробок, уже не имеет значения.

Стиль вне времени

Многие думают, что свадебный fine art — это определенные позы и статичность. Полагаю, что такое мнение формируется из-за многочисленных стилизованных съемок, которые очень похожи друг на друга. Получить достойный результат в стерильных условиях гораздо проще: профессиональные модели, декораторы, время и место с хорошим светом – и даже свадебным фотографом быть необязательно.

Это обратная сторона жанра — визуально его легко скопировать. Хотя подготовка к действительно вдохновляющим стилизованным съемкам бывает порой такой же длительной и кропотливой, как и подготовка к свадьбе. Это большая работа и благодаря таким съемкам повышается свадебная культура, невесты и вендоры свадебной индустрии черпают в них свое вдохновение. Ведь fine art фотография — это квинтэссенция запросов большинства невест, и я бы назвала этот стиль идеальным для свадебной съемки, стилем вне времени.

fine art стиль и fine art свадьба Что такое Fine Art фотография

Теплова Жанна - fine art фотограф в Москве и по всему миру

 

Я рисую светом, для меня это форма изобразительного искусства, в основе которой лежит съемка с естественным светом, светлая, воздушная фотография, художественность и гармония кадра, мягкость, определенная эстетика.

Я снимаю на цифру и на пленку. Зачем сейчас снимать на пленку? Магия самой плёнки в неповторимом цвете и глубине кадра. Почему я люблю пленку в отдельной публикации http://www.warmphoto.com/blog/warmphoto-pochemu-ja-ljublju_plenku

Живу в Москве, фотографирую по всему миру.

Конечно, свет в России сильно отличается от Калифорнии и Италии, но и при данных световых условиях можно получить прекрасные кадры. Больше света и тепла.

Как fine art фотограф я специализируюсь на свадьбах с выездной регистрацией, камерных свадьбах и свадьбах за границей. Именно таким свадьбам больше всего подходит fine art стиль.

 

Моя цель - раскрыть на фотографиях чувства пары, рассказать их историю любви в теплых, нежных кадрах. Fine art фотография - это управляемый репортаж, кадры, которые будут радовать вас долгие годы и никогда не выйдут из моды.

 

Мне близок американский свадебный стиль: уютные сборы невесты в гостинице или на улице, трогательные и красивые выездные регистрации в живописных местах или уютных залах, элегантность, простота декора, съемка прогулки на закате, много воздуха и света в кадре.

 

Fine art свадьба — съемка в высоком ключе,  акцент на классических кадрах вне времени. 

Я уделяю равное внимание и деталям, и портретам, и репортажу. На первой встрече я всегда рассказываю паре, что нужно, чтобы получить фотографии в стиле Fine Art, чем больше пара мне доверяет и прислушивается к моему мнению, тем лучший результат получается в итоге.

 

Важный совет для невест: обязательно прислушивайтесь к тем специалистам, которым вы доверяете свой день. Если вы хотите получить именно те фотографии, которые видите в портфолио фотографа, будьте готовы подстраивать свой тайминг под свет, от которого как раз и зависит красивейшая файн арт-фотография.

 

 

Стиль Fine art в свадебной фотографии

Сегодня хотим поговорить с вами о стиле в свадебной фотографии Fine art. В основе Fine art лежит съёмка на плёнку при естественном освещении с обилием света, воздухом в кадре, мягким фокусом. Некоторые сравнивают стиль Fine art с живописью и говорят, что ближе всего к нему акварель. Сейчас к этому стилю добавилась и цифровая фотография, обработанная под пленку. Его основателем является американский фотограф Jose Villa (Хосе Вийя). В 2011 году Jose Villa выпустил книгу "Fine art weddings photography. How to capture images with style for the modern bride". Это элегантная классическая фотография, которая останется актуальной и через десятки лет.

Instagram Jose Villa

  

  

  

Ни одна цифровая камера не может передать тот волшебный цвет, свет и атмосферу, которые передает пленка. Пленка дарит ощущение легкости, позволяет рассмотреть фактуры и текстуры так, словно докоснувшись до фото вы можете ощутить атмосферу места и настроение героев.
Наши любимые иностранные Fine art фотографы - Elizabeth Messina, KT Merry и Erich McVey

Фотография на пленку - это целый процесс создания произведения искусства, с которым может справиться не каждый. Когда у тебя есть считанные кадры и ты обязан словить тот самый момент. В каждом снимке отражается душа автора: от создания кадра и до момента вручения готовых фотографий молодожёнам. Ведь фотография оживает только в готовых снимках!

В Украине также есть фотографы, которые снимают в этом стиле. К примеру, Артем Онещак, Константин Захарий и Мария Грицак, Полина Илченко, Маша Голуб, Маша Конишевская, Надя Василенко, Паша Лутов, Оксана Шокаленко.
Вот что они говорят о Fine Art.

Маша Голуб, фотографирует в стиле Fine Art 3 года
«Fine Art направление - это не только фотография в светлом ключе,как многие могут предполагать, а - в первую очередь творческий бизнес-подход, начиная от презентации первого предложения, завершая отдачей готового материала в эстетическом виде, присущем данному направлению. Для меня каждая фотография должна быть в первую очередь ценной, поэтому Fine Art я трактую как «создание художественных фотографий вне времени».

Instagram Маши Голуб

  

  

 

Оксана Шокаленко, снимает 5 лет
«Я никогда не задумывалась о стиле в котором я снимаю. Скорее всего, это происходит на интуитивном уровне, то как я вижу людей, их взаимоотношения и эмоции. Словом, показать простые вещи красивыми и настоящими. Для меня fine art - это гармоничная композиция передающая мягкость света и наполненность кадра. Это фотография, в которую хочется всматриваться и находить в ней свой смысл. »

Instagram Оксаны Шокаленко

  

  

  

 

Павел Лутов, фотографирует 4 года
«Когда мы мы говорим о направлении Fine art photography, я  хочу донести, что это прежде всего о высоком художественном уровне работы фотографа в целом. То как фотограф общается с клиентом, как преподносит свои работы, как проходит коммуникация на каждом этапе работы и даже то, как выглядит результат. Все это файн арт для меня. Главный смысл направления для меня - донести то, что фотограф - художник, а его работы несут художественную ценность. Это понимание и философия воспитывает культуру свадебной фотографии и свадебного рынка в целом. Я никогда нигде не указываю, что я Fine art фотограф (вы не найдете это название ни на одном моем ресурсе). Fine art - это одно из направлений, которым я вдохновляюсь, наравне с life style фотографией, фешн фотографией и другими направлениями. Для меня фотография - это прежде всего видение и ощущение мира. Мои кадры наполнены цветом и светом из моего детства, многое сформировалось еще тогда. Они пронизаны восприятием того, каким мир я вижу или хочу видеть.  На данном этапе инструмент пленка максимально точно передает ту картинку, которую я представляю у себя в голове. Но это инструмент одна из составляющих, который формирует мой стиль.  »

 

Instagram Павла Лутова

  

  

  

  

 

Константин Захарий и Мария Грицак уже десять лет снимают вместе необыкновенные свадьбы. Их фотографии пропитаны любовью и нежностью, в них столько воздуха и чувств! Ребята работают в стиле Fine art, путешествуют по миру и снимают на пленку. Костя говорит, что если устроить вечеринку и собрать все пары, то будет около 500 человек ))

Instagram Константина Захария

  

  

 

Как упаковать свадебные фотографии в стиле Fine art? Конечно зависит от того, что вы отдаете своим клиентам. На самом деле вариантов может быть несколько, но в любом из них это будет флешка с фотографиями. Так как стилю Fine art характерны мягкие цвета, легкие текстуры, идеальным решением будет стеклянная флешка. Фотографии можно положить в конверт или коробочку с атласной лентой, а фотокниге идеально подойдет бокс. Стилю Fine art идеально подходят светлые цвета, тиснение золотом или серебром, каллиграфия, калька, сургучная печать пастельных оттенков.

