В какой момент фотография становится искусством? Фрагмент книги «Фотография как современное искусство» куратора Шарлотты Коттон

T

КУЛЬТУРА•книги

В рамках издательской программы музея «Гараж» и Ad Marginem в 2019 году вышла книга, которую можно рассматривать как, с одной стороны, подробный учебник по современной фотографии, а с другой — набор подсказок, которые помогут оценить, что за снимок перед вами: предмет искусства или просто случайный кадр.

Книга «Фотография как современное искусство» устроена и как описание исторической смены стилей, и как расширенный набор ответов на понятные каждому вопросы. Как понять, что фотография, которую ты держишь в руках, — предмет искусства? Нужно ли обращать внимание на то, есть ли в ней сюжет? А если она показывает тот же набор бытовых предметов, которые окружают каждого? Что если кажется, будто ты просто рассматриваешь чью-то семейную хронику? А как оценивать документальную фотографию? Каждому из этих вопросов автор книги, куратор Шарлотта Коттон посвящает большую главу. The Blueprint выбрал самые яркие цитаты, которые едва ли дадут представление о всей книге — но в какой-то мере резюмируют происходящее на ее страницах.

«Современная художественная фотография — это не столько использование уже существующей, безотказно работающей визуальной технологии, сколько сознательный выбор на каждой стадии этого процесса. Это связано с повышенным вниманием к материальности и объектности этого вида искусства — собственно, этот подход восходит ко времени зарождения фотографии в XIX веке».

«В эпоху, когда у нас появилась возможность получать, скачивать и распространять, равно как и снабжать тегами, пролистывать и редактировать фотографические изображения, мы куда лучше и профессиональнее, чем раньше, овладели языком фотографии, мы отчетливее понимаем, что фотография — отнюдь не инструмент для создания беспристрастных однозначных образов, заключенных в рамку моментов реального времени».

«Концептуальное искусство не призывало восхищаться виртуозной работой фотографа или назначать отдельных фотографов „мастерами“; напротив, оно не придавало особой важности мастерству и авторству. В нем была задействована бесспорная бытовая способность фотографии отображать: это искусство приняло отчетливую форму „неискусства“, „немастерства“ и „отсутствия авторства“ и зиждилось на том, что художественное значение имеет лишь действие, изображенное на фотографии».

«Как минимум с середины 1970-х годов в теории фотографии возникло представление о том, что фотографию можно рассматривать как процесс создания знаков и культурных кодов. <…> Фотографии трактовались не как проявление оригинальности фотографа (или отсутствия таковой) или как воплощение авторского замысла, а как знаки, которые обретают смысл или ценность только благодаря своему положению внутри более широкой системы социального и культурного кодирования».

«С середины 1980-х стало увеличиваться число художественных фотоотпечатков, что не только поставило фотографию в один ряд с живописью и инсталляциями, но и ввело ее в экспозиции растущего числа новых центров искусств и художественных галерей».

«Под влиянием книг вроде „Баллады о сексуальной зависимости“ Голдин, „Талсы“ и „Похоти подростков“ Кларка молодые модные фотографы 1990-х и их поклонники стали предпринимать попытки избавиться от фальшивого гламура залакированных модных снимков — а именно такие преобладали в 1980-е годы — и вместо этого показывать моду в том виде, в каком ею пользуется, подстраивая под себя, молодежь. Лишенная возможности пересказывать подлинные биографии фотографов и показывать грустную, уродливую обратную сторону личной жизни, модная фотография с ее откровенно коммерческим уклоном предсказуемо стала мишенью для общественных активистов».

«Эстетика бесстрастности получила распространение в 1990-е годы, особенно при съемке пейзажей и архитектуры. Оглядываясь назад, становится понятно, что этому виду фотографии были присущи элементы, которые настолько хорошо соотносились с музейно-собирательским духом той эпохи, что выдвинули фотографию на более заметную позицию в рамках современного искусства».

«Мы сами определяем значимость предмета, исходя из того, что она у него наверняка имеется, ведь художник его сфотографировал и тем самым обозначил эту самую значимость. <…> Теперь же вопрос о том, как и чьей рукой создано произведение искусства, был подменен другим: как этот объект оказался здесь? В результате каких действий или событий он попал в центр внимания?»

«Чтобы понять, как устроена „личная“ фотография, полезно подумать о том, как именно она заимствует и переосмысляет приемы бытовой фотографии и семейных снимков, предназначенных для публичного показа.

Использование внешних признаков любительской фотографии становится приемом, который сообщает о тесной близости между фотографом и его предметом.

Художественная фотография, в свою очередь, не только обогащает эстетику семейных снимков, но и зачастую подменяет их эмоциональный фон более привычными ей компонентами: грустью, раздорами, зависимостями, болезнями». <…> В начале 1990-х в моду вошли динамизм и нарративная наполненность, которые фотография «мгновенного кадра» придает художественным инсталляциям в смешанной технике.

Иногда «личная» фотография основана на том, что жизнь целой социальной группы предстает в ней в форме произведения искусства».

«Громкие пророчества об окончательном вымирании фотопленки и фотобумаги ушли в прошлое, и за пределами сфер сугубо коммерческой фотографии — моды, рекламы и журналистики, где экономические и иные практические соображения подталкивают к внедрению новых технологий, — в конце 1990-х и в 2000-х произошла своего рода гибридизация традиционной аналоговой фотографии и многообещающих цифровых новаций».

«Фотохудожники молодого поколения отличаются откровенным агностицизмом в своих представлениях о разнице между „высокой“ и „низкой“ культурой, однако с большим тщанием выверяют подходы к языку фотографии в разных контекстах, сознавая, что в каждом из этих контекстов взаимоотношения со зрителем нужно выстраивать по-иному».

«По большому счету современные фотохудожники избегают стилистики репортажа, для чего замедляют процесс создания кадров, остаются вне гущи событий и прибывают на место после того, как главное уже произошло. <…> Изменилась и тематика фотографий: фотограф не находится в хаотичном эпицентре событий, не снимает человеческую боль и страдания вблизи, а вместо этого обращается к тому, что остается после подобных трагедий, часто избирая стилистику, которая предполагает взвешенное оценочное суждение».

«Одно из ведущих течений в современной художественной фотографии связано с отказом от последовательной, узнаваемой техники или стиля ради того, чтобы индивидуальный „голос“ фотографа прозвучал в полную силу».

{«width»:1200,»column_width»:90,»columns_n»:12,»gutter»:10,»line»:40}false7671300falsetruetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}

Искусство фотографии

История культуры Искусство фотографии

Санникова Ю.

Фотография – сравнительно молодой вид изобразительного искусства. Несмотря на то, что история фотографии насчитывает всего каких-нибудь 170 лет, техника и технология ее развивается стремительно и напрямую зависит от научно-технического прогресса. Можно сказать, что общая проблема культуры XXI  века, которая обозначена как ее все большая технизация, благотворно сказывается на искусстве фотографии, позволяет полнее проявляться индивидуальному началу и всесторонне реализовывать эстетическую функцию. В статье изучается фотография как вид визуального искусства, рассмотривается история его становления, проявление художественного в фотографии, реализация ее эстетических функций и художественных образов.

 

Фотография относится к группе изобразительных искусств, то есть таких, которые человек воспринимает визуально, к этой же группе искусств относится живопись, скульптура, кино. По-другому, такие искусства называются пластическими или изящными, их можно посмотреть и потрогать, то есть они существуют в материальном выражении (в пространстве и времени). Этой группе искусств присущи сходные средства художественной выразительности, о которых пойдет речь в настоящей работе.

 

 

1. История фотографии

 

 

Началом эры фотографии можно считать 7 января 1839 года, когда французская Академия наук объявила об изобретении совершенно нового вида искусства, а вернее техники производства изображений, которую окрестили дагеротипией. С этого момента можно говорить о зарождении фотографии как вида искусства, хотя правильнее было бы говорить не об истории фотографии, а о технической эволюции производства фотографических изображений, которые в самом начале и искусством, в общем-то, не считались.

 

 

 

Оборудование и процесс дагеротипии Схема из книги Э. де Валикура «Фотография на металле .. . »

 

 

В момент зарождения фотография считалась документальным свидетельством или документом, но никак не предметом искусства. Соответственно, история фотографии – это история технологии фотографирования.

 

 

 

У. Г. Фокс Тальбот. Крыши аббатства Лакок. Бумажный негатив. Июнь 1840. Музей Фокса Тальбота, Лакок, Великобритания

 

 

Фотография стала возможна благодаря счастливой встрече оптики (камера-обскура) и химии (светочувствительные вещества, которые дают проявляется изображению). В первых фотоаппаратах в качестве светочувствительного вещества применялось серебро и его соединения.

 

Фотографию изобрел не какой-то один человек, появление ее – результат работы многих ученых, энтузиастов, изобретателей и инженеров-самоучек. Среди них: Н. Ньепс, Л. Дагер, У. Тальбот, И. Байар.

 

 

 

Н. Ньепс. Вид из окна в Ле Гра. 1826-1827. Техасский университет. Остин. (современная контрастная репродукция с оригинала)

 

 

Итак, первым видом фотографии была дагеротипия. Процесс дагеротипии выглядел так. Полированную серебряную пластинку подвергали в темноте действию йода. На ней появлялся налет йодистого серебра. Пластинку помещали в камеру-обскуру и открывали объектив. Под действием солнечных лучей, отражаемых фотографируемыми предметами, в слое йодистого серебра получалось едва заметное глазом изображение. Пластинку вынимали из камеры и обрабатывали тоже в темноте парами ртути. В местах, подвергнутых действию света, получалась амальгама серебра. В тех же местах, на которые свет не влиял, галогениды серебра удаляли раствором поваренной соли, позже – гипосульфитом. Таким образом изображение закреплялось. Места, на которые действовали лучи той или иной интенсивности, заметно отличались по тону от мест пластинки, на которые свет вовсе не действовал.

 

 

 

Л.-Ж.-М. Дагер. Вид на Лувр с левого берега Сены. Дагеротип. 1839. Национальный музей техники, Париж

 

 

Английский ученый Ф. Тальбот разработал собственную технологию фотографирования и дал ей название «калотипия», что по-гречески означает красоту. Тальбот также использовал камеру-обскуру, только вместо серебряной пластинки Дагера помещал туда обычный лист бумаги, покрытый светочувствительным веществом. После бумажную фотографию покрывали проявителем, а затем закрепителем, получался негатив, с которого можно было напечатать фотографию в том виде, в котором она была известна нам до появления цифровых фотоаппаратов.

 

 

 

У. Г. Фокс Тальбот. Руан. 16 мая 1843 г. Национальный музей фотографии, кино и телевидения, Брэдфорд, Великобритания

 

 

Самым сложным для первых дагеротипистов было портретирование. Сложность заключалась в большой выдержке, которую требовали изображения. Пионером в освоение портретной фотографии считается русский фотограф А. Ф. Греков. Открытый им в 1840 г. художественный кабинет предлагал всем желающим дагеротипы с их портретом. Успех был оглушительным, Греков усовершенствовал метод Дагера и добился получения качественных дагеротипов с портретами.

 

 

 

Неизвестный автор. Групповой портрет с г-жой Бертен. Дагеротип. Ок. 1845- 1850 гг. Национальная библиотека, Париж

 

 

Как уже отмечалось ранее, история фотографии – это по сути смена этапов в технике получения изображений. Дагеротипия не прижилась в обществе, ему больше по нраву пришлась калотипия Тальбота, которая впоследствии претерпела множество технических совершенствований, в частности приверженцы этого метода стали использовать альбумированную бумагу (альбумин — это разведенный яичный белок). Пластина на которой появлялось само изображение стала делаться из стекла, а для проявки начали использовать коллодий. Отпечаток, собственно фотография, получаемый с прозрачной пластины обладает матовой фактурой и выдержан в темно-красных и красно-коричневых тонах (так называемая сепия).

 

 

 

Ш. Негр. Венсеннскиu приют. Столовая. 1859 г. Национальная библиотека, Париж

 

 

С усовершенствованием техники производства негатива фотография становится коммерчески успешным предприятием, в Европе открываются многочисленный фотоателье, куда приходят делать портреты богачи и аристократы.

 

Постепенно объектив фотоаппарата стал восприниматься как глаз человека, отсюда возникла идея стереоскопии, когда фотографирование производится двумя объективами, а сам оттиск рассматривается в два окуляра и приобретает таким образом глубину и объемность. Стереоскопические фотоаппараты были намного легче и проще в обращении, а также обладали значительной дешевизной. Теперь фотоаппарат можно было брать с собой и фотографировать окружающие предметы, домашних животных, родственников и детей. Фотография идет в массы и становится доступной всем желающим.

 

 

 

Неизвестный автор. Здания, разрушенные в Отёе во время Парижской коммуны. Стереоскопическая пара. Май 1871 г. Частное собрание

 

 

Большим прорывом в истории фотографии стала возможность тиражировать и печатать снимки с помощью печатного станка. Так появилась гелиогравюра — фотомеханическая технология, позволяющая перенести изображение на покрытую краской металлическую пластину, с которой затем печатается тираж бумажных отпечатков. Гелиогравюра применялась для тиражирования фотоизображений вплоть до 1950-х годов, пока ее не вытеснили более быстрые печатные технологии, позволяющие печатать не только матовые, но и глянцевые фотографии.

 

 

 

Э.-А. Бальдюс. Гелиогравюра из альбома «Лувр и дворец Тюильри». 1875 г.

 

 

Революцию в фотографии произвел метод броможелатинового серебра, который позволял делать снимки с очень малой выдержкой. Появляются фотографии движущихся объектов и даже моментальные снимки каких-либо событий. Совершенствуются и объективы, теперь их делают из двух линз — конвергентной и дивергентной, что обеспечивает коррекцию искажений, ровное освещение, значительную светосилу и абсолютную четкость изображений. Благодаря визирам (приспособлениям из двояковогнутой линзы) фотограф мог видеть прямое, а не перевернутое изображение сцены, которую он снимал.

 

Стеклянную пластинку, на которой получается негатив, в 1886 г. сменяет фотографическая пленка – бумажная лента, покрытая броможелатиновой эмульсией. Пленка выпускается в рулонах, что очень удобно для закладки в портативную фотокамеру.

 

К началу восьмидесятых годов XIX в. фотография становится в полной мере видом искусства. Теперь фотохудожники уже не должны мириться с продолжительной выдержкой или изобретать приспособления для удерживания объекта фотографирования неподвижным, теперь они могут делать моментальные изображения, однако, этот процесс требует от художника собранности и согласованности всех действий.

 

 

 

Г. Г. Беннет. Моментальная фотография. Висконсин 1885 г. Собрание Студии Г. Г. Беннета

 

 

Категория художественного образа и авторского видения этого образа ставит фотографию на одну ступень с другими видами изобразительного искусства – живописью, графикой и скульптурой. После моментальной появляется и движущаяся фотография, получившая название кинематографа.

 

Особым этапов в развитии фотографии стало появление цифровой фотографии. Попытки получить цифровые изображения предпринимались уже с начала XX века. Технология цифрового фотографирования предполагает использование светочувствительной матрицы взамен светочувствительных веществ. Таким образом отпадает необходимость создания негатива.

 

Светочувствительная матрица – это пластина, сделанная из материалов, проводящих ток. На ней находится много элементов, чувствительных к свету, которые сгруппированы вертикально или горизонтально в виде столбцов и строк. Объектив в цифровых фотоаппаратах остался таким же как и в нецифровых, но теперь в фотокамере нет затвора и фотографирование производится простым нажатием кнопки или прикосновением к чувствительному экрану.

 

 

2. Фотография как вид искусства

 

 

Когда фотография только появилась, она была в большей степени технологией, соответственно, рассмотрение ее как вида искусства и творческой деятельности произошло не сразу. Первый фотографы упражнялись в увеличении и уменьшении времени выдержки и нахождении наиболее подходящих светочувствительных веществ. В 1839-1840-х годах фотография рассматривалась как документ, как отпечаток эпохи или какого-то культурного объекта, но не времени, ведь запечатлеть движущиеся фигуры пока еще было невозможно.

 

 

 

Л.-Ж.-М. Дагер Вид бульвара дю Тампль в Париже. Дагеротип. 1839 г. Музей земли Бавария, Мюнхен

 

 

Однако, практически сразу же, фотография стала восприниматься не только в качестве инструмента документирования, но и для создания портретов. Именно с этого момента можно говорить о том, что она как бы примеряет на себя функции и характеристики искусства.

 

Портретная фотография очень схода с портретной живописью. Качество и похожесть фотопортрета во многом зависят от мастерства фотохудожника, так же как от таланта живописца зависит красота написанного им портрета. Как существовали живописцы талантливые и не очень, так и среди фотохудожников были истинные мастера, а бывали и подмастерья.

Получается, что для создания истинных произведений фотоискусства художник должен обладать художественным дарованием, навыком построения композиции, умением улавливать игру светотени, способностью создавать фон для портрета.

 

 

 

Льюис Кэрролл. Портрет Алисы Лиддел. Ок. 1860 г. Собрание Пэрриш. Библиотека Принстонскоro университета

 

 

Портреты в основном пишутся с натуры. Если взглянуть на картины великих художников, то можно увидеть, что эффект объемности и живости фигур и лиц достигается с помощью правильного наложения светлых и темных оттенков, использования светотени. Фотографии подобную объемность придает освещение. Главной задачей любого портретиста, будь то фотограф или художник, является овладение навыком работы со светом.

 

 

 

Эллиот и Фрай. Полковник Коди по nрозвищу Буффало Билл. 1892. Королевский архив, Виндзор

 

 

Свет хорошо располагается на ткани, вот почему на многих ранних фотографиях фигуры или фон задрапированы бархатом или шелком. Драпировка на фотографиях перекликается с искусством скульптуры. Скульптору важно передать изгибы тела, его мышцы и сухожилия, драпировка помогает придать скульптуре динамичность, чуть сгладить статичность фигуры. То же касается и фотоискусства.

 

 

 

И. Байа. Автопортрет. Ок. 1847 г. Французское общество фотографии. Париж

 

 

Искусство фотографии заключается еще и попытках преодоления несовершенства технологии. Фотохудожники ставили эксперименты со светом (съемка в дневное или вечернее время, при искусственном или естественном освещении). Некоторые старались усовершенствовать материал с которым имели дело, например ретушировали сами негативы, делая лица людей белее и без изъянов, что очень нравилось заказчикам. Сегодня ретушь негатива с успехом заменил Фотошоп.

 

 

 

Д. Уилсон. Темза близ Виндзора. Ок. 1880 г. Частное собрание

 

 

Фотосъемка людей производилась не только в ателье, известны и постановочные сцены: за работой, в кругу семьи, на отдыхе, в национальных костюмах или жанровых сценках. Творческому гению фотохудожника открывался большой простор для фантазии.

