Что такое есть художественная фотография — Теория фотографии — ИСКУССТВО и ТЕОРИЯ ФОТОГРАФИИ — Каталог статей — Media-Shoot — кино и фото искусство

Фотоискусство — искусство создания художественной фотографии. Художественная фотография отличается от прочих фотографий тем, что не стремится к объективному отражению действительности, а фиксирует сцены, специально избранные либо созданные для фотографирования с целью выражения определенного художественного замысла.

Для фотоискусства характерно значительное разнообразие технических средств и уровня условности изобразительного языка. Наряду с новейшими достижениями фототехники и компьютерной графики, в нем продолжают использоваться архаические устройства, материалы и методы обработки (камера обскура, монокулярные объективы, крупнозернистые фотоматериалы, вирирование, подкрашивание и т. п.) Художественная фотография может иметь весьма отдаленное отношение к натуре, либо передавать ее с документальной точностью. Наиболее востребованные жанры фотоискусства — портретный и репортажный.

Основной потребитель произведений фотоискусства — издательское дело.

ru.wikipedia.org

Я утверждаю, что о сути художественной фотографии за все время ее существования не написано и не сказано ни слова.

Несколько лет назад я побывал на выставке фотографий в Нью Йорке. Выставка состояла из ряда огромных черно-белых снимков ног. Ноги эти, снятые иногда по щиколотку, иногда по колено, располагались и освещались так, что выглядели как скульптурные композиции, в чем и заключалось, собственно, формальное достоинство (эстетическая ценность) этих фотографий. Подумав, однако, я сообразил, что здесь все хитрей: конечно же фотографии только напоминают скульптурные композиции, то есть, на самом деле как бы изображают снимки-репродукции с некоторых (на самом деле несуществующих) скульптур. Но и это еще не все, тут была еще тонкость. Современная фотография в массе своей на порядок конкретней, чем современная живопись и скульптура, и потому фотографии ног и только ног выглядели достаточно формально, чтобы ассоциироваться с формальной же, то есть, абстрактной, ну вот как у Мура, скульптурой.

То есть, они представляли абстрактную скульптуру, не будучи между тем абстрактными… вот какую эстетическую игру затевал со зрителями (и с успехом исполнял) фотограф. Хотя конечно же (надеюсь!) он не сознавал все так конкретно, как я здесь описал.
Тогда же я подумал: как тут ясно проявлялся принцип, на котором основывается художественная фотография (в дальнейшем для краткости слово «художественная» буду опускать). Тот самый принцип двойственности, оригинальности посредством неоригинальности, рефлекторности, иллюзорности, замысловатости, непрямизны, который сбивает с толку людей, желающих видеть в фотографии феномен объективности, простоты и прямизны.

Фотография — современный вид искусства, она родилась почти одновременно с кинематографом, но если кинематограф, наследуя средства выражения у театра и живописи, изобретает еще свои (монтаж в первую очередь), то все средства выражения фотографии (форма, линия, ритм, цвет, пользование светом) взяты у живописи и рисунка. В сущности тут психологическая загадка современного человека: гравюры или рисунки выставляются в музеях по соседству с картинами, но совсем не фотографии.

А почему? Ведь фотографии по существу это тоже самое, что рисунки или гравюры или картины, только что они произведены при помощи иной, якобы более объективной технологии (об объективности технологии чуть позже). Тут есть ирония, и потому я называю кинематограф нормальным видом искусства, а фотографию — ироническим. Иногда о кинофильме говорят, что это «плохой театр», но с равной вероятностью могут сказать о театральной постановке, что это «плохой кинематограф». У фотографии с живописью совершенно другое соотношение. Мы не раз слышали, как о картинах какого-нибудь художника (например, Шишкина) пренебрежительно говорят, что это всего лишь цветные фотографии, но обратное заявление невозможно себе представить, и это удивительней, чем кажется на первый взгляд. В известной книге Сюзен Зонтаг «On photography» я нахожу любопытную фразу: «С двадцатых годов амбиционные профессионалы, чьи работы попадают в музеи, последовательно уходили от… ». Стала бы бы Зонтаг адресовать столь небрежные, даже презрительные слова («амбициозные профессионалы») к Сезанну или Пикассо, если бы писала о живописи? И если бы писала о живописи, то стала бы сваливать в одну кучу любительские зарисовки и функциональные рисунки в переодике с картинами, которые «попадают в музеи»? Я прекрасно понимаю разницу между альбомными зарисовками и альбомными же (семейными) любительскими фотографиями и не менее Зонтаг понимаю значение последних, как социального (эголитарного) феномена. Но если исследователь пишет об еще одном способе создавать двухмерные образы и как бы не замечает различия жанров внутри него, то тут проявляется особенное к этому способу отношение. И Зонтаг в этом не одна, такой подход можно назвать характерным. Вот, например, не менее известная книга Роллана Барта «Camera Lucida», в которой он говорит о художественных фотографиях и тут же переходит на «исторические» фотокарточки и тут же переходит на фоторепортажи, и для него здесь речь идет об одном и том же. Но даже когда о художественных фото, то: «…если бы я только мог быть «написан» (Тицианом) или «нарисован» (Клуэ)! Однако, поскольку то, что, по моему мнению подлежит «схватыванию» — эта тонкая моральная структура, а не просто мимика, и поскольку фотография, если не считать работ некоторых великих портретистов, мало способна на такие тонкости…». Логика Барта дает осечку: ведь портретистов уровня Тициана и Клуэ в истории живописи так же мало, как портретистов высокого уровня в истории фотографии. Затем следует еще одна нелогичность: в данном контексте уместней было бы привести имена не художников, а как раз тех самых все-таки существовавших (или существующих) «некоторых великих портретистов» фотографов. Но при помощи этих двух нелогичностей Барт чисто художественно (интуитивно, неосознанно) передает нам свое мнение, что фотография «не тянет» на живопись — так поступают всегда, когда мысль самоочевидна, даже стереотипна. И зря: очевидных мыслей не бывает, самое интересное находишь тогда, когда стереотипы ставишь под сомнение.

И Барт и Зонтаг на мой взгляд мыслители второ- (если не сказать третье-) степенные (таков, увы, удел нашего времени). И я цитирую их только потому, что их книги о фотографии передставляют собой эталон, неоспариваемое и неоспоренное мнение на эту тему – мнение, что фотография это явление самостоятельное, уникальное, в особенности самостоятельное и уникальное тем, что способно запечатлять и правдиво передавать моменты «жизненной правды».

У моего приятеля есть фотография: две плотные деревенские женщины в ватниках рассматривают в «Эрмитаже» картину Рубенса, на которой изображена обнаженная женщина примерно их же телосложения. Юмористический смысл (схожесть-контраст) этого фото очевиден, но я обращаю внимание на другое. Хотя фото вызывает улыбку, оно вовсе не относится к какому-то специфическому «низшему» жанру фотоискусства. Более того, легко можно себе представить, что, например, одна из женщин обернулась и серьезно-задумчиво смотрит в объектив в момент щелчка затвора — фотография сразу становится на порядок серьезней, а между тем формальная ее сторона не меняется. То есть, я могу даже представить взгляд деревенской женщины «рембрантовским взглядом» (я называю так взгляд человека, который на мгновенье задумался и как бы смотрит в тихость вечности) — то есть, в этом взгляде есть еще и осознание контраста между собой и женщиной, что над твоей головой в шелках и украшениях, о да, тут уже нечто гораздо большее, чем юмор… Но как бы выглядел схожий сюжет, перенесенный в живопись? Современная живопись давно оставила подобную предметность, поэтому приходится искать сравнений в живописи 17, 18, 19 веков, а там он явно не годился бы для высоких сюжетов. Это был бы сюжет для «жанристов» или для рисунка, выполненного таким мастером, как Домье. Юмористического или сатирического рисунка, то есть (что касается «рембратовского взгляда», то конечно же у Домье его не было бы — жанр помешал бы).

Тут я слышу еще возражение со стороны теоретиков самостоятельности фотоискусства: подобный сюжет оправдан для самой серьезной фотографии, потому что на зрителей специфически действует знание того, что фотография запечетлевает без обмана реальный момент жизни. Вот еще одно общее место (еще один стереотип): фотография, мол, сохраняет предметность изображения, потому что она более объективный вид искусства, чем живопись (пленка, мол, не обманет).

На деле все как раз наоборот. Фотограф вполне мог срежисировать сюжет и поставить женщин перед картиной. И не только «вполне мог», но весьма вероятно так и сделал, потому что фотографы сплошь и рядом занимаются такими вещами (в силу ограниченности своих возможностей фотография с самого своего рождения привыкла подделывать, имитировать и режиссировать). Между тем, если бы подобный рисунок был сделан художником, на его жизненную достоверность можно было бы положиться в сто, в тысячу раз больше потому, что художникам нет нужды притворяться, будто они рисуют с натуры, если они придумывают композицию: композиция-то в живописной иерархии ценностей стоит гораздо выше жизненной зарисовки или этюда!

Вот почему я говорю, что фотография только на первый взгляд представляет собой самый «буквальный», объективный вид изобразительного искусства, на деле же она насквозь двойственна и иллюзорна. Вот почему я настаиваю на том, что для истинного понимания художественной фотографии необходимо во-первых понимать искусство живописи и во-вторых понимать, каким образом художественная фотография все же осуществляет свою уникальность, даже если она, как я сказал, пользуется исключительно теми же формальными приемами, что и живопись.

Я знаю, что не вызову своим рассуждением большой симпатии у фотографов, потому что, как правило, фотографы это люди невежественные, никто из них не приходит к фотографии от живописи, и практически все они приходят к фотографии с ее технологической стороны.

Это понятно: фотографировать «могут все» (опять эгалитарность), лишь бы была камера, но, приобретя камеру, люди замечают, что они чрезвычайно зависят от технологии. Тут те, кто начинают заниматься фотоделом всерьез, неизбежно попадают в круг «знающих» людей, и эти знающие люди всегда одержимы знанием технологической стороны фотомастерства и никогда не одержимы ни знанием истории живописи, ни основ ее эстетики. Несмотря на мою любовь к фотографии, общение с фотографами всю жизнь приводило меня в раздражение, то есть, я просто не мог с ними общаться из-за их эстетической невежественности и их культа технологии мастерства (культ этот они часто доводят до мистицизма).

Но говоря объективно, фотографов можно понять. Фотограф это человек без рук и ног, уродец, который при помощи различных технологических приспособлений и с огромным трудом пытается произвести то же, что художник делает несколькими мазками кисти или штрихами карандаша. Соотношение живописи с фотографией напоминает мне соотношение свободного человека с рабом, здорового с уродом, господина со слугой, представителя нацбольшинства с представителем нацменьшинства, и так далее. И вот в этом-то и кроется секрет уникальности искусства фотографии. Точно так же, как язык господ всегда прямей и правильней языка угнетенных (тут уместно сравнение литературного языка англичан с литературным языком ирландцев), так и искусство фотографии «неправильней», «случайней», «натуралистичней» искусства живописи. Как замечательно сказала однажды известный американский фотограф Лизетте Модел: «The best photographs are often subversive, unreasonable, delirious» (лучшие фотографии зачастую не подчинаются логике, несут в себе что-то подрывное, бредовое). Меня всегда забавляет и одновременно злит, когда какой-нибудь «знаток искусств» начинает рассуждать о той или иной фотографии, прикладывая к ней напрямую композиционные или какие другие законы живописи – худшей ошибки нельзя придумать. Разумеется, композиционые приемы живописи должны иметься в виду, когда имеешь дело с фотографией, но только они должны иметься в виду с ухмылочной поправкой на случай и выкрутас. Сюзан Зонтаг, кстати, отмечает это в своей книжке: «С двадцатых годов амбициозные профессионалы, работы которых попадают в музеи, все более и более отдалялись от красивых, лирических мотивов, сознательно исследуя простые, низкие, даже бесвкусные сюжеты. .. В 1915 году Эдвард Стейхен сфотографировал бутылку из-под молока на пожарной лестнице — совершенно иная идея красивой фотографии». Разумется, Зонтаг опять поверхностна, даже просто неправа: бутылка на пожарной лестнице это натюрморт, существующий, как жанр, уже несколько сотен лет. И хотя голландцы не писали бутылки на пожарных лестницах, живопись начала 20-го века таким сюжетом не удивишь. Но Стейхен своим натюрмортом действительно проявил фотографическое новаторство, только не прямое, как полагает Зонтаг, новаторство (создание совершенно нового), а новаторство с учетом живописи, с оглядкой на живопись, в том числе и соперничество с живописью. Художественная интуиция подталкивает Стейхена не к бесконечным пространствам неизведанного, а в ту ограниченную зону, в которой фотография может достойно существовать на фоне живописи. Тут я формулирую главное, что проводит водораздел между фотографами со вкусом и фотографами без вкуса: истинный фотограф всегда ощущает себя ограниченным и из этой ограниченности извлекает особенное наслаждение. То есть, он ощущает себя несвободным и из этой несвободы извлекает свою свободу. Идея, которая подталкивает Стейхена: коль фотография способна на ничтожную часть того, на что способна живопись, и коли зрители ожидают, что фотография «лучше» регистрирует объективную реальность, то я и воспользуюсь этим ожиданием к своей выгоде. К своей единственно возможной выгоде. К своей единственно возможной художественной возможности. Коль скоро принято полагать, что объективная реальность не так организована, как живописное произведение, то есть, что она всегда хаотичней и «ниже», то я и обращусь к более низкому, потому что работаю в сфере более низкого вида искусства.
Я приписываю этот ход мысли Стейхену, но самом деле должен приписать его самой фотографии. Вот секрет того, почему фотография сохраняется на уровне предметного изображения, которое давно оставлено живописью: общее — то есть в данном случае живопись — всегда глубже конкретного; организованное (абстрагированное) всегда красивей реального. И то, чему отводится роль менее глубокого и менее красивого, должно знать свое место (к своей творческой выгоде). Отсюда — близость фотографии к низкой и лежащей на поверхности жизни, непрерывно движущейся конкретности. Каждый волен понимать слова Лизетте Модел по-своему, но я обращаю внимание на то, что в них содержатся ссылка и сравнение. Сам собой напрашивается вопрос: лучшие фотографии subversive, unreasonable, delirious — по сравнению с чем? Очевидно, с нормами, к которым нас приучили иные, «дофотографические» виды изобразительного искусства, которые более логичны, в которых больше разума и порядка.