Дальше все зависит от того, отдаете ли вы распечатанные фотографии или фотокнигу. Пленочная фотография - это настоящий путь, в котором есть душа, вдохновение и эмоции, каждый плёночный кадр - уникален, как уникальна и история каждого фотографа.

  

  

   

 

Перейти в магазин упаковки для фотографов

Что такое концептуальное искусство? (Развитие и эволюция)

Истоки концептуального искусства

Хотя концептуальное искусство было впервые определено в 1960-х годах, его происхождение восходит к 1917 году, когда Марсель Дюшан купил писсуар в магазине сантехника и представил его в виде скульптуры. на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, на которую он входил в отборочную комиссию. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство. Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917. Фотография Альфреда Штиглица

Fluxus

В начале 1960-х годов термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus - это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия.Среди известных художников Fluxus - Йоко Оно, которая активно участвовала в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда , а именно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его факторов. Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

черных картин Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х - начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию черных картин , которая обозначила решающий момент разрыва между практиками модернизма и контрмодернизма.Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство. Это была атака на модернизм, которая породила нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизму действительно пришел конец.

Параграфов концептуализма Сола Левитта

Статья Сола Левитта 1967 года «Параграфы концептуального искусства» в Artforum была одним из самых важных произведений концептуализма. В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение - дело формальное. Идея становится машиной, создающей искусство ».

F amous Художники концептуального искусства

Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое движение начало появляться в конце 1960-х годов. В 1967 году Джозеф Кошут организовал в Нью-Йорке выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art , на которых были представлены работы самого Кошута и Кристины Козлов.В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут написал: «Настоящие произведения искусства - это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дискуссии о статусе современного искусства - «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Джозеф Кошут, Четыре цвета, четыре слова (синий, красный, желтый, зеленый), 1966. Фото любезно предоставлено Widewalls

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group исследовала последствия предложения большего и более сложные объекты как произведения искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Шесть лет Люси Липпард

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, - даже самим художникам.

Концептуализм в Европе

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто была гораздо более политизированной.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бурен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его цель заключалась не в привлечении внимания к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым контекстом искусства, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сфокусировавшись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Концептуализм в

Латинской Америке

В Латинской Америке художники предпочитали в своей работе более прямой политический отклик, чем концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш вновь представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и таким образом возвращая их в систему.

Концептуализм в

Советском Союзе

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-х годах, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Современное концептуальное искусство и концептуализм

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Деталь инсталляции Барбары Крюгер в Мельбурне

Когда мы исследовали сложную и обширную историю и современность концептуального искусства, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон - взять на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их помещали в коробку с концептуальным искусством, как они презирали, когда их помещали в любую коробку. Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые какое-то время вращались по схожей орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.


Часто задаваемые вопросы о концептуальном искусстве


Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а исполнение - более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.


Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Для него характерно использование различных носителей и опор, а также различных временных повседневных материалов и «готовых предметов».


Кто отец концептуального искусства?

Марсель Дюшан известен как основоположник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Подробнее об художественных движениях и стилях на протяжении истории здесь
Пьеро Манцони и его Merda d’Artista: Может ли дерьмо быть искусством и кто решает?
Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о концептуализме на сайте Tate Publishing

Направление искусства: футуризм | Artland Magazine

Определение футуризма: что такое футуризм?

Футуризм - это итальянское направление в искусстве начала 20 века, целью которого было передать динамизм и энергию современного мира в искусстве. Футуристы хорошо разбирались в последних достижениях науки и философии, особенно увлекались авиацией и кинематографом. Художники-футуристы осуждали прошлое, поскольку они чувствовали, что вес прошлых культур был чрезвычайно подавляющим, особенно в Италии, и вместо этого предлагали искусство, прославляющее современность, ее промышленность и технологии.

Ключевой период: 1908 - 1944
Ключевые регионы: Италия
Ключевые слова: движение, динамизм, современность, промышленность, технологии, скорость
Ключевые художники: Филиппо Томмазо Маринетти, Умберто Боччони, Карло Карра, Джакомо Балла, Джино Северини, Луиджи Руссоло, Бенедетта Каппа, Антонио Сант'Элиа

Истоки футуризма

В 1908 году итальянский поэт Филиппо Томмазо Маринетти свернул, пропустив велосипедиста, и разбил свою машину в канаве.Опыт сравнения старого велосипеда с современным автомобилем вдохновил его на написание манифеста футуризма, движения, которое покорит ностальгию и традиции. К 1910 году к движению Маринетти присоединились молодые художники Умберто Боччони, Карло Карра и Луиджи Руссоло. Они предположили, что футуризм может выйти за рамки только литературы и поэзии, и три художника написали Манифест художников-футуристов. Они отправили это своим коллегам Джино Северини и Джакомо Балла, которые подписали манифест. Вместе эти художники составили ядро ​​художников-футуристов.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Ключевые идеи футуризма

Футуристы стремились отбросить то, что, по их мнению, было устаревшими, традиционными представлениями об искусстве. Вместо этого они хотели заменить это энергичным празднованием века машин. Основное внимание было уделено представлению динамичного видения будущего. Таким образом, они часто изображали городские пейзажи и новые технологии, включая поезда, автомобили и самолеты. Они прославляли скорость, насилие и рабочий класс, веря, что продвинут перемены.

Чтобы достичь движения и динамизма в своем искусстве, футуристы разработали техники для выражения скорости и движения. Эти техники включали размытие и повторение. Они также использовали силовые линии - метод, который они переняли у кубистов. Футуристы работали с широким спектром форм искусства, включая живопись, архитектуру, скульптуру, литературу, театр и музыку.

Известные футуристы

Основными деятелями футуризма в изобразительном искусстве были Умберто Боччони, Джакомо Балла, Карло Карра и Джино Северини.

Известные произведения футуризма

Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в космосе (1913)

Пожалуй, самое культовое произведение футуризма из когда-либо созданных, Уникальных форм непрерывности в космосе Умберто Боччони -Куб. »Фигура шагает вперед. Кажется, что мощные ноги фигуры движутся вперед, движимые такими силами, как ветер и скорость. Эту машину современного человека можно рассматривать как аллегорию стремления Италии определить себя как современную нацию.

Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в космосе, 1913. Предоставлено MoMA

Джакомо Балла, Динамизм собаки на поводке (1912)

Динамизм собаки на поводке - самая известная работа Баллы , и показывает таксу на поводке и ноги дамы, шагающей по ней быстрым движением. Балла добился этого движения за счет размытия и увеличения их ног и ступней.

Джакомо Балла, Динамизм собаки на поводке, 1912. Предоставлено галереей Олбрайт-Нокс

Карло Карра, Похороны анархиста Галли (1910–11)

Похороны анархиста Галли - это один из самых известных произведений Карры.Анджело Галли, анархист и профсоюзный организатор в Милане, был убит полицией во время забастовки в 1904 году. Поскольку они опасались, что похороны Галли превратятся в политическую демонстрацию, государство направило полицию, чтобы помешать анархистам войти на кладбище. Когда они оказали сопротивление, полиция ответила силой, и началась драка. Карра стал свидетелем этого события и запечатлел на этой картине интенсивность и хаос сцены, а также быстрое движение.

Карло Карра, Похороны анархиста Галли, 1910-11.Courtesy MoMA

Джино Северини, Танцовщица на Пигаль (1912)

Танцовщица Джино Северини изображена в центре картины и состоит из динамичных пересекающихся линий и завихрения ткани. Концентрические круги выходят наружу к краям картины, и каждый круговой слой содержит фрагментарные изображения музыкантов, инструментов и зрителей. Это сделано для того, чтобы передать суть и динамизм выступления.