 

 

 

Д. Томсон. Странствующий фотограф Клэфэм Коммон. Ок. 1876 г. Королевское общество фотографии, Бат

 

 

Для того, чтобы какое-то явление или феномен можно было назвать искусством, оно должно отвечать одному очень важному принципу, а именно: отражать творческое видение деятеля искусства (художника, композитора, поэта). Фотография в полной мере соответствует этому принципу, поскольку всякая фотография, даже и любительская отражает творческий замысел ее автора, даже если автор намеревался сделать обычный автопортрет (или, как говорят сегодня, «селфи»). Творческим выражением в данном случае является выбор позы, места съемки, композиционного решения.

 

Каждый вид искусства обладает собственным хужожественным языком. Язык фотографии – это визуальные образы, созданные с помощью света, то есть сам свет – это и есть тот язык, на котором с нами разговаривает фотохудожник.

 

Особенность фотографии как вида искусства заключается еще и в том, что в ней как бы соединяется и объективная реальность, и видение этой реальности фотохудожником, по сути на видимую реальность накладывается его творческий отпечаток. На одной и той же фотографии разные люди могут увидеть разные вещи, художник может что-то утаить, а что-то наоборот гиперболизировать, выдвинуть на первый план. Настоящие художники всегда оставляют для зрителя некую загадку и недосказанность, это незавершенность и производит наиболее сильное впечатление, заставляют возвращаться мысленно к образам на фотографии, объяснять их присутствие в кадре.

 

Поскольку фотография относится к изобразительным искусствам она многое взяла у живописи и скульптуры. История фотографии насчитывает всего каких-то 170 лет, поэтому можно сказать, что как вид искусства она находится в стадии становления.

 

Искусство фотографии – очень доступный вид искусства, любой, имеющий цифровую фотокамеру (а сейчас все мобильные телефоны оснащены ею) может за минуту стать фотохудожником. И это замечательно, поскольку приобщение к искусству – прекрасная возможность творческого развития личности, овладения навыками креативного подхода к жизненным ситуациям.

 

Искусством помимо собственно фотографирования выступают еще и композиционные решения фотохудожников и фотомонтаж. На заре фотографии для фотомонтажа два или более изображений на негативах соединяли вместе при проявке на позитив, или же на одну пластину производили две или более фотографий. Получается, что фотомонтаж – в чистом виде искусство, поскольку художник здесь создает совершенно новую реальность. Подобное трюкачество роднит фотографию с искусством кинематографа и телевидения.

 

 

 

А.-Э. Диздери. Ножки Гранд-опера. Фотокарточка. Ок. 1864 г. Частное со6рание

 

 

Искусство монтажа требовало от художника строгости в использовании метода, трюки должны были проводится только с использованием света – художественного языка фотографии,– но, конечно, как это часто и бывает, в рамках этого метода многим стало тесно.

Так появилось раскрашивание черно-белых фотографий с помощью акварели, карандаша или масляных красок.

 

 

 

Неизвестный авто. Без названия. Раскрашенный дагеротип. 1850-е гг. Собрание Уве Шейда

 

 

Сегодня фотография является и техникой, и искусством. Журналисты делают фотографии-документы, на которых запечатлены события, люди, стихийные явления. Такая фотография называется документальной. Но и художественной фотографии нашлось место в бурном потоке современной жизни. Художественную фотографию по-другому называют «пикторализмом» (от английского picture – картина). Этот термин подчеркивает связь фотографии с живописью и скульптурой, ее подражательный характер (а мы знаем, что любое искусство – это подражание действительности), но и творческое начало художника, заключающееся в выборе выразительных средств, композиционном решении и игрой со светом и тенью. В случае пикторализма фотоискусство перенимает и соединяется с традициями пластических искусств и встает с ними в один ряд.

 

Основными правилами для фотографа, которыми он должен руководствоваться, являются классические правила построения композиции и принцип золотого сечения.

 

Для получения правильной фотографии элементы композиции необходимо размещать вдоль воображаемых линий, которые проходят по вертикали и горизонтали кадра. Это так называемый принцип «трéтей». На фотографии ниже главный элемент композиции (песчаная дюна) расположен строго по центру. Это противоречит принципу «трéтей».

 

 

 

 

Чтобы фотография была верной с точки зрения принципов композиции, песчаная дюна должна быть расположена как на следующем фото:

 

 

 

 

Еще одним важным правилом фотографирования является перспектива или создание многомерности изображения. Это правило заключается в необходимости попадания в кадр переднего и заднего плана, фона и фигуры. Например, на фото ниже можно было бы сфотографировать обручальные кольца просто сверху, тогда бы снимок получился плоским и необъемным. Фотограф же выбрал правильный ракурс, и клавиши рояля стали фоном для колец и линией перспективы. Таким образом, кольца получили объем на плоскости.

 

 

 

 

Подводя итог всему вышесказанному, хочется заметить, что эволюция фотографии как вида искусства все еще не завершена. Постоянно появляются новые технологии и приемы фотографирования, развивается система знаний о фотографии.

 

Фотография еще и наиболее популярный и доступный вид искусства, люди любят фотографировать, и не важно, что они снимают себя, своих домашних животных или места, в которых они побывали, важно, что они делают это с радостью. Когда фотографии начнут получаться все красивее и интереснее, человеку захочется больше узнать о том, почему снимки получаются лучше в том, а не ином ракурсе, при том, а не ином освещении и тому подобное. Задавая себе эти вопросы, находя информацию об истории и технологии фотографии, человек сможет совершенствовать свои знания и навыки и овладевать прекрасным видом искусства, которым является фотография.

 

Следует еще раз подчеркнуть, что фотография относится к изобразительным искусствам, к которым также относятся живопись, графика и скульптура, а значит она вобрала в себя их приемы и традиции.

 

Изучая историю фотографии, можно оценить то огромное влияние, которое она оказала на развитие всей нашей культуры, а также науки и техники.

 

 

 

Д. Джонсон. Шахтеры близ Сакраменто. Дагеротип. Ок. 1852 г. Собрание М. Айзенбурга

 

 

Художественная фотография, если она создана мастером, говорит со зрителем на языке света, она выразительна, поэтична и передает в объеме изображенные на ней предметы и людей. Искусство фотографии вызывает эмоциональный отклик, позволяют увидеть существующую действительности с точки зрения художника, проникнуть в его творческую лабораторию.

 

 

Автор: Санникова Ю.

 

 

Обсудить на форуме

 

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Поддержите нас донатом. Проект существует на пожертвования и доходы от рекламы

Как фотография повлияла на современное искусство и «убила» ли она живопись?

Материал опубликован в № 09 печатной версии газеты «Культура» от 30 сентября 2021 года в рамках темы номера «Что такое современное искусство?».

— Какое влияние фотоаппарат оказал на развитие искусства, и в частности на искусство современное? Можно ли, например, говорить о том, что появление фотографии поставило крест на той же реалистической живописи?

— Фотография, как и любое крупное явление, появившись на свет, повлияла чуть ли не на все сразу, причем очень решительно. Хотя и нельзя сказать, что она тут же «отменила» реалистическую живопись — это было бы серьезным упрощением. Дело в том, что сама живопись XIX века уже развивалась примерно в том же ключе, в каком начнет затем «работать» фотография.

— То есть на тот момент уже изнутри самого искусства назревала потребность в фотоаппарате?

— Именно. Любая технология всегда возникает как ответ на сформировавшийся в обществе запрос. В этом смысле показателен хрестоматийный сюжет из жизни Уильяма Генри Фокса Тальбота, британского изобретателя фотографии. В очередной раз отправившись путешествовать на континент, он оказался в Италии на озере Комо, где страстно возжелал запечатлеть всю ту красоту, что открылась его взору. Рисовал он при этом не слишком ловко, отчего и пользовался «камерой люцидой» — довольно неудобным приспособлением, позволявшим с помощью заключенной в ней призмы поймать нужное изображение и спроецировать его на лист бумаги, чтобы затем на этом листе такое изображение воспроизвести.

И вот, устав от трудностей подобного рисования, он записал в своем дневнике, что неплохо было бы, если бы сама природа, без посредства руки художника, могла оставлять на листе бумаги собственный облик. А поскольку Тальбот был крайне разносторонним ученым, то по приезде домой сразу же приступил к созданию технологии, которая поможет осуществить его мечту. И в конце концов своего добился.

Что же касается изобразительного искусства, то, конечно, появление фотографии, как уже было сказано, изменило очень многое. Известнейший салонный художник того времени Поль Деларош, кстати, обучивший живописи не одного в будущем хорошего фотографа, узнав о появлении дагеротипии, вроде бы даже воскликнул: «Отныне живопись умерла!» Конечно, это было сильным преувеличением, но то, что мода на фотографию в кратчайшие сроки приняла характер эпидемии, — бесспорно. И, безусловно, это не могло не повлиять не только на арт-рынок, но и на всю сферу существования искусства.

Во-первых, появление фотографии в принципе сильно облегчило, ускорило работу художника. Теперь во многих случаях вместо рукотворных этюдов можно было использовать фотоизображения собственного и чужого изготовления — как материал для тех же портретов.

Во-вторых, фотография повлияла на композицию, благодаря чему нас сегодня уже не удивляют разорванные, открытые по структуре изображения, эксцентричные, странные ракурсы, в которых мы видим людей или предметы, — мы совершенно привыкли к тому, что фотография фиксирует то, что не видит человеческий глаз, принимая ее оптику за свою собственную. Известно, что человеческий глаз отражает мир гораздо с меньшей скоростью, чем его «видит» фотообъектив, и по иным перспективным правилам. А до эпохи фотографии существовали иные, неоспоримые законы композиции — стандарты прекрасного, совершенного и полного. И именно эти стандарты фотография вскоре поставила под вопрос из своей склонности к фрагментации, о которой мы уже говорили.

С течением времени живопись впитала в себя все привнесенные ею новшества и стала изображение компоновать иначе. Например, Эдгар Дега писал уже картины, в которых центр мог оказаться пустым, а человеческие фигуры в фотографических ракурсах, смещенными к краю холста, а то и вовсе резко обрезанными: достаточно вспомнить хотя бы его «Площадь Согласия».

— Кстати, та же европейская творческая элита поначалу довольно холодно отнеслась к фотографии, считая ее несопоставимой с классической живописью. Дескать, художник своему ремеслу учится годами, а фотографу ничего для творчества не нужно — только сам аппарат. Как фотографии удалось «пробиться» в современное искусство?

— В этой точке зрения сошлось сразу несколько взаимосвязанных представлений. Прежде всего, убежденность в глубокой несправедливости нового положения дел. Ведь художник, в отличие от фотографа, для того чтобы создать произведение, сначала долго учится, а потом и работает, а за фотографа вроде бы все исполняет бездушная машина. Затем, идущие от романтизма вера в божественное вдохновение художника и понятие гениальности. Все они связаны с человеком, его умом и сердцем, глазом и рукой, и не имеют никакого отношения к оскорбительным для них физике, химии и оптике.

Наконец, проходящий через весь ХIХ век разлом, нескончаемая борьба между идеальным и материальным, техникой и искусством, и фотография, конечно же, ассоциировалась с техникой и материей. И только уже в XX веке, и то не сразу, стало выясняться, что дело не в одном ремесле, затраченном времени и вдохновении, а еще и в навыке авторского контроля и последовательном выборе.

Можно сказать, что вся фотография строится на двух этих принципах — контроле и выборе. Ведь фотограф мало что делает непосредственно руками, хотя это, конечно же, огрубление, и, скажем, при печати очень многое именно руками и делается. Человек оказывается вытеснен из непосредственного процесса, отданного оптике, физике и химии, и вся его созидательная работа состоит в том, что, скажем, в архитектурной практике называется «авторским надзором».

Эта трансформация авторства отлично вписалась в практику авангардного искусства. Начиная с Марселя Дюшана с его «Фонтаном» и другими «готовыми изделиями». Он ясно показал, что главное заключено совсем не в ремесле или романтической гениальности, а в алхимии авторского выбора. И еще, согласно ему же, в участии зрителя, без внимания и толкования которого произведение художника просто не способно раскрыть себя, а значит, и стать искусством.

Более того, именно авангардисты впервые стали использовать фотокамеру как творческий инструмент, демонстративно отказываясь от ручных, устаревших и «буржуазных» средств репрезентации, в первую очередь от живописи.

— Почему?

— Давайте для ясности возьмем самую решительную, беззаветную версию авангарда — раннесоветскую. Большевистская программа полного переустройства мира нарисовала совершенно захватывающие перспективы для радикальных русских художников с их бескомпромиссно утопическим сознанием. И когда они отвергали целиком старое искусство, то руководствовались очень жесткой, но последовательной логикой.

Ведь трудно спорить с тем, что живопись создает для нас некий параллельный мир, предназначенный исключительно к созерцанию, — иначе что еще с ним делать? Созерцание — пассивно, пассивность же синоним потребительства, а потребительство — непременный атрибут старого, буржуазного общества. В то время как новому, пролетарскому и коммунистическому, обществу нужны не потребители, а производители, пролетарии — строители нового мира.

Поэтому и в отражении-изображении мира нужды больше нет, она есть единственно в его производстве. Устарелые средства репрезентации мы меняем на новые, производительные — отсюда предметный и полиграфический дизайн, архитектура, пресса, активная пропаганда вместо пассивной информации и, конечно же, фотография вместо рукотворного изображения. Согласитесь, железная, хоть и предельно узкая логика.

— В этом смысле, кстати, понятно, почему фотография так удачно вписалась в современное искусство, которое пронизано пафосом отказа от монументальности, ориентировано на движение, работу с мгновением.

— В целом согласен, но позвольте продолжить только что сказанное. Первые авангардисты использовали фотокамеру не только потому, что она была эффективнее и сподручнее для решения задач их практики, но еще и в силу ее природной демократичности. Она давала самое дешевое изображение из возможных и потому была незаменима для XX века с формирующимся в нем современным массовым обществом — что при капитализме, что при социализме. А массовому обществу нужны были столь же массовые инструменты производства информации, пропаганды и искусства.

В этой логике становятся понятны идеи, формулируемые Вальтером Беньямином в его знаменитом эссе «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости», в частности полное уравнивание в правах копии/технической репродукции с оригиналом. Беньямин прямым текстом пишет о том, что фотомеханическая репродукция готического собора, уплощая, уменьшая и размножая его вид, тем самым позволяет доставить этот объект любому человеку в любой точке планеты, оказывая на этого человека якобы тот же самый эффект, что и оригинальный готический собор. То есть репродукция у него, по крайней мере по своему эстетическому, психологическому воздействию, равна оригиналу.

Собственно говоря, под знаком стирания различий между копией и оригиналом разворачивается вообще вся история искусства XX века. И в этот тренд как нельзя лучше вписывается фотография. Хотя окончательно ее саму признают искусством лишь в 1970-е годы, во многом просто по причине разочарования в прежних способах изображения.

— Можно ли говорить, что фотография как вид современного искусства прошла какую-то эволюцию? Я говорю не столько о технической стороне дела, сколько о том, как фотографы работали с реальностью.

— Это довольно сложный вопрос, однозначного ответа на него, думаю, не существует. Возьмем, к примеру, типичный фотопортрет XIX века. Первое, что бросается в глаза, — это его торжественность, пафосность. В большинстве случаев мы видим на нем тщательно одетых людей с серьезным выражением лиц. Выглядят они так, словно смотрят не в объектив, а предстают пред ликом вечности, отправляют послание потомкам. Однако уже с 1920-х годов и вплоть до сегодняшнего дня подобный пафос растворяется без остатка. Сменяясь своей противоположностью — кратким моментом времени вместо вечности, мгновенным снимком, нарочитой случайностью кадра. В этом, если совсем грубо и кратко, и состоит вся эволюция, проделанная фотографией.

Она преодолела дистанцию между тем, что похоже на картину, и тем, что очень похоже на снимок в смартфоне. И суть проделанного пути — в предельном упрощении процесса съемки. Скажем, теперь вы вместо клавесина и органа играете на двуструнной самодельной гитаре или используете сэмплы. Но именно упростившись таким образом, фотография и смогла идеально адаптироваться, встроиться в общий сложный поток цивилизационного развития. А это развитие привело к прогрессирующему ускорению и вместе с тем к еще большему упрощению.

При этом не стоит ставить знак равенства между «упрощением» и «примитивностью». Не говоря уже о том, что внешняя простота такого элемента цивилизации, как фотографии, обманчива, очевидно, что сама цивилизация как система стремительно наращивает собственную сложность. И из нее невозможно безнаказанно вытащить ни одного «простого» кусочка. Да и он сам, будучи извлечен из контекста, сразу же «умирает». То есть и в искусстве, и в фотографии все оказалось бесконечно сложно переплетено с окружающим миром. А общая тенденция к упрощению парадоксальным образом запустила процессы усложнения.

Причем вариантов здесь много. Вот, например, пара противоположных. Известнейший немецкий фотограф Андреас Гурски делает огромные фотокартины, которые часто описываются с помощью метафоры «глаз Бога». Такое всевидение, оптика, присущая его произведениям, совмещают в себе и универсальную панорамность, и множественную-премножественную детальность. А есть другой, тоже немецкий и тоже известнейший фотограф Вольфганг Тильманс, который создает не тотальные, все в себя вмещающие картины, а снимает множественные фрагменты мира, делает как бы случайные кадры разного размера, чтобы потом сконструировать из них сложную, многосоставную инсталляцию, из простых элементов синтезировать целое.

— А что происходит с самим фотографирующим, с тем, кто устанавливает аппарат и располагает нами, выбирая нужный момент? Отличается ли он от художника, который нас запечатлевает на картине?

— Отличие между ними уже в стартовой позиции. У живописца, пишущего картину, в основе всегда прямоугольник, то есть холст на подрамнике. Это его поле, границы его мира, в оранжерее которого он, так сказать, взращивает всю мировую «флору и фауну». Фотограф все делает прямо противоположным образом. Ему нет нужды ничего взращивать, все, что ему необходимо, уже есть в мире. И ему лишь нужно найти, выбрать и с помощью объектива «вырезать» желаемый фрагмент из картины окружающего мира.

Но на самом деле поймать идеальный кадр очень непросто. В коротком и таком простом движении пальца, нажимающего на спуск камеры, концентрируется весь зрительный опыт фотографа, вся умственная работа, проделанная до этого момента, все его ремесленные навыки. Как присесть, обо что облокотиться, как не привлечь ненужного внимания, успеть передать одному ему заметный в этот момент визуальный эффект, установить нужные границы кадра и т.д. — с учетом того, что у него бывает на все про все одно-единственное мгновение. Согласитесь, что в этом смысле у живописца или графика позиция гораздо более комфортная. Он может писать или рисовать долго, бесконечно что-то менять, удалять, переосмысливать.

— Как Instagram повлиял — если, конечно, повлиял — на фотографию? Лично у меня возникает такое ощущение: сегодня фотографий стало так много, что в них самих пропал какой бы то ни было смысл и что, в сущности, современные технологии, демократизировавшие фотографию до предела, вместе с тем привели и к ее девальвации. Так ли это?