Самим своим существованием на фоне живописи фотография указывает на разобщенность мира вокруг нас, на разобщенность того, что, быть может, никогда и не было единым (хотя и существовала иллюзия этого единства). О да, без фотографии, как вида искусства, мы были бы куда бедней, хотя, вероятно, не очень понимаем это, продолжая подходить к ней преимущественно как к технологическому феномену, позволяющему фиксировать моментную буквальность жизни, или — в другом случае — требуем от нее подчинения эстетическим правилам живописи.

+ Задачи художественной фотографии

Художественная фотография — Публикации — Сетевое издание «Звуки Красок»

Этот материал был написан более года назад. С тех пор прошло много времени и много могло измениться – учитывайте это.

Сегодня трудно представить нашу жизнь без фотографии. Желая запечатлеть какие-то важные события, понравившиеся нам места, мы берем в руки фотоаппарат и делаем снимки на память. А иногда открываем старый семейный альбом и с удовольствием рассматриваем дорогие нашему сердцу фотографии.

В статье представлен материал из учебника «Искусство: Виды искусства» Г.И. Даниловой.

История фотографии

Датой рождения фотографии принято считать 7 января 1839 года, когда на заседании Парижской академии наук были изложены общие принципы воспроизведения изображений, открытые в 1835 году французским художником, химиком и изобретателем Луи Дагером (1787 — 1851). Он опирался на опыты другого французского изобретателя — Нисефора Ньепса (1765 — 1833). В 1826 году Ньепс изобрел гелиографию («письмо посредством солнца») — способ закрепления изображения с помощью световых лучей. Открытие фотографии стало поворотным моментом в развитии не только техники, но и искусства.

Первые, еще весьма несовершенные фотографии, названные дагеротипами, поразили современников детальной точностью воспроизведения предметов. Они воспринимались как слепки с тех фрагментов действительности, которые попали в объектив камер. Это были лица людей, интерьеры, виды Лувра и башен собора Парижской Богоматери, набережная Сены…Французский художник Э. Делакруа писал: «Дагеротип — больше, чем просто копия, -это зеркало предмета; определенные детали, почти всегда не отражающиеся на рисунках с натуры, дагеротип воспроизводит, наделяя их особенной значимостью».

С новым способом создания изображений начали активно экспериментировать. Очень скоро фотография стала посредником между человеком и окружающим его миром.

Фотографию (от греч. photos — свет и grapho -писать, рисовать) называют искусством светописи. Но как можно писать светом? При помощи чего? Не углубляясь в довольно сложную технологию получения изображений, скажем, что они возникали в результате воздействия световых лучей на специально обработанные химическим способом светочувствительные пластинки. 

Этот оптический феномен был известен еще в древности. В записках древнегреческого ученого Аристотеля описан способ получения перевернутого изображения с помощью светового луча, проникающего в темную комнату через маленькое отверстие. Такое помещение называли камерой-обскурой (лат. camera obscura — темная комната).

Средние века этим изобретением пользовались для наблюдения за солнечными затмениями. В эпоху Возрождения принцип действия камеры-обскуры описал Леонардо да Винчи. Позднее в отверстие стали вставлять линзы, что позволило во много раз увеличить  яркость  получаемого изображения, а саму камеру уменьшить до размеров небольшого ящика. Ею пользовались художники XVI —  XVII вв., чтобы более точно зарисовывать предметы окружающего мира.

Итак, фотография — это созданный химико-техническими средствами зрительный образ, который может достоверно и художественно отражать предметы или явления окружающей действительности. 

В 1840 году был открыт способ получать негатив, с которого можно воспроизводить множество копий. Изобретение этого метода, ставшего основой современной фотографии, принадлежит английскому физику и химику Уильяму Толботу (1800-1877).

Кроме того, Толбот первым начал снимать отражающиеся в воде предметы, ветки деревьев, хрупкие крылышки мотыльков, семена одуванчика… Все чаще фотографы стремились зафиксировать мимолетные, сиюминутные впечатления от увиденного. Фотография позволила не только остановить прекрасное мгновение, но и увековечить его. Вот почему искусство фотографии нередко называют зрительной памятью человечества.

Действительно. никакой другой вид искусства не может передать такое ощущение времени, какое дает нам фотография. Она переносит зрителя в прошлое, и оно продолжает жить на фотопленке. Эту уникальную способность фотографии «продлевать полет жизни» очень точно выразил поэт А.А. Тарковский:

В сердце дунет ветер гонкий,
И летишь, летишь стремглав,
А любовь на фотопленке
Душу держит за рукав.

У забвения, как птица,
По зерну крадет — и что ж?
Не пускает распылиться,
Хоть и умер, а живешь…

Все, что мило, зримо, живо,
Повторяет свой полет,
Если ангел объектива
Под крыло твой мир берет.

«Фотография», 1957 г.

Со временем фотографы все больше стремились не только отображать окружающий нас мир. но и выражать свое отношение к нему. Их нередко обвиняли в «близорукости», им отказывали в творческой фантазии, а они творили настоящие чудеса. Фотоснимки признанных мастеров представляли собой не мертвые слепки с натуры, а яркие художественные образы, созданные творческим воображением их авторов. Дальнейшее усовершенствование техники открывало безграничные возможности для творчества. Фотоаппарат в руках мастера оказался послушным инструментом для воплощения авторского замысла.

Фотохудожники могли сделать изображение размытым и расплывчатым, могли уменьшить или увеличить деталь. исключить излишние подробности. Они могли придать снимку вид гравюры, передать глубину тонов, изменить соотношение света и тени, создать впечатление рисунка углем или живописи на холсте. В своих работах они предпочитали недосказанность, предоставляя возможность зрителям что-то додумать и дорисовать в своем воображении. Все больше художники стремились к передаче настроения. В результате усложнившегося технологического процесса фотограф стал создавать один-единственный оригинальный снимок, который нельзя было тиражировать.

Так абсолютное сходство, главное качество фотографии, стало приобретать второстепенное значение. Именно с этого времени фотография становится полноправным искусством в ряду других искусств.

Фотография сегодня — это одно из важнейших средств массовой информации, без которого немыслима современная жизнь. Мы видим фотографии на страницах газет и журналов, рекламных щитах. Это действительно мощная индустрия и одновременно увлекательное хобби. На фотографии может быть запечатлено буквально все — от рождения человека до жизни неведомых галактик, от стремительного полета пули до извержения вулкана.

Сегодня история фотографии насчитывает более 170 лет. Несомненно, возраст солидный, однако по сравнению с историей других искусств (театра, живописи, литературы) он не столь велик. Но фотография уже проникла в сферу искусства — активно участвует в создании инсталляций, органично монтируется в театральные декорации.Она успела дать жизнь экранным искусствам — кинематографу, телевидению. Она помогает ученым более пристально вглядываться в окружающий мир. фиксирует важнейшие события в жизни страны, создавая документальные свидетельства эпохи. Шагом вперед стало получение объемных, голографических изображений, а использование новейших цифровых технологий обеспечило фотографии качественно новую жизнь.

Выразительные средства и жанры фотографии

Связь художественной фотографии с произведениями изобразительного искусства прослеживается и в использовании традиционной системы жанров: портрета, натюрморта, пейзажа и бытового снимка.

В портрете главное внимание уделяется индивидуальным и характерным особенностям человека, выражению его лица, позе, жестам и бытовым деталям. пространство призвано подчеркнуть и оттенить своеобразие модели. В натюрморте важен отбор предметов, их связь в общей композиции и возможность расстановки в определенных ракурсах, освещенность. пространство здесь выступает как нейтральный фон, на котором запечатлевается не мгновение, а длящаяся в вечности «тихая жизнь вещей». В пейзаже на первый план выдвигается пространство, в котором важны все фиксируемые объекты. Главная задача сводится к передаче их взаимосвязи и ритма жизни природы. В жанровом (бытовом) снимке главное внимание сосредоточено на происходящем событии, особенностях взаимодействия фигур и предметов в пространстве.

Можно также выделить и специфические жанры фотографии, к которым относятся фрагмент и фотомонтаж.

Во фрагменте запечатлевается не весь объект, а только его часть. Как и в кинематографе, это составляет примерно 30% изобразительной плоскости, то есть крупный план. Фрагмент используется для выявления главного и существенного в изображении. Принцип фрагментарности применяют и живописцы, но у них он выполняет роль своеобразной заготовки, эскиза для будущего произведения. В фотографии фрагмент выполняет полноценную художественную роль и может выявлять авторский замысел.

Фотомонтаж (печатание одного снимка с нескольких негативов) позволяет автору сконструировать композицию кадра по своему выбору и вкусу, а также преодалеть пространственно-временные рамки изображения. Кадр создается из отдельных фрагментов, ранее зафиксированных фотохудожником. Такой способ позволяет автору оторваться от реальности и привнести в фотографию собственное видение окружающего мира.

В качестве примера обратимся к «Автопортрету» Эля Лисицкого (1890-1941).  Сфотографировав свою ладонь с циркулем на фоне миллиметровой бумаги, он поверх руки напечатал с другого негатива свое лицо. Два снимка наложились друг на друга. В результате глаз художника как будто просвечивает сквозь ладонь, и рука становится «видящей». Конечно, этот снимок воспринимается как метафора — символ творческой энергии.

Не всякая фотография имеет отношение к искусству, но каждая обладает возможностью стать произведением искусства. Это происходит в том случае, если в ней есть художественный образ, если фотография не только отражает окружающий мир, но и выражает авторское отношение к нему. В арсенале фотографии немало художественных средств выразительности. Среди них : композиция, план, ракурс, свет и тень, ритм.

В создании композиции кадра автор обычно выступает в качестве режиссера. Организуя пространство, он прежде всего учитывает, в каких отношениях между собой находятся объекты съемки, а потому его интересует передача движения, действия, жестов. Кроме того, он учитывает пластические возможности предметов, выраженные с помощью линий, тональных или красочных пятен. Действенные связи фотохудожник фиксирует с учетом реальности, а пластические выстраивает по своему усмотрению.

Уже вскоре после изобретения фотографии стало ясно, что изменение дистанции между снимаемым объектом и камерой открывает огромные возможности. Изображение можно укрупнить или уменьшить, приблизить к зрителю или, наоборот, отдалить от него. В фотографии, как и других видах изобразительного искусства, и в особенности в кинематографе, существуют понятия дальнего, среднего или крупного (ближнего) планов. Их использование является важнейшим средством воплощения авторского замысла. Так, максимально приближая объектив камеры к лицу человека, французский художник и фотограф Надар (1820-1910) добивался эффекта глубокого проникновения в сущность характера. Одним из его высших художественных достижений стал снимок «Глаза композитора Шарля Гуно».

Надар много экспериментировал в поисках новых форм в области фотографии. Особенно его увлекали опыты фотографирования с высоты птичьего полета. В 1858 году он поднялся над Парижем на воздушном шаре и впервые сверху запечатлел город. Известно, что художник О.Домье откликнулся на это событие карикатурой с ироничной подписью «Надар, поднимающий фотографию на высоту искусства». Эта подпись оказалась пророческой.