Джино Северини, танцор на Пигаль, 1912 год.Courtesy MoMA

Футуристическая архитектура

Итальянский архитектор Антонио Сант’Элиа воспринял двойные идеалы механизации и движения, предложив видение современного города в форме гигантской машины; он назвал его Città Nuova («Новый город»), что вполне соответствовало контексту. Этот утопический футуристический город, спроектированный между 1912 и 1914 годами, представлял собой обширный, многоуровневый, взаимосвязанный городской застрой, где массивные небоскребы были объединены лифтами, мостами и надземными переходами в постоянно развивающийся искусственный ландшафт.
Как это ни парадоксально, Сант’Элия, как и многие другие футуристы, рассматривал войну как средство разрушить старый мир и построить желанное будущее. Однако именно энтропия войны разрушила их иллюзии, разрушив не только социально-экономические условия, необходимые для реализации таких грандиозных планов, но и ее главных героев - Сант'Элия сам был убит в битве в возрасте двадцати лет. восемь, в которых почти не осталось завершенных архитектурных работ.

Антонио Сант’Элиа, Новый Город , 1914

Блог Саатчи Арт

История искусств 101

17 ноября, 2016 Автор: Эвангелин Делакэр

Вы когда-нибудь задумывались, что на самом деле означает термин «изящное искусство»? Хотя современная семантика может отличаться, читайте дальше, чтобы узнать об историческом происхождении этой фразы.

Понятие «искусство ради искусства» возникло на рубеже 19-го века, когда художники стали все более склонны использовать искусство как свободу выражения, а не документировать и представлять исторические и культурные события. Дополняя это понятие, термин «изобразительное искусство» использовался для различения произведений художников, которые были единственным средством творческого самовыражения, от произведений, созданных по заказу, или предметов с утилитарными функциями, которые попадают в категорию ремесленного или декоративного искусства.

Прочтите, чтобы узнать больше об истории изобразительного искусства и его современном использовании…

Исторически изобразительное искусство включало живопись, скульптуру, архитектуру, музыку и поэзию. Произведения изобразительного искусства, особенно живописи и скульптуры, созданы в первую очередь из эстетических соображений и из врожденного стремления к художественному выражению. Некоторые из самых известных и выдающихся произведений искусства - «Статуя Давида» Микеланджело, «Мона Лиза» Леонардо да Винчи, «Портрет Адели Блох-Бауэр» Густава Климта - технически не считаются искусством . , так как все они заказаны меценатами.

Возникнув на пороге романтизма, художественного движения XIX века, сосредоточенного на красоте и возвышенных, а не классических структурах прошлого, художников и произведений искусства стремились отделиться от создания утилитарных произведений. Одним из первых произведений искусства, считающихся изобразительным искусством, является «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» американского художника Джеймса Эбботта МакНила Уистлера, который использовал цвет и настроение, чтобы передать абстракцию сцены, практика, не получившая широкого распространения в искусстве. круги в то время.

С приходом модернизма изобразительное искусство стало не столько эстетикой, сколько маркером изысканного вкуса, и переключилось на более широкие представления об искусстве. На фоне этого сдвига возникло и авангардное движение, в котором концепция и интеллектуальная цель ставились выше эстетики . Современные работы, такие как «Фонтан» Марселя Дюшана и «Звездная ночь» Винсента Ван Гога, соответствуют определению изобразительного искусства, поскольку они выражают истинные намерения художников без ограничений, налагаемых покровителем.

Сегодня определение изобразительного искусства расширилось и включает еще несколько категорий, таких как кино, фотография, концептуальное искусство и эстамп.

Любите читать обо всем, что связано с искусством? Вы можете получать статьи из Canvas, тщательно отобранные коллекции и рассказы о начинающих художниках прямо на ваш почтовый ящик. Подпишитесь на информационный бюллетень Saatchi Art .

Об авторе

Эвангелин Делакаре - заместитель куратора Saatchi Art.Нужна помощь в поиске произведений искусства? Свяжитесь с ней через нашу бесплатную консультационную службу по искусству по адресу saatchiart.com/artadvisory.

Об истории искусства 101

Узнайте о художниках, движениях и тенденциях, стоящих за вашими любимыми стилями искусства - от классики до современного, и узнайте обо всем, что между ними, включая уличное искусство, поп-арт, импрессионизм и абстрактный экспрессионизм.

Изучая 9 лучших стилей современного искусства и их характеристики

от Художественной галереи Виртосу

14 октября 2020 г.
Если вы новичок в мире искусства, у вас, вероятно, есть много вопросов о видах искусства и о том, как интерпретировать искусство.Когда дело доходит до современного искусства, бывает сложно дать определение, потому что оно включает в себя широкий спектр концепций, тем и предметов. Современное искусство - это искусство, которое создается и создается исключительно художниками современного общества. Этот художественный стиль обычно изображает картины, скульптуру, фотографию, инсталляцию, перформанс и видеоарт. Современные художники работают в широком диапазоне культурно разнообразных, многогранных и технологически продвинутых сред. Современное искусство вдохновляет и радует глаз.Этот особый художественный стиль позволяет зрителям вдохновить и понять видение художника, чтобы стать лучшей версией себя. Современные художники пытаются исследовать личную и культурную самобытность в своей работе. Работая в самых разных средах, современные художники изо всех сил стараются отразить сложные проблемы, которые существенно влияют на современный быстро меняющийся мир. Зрителю сложно понять современное искусство. Иногда вы видите картину, составленную из случайных линий, форм и красочных узоров, или скульптуру в виде стальной булавки.Если вы хотите узнать о различных стилях современного искусства, определить другие произведения искусства и понять послание и чувства, выраженные на холсте. В этом посте рассказывается о 9 лучших стилях современного искусства, которые помогут вам быстро разобраться в произведениях искусства.

1. Абстракционизм

Абстрактное искусство происходит из неестественных объектов, таких как геометрические узоры, формы и форматы. Этот вид искусства основан на пейзажах и фигурах и изображает простоту, духовность и чистоту. Абстрактное искусство - это цвета, линии, текстуры, узоры, композиции и процессы. Вот почему абстрактное искусство известно как необъективное искусство или конкретное искусство, которое обычно включает нерепрезентативную работу. Уже более века абстрактное искусство здесь, чтобы вдохновлять зрителей. Одно из лучших достоинств абстрактного искусства - это то, что оно открыто для интерпретации; все, что вам нужно, чтобы иметь открытый, любознательный ум, готовый исследовать произведения искусства.

2. Фигура изобразительного искусства

Фигуративное искусство описывает современное искусство, которое искренне изображает проблему реального мира, используя человеческую фигуру. Конечная цель этого вида искусства - обеспечить реалистичное изображение жизни с использованием иллюзорных характеристик.В мире современного искусства этот художественный стиль также можно использовать с другими видами искусства, такими как минимализм, кубизм и абстрактное искусство, для создания шедевров. В настоящее время изобразительное искусство, изображающее человеческие фигуры или животных, обычно используется для разграничения репрезентативной работы и абстрактного искусства. Известные художники веками использовали фигуративное искусство в своих произведениях для изображения интеллектуальных концепций. Некоторые использовали для изображения реальных предметов, в то время как другие художники использовали для выделения культурных ценностей в виде скульптур, картин и портретов.

3. Геометрическое искусство

Как следует из названия, геометрическое искусство представляет собой различные формы, углы, линии, точки и элементы, полностью вдохновленные геометрией. Этот стиль современного искусства использует широкий спектр геометрических форм, таких как круг, квадрат, треугольник и прямоугольники, для создания сложных форм и объектов. Геометрические рисунки бывают разных типов, размеров и форм.

4. Минималистское искусство

Минимализм - это вид абстрактного искусства, в котором используются разные геометрические формы, например квадрат, прямоугольник.Основная идея использования этого вида искусства - изображать действительность без подражания. Он представляет различные аспекты реального мира, такие как пейзажи, людей, переживания, эмоции и чувства. Минималистские произведения искусства изображают в высшей степени очищенную форму красоты, простоты, правды и гармонии.

5. Натюрморт

Тем не менее, искусство жизни - один из основных видов западного искусства, которое представляет собой натюрморты и мертвые скульптуры. Этот тип произведений искусства включает почти все типы искусственных или природных объектов, таких как фрукты, овощи, продукты питания, игры и другие неодушевленные предметы.В современном искусстве натюрморты используются для изображения празднования материальных удовольствий и напоминания зрителям о краткости человеческой жизни.