— Для «высокой» фотографии — фотографии как искусства — Instagram не угроза. Для современного искусства, использующего фотографию по своему усмотрению, — тем более. А то, что сегодня все неустанно «щелкают», в этом тоже нет ничего нового, изменились только масштабы. Это же не значит, что не стало классных фотографов. Более того, фотография — такая странная вещь, что и любой дилетант может вдруг снять хорошую фотографию.

— Мне в этой связи вспоминается размышление Сьюзен Зонтаг из ее книги «О фотографии», где она пишет: «Острая потребность в красоте, нежелание исследовать то, что под поверхностью, упоение телесным миром — все эти составляющие эротического чувства проявляются в удовольствии, которое мы получаем от фотографии. Но у этого удовольствия есть оборотная сторона, чуждая свободе. Не будет преувеличением сказать, что у людей образуется фотозависимость: потребность превратить опыт в способ видения». С похожей, по сути, критикой фотографии выступал и философ Ролан Барт. Он говорил, что фотография — это все-таки про работу с внешней оболочкой явления, про уход от концентрации на внутренней, скрытой глубине. В этом смысле нельзя ли сказать, что фотография, особенно с появлением Instagram, привнесла в современное искусство этот акцент на внешнем, который был оплачен отказом от внутреннего, и что эта привычка — скользить по поверхности — «заразила» современного человека?

— Конечно, фотография — это по определению искусство внешнего, или медиум внешнего. Но и живопись в каком-то смысле — тоже про внешнее. На самом деле подавляющая часть живописцев всегда всего лишь осваивала ремесло корректного перенесения того, что перед глазами, на прямоугольник холста, а любая глубина была исключительно уделом одиночек. Она и возникает в мастерстве акцентов, системе выборов. Я к тому, что визуальное, изображающее мир искусство всегда фиксирует поверхность, при этом пытаясь говорить о чем-то внутреннем. Посему проблемы, о которой пишет Сьюзен Зонтаг, по сути, и нет.

Что же касается Ролана Барта, то мне кажется, что об оппозиции видимое/невидимое, внутреннее/внешнее он высказывался гораздо убедительнее. Вспомнить хотя бы важнейшую историю из его последней книги Camera lucida. Он описывает, как сразу после смерти любимой матери бесконечно долго искал и не находил в семейных альбомах фотографию, соответствующую ее подлинному образу, который Барт хранил, что называется, в глубине сердца. Поиски продолжались до того момента, пока он не обнаружил неизвестное ему до той поры изображение маленькой девочки, сделанное в Зимнем саду. Такой свою мать он, конечно же, никогда не знал и не видел, но при этом на снимке из Зимнего сада он увидел ее именно такой, какой знал в собственном сердце. Узнал образ самого близкого, любимого человека.

О чем эта история? О невидимом, внутреннем образе, нашедшем соответствие в изображении внешнем. Вот вам и еще одна из множества версий прочтения фотографии.

Фотографии:  Рамиль Ситдиков/Риа Новости. На анонсе — Photoxpress.

Фотография как искусство — презентация, доклад, проект

Вы можете изучить и скачать доклад-презентацию на тему Фотография как искусство. Презентация на заданную тему содержит 29 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь проигрывателем, если материал оказался полезным для Вас — поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций в закладки!

Презентации» МХК» Презентация Фотография как искусство

Слайды и текст этой презентации

Слайд 1

Описание слайда:

Фотография как искусство

---

Слайд 2

Описание слайда:

Фотография — это искусство получения фотоснимков, где основной творческий процесс заключается в поиске и выборе композиции, освещения и момента (или моментов) фотоснимка. Такой выбор определяется умением и навыком фотографа, а также его личными предпочтениями и вкусом, что также характерно для любого вида искусства. Фотография — это искусство получения фотоснимков, где основной творческий процесс заключается в поиске и выборе композиции, освещения и момента (или моментов) фотоснимка. Такой выбор определяется умением и навыком фотографа, а также его личными предпочтениями и вкусом, что также характерно для любого вида искусства.

---

---

Слайд 3

Описание слайда:

История развития фотографии как искусства Сегодня ни у кого не вызывает сомнений тот факт, что художественная фотография является искусством, отражающим творческое видение фотографа как художника. Однако еще на заре развития фотографии в течение нескольких десятилетий острым стоял вопрос о том, можно ли отнести фотографию к искусству или это просто не более чем средство фиксации и передачи информации об окружающем нас мире.  Долгие годы потребовались фотографии на то, чтобы отвоевать собственное место в мире искусства, наряду со скульптурой, кинематографом, живописью и театром. Зато теперь любой фотограф может выразить свое отношение к окружающему миру и явлениях посредством таких средств фотографии как ракурс, цвет или выбор момента съемки. Когда появились первые фотографические отпечатки, никто не принимал фотографию всерьез. Она считалась лишь простым баловством и детской забавой для ограниченного круга людей. В первые годы после своего возникновения фотография в силу технических ограничений не могла претендовать ни на документальность, ни на какую-либо художественную ценность, ни на свободу световых решений и творческого видения фотографа. В XIX веке было широко распространено мнение о том, что к искусству можно отнести только рукотворное произведение. Соответственно, фотографические отпечатки, которые получали при помощи различных физико-химических методов, просто не могли претендовать на статус искусства. Даже несмотря на то, что уже первое поколение фотографов пытались несколько оживить композицию своих снимков какими-либо интересными приемами и подходами, тем не менее, фотография так и продолжала оставаться в глазах общественного мнения забавной безделушкой. Фотография рассматривалась критиками того времени только как механическая копия реальности, способная быть лишь подобием художественной живописи. Вплоть до 20 – 30-х годов XX столетия в статьях и публикациях всерьез рассматривался вопрос о том, является ли фотография искусством или это всего лишь прикладное, практическое умение, где ключевую роль играет техника, а не сам фотограф.

---

Слайд 4

Описание слайда:

Кадры, с которых началась история фотографии. Почти 200 лет назад француз Жозеф Нисефор Ньепс намазал на металлическую пластину тонкий слой асфальта и выставил ее на солнце в камере-обскуре. Так он получил первое в мире «отражение видимого». Снимок получился не самого лучшего качества, но именно с него начинается история фотографии. 

---

Слайд 5

Описание слайда:

Первая цветная фотография Самое первое цветное фото было сделано в 1861 году английским физиком Джеймсом Клерком Максвеллом. Фотография называется «Ленточка из шотландки» 

---

Слайд 6

Описание слайда:

Первый фотомонтаж В 1858 г. Генри Пич Робинмон выполнил первый фотомонтаж, скомбинировав несколько негативов в одно изображение. Это «Fading Away» — комбинация из пяти негативов, где изображена смерть девочки от туберкулеза. 

---

Слайд 7

Описание слайда:

Первый фотопортрет Первый фотопортрет в мире — автопортрет Роберта Корнелиуса, 1839 год. После снятия крышки с фотообъектива, он бросился в кадр, где просидел больше минуты до закрытия линзы. Слова, написанные на обратной стороне собственной рукой Корнилия, гласят: «Первая картина в свете когда-либо. 1839 год. » 

---

Слайд 8

Описание слайда:

Первая фотография человека Первой фотографией человека считается «Бульвар дю Тампль» — снимок, сделанный Луи Дагером в конце 1838 года. В левом нижнем углу можно различить фигурку человека, которому чистят ботинки. Он оставался неподвижным достаточно долго, чтобы попасть на фотопластинку. Экспозиция была не менее 10 минут.

---

Слайд 9

Описание слайда:

Первая фотография из Космоса Самая первая фотография в космосе была сделана 24 октября 1946 года. Снимок был выполнен с ракеты V-2 с помощью 35-мм камеры.  

---

Слайд 10

Описание слайда:

Первая фотография Луны 7 октября 1959 года, впервые была софотографирована обратная сторона Луны. Несмотря на плохое качество, снимки обеспечили СССР приоритет в наименовании объектов на поверхности Луны. 

---

Слайд 11

Описание слайда:

Первая аэрофотосъемка Первая аэрофотосъемка была проведена французским изобретателем Гаспаром Турнаш в 1858 году. Он фотографировал Париж с воздушного шара. 

---

Слайд 12

Описание слайда:

Первый рентгеновский снимок Первым рентгеновским снимком был снимок кисти жены Вильгельма Рентгена, 1895 год. 

---

Слайд 13

Описание слайда:

Первое подводное фото Самое первое подводное фото было сделано Уильямом Томпсоном в 1856 году. Во время съемки фотоаппарат был установлен на дне моря недалеко от Веймонта (Великобритания) 

---

Слайд 14

Описание слайда:

Первая подводная цветная фотография Первая подводная цветная фотография была сделана в Мексиканском заливе доктором  Лонгли Чарльзом Мартином в 1926 г. 

---

Слайд 15

Описание слайда:

Первая цветная фотография Земли Одно из самых первых фото Земли из космоса было сделано экипажем «Аполлон-17» 7 декабря 1972 года. 

---

Слайд 16

Описание слайда:

Первые 3D фотографии В 1920-х годах компания Cavenders, продающая сигареты, искала способ повысить продажи. Чтобы сделать упаковку более привлекательной, он обратился к знакомому фотографу, Дердену Холмсу, с просьбой придумать что-нибудь цепляющее взгляд. Фотограф предложил необычную идею: напечатать на пачках сигарет по два снимка рядом друг с другом, один — для левого глаза, другой — для правого. При этом изображение на одном снимке было чуть-чуть смещено в сторону, и при взгляде на снимки создавалось ощущение глубины фотографии, эффекта 3D. Сегодня эти снимки преобразовали в gif-изображения и получили настоящий и привычный эффект 3D.

---

Слайд 17

Описание слайда:

---

Слайд 18

Описание слайда:

Жанры фотографии В XX веке, когда техника фотографии достаточно усовершенствовалась, появились достаточно чувствительные фотографические материалы и удобные фотоаппараты, фотография превратилась из технического курьёза в один из типов изобразительного искусства, родственного живописи, но отличающегося от неё. Всего же за историю развития фотографии сложилось множество жанров:

---

Слайд 19

Описание слайда:

---

Слайд 20

Описание слайда:

---

Слайд 21

Описание слайда:

---

Слайд 22

Описание слайда:

---

Слайд 23

Описание слайда:

---

Слайд 24

Описание слайда:

Рекламная фотография В коммерческой, как и в художественной фотографии, можно выделить традиционные жанры. Распространены такие виды рекламной фотографии, как портрет, пейзаж, натюрморт, сюжетные сцены. Отличие рекламной фотографии в том, что она говорит нам только о качестве какого-либо товара. Портрет в рекламе — это не изображение конкретного человека, а образ пользователя продукта — либо сам идеальный потенциальный потребитель, сведенный к собирательному образу, либо мифический образ-приманка, на которого среднестатистический зритель хотел бы походить. Основная задача рекламной фотографии — продемонстрировать удовольствие от потребления и вызвать желание приобретения той или иной вещи. 

---

Слайд 25

Описание слайда:

Жан-Ив Лемуань

---

Слайд 26

Описание слайда:

---

Слайд 27

Описание слайда:

---

Слайд 28

Описание слайда:

---

Слайд 29

Описание слайда:

---

Tags Фотография как искусство

Похожие презентации

Презентация успешно отправлена!

Ошибка! Введите корректный Email!

Email

Как фотография стала (современным) искусством

В программе «Физики и лирики» Александр Пушной и Маргарита Митрофанова беседовали с Александрой Першеевой о том, как фотография боролась за статус вида искусства и почему художественный образ порой оказывается важнее документальной точности. Запись беседы мы дополняем размышлением о месте фотографии в современном искусстве.

История новых медиа обычно начинается с фотографии, ведь именно изобретение технологий, позволяющих мгновенно фиксировать видимый облик реальности, стало частичным воплощением мечты о техническом прогрессе, о времени автоматонов, машин, которые «все делают сами». С этим была связано быстрое обретение фотографией (а затем и кинематографом) популярности и в том же была причина доверия к фотографическому образу как к документу: аппарат запечатлевает наличествующую реальность без той доли субъективности, которая присуща человеческому восприятию, все происходит само собой.

Впрочем, по тем же причинам фотографию (а затем и кино) долгое время отказывались признать формой визуального искусства. Ведь музы направляют воображение и творческий гений человека, а не открывают затвор аппарата.

О.Г. Рейландер «Два образа жизни», 1857

Как выйти из этого затруднения? Ранний кинематограф подражает театру, а ранняя фотография — живописи, воспроизводя привычные визуальные паттерны, композиционные приемы, литературные сюжеты и благородную риторику классического искусства. Ярким, хотя и не очень удачным примером такого переноса старых методов в новый формат стала собранная из нескольких снимков композиция Оскара Густава Рейландера «Два образа жизни», где мы видим почтенного старца и двух его сыновей, один из которых склоняется к пороку (аллегорически представленному через образы бесстыдно обнаженных девушек), а другой — к добру (благонравные девушки).

Куда более удачным примером встраивания фотографии в живописные визуальные коды можно считать творчество Джулии Маргарет Камерон, смело уходившей в сторону от технологических требований «хорошей» фотографии, ради художественного эффекта и выразительности образа. Например, она допускала в снимках такой явный «брак» как нерезкость или смазанность контуров. Камерон удалось создать целую вселенную в своих фотографических образах сочетая приемы символистов и прерафаэлитов.

В дальнейшем фотография продолжит движение в фарватере модернистского, а затем и постмодернистского искусства. Можно говорить о дадаизме, конструктивизме, сюрреализме в фотографии, о неодадаистских фотоколлажах и шелкографии Уорхола. В 1990-ые на сцену выходит поколение фотографов Дюссельдорфской школы, поставивших вопрос о том, как в их медиуме «художественность» отменяет (или усиливает?) документальность, изначально вшитый в фотографию «реализм».

В XXI веке обозначатся новые художественные стратегии работы с фотографией, о которых пишет Шарлотта Коттон, опять-таки, указывая на маятниковое движение между «правдой» и условностью на фотоснимке в цифровой современности.

В тот же период происходит важный технологический сдвиг: появляются компактные, надежные и удобные в обращении фотоаппараты. Знаменитая Leica с объективами Carl-Zeiss и другие модели камер, которые теперь становятся не просто инструментом, а как бы вторым набором глаз для фотографа. Постепенно формируется идея, что эти «глаза» могут открыть нам доступ к новому типу видения.

Neue Optik — Новая оптика, Новое видение — так называлось одно из первых собственно модернистских течений в фотографии. Оно сложилось в 1920-е годы в Германии под воздействием идей авангардной живописи и дизайна школы Баухаус. Ласло-Мохой Надь уже не стремится подражать классической пейзажной живописи, фотографируя город, напротив, он фокусирует внимание на геометрии, абстрагированной от повседневности и «человеческой» точки зрения. Это высказывание о городе как пространстве столкновения сил и напряжении визуальных конструкций, поиск того уникального, нового языка, прямого, строго и технически совершенного как радиобашня из металлических балок. Языка, способного передать логику современности.

В том же направлении двигались и фотографы Братства плетеного кольца, которые называли себя пикториалистами, то есть фотографами-живописцами (от слова «pictorial» — живописный). С помощью сложных техник фотопечати они обрабатывали снимки, творчески преображая слепок реальности, создаваемый фотоаппаратом. Как и символисты они делали ставку на то, что искусство может и должно не подражать видимой реальности, а делать видимым нечто, лежащее как бы под ее поверхностью, открывать истинный духовный облик мира.

Однако физическая реальность все же настойчиво напоминала о себе и требовала к себе внимания. Начало XX век характеризуется ростом мегаполисов, ускоренными темпами индустриализации, социальными сдвигами, мировой войной… Так на смену одухотворенно-мечтательному пикториализму приходит «прямая фотогоафия», способная встроиться в новый четко расчерченный и конкретный мир, лишенный иллюзий. Эдвард Стайхен, в 1903 году фотографировавшийся с палитрой и кистью в руках, теперь обращает свой объектив на паттерны урбанизма, а молодой Пол Стренд снимает улицы как «решетки», структуры, которые, как покажет впоследствие Розалинда Краусс, стали основой модернистского представления о современности.

Фотография

Направление

Фотография

Фотография — форма визуальной коммуникации, которая, оставаясь технически доступной широкому кругу людей, требует мощного теоретического бэкграунда и постоянной практики. Школа дизайна предлагает обучение фотографии по двум образовательным траекториям — фэшн-фотография и арт-фотография.

Студенты направления «Фотография» получают уникальные для российского вуза знания в области взаимодействия фотографии с дизайном, видеоартом, инсталляцией.

Как поступить

Читать онлайн «Фотография. Искусство обмана», Ираклий Шанидзе – ЛитРес

Irakly Shanidze

Photography: The Art of Deception

© 2016, Irakly Shanidze

First published in the United States by Amherst Media. Pulished by arrangement with Amherst Media (USA) via Perseus Books (USA) and Alexander Korzhenevski Agency (Russia)

Опубликовано по договоренности с Amherst Media (США) через Perseus Books (США) и агентством Александра Коженевского (Россия)

Серия «Фотография как искусство»

© Шанидзе И., фото, 2018

© Оформление. ООО «Издательство «Эксмо», 2018

* * *

Посвящение

Посвящаю эту книгу моей замечательной жене Ирине, которая, вопреки всякому здравому смыслу, всегда поддерживает меня.

«Я всегда говорю правду. Даже тогда, когда лгу».

Аль Пачино

Введение

Фотография – это ложь. Ну сами подумайте: фотографы создают двухмерные, зачастую напрочь лишенные цвета изображения и надеются, что все поверят, будто все так и было на самом деле. Удивительнее всего то, что люди клюют на это с легкостью необычайной, словно желая быть обманутыми. Более того, люди упорно верят, что сфотографировать можно только то, что на самом деле находится перед глазами.

Разумеется, я не собираюсь отрицать того, что объектив (оптическая система, фокусирующая свет внутри фотоаппарата) видит только то, что находится перед ним, но, поверьте, все не так просто. Кстати, а вы знаете, что слово «объектив» с латинского переводится как «честный»? Определенно, тот, кто придумал это название, сделал это намеренно.

Так уж вышло, что фотограф с фотоаппаратом, стоящий между зрителем и реальностью, неизбежно искажает последнюю, хотел бы он этого или нет. Индивидуальные особенности восприятия самого фотографа и технические ограниченния его оборудования приводят к тому, что фотография может сильно отличаться от той сцены, которую увидел бы зритель, глядя на нее невооруженным глазом. Следовательно, фотограф, не подозревающий о своем врожденном таланте искажать действительность, может запросто испортить фотографию, просто щелкнув затвором.

К счастью, кое-где все еще встречаются хорошие фотографы. Это как раз те, кто понимают суть вышеупомянутых ограничений и намеренно используют их для дозирования степени правдоподобности своих фотографий.