Важную роль в фотографии играет и ракурс — изменение формы фигуры или предмета в перспективе с сокращением удаленных от зрителя частей. Благодаря ракурсу фотография смогла стать искусством. Если первоначально снимали с уровня глаз, то впоследствии стали менять ракурс. Известный русский художник А.М.Родченко в статье «Пути современной фотографии» писал: «Мы должны снять с глаз пелену…Снимайте со всех точек…И самыми интересными точками современности являются точки сверху вниз и снизу вверх и их диагонали». Действительно, неожиданный, подчас парадоксальный ракурс позволяет совершенно по-новому увидеть хорошо знакомые предметы.

Большое значение в создании художественной фотографии имеют свет и тень, позволяющие выделить главное, сформировать смысловой центр кадра, а также передать настроение. Черный цвет ассоциируется с чем-то неизвестным и таинственным. Преобладание белых пятен и светлых тонов наполняет кадр радостным ощущением.

Резкий контрастный свет, столкновение тональных пятен придают снимку драматический характер. Преобладание темных тонов, их противоборство со светлыми тонами привносят в снимок ощущение тревоги и неясных предчувствий. Интенсивный боковой свет дает яркие блики на предметах и наполняет фотографию легким, радостным ощущением. Встречный контрастный свет четче прорисовывает силуэты, наполняет пространство движением. Боковой — подчеркивает фактуру поверхностей, объемно моделирует предметы. Прямой свет со стороны камеры избавляет от теней, но делает пространство плоским.

Кажущаяся статичной фотография, лишенная слова, звука и движения, на самом деле не лишена ритма. Ритм — это своеобразный пульс жизни в фотографии. В пространстве кадра ритм может создаваться различными средствами. Например, его можно передать, подчеркнуть с помощью формата снимка. Давно замечено, что горизонтальный снимок дает панораму, создает ощущение эпического спокойствия. Вертикальный же подходит, например, для передачи воздушного пространства.

Ритм может создаваться и благодаря чередованию тональных пятен. Ритм можно передавать и с помощью чередования предметов в пространстве, соблюдения интервалов между ними. Одинаковые по размерам и степени удаленности друг от друга предметы сообщают композиции ощущение плавного и спокойного ритма. Различия в масштабах и интервалах придают напряженность, подчеркивают внутреннюю динамику изображения.

Художественная фотосессия — фотосъемка в Москве

Художественная фотография — свой внутренний мир!

Волнующие образы, эмоциональная насыщенность, характерные настроения той или иной эпохи — все это как нельзя лучше передает художественная фотография. Особенность заключается в том, что художественное фото — показывает не столько внешний образ, как образ внутренний — она отображает характер человека и его эмоции.

 

Художественная фотография сегодня — это еще и  один из самых изысканных и популярных украшений интерьера. Такие снимки в огромных рамках вешают на стены квартиры или офиса, создавая тем самым особую атмосферу.

Сделать качественное художественное фото самостоятельно весьма сложно. Для этого необходимо иметь особое видение и опыт съемок, который нарабатывается с практикой. Именно поэтому художественная фотосессия — одна из самых востребованных услуг в фотостудиях. Однако, найти такую студию не так — то просто, многие не специализируются на данном виде услуг вовсе. 

Фотостудия «Фотогенез» имеет большой опыт в проведении художественных фотосессий (ознакомиться с примерами — посмотреть художественное фото, вы можете на нашем сайте).   Мы организуем самые разные варианты художественных фотосессий — в студии, на улицах города, на природе и в домашних условиях. Также у нас вы можете заказать услугу — художественный портрет.

Для того, чтобы получилось качественное художественное фото требуется особый подход — разработка одного или нескольких образов, — здесь важные все детали — от одежды и макияжа, до настроения. Подобрать образы вам поможет наша творческая команда. Также для вашего удобства студия предлагает услуги стилиста и визажиста. Профессиональный фотограф и специальное оборудование — легко помогут создать желаемый образ. Все что требуется от вас  — это хорошее настроение! Ведь художественное фото отражает его как зеркало.

 

Художественная фотография — презентация онлайн

1. Презентация на тему: «Художественная фотография»

Художественная фотография — возможность диалога между зрителем и фотографом.
Фотоискусство — искусство создания
художественной фотографии.
Художественная фотография не стремится к
объективному отражению действительности,
а фиксирует сцены, специально избранные
либо созданные для фотографирования с
целью выражения определенного
художественного замысла. Художественная
фотография это возможность диалога между
зрителем и фотографом, который здесь
художник, выражающий свои чувства через
фотографию, с целью показать что-то
зрителю, показать ему красоту момента.
Именно участие зрителя, привлечение его
мыслей, чувств к происходящему на снимке,
является целью художественной фотографии.
История фотографии. В 1839 году француз Луи-Жак Манде Дагер опубликовал способ получения
изображения на медной пластине, покрытой серебром. Пластина обрабатывалась парами иода, в
результате чего покрывалась светочувствительным слоем иодида серебра. После
тридцатиминутного экспонирования Дагер перенёс пластину в тёмную комнату и какое-то время
держал её над парами нагретой ртути. В качестве закрепителя изображения Дагер использовал
поваренную соль. Снимок получился довольно высокого качества — хорошо проработанные детали
как в светах, так и в тенях, однако, копирование снимка было невозможно. Свой способ получения
фотографического изображения Дагер назвал «дагеротипия».
Основоположники фотографии:
Луи Дагер
Жозеф Ньепс
До сих пор идут споры, какую фотографию можно считать
художественной. На рубеже XIX и XX веков художественными
были снимки, которые отличались от обычных. Это всяческие
пейзажи ,городские панорамы и групповые фото. Даже
некоторые портреты можно считать художественными, если
человек изображен в нарядной одежде на красивом фоне.
Первые художественные фотографии.
Один их первых видов художественной фотографии — городской пейзаж.
Так же сюда относятся и групповые снимки. Например, кадр, на
котором Антон Павлович Чехов читает артистам театра пьесу
«Чайка»(1898г.)
Толчок к развитию особенностей художественной фотографии придало
появление рекламы.
Современная художественная фотография продолжает развиваться.
Теперь фотографы стали умнее, они знают множество правил съемки.
Пейзажи почти никогда не запечатлеваются днём, так как красивее
всего они выглядят на восходе и закате солнца. Только в таких
условиях снимок получается красивым, после чего его смело можно
назвать художественным.
По поводу съемки портретов
тоже существует множество
правил. В первую очередь
они касаются выбора
объектива для того или иного
портрета. Чаще всего
художественные фотографии
получаются в студиях, так как
на улице снять
запоминающийся портрет
гораздо сложнее, однако всё
зависит от места съемки и
погодных условий.
Свадебная фотография — трудоёмкий жанр, требующий от фотографа высокого
профессионализма, быстрой реакции на изменение ситуации и исключительно творческого
подхода к фотосъёмке. Включает в себя такие разноплановые виды фотографии как
фотожурналистика, портретная фотография, художественная, постановочная и студийная. Процесс
свадебной фотосъемки тоже позволяет получить художественные снимки. Этому способствуют
разнообразные сверхширокоугольные объективы и оптика с длинным фокусным расстоянием.
Сейчас существует множество жанров художественной фотографии. Их
развитию поспособствовало появление цифровых камер и мощных
графических редакторов. 
Появление смартфонов поспособствовало развитию жанра
мобилографии.Если взглянуть в тот же Instagram, в нём можно
обнаружить множество интересных снимков. Так же внезапно
вернулись те жанры, которые раньше были известны в
живописи(например, натюрморт). И всё это – только начало…

Что такое современная фотография?

Перед Вами фотография Грегори Крюдсона, известного современного американского фотографа, любимого многими почитателями художественной фотографии. Действительно, всё очень красиво и загадочно, сцены из жизни пригорода, навивающие ощущение чего-то сюрреалистического и нереального, что вот-вот произойдет на ваших глазах. Его супер-постановки обыденной реальности вобрали в себя страхи и фобии, выращенные в нас культурой нескольких последних десятилетий от Спилберга до Линча. Современный фотограф Грегори Крюдсон современен не потому что снимает сейчас, а потому, что говорит с нами современным языком, находясь в диалоге с современными научно-фантастическими фильмами, мифами и современным театром. Вот яркий пример междисциплинарного диалога, в котором автор посредством фотографии исследует темы, пограничные с другими культурными территориями.

Ну, начнем с начала. Как Вы уже, наверное, догадались, не каждая фотография, снятая сейчас является современной. В каждом времени есть своя современная фотография. Ансель Адамс — современная фотография 1930-х, Брессон — 1940-х. Их работы в то время являются авангардными, созданными в диалоге со временем, историческим контекстом, современной им культурой.

Теперь мы переходим в наше время. Современной (нам) фотографией (contemporary photography) называют фотографию, как правило снятую после 1970-х годов. Современная фотография всегда создается в контексте сегодняшнего дня, реагирует на этот контекст или комментирует его (рефлексирует). Современная фотография — это референция к современной культуре. Подпитанная современной философией, она стремится к междисциплинарным и межкультурным взаимодействиям с другими культурными областями. «Contemporta» — значит быть вместе со временем! Современная фотография — это взгляд на фотографию с точки зрения современного искусства, а современное искусство — это наиболее репрезентативная практика настоящей культуры в целом.

Таким образом, когда наш коллега снимает черно-белые решающие моменты а-ля Брессон или прекрасный пейзаж «как Адамса», и даже красивые виды закатных гор или Каньона Антилоп, и пусть даже эти фотографии продаются за миллионы долларов, все это, не является современной фотографией! Эта фотография копирует художественные традиции, копирует реальность без какой-либо рефлексии, создана не в контексте сегодняшнего дня и без реакции на этот контекст, без каких-либо референций к современной культуре, междисциплинарным и межкультурным взаимодействиям. Все это говорит от том, что это не современная фотография и не современное искусство, а художественная (fine-art) фотография.

Людей, которые работают с современной фотографией как правило называют не фотографами, а современными художниками, потому как часто бывает так, что они работают не только с фотографий, но и другими медиа, а иногда сами даже не нажимают на кнопку фотоаппарата. По сути мы здесь говорим о постмодернисткой фотографии, которую по аналогии с современным искусством договорились называть современной фотографией. Расцвет современной фотографии приходится на 1990-е. Все, что снято до этого называется модернисткой фотографий (modern art photography).

Давайте теперь разберемся, как же нам отличать современную фотографию от всей остальной? Давайте рассмотрим два важных направления в современной фотографии: фотографию концептуальную и фотографию междисциплинарную.

Концептуальная фотография — это фотография, которая исследует сама себя: каким образом функционирует фотография, по каким законам и как взаимодействует со зрителем, что представляет из себя фотография как искусство. Такая фотография часто работает в диалоге с историей искусства и историей фотографии. Концептуальная фотография обращается к интеллектуальному осмыслению увиденного и не работает с понятием «красоты», и не занимается воспроизводством красоты окружающего мира.

Междисциплинарная фотография — это фотография, которая работает в междисциплинарных и межкультурных пространствах, исследует через фотографию актуальные вопросы современной философии, религии, науки, психологии, социологии и даже с политики. Эти работы поднимают такие темы как: повседневность, человек и общество, изменение окружающей среды, миграцию, глобализацию, медиа, общество и т.п.

Современная фотография, естественно может решать сразу и концептуальные, междисциплинарные и межкультурные вопросы в одном проекте и даже в одной фотографии.
— решает важные вопросы современного искусства, выступает как медиа современного искусства
— создается в контексте сегодняшнего дня, в диалоге со временем, историческим контекстом, современной культурой, то есть поднимает вопросы, актуальные для общества именно сейчас
— реагирует на свой контекст или комментирует его (рефлексия)
— изучающая природу фотографии, то есть саму себя, законы своего функционирования и взаимодействия со зрителем
— может находиться в диалоге с историей искусств, историей фотографии, межкультурном и междисциплинарном диалоге со смежными культурными и научными областями
— используются фотографические языки, актуальные в культуре на сегодняшний день
— серия-типология (вместо устаревшей фотоистории)
— не занимается воспроизводством красоты окружающего мира, без веских на то причин; искусство здесь не в том, что Вы научились фотографировать

Давайте посмотрим несколько примеров и попробуем подвести итог и окончательно разобраться, что является современной фотографией, а что ей не является.

Фото © Неизвестный автор, 2013

На этой фотографии современный нам автор демонстрирует прекрасное владение фототехникой на море. Как результат — фото фантастического заката. Хотя автор снял эту фотографию сейчас, это яркий пример не современной фотографии. Это чистый файн-арт, то есть художественная фотография. Она всего лишь демонстрирует красоту окружающего мира в конкретном месте. Нет современного контекста, нет современных актуальных вопросов, нет междисциплинарного диалога, она не открывает нам ничего нового о фотографии.