6. Типографика

Типографика - это стиль современного искусства, в котором используются существующие и современные шрифты для упорядочивания текста и надлежащей передачи сообщения - в основном, шрифтовые дизайнерские буквы алфавитов, которые выражают определенные приемы, чувства и идентичность бренда. Типографское искусство - один из наиболее важных аспектов современного художественного дизайна, используемого в индустрии печати и веб-дизайна.

7. Поп-арт

Поп-арт - одно из самых известных художественных достижений, возникшее в результате реакции на коммерческую культуру, средства массовой информации и потребительство. В этом типе произведений искусства художники используют обычные предметы, газеты, комиксы, банки для бутылок, дорожные знаки и другие популярные коммерческие предметы в мире, чтобы передать свое послание. Художникам разрешается включать в свои работы имена, логотипы и изображения знаменитостей. Художники имеют полную свободу черпать вдохновение из любого источника или объекта.Зрители могут легко узнать поп-арт благодаря его уникальным характеристикам, которые обычно присутствуют во многих знаковых направлениях искусства. Яркие, яркие цвета обычно используются в произведениях поп-арта. Художники могут использовать элементы юмора и иронии, чтобы передать сообщение. Многие поп-артисты максимально используют эстампы для копирования изображений в больших количествах. Современные художники используют различные материалы и различные типы средств массовой информации для представления своей работы.

8. Сюрреалистическое искусство

Сюрреализм - это художественное и философское направление, которое процветало в Европе в период между Первой и Второй мировыми войнами.Искусство сюрреализма в основном сосредоточено на исследовании иррациональных и подсознательных представлений. Художники-сюрреалисты любят экспериментировать с разными языками и предметами, чтобы передать свои усвоенные мысли. Сюрреалистическое искусство обычно изображает невероятную графику и проактивные образы.

9. Скульптура Искусство

Скульптурное искусство - это трехмерное искусство, состоящее из четырех основных процессов: резьбы, моделирования, литья и конструирования. Резьба - это скульптурная техника, в которой используются различные инструменты для создания формы путем вырезания твердого материала, такого как дерево или камень.В процессе литья художники должны слепить форму, а затем залить жидкий материал. На этапе моделирования художники создают формы, используя мягкий материал, например глину или воск. Последний этап конструирования и сборки включает в себя сгибание, складывание, сшивание, сварку, ткачество и другие методы создания скульптур. Эти техники используются для создания скульптур из самых разных предметов и материалов.

добавить

Об авторе Муниб Кадар Сиддики (Muneeb Qadar Siddiqui) - эксперт по цифровому маркетингу из компании по разработке программного обеспечения из Далласа.Он помог улучшить их навыки цифрового маркетинга, а также помог многим узнать о разработке программного обеспечения на заказ.

Полное руководство по различным художественным средам - ​​ARTDEX

«Тот, кто работает руками, головой и сердцем, есть художник» - Святой Франциск Ассизский

На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения.Художники всегда выбирали концепции и техники, соответствующие их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, который использовался для рисования на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь к внедрению современных технологий в создание искусства.

Наш полный справочник по художественным средствам проинформирует вас о различных художественных материалах, которые люди использовали в течение долгого времени. Это также укажет на то, на чем вы должны сосредоточиться при выборе идеального носителя для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать наиболее подходящую для вас художественную среду, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.

Фрагмент из "Идеализированного портрета дамы" (1480 г.), яичная темпера на панно из тополя, работы САНДРО БОТИЧЕЛЛИ (1445-1510) | Источник: artyfactory.com

Различные типы традиционной живописи и стилей рисования

Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования, средства рисования и инструменты рисования требуют отдельного раздела в любом исчерпывающем руководстве по различным средствам искусства. Есть множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.

Темпера

Темпера - это термин, обозначающий краску, смешанную со связующими материалами, такими как яичный желток, и описывает стиль рисования и художественную среду.Этот материал делает темперу быстросохнущей и долговечной художественной средой, о чем свидетельствуют работы темперы, относящиеся к I веку нашей эры

.

Масляная живопись

Это традиционная художественная техника, которая начала признаваться в качестве художественной среды в Европе 15 века. Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, благодаря которому они сохнут медленнее, чем другие. Продолжительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественной среды. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или нарисовать другую сцену в целом, добавив еще один слой краски на холст.

Акриловая краска

Что касается времени высыхания, акриловые краски сохнут быстрее, чем масляные краски, и после высыхания они становятся водостойкими. Однако вы можете растворить акриловую краску водой перед тем, как нанести ее на холст, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим произведениям, усиливая глянцевитость и придавая им глубину. Или они могут добавить воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.

Акварель

Использование акварельной краски в качестве художественного средства может быть сложной задачей для начинающих в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за кажущейся бесконечной цветовой палитры. После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Однако акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для фиксации смены света.

Древесный уголь

Это один из старейших художественных средств рисования. Угольные палочки сделаны из порошкообразного органического материала, связанного воском или жевательной резинкой. Углем можно делать бледные или сильные, выразительные линии. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить фиксирующие средства на рисунки углем, чтобы обеспечить долговечность произведениям искусства.

Пастель

Эти художественные среды состоят из красочного пигмента, аналогичного масляным краскам, и связующего материала. Использование пастели в рисовании и живописи стало популярным в 18 веке.Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от желаемого эффекта. Например, мягкая пастель отлично подходит для смешивания, в то время как вы используете твердую пастель для создания резких контуров или набросков более крупной композиции. Существуют также панастели, современная версия этой художественной среды, наносимая мягкой губкой. Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цветов, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.

Мел

Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования с эпохи палеолита. Художественный мел обычно бывает трех вариантов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черные мелки содержат мягкий черный камень, белые - из известняка, а сангина - красную охру. Мел изначально использовался для создания эскизов, но в эпоху Возрождения стал независимым художественным средством.

Карандаши графитовые

Они использовались в качестве художественного средства с XVII века во Франции.Вы можете использовать графит для рисования, обводки или штриховки. Существуют графитовые карандаши различной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобный художественный носитель, потому что он позволяет переделывать вашу работу, стирая части рисунка или всю работу.

Карандаши цветные

В детстве все использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки проявить себя творчески. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального художественного средства.Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства благодаря многочисленным преимуществам, которые они предлагают. Рисунки цветных карандашей выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.

Перо и чернила

Это также знакомый художественный носитель, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественные формы, такие как рисунок пером, рукописные надписи и каллиграфия.Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для рисования, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила - мощное, но неумолимое средство для рисования, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования чернилами, прежде чем вы начнете с ними творить. Что делает рисунки, выполненные пером и тушью, такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных чернилами пространств на бумаге.

Сейчас мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие виды художественной среды художники использовали на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.

Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони (1912-1913) под разными углами, через zbrushcentral.com | Источник: antheamissy.com

Эволюция трехмерного искусства

Наиболее распространенное определение трехмерного произведения искусства - это произведение искусства, которое можно наблюдать по высоте, ширине и глубине. С незапамятных времен люди создавали скульптуры с использованием различных концепций, техник и художественных материалов. Инсталляции, перформанс и декоративное искусство также попадают в эту категорию вместе со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.

Самым древним произведением трехмерного искусства является скульптура Венеры Берехат Рам. Эта вырезанная из камня фигура датируется 230000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одним из множества подобных фигурок, разбросанных по Европе. Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.

Три стандартных типа скульптур, которые признает мир искусства:

  • Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обходя ее.
  • Барельеф - это когда форма вырезана так, что она немного выделяется на фоне исходного материала
  • Горельефные формы вырезаны, чтобы выделяться на фоне.

Самыми традиционными художественными средами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.

Резьба - вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до получения желаемой формы.

Литье - заливка жидкой художественной среды, такой как железо, в специально разработанные формы для создания частей большой скульптуры.

Моделирование - манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и их затвердевание до нужной формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.

Строительство - это творческий процесс, в котором художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы удерживать элементы вместе.

Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства. Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании художественных изделий из стекла, определяют их тип. Многие художественные формы из стекла включают использование методов горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литое стекло.Как следует из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму, выдувая или отливая в формы.

Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в духовке или печи. Два доминирующих метода изменения формы теплого стекла - это опадание и сплавление.

Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Стекло можно шлифовать, полировать или выгравировать, чтобы добиться желаемого эффекта. Существует также техника травления, которую вы можете применить в искусстве стекла, чтобы изменить текстуру стекла.Вы можете добиться этого с помощью пескоструйной обработки или кислотного травления.

Еще одна из этих современных версий - искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Например, художественные инсталляции могут быть посвящены политике, правам человека или окружающей среде. Самым распространенным является искусство световых инсталляций, где свет и скульптура сочетаются для создания великолепного художественного эффекта.

Артисты, занимающиеся исполнительским искусством, используют свои тела или тела других участников как идеальное средство выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального сообщения аудитории.

Слева: Пабло Пикассо - Макет для гитары, 1912 г. / Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в МоМА | Источник: widewalls.ch

Техники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение

Искусство продолжает развиваться, принося на сцену многочисленные авангардные художественные движения. Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные среды, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.

Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать все и вся для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак первыми использовали различные материалы и предметы повседневного обихода для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров искусства смешанной техники.

  • Коллажи - это произведения искусства, которые вы создаете, комбинируя различные материалы, такие как бумага, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства. Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства в Интернете.
  • Assemblage - это трехмерная версия искусства смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, восприняли это как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, которое стало широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
  • Найденные объекты - это форма смешанной техники, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
  • Измененные книги Техника включает в себя физическое изменение книги и ее использование в качестве средства художественного творчества. Вы можете вырезать страницы из книги, чтобы изменить ее, или можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
  • Художественный дневник представляет собой способ обогатить ваши записи о различных событиях, воспоминаниях и мыслях, добавив к ним художественного акцента. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и техник в журнале смешанного искусства или вы можете активизировать свою игру и начать со смешанного ведения журнала, также называемого нежелательным журналом.Эта версия ведения художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или изображения из журналов. Вы можете использовать различные переработанные предметы в качестве подсказок художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала о цифровом искусстве, если вы страстный поклонник цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании искусства.

Фотография как искусство

С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды революционных социальных изменений.

Развитие технологий предоставило людям множество возможностей для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. Художники имеют возможность повлиять на окончательную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и задавая параметры кадрирования и времени, прежде чем они сделают снимок. Фотографическое оборудование и методы, используемые в творческом процессе, во многом зависят от предмета, тона и оригинального впечатления, которое художник хочет достичь своей работой. Например, художники-портретисты, которые сосредоточены на съемке отдельных объектов, предпочтут более крупные камеры с малой глубиной резкости, чтобы сохранить фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.

То же самое касается работы с черным и белым, а не с цветами. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, выделяя линии, текстуру и тон.

  • Документальная фотография направлена ​​на то, чтобы запечатлеть важные моменты истории или повседневной жизни, которые будут точно изображать эпоху.Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
  • Пейзаж возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируют природные и городские окрестности и используют методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
  • Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот художественный стиль фотографии заменил портретную живопись как гораздо более быстрый и доступный способ запечатлеть чье-то изображение.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
  • Фотография обнаженной натуры восходит к изобретению этой художественной среды, и фотографы обнаженной натуры изначально хотели вызвать классический идеал красоты, изображая своих объектов в образе нимф или древних героев. В отличие от этого, обнаженные авангардисты представляли человеческое тело как независимую сущность, свободную от всех условностей искусства.
  • Цифровая фотография появилась вместе с развитием цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.

Artist Refik Anadol использует большие коллекции данных и алгоритмы машинного обучения для создания завораживающих и динамичных инсталляций. | Автор Wired на YouTube

Передовые технологии позволяют создавать необычные художественные материалы

Это время беспрецедентного прогресса в цифровых технологиях. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах, когда появились первые образцы цифрового искусства. Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но революционным событием, открывшим новые миры для цифровых художников, стало появление и расцвет Интернета в девяностые годы. Это позволило художникам создать свое искусство и представить его мировой аудитории с помощью различных платформ социальных сетей.

В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою озабоченность по поводу значительных проблем.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных идей и создания незабываемых художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные среды в качестве средств художественного выражения.

Заключительные слова

Мы составили это полное руководство по различным средствам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных средств искусства на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на важных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете поиск идеального носителя для своих произведений искусства. Делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим новое художественное выражение, вам нужно мудро выбрать среду.

Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите передать миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание искусства должно приносить радость и удовлетворение художнику, а не заставлять его постоянно бороться.Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной идентичности.

10 лучших способов улучшить свое искусство

Мы всегда стремимся стать лучшими художниками. Свести эту большую тему в список 10 лучших было нелегкой задачей! Вкратце, я делюсь способами улучшения вашего искусства, на сборку, изучение и исполнение которых у меня ушла целая жизнь… и я все еще учусь и расту.

Ниже приведены мои 10 лучших способов улучшить свое искусство. Эти принципы могут быть применены ко многим различным художественным жанрам, включая реалистичную живопись, абстрактную живопись, фотографию, ткачество, ремесло, дизайн и многое другое.

Надеюсь, этот список будет вам полезен. ~ Лори

10 лучших способов улучшить свое искусство Лори

1. Создайте вдохновляющую рабочую среду

Это может показаться очевидным, но мы - продукт своего окружения. Поэтому, если ваше окружение темное, загроможденное, пыльное, тесное или грязное, как вы можете создавать и улучшать свое искусство? Вы не можете работать и творить в лучшем виде, когда вам неудобно и неловко.

Очищайте, организуйте и не загромождайте свое творческое пространство в конце каждого рабочего дня, чтобы вы были готовы сосредоточиться на своем творчестве.Вымойте кисти; разложите отдельные бумаги, книги и другие материалы. Это имеет большое значение для улучшения вашего творчества, эффективности и искусства.
Используйте хорошее освещение. Тип освещения, его интенсивность, цвет и направление - все это влияет на визуальное представление художника. Вам нужна лампа, которая дает «естественный свет» и имитирует естественный северный свет.

2. Обдумайте концепцию, прежде чем начать

Все выражения искусства начинаются с концепции. Концепция - это идея, сформированная в уме, которая поможет художнику выразить, как что-то будет достигнуто.Чтобы улучшить свое искусство, лучше всего иметь концепцию, запечатленную в уме или в альбоме, прежде чем вы начнете. Художник без концепции подобен путешественнику без дорожной карты.

Это не означает, что вы должны быть жесткими в своем творчестве. Вы можете позволить художественному вдохновению направлять вас, но если помнить об этой концепции, это поможет вам реализовать свои художественные желания.
«Самый важный союзник в изучении живописи - это искусство мышления», - заявил Эдгар Пейн, знаменитый художник и писатель.Это применимо к любому виду искусства.

3. Состав

Это настолько сложная и важная тема, что кажется устрашающим свести ее к одному пункту! Но я попробую ...
Слово композиция буквально означает «объединение» с использованием осознанной мысли, которая может быть применена к любому произведению искусства. Композиция вашего искусства - это расположение и размещение визуальных элементов. Существует множество композиционных техник, которые помогут вам достичь единства и эстетического вида произведения искусства.Тем не менее, некоторые художники, такие как Сальвадор Дали и Пабло Пикассо, предпочли игнорировать традиционные композиционные подходы, чтобы бросить вызов зрителю!
Вот один вневременной инструмент, не обязательно правило, который поможет вам создавать приятные композиции для вашего искусства и дизайна.

Правило третей

Правило третей часто игнорируется художниками-любителями и забывается многими учителями искусств. Интересно, что это одно из важнейших правил, которому начинающий фотограф усваивает на уроках фотографии! Это «правило» или руководство сегодня широко используется в сообществе изобразительного искусства, включая живопись, фотографию и дизайн.Его использование поможет улучшить дизайн вашего искусства.

Разделите прямоугольник на девять равных частей, и получится четыре точки пересечения линий. Размещение объектов на этих пересечениях создает фокус и приятную композицию.