Да, фотография – это ложь, но она дает нам удивительную возможность с помощью обмана говорить самую настоящую правду, и эта книга подробно рассказывает, как это делается.

Дополнительные материалы

Дополнительные материалы к этой книге доступны для скачивания на сайте www.AmhersMedia.com/downloads. Пароль: deception.

1

Основы фотообмана

«Реальность – просто иллюзия, хотя и весьма устойчивая».

Альберт Эйнштейн.

Фигура 1.1

Фотография – это иллюзия. Все начинается с самого понятия: если на снимке что-то есть, значит, оно обязательно было перед объективом. Однако в реальности редко все выглядит, как на фотографии. Предметы могут казаться ближе или дальше, чем на самом деле, или вообще исчезнуть. Более того, на фотографии мы часто можем увидеть то, чего в действительности вообще не было. Плоское изображение объекта на бумаге иногда кажется настолько реалистичным, что нас так и тянет заглянуть, что же там находится позади. И этот перечень можно продолжить.

Что такое хорошая фотография?

Фигура 1.2

Однажды я сидел в кафе и ждал арт-директора, который опаздывал на встречу. Мне было абсолютно нечем заняться, разве что развлечься чем-то недостойным, например, подслушиванием разговора за соседним столиком. События там развивались следующим образом:

Персонаж 1: Помнишь фотографию, которую я показывал тебе на прошлой неделе?

Персонаж 2: Смутно. Что там было?

Персонаж 1: Ну, блондинка – просто куколка. И деревья.

Персонаж 2: Нет, не припоминаю.

Персонаж 1: Но… Она смотрит тебе прямо в глаза, и на ней такое платье еще… Помнишь?

Персонаж 2: Ах да, да, точно! Слушай, сегодня вечером наши играют за кубок Стэнли. Хочешь, пойдем ко мне и посмотрим на 55-дюймовом экране?

Персонаж 1: Супер, давай! Там рука девушки лежит на колене. Красиво же?

Персонаж 2: Да, классно. Это… А кто она? Красотка прям! Познакомишь?

Персонаж 1: Это просто коллега. Она замужем, и все такое.

Персонаж 2: Так на фига было ее фотографировать?

Персонаж 1: Что значит «на фига»? Красиво же!

Персонаж 2: Как часто ты меняешь передние шины на своей Мазде «RX7»?

Сюрреалистический разговор между незнакомцами продолжался еще минут двадцать, пока они, расплатившись, не ушли. Слушая их, я наслаждался: один совершал попытку за попыткой говорить о, видимо, недавно сделанной им фотографии, тогда как второй отчаянно пытался повернуть разговор в другое русло.

Это было похоже на фарс, но, как фотограф, я серьезно задумался. Почему тот парень увиливал от разговора? Я представил себя на его месте. Определенно, эта фотография была последним пунктом в списке его интересов, вероятно, по одной из двух причин: либо фотография была ему безразлична, либо именно этот портрет блондинки в платье и на фоне деревьев не задел его за живое.

Я склонен предположить, что вторая версия более правдоподобна. По своему опыту знаю, что хорошая фотография способна тронуть кого угодно, вне зависимости от того, увлекается он фотографией или нет.

Что такое «хорошо»?

Итак, почему мы бываем столь единогласны во мнении, что, к примеру, вот эта фотография – шедевр, а вот ту лучше больше не вспоминать? По каким критериям мы их различаем, и почему это вообще важно? В сущности, все эти вопросы сводятся к сакраментальному: «Как добиться мирового признания?» Теперь вы понимаете, почему это так важно?

Конечно, если речь заходит о фотографии, не каждый ставит пред собой цель завоевать весь мир, но я пока еще не встречал человека, которому не хотелось бы, чтобы его снимки разглядывали с неподдельным интересом, а не бегло просматривали с плохо скрываемым нетерпением.

Что такое «хорошая» фотография? Чем она отличается от плохой? В искусстве не существует универсальных рецептов «качества». Более того, из-за субъективности человеческого восприятия невозможно создать шедевр, который в равной мере (или хотя бы совсем чуть-чуть) понравился бы всем. Однако знание базовых критериев визуальной гармонии действительно помогает с высокой степенью успеха делать достойные фотографии, не навевающие сон на зрителей.

Художественные и технические критерии

Когда я учился в средней школе, нам за сочинения выставляли двойную отметку по пятибалльной шкале. Первая оценка ставилась за содержание, а вторая – за грамотность. Получить 5/2 было обидно до слез, а наоборот – еще хуже. Так вот, это я к тому, что система оценки в фотографии практически та же: она представляет собой сочетание художественных и технических критериев.

В этом месте вам уже, наверное, хочется спросить: «Так мы будем говорить о лжи?» Разумеется, будем! По сути, основная деятельность почти каждого фотографа заключается в манипулировании сознанием зрителя за деньги или ради личного удовольствия. Это достигается целым набором технических и творческих средств, которыми следует пользоваться мастерски, чтобы сделать ложь убедительной и захватывающей (фигура 1. 2).

Техническое совершенство

Основополагающим критерием технического совершенства служит степень соответствия ваших фотографических намерений тому, что в итоге получилось. Кроме того, отдельные критерии, такие как резкость, экспозиция, композиция, чистота (отсутствие пыли на светочувствительном элементе, пятен, царапин и т. д.) и качество печати (цветопередача и естественность цветовых переходов), помогут объективно определить, все ли в порядке с техническим качеством вашей фотографии.

В большинстве случаев изображение (по крайней мере, его смысловая часть) должно быть четким, демонстрировать полную тональную гамму и быть сбалансированным по композиции. С другой стороны, размытость изображения может сделать его более динамичным, и преобладание темных или светлых тонов фактически определяют ее эмоциональное содержание. Легкий дисбаланс в композиции или цветовая дисгармония могут в огромной степени повлиять на восприятие фотографии. Важно, что любая «неправильность» должна внести предсказуемый вклад в то, как зритель воспримет изображение.

Небесполезно всегда помнить, что утверждения из серии «я – художник, я так вижу» – это всего лишь отговорки, от которых результаты вашей творческой деятельности лучше не становятся. Если вы хотите применить какой-то нетрадиционный подход, сначала удостоверьтесь, что он действительно пойдет на пользу вашей фотографии.

Для фотографа демонстрация фотографии перед публикой не то же самое, что устный экзамен, где от вас ожидают только технического совершенства. Именно здесь, перед зрителями, становится ясно, что хорошая фотография – нечто большее, чем, скажем, прекрасно оформленный телефонный справочник, напечатанный без единой орфографической ошибки.

 

Если, глядя на вашу фотографию, зритель восклицает: «Великолепная композиция!» или «Замечательный выбор объектива!», вы можете быть совершенно уверены, что снимок не удался. Техника – это всего лишь средство выражения видения художника, представленного в виде визуальных метафор. В этом смысле фотография на удивление схожа с поэзией, где одной способности рифмовать слова явно недостаточно для того, чтобы сочинить что-нибудь вроде этого (из стихотворения лорда Байрона «Первый поцелуй любви»):

 
Пусть старость мне кровь беспощадно остудит,
Ты, память былого, мне сердце чаруй!
И лучшим сокровищем памяти будет
Он – первый стыдливый любви поцелуй!^[1]
 

Пример этот довольно простой, поэтому позвольте мне провести параллель с «Евгением Онегиным» Пушкина. Несмотря на разительно отличающиеся стихотворный размер и стиль, оба произведения похожи в том смысле, что никто, находясь в здравом уме, не скажет, что Байрон действительно говорит о том, что с возрастом температура тела снижается, а в поэме Пушкина речь идет о каком-то никчемном повесе, застрелившем своего дружка из-за соседской дочери. Хорошие стихи никогда не воспринимаются буквально, как и хорошая фотография.

Хороший портрет – это отнюдь не резкое и красиво повернутое к свету изображение передней части головы человека. Зритель увидит не просто цвет глаз и форму носа, но и характер: мудрость, тщеславие, доброту, хитрость, храбрость, женственность…

Хороший пейзаж – это не закат солнца, водопад или камень, поросший мхом. Это свежесть, тепло, одиночество, опасность, спокойствие…

Хорошая репортажная фотография не ограничивается изображением прыгающего с парашютом десантника, направо и налево размахивающего автоматом. Она показывает героизм или, возможно, бесчувственность насилия.

Субъективное восприятие

Примеры приводить можно до бесконечности, но вы уже наверняка поняли, что искусство должно воздействовать на зрителя посредством абстрактных, универсальных понятий. Почему? Потому что зритель – ленивый эгоцентрист, не желающий тратить ни одной лишней секунды на то, что ему кажется неинтересным и недостаточно простым для понимания. Людям любопытно то, что значимо для них самих, а именно универсальные идеи способны восприниматься как важные на личном уровне. Это означает, что зрителя больше интересует то, что фотография выражает, а не то, что на ней изображено.

Кое-кто из читателей может возразить словами вроде «Как может не понравиться этот закат солнца? Я сделал такой снимок восемь лет назад, и всякий раз, когда смотрю на него, у меня перехватывает дыхание от воспоминаний! Как можно не чувствовать этого? Вероятно, это оттого, что я слишком утончен и чувствителен, а они просто толстокожие невежды!» Поразительно, что подобное мнение вполне допустимо. Автор фотографии и вправду, глядя на нее, испытывает эмоции более интенсивные, чем все остальное человечество. Однако это происходит не потому, что зрители – бесчувственные болваны, а по совсем другой причине.

Фигура 1.3

Секрет в том, что называется субъективным восприятием. Фотографу его снимок так дорог потому, что тот, как якорь, связывает его с событиями, происходившими в момент съемки: брызги волн, запах водорослей, ощущение свободы оттого, что это был первый день отпуска, и т. п. Однако для всех остальных, не имевших счастья стоять рядом, это просто закат солнца. Именно здесь видно преимущество универсальных концепций. Они понятны всем и не подлежат оспариванию, и поэтому близки каждому из нас.

Глядя на фотографию, выражающую основополагающую идею, допустим, радость, печаль, тоску или неизвестность, зритель испытывает эмоцию, вызванную восприятием этой идеи, например, как любой, смотрящий на фотографию (фигура 1.3). Разумеется, это относится и к автору снимка. В результате зритель разделяет переживание фотографа, и сопереживание вызывает у обоих ощущение эмоциональной близости. Это всегда чрезвычайно приятное переживание. Должно быть, вам не раз приходилось испытывать его – в момент, когда вас внезапно захлестывает волна симпатии к совершенно незнакомому человеку, который, как оказалось, разделяет ваши музыкальные вкусы или которому нравится тот же самый фильм. Когда показываешь кому-нибудь фотографии, эффект может оказаться даже сильнее, так как зритель понимает, что только вы и никто другой доставили ему это удовольствие, поскольку именно вы сделали этот снимок. Вы же, в свою очередь, благодарны зрителю за его искреннюю оценку вашего произведения.

Эмоции, вызванные таким переживанием, сильны настолько, что прочно ассоциируются с изображением, поэтому оно надолго сохраняется в памяти зрителя. Дело в том, что эмоции запоминаются легко, поскольку мозг воспринимает их непосредственно, в то время как информация воспринимается путем ассоциации.

«Легко вам говорить! – возможно, подумали вы. – Все, что надо делать, это снимать концептуальные визуальные метафоры, и вы обречены на успех! Но как мне это сделать?» Спокойно, у вас в руках книга, полная соответствующих хитростей!

  Цитируется в переводе В. Я. Брюсова – http://www.stihi-xix-xx-vekov.ru/bayron49.html. (Здесь и далее примечания переводчика).

история фотографии | История, изобретения, художники и события

Луи-Жак-Манде Дагер: Вид на бульвар Тампль, Париж

Смотреть все СМИ

Ключевые люди:

Эдвард С. Кертис Альфред Штиглиц Эдвард Уэстон Уокер Эванс Ансель Адамс

Похожие темы:

технология фотографии голография уличная фотография кинематография камера

Просмотреть весь связанный контент →

история фотографии , метод записи изображения объекта посредством действия света или связанного с ним излучения на светочувствительный материал. Слово, происходящее от греческого photos («свет») и graphein («рисовать»), впервые было использовано в 1830-х годах.

В этой статье рассматриваются исторические и эстетические аспекты фотосъемки. Для обсуждения технических аспектов среды см. фотография, техника. Для рассмотрения киносъемки или кинематографии см. Кино, история и технология кино.

Общие соображения

Как средство визуальной коммуникации и выражения фотография обладает особыми эстетическими возможностями. Для того чтобы их понять, нужно сначала разобраться в характеристиках самого процесса. Одной из важнейших характеристик является оперативность. Обычно, но не обязательно, записываемое изображение формируется объективом камеры. Под воздействием света, формирующего изображение, чувствительный материал претерпевает изменения в своей структуре, формируется скрытое (но перевернутое) изображение, обычно называемое негативом, и изображение становится видимым при проявлении и постоянным при фиксации тиосульфатом натрия, называемым «гипо». ». С современными материалами обработка может происходить немедленно или может быть отложена на недели или месяцы.

Существенные элементы изображения обычно устанавливаются сразу в момент экспонирования. Эта характеристика уникальна для фотографии и отличает ее от других способов создания изображений. Казалось бы, автоматическая запись изображения с помощью фотографии придала процессу ощущение подлинности, которого нет ни в одной другой технике создания изображений. Фотография обладает в массовом сознании такой очевидной точностью, что поговорка «камера не лжет» стала принятым, хотя и ошибочным, клише.

Викторина «Британника»

Знай своих фотографов

Сколько известных фотографов ты можешь назвать? Проверьте свои знания с помощью этого теста.

Такое понимание предполагаемой объективности фотографии доминировало в оценках ее роли в искусстве. В начале своей истории фотографию иногда принижали как механическое искусство из-за ее зависимости от технологий. Однако на самом деле фотография — это не автоматический процесс, который подразумевает использование камеры. Хотя камера обычно ограничивает фотографа изображением существующих объектов, а не воображаемых или интерпретирующих видов, опытный фотограф может привнести творческий подход в процесс механического воспроизведения. Изображение можно изменить с помощью различных объективов и фильтров. Тип чувствительного материала, используемого для записи изображения, является дополнительным контролем, а контраст между светом и тенью может быть изменен путем изменения проявления. При печати негатива у фотографа есть широкий выбор физической поверхности бумаги, тонального контраста и цвета изображения. Фотограф также может создать полностью искусственную сцену для фотографирования.

Самый важный элемент управления — это, конечно же, видение творческого фотографа. Он или она выбирает точку обзора и точный момент экспозиции. Фотограф воспринимает основные качества объекта и интерпретирует его в соответствии со своим суждением, вкусом и вовлеченностью. Эффективная фотография может распространять информацию о человечестве и природе, фиксировать видимый мир и расширять человеческие знания и понимание. По всем этим причинам фотографию справедливо называют самым важным изобретением со времен печатного станка.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться сейчас

Изобретение медиума

Предшественники

Предшественником камеры была камера-обскура, темная камера или комната с отверстием (позже линзой) в одной стене, через которое проецировались изображения предметов за пределами комнаты противоположная стена. Вероятно, этот принцип был известен китайцам и древним грекам, таким как Аристотель, более 2000 лет назад. В конце 16 века итальянский ученый и писатель Джамбаттиста делла Порта продемонстрировал и подробно описал использование камеры-обскуры с линзой. В то время как художники в последующие века обычно использовали вариации камеры-обскуры для создания изображений, которые они могли проследить, результаты этих устройств зависели от навыков рисования художника, и поэтому ученые продолжали поиск метода полностью механического воспроизведения изображений.

В 1727 году немецкий профессор анатомии Иоганн Генрих Шульце доказал, что потемнение солей серебра, явление, известное с 16 века, а возможно, и раньше, вызывается светом, а не теплом. Он продемонстрировал этот факт, используя солнечный свет для записи слов на солях, но он не пытался сохранить изображения навсегда. Его открытие в сочетании с камерой-обскурой обеспечило основную технологию, необходимую для фотографии. Однако на самом деле фотография возникла только в начале 19 века.

Ранние эксперименты

Нисефор Ньепс, изобретатель-любитель, живущий недалеко от Шалон-сюр-Сон, города в 189 милях (304 км) к юго-востоку от Парижа, интересовался литографией, процессом, при котором рисунки копируются или рисуются вручную на литографическом камень, а затем напечатан чернилами. Не имея художественного образования, Ньепс изобрел метод, с помощью которого свет мог рисовать нужные ему картины. Он смазал гравюру маслом, чтобы сделать ее прозрачной, а затем поместил ее на пластину, покрытую светочувствительным раствором иудейского битума (разновидность асфальта) и лавандового масла, и выставил установку на солнечный свет. Через несколько часов раствор под светлыми участками гравюры затвердел, а раствор под темными участками остался мягким и его можно было смыть, оставив постоянную точную копию гравюры. Назвав процесс гелиографией («рисунок солнца»), Ньепс с 1822 года преуспел в копировании масляных гравюр на литографский камень, стекло и цинк, а с 1826 года — на оловянные пластины.

В 1826/27 году с помощью камеры-обскуры, оснащенной оловянной пластиной, Ньепс сделал первую удачную фотографию с натуры — вид на двор своего загородного поместья Гра из верхнего окна дома. Время экспозиции составило около восьми часов, в течение которых солнце двигалось с востока на запад, так что казалось, что оно светит с обеих сторон здания.

Ньепс создал свою самую успешную копию гравюры, портрет кардинала д’Амбуаза, в 1826 году. Он был выставлен примерно через три часа, а в феврале 1827 года он протравил оловянную пластину, чтобы сформировать печатную форму, и сделал два оттиска. вытащил. Бумажные отпечатки были конечной целью гелиографического процесса Ньепса, однако все другие его попытки, сделанные с помощью камеры или с помощью гравюр, были недоэкспонированы и слишком слабы для травления. Тем не менее открытия Ньепса указали путь, по которому другие должны были следовать с большим успехом.

Непрекращающиеся дебаты • Образ жизни кинопроизводства

Появление цифровых изображений изменило все. Теперь сделать отличный снимок стало намного проще, и кажется, что разница между неудачником и классикой заключается в глазах смотрящего.

Мы смотрим на изображение и быстро о нем судим. Это художественная картина? Это трогает нас? Нам это нравится?

Вопрос о том, является ли фотография искусством, обсуждается уже много лет. Тем не менее, мы должны сначала понять определение того, что такое искусство на самом деле.

Искусство определяется как «выражение или применение человеческого творческого мастерства и воображения, как правило, в визуальной форме, такой как живопись или скульптура, с целью создания произведений, которые ценятся прежде всего за их красоту или эмоциональную силу».

Является ли фотография искусством?

Является ли фотография искусством?

Когда вы смотрите на картину или скульптуру, вы видите результаты собственного мастерства, опыта и видения художника.