Фото © Энсел Адамс (Ansel Adams), 1942

На этой фотографии Энсел Адамс демонстрирует нам уникальные достижения в фотографическом языке — именно в этот момент фотография стала искусством с собственными ценностями, а не придатком живописи. Это не современная (нам) фотография, а модернисткая (fine-art) фотография 1940-х, передающая красоту окружающего мира новым для того времени языком.

Фото © Майкл Кенна (Michael Kenna), 1980

За Энселем Адамсом идет прекрасный Майкл Кенна. Эта фотография снята в 1980 году нашим современником, мастером черно-белого пейзажа. Это красивая художественная (fine-art) фотография, решенная в классической (традиционной) модернисткой манере. Это не современная фотография, так как она не ставит и не решают никаких современных и междисциплинарных вопросов, никак не отражают современный контекст и кроме того, выполнена языком 1940-х годов. Следует заметить, что этого момента фотография уже сильно изменилась.

Фото © Мартин Парр (Martin Parr), 1980

Мартин Парр исследует язык фотографии, снимаемой сейчас, анализирует типическое и клише, которые для неё характерны. То есть работает с современным материалом в современном контексте, находясь в диалоге с современными социологией и философией. Хотя его фотография выполнена в любительской манере, на каждой фотографией — продуманная композиция и мысль. Это классический пример современной фотографии.

Фото © Андреас Гурски (Andreas Gursky), 2007

На фотографии мы видим захватывающее явление пит-стоп Формулы-1. Очевидно, сюжет актуален времени. Это не просто пит-стоп, а супер-мега-питс-стоп в котором гипертрофированно количество участников и зрителей. Это аллюзия на современное общество, в котором масса людей делает что-то очень ненужное, а другие за этим наблюдают и очень этому рады. Гурски — современный художник, и это современная фотография, так как нее не только современный язык (большой размер, невероятное количество мелких, требующих внимания деталей) и она дает аллюзии на современный важный контекст – аллюзию на глобализацию, доведенную в этой работе до абсурда.

«Скажите, если я завтра же начну снимать проект про то, как живет моя деревня. Это будет современный проект и современная фотография?» Ваши комментарии и новые вопросы пишите ниже.

Что такое художественная фотография — Photographer Alexander Nikolsky

К концу девятнадцатого века технические возможности фотографии позволили любому, желающему заняться ею, с легкостью достигать результатов, доступных прежде немногим искушенным мастерам. Был введен в практику объектив анастигмат, позволяющий исправлять искажения перспективы и получать одинаковую резкость изображения во всех планах. Появились сенсибилизированные пластины и роликовая пленка. Проекционная печать позволяла увеличивать изображение до любых размеров. Высококачественная фотомеханическая печать гарантировала прочность и долговечность. По всему миру открывались фотографические клубы, фотография становилась все более популярной, и все большее число профессиональных фотографов стало считать себя художниками. Они делали выставочные экземпляры и репродуцировали свои произведения для публикации в художественных журналах. Другие специализировались на документальной съемке, выпуская иллюстрированные альбомы, как правило, этнографического характера. Несмотря на кажущуюся пестроту, в развитии фотографии конца века существовала определенная тенденция. Фотографы — художники и документалисты в равной мере — все больше становились идеологами и проводниками индивидуального взгляда на мир или критиками общепринятых ценностей, создававшими гармоничную утопическую реальность средствами фотографии.

Документальная фотография девятнадцатого века, разумеется, не была документальной фотографией в современном смысле и представляла собой не злободневный репортаж, а скорее обстоятельное повествование. Примером такой работы могут служить снимки английского фотографа и теоретика фотографии Питера Генри Эмерсона, в 1880-х и 90-х годах фотографировавшего пейзажи и жителей Восточной Англии. В его интерпретации это был архаический край туманов, отражений в воде и ровных горизонтов, населенный рыбаками, фермерами и лодочниками, ведущими идиллическую жизнь на лоне природы. Это был последний уголок, не затронутый цивилизацией, которая несла с собой новые урбанистические ценности и разрушение традиционного уклада. Ее печальные приметы можно было видеть на фотографиях другого английского документалиста — Джона Томсона, который снимал жизнь обитателей лондонского «дна». Подобные же идеи были характерны для составлявшихся в те же годы фотоальбомов Фрэнка Сатклиффа, фотографировавшего свой родной город Уитби; Эдварда Кертиса, снимавшего жизнь американских индейцев, или Герберта Понтинга, путешествовавшего по Японии. Все они представляли некий бесхитростный и прекрасный мир, населенный простыми и мудрыми людьми, который существовал веками, но ныне находится на грани исчезновения, так как стоит на пути прогресса. Ностальгия авторов и упреки по адресу «цивилизации» с очевидностью проявлялись как в фотографиях, так и в комментариях к ним.

Большую часть фотографов девятнадцатого века можно условно разделить на документалистов и художников, однако до 1890 года персон, называвших себя фотохудожниками, было мало. После этой даты их число значительно увеличилось во всей Европе и в Соединенных Штатах. Они вели активную деятельность, привлекали внимание критики, выпускали специализированные журналы и завоевывали призы на международных выставках. Многие из них были членами фото-объединений, таких как парижский Фото-клуб, основанный в 1885 году; «Звено» (“The Linked Ring”), основанное в Лондоне в 1892 году и Фото-Сецессион, организованный Альфредом Штиглицем в 1902 году. В 1890-е годы стали временем так называемой «пикториальной» фотографии, которая характеризовалась своеобразной техникой. Исправленные на анастигматизм и аберрации объективы были заменены на так называемые мягкорисующие. Часто фотографировали, используя монокль, чтобы придать изображению мягкость контуров и добиться устранения ненужных деталей. Был реабилитирован способ печати, изобретенный Пуатвеном еще в 1855 году, но не получивший тогда распространения, — при котором фотослой готовился не на солях серебра, а на солях хрома, и фотобумага покрывалась гуммиарабиком с примесью краски. Были разработаны и другие подобные разновидности позитивного процесса: пигментный, гуммиарабиковый, масляный и бромомасляный способы печатания. Фотограф мог вносить в отпечаток существенные изменения, — например в масляном процессе при обработке снимка можно было использовать кисть, пигментный способ позволял придать снимку вид гравюры, платинотипия давала отпечатку большую сочность и глубину тонов.

Термин «художественная фотография» использовался самими фотографами и критиками на страницах журналов. «Художественная светопись имеет целью создание при помощи методов фотографии художественных картин. Художественным же снимком мы бы назвали такой, в котором — и это самое главное — ясно виден был бы замысел автора, выявлены были его идея, его переживания, его отношение к сюжету съемки. Поэтому художественный отпечаток должен выделять главное и подавлять подробности; в этом будет его художественность внутренняя. Внешняя должна заключаться в красивом распределении масс, пятен света и тени, в целесообразном выборе позитивного материала, цвета и монтировки, соответствующих идее работы и замыслу автора. Главный козырь фотографии — сходство полное, «фотографическое» сходство — в художественной фотографии имеет значение второстепенное». Это определение принадлежит А.Донде, редактору журнала «Вестник фотографии», который выпускало Русское Фотографическое Общество.[i]

Представители художественной фотографии разделяли убеждения символистов, стремясь сделать предметом своих изображений то, что лежит по ту сторону реальности или то, что скрывается за видимой оболочкой вещей. Фотограф-художник продолжал обращаться к Природе, но теперь он считал себя обязанным изображать не просто пейзаж или просто время суток, а искал визуальный эквивалент таким категориям как Весна, Ночь или Океан. Одним из главных примеров для подражания в этом отношении был Пьер Пюви де Шаванн.

Примером художественной фотографии рубежа веков могут служить работы английских фотографовДжеймса Крейга Аннана и Фредерика Эванса, а также членов объединения «Звено», которое конкурировало с Королевским Фотографическим Обществом. В Соединенных Штатах очень характерный образец символистской фотографии представляли работы участников Фото-Сецессиона, среди которых были такие мастера как Кларенс Уайт, Эдвард Стейхен, Фрэнк Юджин и Элвин Лэнгдон Кобэрн. В 1890-е годы их излюбленными сюжетами были сцены с музицирующими фавнами и резвящимися среди деревьев дриадами.Выдающимся французским фотохудожником был Робер Демаши, экспериментировавший с разными техниками печати. Многие его работы были мало похожи на фотографии, напоминая скорее основанные на фотоснимках литографии. То же самое можно сказать о работах его современников Рене ле Бега или Констана Пюйо. Известные фотографии обнаженных моделей и балерин Пюйо и Демаши напоминают пастели Дега, а в своих бретонских пейзажах Демаши сознательно подражает живописи Моне. Парижский фотоклуб, в котором состоял Демаши, организовал одну из первых крупнейших европейских выставок художественной фотографии в галерее Дюран-Рюэля в 1894 году. Экспозиция включала 505 работ, представленных 154 художниками. Фотографии отбирало жюри, состоявшее в основном из живописцев. Первая из подобных выставок с участием жюри проходила в Вене в 1891 году, а в 1893 году в Гамбурге выставлялось большое количество любительских фотографий. Фотографы из Вены и Гамбурга завоевали международное признание, — среди них были Генрих Кюн, Хуго Хеннеберг и Ханс Ватцек — пейзажисты, делавшие изображения в духе «Острова мертвых» Беклина, применяя различные «пикториальные» техники.

Типичным образцом художественной фотографии периода между 1890 и 1910 годами, по определению историка фотографии Йена Джеффри мог бы служить «туманный пейзаж, освещенный сиянием заходящего солнца и оживленный ритмическим рядом деревьев, — как правило, тополей, возможно, отраженных в воде».[ii] Подобные изображения назывались «пейзажными композициями», обозначались как «Озеро», «Далекое» или «Сад сновидений» и были очень похожи одно на другое независимо от автора или места происхождения. В этом состоял первый парадокс художественной фотографии: почти анонимный международный стиль создавался, — если судить по многочисленным высказываниям в печати, — амбициозными и тщеславными индивидуалистами.

Другой необычной чертой эпохи, когда фотография сделалась столь популярным искусством, распространившись в иллюстрированных журналах, каталогах и на многочисленных выставках, было всепроникающее ощущение интимности. Свои модели фотографы находили в семейном кругу или среди близких друзей. Рассматривающий коллекцию художественной фотографии рубежа веков может наблюдать изысканное общество живописцев, писателей, мечтателей, элегантных дам, величественных старцев, юных девушек и прелестных детей. Часто они являли собой персонификацию идеала, но даже в тех случаях, когда изображение не представляло символический сюжет, в персонажах снимков не было ничего от будничной жизни, — они указывали на возможность прекрасного будущего мира, в котором человечество станет искренним и непосредственным. Искусство для художника-символиста было не просто занятием, оно было священным призванием. Художник ощущал себя говорящим от имени Красоты и Истины, обнаруживая все неотъемлемо прекрасное и сильное в Природе и Человеке, которые состояли в столь сложной взаимосвязи. Любовь фотографов рубежа веков к кентаврам, фавнам и лесным нимфам не была случайной, — все эти существа были полулюдьми, живущими в тесном и гармоничном союзе с Природой, и представляли собой выразительную метафору искусства фотографии. «Избирательность, всегда избирательность — это должно стать девизом фотографа. <…> Нельзя дать лучшего совета фотографу, чем убедить его в необходимости изучать работы таких художников как Коро, Милле и их великий предшественник Констебл. <…> Это будет смелым заявлением, однако в настоящее время, пожалуй, фотографы более чем живописцы умеют истинно, интуитивно почувствовать Природу. Художник, чья идея пейзажа сродни идее топографического съемщика, должен устыдиться, увидев пасторальные сцены, изображения которых весят на стенах Фотографического Салона. Труд фотографа не пропадет, если заставит такого художника обратиться к более возвышенным вещам. Сам же фотограф может развить свой редкий видения, который, бесспорно, ставит его в один ряд с художником», — писал обозреватель Фотографического Салона 1899 года.[iii]

Фотографы рубежа веков воспринимали себя истинными художниками. Фрэнк Юджин назвал один из снятых им портретов Штиглица «Фотограф, ищущий Истину». Это ощущение высокого призвания также связано с непрекращающимися спорами, которые характеризовали фотографический мир периода около 1900 года. Конечно, существовало большое количество дилетантов, занимавшихся фотографией в то время, но принципиальные фигуры фотографических кругов были абсолютно серьезны, утверждая важность и значимость своей работы. Иногда они кажутся даже более строгими и серьезными, чем их современники живописцы и скульпторы. По отношению к остальному художественному миру фотографы находились в положении некоей секты, часто высылаемой в промышленные отделы больших выставок, которой приходилось бороться с жюри, состоявшим из живописцев, и отстаивать свои убеждения и художественные претензии. Отсюда появление такого большого количества специализированных фотографических журналов в этот период.