4. Научитесь видеть негативные формы или пространство

Как люди, мы так привыкли сосредотачиваться на объекте перед нами. Как художникам важно видеть пространство между объектами и вокруг них. Эти пространства важны и сохраняют относительное расположение и пропорции, которых нет в самих объектах.Умение видеть и рисовать формы между линиями, составляющими объект, поможет вам правильно отобразить объект.

На фотографии вы видите негатив или пространство вокруг лошади. Если вы научитесь видеть негативные формы / пространство, это поможет вам точно нарисовать лошадь, не пытаясь ее воспроизвести. Таким образом, вы рисуете то, что видите, а не то, что знаете.

5. Знакомство с цветовым кругом

Есть 3 основных цвета:
• КРАСНЫЙ
• ЖЕЛТЫЙ
• СИНИЙ
Три дополнительных цвета, полученные путем смешивания основных цветов:
• КРАСНЫЙ + ЖЕЛТЫЙ = ОРАНЖЕВЫЙ • ЖЕЛТЫЙ + СИНИЙ = ЗЕЛЕНЫЙ
• КРАСНЫЙ + СИНИЙ = ФИОЛЕТОВЫЙ

Всего получается 6 третичных цветов, получаемых путем смешивания двух вторичных цветов:
Дополнительные цвета оказывают сильное визуальное воздействие при размещении рядом с другим.Дополнительные цвета находятся прямо напротив друг друга на цветовом круге.
• КРАСНЫЙ + ЗЕЛЕНЫЙ
• СИНИЙ + ОРАНЖЕВЫЙ
• ЖЕЛТЫЙ + ФИОЛЕТОВЫЙ
Гармоничные цвета соседствуют друг с другом в цветовом круге. В течение многих лет художники, дизайнеры и декораторы интерьеров использовали цвет для улучшения окружающей среды. Цвет можно использовать, чтобы вызвать определенное настроение или создать сообщение или резкую реакцию у зрителя. Понимание цвета значительно улучшится и добавит интереса к вашему искусству.

6.Понимание холодных и теплых цветов

Факты о холодных цветах
Холодные цвета на основе синих оттенков создают успокаивающий эффект. Эти цвета варьируются от холодного ледяного синего до теплого и питательного средиземноморского бирюзы. Многие декораторы используют эти цвета в спа-салонах, ванных комнатах и ​​других тихих помещениях. Блюз снижает частоту сердечных сокращений и снижает аппетит. Синий символизирует надежность. Его обычно носят в униформе и деловых костюмах. Темно-синий обычно используется более авторитетными фигурами, включая полицейских и наших президентов!
Синий и зеленый используются в рекламе лекарств и медицинских товаров.«Зеленые комнаты» театров называются так потому, что их зеленые стены часто используются для успокоения нервов актеров. Темно-зеленый хорошо подходит для офисов и кабинетов. Зелень обычно используется для уличных продуктов.
Факты о теплых тонах
Теплые цвета основаны на желтых оттенках и, как правило, передают эмоции от счастья до насилия. Красный, оранжевый и желтый цвета вызывают чувство голода. Вот почему вы видите такие рестораны, как McDonalds, Wendy’s и Burger King, использующие эти цвета в своих логотипах и рекламе.Safeway, Walgreens и Costco используют красный цвет в своих логотипах. Красный цвет мгновенно привлекает, возбуждает людей и увеличивает частоту сердечных сокращений. Только подумайте о кока-коле и Red Bull!

7. Научитесь видеть ценность

Значение, также известное как тон, показывает, насколько светлый или темный цвет. Например: если вы сделали черно-белую фотографию своей картины, оттенки серого будут иметь различное значение или оттенок внутри картины.


Вы не поверите, но для дизайна и успеха картины ценность важнее цвета.Значение используется для создания фокуса в картине или рисунке, потому что человеческий глаз сразу обращается к светлому элементу на фоне темного элемента. Это создает фокус интереса. Для создания иллюзии глубины также используются градации значений. Светлые и темные области создают трехмерную иллюзию формы предмету.

8. Будьте проще

Картины или изображения, содержащие слишком много информации, мешают, отвлекают зрителя и затрудняют идентификацию объекта.Самые сильные произведения искусства редактируют посторонний контент, что позволяет зрителю сосредоточиться на основных объектах.

9. Используйте Rhythm

Ритм в искусстве создается всякий раз, когда движения переходят в повторяющийся узор. Ритмические узоры можно найти в фотографии, стекле, керамике, скульптуре, реализме, абстрактном искусстве и многом другом. Ритм можно стратегически использовать для перемещения взгляда зрителя по всему произведению искусства. Цветовые узоры, световые узоры, текстура и нанесение краски могут быть использованы для создания и передачи ритма и энергии искусству.Я считаю, что прослушивание музыки во время творчества помогает мне выразить ритм. Мои кисти танцуют на моем холсте!

10. Определение

Целеустремленность, целеустремленность и желание совершенствоваться - важные факторы успеха любого художника. Каждый артист прогрессирует в своем собственном темпе. Будьте терпеливы и отмечайте свои художественные улучшения и достижения.
В «Искусстве» мне больше всего нравится то, что это занятие, которое мы можем улучшить с возрастом, в отличие от многих других приятных вещей, которые мы испытываем в юности.Пока у нас есть способности, решимость и желание улучшить свое искусство, мы можем продолжать преуспевать и расти как художники.
Я надеюсь, что эти советы по искусству помогут вам в дальнейшем росте как художника. ~ Лори

(Некоторое время назад я имел честь написать специальный пост Expert Series для очень популярного блога Тони Гастингса, The Top 10 Blog. Тони попросил меня написать о моем любимом предмете, искусстве. Возможно, вам также понравится другой пост Я написал для Тони «10 лучших способов улучшить свой имидж в Твиттере и подписаться на…».и вам, возможно, понравится, Интервью в блоге The Top 10 с Лори Макни)

(Давайте встретимся в Twitter, Facebook, а теперь и в Google Plus! Http://gplus.to/lorimcnee)

*****

Вот еще несколько полезных сообщений:

10 советов, как найти свой собственный художественный голос
Должны ли художники иметь свои собственные блоги?
3 шага к поиску представительства в художественной галерее
Сосредоточьтесь и планируйте рисовать
10 советов, как справиться с творческой катастрофой
Как определить успех художника?
Используйте скрытое значение цвета для улучшения картин
Создание искусства в небольших студиях
Один простой и эффективный способ показать миру, что вы профессионал

Полное руководство по художественной фотографии (советы и методы)

Художественная фотография - самая творческая область захвата изображений. Здесь нужно полагаться на собственные идеи и видение.

Эти работы являются настенными искусствами. Либо для частного клиента, либо для галереи. Изображения изобразительного искусства могут иметь какое-то значение. Или они могут быть настолько абстрактными, насколько вам угодно.

Что такое художественная фотография?

Фотография изобразительного искусства контрастирует с репрезентативной фотографией, такой как фотожурналистика.

Он сочетает в себе фотографию и концептуальные идеи как процесс. Здесь художник или фотограф пытается выразить свое восприятие и эмоции.Затем они передаются другим.

Коммерческая фотография - это не фотография изобразительного искусства. Несмотря на то, что оба набора изображений продаются, фотография изобразительного искусства не заказывается, в то время как коммерческая фотография.

Это не означает, что изобразительное искусство не пересекается с документальной фотографией. Трудно провести грань между жанрами. Также сложно решить, что можно считать проектом изобразительной фотографии. В большинстве случаев мы говорим, что проект изобразительной фотографии имеет концептуальную основу.И это также приветствуется зрителями, практиками и миром искусства.

Кажется, что концепции приходят из разных мест, и конечный результат часто бывает разным. Даже если процессы такие же.

Что делает фотографию искусством?

В этой статье мы попытаемся определить, что делает фотографию прекрасным искусством. Мы смотрим на сообщения на фотографиях.

Изображения изобразительного искусства не всегда передают какое-то прямое сообщение зрителю, это то, что мы находим.