Когда вы смотрите на изображение, сделанное фотографом, даже если оно было сделано кем-то с небольшим или нулевым опытом или видением, вы все равно видите результаты их решений.

Другими словами, их личный выбор, какой объектив использовать, где стоять, в какое время суток делать снимок, как долго должен быть открыт затвор — все это решения, которые они принимали на основе своего уровня навыков и что они знали в то время.

В некоторых случаях они могли даже установить освещение и использовать реквизит и фильтры. Дело в том, что фотография — это нечто большее, чем просто наведение камеры на что-то и нажатие кнопки.

Это может и не быть искусством, но почти всегда это нечто, созданное человеком с намерением.

Таким образом, термин «художественный фотограф» является излишним, поскольку каждый фотограф должен быть художником, чтобы делать хорошие снимки.

 

Я всегда считал фотографию искусством. Но я не уверен, что смог бы убедительно обосновать это даже пять лет назад.

Причина в том, что цифровые камеры значительно упростили создание хороших снимков.

Вы можете направить камеру практически на что угодно и создать достойное изображение, тогда как 20 или 30 лет назад вам пришлось бы пройти дорогостоящий курс, чтобы добиться подобных результатов.

В результате многие люди взяли фотоаппараты и начали делать снимки, часто даже не утруждая себя изучением принципов хорошей композиции или освещения.

Результаты таких дилетантских усилий легко заметить на выставках и в Интернете — это те, где объект немного не в фокусе, а цвета немного не те.

Художественные усилия требуют большего, чем просто техническая компетентность; результат также должен сообщать нечто, выходящее за рамки его предмета.

Следующий вопрос, который мы должны задать: «Является ли фотография двухмерным изображением?»

Если это так, то оно явно будет включено в предыдущее определение, что сделает его искусством. Другой вопрос, который может возникнуть, заключается в том, считается ли фотография трехмерным изображением.

Является ли фотография искусством?

Хотя вы можете просматривать фотографии в трех измерениях, рассматривая их под разными углами и с разных расстояний, вы по-прежнему смотрите на плоский объект.

Можно сказать, что фотография является продолжением живописи, потому что мы используем свет для захвата изображений, а затем проявляем их на пленке или бумаге.

Однако даже это может быть оспорено, потому что живопись использует химию для создания цветов и красок, в то время как фотография вместо этого использует физику.

При этом можно сделать вывод, что хотя фотография и имеет некоторое сходство с искусством, на самом деле ее нельзя назвать искусством.

Что делает фотографию искусством?

Если вы увлекаетесь фотографией, возможно, вы задавались вопросом, что делает фотографию искусством. Это камера? Тема? Может быть, фотограф или метод съемки?

Эти вопросы могли возникнуть у вас при просмотре художественной фотографии или просто фотографий известных художников и их работ.

Попытка определить, что на самом деле делает фотографию искусством, — непростая задача. Существуют разные мнения по этому поводу. Однако мы все можем согласиться с тем, что фотография уникальна и подлинна для своего создателя.

И это то, что делает его искусством. Если человек сделал снимок, который, по его мнению, достоин называться «искусством», то это уже искусство, потому что создано руками, умом и душой этого человека.

Фотография сегодня является одним из самых популярных видов искусства, но как она стала такой популярной? Все началось с ранних ученых, которые первыми сделали снимки с помощью фотоаппаратов в 19 веке.

Они использовали фотографию как инструмент для документирования природы, что помогло им узнать больше об окружающем их мире.

Художественная фотография стала популярной в 20 веке, когда фотографы начали использовать современные технологии, такие как цифровые технологии и другое оборудование, для создания своих изображений.

Но даже с современными камерами и пленочными технологиями многие все еще сомневаются, является ли фотография законным искусством.

Творческие способности превращают фотографию в произведение искусства

Музеи славятся своим искусством, но есть еще одно искусство, которое существует уже давно

– фотография.

Он стал намного более продвинутым благодаря технологиям, но остается ли он просто для того, чтобы делать фотографии и делиться ими? Может быть, уже нет.

Фотография, показанная в этой статье, доказывает, что можно достичь новых высот, сделав фотографии и превратив их в невероятные произведения искусства.

На фотографиях ниже показано, как обычные фотографии можно превратить в невероятные произведения искусства с помощью Photoshop и других программ для редактирования фотографий.

Эти фотографии на самом деле довольно удивительны, и они определенно отличаются от того, что вы обычно видите.

Многие люди пробовали разные способы, чтобы создать действительно крутые фотографии, но эта коллекция изображений содержит одни из лучших работ самых разных фотографов.

Первая фотография была создана Эллиотом Россом, на создание которого ушло девять часов. Ему пришлось сделать более 600 снимков, чтобы получить окончательный результат, который вы видите выше.

Второе изображение выше было создано Кристианом Пегораро и демонстрирует вид с воздуха на городской пейзаж со всеми зданиями, сделанными из зубочисток. Вы можете подумать, что было бы легко сделать все это на земле, но попробуйте сделать это.

Дар фотографии

Видите ли, я был фотографом задолго до того, как стал писателем, и сегодня каждое слово, которое я пишу, связано с моей фотографической жизнью.

Камеры были неотъемлемой частью моего существования еще до того, как я научился читать и писать. Мой отец и дедушка оба были увлеченными фотографами и брали меня с собой в поездки.

Когда мне было около трех лет, мне дали мою первую камеру, чтобы я мог поиграть с ней… с маленькой пластиковой игрушкой, которая делала настоящие фотографии. Я помню, как смотрел в видоискатель на лицо отца и нажимал кнопку снова и снова, пока он не разозлился на меня.

Тогда я этого не знал, но я нашел свое призвание. Камера стала продолжением меня самого – никогда не покидая меня, а при использовании вытягивая из меня художественное видение, не имеющее реальных границ.

Как писателю слова занимают центральное место в том, что я делаю, но как фотограф я всегда ценил изображения. Слова стали моим способом помещать в контекст те картины, которые, казалось, уже имели значение для других, но для которых слова всегда были лишь адекватной заменой.

Как оказалось, эти две карьеры скорее дополняли друг друга, чем соперничали, поскольку писательство позволило мне исследовать идеи, которые были бы невозможны с помощью одной лишь фотографии.

Эмоциональная сила фотографии

Если вы просматриваете фотографии в Интернете, то, возможно, вы наткнулись на фотографию, которая заставила вас улыбнуться или заставила ваше сердце учащенно биться. Возможно, вы подумали про себя «вау» или «как красиво!».

Мы все по-разному реагируем на образы, но связь, которую мы с ними чувствуем, очень мощная. Оно достигает нас на самом базовом уровне и может влиять на нас так, как мы не всегда осознаем.

Многие думают, что фотография — это запечатление момента во времени или запись событий по мере их возникновения.

Они думают, что речь идет об использовании технических навыков для создания идеального изображения или использовании творческих навыков для создания изображения, которое никто другой никогда не смог бы сделать. Хотя эти элементы верны, они всего лишь часть фотографии. Другой элемент — это то, что я называю эмоциональной силой фотографии.

Эмоциональная сила фотографии заключается в том, как мы взаимодействуем с изображением эмоционально, индивидуально и лично. Это может быть что угодно: от чувства благоговения, удивления и вдохновения до чувства печали и даже отчаяния.

Я не говорю здесь о том, чтобы манипулировать эмоциями людей, показывая ужасные события, которые заставили бы большинство людей почувствовать грусть или депрессию.

Является ли фотография изобразительным искусством?

Фотография – это изобразительное искусство или наука? Многие люди считают, что либо творческий взгляд фотографа, либо автоматические настройки камеры должны определять, как будет сделана фотография. Однако у обеих сторон есть заслуги.

Фотография — это навык, который зависит как от художника, так и от ученого для создания успешного изображения. Один подход не лучше другого; это просто зависит от того, что вы надеетесь запечатлеть на своем снимке.

Сколько контроля вы хотите? Вы хотите больше художественного контроля или больше научного контроля? Понимание этих двух подходов может помочь вам решить, какой метод лучше всего соответствует вашим потребностям.

Наука о фотографии и соответствующее оборудование

Научный подход к фотографии предполагает использование определенного типа оборудования для захвата изображений. Камеры «наведи и снимай», 35-миллиметровая пленка и даже камеры iPhone — примеры оборудования, которое практически не требует творчества от фотографа.

Оборудование делает большую часть работы за вас, оставляя меньше места для ошибок. Это также облегчает начинающим фотографам захват изображений, не беспокоясь о технике или продвинутых навыках.

Если вы пытаетесь фотографировать спортивное мероприятие или движущиеся объекты, этот подход может оказаться полезным, поскольку он позволяет вам сосредоточиться на съемке действия, а не беспокоиться о технических аспектах фотографии.

Что такое искусство фотографии

Искусство фотографии — это творческое самовыражение фотографа. Это больше, чем просто сделать снимок.

Фотография обычно представляет собой отдельный момент времени и пространства, снятый камерой на пленку или в цифровой форме. Искусство фотографии включает в себя несколько изображений, которые, возможно, никогда раньше не видели. Фотограф должен создать их из собственного воображения.

Это можно сделать с помощью изображения, созданного с нуля, или путем обработки существующих изображений. В любом случае искусство фотографии — это отражение того, как работает разум художника и как он видит окружающий мир.

По-настоящему великое фотоискусство не возникает за одну ночь. Чтобы развить свои навыки фотографа, нужны самоотверженность, тяжелая работа и практика.

Некоторые фотографы тратят годы на то, чтобы сделать один идеальный снимок, который запомнится грядущим поколениям. Скорее всего, это будет происходить перед камерой, а не за ней.

Понимание технической стороны фотографии важно для создания великолепного фотоискусства. Вы должны понимать, как работает камера, и что происходит с изображением, когда оно выходит из камеры и попадает на бумагу или в компьютерную программу, такую ​​как Photoshop.

Объективы, выдержка затвора и освещение — одни из самых важных аспектов понимания фотоискусства и многого другого.

Элементы искусства в фотографии

Все на фотографии должно служить основной цели изображения – представлять историю или момент времени. Эти элементы часто называют элементами искусства в фотографии.

Иногда фотографы тратят так много времени на получение идеального снимка, что забывают об остальных элементах, которые делают изображение эстетически привлекательным. Не будьте одним из тех людей, которые сразу приступают к редактированию, не задумываясь о том, как вы хотите, чтобы ваша фотография выглядела.

Цель этого сегмента — помочь вам подумать обо всех элементах, которые участвуют в создании эстетически привлекательного изображения.

Линии могут быть как горизонтальными, так и вертикальными. Они могут быть жесткими или мягкими, а также могут уводить взгляд в кадр или наружу.

Используйте линии для разделения областей, создания глубины и привлечения внимания к определенным частям изображения. Самые важные части вашего изображения должны иметь более сильные линии, чем менее важные части.

Типы линий:

Горизонтальные линии 

Следуйте естественным линиям, таким как линии горизонта, дверные рамы, окна и т. д. 

Вертикальные линии 

Создайте глубину, разделив раму сверху вниз или из стороны в сторону.

Диагональные линии 

Используются для придания драматизма или напряжения на фотографиях и обычно направляют взгляд внутрь изображения. Они также могут отделять объекты друг от друга и добавлять размерность.

Движения в области фотографии

Вы, должно быть, слышали выражение, что картинка стоит тысячи слов. Это действительно так. Фотографии, которые вы видите в журналах, газетах и ​​на открытках, были сделаны талантливыми фотографами, которые понимают искусство запечатлевать моменты с помощью своей камеры и оборудования.

Фотография существует с тех пор, как в 1826 году была создана первая фотография. Это одна из основных форм искусства, возникшая в 19 веке, когда в искусстве возникло движение к реализму.

На самом деле фотография стала настолько популярной, что повлияла на другие формы искусства, особенно на живопись, которая заимствовала отдельные элементы фотографии для создания новых художественных стилей.

Слово «фотография» происходит от двух греческих слов: «фотография», что означает свет, и «графия», что означает рисование или письмо. Это способ записи изображений с помощью оптического устройства, называемого камерой, для дальнейшего использования или просмотра.

Его можно использовать для многих целей, таких как доказательство, общение и развлечения.

Художественные направления и школы можно подробно изучить при изучении истории фотографии и ее развития как формы искусства.

Существовало несколько направлений мысли о том, как фотография должна развиваться как вид искусства, но у каждого из них было свое особое качество и свой вклад в это изобразительное искусство.

Как началась фотография

Она началась с задержкой. Камера-обскура была предшественницей современной камеры и была изобретена в 6 веке. Он состоял из темной комнаты или камеры и имел небольшое отверстие в одной из стен, через которое проходил свет. Затем изображение проецировалось на противоположную стену.

К концу Средневековья, с появлением портативных камер-обскуров, стало возможным делать снимки на бумаге. К 1676 году Уильям Талбот обнаружил, что нанесение изображения на оловянную соль, затемненную под воздействием света, можно использовать в качестве альтернативы гравировке.

В 1826 году Жозеф Нисефор Ньепс взял изображение и сделал его постоянным, создав оловянную тарелку из битума и лавандового масла. Его фотографии с камеры не имели качества современных фотографий; тем не менее, это была одна из первых постоянных записей изображения.

В 1829 году Джон Гершель внес дополнительные усовершенствования, когда он случайно изготовил первый стеклянный негатив из фотографического негатива. Фотография теперь стала более сложной и завоевала популярность среди ученых в их исследовательских целях.

В 1839 году Луи Дагер запатентовал и представил дагерротип.

Искусство цифровой фотографии

Искусство и фотография веками были неразделимы, но цифровые камеры и программное обеспечение для обработки изображений изменили правила игры.

Теперь можно создавать фотографии, включающие в себя некоторые художественные элементы живописи и скульптуры. И все же многие люди по-прежнему считают цифровую фотографию чем-то меньшим, чем искусство. Это правда? Что делает фотографию произведением искусства? Или цифровая фотография вовсе не искусство?

Так что же делает фотографию искусством? Некоторые люди считают, что произведение искусства должно быть создано вручную, используя только материалы, предоставленные природой. Поэтому все, что сделано с помощью машин или других людей, будет хуже настоящего.

С другой стороны, есть те, кто считает, что художник использует любые доступные ему инструменты для выражения идей.

С этой точки зрения фотограф, использующий Photoshop или камеру с автоматическими настройками, является не меньшим художником, чем тот, кто часами проводит в фотолаборатории или тщательно прорисовывает каждую деталь сцены.

Фотография как искусство быстро развивалась, когда камеры стали портативными и простыми в использовании. Но традиционалисты были потрясены тем, как многие фотографы использовали свои новые инструменты.

Искусство фотографии

Художественные фотографии — отличный способ добавить цвет, текстуру и выразительность дизайну вашего дома. И есть много способов сделать это. В этом разделе объясняются некоторые популярные методы художественной фотографии и то, как вы можете использовать их в своем домашнем дизайне.

1. Tintype Photography

Tintype фотография — это уникальное искусство фотографии, которое существует уже более 150 лет. Это была первая форма фотографии, в которой изображение создавалось на тонком листе железа, покрытом слоем химикатов 9.0003

Затем фотография будет перенесена на бумагу, что придаст ей старомодный вид, как будто она была сделана сотни лет назад.

Процесс гораздо более трудоемкий, чем другие виды фотографии, но конечный результат того стоит.

Фотографы Tintype используют сложное оборудование и должны проявлять свои фотографии в темноте, но вы все равно можете фотографировать изображения, используя тот же процесс дома. Многие люди могут создавать изображения в виде тинтипа, используя простую камеру и химические вещества, которые можно найти в доме.*

2. Платиновая печать

В этом фотоискусстве вместо обычной бумаги для печати используется платиновая бумага. Платиновая бумага для печати содержит кристаллы нитрата серебра под своей поверхностью. Кристаллы очень чувствительны к свету и чернеют под воздействием световых лучей.* 

 

Как фотография открыла новое понимание искусства

 

Самый ранний широко доступный фотографический процесс был обнародован в 1839 году. Луи Дагер, создатель дагерротипа. Популяризация фотографии вызвала большой резонанс в мире искусства и привела к значительным изменениям в восприятии искусства. Поскольку фотография могла изображать мир точнее, чем живопись, последней пришлось изобретать себя заново. По этой причине внимание художников сместилось с изображения действительности на изображение эмоций и впечатлений. По этой причине фотографию можно рассматривать как мощный толчок к переосмыслению живописи, которое произошло в конце 19 века.м и на протяжении всего 20 века.

 

Когда и как впервые появилась фотография? Двое детей смотрят на картинку, сделанную внутри камеры-обскуры, взято из книги Э. Аткинсона «Натуральная философия» из библиотеки изображений «Наука и общество»

 

Первый успешный фотографический процесс, дагерротип, был создан в 1837 году Луи Жаком Манде Дагером. Дагер ранее работал профессиональным художником-декоратором в театре. По этой причине он уже знал камера-обскура , небольшая затемненная комната с крошечным отверстием или линзой, через которую можно было получить изображение снаружи. Дагер вдохновился этим процессом, чтобы создать первую в мире фотокамеру.

 

Камера-обскура уже использовалась на протяжении веков и позволяла отражать изображения из внешнего мира на плоской поверхности. До Дагера основная трудность заключалась в том, чтобы выгравировать полученное изображение без необходимости рисовать его на листе бумаги. Даже после того, как другие изобретатели в 1920-го века удалось перенести изображение на кусок меди, изображение быстро исчезало при воздействии света. До Дагера фотография не могла покинуть фотолабораторию, в которой она была создана.

 

Однако Дагер выгравировал изображения не на бумаге, а на медных пластинах, покрытых серебром. Об этом изобретении сообщил публике друг Доминик Франсуа Жан Араго в 1839 году. С тех пор этот новый процесс распространился по всему миру. В конце 1839 г., дагерротипы начали производиться в нескольких разных промышленно развитых странах. Из-за того, как быстро оно распространилось, это новое изобретение было быстро усовершенствовано несколькими производителями.

 

Вам нравится эта статья?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

Именно в Великобритании в начале 1840-х годов появились первые европейские фотостудии. Время откровения значительно сократилось: с тридцати минут Дагера до двадцати секунд в большинстве студий. В конце 1880-х годов Джордж Истман создал первые кинопленки. С этого момента фотографам не нужно было носить с собой медные пластины с серебряным покрытием, и фотография стала дешевле и доступнее.

 

Восприятие фотографии: демократизация искусства Натюрморт, первая фотография, сделанная с помощью надежного дагерротипа , 1837, через My Modern Met

 

Фотография оказала значительное влияние на общество 19-го века, и ее восприятие в художественных кругах было разным. В то время как некоторые приветствовали фотографию и использовали ее в качестве вспомогательного средства для своего художественного творчества, другие критиковали это изобретение и отказывались считать его полезным для художников, как, например, Гюстав Курбе.