Интересно отношение художественной фотографии к моментальной съемке. Как уже было сказано, к концу века значительное сокращение выдержки и распространение популярных ручных камер «Кодак» значительно расширило возможности маневрирования. Присущая фотографии способность фиксировать мимолетное, преходящее и случайное формирует ее особую эстетику и отношение к реальности. Однако фотографы рубежа веков не стремились идти по этому пути. В некоторых фотографиях Джеймса К. Аннана можно заметить определенную долю иронии, когда он фотографировал, например, одиноко бредущую крестьянскую лошадь на фоне величественного замка. Подобная фотография словно сопровождает мимолетными замечаниями обсуждение возвышенных идей. Однако Альфред Штиглиц, обсуждая в 1897 году применение ручной камеры и ее значение, не сказал ни слова о какой-либо иронии. Вместо этого он подчеркнул, как тщательно он подходит к снятию моментальных изображений: «Чтобы получить изображение с помощью ручной камеры, нужно тщательно выбрать объект, не обращая внимания на фигуры, и продумать композицию и освещение. После того, как это сделано, понаблюдайте за прохожими и дождитесь момента, когда все придет в равновесие и будет удовлетворять взгляд. Часто это предполагает часы терпеливого ожидания. Моя фотография «Пятая авеню зимой» — результат трех часов, проведенных на пронизывающем снежном ветру 22 февраля 1893 года в ожидании подходящего момента. Мое терпение было вознаграждено».[iv] Остальная часть статьи Штиглица в «Американском фотографическом ежегоднике» посвящена разоблачению «Вдохновенных Нажимателей Кнопки, которые воображают, что получить изображение — это значит проявить пластину». И Аннан и Штиглиц подчеркивали, что как художники они обладают особым восприятием реальности. Аннан проявлял себя чувствительным к тем моментам, когда привычный мир предстает в необычном свете. Штиглиц добивался достижения в фотографии той внутренней гармонии, которая существует в реальности, но открывается лишь терпеливому и внимательному художнику. Аннан работал, учитывая программу символистов. Его моментальные находки всегда располагались на фоне сцены, выражающей основной замысел. Основным замыслом в его случае выступали Италия, Древность, Деревенская жизнь и т.д. Штиглиц в то время был убежденным символистом. В этом отношении они следовали эстетическим тенденциям своего времени. Художники и теоретики, следовавшие по пути, указанному поэзией, провозглашали родственность различных состояний ума и души и соответствующих им состояний неодушевленной природы. «Фотографический» натурализм не приветствовался в среде фотографов-художников.

В то время как наиболее благосклонное отношение к фотографии демонстрировали художники и критики, чье собственное мнение или работа были близки тому, что делали фотографы, враждебность проявляли те, кто по-прежнему не признавал за фотографией права называться искусством. «Возможно, одним из главных врагов реализма в наше время», — писал один из журнальных обозревателей, — «является постоянное возвеличивание фотографии». Художники, сами работавшие на грани «фотографического» натурализма высказывались по адресу фотографии мягче, сдержанно критикуя, пожалуй, лишь фотографии, обработанные так, чтобы быть похожими на рисунок или живопись. Джозеф Пеннел в 1897 г. утверждал, что «Делать фотографии таким образом, что они становятся похожими на рисунки или живопись, есть плутовство. У художников есть повод винить фотографов в том, что они обесценивают свою собственную работу, когда настаивают на своих художественных притязаниях».[v] Что же касается тысяч полотен, ежегодно вывешиваемых на выставках Салона и Лондонской Королевской академии, нельзя отрицать, что фотография оказала на них, в большинстве случаев, пагубное влияние. Опасения критики первых десяти лет существования фотографии не были лишены основания. Многие из этих картин в черно-белой репродукции трудно было отличить от фотографий. Другие, опознаваемые как живопись, были, очевидно, фотографичны по форме. Обозреватель конца века с достаточным основанием назвал французскую школу живописи «дегенеративной». Она представляет собой, говорил он, «раскрашенные фотографии, без изящества, без чувства, без благоговения, без жизни или воображения». Живопись, как правило, «такая безобразная, такая незрелая, такая фотографичная, такая непривлекательная, какую может произвести только унылый ремесленник». [vi]

Степень влияния фотографии на живопись активно обсуждалась в художественной критике. Один из первых номеров журнала “The Studio” (июнь 1893) опубликовал специально посвященную этому вопросу статью под названием «Друг или враг камера искусству?», где поместил мнения авторитетных художников, которых редакция попросила ответить на этот вопрос. Автор статьи в целом склоняется к мнению, что фотография оказала скорее вредное влияние на большую часть современных живописцев и, безусловно, извратила вкус публики, которая теперь требует безупречного сходства и мелких подробностей. Что же касается самой фотографии, то «ее быстрое фиксирование совокупности фактов, ее замечательная текстура <…>, ее способность изображать известные предметы, которые в силу некоторых обстоятельств недоступны художнику, например, шторм посреди океана, ледяные арктические пространства или некие преходящие природные эффекты, — все это, возможно, художник однажды позаимствует у фотографа с его инстинктом и знаниями, которые играют столь важную роль в достижении результата, — и фотография будет достойна места в священных пределах искусства, но только на заднем дворе». [vii] Среди опрошенных редакцией художников были Фредерик Лейтон, Лоренс Альма-Тадема, Джон Эверет Миллес, Фрэнсис Бэйт, Джозеф Пеннел, Фредерик Браун, Уолтер Крейн и др. Часть из них не имела определенного мнения на этот счет, некоторые высказались против фотографии, большинство же считало, что фотография может оказать услугу художнику и, если применять ее, «руководствуясь разумом и здравым суждением», то она вполне может принести пользу живописцу. Хотя аргументы за и против формировались на протяжении нескольких десятилетий существования фотографии, суждения большинства живописцев заставляют предположить, что в их мнении мало что изменилось с 1839 года — года изобретения фотографии. Только художники и литераторы, исповедовавшие основные доктрины символистов и других постимпрессионистов, согласно которым искусство представляло собой нечто большее, чем простое подражание, могли проявить понимание полувековых споров о фотографическом изображении. Из корреспондентов “The Studio” его не проявил никто. Они не понимали или не хотели понимать значения фотографии в продвижении антинатуралистических тенденций в искусстве.

Многие примеры подтверждали печальное состояние академического искусства последнего десятилетия девятнадцатого века. Журнал Лондонской Королевской академии «Lady’s pictorial» разослал письма всем художницам, участвовавшим в выставке Академии 1894 года с просьбой прислать эскизы их работ. В ответ редакция получила большое количество фотографий, полностью идентичных представленным картинам.

Джордж Мур, друг и единомышленник французских импрессионистов, посвятил главу своей книги «Современная живопись» (1898) вопросу о влиянии фотографии. Мур сокрушается по поводу того, что художники его времени, желая идти легким путем, слишком зависят от камеры. Он называет имена тех, кто, по его мнению, просто переносит фотографию на холст и пишет поверх готового изображения. Всеобщее использование камеры, пишет он, побудило публику критически оценивать сходство изображения с оригиналом и не будет сильным преувеличением предположить, что современный художник «теперь редко когда пишет с натуры». [viii]

Таким образом, трудный вопрос самоопределения фотографии к концу девятнадцатого века не был решен. Положение о том, что области искусства принадлежит в большей мере воображаемое, чем видимое, находило воплощение в различных символистских и постимпрессионистических практиках. Фотографический натурализм в искусстве породил желание противопоставить материальному миру, такому, каким его показывает камера, нечто, чего не увидит ни один наблюдатель и не зафиксирует ни один аппарат. Технические возможности фотографии к концу века были почти не ограниченными в плане совершенства и легкости воспроизведения внешней реальности. Кроме этого фотографии были доступны многочисленные способы воплотить в жизнь любой замысел. Технически фотограф мог сделать многое, но вопрос о собственном назначении фотографии и специфике фотографического языка оставался открытым, хотя его обсуждение велось как никогда широко и активно. Феномен «художественной фотографии» рубежа веков способствовал обширной работе в области разработки теории фотографами-практиками. Рубеж веков был, пожалуй, единственным периодом в истории фотографии, когда значительная часть фотографов работала под влиянием последовательной идеологии.

Снимки — не то, чем кажутся

Венди Макмёрдо. «Элен, за кулисами, театр Мерлина» («Взгляд»). 1996. Фото: Ad Marginem 

Заглавие книги определяет ее содержание: автор педантично выясняет, что же такое фотография в контексте современного искусства. И делает это всегда на конкретных примерах. Анализируя, скажем, работу Кристофера Уильямса, где запечатлены искусственные початки кукурузы и трехфокусный направленный отражатель Kodak, Шарлотта Коттон взламывает символическую систему мастера и показывает взаимоотношения между образами, в итоге сводя их к простейшим формам.
Автор предпочитает распределять фотографов по главам — в соответствии со схожестью творческого подхода и замысла. По словам Коттон, это позволяет сначала разобрать идеи, на которых стоит современное искусство фотографии, и только затем перейти к примерам их реализации. «Современная художественная фотография — это не столько использование уже существующей, безотказно работающей визуальной технологии, сколько сознательный выбор на каждой стадии этого процесса».

Коттон Ш. Фотография как современное искусство. М.: Ад Маргинем Пресс; Музей современного искусства «Гараж», 2020. 288 с.

У Коттон работы одного и того же автора могут попадать в разные тематические категории. Так, постановочные снимки канадца Джеффа Уолла включены сразу в два раздела. Черно-белая фотография «Прохожий» (1996) открывает главу, посвященную роли сюжетов в современном фотоискусстве, а «Диагональная композиция» (2000) отнесена к главе, рассказывающей, как обыденные предметы способны порождать в воображении зрителя невероятные нарративы. Коттон рассказывает также о сдвиге контекста, в котором сегодня существует фотография. Это касается в первую очередь документальной съемки, ставшей частью сложных взаимоотношений коммерческой модной фотографии с миром искусства.
В главе «Исторические моменты» сопоставлены Мартин Парр и Люк Делае — как художники, использующие противоположные подходы. Серия Парра «Очевидность» (1998) при таком намеренном столкновении представляет собой визуально демократическое решение: предметы сняты крупным планом в насыщенной цветовой гамме вне зависимости от того, что попало в объектив. А вот «История» (2001) Делае, снятая в панорамном формате, демонстрирует основательность и монументальность. Особую роль в придуманном соревновании начинают играть выбранные темы.

Грегори Крюдсон. «Без названия» («Офелия»). 2001. Фото: Ad Marginem 

Коттон приводит ключевые пункты постмодернистской парадигмы, в которой и поныне пребывает современная фотография: «С момента появления самых первых фотографий вся деятельность фотографов происходила и понималась в связи и в сравнении с работами предшественников. В зависимости от конкретного случая другие фотографии превращались в препятствия, которые нужно преодолеть, стандарты, до которых нужно дотянуться, и дискурсы, которые нужно оспорить».  

Что такое художественная фотография?

После восьми часов экспонирования французский изобретатель Нисефор Ньепс успешно сделал снимок своего загородного поместья. (И вы думали, что вам потребовалось много времени, чтобы разместить ваше мороженое в Instagram.) Этот снимок был сделан в 1826 году с использованием его адаптации камеры-обскуры и теперь считается первой созданной фотографией.

Создание фотографии было формой искусства, поскольку требовало большой точности, проб и ошибок и желания воссоздать реальность в одном снимке.Сегодня, учитывая доступность камер и важность, придаваемую документированию реальных событий, современная фотография охватывает широкий спектр стилей, включая коммерческую, фотожурналистику и фотографию изобразительного искусства.

Возникает вопрос: что отличает художественную фотографию от фотографий вашей поездки за границу? Давай выясним.

Вскоре после того, как Ньепс сделал свою первую фотографию (позже известную как гелиограф), он сотрудничал с художником-романтиком и гравером Луи-Жаком-Манде Дагером (смеем вы говорить это пять раз подряд). Дагер, будучи художником и гравером, первым создал диораму — так что вы можете поблагодарить его за все школьные проекты извержения вулканов.

Пара приступила к миссии по совершенствованию процесса захвата изображений, но, к сожалению для Ньепса, это было достигнуто только после его смерти. В 1838 году Дагер создал подробное и единственное в своем роде фотографическое изображение на отполированном, посеребренном листе меди. Впоследствии это произведение было названо «дагерротипом».Бедный Ньепс.

Когда фотография считалась изобразительным искусством?

Камера, наконец, стала доступной для широких масс после изобретения простой в использовании камеры Kodak в 1888 году. Изобретение «наведи и снимай» от Kodak привело к увеличению количества любительских фотографий закатов и семейных поездок в город. Озеро.

Однако примерно в это время начали формироваться определенные противоборствующие группы, которые выступали за более трудоемкие подходы. Среди тех групп, отстаивающих профессиональное мастерство в фотографии, был Photo-Secession, возглавляемый инженером-фотографом Альфредом Штиглицем в 1902 году. Фото-Сецессион проводил выставки знаменитого фотографа в галерее Эдварда Стейхена, а также издавал ежеквартальный журнал Camera Work .

Интересно, что Стиглиц был мужем Джорджии О’Киф, чьи картины с цветами и черепами ( a la Artfinder’s Eyedetic) стали знаковыми для периода американского модернизма. Вместе этот динамичный дуэт стал ответственным за проникновение фотографии в музеи в то время, когда фотография не считалась той же игрой, что и другие формы изобразительного искусства.

Итак, как нам отличить фотографию изобразительного искусства от повседневной фотографии?

Допустим, линии могут быть немного размытыми. Но, проще говоря, фотографию изобразительного искусства лучше рассматривать как любой другой вид искусства. В качестве примера возьмем картину.

Когда вы смотрите на картину, определенные творческие приемы — например, длинные мазки — можно использовать как способы передать намеченное сообщение. Штиглиц, пионер фотографии изобразительного искусства, известен своими экспериментами с более «живописным» подходом к съемке изображений. Пример этого прекрасно изображен на его фотографии «Терминал», где он использовал такие элементы, как дождь и пар, чтобы объединить изображение.

Сегодня манипуляционная фотография (обычно выполняется с помощью компьютера) или проявление фотографии в черно-белом режиме — это методы создания современной фотографии. Делая это, фотографы изобразительного искусства могут адаптировать изображения и делать их еще более собственными, тем самым передавая любые предполагаемые сообщения, которые они могут иметь.

Еще один способ рассматривать фотографии как произведения искусства — это посмотреть, как они распределены по категориям.Картины сортируются по направлениям в зависимости от периода времени, в который они были созданы, интересов художников или стиля произведения. То же самое можно сказать и о художественной фотографии. Например, Инна Мосина — сюрреалистический стиль, который изначально популяризировали художники. Таким образом, фотографию можно рассматривать как еще одно средство, которое художники могут использовать для исследования идей и движений, таких как сюрреализм.

Хотя фотографы изобразительного искусства работают в тех же стилях и движениях, что и художники, работающие в других средах, у них также есть возможность создавать свои собственные категории.Например, у этих художников популярна документальная фотография, которой нет в картинах. (Не путать с фотожурналистикой, узнайте почему.)

Чтобы оценить картину, вы должны также подумать о том, что выходит за рамки того, что вы видите сразу. Коммерческие фотографы и фотожурналисты снимают очевидное. С другой стороны, фотографы изобразительного искусства подходят к своему делу после долгих исследований и размышлений и пытаются уловить социальные или политические проблемы, лежащие в основе объекта изображения.Что наиболее важно, так это записывать их видение предмета так, как они, , видят его. Следовательно, в художественной фотографии есть ощущение, что изображение снимается художником, а не только камерой.

Как проявляются художественные фотографии?

В эпоху фото-сецессиона ключевым фактором того, что отличает фотографию изобразительного искусства от массовой, была обширная забота о ее развитии. Сегодня фотографии развиваются одним из двух способов: нецифровым или цифровым.

Нецифровая фотография (менее модный родственник Polaroid) разрабатывается с использованием светочувствительной пленки для создания «негативного» изображения, с которого «позитивное» изображение может быть перенесено на фотобумагу. С другой стороны, сегодня более широко используется цифровая фотография, поскольку она хранится в файлах JPEG, TIFF и RAW, что позволяет гораздо проще распечатать их на фотобумаге. Затем фотографии можно распечатать с помощью струйных принтеров (обычно называемых жикле) или с помощью процесса c-типа, который печатает в цифровом виде, но использует светодиодные лампы вместо чернил.

Как и в случае с трафаретной печатью, это не обычный способ «нажать и распечатать».

На первый взгляд фотографии могут показаться снимком реальности, но когда дело доходит до фотографий изобразительного искусства, это больше, чем то, что кажется на первый взгляд. Как и картину, фотографии можно анализировать и анализировать. Намного больше, чем просто фотография, не так ли? Взгляните на фотографии изобразительного искусства, сделанные художниками Artfinder, и посмотрите, что вы можете открыть для себя.

Художественная фотография

* Изображение на обложке — Филиппо Минелли

Что такое художественная фотография? Взгляд на 10+ фотохудожников

Альфред Штиглиц.Джорджия О’Киф — Шея. 1921. Метрополитен-музей

Это прямо противоположно области документальной фотографии, такой как стандартная фотожурналистика, которая действует больше как визуальный отчет, записывая сцену без каких-либо манипуляций. Фотографы изобразительного искусства — это художники, которые используют фотографию как средство самостоятельно или включают в свои работы с помощью коллажа.

Итак, на самом деле фотография изобразительного искусства противоречит тому, о чем думает большинство из нас, когда думает о том, как использовать фотоаппарат. Большинство фотографов-любителей используют свои камеры, чтобы запечатлеть важные события и запечатлеть воспоминания без художественной мотивации. Вместо этого отличительной чертой художественной фотографии является то, что запись объекта не является основной целью. Эти художники используют фотографию как средство выразить свое видение и сделать художественное заявление.

Ансель Адамс однажды сказал: «Искусство подразумевает контроль над реальностью, поскольку сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда применяются определенные элементы управления.» Что именно это значит? Здесь Адамс показывает, как художники исторически манипулировали реальностью как средством для достижения цели.

Например, даже классические пейзажисты не просто рисовали именно то, что они видели перед собой. Многие тонко включили или исключили элементы, которые отвлекали от их сообщения или, как Моне, работали со светом и цветом, чтобы излучать настроение. Фотографы изобразительного искусства работают таким же образом, просто используя камеру вместо кисти.

С наступлением 21 века область применения значительно расширилась, и теперь любую фотографию, за которой стоит художественный замысел, можно часто считать произведением искусства.Сюда входят художественные документальные фотографии известных фотожурналистов.

Таким образом, пытаясь понять, следует ли считать фотографию искусством, всегда важно понимать намерения фотографа. Если в основе лежит художественный посыл, то это будет считаться фотографией изобразительного искусства, будь то пейзаж, портрет или абстрактная фотография.

Альфред Штиглиц и развитие фотографии как искусства

Может быть трудно представить время, когда фотография не считалась видом искусства, но так было в конце 19-го и начале 20-го веков.Мы можем поблагодарить художника Альфреда Штиглица и других фотографов-модернистов за то, что они помогли сделать фотографию искусством. Штиглиц, в частности, продвигал эту идею еще в конце XIX века, даже опубликовав статью на эту тему.

Еще одна веха наступила в начале 20 века, когда фотографии Штиглица были выставлены вместе с картинами таких художников, как Мэри Кассат и Джеймс Макнил Уистлер. Выставка под названием Special Exhibition of Contemporary Art была организована Национальным клубом искусств и считается первой крупной американской выставкой, на которой фотографы и художники выставили равные счета.

Позже Штиглиц и его жена Джорджия О’Киф отвечали за попадание фотографии в музейные коллекции, что было огромным подвигом в то время, когда средства массовой информации были не на равных. Фактически, передача Штиглицем 27 фотографий Бостонскому музею изящных искусств в 1924 году стала первым случаем, когда крупный музей принял фотографию в свою постоянную коллекцию.

Альфред Штиглиц. Эквиваленты. 1928. Метрополитен-музей

Советы по художественной фотографии, которые помогут перейти на новый уровень

Наладить связь с другими художниками

Постарайтесь построить отношения с другими художниками.Вы можете найти их в социальных сетях через группы в Facebook или через местный художественный совет. Установив связь с другими артистами, сотрудничайте и перекрестно продвигайтесь с ними. Работая вместе, вы можете показывать свою работу подписчикам друг друга. Это действительно беспроигрышный сценарий.

Принять участие в художественных конкурсах

Победа в художественном конкурсе поможет вам стать заметным. Организаторы конкурсов, как правило, отлично продвигают своих победителей (а также получают почетные упоминания), что может помочь привлечь внимание людей в художественном сообществе.

Кроме того, это награда, которую вы можете с гордостью продемонстрировать в своем онлайн-портфолио. Тот факт, что ваша работа была выбрана выше, чем работы других соискателей, является признаком вашего таланта и преданности делу.

Для начала ознакомьтесь со списком лучших художественных конкурсов и призов, а также конкурса на лучшую фотографию.

Создайте отличное портфолио

Создание отличного онлайн-портфолио — важный шаг к тому, чтобы ваши фотографии изобразительного искусства были показаны в галерее.Это место, куда люди придут посмотреть ваши работы и решить, готова ли она к выставке. Вот как это сделать!

Продемонстрируйте свою художественную фотографию онлайн

Если у вас есть коллекция произведений изобразительного искусства, вы должны включить ее в свое онлайн-портфолио. Ваше портфолио похоже на вашу личную художественную галерею, где вы можете продемонстрировать свои лучшие работы именно так, как вам хочется.

Выберите подходящую платформу

Если у вас еще нет онлайн-портфолио или вы недовольны своим текущим, легко создать новое, если вы выберете правильный конструктор веб-сайтов.

Ищите тот, у которого есть встроенный интернет-магазин. Это позволяет легко продавать ваши репродукции фотографий изобразительного искусства прямо с вашего веб-сайта, что означает, что вы получаете 100% прибыли от любых продаж!

И, если вы выберете конструктор веб-сайтов, который предлагает бесплатную пробную версию, вы увидите, работает ли он для вас, прежде чем брать на себя какие-либо обязательства.

Найдите вдохновение для дизайна своего сайта

Если вы не уверены, как должен выглядеть ваш сайт, посвященный художественной фотографии, есть множество отличных примеров, которые могут вдохновить вас.Посетите сайты некоторых известных фотографов изобразительного искусства и посмотрите, как они с этим справляются.

Сколько в них фотографий? Как настроена навигация по сайту? Какова их биография художника? Включают ли они заявление художника? Это все, что может помочь вам в этом.

Узнайте больше в нашем руководстве о том, как создать веб-сайт с фотографиями.

Готовы создать онлайн-портфолио фотографии, которое положит начало вашей карьере в области изобразительного искусства? Мы вас прикрыли.Начните бесплатную пробную версию с Format сегодня!

Начать стрельбу!

Теперь вы знаете, как правильно делать художественную фотографию. Вы научились некоторым приемам художественной фотографии, которые помогут вам улучшить свою игру, некоторым способам привлечь внимание к своим работам и научились показывать свои фотографии в галерее.

Итак, чего вы ждете? Хватайте камеру, выходите и начинайте создавать потрясающие фотографии изобразительного искусства!

Хотите узнать больше способов улучшить свои фотографии?
Фотография с ключевым светом: руководство для новичков
Руководство для новичков по покупке подходящего фотографического оборудования
23 Блоги о фотографии, которые нужно добавить в закладки прямо сейчас

Понимание художественной фотографии и как это сделать?

Фотография изобразительного искусства определить сложнее, чем вы думаете.Если искусство означает разные вещи для разных людей, то художественная фотография также означает разные вещи для каждого из нас.

Что такое художественная фотография?

Некоторые фотографы определяют художественную фотографию как фотографии, достойные повешения в галерее. Хотя это кажется ясным и прямым определением, оно не суммирует все, что нужно для создания художественной фотографии или даже того, что такое художественная фотография. Кроме того, вероятно, есть много менее звездных примеров фотографии, висящей в галереях художественной фотографии, которые не являются искусством.

Если есть одно качество, объединяющее все изобразительное искусство, то это послание. Произведение искусства — это способ общения художника; он или она пытается что-то сказать своей работой. Их композиционный и элементарный выбор сосредоточен вокруг передачи этого сообщения. Сообщение может быть словом, эмоцией или даже просто идеей. Таким образом, фотография изобразительного искусства может быть использована для мотивации аудитории изменить свое поведение или немного больше ценить что-то.

Чтобы добиться этого, известные фотографы изобразительного искусства обычно проводят долгие часы, планируя и собирая каждую фотографию.Художественная фотография — это не фотожурналистика. Композиции делаются тщательно и целенаправленно, продуманы все возможные элементы.

В художественной фотографии часто одного изображения недостаточно, чтобы передать более широкую концепцию. По этой причине художники используют свои работы, чтобы рассказать свою историю. Группа фотографий связана безупречным заявлением художника. Этот простой абзац текста служит заявлением о миссии проекта и помогает зрителям получить максимальную отдачу от своей работы.

Как и во всех формах связи, иногда получатели не получают то сообщение, которое было предназначено. В некотором смысле это нормально и важная часть творческого процесса. Художники должны принимать отзывы как можно большего числа людей в рамках своего творческого процесса. Обратная связь только помогает им отточить свое сообщение и улучшить свой стиль.

Экспериментирование — это игра в художественной фотографии. Для создания вашего портфолио и опыта требуются практика и годы опыта.Единственный способ изучить приемы, стили и методы, которые работают для вас, — это пойти и попробовать их. Посмотрите на другие репродукции изобразительного искусства, затем извлеките уроки из них и продолжайте совершенствоваться, картинка за картинкой.

Методы создания художественных фотографий

Начните с того, что изложите свои идеи на бумаге. По сути, мозговой штурм — это начало любого творческого начинания, и фотография ничем не отличается. Изложите все свои мысли на листе бумаги. Это может быть беспорядочно, и, возможно, это даже не имеет смысла, но дает вам отправную точку.Затем вы можете начать классифицировать и систематизировать этот беспорядок по соответствующим темам и идеям, которые вы хотите передать.

Теперь, когда у вас есть несколько основных идей, пора определиться с темой. Как извлечь идеи из мозгового штурма? Это сообщение, которое вы хотите передать через свои работы.

Сделайте это значимым для вас и сделайте то, чем вы хотите поделиться со своими зрителями.

Теперь, когда вы знаете, что хотите сказать, пришло время выяснить, что вы собираетесь использовать, чтобы сказать это.На чем вы хотите сделать акцент на фотографиях? Вашими объектами могут быть люди, здания, пейзажи, домашние животные, натюрморты или что-нибудь еще. Небо это предел. Какая тема лучше всего передает вашу тему и ваше сообщение?

Вы знаете, что хотите использовать фотографию, чтобы запечатлеть свои объекты, но какие еще техники вы хотите использовать? Что будет наиболее впечатляющим: черно-белые или цветные изображения? В зависимости от вашего стиля можно выбрать студийную фотосъемку или естественное освещение на открытом воздухе.Какого рода пост-продакшн и монтаж вы хотите сделать? Все больше и больше фотография современного искусства включает в себя обширные компьютерные манипуляции. Возможно, потребуется немного поэкспериментировать, чтобы выбрать лучшую технику для вашей темы и предметов. Слушайте отзывы и почаще показывайте свою работу. Настройте то, что вы можете, и продолжайте учиться на этом пути. Вы должны обращать особое внимание на то, что работает, а что нет, и никогда не бояться что-то перепутать.

Когда у вас есть творческий процесс, которым вы довольны, создайте всю работу на основе сообщения, тем и техник, которые вы использовали выше.Сборник работ должен быть последовательным; он должен четко передавать вашу тему. Выбранный метод должен связать их вместе, и вид должен уйти не только с сообщением, но и с историей, рассказанной через ваши фотографии.

Чтобы помочь вам с цельным характером вашей работы, напишите заявление художника и часто пересматривайте его. Это простой абзац с описанием того, что вы сделали выше и почему. Что вы пытаетесь сказать и как ваши предметы и техника помогают вам это сказать? Сделайте его кратким и простым, сделайте его заявлением о своей миссии.

После того, как вы создали достаточное количество работ, которые можно показать, вы можете создать веб-сайт по художественной фотографии, чтобы продемонстрировать свои работы, и открыть магазин электронной коммерции, если вы хотите продавать свои работы.

Pixpa предлагает универсальный конструктор сайтов-портфолио для фотографов. Начните бесплатную 15-дневную пробную версию прямо сейчас.

Распространенные ошибки в художественной фотографии

1. Игнорирование важности технического качества.

В то время как художественная фотография — это игнорирование правил и высказывание своего мнения, нельзя упускать из виду техническое мастерство фотографии как средства массовой информации.Фотография изобразительного искусства требует высокого уровня знаний в том, что делает фотографию технически хорошей. Например, важны такие вещи, как получение правильного фокуса, освещение для хорошей экспозиции и то, что делает интересную композицию. Как только вы научитесь управлять этими элементами в камере, у вас появится возможность использовать их в качестве формы коммуникации для вашего сообщения.

Слишком часто художники используют пленку посредственного качества или некачественные сенсоры камеры, чтобы получить зернистый и художественный вид. Лучшей практикой было бы использовать технику более высокого качества, но получать художественный результат с помощью техники.

Когда держать камеру в руке — еще один пример технического аспекта, который нельзя упускать из виду. Шаткий вид портативного устройства может быть полезен, но вы хотите, чтобы он работал с вашими фотографиями, а не против него. Знание того, когда и как использовать штатив, необходимо для любой фотографии.

Наконец, фотографы склонны слишком сильно полагаться на автоматические функции своих современных фотоаппаратов. Автоматическая экспозиция и автофокус — отличные инструменты, но они, как правило, приводят к тусклым и обычным изображениям.Установка камеры в полностью ручной режим позволяет вам контролировать изображение и получать именно тот вид, который вам нужен.

2. Спутать техническое качество с искусством.

Хотя техническое качество жизненно важно для художественной фотографии (см. Ошибку номер один выше), технически совершенная фотография не делает ее искусством. Художественная фотография — это ваше послание, которое полностью выходит за рамки технических аспектов. Техническое не должно затмевать композиционные и художественные элементы.

3.Следование слишком многим правилам.

Начинающие фотографы усваивают всевозможные правила. Есть правило третей, золотое правило и многие другие, которым вы должны следовать, чтобы создавать фотографии изобразительного искусства.

Но следование правилам, которым все усваивают, означает, что ваши снимки могут получиться похожими на фотографии других людей. Если вы хотите, чтобы ваше искусство было уникальным и выделялось, вам придется научиться нарушать некоторые правила.

4. Попытка сделать все ваши фотографии красивыми.

Практически вся коммерческая фотография основана на красивой и эстетичной фотографии. В результате все мы приучены воспринимать фотографию через один и тот же фильтр этой красоты.

Но иногда, особенно как художественные фотографы, послание, которое мы пытаемся передать, противоречит этой эстетике. Иногда посыл лучше подходит для грубоватого, грязного или драматичного. Искусство не обязательно должно быть красивым, оно должно быть убедительным и впечатляющим.

5.Без абстракции.

Абстракция — еще одно важное понятие в художественной фотографии. Это может означать удаление лишних элементов с фотографии и переработку ее до самого необходимого. Это помогает зрителю подключиться к изображению на более фундаментальном уровне. Или это можно сделать во время компоновки фотографии или на этапе пост-обработки. В любом случае, это неотъемлемая часть правильного сообщения с вашей фотографией.

Посетите веб-сайты удивительных фотографов изобразительного искусства, созданные на Pixpa.

Arrowood Photography

Тара Эрровуд занимается портретной фотографией лошадей. Она начала фотографировать лошадей в 2010 году, когда хотела показать связь между лошадьми и людьми. Ее работы с лошадьми выставлялись на художественных выставках и в конных парках Северной Калифорнии.

Даниэль Эспорито Санто

Даниэль — фотограф из Португалии, который в основном занимается пейзажной фотографией изобразительного искусства и использует море в своих изображениях.Ему нравится проявлять авантюрный дух в своих изображениях. Дэниел любит путешествовать и заниматься серфингом.

Йенс Росбах

Йенс — берлинский фотограф, который любит заниматься художественной пейзажной фотографией. Его работы были представлены во многих журналах, таких как Geo Saison и NaturFoto. Йенс также был финалистом таких премий, как «Фотограф года в дикой природе» (2015) и Fine Art Photography Awards (2017).

Тереза ​​Майер

Тереза ​​- фотограф изобразительного искусства из Орегона, который любит головоломки и считает фотографию и концепцию головоломкой.Она создает фотографии, сшивая различные элементы в фотошопе.

Austin Saidak Photography

Остин — фотограф-пейзажист и искатель приключений. Его фото-путешествие началось в 2011 году, когда он бросил работу, чтобы путешествовать и начал документировать то, что видел по пути. На его фотографиях в основном изображены горы, так как он также хорошо альпинист.

Минхаз Саркер

Минхаз находится в Сиэтле и специализируется на художественной фотографии природы и городских пейзажей.Минхадж особенно любит деревья и в свободное время занимается фотографией, которой занимается помимо учебы. Его работы также включают в себя увлекательную черно-белую фотографию изобразительного искусства.

Терхи Асуманиеми

Терхи получила степень магистра фотографии и визуальной журналистики в Финляндии и работает там. Ее фотография природы изобразительного искусства фокусируется на истории, которая возникает из взаимодействия человека с природой.

Заключение

Определение любого вида искусства может быть непростым делом, особенно в фотографии.В мире очень много стилей фотографов. На некоторых уровнях вся фотография передает сообщение. Ключом к пониманию изобразительного искусства является понимание того, чье послание визуализируется. Фотограф говорит через их искусство? Или фотография была заказана для коммерческого предприятия? Помните, что получение работы — это только часть уравнения. Самое важное — это то, что фотограф может сказать то, что нужно сказать.

Вдохновлены этими потрясающими портфолио изобразительного искусства?
Создайте собственное портфолио, чтобы продемонстрировать свои навыки художественной фотографии с Pixpa.Подпишитесь на 15-дневную бесплатную пробную версию!

Понравился этот пост? Поделись им сейчас.

Что такое художественная фотография?

В нем говорится «… использование фотографии как средства творческого самовыражения» . Согласно этому заявлению, многие так называемые фотографы изобразительного искусства, к сожалению, не должны использовать это название, поскольку они копируют работы других людей, которые не имеют ничего общего с творчеством. Хорошим примером является знаменитый клен в Японском саду Портленда, который привлекал внимание многих фотографов и привлекал внимание на многих домашних страницах.Покупателей соблазняет термин «ограниченные серии» той же тематики, предлагаемый многими фотографами. Это все еще ограниченная фотография изобразительного искусства? Это ни ограниченное, ни изящное искусство. Если вы, как покупатель, заинтересованы в этих скопированных изображениях, вы должны знать, что покупаете обычную печать, а не ограниченное изобразительное искусство. Кроме того, это изображение кленового дерева можно приобрести как дешевую неограниченную печать в одном из этих массовых онлайн-магазинов искусства. Так зачем тратить все эти деньги на что-то, что не является ни ограниченным, ни изящным искусством?

Еще один аспект современной так называемой художественной фотографии — перенасыщение.Чем ярче цвет, тем лучше продаются отпечатки. Это все равно, что завернуть дешевый подарок в красочную бумагу.

Изучая текущий рынок фотопечати, я также заметил, что многие продавцы (фотографы) больше ценят рекламу высокого качества выбранных ими печатных материалов и обрамления, чем свое уникальное эксклюзивное произведение искусства, которое никто другой не может предложить.

Ансель Адамс однажды заявил: «Искусство подразумевает контроль над реальностью, поскольку сама реальность не обладает чувством эстетики.Фотография становится искусством, когда применяются определенные элементы управления ». Что именно это означает? Здесь Адамс показывает, как художники исторически манипулировали реальностью как средством для достижения цели. Однако я категорически не согласен с его утверждением: «. .. ибо сама реальность лишена эстетического смысла ». Я был свидетелем многих сцен, которые были настолько эстетичны, что все, что вам нужно было, — это правильно кадрировать их и щелкать затвором, не выполняя никаких трюков после обработки.

История фотографии как изобразительного искусства — Fine Art Photography

Ансель Адамс (1902 г., 22 апреля 1984 г.) был американским фотографом и защитником окружающей среды, наиболее известным своими черно-белыми фотографиями американского Запада, особенно в национальном парке Йосемити.Среди шедевров Анселя Адамса: «Буря в долине Йосемити» (1935 г.), «Восход луны», Эрнандес, штат Нью-Мексико (1941 г.) и «Титоны и река Снейк» (1942 г.).

Внизу: Ансель Адамс — Титоны и река Снейк — 1942 год.

Винн Баллок (1902-1975) признан американским мастером-фотографом 20-го века и больше всего известен своими «Цветными световыми абстракциями» и обнаженными телами, сочетающими силу и красоту.

Винн Баллок — Навигация без номеров — 1957

Хью Эдвардс (1903-1986) был влиятельным американским куратором фотографии и самостоятельным фотохудожником.Эдвардс был одним из немногих ключевых кураторов, которые изо всех сил пытались добиться признания фотографии изобразительного искусства как вида искусства.

Уокер Эванс (1903-1975) — американец, известный своими фотографическими работами для Управления безопасности фермы.

Джон Гутманн (1905–1998) был еврейским фотохудожником, родившимся в Германии. Позже он иммигрировал в США, где стал очень успешным фотографом и художником. В основном он известен своими работами, касающимися сцены джазовой музыки, и его ракурсом «взгляд червяка».

Джон Гутманн — Художник опасно живет Сан-Франциско, 1938 год.

Антон Станковский (1906–1998) был немецким графическим дизайнером, фотографом и художником. Он разработал оригинальную теорию дизайна и был пионером в области конструктивного графического искусства, процессов экспериментальной фотографии и фрактальных структур.

Антон Станковский — Монтаж глаз — 1927

Анри Картье-Брессон (1908-2004) — еще один великий французский фотограф, которого многие считают величайшим «уличным фотографом» 20 века.

Ирвинг Пенн (род. 1917) известен своими портретными и модными работами.

Дайан Арбус (1923–1971) была американским фотохудожником и писателем, известной своими черно-белыми квадратными фотографиями карликов, гигантов, трансвеститов, нудистов, артистов цирка и всех, кого считали уродливыми или сюрреалистичными. По словам друзей, она боялась быть названным «фотографом уродов». Она покончила жизнь самоубийством.

Справа: Дайан Арбус — Без названия — 1970-71.

Роберт Франк (род. 1924), автор влиятельной книги «Американцы», излагающий взгляд со стороны на американское общество. Очень новаторский в области компоновки и обработки фотографий.

Джон Жарковски (1925-2007) был фотографом, куратором, историком и критиком.

Гарри Виногранд (1928–1984), известный своими уличными фотографиями Америки середины 20 века.

Леонард Саймон Нимой (род. 1931) — американский актер, еврей, кинорежиссер, поэт, музыкант и фотограф.Самая известная роль Нимой — это роль Спока в оригинальном сериале «Звездный путь» (1966-1969). Его фотоработы в основном связаны с обнаженными женщинами.

Кеннет Джозефсон (р. 1932) — американский фотограф, известный продвижением концептуальной фотографии.

Справа: Кеннет Джозефсон — Дроттнингхольм, Швеция — 1967.

Дуэйн Майклс (род. 1932) — американский художник-фотохудожник, который использует последовательности фотографий, часто включающие текст, для изучения эмоций, философии, прав геев и гражданских прав.

Уильям Эгглстон (р. 1939) — важный пионер, помогавший поднять художественный статус цветной фотографии.

«Гилберт и Джордж» — это совместный дуэт Гилберта Проша (1943 г. р.) И Джорджа Пассмора (1942 г. р.), Известных своим характерным формальным внешним видом и яркими фотографиями в графическом стиле.

Гилберт и Джордж — Глаз — 1992

Барбара Крюгер (р. 1945) — американский художник-концептуалист, скульптор и фотограф.Большая часть ее работ состоит из черно-белых фотографий с декларативными подписями белого на красном. Во фразах в ее произведениях часто используются такие местоимения, как «ты», «твой», «я», «мы» и «они». Большая часть ее работ имеет политический или феминистский уклон, призванный заставить зрителя задуматься.

Внизу: Барбара Крюгер — Вам уйти с убийством — 1987.

Джефф Уолл (род. 1946) — канадский художник, наиболее известный своими крупномасштабными цибахромными фотографиями с задней подсветкой и историческими произведениями искусства.Уолл был ключевой фигурой на арт-сцене Ванкувера с начала 1970-х годов. Он помог определить Ванкуверскую школу. Его фотографическое искусство использует смесь природной красоты Ванкувера и индустриального упадка города в качестве фона для сцен с людьми.

Справа: Джефф Уолл — Мимик — 1982.

Роберт Мэпплторп (1946-1989), американский фотохудожник, один из первых постмодернистских фотографов-художников, был известен своими крупномасштабными монохромными портретами знаменитостей, в том числе Энди Уорхола, Деборы Гарри, Ричарда Гира, Питера Габриэля, Грейс Джонс, и Патти Смит — статные обнаженные мужские и женские образы и нежные цветочные натюрморты, хотя он был наиболее известен своей скандальной серией фотографий Portfolio X, которая принесла ему мгновенную известность благодаря своему откровенному содержанию.

Ричард Пэр (род. 1948) — британский фотохудожник, известный своими работами по документированию советской модернистской архитектуры и скульптур.

Ричард Паре — Плутон и Прозерпина — 1991

Джон Гото (род. 1949) профессор изящных искусств в Университете Дерби в Англии, британский художник, специализирующийся на монтажной цветной фотографии, который отмечен, в частности, картинами «Разгар лета» в его серии фотографий Ukadia. Его цифровое фото-искусство широко демонстрировалось в Европе, а также на персональных выставках в галерее Тейт, Национальной портретной галерее и Галерее фотографов в Лондоне.

Лори Симмонс (род. 1949) — американская художница и фотограф из Нью-Йорка. В ее фотоработах в основном используются куклы, манекены, кукольные домики и т. Д.

Laurie Simmons — розовая ванная — 1984

Салли Манн (род. 1951) — американский фотограф, наиболее известный своими большими черно-белыми фотографиями маленьких детей и пейзажами, изображающими разложение и смерть.

Справа: Салли Манн — Джесси, 9 лет, 1991 год.

Кэрри Мэй Вимс (р. 1953) — афроамериканская фотохудожница. Ее фотографии, фильмы и видео посвящены расизму, гендерным отношениям, политике и личности. Она говорит: «Позвольте мне сказать, что меня больше всего беспокоит в искусстве, как и в политике, статус и место афроамериканцев в нашей стране».

Кэрри Мэй Вимс — Джим, если ты решишь согласиться, миссия — приземлиться на твоих двух ногах — 1987

Нан Голдин (род. 1953), американская кинохудожница, нарушающая табу, среди ее работ — «Нан через месяц после избиения» (1984, Лондонский музей Тейт) и Шивон в моей ванне (1992, Winterthur Fotomuseum, Швейцария).

Синди Шерман (р. 1954) наиболее известна своими концептуальными портретами. Часто считается величайшим фотохудожником 20 века и одним из 10 лучших художников 20 века.

Андреас Гурски (род. 1955), известный своими работами «Скипол» (1994, Музей Метрополитен, Нью-Йорк), Сингапурская фондовая биржа (1997, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк) и Парламент (1998, Тейт, Лондон).

Андреас Гурски — Шанхай — 2000

Грегори Крюдсон (р.1962) — американский фотограф, наиболее известный благодаря тщательно проработанным сценам американских домов и окрестностей.

Виктория Ван Дайк (р. 1979), канадская художница, наиболее известная благодаря своим сериалам о каннибалах и амазонках.

Извините, но ваша фотография — не искусство. Вот почему

Слова «изобразительное искусство» стали одними из наиболее часто употребляемых и злоупотребляемых в фотографии. Для термина, который практически не имеет смысла, это впечатляет.

Такие компании, как Питер Лик, определенно не помогли с этой проблемой, как и бесчисленные полиграфические лаборатории по всему миру. Давайте проясним: создание чего-либо черно-белого не делает это искусством. Ручная печать — не искусство. Обнаженное тело — это не искусство. Фрукты в миске — это не искусство. И самое главное: просто потому, что вы хотите, чтобы это было изящным искусством, еще не значит, что это искусство. Художественный? Может быть. Но это не изящное искусство.

Лаборатории печати

должны многое ответить за

В мире искусства, чтобы что-то имело ценность, покупатель должен знать, что качество произведения искусства не ухудшится в обозримом будущем.Для художников, которые используют масло на холсте, это не проблема, и только через пару столетий ухудшение состояния начинает превращаться в проблему. Как правило, покупка произведения искусства — это финансовое вложение, отчасти полагающееся на тот факт, что оно не исчезнет, ​​не рассыпется или не развалится через несколько лет.

С фотографией все немного сложнее. Если мне вдруг захочется потратиться на издание Мадонны Синди Шерман, цифровая печать от Costco не заставит меня чувствовать себя слишком комфортно, потратив 7900 долларов (без учета доставки).Вместо этого он продается как серебряно-желатиновый отпечаток (выпуск 97 из 100), который, если предположить, что он не подвергается воздействию большого количества яркого солнечного света, сохранит свое качество еще долго после того, как я передал его своим внукам, и, возможно, даже после того, как они передал их своим.

Как и большинство инвестиций, приобретение произведений искусства является чисто спекулятивным, и покупатели должны знать, что цены могут как упасть, так и вырасти. (Однако стоит отметить, что отпечатки Питера Лика, вероятно, упадут в цене, как только вы их купите.) Если бы внезапно выяснилось, что Сальвадор Дали был серийным убийцей, отрицающим Холокост и склонным к поеданию медленных лори, коллекционеры картин с множеством плавящихся часов и невероятно высокими слонами могли бы немного расстроиться.

Долговечность чернил и бумаги является причиной того, что профессиональные лаборатории, такие как WHCC или Loxley Color, берут больше, чем Costco, а также причина того, что лаборатории и производители часто называют определенные типы бумаги «изобразительным искусством» — отчасти поэтому этот термин широко распространен.К сожалению, только то, что вы распечатываете свою фотографию своей кошки на бумаге Hahnemühle FineArt, не означает автоматически, что вы создали произведение изобразительного искусства. Это просто означает, что ваш прекрасный принт с изображением вспыльчивого полосатого кота Бориса прослужит очень долго, прежде чем исчезнет.

Итак, что такое изобразительное искусство?

Бесконечные книги написаны о том, что делает что-то искусством, поэтому не ждите, что слегка саркастическая статья о Fstoppers даст вам простой ответ. Один элемент, который объединяет таких, как Шерман, Джефф Уолл и Дэвид Лашапель, заключается в том, что они не только создают что-то красивое, но и исследуют собственные производственные процессы, ставя перед нами проблемы в отношении того, как мы воспринимаем как работу, так и мир вокруг нас.Это часто глубоко опирается на историю искусства, аспект, который часто может сделать произведения искусства недоступными для тех, кто не имеет роскоши, связанной с художественными степенями, и кто изо всех сил пытается провести различие между эпистемологией и онтологией. (В замешательстве? Да, я тоже.)

Заявления художников часто не помогают. Если бы я сказал вам, что моя работа является результатом анализа предметов и их переосмысления, побуждая зрителя реконструировать предмет и пространство произведения, сравнивая различные формы и формы, чтобы определить, что каждая из них представляет, и требуя, чтобы зритель участвовал в процессе от познания искусства вы можете закатить глаза.Но я только что описал Пикассо, и он вроде бы неплохо справился (источник).

Со стороны этот художественный пузырь может показаться ужасающе претенциозным, и в этом есть доля правды. Однако, как только вы копаете глубже и начинаете изучать историю искусства, это становится источником вдохновения. Мир изобразительного искусства одновременно удивителен и ужасен, отличается противоречивостью, но он почти наверняка стоит вашего времени.

Эта художественная культура часто выступает в роли арбитра вкуса, решая, что хорошо, а что нет, что ценно, а что бесполезно.Подобно спекуляциям при инвестировании в произведение искусства, многое из того, что ценится, ценно только потому, что художественная культура, состоящая из кураторов, покупателей и редакторов журналов, решила, что это ценно. Если достаточное количество людей говорят, что это изящное искусство, так оно и есть.

Фотография как вид искусства представляет собой весьма проблематичную задачу в силу ее способности к массовому воспроизведению, что очаровывало таких философов, как Вальтер Бенджамин. Что может быть исключительными об этой среде является то, что, порой, упорно отказывается соответствовать этому претенциозному миру искусства белых стен, частных взглядов, Amuse-Bouches и смехотворно завышенным цен.Фотография — это демократическая и популистская среда, которая имеет тенденцию отрываться от мира искусства и становиться гораздо более посредственными — и это беззастенчиво.

Назвать фотографию посредником — это не оскорбление. По словам доктора Фэй Киган, искусство среднего уровня является «подрывным и жизненно важным оплотом культурной демократии, которая радикально игнорирует устоявшиеся культурные иерархии и вместо этого решает самостоятельно». Многие фотографы-документалисты и пейзажисты считаются художниками изобразительного искусства, и фотография немного скользкая, когда дело доходит до создания этикеток и распределения вещей по категориям.Если это заставляет нас задуматься об эстетике и может связать нас с чем-то более глубоким, чем то, что передают только визуальные эффекты, возможно, это искусство. В правильном контексте вспыльчивый полосатый кот Борис может быть как дома.

Короче говоря, то, что делает что-то изобразительным, заключается не в реализации художественного видения, не в том, чтобы запечатлеть то, что видит художник, а не в документировании сцены или создании фотографии просто ради ее эстетической красоты. Дело даже не в том, напишете ли вы заявление модного художника с большим количеством длинных слов.В конечном счете, дело в том, думают ли другие люди, что это изящное искусство, и первым шагом может быть то, что вы назовете свое собственное произведение изящным искусством. Просто не ждите, что все согласятся, и это может быть хорошо.

.