Мы пришли к выводу, что фотография изобразительного искусства вызывает эмоции.Эти эмоции привязывают нас к изображениям и помогают сделать их более понятными

Вывод состоит в том, что намерение играет большую роль в том, что делает фотографию изобразительным искусством.

Fine Art Vs.

Коммерческая фотография

Между этими двумя концепциями есть несколько основных различий.

Художественные фотографы имеют больший контроль над своими фотографиями, чем коммерческие фотографы.

Коммерческие фотографы зависят от видения и правил своего работодателя.Они не могут быть такими гибкими, как фотографы изобразительного искусства.

Кроме того, между ними есть огромная разница во времени. В художественной фотографии не бывает дедлайнов и графиков. В коммерческой фотографии нужно подстраиваться под график компании.

Коммерческая фотография более надежна, когда дело касается денег. Фотографы изобразительного искусства тоже продают свои работы, но это не означает стабильного дохода.

7 советов по художественной фотографии для начала работы

Искусство субъективно по своей природе.Его значение у всех разное. Так что создать идеальные изображения изобразительного искусства будет непросто, потому что в этом жанре нет такого понятия, как идеальное.

Во-первых, вы должны принять этот факт.

Во-вторых, вам нужно избегать клише.

В-третьих, прочтите нашу статью с 7 советами о том, как начать художественную фотографию.

Вам стоит следить за работами известных фотографов. И хотя черно-белая съемка может сделать ваши изображения более художественными, поэкспериментируйте и с цветами.Вы можете использовать выдержку и уникальные стили цветокоррекции и постобработки, чтобы изменить реальность. Вы также можете попробовать использовать одну и ту же тему для всего проекта.

Следование этим советам и заявление художника - хорошее начало.

Обязательно избегайте этих 10 ошибок в художественной фотографии

Вот список из десяти ошибок, которые делают фотографы изобразительного искусства.

Например, вам не нужно сразу вкладывать средства в большое количество оборудования. Вам следует поэкспериментировать со своим снаряжением при создании, например, автопортретов.Вы можете многое узнать о том, как вы можете выразить себя, фотографируя себя.

Не стоит все время сосредотачивать внимание на объектах. Ваши изображения будут выглядеть скучно, если вы всегда будете размещать объект в центре фотографии.

Также следует избегать бездумной фотосъемки. Подумай хорошенько!

Не следует всегда снимать в автоматическом режиме и все время следует избегать съемки только горизонтально.

Также не стоит ограничиваться одним жанром фотографии. И перестаньте ожидать, что каждая фотография будет идеальной.

Вдохновение для художественной фотографии

Вдохновение приходит из всех слоев общества. Кино, изобразительное искусство и чтение - огромные источники.

Вы не представляете, куда направится ваш разум, когда ваши мысли и воображение возьмут верх.

Когда я изучал фотографию, я смотрел книги по психологии и читал научно-фантастические романы. Они дали мне больше идей и вдохновения, чем книги о фотографии.

Я не хотел смотреть на то, что уже было, мне это не помогло.

Это позволило моему разуму достичь тех мест, которые недоступны другим фотографам. В свою очередь, это помогло мне создать что-то оригинальное.

Психология и научная фантастика - мои увлечения. Использование этих тем означало, что я мог больше работать и дольше оставаться сосредоточенным.

21 лучший фотограф изобразительного искусства, которых вы должны знать

Нам всем нужно вдохновение, и это то, что вы получите из нашей статьи здесь. Мы просмотрели все сети, чтобы найти вам этот список.

Мы считаем этих фотохудожников лучшими в своей области.Вы найдете интересные портреты и сцены из фэнтези. Что-то для каждого.

Фото: Дамиано Эррико

21 вдохновляющий образец художественной фотографии

Вот список из 21 фотографии, которую вы можете использовать для вдохновения. Они охватывают такие темы, как портретная живопись, пейзаж, абстрактное и сюрреалистическое изобразительное искусство.

Посмотрите на веб-сайты обмена фотографиями, такие как Pinterest, Instagram и 500px, для получения дополнительной информации. Это отличная идея - почерпнуть вдохновение из онлайн-журналов о фотографии, таких как LensCulture или British Journal of Photography.

Как использовать 7 принципов искусства и дизайна в фотографии

Вы можете подумать, что художественная фотография не имеет структуры. Это может выглядеть повсюду. Но это не значит, что это не результат организации и исследования.

На самом деле, фотография изобразительного искусства нуждается в сильной концепции. То, что было хорошо продумано и обработано до тех пор, пока оно не воплотилось в жизнь.

Наша статья познакомит вас с семью принципами. Это то, что фотография заимствует у других видов искусства.Такие идеи, как баланс, узор и движение.

Здесь вы не только узнаете, что это такое. Но также и то, как разместить их в своей художественной фотографии. Приятного чтения!

Какое оборудование вам нужно для художественной фотографии?

Фотосъемка с минимальным оборудованием: почему вам не нужно столько, сколько вы думаете

Ваше фотоаппарат зависит от того, что вы фотографируете.

Качество может отличаться от модели к модели. Если вы не создаете рекламный щит, вам не понадобится датчик на 50 МП.Здесь ваше творчество является самым важным аспектом, камера и оборудование второстепенными.

Прочтите нашу статью здесь, чтобы узнать, как сохранить минимальный объем оборудования.

10 лучших объективов для художественной фотографии

Объективы

вместе с камерой позволяют запечатлеть вашу концепцию изобразительного искусства и превратить ее в изображение. Именно они определяют диафрагму и фокусное расстояние.

Объективы гораздо важнее, чем камера, которую вы используете. Это не значит, что ваш датчик не важен, поскольку он определяет разрешение изображения.

Дифференциальный фокус или малая глубина резкости лучше всего достигается с помощью быстрой или широкой диафрагмы. Объектив, который представляет это, понадобится для очень маленькой глубины резкости.

Фокусное расстояние влияет на допустимое расстояние между вами и объектом. Если объект находится близко, то хорошо подойдет широкоугольный или 50-миллиметровый объектив.

Если объект находится дальше, то лучше подойдет зум-объектив или телеобъектив. Имейте в виду, что перспектива меняется с каждой линзой.

То же самое и с расстоянием между объектом и фоном.

Как фотографировать изобразительное искусство?

10 советов по созданию захватывающих пейзажей изобразительного искусства

Когда дело доходит до пейзажной фотографии, в этой статье предлагается забыть о этикетке изобразительного искусства. Вместо этого сосредоточьтесь на получении более качественных снимков.

Вложить в работу свое сердце, душу и страсть - это лучшее, что вы можете сделать как пейзажный фотограф.

Создавая эмоциональный эффект в фотографии, вы создаете искусство.

Как сделать потрясающую уличную фотографию изобразительного искусства

Уличная фотография изобразительного искусства сочетает в себе элементы традиционного искусства, техники фотографии и постпродакшна, а также уличных повествований.

Брассай - один из наших любимых знаменитых уличных фотографов. Он стирал границы между уличной фотографией и изобразительным искусством своими изображениями ночного Парижа.

Вот несколько советов по этой теме.

Например, вам просто нужно не торопиться, чтобы уловить решающий момент.

Будьте разборчивы и вкладывайте время в постобработку изображения только в том случае, если вам это действительно нравится. Будьте перфекционистом.

Обратите внимание на все свои чувства. Вы должны воспринимать окружающую среду, в которой фотографируете.

Также, если вы переключаетесь между цветной и черно-белой фотографией. Посмотрите на свои изображения в обоих и решите, какой из них больше подходит.

Брассай, Монмартр, 1930 г. © Estate Brassai Succession

Как создать свою собственную портретную фотографию в изобразительном искусстве

Портретная фотография - самая большая область концептуального и изобразительного искусства.

В портретной фотографии изобразительного искусства иногда лучше меньше, да лучше. Конечно, вы можете украсить свою модель или все, что только можете придумать. Но в этом жанре минимализм имеет свое место.

Необязательно показывать все лицо человека, которого вы фотографируете. Безликое минималистичное изображение все еще показывает человека, но оно также оставляет некоторую загадку в сцене.