 

Несмотря на различия в восприятии фотографии, это изобретение произвело революцию в европейских обществах XIX века. Впервые искусство стало доступным не только для высших, но и для низших классов. Семьи среднего и низшего класса могли почти мгновенно сделать свои портреты в фотостудии по относительно доступным ценам.

 

Можно сказать, что впервые произошла демократизация искусства и имиджа. В то время как одни положительно отреагировали на это и доступность искусства для всего общества, другие увидели в этом банализацию художественного творчества. Многие критически относились к фотографии и видели в ней только промышленную имитацию искусства в коммерческих целях.

 

Искусство до появления фотографии Портрет в фотостудии , 19 век, via ENGIM

 

Несмотря на свои вариации, художественные движения в Европе до 19 века всегда были в центре внимания реализма. Их изменение и вариация проявлялись прежде всего в изменении темы (что было написано) или технике, но во всех них всегда ценилась реалистическая изобразительность.

 

На момент изобретения и распространения фотографии ведущими художественными течениями в Европе были романтизм и неоклассицизм. Первый уже внес сдвиг в художественный мир, подчеркнув экспрессию художника.

 

Диана и Амур Помпео Батони, 1761 г. (неоклассическая живопись), через Метрополитен-музей, Нью-Йорк

 

В романтической живописи было много элементов, не принадлежащих реальности (например, сверхъестественных элементов), но тем не менее изображаемых реалистично.

 

В неоклассической живописи произошло возрождение изображения мифологических фигур и сцен. Как можно красивее и гармоничнее, они всегда изображались с большой детализацией и точностью. Даже если некоторые художники не попадали в эти художественные течения, они все равно рисовали реалистично. Будь то человеческие сюжеты, природа или мифологические фигуры, то, что было общим для европейских картин того времени, заключалось в их стремлении к максимально точному и подробному изображению.

 

Импрессионизм: направление в искусстве, сформированное фотографией Бульвар Монмартр зимним утром Камиля Писсаро, 1897 г., через Метрополитен-музей, Нью-Йорк

 

Художники, ставшие свидетелями появления фотографии, развили иное восприятие реальности и образов, чем их предшественники. Эти художники понимали, что реальность преходяща, а каждое мгновение мимолетно и ограничено. Эти художники поняли, что природа реальности должна быть в постоянном движении.

 

По этой причине художественное течение импрессионизма первым отклонилось от реалистической нормы в европейском искусстве. Художники-импрессионисты признали, что фотография лучше всего подходит для фиксации неподвижных изображений и что они не могут превзойти ее. По этой причине импрессионисты исследовали другие измерения живописи, такие как цвет, свет и движение. Этот стиль дал понять, что живопись не должна конкурировать с фотографией, а скорее дополнять ее, представлять то, чего фотография не может.

 

Впечатление, Восход солнца Клода Моне, 1872, через Искусство в контексте

 

Художники-импрессионисты вместо того, чтобы точно изображать действительность в деталях, сосредотачиваются на впечатлении от действительности и пытаются передать в своих картинах движение. Картины импрессионистов представляют реальность так, как она воспринимается человеческим глазом: мимолетную и преходящую, иногда неясную или размытую. Сначала эти несколько размытые изображения действительности критиковались как некачественные или незаконченные картины, но со временем их оценили.

 

С этого времени стало общепризнанным, что живопись не может конкурировать с фотографией в точном отображении реальности. Это осознание в некотором роде освободило живопись от оков реализма и открыло дверь для сдвига в художественных кругах. Вместо того чтобы ценить реализм, художники стали сосредотачиваться на выражении эмоций, впечатлений и всего того, что является частью человеческого опыта. Во многом импрессионизм создал мост между традиционным искусством, в основе которого был реализм, и искусством модернизма, дистанцировавшимся от точного изображения действительности.

 

Модернистское направление в искусстве: новая концепция искусства Женщина в шляпе Анри Матисса, 1905, через Музей современного искусства Сан-Франциско

 

К началу 20 века стало ясно, что фотография пришла навсегда. Не только это, но и еще одно совершенно новое средство для представления реальности: кино. После показа фильма братьями Люмьер в Париже в 1895 году это новое средство быстро улучшилось и приобрело значительную популярность. Точное изображение реальности больше не было необходимой задачей для художников. По этой причине импрессионизм был лишь первым из ряда художественных движений, отклонившихся от реализма.

 

В первой половине 20-го века в рамках модернизма возникло множество течений, которые изменили мир искусства. Первым был фовизм, который изображал реальные сцены и предметы с использованием ярких цветов, обычно не соответствующих действительности. Фовисты использовали толстые мазки, черпая вдохновение у художников-постимпрессионистов, таких как Винсент Ван Гог. Самым ярким представителем фовизма был Анри Матисс. На вопрос, какого цвета платье дамы на его знаменитой картине Женщина в Шляпе был, он якобы ответил: «Чёрный, очевидно».

 

Одним из самых ранних движений в модернистском течении был экспрессионизм, который берет свое начало у Ван Гога и Эдварда Мунка, но получил значительное развитие через несколько десятилетий благодаря немецкой группе Die Brücke ( The Bridge ). В экспрессионизме основное внимание уделяется не точному представлению внешней реальности, а внутренней реальности, чувствам и эмоциям. Художники-экспрессионисты использовали яркие цвета и необычайно толстые мазки, в результате чего получавшиеся картины были чрезвычайно плотными и насыщенными, передающими четкие эмоции и окружающую среду.

 

Апокалиптический пейзаж Людвига Майнера, 1912 г., через Sotheby’s

 

Особенно в годы после Первой мировой войны картины экспрессионистов становятся особенно гротескными и мрачными. Сосредоточив внимание на эмоциях в изображении реальности, экспрессионисты могли нарисовать более точную и критическую картину общества. Во многом эти картины могли показать то, чего не могла фотография, а именно чувства художников, окружающие изображаемую реальность.

 

Вероятно, одним из самых известных движений в модернизме является кубизм. Это движение произвело революцию в концепции перспективы и отказалось от представления трехмерных объектов. Вместо того, чтобы использовать типичные методы моделирования и перспективы, кубисты, такие как Пикассо или Брак, представляли объекты как двухмерные, часто пытаясь включить разные перспективы одного объекта за раз. Исследуя перспективу таким образом, кубизм, как и другие модернистские направления в искусстве, выходит за рамки того, что может сделать фотография. Иногда изображаемые объекты настолько далеки от реальности, что понять, что они из себя представляют, крайне сложно. Позже кубизм стал более доступным и легким для понимания, как это видно на самых известных картинах Пикассо, таких как Герника .

 

Натюрморт: скрипка и подсвечник Джорджа Брака, 1910, через Музей современного искусства Сан-Франциско

 

Примерно в 1920 году началось одно из самых важных движений в модернизме: сюрреализм. Сюрреалисты продолжают то, на чем остановились дадаисты. Хотя в первые годы своего существования дадаистское движение было плодотворным, оно быстро затерялось в собственном абсурдизме и было оставлено многими художниками. Сюрреализм, несмотря на свою загадочность и абсурдность, вовсе не лишен смысла. Наоборот, он пытается продемонстрировать дублирование психологических процессов в человеческом сознании, вызывающих сновидения и воображение.

 

Возвышенный момент Сальвадора Дали, 1938, via Fundació Gala

 

В сюрреалистической живописи представлена ​​не физическая реальность, а мечта и бессознательная реальность. Как и в других модернистских художественных течениях, сюрреализм дополняет фотографию, потому что он представляет нечто, находящееся далеко за пределами его досягаемости: человеческий разум и мир грез. Освободившись от оков реальности, художники-сюрреалисты революционным образом изображают наши мысли и мечты.

 

Как модернистская живопись повлияла на фотографию Нарезка кухонным ножом Дада через последнюю культурную эпоху Веймарского пивного живота в Германии Ханна Хёх, 1919 г., via Staatliche Museen zu Berlin

 

Несмотря на то, что фотография создавалась не с художественными целями, художники быстро исследовали ее. Сначала фотография использовалась как вспомогательное средство для живописи или других традиционных форм искусства. Позже некоторые художники начали исследовать сочетание фотографии, живописи и других техник, создав таким образом новые формы искусства, такие как фотомонтаж. Одним из ведущих художников в этой новой художественной среде была Ханна Хёх, художница Веймарской республики, которая создала известные образцы фотомонтажа.

 

Потребовалось некоторое время и полемика, чтобы фотография стала видом изобразительного искусства. Многие критики даже в 20-м веке все еще отказывались воспринимать фотографию как нечто большее, чем промышленный механизм, имитирующий реальность, но сам по себе не имеющий большой художественной ценности. Однако на протяжении 20-го века фотография стала признаваться формой искусства, и фотографы изобрели новаторские способы самовыражения через нее.

 

Эквивалент Альфреда Штиглица, 1927 г. (Абстрактная фотография), через Метрополитен-музей, Нью-Йорк

 

Модернизм также оказал значительное влияние на фотографию и ее альтернативные представления реальности и человеческих эмоций. В течение 20-го века фотографы также исследовали экспериментальную и абстрактную фотографию. Несмотря на то, что они по-прежнему отображают реальность, эти типы фотографии исследуют формы, цвета и перспективы, не стремясь точно передать данную сцену или объект.

 

Как фотография изменила наше восприятие искусства: обзор Желтые острова Джексона Поллока, 1952 г., музей Тейт, Лондон

 

Изобретение дагерротипа в 1837 году повлияло на общество и художественный мир, чего Дагер не мог предвидеть. Превзойдя живопись в ее способности отображать реальность, фотография в некотором роде освободила живопись от необходимости быть реалистичной. Фотография также обеспечила более широкий доступ к искусству и портретам, которые пользовались большим спросом в 19 веке.общество го века.

 

Импрессионизм был первым движением, сформированным фотографией и отклонившимся от реализма, который был нормой в европейском искусстве. Это движение стало мостом между предыдущими движениями и модернизмом. В различных художественных течениях модернизма многие художники исследовали бесчисленное количество новых способов самовыражения. Художники стали сосредотачиваться на человеческом опыте и различных способах восприятия реальности и создавали революционные произведения. Фотография следовала тенденции к субъективизму и абстракции, что способствовало ее признанию в качестве самостоятельной формы искусства.

 

В настоящее время под искусством понимают не только точное отображение реальности, но и то, что вызывает мысли и эмоции. Многие зрители интересуются значениями и чувствами, которые произведение искусства передает или представляет, или социальной критикой, которую оно содержит. Реализм, хотя и по-прежнему ценимый некоторыми, утратил свое приоритетное место в художественных кругах и у самих художников. Это особенно ясно, когда мы думаем об художественных течениях, которые дистанцировались от реальности, таких как абстрактный экспрессионизм.

Является ли фотография искусством? (И что делает фотографию формой искусства)

Ник Констант

А- А+

Скачать как PDF

Подпишитесь ниже, чтобы скачать статью немедленно

Вы также можете выбрать свои интересы для бесплатного доступа к нашему обучению премиум-класса:

Основы бизнеса

Шпаргалки

Детская фотография

Красочные городские пейзажи

Состав

Творческая фотография

Креативные концепции портрета

Цифровые фотоколлажи

Сказочная портретная фотография

Фотография еды

Интерьерная фотография

Редактирование ландшафта

Пейзажная фотография

Обработка Lightroom

Пресеты Lightroom

Длинная выдержка

Макрофотография

Фотография Млечного Пути

Моя камера и фотография

Органический маркетинг

Домашние животные

Фотография товара

Фотография неба

Социальные сети

Натюрморт

Интервальная съемка

Туристическая фотография

Городская фотография

Фотография дикой природы

Ваша конфиденциальность в безопасности. Я никогда не поделюсь вашей информацией.

Каждый фотограф задумывается над одним вопросом: является ли фотография искусством? Это один из тех вопросов, по поводу которых существует много мнений и разных сторон спора. Сегодня мы кратко рассмотрим фотографию как вид искусства.

Эта статья даст базовое понимание связи фотографии с искусством. Мы рассмотрим различные виды. И мы дадим вам советы по превращению вашей цифровой фотографии в искусство.

Что такое изобразительное искусство?

Когда мы думаем об изобразительном искусстве, мы обычно думаем о художниках и скульпторах. На ум приходят художники, создающие прекрасные работы благодаря своему творчеству и воображению. Мы думаем об искусстве как о чем-то прекрасном, что заставляет нас что-то чувствовать.

И, конечно же, существует множество определений искусства. Но, во-первых, это форма выражения. Это то, что может говорить за нас. Это среда, которая связана не с языком, а с эмоциями.

Эти простые определения искусства хорошо подходят к фотографии. Но давайте углубимся в вопрос: является ли фотография искусством?

Что делает фотографию искусством?

Во-первых, мы должны отдать должное науке за фотографию. Несколько пионеров использовали технологию для захвата следов света как прямого отпечатка реальности. Но есть разительный контраст между созданием искусства и фотографированием мира. И это заставляет некоторых людей сомневаться в целостности фотографии как изобразительного искусства.

За 200 лет существования фотографий мы можем сказать, что фотография не передает одной «правды». Фотография запечатлевает момент реальности. Но то, как мы читаем этот образ или ситуацию, если на то пошло, имеет значение.

Большинство из нас знает, что фотографии не рассказывают всей истории. Одно-единственное изображение может передать множество различных противоречивых повествований. «Истинность» образа исходит из контекста. То, как мы читаем фотографии, — это интерпретация нашего воображения. И если фотографы осознают это, они могут донести идеи до зрителя.

Субъективность в художественной фотографии

Сьюзан Зонтаг писала о субъективности и фотографии как форме искусства в своей книге О фотографии (1977). Она пишет о том, что фотография — это средство и язык для создания искусства. Она указывает, как это может «лгать» и доставлять «эстетическое удовольствие».

Фотография по своей сути не считается видом искусства. Это инструмент. Фотограф должен применить видение и посыл к своим изображениям. Это определяющий фактор в превращении фотографии в искусство.

Фотография против художественной фотографии

Теперь, когда мы установили некоторые определения, мы можем провести различие между фотографией и художественной фотографией. Как видно из цитаты Зонтаг, это не две отдельные сущности. Большинство стилей фотографии, таких как коммерческая фотография, работают в сфере документирования, а не искусства. Так что же делает фотографию искусством?

Если фотография доставляет эстетическое удовольствие, это не значит, что она считается изобразительным искусством. Это распространенное заблуждение относительно фотографии. Изображения любого рода передают определенную эмоцию или чувство. Но именно намерение создателя образа отличает его.

Если говорить о художественных фотографиях, эстетика не так важна. Мы можем видеть это на примере ряда известных художников. Многие люди смеются над картинами, которые «мой пятилетний ребенок мог бы нарисовать».

Использование фотографий для исследования концепций

Эти концептуальные произведения являются сердцем художественной практики. Художник не спрашивает, нравится ли вам смотреть на работу. Но возникает вопрос — зачем кому-то представлять визуальную среду таким образом?

Многие художники используют фотографические изображения в своем изобразительном искусстве, показывая тем самым, что фотография имеет уникальную связь с изобразительным искусством. Искусство — это передача различных реальностей зрителю, и фотография является хорошей отправной точкой для изучения этого. Поэтому неудивительно, что художники используют цифровую фотографию и манипулируют фотографиями для своего искусства.

Людям может быть труднее понять нарисованный вымышленный сценарий, чем реальную фотографию. Фотографии могут помочь преодолеть разрыв, предоставив более значимые визуальные ориентиры, такие как человеческое лицо в портретной фотографии.

Как сделать свою фотографию искусством?

Мы определили намерение художника передать сообщение как главный фактор в создании фотоискусства. Так как же теперь превратить свою фотоработу в полноценный проект изобразительного искусства?

Портретная фотография как искусство

Предположим, вы фотограф-портретист. Подумайте, почему вы выбираете предметы, которые фотографируете. Это не всегда осознанное решение, так как вы можете фотографировать людей, потому что вам нравится, как они выглядят.

Тем не менее, подумайте, что общего у предметов. Может, они все живут в одном районе? Может, им всем нравится одна и та же музыка? Определив эти аспекты, вы можете понять, что формируете представление о субкультуре или обществе.

Когда вы узнаете эти элементы, вы сможете понять, что оживляет этих персонажей. Отображение этих важных деталей дает отключенному зрителю возможность заглянуть в чужой мир. Вы создаете связь между людьми, которые в противном случае никогда бы не встретились.

Пейзажная фотография как искусство

Предположим, вы снимаете пейзажную фотографию. Что делает вашу цифровую фотографию искусством? Вас интересует конкретный регион? Или в ваших сценах происходят определенные события?

Что значит поместить контекст одного места в ту же серию, что и другое? Какие ссылки есть или нет? Надеюсь, вы уловили мой дрейф в этом аспекте. Все дело в формировании связной истории с помощью ваших изображений, которые комментируют мир.

Концептуальная фотография

Конечно, есть и более концептуальная сторона фотографии. Люди, которые фотографируют в этом стиле, создают сцены или изображения, которые создают всеобъемлющую историю или тему. А может быть, это не история, а эмоция, мнение или даже бунт против установленных обществом норм.

Благодаря хорошо построенному изображению вы можете высказать свое мнение универсальным образом. Вы можете развеять потребность в словах, позволив зрителям установить связи между вашими изображениями и понять их самостоятельно. Вы можете увидеть это в фотографии высокой моды. Там художественное выражение раздвигает границы концептуального искусства.

Заключение

Теперь вы должны понимать, что фотографическое искусство предназначено для передачи сообщения. Искусство настолько вездесуще, что вы можете определить его для себя сами. Если вопрос для вас: «Насколько красива эта картина?», то что можно сказать, что это не форма искусства?

Итак, простой ответ на наш вопрос — является ли фотография искусством? Да, это может быть.

Для меня самым важным фактором, за который нужно держаться, является «почему». Если вы заставите себя серьезно подумать о своей работе, скорее всего, вы получите четкий ответ. Это «почему» также имеет решающее значение при взгляде на искусство. Так что идите в музей, вдохновляйтесь и творите!

21 Потрясающие примеры художественной фотографии, которые могут вас вдохновить

Художественная фотография означает использование фотографии как средства творческого самовыражения.

В художественной фотографии личность и видение фотографа играют важную роль.

Изобразительное искусство включает в себя большинство жанров фотографии, от фотоманипуляций до пейзажей и портретов.

Идеи художественной фотографии исходят из души фотографа. Но иногда полезно повысить свою креативность, черпая вдохновение в работах других художников.

Вот почему мы собрали для вас 21 великолепный пример художественной фотографии.

Troyes Изображение Кристины прекрасно показывает, почему фотоманипуляция — отличный инструмент для выражения вашего творчества.

У нее была уникальная идея, и ей удалось прекрасно воплотить ее в жизнь, сделав снимки и затем обработав их во время постобработки.

Не бойтесь использовать программное обеспечение для редактирования фотографий для создания изобразительного искусства!

Фарбод Грин дает нам простой портрет, где лицо человека задрапировано шарфом. Эта минималистичная идея усиливается за счет концептуального черно-белого тона.

Пейзаж на заднем плане художественно расфокусирован, что придает дополнительную загадочность.

Простое изображение пейзажа может создать очень минималистичный, но концептуальный черно-белый пейзаж.

Все, что сделал Фабиан Ирсара, это хорошо обрамил сцену и дождался подходящего момента.

Благодаря естественному освещению сцена выглядит очень художественно.

Дэвид Шерманн создает абстрактное изображение, смешивая футуристическую концепцию с природным пейзажем.

Такое сопоставление помогает придать силе этой художественной фотографии.

Здесь мизансцена  важнее любого композиционного правила.

На первый взгляд, вы не совсем уверены, на что смотрите. Это отличная тактика изобразительного искусства, прекрасно использованная фотографом Csilla Zelko.

Создает интерес и гарантирует, что зритель потратит больше времени на просмотр изображения.

Все, что вам нужно, это калейдоскопический фильтр и великолепная уличная сцена, на которой вы можете его использовать.

Красочные изображения уличной фотографии обладают силой, которую нелегко воспроизвести.

На этом изображении мы видим присутствие трех человек в последовательности вуайеризма.

Множество кадров создают глубину абстрактного изображения, даже если оно кажется плоским.

Художественная фотография может быть абстрактной и концептуальной, но это не мешает ей быть юморной. Винсент Бурильон хорошо использует свои навыки Photoshop.

Его философский подход к развешиванию негативов для сушки — отличный вариант старого процесса.

Ему удается соединить в одном изображении идею семьи, повседневных забот, искусства и пейзажа.

Концептуальные черно-белые изображения могут быть очень мощными. Либо в использовании контраста, либо в идеях, стоящих за сценой.

На этом изображении мы видим простое расположение шахматных фигур на простом белом пространстве. Отраженные тени кажутся скорее белыми, чем черными, будучи угнетателями, а не спасителями.

Посмотрите, что у вас есть в доме, смысл чего вы могли бы изменить. Затем захватите его.

Саймон Даунхэм взял что-то простое и превратил это в мощную художественную фотографию.

Кешав Кандел сумел идеально запечатлеть решающий момент.

Если бы не женщина, открывающая окно, это изображение по-прежнему было бы прекрасным примером художественной архитектурной фотографии. Но так получилось уличное фото с налетом сюрреализма.

Глядя на это изображение, зритель чувствует, что это был неповторимый момент. Идеальная композиция только усиливает совершенство момента.

Используя штатив, длинную выдержку и фильтр нейтральной плотности, вы можете получить потрясающие результаты.

Павел Прус поднял свой опытный ландшафтный глаз и направил его к воде.

Вода выглядит паровой дымкой, а остатки забытого пирса притягивают взгляд к слабому горизонту.

Несколько комплектов могут полностью изменить художественную фотографию.

Двойная экспозиция является греховным удовольствием многих фотографов. Они были популярны несколько лет назад. Но многие из нас все еще цепляются за его творческие штрихи.

Начо Зайцев превращает пейзаж в простой портрет. Человек и природа сливаются воедино, создавая действительно глубокий и содержательный творческий образ.

Все зависит от точки зрения. Стакан наполовину пуст, наполовину полон или кто-то глотнул его, пока вы смотрели в сторону?

Мохаммед Саттар меняет нашу перспективу, творчески используя отражения облаков в этой минималистской сцене.

Простые пейзажи сильны. Особенно, когда в них есть элемент концептуального черно-белого.

Здесь фотограф запечатлел дерево и перенес его в паровую дымку.

Мы не уверены, есть ли там вода и какая часть изображения изменена.

Но нам все равно. Выглядит достаточно красиво, чтобы повесить на стену абстрактную, но минималистическую сцену Пола.

Образ Маргарет Морган — воплощение Южной Франции. Игровая площадка Сезанна блестяще показана в этом лавандовом и теплом пейзаже.

Ведущие линии присутствуют, а цвета дополняют друг друга. Это на грани минимализма. Но для меня освещение — это то, что делает этот блестящий пример художественной фотографии.

Мартин Смолак представляет нам очень подтасованный образ человека на берегу бурного моря. Цвета приглушенные и холодные.

Дома беспокойно стоят на небольшой горе. Все в этом изображении похоже на сказочный пейзаж, от эмоций и атмосферы до размещения элементов.

Минимальное цветовое тонирование, но оно дополняет друг друга, а идея проста. Освежающее концептуальное черно-белое изображение.

Спираль притягивает взгляд к тому, что должно быть первым этажом. Вместо этого нам представляются шлюзы облачного характера.

Фотограф Ионуц Караш дразнит нас умно расположенным человеком внизу. Минимальная концепция, но философски абстрактная по своей природе.

Для зрителя этот образ выражает одиночество. Поместив этого человека в искусственную среду (здание), фотограф создал ощущение мимолетности.

Прекрасный пример художественной фотографии, потому что он выражает и пробуждает чувства.

Между тем, выглядит здорово и эстетично. Мы все можем представить его в галерее, но он может стать отличным украшением любой комнаты.

Уличная фотография часто слишком очевидна. Изображения показывают нам то, что мы видим в наших ежедневных путешествиях.

Inge Schuster сочетает в себе графический дизайн и улицу для создания чего-то особенного.

Цвета яркие, а линии придают изображению силу. Следуем по стрелке к человеку, пытающемуся поместить его в этот двухмерный абстрактный мир.

Художественная фотография может использоваться для выражения чувств, которые могут быть связаны со всем миром.

Томасу Томопулосу удалось создать образ, отражающий пандемию. Это показывает чувство близости, которое выявляет разные стороны каждого.

Благодаря черно-белому изображению тени, силуэты и свет создают отличный контраст. Это усиливает тишину этой ситуации, а ночное небо делает ее более гнетущей.

Это изображение лодки может напомнить зрителю историю «Жизнь Пи», где мальчик оказывается в лодке с горсткой животных из зоопарка. Сказка исключительна, как и этот художественный образ.

Феликс Эрнандес Родригес превратил этот пейзаж и портрет в сюрреалистическую сцену.

Название дает нам ощущение, что это сцена в Нью-Йорке до падения башен-близнецов.

Мы не можем быть уверены, но, к счастью, сцена представляет собой гораздо больше, чем реальная обстановка. Он создал уникальную текстуру, расширив линии структур.

Птицы — это нетронутые твердые объекты, которые отсылают к сцене и заголовку.

Это художественный городской пейзаж, который заставляет нас чувствовать, что мы смотрим на картину импрессиониста. Это заставляет нас чувствовать, что мы смотрим на подводную среду.

Заключение

Вас может интересовать любой жанр фотографии, всегда полезно черпать вдохновение из работ других фотографов.

Чтобы создать изобразительное искусство, дайте волю своему воображению. Помните, что суждение об искусстве субъективно и может быть спорным. Так что не пытайтесь сделать что-то, что одобрено всеми. Бьюсь об заклад, вам не понравились все изображения выше. Просто сконцентрируйтесь на своем мире.

Художественная фотография может быть буквально о чем угодно. Он может появиться в пейзажной фотографии, уличной фотографии, натюрмортах, портретной фотографии и даже в фуд-фотографии.

Глядя на изображения других людей, вы не только вдохновляетесь, но и пробуждаете чувства и мысли. Это может быть расслабляющим, тревожным или наводящим на размышления. Но почти никогда не бывает нейтральным.

25 лучших художников-художников мира — CAI

Введение: Новый взгляд на художественную фотографию

Сегодня фотография, без сомнения, является наиболее доступным видом искусства. В наши дни у каждого есть камера, поскольку у каждого из нас есть смартфон в кармане или сумочке. Мы носим его 24/7 и используем его почти ежедневно. Но что отличает моментальный снимок на наш смартфон от художественной фотографии, и кто самые важные художники художественной фотографии?

Художественная фотография — это форма современного искусства, в которой фотография является средством, а фотограф выступает в роли художника. Намерение фотографа состоит в том, чтобы выйти за рамки регистрации реальности, чтобы создать художественные фотографии.

Давайте возьмем пример, который мы обсуждали в нашей статье Что делает произведение искусства современным : Если мы сфотографируем нашу собаку, спящую в милой позе, ясно будет сказать, что эта фотография не является произведением искусства. Однако когда Вольфганг Тильманс сделал следующую фотографию под названием «ВАШИ СОБАКИ» в 2008 году (см. изображение ниже), опытный и художественный взгляд может сказать гораздо больше, что происходит.

Например, общая эстетика черно-белой фотографии. Игра света и тьмы с тенью на тротуаре резко контрастирует с солнечным аналогом в правом верхнем углу. И, прежде всего, композиция фотографии, на которой выбранный ракурс приводит к изогнутой форме двух собак.

Вольфганг Тильманс, ВАШИ СОБАКИ, 2008 г. Печать С-типа – 170,5 x 255 см. Коллекция Фонда Louis Vuitton.

Главное отличие, конечно же, в вышеупомянутом замысле художника. В то время как милое изображение спящей собаки визуально захватывает память, фотография Тиллманса является результатом поиска художника художественной композиции, поиска красоты, выходящей за рамки обыденности.

Чаще всего в художественной фотографии редактирование — вручную или в цифровом виде — и процесс печати так же важны, как и решающий момент, когда делается фотография. При этом фотограф перестает быть просто фотографом, он становится современным художником, иногда даже ремесленником, а фотография — его средством.

В этой статье мы рады представить вам наиболее полную и аргументированную подборку самых влиятельных и известных в мире художников художественной фотографии. Часто мультидисциплинарные художники или перформансисты используют фотографию в своей художественной практике. Тем не менее, мы решили исключить этих художников, демонстрируя только настоящих художников-фотографов — с двумя оправданными исключениями. Итак, без лишних слов, давайте откроем наш список первым художественным фотографом.

25. Lee Friedlander

Lee Friedlander, Коннектикут, 1966 г./отпечатано в 2015 г. Серебряно-желатиновый оттиск – 7,6 × 5,7 см. Предоставлено Люрингом Августином.

Родившийся в 1934 году в Абердине, штат Вашингтон, проживающий и работающий в Нью-Йорке, Ли Фридлендер — американский фотограф, абсолютно очарованный материальными аспектами фотографического процесса. Он начал фотографировать американские социальные пейзажи еще в 1948 году, организуя визуальную информацию в динамичные композиции.

Ли Фридлендер хорошо известен своими юмористическими и пронзительными изображениями, выражающими хаос городской жизни, плотные природные ландшафты, вплоть до групповых и автопортретов с 19 века.60-е годы. Художественный фотограф способен обрабатывать и отображать огромное количество визуальной информации в единой, но гармоничной картине.[1]

Для дальнейшего чтения о Ли Фридландере мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Lee Friedlander: The People’s Pictures .

24. Анри Картье-Брессон

Анри-Картье-Брессон, За вокзалом Сен-Лазар, 1932. Серебряно-желатиновый оттиск – 44,5 × 29,7 см. Предоставлено галереей Contessa.

Родившийся в 1908 году в Шантелу и скончавшийся в 2004 году в Иль-сюр-ла-Сорг, Франция, Анри Картье-Брессон является одним из самых важных фотографов в мире с (н) (арт-)исторической точки зрения. Его работы отмечены живыми черно-белыми картинками, сочетающими в себе документальность и поэтичность.

Картье-Брессон наиболее известен своей концепцией, которую он называет le moment décisif или решающий момент . По словам французского фотографа, ключ к удачному снимку — вовремя щелкнуть затвором камеры. Его работа за камерой — и за ее пределами — определяла поле фотографии на протяжении 20-го века и по сей день.[2]

Для дальнейшего ознакомления с Анри-Картье Брессоном мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Анри Картье-Брессон: фотограф.

23. Роберт Франк

Роберт Франк, Крытая машина, Лонг-Бич, Калифорния, 1956/1956c. Серебряный отпечаток в разобранном виде – 15,7 × 23,8 см.

Родившийся в 1924 году в Цюрихе, Швейцария, и скончавшийся в 2019 году в Инвернессе, Канада, Роберт Франк является одним из самых важных фотографов своего поколения. Возможно, Фрэнк наиболее известен своей публикацией под названием The Americans от 1958 года, в которой он задокументировал Соединенные Штаты на протяжении 19-го века. 50-е годы.

На его черно-белых фотографиях изображены типичные американские символы, шоссе, автомобили, музыкальные автоматы и многое другое. Однако этим картинам присущ специфический отчуждающий характер, возвышающий разнообразный круг повседневных сюжетов до однородного и интригующего корпуса художественных произведений.[3]

Для дальнейшего чтения о Роберте Франке мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Роберт Франк: В Америке.

22. Аллан Секула

Аллан Секула, кабинет Лумброзо, 1998/2000 Цветная фотография 25 3/5 × 65 7/10 дюйма 65 × 167 см Издание 2/5 + 1AP. Предоставлено Galeria Filomena Soares.

Родившийся в 1951 году в Эри, штат Пенсильвания, и скончавшийся в 2013 году в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, Аллан Секула был американским фотографом, писателем и режиссером. Вдохновленный своим окружением — подумайте о порте и море — Секула был очарован человеческим трудом и активностью.

Секула стремился жить как художник и как активист. При этом с помощью фотографии он стремился выяснить, как фотосредство способствовало господствующему общественному порядку, который привел к борьбе с социальным положением его семьи, и как можно использовать его, чтобы подорвать его.

Для дальнейшего чтения об Аллане Секуле мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Аллан Секула: Рыбная история.

21. Альфред Штиглиц

Альфред Штиглиц, Урок плавания (1906), 1911. Фотогравюра – 14,6 × 22,9 см. Предоставлено галереей Роберта Манна.

Родившийся в 1864 году в Хобокене, штат Нью-Джерси, и скончавшийся в 1946 году на Манхэттене, штат Нью-Йорк, Альфред Штиглиц доказал, что на рубеже 19 и 20 веков фотография была средством, которое предлагало новые художественные возможности так же, как живопись или живопись. скульптура.

В 1902 году Штиглиц стал одним из инициаторов так называемого Photo-Secession , в котором они подчеркивали мастерство и ноу-хау фотографии. Фотографическая практика была представлена ​​как трудоемкое ремесло, что привело к большему влиянию руки художника/фотографа. Это понятие ярко иллюстрируется большой заботой Штиглица о процессе производства своих отпечатков, часто делая платиновые отпечатки, что приводит к другому визуальному восприятию фотографии.

Для дальнейшего чтения об Альфреде Стиглице мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Альфред Стиглиц: работа с камерой.

20. Rineke Dijkstra

Rineke Dijkstra, Maddy, Martha’s Vineyard, MA, USA, 5 августа 2015 г., 2015 г. Струйная печать — 131,9 × 104 см. Издание 6. Предоставлено галереей Мариан Гудман.

На 20-м месте мы встречаем завораживающие фотографии голландского фотографа Ринеке Дейкстры. Родившаяся в 1959 году в Ситтарде, Нидерланды, Дейкстра наиболее известна своими современными портретами, напоминающими портретную живопись 17-го века из Нидерландов.

На ее крупномасштабных фотографиях с яркими и четкими цветами обычно изображены подростки. Сеттинг во многом более минимален, чем может показаться на первый взгляд. Поступая так, Дейкстра сильно перемещает фокус фотографии на объект и его или ее обмен мнениями с фотографом и зрителем.

Для дальнейшего чтения о Ринеке Дейкстра мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Ринеке Дейкстра: ретроспектива.

19. Диана Арбус

Дайан Арбус. Молодая пара на скамейке в парке Вашингтон-сквер, Нью-Йорк, 1965. Серебряно-желатиновая печать; напечатано 1965 г. — 36,5 × 36,5 см. Издание 75. Предоставлено галереей Говарда Гринберга.

Дайан Арбус родилась в 1923 году на Манхэттене, штат Нью-Йорк, и скончалась в 1971 году в доме художников Вестбет в Нью-Йорке. Она является одним из самых оригинальных и влиятельных фотографов 20-го века. Она прославилась своими фотографиями в 1960-х годах, а ее усилия были сильно вознаграждены в 1966 году стипендией Джона Саймона Гуггенхайма.

Американский фотограф изобразительного искусства изображает пары, детей, пешеходов Нью-Йорка, семьи, знаменитостей и многое другое, поскольку она захватывает послевоенную американскую социальную сферу через свой объектив. Конечным результатом является произведение, изображающее составной, разнообразный и, прежде всего, убедительный портрет человечества.

Для дальнейшего чтения о Дайан Арбус мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Дайан Арбус: портрет фотографа.

18. Уокер Эванс

Уокер Эванс, жена арендатора-фермера, Алабама, 19 лет.36. Серебряно-желатиновый отпечаток — 25,4 × 20,3 см. Издание 100/1. С разрешения Jackson Fine Art.

Далее мы встречаемся с другим культовым фотографом с одним из самых культовых фотопортретов, Уокером Эвансом. Эванс родился в 1903 году в Сент-Луисе, штат Миссури, и скончался в 1975 году в Нью-Хейвене, штат Коннектикут. ) до упомянутых Bernd & Hilla Becher (см. ниже).

На протяжении всей своей карьеры Эванс записывал современную Америку с поэтическим оттенком. Отмеченный документальным характером, он изображал обычные предметы. Одним из величайших примеров является его портрет жены арендатора-фермера 1936 года, один из самых знаковых фотографических изображений за всю историю.

Для дальнейшего чтения об Уокере Эвансе мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию, опубликованную Prestel, под названием Уокер Эванс.

17. Бернд и Хилла Бехер

Бернд и Хилла Бехер, Grain Elevator [Getreideheber], Буффало, Нью-Йорк, США, 1982 г. Серебряно-желатиновый отпечаток – 52,5 × 61 см. Предоставлено галереей Френкеля.

Бернд Бехер, родившийся в 1931 году в Зигене и скончавшийся в 2007 году, и Хилла Бехер, родившаяся в 1934 году в Берлине и скончавшаяся в 2015 году, были дуэтом и парой немецких художников, занимающихся фотографией с 1959 года. Они получили международное признание. для документирования архитектурных форм, которые они назвали анонимными скульптурами.

При этом в течение тридцати лет они систематически фотографировали в своей собственной и особенной манере широкий спектр часто промышленных архитектурных архетипов, включая водонапорные башни, угольные шахты, дома шахтеров и многое другое. При этом Бернд и Хилла Бехер представляют нам обширное визуальное исследование архитектурных отношений между формой и функцией.[9]

Для дальнейшего чтения о Бернде и Хилле Бехер мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Бернд и Хилла Бехнер: Основные формы .

16. Кэтрин Опи

Кэтрин Опи, Untitled #3 (Болота), 2019. Пигментная печать – 101,6 × 152,4 см. Издание 5+2АП. Предоставлено Леманн Мопен.

Родившаяся в 1961 году в Сандаски, штат Огайо, в настоящее время проживающая и работающая в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, Кэтрин Опи является ведущим фотографом в отрасли, которая начала фотографировать с своего девятого дня рождения, когда ее родители подарили ей Kodak Instamatic.

С тех пор она и по сей день полностью увлечена документированием конкретных сообществ, изображая свою семью, друзей и другие сообщества в Лос-Анджелесе и его окрестностях, но также очень любит пейзажную фотографию. В результате ее практика, основанная на проектах, широко охватывает различные темы, от американских автомагистралей до лесбийских пар в их домах.

Для дальнейшего чтения о Кэтрин Опи мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Кэтрин Опи.

15. Кэрри Мэй Уимс

Кэрри Мэй Уимс, Без названия (Женщина и телефон) из серии «Кухонный стол», 1990 г. Серебряно-желатиновая печать – 69,2 × 69,2 см. Издание 4/5. С уважением, Филлипс.

Родившаяся в 1953 году в Портленде, штат Орегон, в настоящее время проживающая и работающая в Сиракузах, штат Нью-Йорк, Кэрри Мэй Уимс — еще один очень влиятельный американский фотограф изобразительного искусства. Ее можно рассматривать как визуального ритора, берущегося за темы во всей их сложности и дающего глубоко волнующие результаты.

Американский художник дает голос тем, кого игнорировали, исследуя историю, власть и идентичность. Кэрри Мэй Уимс заинтригована тем, как личный опыт и более крупные структуры или институты связаны друг с другом, формируя нашу жизнь и общество.[11]

Для дальнейшего чтения о Кэрри Мэй Уимс мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию «Кэрри Мэй Уимс: три десятилетия фотографии и видео» (Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк: каталоги выставок) .

14. Барбара Крюгер

Барбара Крюгер, Без названия (Твое тело — поле битвы), 1989. Фотографическая шелкография на виниле — 284,5 × 284,5 см. Предоставлено Широким.

Далее мы сталкиваемся с поистине культовым художником, который в общественном мнении может быть больше связан с движением феминистского искусства, чем с художественной фотографией. Однако Барбара Крюгер, родившаяся в 1945 году в Ньюарке, штат Нью-Джерси, прославилась в конце 1970-х и 1980-х годах благодаря своему уникальному использованию фотографии в сочетании с текстовым коллажем.

На ее фотографии повлияли средства массовой информации, представляющие стереотипные образы женского «я», сопоставленные с письменным заявлением, бросающие вызов общественному мнению и гендерным различиям с ее — часто крупномасштабными — черно-белыми отпечатками.

Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию  Barbara Kruger .

13. Джефф Уолл

Джефф Уолл, «Фигуры на тротуаре», 2008 г. Цветная фотография – 165 × 134 см. Предоставлено Kestnergesellschaft.

Родившийся в 1946 году в Ванкувере, Канада, где художник проживает и работает по сей день, Джефф Уолл является признанным художником и фотографом изобразительного искусства, сочетающим кинематографию с фотографией, в котором он синтезирует основы фотографии с другими формы искусства.

В отличие от многих вышеупомянутых фотохудожников из этого списка, принадлежащих к этому конкретному поколению, Джефф Уолл внес большой вклад в утверждение цвета как ключевого аспекта эстетики фотографии. Его работы часто — как утверждает сам Уолл — рядом с документальным фильмом . Работы кажутся документальными фотографиями, однако его снимки постановочные, так как он работает в соавторстве с изображаемыми субъектами.[13]

Для дальнейшего ознакомления с Джеффом Уоллом мы настоятельно рекомендуем каталог-резоне Джефф Уолл: Каталог-резоне 1978-2004.

12. Нобуёси Араки

Нобуёси Араки, 67 лет, стреляя в ответ, 2007 г. C-принт на бумаге Crystal – 60 × 50,8 см. Выпуск 10. Courtesy Galleria 13.

Родившийся в 1940 году в Токио, Япония, Нобуёси Араки, несомненно, является одним из самых плодовитых деятелей современной фотографии. Его обильное производство работ и фотокниг (более пятисот и больше) является результатом интенсивной и лихорадочной работы экстравагантного художника.

Он наиболее известен своей почти порнографической сексуальной тематикой, изображающей обнаженных японских женщин в сексуальных позах, часто связанных, что вызывает острые споры. В результате печально известный японский фотограф изобразительного искусства наиболее известен тем, что провоцировал свою аудиторию, исследуя, возможно, самые большие побуждения жизни, любовь, секс и смерть.

Для дальнейшего чтения о Нобуёси Араки мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию TASCHEN под названием ARAKI.

11. Ласло Мохой-Надь

Ласло Мохой-Надь, Фотограмма, 1926 г. Серебряно-желатиновая фотограмма – 23,8 × 17,8 см. Собрание музея Гуггенхайма.

Родившийся в 1895 году в Боршоде, Австро-Венгрия, и скончавшийся в 1946 году в Чикаго, Соединенные Штаты Америки, Ласло Мохой-Надь, возможно, является самым многопрофильным художником из нашего списка, но его просто нельзя было не упомянуть. Так называемый протоконцептуальный художник, связанный с конструктивизмом и Баухаусом, был радикальным новатором, экспериментировавшим с фотографиями без камеры, которые он назвал фотограммами.

Таким образом, Мохой-Надь проложил путь абстракции в мир художественной фотографии. Он решил создавать фотографии с нетрадиционной точки зрения и ракурсов, открывая новые выразительные возможности в отличие от их документальных возможностей. Но этого культовому художнику было недостаточно, поскольку он пошел еще дальше, экспериментируя с фотомонтажами, в которых он мог накладывать фотографии друг на друга, комбинируя репрезентативные элементы с радикально новой абстракцией.[15]

Для дальнейшего ознакомления с фотограммами Ласло Мохой-Надя мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Ласло Мохой-Надь: Фотограммы: Каталог-резоне .

10. Ширин Нешат

Ширин Нешат, Нида, 2012. Тушь на серебряно-желатиновой печати LE – 152,4 × 114,3 см. Издание 5+2АП. Предоставлено галереей Gladstone.

Родившаяся в 1957 году в Казвине, Иран, и в настоящее время работающая и проживающая в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки, Ширин Нессат является всемирно известным современным фотографом, исследующим влияние исламского фундаментализма и воинственности на личную и/или политический.

Своими черно-белыми фотографиями, чаще всего изображающими иранских женщин в чадре, Нешат затрагивает вопросы женственности, религии, идентичности, культурной истории и изгнания. Она накладывает на свои фотографии текст тушью, сопоставляя религиозные тексты с изображенными на ней предметами.

Для дальнейшего чтения о Ширин Нешат мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Ширин Нешат .

9. Zanele Muholi

Zanele Muholi, Bona II, Charlottesville, Virginia, 2015. Серебряно-желатиновый отпечаток – 29.2 × 50 см. Издание 8. Предоставлено галереей Янси Ричардсон.

Далее мы отправляемся в Южную Африку, а точнее в Йоханнесбург, где в настоящее время работает и проживает Занеле Мухоли, родившаяся в 1972 году в Умлази. Мухоли — визуальный активист, и ее любимое оружие — художественная фотография.

В своих работах южноафриканская художница документирует и изображает сегодняшнюю ЛГБТКИ-идентичность в Южной Африке. Тем самым она борется со стигматизацией, дискриминацией и продолжающимся насилием в отношении ЛГБТКИ-идентичности. Она стремится переписать историю чернокожих гомосексуалистов и транс-визуалов в Южной Африке и за ее пределами.

Для дальнейшего чтения о Занеле Мухоли мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Zanele Muholi: Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness .

8. Роберт Мэпплторп

Роберт Мэпплторп, Фрэнк Диаз, 1980 г. Серебряно-желатиновый оттиск – 50,8 × 40,6 см. Выпуск 15/15. Предоставлено Фортес Д’Алоя и Габриэлем.

Родившийся в 1946 году в Флорал-Парке, Квинс, и скончавшийся в 1989 году в Бостоне, Роберт Мэпплторп — один из самых известных американских фотографов второй половины 20-го века. Он прославился в 1970-х, сначала с камерой Polaroid, а затем крупномасштабными черно-белыми фотографиями во второй половине того же десятилетия, что станет его самой популярной и узнаваемой чертой.

При этом Мэпплторп изображал натюрморты, интерьеры, обнаженные тела, автопортреты и портреты своих друзей и настоящих икон, вспомните Патти Смит или Энди Уорхола. Американский художник также изображал садомазохистские или гомоэротические сюжеты, отмеченные приличной долей провокации, но, прежде всего, чистой силы и красоты.

Для дальнейшего чтения о Роберте Мэпплторпе мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Роберт Мэпплторп: Фотографии .

7. Candida Höfer

Candida Höfer, Библиотека Джорджа Пибоди, Балтимор II, 2010. C-print печать – 180 х 198,6 см. Издание 6 с 3 AP. Предоставлено Шоном Келли.

Далее у нас Кандида Хёфер. Хефер родилась в 1944 году в Эберсвальде, а в настоящее время живет и работает в Кельне. Она немецкий фотограф изобразительного искусства, наиболее известная своими пустыми архитектурными интерьерами. Хёфер создает крупномасштабные и тщательно составленные фотографии, наполненные четкими цветами, архитектурными формами и математическими повторениями в ее композиции.

Эти гармоничные интерьеры чаще всего представляют собой церкви, библиотеки, музеи, гостиницы, концертные залы или дворцы, все общественные помещения и помещения. Однако они изображаются в пустом состоянии, создавая отчуждающую напряженность из-за отсутствия его обитателей. При этом Хёфер исследует психологическое воздействие дизайна пространства или комнаты и его часто нарушаемую связь между его функцией и фактическим использованием.

Для дальнейшего ознакомления с Кандидой Хёфер мы настоятельно рекомендуем недавно опубликованную (2020 г.) Кандида Хёфер: выпуски 1987-2020 .

6. Андреас Гурски

Андреас Гуркси, 99 центов, 1999 г. Печать Cibachrome – 207 × 336,9 см. Выпуск 6. Courtesy Gallery Red.

Аналогичный эстетический принцип можно найти в работах нашего следующего художника, не кого иного, как Андреаса Гурски. Родившийся в 1955 году в Лейпциге, Германия, Гурски наиболее известен своими широкоформатными фотографиями с высоким разрешением, на которых он изобретает новые миры из существующих элементов.

Методическими наблюдениями художник увязывает микро- и макроструктуры по общему организационному принципу. Повторяющимися объектами являются города, интерьеры, толпы или коммерческие продукты, в которых его сверхсфокусированные сцены изображают как задний, так и передний план острыми, как нож, создавая эффект почти головокружения из-за огромного количества визуальной информации, которая может быть обработана только благодаря его гармоничная организация в фотокомпозиции.[20]

Для дальнейшего чтения об Андреасе Гурски мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Андреас Гурски: Фотографии с 1984 года по настоящее время .

5. Нэн Голдин

Нэн Голдин, Печенька на дне рождения Шэрон с Хенаро и Лизетт, Провинстаун, 1976 г. Цибахром – 50,8 × 61 см. Выпуск 25. Предоставлено Matthew Marks Gallery.

Далее у нас есть культовое фототворчество Нэн Голдин. Родившаяся в 1953 году в Вашингтоне, округ Колумбия, и в настоящее время проживающая и работающая в Нью-Йорке, Нэн Голдин — американская художница, которая произвела революцию в художественной фотографии своими глубоко личными портретами, вообще отказавшись от каких-либо фильтров — визуально и в отношении предмета.

В 1970-х годах Голдин создала всемирно известное произведение, исследуя гендер и традиционные условности нормальности. Она фотографировала свое непосредственное окружение, чтобы дать им голос, документируя свою жизнь и друзей или различные сообщества, которые выходили бы за рамки вышеупомянутых условностей и нормальности. Своими фотографиями она повышает осведомленность о маргинализированных группах и войне с наркотиками, битве, свидетельницей которой она стала воочию с камерой в руке.[21]

Для дальнейшего чтения о Нэн Голдин мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию  Нэн Голдин: Баллада о сексуальной зависимости .

4. Ман Рэй

Ман Рэй, Мерет Оппенгейм, 1931-1932 гг. Старинный серебряно-желатиновый контактный отпечаток — 11,4 × 8,3 см. Courtesy Hyperion Press Ltd..

Как и в случае с вышеупомянутым Ласло Мохой-Надь, далее мы сталкиваемся с художником с более междисциплинарной художественной практикой, но мы не можем исключить его из нашей подборки фотохудожников; Ман Рэй. Родился в 189 г.0 в Филадельфии Эммануэль Радницкий, более известный как Ман Рэй, скончался в 1976 году в Париже, Франция.

Дадаист и сюрреалист укрепляет свое место в этом списке с помощью своих Rayographs — эпонима для его фотограмм, созданных таким же образом, как и вышеупомянутый Ласло Мохой-Надь. Он прославился благодаря этим поразительным и уникальным черно-белым фотографиям, отмеченным техническими экспериментами, раздвигающими границы авангардной фотографии.[22]

Для дальнейшего чтения о Ман Рэе мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию  Ман Рэй .

3. Томас Руфф

Томас Руфф, neg◊nus_33, 2014. C-print – 70,5 × 60,5 см. Выпуск 8. Предоставлено Mai 36 Galerie.

Мы входим в тройку лучших вместе с Томасом Руффом, родившимся в 1958 году в Аль-ам-Хармерсбахе, в настоящее время работающим и проживающим в Дюссельдорфе, Германия. Рафф исследует возможности фотографии посредством экспериментов. То есть немецкий фотограф изобразительного искусства не привязывает себя к какой-то конкретной камере, процессу или технике печати, раздвигая границы не только собственного творчества, но и современной фотографии в целом.

Помимо широкого набора техник — как аналоговых, так и цифровых — Томас Рафф также известен очень большим разнообразием сюжетов. Например, мы сталкиваемся с абстрактными формами, традиционной портретной фотографией, пейзажной фотографией, порнографическими изображениями, архитектурной фотографией и многим другим.[23]

Для дальнейшего чтения о Томасе Раффе мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию  Томас Рафф: с 1979 г. по настоящее время .

2. Синди Шерман

Синди Шерман, Кадр из фильма без названия № 21, 1978.

На втором месте мы рады представить вам не кого иного, как Синди Шерман. Синди Шерман родилась в 1954 году в Глен-Ридже, штат Нью-Джерси, и в настоящее время проживает и работает в Нью-Йорке.

Она получила международное признание в конце 1970-х годов, построив свое фотографическое творчество на автопортрете и женском «я». Ее знаковые фотографии Серия фильмов без названия известна во всем мире, изображая ее саму — воплощающую автопортрет — в искусственном и стереотипном контексте в качестве женского персонажа — воплощающую женскую самость. Поступая так, она создает напряжение между собой и коллективной психикой, которое усиливается культурой потребления и современной одержимостью молодостью и красотой.[24]

Для дальнейшего чтения о Синди Шерман мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Cindy Sherman: The Completed Untitled Film .

1. Вольфганг Тильманс

Вольфганг Тильманс, Хрупкие волны, 2016. Струйная печать на бумаге, скрепки – 138 × 207 см. С разрешения Regen Projects, Лос-Анджелес.

Возглавляет наш список Вольфганг Тильманс, пожалуй, самый важный современный художник-художник в мире фотографии. Родившийся в 1968 году в Ремшайде, Западная Германия, и в настоящее время проживающий и работающий в Лондоне, Вольфганг Тильманс наиболее известен своими завораживающими художественными фотографиями, запечатлевшими его окрестности, наблюдением за ночными клубами, его друзьями и семьей, натюрмортами, пейзажами и всем, что между ними. .

Тиллманс был первым фотографом и небританским художником, получившим известную премию Тернера в 2000 году. Он поднялся на международную арт-сцену, документируя зарождающуюся культуру рейва в потных ночных клубах. Однако его работы не ограничиваются грубым изображением реальности и субкультур, поскольку немецкий художник находится в постоянном поиске загадки, прекрасного или просто новой проблемы, которую необходимо решить визуально. Поступая так, по сей день Вольфганг Тильманс не поддается классификации как фотограф, делая свое творчество таким же неуловимым, как и его интригующие фотографии.

Для дальнейшего чтения о Вольфганге Тильмансе мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию  Вольфганг Тильманс: Сегодня первый день .

---

Примечания:

[1] Галерея Fraenkel, Lee Friendlander на https://fraenkelgallery.com/artists/lee-friedlander, консультации 04.04.2022.
[2] Арцы, Борис Михайлов на https://www.artsy.net/artist/boris-mikhailov консультация 03.08.2022.
[3] Artsy, Анри Картье-Брессон на https://www. artsy.net/artist/henri-cartier-bresson, консультации 04.05.2022.
[4] Allan Sekula Studio , Home на https://www.allansekulastudio.org, консультация 04.04.2022.
[5] The Met, Alfred Stieglitz https://www.metmuseum.org/toah/hd/stgp/hd_stgp.htm, консультации 04.04.2022.
[6] Галерея Мариан Гудман, Rineke Dijkstra , https://www.mariangoodman.com/artists/40-rineke-dijkstra/, консультация 04.04.2022.
[7] Галерея Fraenkel, Diane Arbus на https://fraenkelgallery.com/artists/diane-arbus, консультация 04.04.2022.
[8] The Met, Walker Evans https://www.metmuseum.org/toah/hd/evan/hd_evan.htm, консультация 04.04.2022.
[9] Галерея Френкеля, Bernd & Hilla Becher на https://fraenkelgallery.com/artists/bernd-and-hilla-becher, консультация 04.04.2022.
[10] Гуггенхайм, Кэтрин Опи на https://www.guggenheim.org/artwork/artist/catherine-opie, консультация 04.04.2022.
[11] Галерея Френкеля, Кэрри Мэй Уимс на https://fraenkelgallery. com/artists/carrie-mae-weems, консультации 04.04.2022.
[12] The Broad, Barbara Kruger , https://www.thebroad.org/art/barbara-kruger, консультация 18 марта 2022 г.
[13] Гагосян, Джефф Уолл , https://gagosian.com/artists/jeff-wall/, консультация 04.04.2022.
[14] SFMOMA, Nobuyoshi Araki , https://www.sfmoma.org/artist/Nobuyoshi_Araki/, консультация 04.04.2022.
[15] Guggenheim, Laszlo Moholy-Nagy https://www.guggenheim.org/artwork/artist/laszlo-moholy-nagy, консультация 04.04.2022.
[16] Арцы, Ширин Нешат на https://www.artsy.net/artist/shirin-neshat, консультация 04.04.2022.
[17] Янси Ричардсон, Занеле Мухоли на https://www.yanceyrichardson.com/artists/zanele-muholi, консультация 04.04.2022.
[18] Xavier Hufkens, Robert Mapplethorpe https://www.xavierhufkens.com/artists/robert-mapplethorpe, консультация 04.04.2022.
[19] Шон Келли, Candida Höfer на https://www.skny.

No related posts.