10 советов по созданию более художественной модной фотографии

Фэшн-фотография запечатлевает яркость прически, макияжа и одежды.Эти три вещи в сочетании с моделью и сеттингом исходят из ясного творческого видения.

Стиль мизансцены передает настроение и атмосферу модели через позы и выражения. Все вместе они создают художественную фотографию.

Вы обнаружите, что большая часть модной фотографии сосредоточена на аспектах изобразительного искусства. Это связано с тем, что дома моды не продают товар. Они продают настроение и чувства.

Они креативны и привлекают внимание, а иногда и шокируют.Это потому, что они должны выделяться и привлекать внимание.

Фото: Чад Верзоса

Техники и советы изобразительной фотографии еды

Фотографии еды можно разделить на две категории. Эти изображения используются в коммерческих целях и в социальных сетях. И тех, кто следит за чем-то артистическим.

Примером последнего может быть фотография еды в виде натюрморта. Нельзя сказать, что эти два понятия не могут совпадать.

Задумчиво разместив предметы в композиции натюрморта, можно воссоздать классические картины.

Чтобы добиться этого стиля, сначала посмотрите на свет. Используйте один источник света и сохраните тени и негативное пространство. Контраст помогает придать изображению глубину.

Фото: Дарина Копкок

Как использовать творческое размытие движения в фотографии

Один из способов экспериментировать с художественной фотографией - размытие движения. Эту технику можно использовать по-разному.

Вы можете фотографировать движущиеся объекты в течение определенного периода времени с большой выдержкой.

Это метод, который хорошо работает с объектами и фоном.Идеально, когда вы испытываете разные элементы. Например, что-то движется рядом с чем-то неподвижным.

Такой контраст - отличный инструмент для композиции. Вы даже можете переместить камеру. Либо двигаясь вверх, вниз или в сторону при нажатии на кнопку спуска затвора.

Даже увеличивая масштаб во время фотографирования, вы создаете движение на изображении.

Виды художественной фотографии

Что такое свадебная фотография изящного искусства?

Изобразительное искусство прекрасно сочетается с свадебной фотографией.Подумайте об этом так: свадьба - это грандиозная романтическая история.

От декора до сказочного танца, художественная сторона этого и без того визуально красивого события просто работает вместе.

Свадебные фотографы изобразительного искусства делают снимки, которые должны восприниматься как искусство, а не как документация события.

7 советов по созданию потрясающих макроснимков Fine Art

Макро-фотографию и фотографию изобразительного искусства можно объединить.

Следует снимать с широкой диафрагмой и при облачном освещении.Кроме того, ищите линии и кривые, чтобы привлечь внимание зрителя.

Найдите простоту для лучшей абстрактной фотографии изобразительного искусства. Минимализм может подчеркнуть красоту сцены, придав ей уникальное выражение.

Вы также можете поиграть с естественным освещением и тенями.

Даже намеренное перемещение камеры и размытие изображения выглядят хорошо.

10 советов по художественной архитектурной фотографии

Архитектурная фотография занимает очень большое место в художественной фотографии.Это область, где вы можете не торопиться, чтобы спланировать и поэкспериментировать, поскольку они представляют собой статические конструкции.

Выбранная вами перспектива может создать прецедент для областей архитектурного объекта. Здесь вы создаете ощущение и настроение обстановки.

Здание или строение должно сначала вызвать в вас эмоции. Важно то, как вы интерпретируете предмет в своем первоначальном впечатлении.

Идеи постобработки для художественной фотографии

Lightroom против Photoshop: что лучше?

Что касается постобработки ваших изображений изобразительного искусства, ваши возможности безграничны.Вы можете делать буквально все, что угодно.

Иногда изображение превращается в произведение искусства во время постобработки. Это означает, что при редактировании изображения вы добавляете совершенно новый смысл.

У вас может быть сюрреалистическая идея, которую нельзя сфотографировать напрямую, потому что ее не существует в реальной жизни. В таком случае смело реализуйте это с помощью программного обеспечения.

Мы рекомендуем поэкспериментировать с Lightroom и Photoshop, но вы можете попробовать любое другое программное обеспечение для редактирования фотографий.

Как редактировать черно-белую художественную фотографию

Черно-белые изображения сильно отличаются от цветной фотографии. Вклад художника гораздо важнее, чем объект съемки.

Художественная фотография начинается в вашей голове, а не во внешнем мире.

Вы должны думать в черно-белых тонах, что означает сосредоточение внимания на контрасте, свете и текстуре.

Здесь нет жестких правил и приемов. Ограничения зависят только от вашего эмоционального видения.

Как заработать на художественной фотографии?

Деловые аспекты художественной фотографии могут быть непростыми. Художники склонны сосредотачиваться на творческой стороне мира изобразительного искусства.

Многим сложно работать с деловой стороной. Заработок позволяет вам продолжать заниматься своим делом на постоянной основе.

Здесь у нас есть несколько статей, которые помогут вам оценить ваше изобразительное искусство. Вы также найдете информацию о том, как продавать свои изображения и как продвигать себя.

Создание выставки - это еще и отличный способ показать людям, чем вы занимаетесь, и вызвать интерес.

Вы можете стремиться достичь высокого уровня вовлеченности в Интернете, а затем начать продавать свои отпечатки. Вы можете быть своим собственным арт-менеджером. Кроме того, вы можете заключить договор с галереями о продаже ваших изображений.

Как оценивать репродукции фотографий

Теперь, когда вы создали несколько фотографий изобразительного искусства, как вы узнаете, как вы их оцениваете? Один из способов - посмотреть, что продают ваши конкуренты и по какой цене.

Глядя на Etsy, вы можете увидеть работы многих фотографов, размер которых будет аналогичен размерам ваших собственных репродукций.

Это даст вам конкурентоспособную цену, но это может быть нереально. Другой способ - посмотреть, сколько времени вам потребовалось, чтобы сфотографировать это изображение.

Необходимо учитывать время планирования, поездки и редактирования. Вдобавок ко всему, время, затраченное на фотографирование изображения, даст вам число.

Решите, сколько вы хотите за час, и у вас будет цена.Прочтите нашу статью, чтобы получить более подробное представление о том, как оценивать свою работу.

15 простых маркетинговых идей для фотографии

В процессе продажи вашей художественной фотографии онлайн-маркетинг играет неотъемлемую часть.

Как люди узнают о вас и увидят вашу работу без какого-либо присутствия в Интернете?

Если у вас нет чего-либо в Интернете, например веб-сайта или торговой платформы, вас не существует.

Одна из самых важных вещей, которую следует учитывать, - продавать качество, а не количество.Сосредоточьте свое внимание на нескольких частях, а не на большом количестве.

Не продавайте себя слишком низко. Убедитесь, что вы регулярно повышаете цены.

15 лучших мест для продажи фотографий в Интернете

Заработок на фотографии позволяет нам реализовать нашу страсть и превратить ее в карьеру.

Но как проще всего заработать на фотографии? Ответ кроется в веб-сайтах стоковой фотографии и онлайн-платформах.

Снимать портреты людей или проводить свадьбы - это весело.Но если они вам не нравятся, вы можете зарабатывать деньги, продавая свои работы в Интернете.

Мы собрали 15 мест, которые мы можем вам порекомендовать.

Как начать фотографический бизнес

Когда дело доходит до фотографического бизнеса, нужно начинать с малого. Вам нужно составить полный бизнес-план, прежде чем отправиться в мир.

Выберите имя, которое идеально подходит для вашего бизнеса. Это может показаться трудным, но стоит потратить время и подумать.

У вас должен быть план для целевого рынка, финансов и базовой структуры вашего бизнеса. Также определите долгосрочное видение.

Ознакомьтесь с нашими советами, чтобы узнать, на что следует обратить внимание.

Заключение

Как видите, художественная фотография - это бесконечное творчество.

Речь идет о выражении себя с помощью изображений без необходимости подстраиваться под требования клиентов и сроки.

Хотя это означает большую свободу, вам все же нужно помнить о некоторых правилах и идеях.

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *