запечатление прекрасного — Российское фото

Конечная цель — красота. Таков лозунг пионеров художественной фотографии на рубеже веков. Их главной задачей была эстетизация, и она приобретала разные формы с течением времени. О том, когда фотография стала считаться искусством, читайте в нашем материале.

---

В слове «пикториализм» угадывается английское pictorial («живописный»). Это авангардное направление в фотографии, принцип которого заключался в сближении снимка и живописного полотна. Течение возникает в 1880-х годах, когда английский предприниматель Джордж Истмен изобретает портативную камеру «Кодак», доступную всем обеспеченным фотолюбителям. Возникает массовый интерес к запечатлению действительности, и в связи с этим потребитель убеждается: фотография может документировать жизнь. Это практически шаг к бессмертию личности. Последовательная реакция проявилась в стремлении некоторых фотографов-любителей создавать художественные, эстетичные снимки, которые отражали бы не объективную реальность, а субъективное видение фотографа. А это практически шаг к бессмертию души.

Фото: Александр Гринберг	Фото: Эдвард Стайхен

Генри Пич Робинсон одним из первых изложил принципы пикториализма в своей книге. В противовес бытовавшему утверждению, что фотоаппарат — инструмент документации истории, Робинсон считал устройство незаменимым для отражения красоты, которую может выхватить и показать только чуткий художник. Пикториалисты смешивали реальность и искусственность в процессе обработки снимков, например, рисовали на них акварельными красками и офортной иглой, как это делал Фрэнк Юджин. Элвин Лэнгдон Коберн прибегал к сложному гумми — платиновому процессу: отпечаток с негатива покрывался смесью гуммиарабики, затем неоднократно подвергался воздействию света, после чего получались изображения в нежных, бархатистых тонах.

Фото: Александр Гринберг

Постепенно сообщество фотографов, как и многих художников, начинает распадаться на сецессионы — отдельные объединения, в которые доступ был только «избранным». Сецессионы были освобождены от условностей, которые навязывало определенное течение. Его члены подчинялись только собственному воображению. Так образовывались «закрытые клубы» пикториалистов. Например, Венский клуб фотолюбителей, организовавший выставку арт-фотографов, среди которых были Генрих Кун, Хьюго Хеннеберг и Ганс Ватзек. В Лондоне появилось настоящее «Братство кольца», и вступить в него было честью для фотографа-пикториалиста. Его члены, среди которых был и Робинсон, тайно встречались, выпускали газету, проводили выставки и экскурсии. «Братство кольца» было одним из самых уважаемых фото-сецессионов, его пикториалисты твердо преследовали принцип «свобода и верность». Наверное, в эпоху модернизма этот либеральный лозунг находил отклик в сердцах как любителей современного искусства, так и приверженцев классического.

Фото: Александр Мазурин

В США пикториализм привозит Альфред Стиглиц, который становится первым американским участником «Братства кольца». Он серьезно сотрясает это направление. Набравшись опыта в Европе, фотограф основывает американский фото-сецессион в 1902 году. Теперь художественная фотография становится преимущественно урбанистической. Но основной принцип пикториализма — создание прекрасного — остается. Художников начинает интересовать их место в огромном городе. Они ищут красоту в неожиданных местах.

Фото: Альфред Стиглиц	Фото: Джулия Маргарет Камерон

Предприимчивый Стиглиц, мечтая внушить большой аудитории, что фотография тоже может быть искусством, открывает журнал Сamera Work. «Вы увидите грандиозные фотографические публикации», — обещал Стиглиц, говоря о своей задумке. Первый номер вышел в декабре 1902 года и включал мастерские фотогравюры, критические статьи о фотографии, об эстетике и искусстве, обзоры последних фотографических выставок. Подобные журналы Сamera Work превосходил качеством иллюстраций.

Фото: Генри Пич Робинсон

Эдвард Стайхен был близким Стиглицу не только по духу, но и по взгляду на фотографию. В прошлом художник, Стайхен применял эти знания при работе с камерой. Его снимки представляют суетливый Нью-Йорк романтичным, полным красоты и очарования.

Пикториалисты пытались увидеть красоту не только в окружающем мире, но и внутри личности. В частности, они пытались раскрыть внутренний мир художника. Вслед за исследованиями Фрейда и Юнга о бессознательном, фотографы через камеру передавали переживания собственных душ. Эта идея чуть позже разовьется в сюрреалистической фотографии постмодернизма, например, у Дианы Арбус и Салли Манн.

Фото: Эдвард Стайхен

К 1917 году интерес к пикториализму постепенно утих. Причиной тому стали модные в то время течения кубизма и экспрессионизма, на которые переключился Стиглиц. Романтичность отступила.

Фото: Альфред Стиглиц

Русский пикториализм развивался параллельно западному. Во многом это происходило благодаря фотографам-путешественникам, которые посещали выставки, знакомились с коллегами, не упуская возможности заснять красоту окружающего мира. В 1880-1900 годах в композиции пикториалистических фотографий еще отчетливо просматривается влияние изобразительного искусства. Главной темой выступает освобождение русского крестьянства, например, у Александра Мазурина и Сергея Лобовикова. С утверждением модернизма в искусстве внимание фотохудожников перемещается на исследование личности. Например, работы Александра Гринберга в 10-х годах — это нежное, мягкое изображение беспечной молодости и загадочной красоты в фольклорном переложении.

Фото: Фрэнк Юджин

Пикториализм в России продлился на десятилетие дольше, чем на западе, и неизвестно, какой бы была русская художественная фотография сейчас, если бы не коммунистическая политика в 30-х годах. Советские идеологи называли пикториализм «пережитком буржуазии», обвиняли в освещении ненужного периода переустройства деревни (Василий Утилин), распространении эротических фотографий (Александр Гринберг). Так советская документальная фотография сместила искусство дореволюционного пикториализма.

Фото: Фрэнк Юджин

Художественные фотографии рубежа веков увековечили быстротечную красоту человека и бессмертное величие природы. Цель пикториалистов достигнута.

Фото: Элвин Лэнгдорн Коберн

Пикториальная фотография — стилизация или искусство?

Пикториальная фотография (от английского слова pictorial — живописный) – это направление в художественной фотографии, появившееся в конце XIX – начале XX веков. Впервые словосочетание «пикториальная фотография» ввел в оборот английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу под названием «Пикториальный эффект в фотографии». В ней, помимо вышеупомянутого словосочетания, также предлагались некоторые советы и эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии. Робинсон, в частности, полагал, что фотограф в своей работе должен подчиняться тем же правилам, что и художник, пользующийся красками и карандашом для создания картины.

Надо сказать, что в конце XIX столетия развитие фотографии пошло по двум направлениям. Это простая бытовая и любительская фотография, преимущественно, со съемкой семейных портретов и пейзажей. Такая работа казалась излишне скучной и неинтересной целому ряду фотографов, поэтому образовалось другое направление фотографии, основанное на творческих экспериментах, использовании различной оптики и возможностях печатных лабораторий для создания настоящих художественных фотографий. Так и появилась на свет пикториальная фотография, сущность которой заключается в заимствовании живописных традиций и изощренных приемов для построения художественной формы фотоизображения.

Представители этого яркого направления пропагандировали подход к фотографии как к одному из видов художественного искусства, очень близкого к живописи. Отличия же фотографии от живописи пикториалисты видели только в технической реализации получения изображения. После нескольких десятилетий забвения пикториальная фотография вернулась в современную фотографическую практику, а значит, есть смысл рассказать о ней более подробно.

Уже на рубеже XIX – XX столетий многие фотографы прекрасно осознавали, что одно только отражение действительности  и документальное сходство не может превратиться в искусство. Поэтому они начали стремиться к тому, чтобы придать своим фотографическим снимкам оттенок загадочности, тайны и выразительности. Благодаря этому зритель мог бы  увидеть в нерезких силуэтах на фотографии определенный художественный подтекст. Такие уникальные фотографические изображения приходилось создавать вручную, поскольку фотохудожники стремились умышленно исказить реальность на снимке и придать ему художественную выразительность.

Для решения этой непростой задачи применялась специальная оптика и разнообразные растворы при проявке негатива для воплощения тех или иных эффектов. Использование красителей и йодида серебра, масляная печать, ретуширование – все это и многое другое входило в арсенал творческих приемов пикториальной фотографии. В основе такого подхода к фотографии лежало распространенное мнение о том, что фотография как искусство должна фиксировать не действительность, а лишь представление о действительности, которое хочет передать зрителю фотограф. Поклонники пикториальной фотографии в своей работе очень часто использовали такую мягкорисующую оптику, как монокль. Это простой однолинзовый объектив, позволяющий добиваться эмоционального восприятия фотографии, особой воздушности и живописности изображения.

Какие особенности имеет пикториальная фотография? В первую очередь, в отличие от обычной фотографии в пикториальной все нацелено на создание определенного художественного эффекта. Для этого фотограф может использовать самые разнообразные приемы, трюки и даже оптические обманы. В целом, пикториальные фотоизображения отличаются размытостью силуэтов и отсутствием резкости деталей, что добавляет сходства фотографии с картинами художников-импрессионистов. Поклонников пикториальной фотографии совсем не интересовали какие-либо социальные темы или реалистичное отображение действительности, их работы несли в себе яркий декоративный эффект и эмоциональность.

Мягкие образы и отсутствие излишних деталей, пожалуй, являются наиболее узнаваемыми чертами пикториальной фотографии. С помощью мягкого фокуса фотографы могут выразить в снимке свои личные чувства и придать ему глубокую эмоциональную выразительность. В пикториальной фотографии, помимо различных художественных эффектов, всегда большое значение имела простота композиции. На снимке все линии и формы снимаемого объекта, свет и тени должны подчиняться основополагающему принципу, заключающемуся в визуальной простоте. Для снижения документальности изображения фотографы применяли особые способы позитивной печати, позволяющие добиться меньшей проработки деталей и полутонов, а также стилизации фотографии под обычный рисунок художника или гравюру.

Пикториальная фотография получила на рубеже XX века большое распространение в Европе, а затем и в России. Появился совершенно новый класс фотографов, называвших себя фотохудожниками. Такие фотохудожники работали преимущественно в жанре портрета, натюрморта и пейзажа, тем самым, еще больше доказывая сходство своих работ с классической живописью. Особое внимание в изображениях фотохудожников уделялось романтическим пейзажам, женской красоте, обнаженной натуре, цветам и предметам домашней утвари, олицетворяющим красоту. Среди российских фотографов того времени, относящихся к направлению пикториальной фотографии, можно отметить А.О. Карелина, А. Мазурина и Н. Петрова. Последний внес огромный вклад в разработку теоретических основ пикториальной фотографии, опубликовав множество интересных работ на английском, русском и немецком языках. Российскую школу пикториальной фотографии всегда отличала утонченная эстетика и разнообразие применяемых творческих приемов.

Но пикториализм как одно из направлений фотографического искусства просуществовал недолго. Стремительное развитие фотографии и появление цветных фотоизображений привело к появлению новых направлений, которые фактически вытеснили пикториализм. Уже к 30-м годам XX столетия пикториальная фотография полностью утратила былую популярность. В нашей стране снижение интереса к пикториализму было продиктовано еще и тем, что пикториальная фотография была объявлена советскими властями антинародной.

Только в начале 2000-х годов у фотографов вновь возник интерес к пикториальной фотографии. Они начали экспериментировать с различными старинными техниками ручной печати, оптикой и ретушированием фотоизображений. Появилось два основных направления пикториализма – первое, основанное на применении оптического оборудования, и второе, предполагающее внесение корректив при проявке и изменение стилистики изображений в фоторедакторах. Конечно, наиболее творческие фотографы пытаются обратиться к опыту прошлого, снимая на камеру с уникальными объективами иногда собственной конструкции. Таким образом, они возрождают забытые технологии и ищут варианты для их современной интерпретации.

Современная пикториальная фотография отличается не сюжетами или темами, а используемыми приемами и техникой, которые превращают обычные фотографии в произведения искусства. Главное для пикториального фотографа – это умение применять те или иные приемы для воплощения своих творческих задумок. Пикториальные фотографии часто печатаются на акварельной бумаге. Это преимущественно однотонные и одноцветные фотоизображения, отличающиеся мягкостью, глубиной и особой эмоциональной выразительностью. На создание и печать одного снимка у фотографа может уйти несколько дней. Ведь при печати изображения фотографы-пикториалисты часто экспериментируют с целым набором химикатов, использование которых помогает превратить простые снимки в настоящие живописные картины.

Несмотря на то, что пикториальная фотография имеет уже более чем столетнюю историю, отношение к ней в фотографической среде остается противоречивым. Кто-то считает ее простой, декоративной  стилизацией под живопись, а кто-то настоящим искусством. Как бы то ни было, одно можно сказать наверняка – пикториальные фотографии пользуются серьезной популярностью у коллекционеров, ведь практически каждое такое фотоизображение создается чуть ли не в единственном экземпляре  посредством уникальной техники обработки негатива.

Источник: Фотокомок.ру – тесты и обзоры фотоаппаратов (при цитировании или копировании активная ссылка обязательна)

РОСФОТО Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО

В коллекцию РОСФОТО входит значительное собрание произведений русских мастеров пикториальной фотографии (от pictorial — «изобразительный», «живописный»). Это направление, впервые заявившее о себе в Европе в конце XIX века, в России обрело второе дыхание в 1920–1930-е годы.

Некоторые эстетические концепции построения изображения и сам термин были заимствованы из программной книги английского фотографа Генри Пича Робинсона «Художественный эффект в фотографии», опубликованной в 1869 году:

«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа <…> Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное».

Одной из важных предпосылок появления пикториализма стало стремление фотографов к превращению собственной практики в форму творчества, по статусу не уступающую изобразительному искусству. Сознательно уходя от документальности, пикториалисты запечатлевали пейзажи, натюрморты, незамысловатые жанровые сцены. Упрощая композицию и обращаясь к обыденным сюжетам, они утверждали первостепенное значение художественного приема. Пикториалисты использовали простейшие мягкорисующие объективы и специальные фильтры, придававшие изображению характерную атмосферность, намеренно избавляя фотографию от прозаических деталей. Они активно экспериментировали с различными техниками «благородной печати». Все это, наряду с применением рукотворной бумаги — от грубо-фактурной до мягкой японской, давало простор для манипуляций с изображением. Таким образом, в пикториализме произошел решительный перенос акцента со съемки, с негативного процесса, на печать и лабораторную обработку.

В Европе и США пикториализм достиг пика развития в первом десятилетии XX века, и это же время стало началом его заката. Направление, ставшее первым международным течением в области художественной фотографии, скоро превратилось в модное явление, затем — в поле для всевозможных декоративных экспериментов и в 1920-е годы уже утратило свое изначальное содержание.

В русскую фотографию пикторализм пришел через английские, французские и немецкие журналы, благодаря поездкам отечественных фотографов на европейские конкурсы и выставки. Мастера русской пикториальной школы получали золотые и серебряные медали на крупнейших международных выставках и салонах. Однако очевидное несоответствие эстетических принципов пикториализма идеям социалистического искусства привело к тому, что постепенно набиравшая обороты моральная травля фотографов переросла к 1935 году в физические репрессии. Практически все фотографы-пикториалисты лишились права заниматься профессиональной деятельностью, и с конца 1930-х годов для них закрылась возможность выставлять свои работы за рубежом. Но со временем пикториальная эстетика вновь стала актуальной, причем не только в российском контексте, но и в мировом искусстве в целом, а значение отечественной пикториальной фотографии утвердилось окончательно.

Проект «Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО» стал логичным продолжением серии выставок, посвященных важному этапу истории фотографического искусства, который долгое время оставался недооцененным. В 2002 году в РОСФОТО состоялась масштабная выставка русской пикториальной фотографии 1890–1920-х годов из государственных и частных коллекций. В 2011 году — выставка петербургской пикториальной школы, собравшая более сотни работ 25 авторов. В прошлом году в наших залах была показана юбилейная ретроспектива Людмилы Таболиной.

Часть коллекции РОСФОТО, объединившая работы мастеров русского пикториализма 1910–1930-х годов, экспонируется впервые. В проекте представлены авторы, давно занявшие достойное и важное место в истории фотографии:

Сергей Лобовиков (1870–1941), Александр Гринберг (1885–1979), Николай Андреев (1882–1947), Моисей Наппельбаум (1869–1958), Николай Петров (1876–1940), Сергей Иванов-Аллилуев (1891–1979), Абрам Штеренберг (1894–1979), Василий Улитин (1888–1976), Семен Фридлянд (1905–1964)

На выставке можно будет увидеть редкие абстрактные работы ученика Василия Кандинского Михаила Тарханова (1888–1962). Помимо произведений известных и признанных мастеров в экспозицию включена серия лиричных пейзажей (1910-е) неизвестного автора, экспериментировавшего с различными техниками «благородной печати».

Что такое пикториализм в фотографии

В последние годы многие любители фотографии все чаще проявляют интерес к пиктореализму как эстетическому явлению рубежа ХIХ и ХХ веков. Появились сообщества, целью которых является, если не воссоздать пикториальную фотографию в чистом виде, то хотя бы соответственно стилизовать свои снимки. Даже некоторые производители продвинутых смартфонов предлагают встроенные фильтры обработки изображений, которые способны достаточно убедительно имитировать интересующую нас эстетику.

 

iphoneography.com

 

Естественно, что у последователей современного пикториализма часто возникают споры, какую карточку считать пикториальной, а какую нет.  

Совершенно невозможно понять  суть данного явления, ограничиваясь простыми объективными характеристиками, связанными с технологией печати или особенностями применяемой оптики. Пиктореализм – понятие не технологическое, а скорее субъективное с одной стороны и историческое с другой. Поэтому, достаточно сложно дать лаконичное и однозначное определение.

Исторический контекст

Всю вторую половину XXI века фотография, несмотря на свою популярность, не считалась искусством. Официально первый пикториалист Генри Пинч Робинсон создает свои фото-произведения с желанием приблизиться по «красоте» к классической живописи. Он был убежден в том, что фотография имеет право называться искусством. И он приложил достаточно много усилий, отстаивая это право.

Творческий метод Робинсона был достаточно формален, он конструирует изображение из заранее подготовленных фрагментов композиции, так как строят свои композиции живописцы на основе предварительных этюдов. В 1857 году он демонстрирует работу под названием «Увядание», изображающую безнадежно больную девушку в окружении своих близких.

 

Генри Робинсон

 

Произведение было воспринято неоднозначно. Критика того времени, в основном, заключалась в «неэтичности вмешательства в личную жизнь».  И это не смотря на то, что в живописи представленный сюжет был весьма популярен, а работа Робинсона была, от начала и до конца, постановочной. Для приверженцев художественной фотографии серьезным испытанием стало столкновение с основным свойством фотоизображения – документальностью. В восприятии зрителя фото, даже после серьезного вмешательства в содержание снимка на стадии печати, как в данном примере, было слишком конкретным и слишком достоверным, что бы считаться искусством. А само искусство ассоциировалось не только с идеальными образами, порожденными фантазией художника, но и с «рукотворностью» живописного полотна или рисунка. «Автоматичность» фотоизображения опускало последнее в глазах обывателя до уровня научно-популярного развлечения.

Для решения проблемы «документальности» и ухода от «фотографичности» в сторону «живописности», мастера светописи пытались достичь определенной обобщенности образа. Фотографы стали активно экспериментировать с мягко-рисующей оптикой и специальными фильтрами для смягчения изображения. Кроме того велись поиски альтернативных методов фотопечати, предполагающих более высокую степень ручного вмешательства в процесс формирования изображения, делая каждый отпечаток по своему уникальным. Очень часто первый отпечаток делался лишь для того, что бы подвергнуться ретуши и авторским доработкам. При этом могли применяться вполне художественные технологии. Затем  полученный результат возвращался в лоно фотографии повторной пересъемкой. За счет различных  многократных манипуляций  фотоизображение увеличивало дистанцию  с породившей ее реальностью.

 

 Н. Петров         

 

 Robert Demachy

 

Кроме того, что бы сделать свои произведения более похожими на живопись, мастера того времени активно заимствовали у традиционного искусства выбор сюжета, построение композиции, тональные и колористические решения.  Это не было прямым подражанием конкретным произведениям, это была стилизация под популярные в то время живописные течения, например символизм или импрессионизм.

 

Генрих Кюн

Энни Бригман

 

Сам термин пикориализм на протяжении истории не имел строго определенного значения. В конце XIXвека под пикториальной часто подразумевалась то, что мы сейчас называем художественной фотографией. Просто на рубеже веков набор ее выразительных средств был весьма узок и полностью заимствован у традиционного искусства. Это был этап, на котором фотография должна была попытаться стать живописью. Хотя бы для того, что бы понять, что она не живопись, а нечто большее, чем живопись. Но это уже другая история.

Олег Малов

 

 

Пикториальная фотография | Пикториализм

Пикториали́зм (англ. pictorialism от pictorial «живописный») — течение в европейской и американской фотографии второй половины XIX — начала XX вв. Подразумевает использование изобразительных и технических приёмов, сближающих фотографию с живописью и графикой таких направлений, как импрессионизм, символизм, модерн, живопись прерафаэлитов и др. (Википедия).

К одному из технических приемов для создания пикториальных фотографий можно отнести специальный объектив — монокль.

Монокль — простейший и самый первый в истории фотографии линзовый объектив. Это самое начало объективостроения. Монокль привносит в изображение все возможные оптические дефекты, в частности: дисторсию, сферические и хроматические аберрации, астигматизм.
Именно эти дефекты, позволяют создавать художественные фотографии с дополнительным размытием картинки, смягчением фактуры, свечением контрастных контуров.

Монокли изготавливаются частными мастерами, путем переделки старых объективов.
Как и все объективы они отличаются фокусным расстоянием и для какого типа камер были сделаны (зеркальных, беззеркальных, дальномерных, среднеформатных).

Пример моноклей и их стоимость на начало 2021 года:

 

Нужно отметить, что фотосъемка на монокль не совсем простое, но очень увлекательное занятие.
Степень эффекта смягчения, размытия, зависит от величины диафрагменного отверстия и для конкретного снимка, на первых порах, пока вы не протестируете объектив в различных условиях, подбирается путем перебора различных вариантов.

На фотографии вверху — мостовая башня на Измайловском острове. Снимок сделан в пасмурную погоду, эффект растоврения объектов в пространстве создает монокль.

На фотографии — въездные ворота в царскую усадьбу на Измайловском острове. 

На фотографии — митрополичьи палаты на Крутицком подворье. 

На фотографии — вечерний вид  с пешеходного моста на памятник Петру I и Болотную набережную.

Вид на Храм Христа Спасителя с Патриаршего моста.

На фотографии — вид на дворец в Царицыно.

На фотографии — въездные ворота в царскую усадьбу на Измайловском острове со стороны внутреннего двора. Снято на монокль + наложение фактуры в ФШ.

Для получения  эффекта художественного размытия можно использовать и другие объективы, интересный вариант можно получить, применяя старые объективы для пленочных камер, слегка их изменив. На примерах ниже, использовался объектив «гелиос» с перевернутой передней линзой.

Еще один способ получения фотографии с эффектом размытия, для этого варианта не нужны специальные объективы и обработка в ФШ.

Как простое приспособление для внесения оптических искажений, размытости, можно применять простые подручные средства, например пластиковую бутылку с капельками воды на внутренней поверхности: 

Добиваться художественного эффекта размытия можно и при помощи обработки фотографии в фоторедакторе, используя эффект Ортона.

Поделитесь этой статьей на своей странице в социальной сети. 

На наших страницах, вы можете задавать любые вопросы по фотографии.

                           

Желаю успехов в освоении фотографии!
Автор статьи: Руслан Орлов.

Русский пикториализм: тихое сопротивление | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

Пикториализму дают множество определений. Его называют течением, стилем, жанром фотографии. Кто-то говорит об особой технике съемки и печати, кто-то делает упор не на средства, а на цель, подчеркивая, что изображение у пикториалистов приближается к художественной графике… Ни одно из этих определений не является исчерпывающим, но, в конце концов, важна не терминология, а том, что она пытается обозначить.

Александр Гринберг «Купальщица», 1924

Фотографии, представленные на проходящей в берлинском Martin-Gropius-Bau выставке «Тихое сопротивление. Русский пикториализм 1900-1930-х годов», на первый взгляд — размытые и неконтрастные. Нет однозначно черного или белого, у фигур и предметов нет резких границ, они кажутся слепленными из мягкого ватного света, они выныривают из глубокого фона как из темного тумана. Обнаженные женские фигуры на работах Александра Гринберга, которые открывают экспозицию, застыли в классических позах древнегреческих статуй. Освещение — боковое, как это было принято в академической европейской живописи.

Художественная расфокусированность

Комментарий при входе на выставку поясняет, что фотографы-пикториалисты ставили своей целью средствами фотографии воссоздать эффект живописи 19 века. Имеется в виду, прежде всего, вторая половина столетия или даже его последние годы, эпоха импрессионизма и символизма, прерафаэлитов, ар-нуво, стиля «модерн»…

Пикториализм родился в Европе в 1880-х. Он был реакцией на французский импрессионизм, с одной стороны, а с другой — на быстрый процесс удешевления фотографии, повышения ее качества и вместе с этим и ее общедоступности и в каком-то смысле демократизации. Пикториалисты хотели ухватывать игру огромного количества нюансов светлого и темного, пренебрегать неуместно обильными деталями, создавать ощущение возвышенного покоя, свойственного западноевропейской живописи. Цель состояла в том, чтобы фотография стала восприниматься как искусство.

В 1889 году Питер Генри Эмерсон (Peter Henry Emerson) метко описал эту эстетику как «художественная расфокусированность». В Европе она стала терять свою привлекательность с началом Первой мировой войны. В России же в это время и особенно в двадцатые годы 20 века пикториальная фотография достигла своего расцвета. На международных выставках отмечались работы Николая Андреева, Александра Гринберга, Юрия Еремина, Василия Улитина, золотую медаль получил в Париже Николай Свищов-Паола… Еще раньше широкое признание получили Сергей Лобовиков (прежде всего, в Германии) и Алексей Мазурин, который был избран почетным членом Французского фотографического общества.

Лирика и ретушь

Самые ранние из представленных на берлинской выставке работ напоминают если не живопись, то графику конца 19 века. Андрей Карелин и Алексей Мазурин фотографировали читающих девушек в пышных платьях, дам, сидящих на залитой солнцем веранде или прогуливающихся по парку. Рядом — пейзажи, уместные в сборнике печальной лирической поэзии.

Николай Андреев «Жница», 1935

Далеко не все фотографы в 1920-х годах старались добиться эффекта размытости и нечеткости. Изобразительный ряд Сергея Лобовикова, который снимал крестьян, — суховатый, плоский, минималистичный. Его фотоработы похожи на офорты. Следы ретуши можно обнаружить на многих снимках, но радикальнее всех исправлял, протирал и царапал Николай Андреев. Вот фотография «Жница». Мало того, что фотограф вручную повысил контрастность полосатого платья крестьянки (то есть прорисовал светлые полоски), — он грубо процарапал и каждый пшеничный колос!

На снимке Петра Клепикова доминирует огромный темный силуэт Собора Василия Блаженного на Красной площади. Перед ним — черные автомобили, тоже сведенные к силуэтам. В самом низу снимка — уходящая нам под ноги брусчатка площади. Можно сравнить это с китайской акварелью. Возможно, снимок был сделан против света, возможно, детали были убраны искусственно, но возникает надолго остающееся в памяти ощущение пустого и гулкого пространства.

Вредная фотография

Пикториалисты использовали чрезвычайно изощренные методы фотопечати. Каждый снимок на выставке (а в Берлине выставлены исключительно оригинальные авторские оттиски) — это либо серебряно-желатиновая печать, либо бромойль. Трудно отделаться от впечатления, что самым главным для некоторых авторов было погружение в процесс фотопечати.

Кажется очевидным, что фотография для пикториалистов не являлась нейтральным и объективным инструментом документирования реальной жизни. Искусствоведы пишут о том, что в России пикториализм имел для авторов «абсолютную ценность как способ самосовершенствования, в первую очередь эстетического».

Сергей Лобовиков «Визит к бабушке», 1908

В 1920-х годах фотографы-пикториалисты имели возможность выставляться за рубежом, представляя «молодое революционное искусство Советской России», в профессиональных фотожурналах в СССР велись ожесточенные дискуссии о технологии фотопечати. Пикториалисты не воспринимались как враги и отступники. Ситуация изменилась в 1930-х годах. Любовь к изыскам фотопечати и коричневатым полутонам оказалась несовместимой с идеологическим наступлением на искусство и требованием изображать достижения социализма. «Политически близоруких» и «вредных» фотографов репрессировали. Александр Гринберг попал в лагерь по абсурдному обвинению в распространении порнографии, Василий Улитин был выслан из столицы. Почти всем пикториалистам было запрещено профессионально заниматься фотографией. Юрий Еремин на свой страх и риск печатал маленькие оттиски в ванной комнате своей коммуналки.

Большая часть фотографий пикториалистов пропала, очень многое было уничтожено или потеряно. Потому никакая выставка не может претендовать на репрезентативность. И все же даже то, что есть, можно было бы показать лучше. Немецкие критики высказывают сожаление, что выставка, подготовленная Московским домом фотографии, содержит очень мало сопроводительного материала, нет биографий художников, нет комментариев к различным стилистическим фазам русского пикториализма.

Автор: Андрей Горохов
Редактор: Ефим Шуман

18. Пикториальная фотография. Ее особенности и эстетические обоснования. Мастера пикториальной фотографии.

Пикториальная (от английского pictorial, то есть «живописная») фотография — разновидность художественной фотографии эпохи импрессионизма и модерна. Пикториалисты пытались игрой светотени и сложными методами печати превратить фотокарточку если не в картину, то в рисунок или гравюру. А также приукрасить действительность. Понятие «пикториальная фотография», т.е. живописная, как название одного из направлений в художественной фотографии, было введено в мировую практику в 1890-х годах. Термин и некоторые эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии были заимствованы из работы английского фотографа Генри Робинсона (1830–1901; Henry Peach Robinson) «Pictorial Effect in Photography», опубликованной в 1869 году. Робинсон утверждал, что «художник, желающий производить картины с помощью фотографического аппарата, подчиняется тем же законам, как и художник, пользующийся красками и карандашом». Робинсон даже ввел в практику фотомонтаж как прием художественного построения фотоизображения.

Пикториальная фотография — фотосъемка при помощи монокля. Монокль — однолинзовый объектив, позволяющий добиваться особой живописности фотоизображения, так называемая «мягкорисующая оптика». Главным элементом монокля, от которого на 90% будут зависеть его изобразительные возможности, является линза. Ее задача — проецировать изображение на плоскость фотопленки и создавать сферические аберрации – эффект небольшого рассеивания..

Подход к фотографии как искусству, близкому к живописи, был характерен с самого начала ее изобретения. Классическим примером является творчество художника Д.О.Хилла и его помощника Р.Адамсона, создавших в 1843–1845 годах калейдоскоп фотопортретов своих современников, которые по замыслу авторов являлись этюдами для написания картины. Характерно, что именно эти фотопортреты вошли в классику мировой культуры как образцы высокохудожественных произведений, а не конечные полотна. Живописное творение оказалось значительно слабее фотографических этюдов.

Пикториализм открыл для фотографии различные способы печати изображения, так называемые благородные техники. Бромомасляный процесс заключался в дополнительной обработке позитива, отпечатанного на бромосеребряной фотобумаге. Суть процесса состояла в отбеливании изображения и одновременном дублении фотоматериала биохроматами с последующим нанесением на задубленные участки масляной краски желаемого цвета.

С появлением нового метода фотографы смогли кисточкой накладывать светочувствительные соли серебра. Фотографии после такой обработки напоминали рисунки, сделанные углем или акварелью. Пигментная печать (chromogenic print) приближала фотоснимок к гравюре. Для получения цветных (пигментных) изображений применялась специальная пигментная бумага, политая желатиновым слоем, содержащим мелко растертый нерастворимый в воде краситель.

Пикториалисты использовали мягкорисующие объективы, дающие изображения пониженного контраста за счет уменьшения их резкости, и монокли, которые позволяли с большей свободой передавать в пейзажах воздушную дымку, морскую даль, придавать расплывчатость рисунку.

Непревзойденным мастером пикториальной фотографии во Франции был Робер Демаши (Robert Demachy). Демаши показал себя замечательным портретистом, живописное решение его фотографий тонко передает характер модели. В его работах стирается грань между фотографией и живописью: смелые, широкие мазки обрамляют фигуры людей, закручиваются вокруг них вихрем штрихов. Для создания подобных эффектов Демаши применял особую ретушь: выскабливал участки слишком плотных мест на негативе. Он также ввел в практику перенос масляных изображений с желатиновой бумаги на японскую, что придавало снимку характер графического произведения.

В Великобритании пикториалистов объединяло общество The Linked Ring во главе с А. Горслеем-Гинтоном. Развитие концепции пикториальной фотографии получило свое продолжение в редактируемом А. Горслеем-Гинтоном с 1893 года популярнейшем в Англии фотографическом журнале «The Amateur-Photographer». То, что не удалось в полной мере осуществить французским и английским пикториалистам, а именно — добиться признания фотографии как вида изобразительного искусства, сделали американские мастера светописи Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. В 1902 году Стиглиц создал группу Photo-Session. В это же время он начал издавать иллюстрированный журнал Camera Work, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Вместе с фотографиями на выставках экспонировались полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане, П. Пикассо, Ж. Брака, Д. О’Кифф, скульптуры О. Родена и К. Бранкузи. Светопись заняла равноправное место среди изобразительных искусств не только в выставочном пространстве, но и в отношении критиков и публики.

Несмотря на то что ранние снимки Стиглица выполнены в пикториальном стиле, он никогда не использовал средства художественной обработки снимков, которыми обычно пользовались пикториалисты. Только в некоторых случаях он пользовался мягкорисующей оптикой.

Ранние снимки Эдварда Штайхена, несомненно, относятся к наследию пикториализма. В фотографии Штайхена тот же нежный колорит растворяющегося в вечерних сумерках города, золотые огни фонарей, отраженные в блестящей от дождя мостовой…

Из представителей немецкого пикториализма стоит назвать фотографа-портретиста Гуго Эрфурта. С пикториализмом связано начало творческого пути знаменитого чешского фотографа Франтишека Дртикола. С самого начала он использовал разнообразные пикториалистические «благородные» техники печати, подавлявшие многие характерные черты фотоизображения и подчеркивавшие возможность авторского вмешательства в конечный снимок.

Пикториализм был эхом XIX века. В 1920-х годах живописный стиль уступил место более прогрессивным направлениям фотоавангарда. Фотографы, начинавшие как пикториалисты, во второй четверти XX века продолжали творческие поиски уже в других направлениях. Теперь их внимание сконцентрировалось на экспериментах с ракурсами и композицией.

Мэтры российской пикториальной фотографии — Александр Гринберг, Юрий Еремин, Николай Андреев, Николай Свищов-Паола и др. — были прекрасно вписаны в мировой художественный контекст и получали золотые и серебряные медали на крупнейших международных фотографических выставках и салонах в Европе, США, Японии. Пикториализм, зародившийся в мировой фотографии в конце XIX века, к середине 20-х годов ХХ века исчерпал свой эстетический потенциал. В Советской России в эти годы он обретает второе дыхание.

Пикториалисты в СССР

Одним из первых, начавших работать в стиле пикториализма, был фотограф-любитель А. Мазурин, работы которого печатались уже с конца ХIХ века в иллюстрированных европейских журналах. Огромный вклад в распространение и развитие идей пикториализма в России внес фотограф и теоретик Н. Петров (1876–1940), опубликовавший свыше 40 работ на русском, немецком и английском языках.

Работая в рамках культа красоты, фотограф украшал мир. Поэтому в творчестве фотографов-пикториалистов были наиболее распространены романтические и идиллические пейзажи, цветы, различные предметы, олицетворяющие красоту (вазы, зеркала и др.), животные. Особым источником вдохновения в пикториальной фотографии была женщина.

В российской пикториальной фотографии, в отличие от западной, активизирован сюжет, что обусловлено традициями русской школы живописи, в частности передвижничества. Наглядным примером является творчество С. Лобовикова, у которого тема быта вятских крестьян облачена в стилистическую форму импрессионизма. Постановочность его фотографий несет скорее налет сказочности, нежели социальной документальности.

Распространение идей пикториальной фотографии в дореволюционной России проходило в резкой полемике с ее противниками. Ряд авторитетных фотографов, например, С. Прокудин-Горский, придерживались документальной основы фотографии. Он писал: «Фотография, все-таки, надо сознаться, искусство протокольного характера». Поэтому им резко критиковались фотографии, сделанные моноклем и с использованием специальных методов печати.

Движение пикториализма в России шло вслед за европейским, уже к концу XIX в. добилось международного признания (работы Алексея Мазурина, Сергея Лобовикова и др.), С 1920-х годов русские фотографы-пикториалисты снова участвуют в международных фотографических салонах. Именно они до 1930 года определяют лицо молодой советской фотографии за границей. Их успех за границей был огромен. Газеты ведущих стран мира посвящают заметки творчеству наших мастеров, высоко оценивая их работы.

С 1926 года начинает издаваться журнал «Фотограф» — орган мастеров художественной фотографии. С программной статьей «Фотография, как искусство» на страницах журнала в 1928 году выступает И.Соколов, исследуя фотоискусство с позиций искусствоведения. Он рассмотрел фотографию, состоящую из двух направлений: художественную и документальную. Такой подход давал возможность наметить основные ориентиры, выработать принципы и критерии фотографических произведений. Но с начала 1930-х гг.было подвергнуто идеологическому разгрому, а его наследие на несколько десятилетий оказалось выведено из художественного обихода. Дело в том, что конца 1920-х годов во всех областях советской жизни и в том числе в искусстве фотографии начинается поиск врагов революционных преобразований. «Врагами» в фотографии оказываются пикториалисты, в работах кот. вместо классовой борьбы существовали иные, буржуазные, с точки зрения советской власти, ценности.

Пикториализм в СССР 1920–1930-х годов видоизменился по сравнению с дореволюционным. Так, работы Н.Андреева значительно отличаются от романтических пейзажей, — мрачные по стилистике, они отражают настроение автора от происходивших в деревне событий.

Уже в 1935 году моральная травля деятелей искусств переходит в физические репрессии. Под абсурдным предлогом «распространение порнографии» Александр Гринберг направляется в сталинские лагеря. Обвинение последовало после выставки «Мастера советской фотографии», проходившей в 1935 году, на которую мэтр российской и мировой фотографии представил этюды обнаженной натуры. Одновременно в советской фотографии расправились и с темой ню. Василий Улитин потерял право на жизнь в столице. Практически все фотографы-пикториалисты лишились права заниматься профессиональной деятельностью. С триумфом фотографов-художников прошла и этапная выставка «Советская фотография за 10 лет» в 1928 году. Однако это было последнее крупное выступление пикториалистов в СССР. С конца 1930-х годов для них закрылась возможность выставлять свои работы за рубежом.

Несмотря на эти гонения, мастера русской пикториальной фотографии продолжали свою творческую деятельность. Так, Юрий Еремин, запершись в ванной комнате огромной коммуналки, тайком печатал тиражи своих любимых снимков в микроформате. Каждый из них мог стать уликой, достаточной для репрессий.

В 1928 году в журнале «Новый ЛЕФ» Александр Родченко вел полемику с пикториалистами: «Мы боремся собственно даже не с живописью (она и так умирает), а с фотографией „под живопись“… Мы обязаны экспериментировать». А в середине 1930-х годов, в разгар нападок на пикториализм, он великолепно снимает в этой манере знаменитую серию «Цирк» и сцены из классических опер и балетов. Возможно, это тоже было своего рода сопротивление.

В конце 1930-х годов в советской фотографии как и во всем советском искусстве побеждает эстетика социалистического реализма. Отгороженная от мира железным занавесом, она постепенно превращается из «важнейшего из искусств» в придаток идеологической машины. Развитие фотографии шло по пути использования главной ее особенности — документальности. Наравне с другими направлениями в фотографии, например конструктивизма, бурно развивается репортажная фотография. Именно фоторепортаж становится главным направлением советской официальной фотографии. Концом эпохи пикториализма можно считать выставку «Фильм и фото», прошедшую в 1929 году в Штутгарте, на которой особое внимание привлекли конструктивистские работы А.Родченко, Л.Лисицкого и др. Исчерпание художественных возможностей пикториализма в СССР было ускорено официальными «проработками» в прессе. Рассматривая фотографию как важный элемент культурной революции, выполняющий социальный заказ, власть требовала общедоступной, понятной, воспитывающей фотографии. Фотография переходила в ранг политики.

С середины 80-х годов XX века русский модернизм и прежде всего работы Александра Родченко оказались востребованы за рубежом. Их «переоткрытие» в России происходит лишь в середине 1990-х. Феномен русской пикториальной фотографии лишь недавно попал в поле внимания исследователей и историков фотографии. Эта работа пока далека от завершения. Однако уже сейчас она дает возможность более полно понять процессы развития русской художественной культуры и истории начала ХХ века.

Сейчас Георгий Колосов является идеологом современного пикториализма. Ученик классика прикладной фотографии Г.Н.Сошальского, член знаменитого фотоклуба «Новатор», идеолог пикториальной (живописной) фотографии, разработчик и создатель моноклей, сам Георгий Колосов последние годы всему прочему предпочитает пребывание в храме Св. Косьмы и Дамиана в Столешниковом переулке, изредка совмещая работу церковного сторожа с фотографическими изысканиями. У него есть статьи «Монокль на малоформатной камере», «Продолжение традиций, поиск, новая форма», «Современный пикториализм и новое восприятие» в журнале «Советское фото». фотография его — несовременная, антикварная: монокль, объектив с одной линзой, «мягкорисующая оптика».

Виды изобразительной речи и разные способы визуального высказывания (по В. Михалковичу)

Коммуникация в обществе полифункциональна. Изображения участвуют в реализации многих ее функций и в зависимости от этого несут в себе значение или смысл. Снимок является изобразительным высказыванием.

Выделяют следующие типы изобразительной речи:

1) Объектный тип речевой деятельности (объектные изображения). Сюда относятся снимки, в которых отсуттвует индивидуальная авторская интонация, в плане экспрессивности они подчеркнуто нейтральны. Фотографии показывают зрителю только сами предметы, расположение конструктивных узлов и частей в них. Такие снимки обладают лишь топологическим сходством с оригиналом и вне передачи его не выполняют иных задач. Снимки отсылают зрителя к предмету как таковому и потому обладают лишь значением.

Примеры объектных фотографий: фото для документов, съемка планов для карты, научная фотография, инструктивная фотография. В фотокарточке и карте реализуются одинаковые принципы съемки. В том и другом случае объект вопроизводится как есть и вместе с тем интерпретируется. Во-первых, из него выбираются парметры и свойства, соответствующие ситуациям, в которые снимок попадает и в которых будет «работать». Во-вторых, тот и другой снимки в практических ситуациях выступают как заменители объекта, как его функциональные двойники. В-третьих, и карточка, и карта принципиально не учитывают подвижности и динамики объекта, акцентируя в нем стабильные, инвариантные черты. Оба снимка демонстрируют зрителю схему свойств, план.

Научная фотография адресуется аналитической мысли, производящей над снимком свои операции – сопоставление, сличение, измерение. Главное назначение таких снимков – в практической ситуации замещать действительный объект. К научным фотографиям можно отнести не только снимки, необходимые биологам, физикам, но и репродукции произведений живописи.

Примеры инструктивной фотографии можно найти в статье, описывающей конструктивные характеристики фотоаппарата. Снимки в ней лишь точно передают особенности конструкции камеры, направляют внимание зрителей на технические достоинства. Иные моменты, например, эстетическую оценку формы фотоаппарата, автор снимка намеренно обходит: изображает фотоаппарат на черном фоне, детали и узлы – на сером, четко прорисовывает важные детали, лишает изображение объема. В общем, фото максимально приближается к схеме, техническому рисунку.

Случаи употребления объектной речи встречаются и в кинематографе (например, в роликах-инструкциях: как пользоваться средствами пожарной безопасности и т.д.). Здесь изображение отличается от фотографического наличием движения. Но здесь оно, отличие от объектной фотографии, допустимо, так как оно естественным образом трактуется объектно.

Другие виды изобразительной речи отличаются от данного тем, что не довольствуются лишь топологическим сходством – в каждом высказывании выстраивается свой смысл. Ради этого общая топологическая схема объекта обогащается «чувственными датами». В соотвествии с направленностью такого обогащения (амплификации) можно выделить 2 основных типа изобразительной речи: риторический и художественный.

2) Риторический тип речевой деятельности. Этот тип наиболее часто используется в рекламе. Ее цель – убеждение.

В рекламной ленте или снимке, например, нужно не только показать предмет, но и подчеркнуть его привлекательность, полезность для потребителя. Это делается несколькими способами.

1. Предмет поворачивают наиболее выигрышными для него сторонами, которые должны сделать его привлекательным, желанным для потребителя.

2. Привнесение привлекательных черт извне: расположение желаемого предмета, обладающего притягательными характеристиками (успех, красота, сила, богатство), рядом с рекламируемым предметом. Сюда же относится более косвенное указание на привлекательность предмета (пример: натюрморт с апельсином, стаканом воды на черной блестящей поверхности), достигаемое с помощью фотоэффектов.

3. Изображение не предмета, а действия, на него направленного (пример: плакат А. Родченко, рекламирующий книги Ленгиза).

Не только реклама строится по законам риторической речи. Эти законы реализуются и в текстах информативных – хронике, сводках новостей (пример: создание эффекта толпы, радостно приветствующей генерала Макартура в Чикаго, когда на самом деле людей вокруг довольно мало).

Рекламные и публицистические тексты выполняют в обществе разные, сущетсвенно отличные задачи, однако основываются на едином принципе, на общем для них типе речевой деятельности. Реклама убеждает в привлекательности предмета, публицистика оценивает единичные явления, апеллируя, как и реклама, к «готовым» понятиям и категориям. В любом случае, надо помнить, что риторический тип речевой деятельности – это инструмент убеждения, а не сообщения истины.

3. Художественный тип речевой деятельности. Художественная речь использует принцмпы объектной и риторической речи: репрезентирует предметы, интерпретирует их. Но интерпетация имеет здесь особую цель и направленность. Когда объектная речь опирается на готовые образы, а риторическая – на готовые значения, в художественном произведении, построенном на диалектике преднамеренного и непреднамеренного, воспринимающий сталкивается с деталями «строптивыми», не укладывающимися в целостность. Здесь многое можно понять, прибегая к «готовым» значениям. Но не все.

За понимание смысла изображения с точки зрения «готовых» значений отвечают следующие функции художественной речи:

1) выражение идеи говорящего;

2) обращение к зрителю;

3) сообщение о действительности.

Но большинство деталей содержит особый смысл, предопределенный конкретным предметом и сюжетом. Здесь вступает в действие поэтическая функция – доминирующая в художественной фотографии. Ее суть – сосредоточение внимания на сообщении ради него самого. Ее доминирование имеет два важных последствия:

1) Когда внимание сосредотачивается на материи речи, каждый знак в равной степени оказывается ценен. Это значит, что каждый компонент имеет одинаковое с другими право на «осязаемость», на выявление его значимости, но несут разную долю смысла.

2) Элементы произведения эквивалентны потому, что все участвуют в построении смысла. Поскольку в произведении каждый компонент значим, поэтическая функция отменяет иерархию языковых единиц.

Пикториализм | фотография | Britannica

Pictorialism , подход к фотографии, который подчеркивает красоту предмета, тональности и композиции, а не документирования реальности.

Пикториалистическая перспектива зародилась в конце 1860-х годов и господствовала в течение первого десятилетия 20-го века. Он подходил к камере как к инструменту, который, как кисть и зубило, можно было использовать для художественного выступления. Таким образом, фотографии могут иметь эстетическую ценность и быть связаны с миром художественного выражения.

Подробнее по этой теме

история фотографии: пикториализм и связанное кольцо

Идеи Ньютона, Рейландера, Робинсона и Эмерсона — хотя и казались разными — преследовали одну и ту же цель: добиться признания в фотографии …

Само название произошло от мысли Генри Пича Робинсона, британского автора книги «Живописный эффект в фотографии » (1869).Стремясь отделить фотографию как искусство от научных целей, для которых она применялась, Робинсон предложил соответствующий предмет и композиционные приемы, включая объединение частей разных фотографий в «составное» изображение. В 1880-х годах британский фотограф Питер Генри Эмерсон также искал способы продвинуть личное самовыражение в изображениях, сделанных камерой. Критикуя составные фотографии, Эмерсон и его последователи смотрели на модели, предоставленные такими художниками, как Дж.М.В.Тёрнер, художники барбизонской школы и художники-импрессионисты пытались воссоздать атмосферные эффекты в природе посредством внимания к фокусу и тональности.

Книга Эмерсона « Натуралистическая фотография » (1889 г.) имела огромное влияние в последние годы XIX века. Американские и европейские фотографы, которые следовали его принципам, организовывали ассоциации и устраивали выставки, чтобы показать, что среда способна создавать произведения великой красоты и выразительности.До 1900 года «Связанное кольцо» в Великобритании, Парижский фотоклуб, «Клиблатт» в Германии и Австрии, а на рубеже веков — Фото-сецессион в США — все это продвигало фотографию как изобразительное искусство. С этой целью некоторые фотографы попустительствовали ручной работе с негативом и использовали специальные методы печати, используя, среди прочего, бихромат камеди и бромомасло камеди. В дополнение к этим процедурам, которые гарантировали, что каждый отпечаток будет отличаться от других на том же негативе, фотографы-пикториалисты также одобрили включение монограмм и представление работ в со вкусом оформленных рамах и циновках.Фредерик Х. Эванс, Роберт Демахи и Генрих Кюн были среди известных европейцев, участвовавших в движении.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Пикториалистами в Соединенных Штатах были Элвин Лэнгдон Коберн, Ф. Холланд Дэй, Гертруда Кезебир, Эдвард Стейхен, Альфред Штиглиц и Кларенс Х. Уайт. В поздних работах Штиглица, Пола Стрэнда и Эдварда Уэстона американский пикториализм стал менее связан с атмосферными эффектами и красивыми предметами, но в течение нескольких лет после Первой мировой войны старые идеалы живописной красоты сохранялись группой под названием Фотографы-живописцы Америки.К концу 1920-х годов, когда эстетика модернизма утвердилась, термин пикториализм стал обозначать утомленную условность.

Обзор движения пикториализма | TheArtStory

Краткое изложение пикториализма

Пикториалисты взяли технологию фотографии и заново изобрели ее как форму искусства, поместив красоту, тональность и композицию выше, создав точную визуальную запись. Своими творениями движение стремилось поднять фотографию до уровня живописи и добиться признания ее таковой галереями и другими художественными учреждениями.Фотография была изобретена в конце 1830-х годов и первоначально считалась способом создания чисто научных и репрезентативных изображений. Ситуация начала меняться с 1850-х годов, когда такие сторонники, как английский художник Уильям Джон Ньютон, предположили, что фотография также может быть художественной.

Хотя его можно проследить до этих ранних идей, пикториалистское движение было наиболее активным в период с 1885 по 1915 год, а в период своего расцвета оно имело международный охват с центрами в Англии, Франции и США.Сторонники использовали ряд техник темной комнаты для создания изображений, которые позволяли им выражать свои творческие способности, рассказывая истории, воспроизводя мифологические или библейские сцены и создавая сказочные пейзажи. Прямого определения того, что такое фотография пикториалистов, не существует, но обычно под этим понимается изображение, которым каким-либо образом манипулировали для усиления его художественного воздействия. Общие темы в стиле — это использование мягкого фокуса, цветовой тонировки и видимых манипуляций, таких как составные изображения или добавление мазков кисти.

Ключевые идеи и достижения

• Пикториализм был тесно связан с преобладающими художественными движениями, поскольку фотографы черпали вдохновение в популярном искусстве, перенимая его стили и идеи, чтобы продемонстрировать равенство между ним и фотографией. Особенно влиятельными движениями были тонализм, импрессионизм и, в некоторых случаях, викторианская жанровая живопись.
• Пикториалисты были первыми, кто представил аргументы в пользу того, чтобы фотография была классифицирована как искусство, и тем самым инициировали дискуссию о художественной ценности фотографии, а также дискуссию о социальной роли манипуляций с фотографиями.Оба эти вопроса все еще обсуждаются сегодня, и в последние десятилетия они стали еще более актуальными благодаря все более широкому использованию Photoshop в рекламе и в социальных сетях.
• Это движение привело к большим инновациям в области фотографии, и ряд фотографов, связанных с ним, ответили за разработку новых методов для развития своего художественного видения. Это заложило основу для последующих достижений в цветной фотографии и других технических процессах.

Обзор пикториализма

Ранние фотографы, такие как Джулия Маргарет Камерон, Дэвид Октавиус Хилл и Роберт Адамсон, оказали большое влияние на развитие пикториализма.Хилл, который был успешным художником романтических пейзажей, работал с Адамсоном, фотографом и печатником, между 1843 и 1847 годами, чтобы сделать более 1500 портретов людей в Ньюхейвене, небольшой британской рыбацкой деревушке. Некоторые критики того времени сравнивали портреты с портретами Рембрандта. Позднее Альфред Штиглиц назвал Хилла «отцом живописной фотографии» и представил его и Адамсона фотографии в своих публикациях и в Маленьких галереях Фото-Сецессиона в 1906 году.

Собрание Альфреда Штиглица | Пикториализм

Международное движение, известное как пикториализм, представляло как эстетику фотографии, так и набор принципов о роли фотографии как искусства.Пикториалисты считали, что фотографию следует понимать как средство личного самовыражения наравне с другими видами изобразительного искусства. Отвечая и на новых фотоаппаратов Kodak, и на шаблонных коммерческих фотографов, пикториалисты с гордостью называли себя настоящими любителями — тех, кто занимался фотографией из любви к искусству.

Пикториализм возник в конце девятнадцатого века и процветал в течение нескольких десятилетий после этого. Вдохновленные теориями таких художников, как Генри Пич Робинсон (который выступал за композиционные методы, согласованные с академической живописью) и Питер Генри Эмерсон (который продвигал натуралистическую фотографию с областями рассеянного фокуса), пикториалисты также обращались к ранним фотографам Джулии Маргарет Кэмерон и Дэвиду. Октавиус Хилл как пробные камни.

Для дальнейшего признания фотографии как искусства, пикториалисты воспользовались живописными качествами медиума. Они часто предпочитали романтические или идеализированные образы документации современной жизни, приветствуя художественную композицию и мягкий фокус. Они трудились в темной комнате над созданием уникальных произведений искусства, используя трудоемкие процессы, такие как печать бихроматом камеди и фотопечать, которые показывали руку художника. Они очень заботились о том, как будут представлены их работы, размещая свои фотографии на слоях тонированной бумаги и давая советы по их обрамлению и вывешиванию на выставках.

Движение включало слабосвязанные операторские клубы и общества в Европе, США и Австралии. Такие организации, как Братство Связанного Кольца в Англии (основано в 1892 году) и Фото-Сецессион Альфреда Штиглица в Нью-Йорке (образовано в 1902 году) организовывали международные салоны и выставки, публиковали портфолио и журналы и разработали влиятельный эстетический дискурс о фотографии. Это движение пошло на убыль на заре Первой мировой войны — Связанное кольцо распалось в 1910 году, и Штиглиц, тяготевший к прямой фотографии, опубликовал последний выпуск своего журнала Camera Work в 1917 году, хотя более мелкие общества поддерживали идеи пикториализма в течение 1930-х годов. .

Как пикториализм сформировал фотографию и фотографов?

Тревожный вопрос о легитимности фотографии как жанра изобразительного искусства задается снова и снова на протяжении последних 200 лет. Действительно ли фотография заслуживает того, чтобы ее считали столь же ценным, как и живопись? Многие критики современного искусства до сих пор расходятся во мнениях, когда дело доходит до этого спорного вопроса, впервые поставленного в начале 19 века живописцами. Пикториализм как направление в искусстве был наиболее сильным с 1885 по 1915 год. ^[1] , но он оставался незначительно активным даже в 1940-х годах из-за своей манящей природы, которая оставалась популярной среди фотографов 20-го века. Хотя точного определения пикториализма нет, его лучше всего описать как фотографический подход , сфокусированный на красоте предмета и совершенстве композиции, а не на документации мира как такового. Имея это в виду, неудивительно, что фотохудожники первыми серьезно задумались о художественной ценности фотографии.Они приложили все усилия, чтобы привнести некое потустороннее чувство в ранее не романтическую и строго объективную среду фотографии.

Слева: Элис Ботон — Рассвет, 1909/ Справа: Эдвард Штайхен — Флэтайрон-билдинг, 1904 — через wikimedia.org

Краткая история пикториализма

Пикториализм получил свое название от Генри Пич Робинсон, британского автора книги «Эффект изобразительного искусства в фотографии » (1869), которая оставалась одним из самых влиятельных произведений XIX века по фототехнике и эстетике.Основная цель Робинсона состояла в отделении фотографии как вида искусства от фотографии, используемой для различных научных и документальных целей . ^[2] Другой британский фотограф той же эпохи по имени Питер Генри Эмерсон также искал способы подчеркнуть личное самовыражение в фотографии, а не просто объективность. Его работы были посвящены в основном съемке пейзажей и воссозданию атмосферных эффектов в природе. Однако только в начале 1900-х годов изобразительное искусство начало распространяться и набирать популярность.Это произошло благодаря доступности ранних фотоаппаратов Kodak , а также усилиям Альфреда Штиглица , известного американского художника, собравшего группу коллег-художников. Группа создала собственное фотографическое движение под названием photo-secession , и его основной целью было продвижение фотографии как средства, столь же выразительного и значимого, как живопись. Подход Стиглица к фотоизображению был первым в своем роде, поскольку он уделял много внимания композиции , цвету и тональности , всегда пытаясь запечатлеть что-то за пределами обычной реальности и ближе к царству сказочного.Вместе с другими живописцами, такими как Эдвард Штайхен и Кларенс Уайт, Штиглиц внес свой вклад в радикальное изменение восприятия фотографии, а также подготовил почву для огромных продаж этих потусторонних произведений искусства, которые имели место более века спустя. Собственно, один из важнейших моментов в истории пикториализма случился в 1910 году, когда галерея Олбрайт в Буффало купила у Штиглица 15 фотографий. Это был первый раз, когда галерея признала ценность фотографии , и такой подход инициировал мощные изменения, которые затронули многих коллекционеров произведений искусства и учреждения.

Анри Пич Робинсон — Угасание, 1858 — изображение с wikimedia.org

Альтернативные процессы печати в пикториалистической фотографии

Пикториалисты, в отличие от большинства так называемых фотографов-натуралов, были известны скрупулезными экспериментами с самыми разнообразными печатными процессами . Раньше они начинали свою обширную обработку с обычной стеклянной пластины или негатива, но, следовательно, они оставались сосредоточенными на выборе фотобумаги и химических процедур, способных усилить или уменьшить определенные эффекты.По той же причине некоторые фотохудожники использовали специальные линзы для получения более мягких изображений , но смягчение фокуса во время постобработки, безусловно, было наиболее распространенной практикой. Известно, что многие из этих революционных художников использовали довольно альтернативные методы печати, которые обычные фотографы считали слишком сложными или просто ненадежными. Например, фотохудожники очень любили использовать бихромат камеди — это была необычная стратегия, которая включала в себя несколько слоев химических веществ и приводила к живописному изображению, напоминающему акварельные картины.Еще одна излюбленная процедура художников-фотохудожников — масляный отпечаток , который был весьма полезен, поскольку позволял фотографам быть избирательными и манипулировать более светлыми областями печати, сохраняя при этом более темные части нетронутыми. Помимо этих маргинальных подходов, фотохудожники полагались на более общие, но достаточно художественные методы, такие как цианотипия или платиновый принт.

Элиас Гольденски — Портрет трех женщин, 1915 — изображение через georgetowner.com

Фотографы в стиле пикториалистики — Известные фотографы

Хотя первые пионеры, такие как Уильям Генри Фокс Талбот, делали «художественные» снимки сеновалов, например, которые, возможно, могли бы считаться пикториалистическими из-за их особой эстетики, их, тем не менее, провозгласили «документальными» — потому что фотография использовалась только для это просто увековечить то, что нас окружает, и не более того.Поэтому, когда изобразительное искусство как движение провозгласило своей целью подражать искусству , это было очень насмешливое заявление. Художники уже считали фотографический носитель заклятым врагом, потому что он отнял у них популярность во второй половине XIX века, а теперь пытается «украсть» художественное чутье и у их работ. Но фотография просто пыталась доказать, что, несмотря на то, что камера оказывала большую техническую помощь при съемке изображений, все это все еще требовало человеческого вмешательства, чтобы выйти на новый уровень.Работы фотографов-фотохудожников намеренно выглядели как картины и рисунки углем, потому что они отчаянно хотели, чтобы их признали чем-то большим, чем просто щелчок затвора — и в конечном итоге так оно и было, благодаря своим новаторским создателям.

Видео — разница между живописцами и фотографами-реалистами

Джулия Маргарет Кэмерон

Впервые представленная фотоаппарату в возрасте 48 лет, Джулия Маргарет Кэмерон занималась фотографией одиннадцать лет своей жизни в середине XIX века, но ее прекрасные работы были обнаружены только через восемьдесят лет после нее. смерть.Возможно, она была одним из первых практиков фотохудожников, вдохновленных работами известных художников на создание некоммерческого портретного искусства. Фотографии Джулии Маргарет Кэмерон — это визуальная поэзия, рассказывающая о женственности в викторианскую эпоху, и многие из ее фотографий были «инсценированы», как в съемках фильма, либо в качестве книжных иллюстраций, либо для чистого личного удовольствия. Они источают невинность, молодость, дух, благодаря которому она стала одним из самых важных участников раннего пикториализма и одним из самых важных художников в Британии того времени.

Слева: Джулия Маргарет Кэмерон — Ангел Рождества, 1872/ Справа: Джулия Маргарет Кэмерон — Кончина Артура, 1875

Роберт Демаки

На первый взгляд композиции Robert Demachy очень похожи на рисунки углем, но на самом деле это фотографии, тщательно обработанные для создания такого визуального впечатления. Выдающийся живописец начала 20 века, французский художник был также директором Парижского фотоклуба, французского параллельного американского фото-сецессиона, а также Венского Клееблатта и Британского братства Связанного кольца.Его картины не могли быть дальше от моментальных снимков, поскольку они были созданы с использованием возрожденных нестандартных фотографических процессов, таких как бихромат камеди, который позволяет художникам раскрашивать и наносить мазки на изображение. Роберт Демаши также много писал о фототехнике и эстетике, в том числе шесть книг и более тысячи статей.

Слева: Роберт Демаши — Борьба, 1904/ Справа: Роберт Демаши — Nu drapé voile bleu, деталь, приблизительно 1907-15 гг.

Альфред Штиглиц

Он был фотографом, торговцем произведениями искусства, издателем и писателем. Альфред Штиглиц , несомненно, самая важная фигура в фотографии на рубеже веков. Благодаря его усилиям фотография была поднята до статуса искусства, как благодаря его фотографиям, созданным с точки зрения опытного художника, так и благодаря его роли владельца журнала Camera Work и известной 291 Gallery в Нью-Йорке. , который с большим энтузиазмом продвигал фотоотделение. Альфред Штиглиц твердо поддерживал мастерство и, вместо того, чтобы сосредоточиться только на производстве своих платиновых отпечатков определенным образом, ему удалось получить потрясающие визуальные эффекты, включив в свои композиции такие элементы, как дождь, снег и пар, чтобы создать тот настоящий живописный образ, который оказал большое влияние на мир искусства в целом.

Альфред Штиглиц — Ночные размышления, 1897

Эдвард Штайхен

Фотограф и художник, Эдвард Штайхен был близким соратником Альфреда Штиглица и влиятельным современным художником. Он также практиковался и продвигал фотосъемку и прославился серией портретов таких знаменитостей, как JP Morgan в 1903 году. Один из его самых известных отпечатков — 1904 The Pond — Moonlight , в частности, из-за имитации цветового эффекта, вызванного позднее нанесение на поверхность светочувствительных десен.Хотя Эдвард Стейхен переключился на реалистическую фотографию после Великой войны и даже стал самым высокооплачиваемым коммерческим фотохудожником в мире, его живописные образы остаются очень влиятельными. Частично он был вдохновлен картинами Уистлера « Ноктюрн », например, а также японскими гравюрами укиё-э. Он также был директором Департамента фотографии Нью-Йоркского музея современного искусства.

Эдвард Стайхен — Пруд, лунный свет, 1904

Кларенс Х. Уайт

Еще одним художником, делающим заметки у известных художников, был Кларенс Х.Белый , педагог и один из ведущих художников-живописцев. Он был создателем элегантных, идиллических и интимных этюдов друзей и семьи, используя естественный свет для пробуждения сентиментальности в духе модерна и японского искусства. Он также был одним из основателей Photo-Secession, а в 1914 году он также основал Школу фотографии Кларенса Х. Уайта ^[3] , первое учебное заведение в Америке, где преподают чудеса медиума как формы искусства. Пока он не умер от сердечного приступа во время преподавания, он продолжал продвигать художественную фотографию через уроки, выставки и ассоциации с художественными руководителями.Его тонкие световые эффекты и нежный сюжет стали олицетворением пикториалистского подхода и помогли определить большую часть современной фотографии.

Слева: Кларенс Х. Уайт — Утро — Ванная, 1908/ Справа: Кларенс Х. Уайт — Утро, 1905 год

Ф. Холланд Дэй

В то время как другие пионеры живописи в основном фотографировали пейзажи, F. Holland Day сосредоточился на портретной живописи и автопортрете, а не только на каких-либо видах. Фактически, его можно было считать отцом концептуального искусства в фотографии, поскольку его работы — и его жизнь — были довольно противоречивыми.Его объектами часто были обнаженные молодые люди в разных условиях и позах, и когда он не фотографировал других, он фотографировал себя, как никто иной, как Иисус Христос. Ф. Холланд Дэй сделал целых 250 негативов, показывающих сцены из жизни Спасителя, от Благовещения до Воскресения, за что он себя голодал, отпустил бороду и даже привез из Сирии ткань и крест. Согласно The Met Museum ^[4] , он использовал фотографию для священных предметов как вопрос художественной свободы.

Слева: День Фреда Холланда — Семь слов, 1898/ Справа: День Фреда Холланда — Молодежь, сидящая на камне (Никола Джанкола), 1907 год

Адольф де Мейер

Сесил Битон назвал «Дебюсси фотографии» , Адольф де Мейер был наиболее известен как первый официальный модный фотограф американского журнала Vogue, для которого он работал с 1913 по 1921 год. Были созданы великолепно освещенные работы, которые лучше дополняли его знаменитые модели, среди которых были такие знаменитости, как Энн Пеннингтон, Ирен Кастл, Мэрилин Миллер, Луиза Казати и сама королева Мэри.Таинственный и экстравагантный, Адольф де Мейер создавал образы, которые в некоторых случаях очень напоминали портретные картины старых мастеров, задавая стандарты элегантности и класса в модной фотографии, которые все еще будут иметь значение гораздо позже, даже несмотря на то, что его пикториалистические тенденции, по иронии судьбы, устарели. к 1930-м годам.

Барон Адольф де Мейер — Неопубликованное исследование моды для Vogue, 1919 год

Гертруда Кезебир

Хотя формально она изучала рисунок и живопись, Гертруда Кезебир была одержима фотографией, что в конечном итоге привело ее к тому, что она стала одной из первых признанных и признанных женщин-фотографов-искусствоведов в истории.Она прекрасно осознавала этот факт, поскольку поощряла других женщин воспринимать эту технику как нормальную карьеру в то время, когда женщины еще даже не имели права голоса. За свою долгую и продуктивную жизнь она создала множество запоминающихся образов материнства с изображением ее семьи и друзей, а также ярких портретов коренных американцев. Гертруда Кезебир была хорошо известна в кругу художников-пикториалистов, ее работы выставлялись на крупных выставках и даже продавались за 100 долларов — рекорд, который не был побит в течение следующих пятидесяти лет.

Слева: Гертруда Кезебир — жена американского коня, Дакота Сиу, около 1900/ Справа: Гертруда Кезебир — Мисс N (Портрет Эвелин Несбит), 1903 год

Генрих Кюн

Генрих Кюн был описан The New York Times как «один из великих помешанных на контроле медиума» , в основном из-за рутины, которую он выполнял, фотографируя свою семью. ^[5] Он делал наброски места, выбирал одежду и позы и ждал подходящего освещения вместе со своими моделями.Возможно, именно из-за такой самоотдачи он также считается одним из самых важных художников-пикториалистов, известных своими работами, очень напоминающими картины импрессионистов своим мягким фокусом и тональностью. Генрих Кюн также был изобретателем нескольких техник печати, таких как Gummigravüre, в котором сочетаются фотогравюра и бихромат камеди, Leimdruck, в котором используется клей животного происхождения, и Syngraphie, который состоит из двух негативов разной чувствительности, обеспечивающих более широкий тональный спектр.

Слева: Генрих Куэн — Мэри Уорнер и Эдельтруда на краю холма, ок. 1910/ Справа: Генрих Куэн — Эдельтруда и Лотте, 1912-13 гг.

Элвин Лэнгдон Коберн

И последнее, но не менее важное: у нас есть великолепный Alvin Langdon Coburn , первооткрыватель многих вещей в фотографии, как в среде, так и в технике. ^[6] Любопытный экспериментатор, он был опытным фотографом к восьми годам, и его более поздний стиль находился под влиянием рисунков тушью японского мастера Сэссю.После своих первых открытий в области беспредметной фотографии он начал создавать вортографы, как он их называл, ассоциируя их с группой английских вортицистов. Фактически, Элвин Лэнгдон Кобурн был первым, кто предоставил изображения, которые были полностью абстрактными, и даже после небольшого перерыва в работе камеры между серединой 1920-х и 1950-ми годами он продолжал делать загадочно неоднозначные фотографии. Он также является автором культовых портретов Генри Джеймса и Огюста Родена 1906 года.

Слева: Элвин Лэнгдон Коберн — Осьминог, Мэдисон-Сквер-Парк, 1909/ Справа: Элвин Лэнгдон Коберн — Вортограф, 1917 год

Длительное влияние пикториализма

В конце 1920-х годов модернизм стал преобладающим , и привлекательность пикториализма постепенно устарела, хотя никогда полностью не угасала. Фактически, за последние 100 лет фотография претерпела значительные изменения в способах ее создания и восприятия.Благодаря всем доступным технологическим достижениям фотография стала наиболее распространенной художественной средой, и все ее подкатегории претерпели определенное возрождение или переопределение. Как и в начале 19-го века, мы должны снова задать аналогичные вопросы, на этот раз относящиеся к значению художественной достоверности в массовом производстве . В настоящее время у нас есть множество цифровых художников, имитирующих работы художников-пикториалистов с помощью сюрреалистических портретов и пейзажей, но какова реальная ценность таких работ, несмотря на их растущую популярность?

Хэл Мори — Центральный вокзал, 1930

Нео-пикториализм

Несмотря на то, что есть современные фотографы, которые подпадают под недавно созданную категорию неопикториализма , акцент в их работе делается просто на эстетике, без какого-либо участия в художественной активности, которая имела решающее значение для первоначального движения фото-сецессиона. .Однако, благодаря более традиционным или, возможно, более ностальгическим художникам из числа неопикториалистов, в 60-е и 70-е годы наблюдался рост числа альтернативных процессов на . Например, Адольф Фассбендер, фотограф 20-го века из Германии, представленный престижной галереей Говарда Гринберга в Нью-Йорке, продолжал делать живописные фотографии старой школы даже в конце 1960-х годов. Фассбендер просто считал, что изобразительность должна длиться вечно, потому что она основана на универсальной красоте . Нет никакого решения в попытках искоренить пикториализм, так как тогда нужно было бы разрушить идеализм, сантименты и все чувства искусства и красоты. , заявил немецкий художник.

Адольф Фассбендер — Вперед, 1937 — изображение с flickr.com

Тонкость против манипуляции

Возрождение пикториализма в 1960-е гг. Продолжилось применением техники шелкографии для фотографий и, наконец, привело к появлению цифровых изображений, типичных для 21-го века. Сильное наследие пикториализма все еще можно увидеть во многих сферах фотографии в наши дни — например, поэтические композиции, которые когда-то были зарезервированы для пикториализма, можно найти в документальных работах основных фотографов, таких как Стив МакКарри, или даже в высоком разрешении. конец моды портретной живописи.Хотя это правда, что цифровые манипуляции заменили некоторые методы, использовавшиеся еще в начале 20-го века, и большинство современных фотографов не разбираются в тонкостях традиционных фотографических процессов, человеческое желание воспевать все формы красоты через идеально составленные сказочные фото еще осталось. Возможно, Штиглиц, отец пикториализма, объяснил это лучше всего, когда сказал, что в фотографии есть реальность настолько тонкая, что она становится более реальной, чем реальность.

Автор Жаклин Клайд и Энджи Кордик .

Совет редакции: TruthBeauty: Живопись и фотография как искусство, 1845-1945 гг.

TruthBeauty содержит 121 потрясающую работу известных художников, включая Джулию Маргарет Камерон, Элвина Лэнгдона Кобурна, Роберта Демахи, Питера Генри Эмерсона, Гертруду Кезебир, Генриха Кюна и Альфреда Штиглица. В совокупности собранные работы прослеживают эволюцию пикториализма на протяжении трех десятилетий, в течение которых он преобладал.Это единственное собрание фотографий художников-пикториалистов художников из Северной Америки, Великобритании, континентальной Европы, Японии и Австралии в одном издании. Научные очерки и подборка исторических текстов художников-пикторалистов завершают этот богатый обзор первого поистине международного художественного движения.

Артикул:

1. Аноним, Пикториализм , Британика
2. Аноним, Пикториализм и фото-сецессион , Фотогравюра
3. Хостетлер Л.(2004), Международный пикториализм , Метрополитен-музей
4. Фултон М., Пикториализм в модернизм: Школа фотографии Кларенса Х. Уайта , Rizzoli International Publications, 1996
5. Розенберг К., Один из первых последователей фотографии встречает большие шансы , The New York Times
6. Анкеле Д., Анкеле Д., Элвин Лэнгдон Коберн — Пикториалистическая фотография — Пикториализм, Анкеле Паблишинг, ООО, 2011

Представленные изображения в слайдере: Элвин Лэнгдон Коберн — Бруклинский мост, 1911 год; Питер Генри Эмерсон — Жизнь и пейзаж на Норфолкских бродах, 1885-86; Роберт Демаши — Скорость, 1904; Гертруда Кезебир — Амос Два Быка, Дакота Сиу, ок.1900; Эдвард Штайхен — Бальзак, Силуэт, 4 утра, 1908. Все используется только в иллюстративных целях.

Что такое пикториализм в фотографии?

Рука человека, 1902 год, Альфред Штиглиц

Спустя десятилетия после своего изобретения в 1830 году фотография использовалась в основном для создания научных и репрезентативных изображений и была прерогативой богатой элиты.Пикториализм был движением, которое процветало между 1885 и 1915 годами и возникло в ответ на заявления о том, что фотография — не что иное, как простая запись реальности. Он превратился в международное движение выставочных обществ фотографии, чтобы продвинуть статус фотографии как истинного вида искусства и иметь такой же статус, как картины и скульптура.

Железнодорожный двор, зима 1903 года Альфреда Штиглица

Фотографы-пикториалисты подходили к фотоаппарату как к инструменту, который, как кисть или зубило, можно использовать для художественного выступления.Они стремились сделать фотографию средством массовой информации и добиться признания ее в художественных музеях и галереях. Прежде всего, их фотографии ставили красоту предмета, тональности и композиции выше, создавая точную визуальную запись.

Роден Ле Пенсер 1902 Эдвард Стейхен

Пикториализм имел свои корни в Англии до 1890 года, когда его центр переместился в Нью-Йорк, где он сосредоточился вокруг Альфреда Штиглица (1864-1946), самого влиятельного фотографа-любителя своей эпохи и жизненно важной силы в развитии современного искусства в Америке.К 1900 году пикториализм распространился по всем странам мира, где группы фотографов основали свои собственные выставочные общества. Двумя наиболее активными обществами были Братство связанных колец (основанное в 1892 году) в Англии и Photo Secession (основанное в 1902 году) в США.

Каковы характеристики пикториалистических фотографий?

Фотографы-пикториалисты были в ужасе от растущего использования фотографии в науке и промышленности, а также от массовых снимков по выходным, появившихся после появления фотоаппарата Kodak в 1888 году, который продавался под лозунгом «Знать фотографию не нужно; вы нажимаете кнопку, остальное делаем мы.«Они хотели, чтобы фотография была изобразительным искусством, а не коммерческой деятельностью, которой мог бы заниматься каждый. С этой целью они сознательно использовали сложные и длительные процессы печати, такие как фотогравюра, с использованием таких веществ, как углерод, камедь, платина и бромойль, для обогащения своих отпечатков и тонирования для добавления цвета — большинство из которых приводило к тому, что отпечатки выглядели привлекательно размазанными и бархатистыми, например рисунки углем или литографии. Они сделали изготовление фотопечати вручную намного ближе к созданию картины.

Утро 1908 года Кларенс Уайт

Как правило, графическая фотография имела мягкий фокус, была напечатана одним или несколькими цветами, отличными от чисто черного и белого (от теплого коричневого до темно-синего), и могла иметь видимые мазки кисти или другие манипуляции с поверхностью. Для живописца фотография, так же как картина, рисунок или гравюра, была способом проецирования эмоционального намерения в царство воображения зрителя.Художники стремились привнести в фотографию импрессионистические качества живописи 19 ^— веков, делая акцент на атмосферных элементах картины, используя расплывчатые формы, мягкие края и приглушенные тона. Художники часто работали ночью, в тумане или в снежную погоду, используя мягкофокусные линзы с марлей или холстом (ткань с открытым переплетением), чтобы размыть изображения. Пикториалистические гравюры были темнее, чем мы привыкли видеть сегодня, и отличались приглушенными бликами.

Кто были самыми выдающимися фотографами-пикториалистами?

Англия имела самые давние традиции живописной фотографии и до 1890 года была основной страной, где она практиковалась.В мае 1892 года Генри Пич Робинсон (1830–1901), Джордж Дэвисон (1854–1930) и Генри Ван Дер Вейде (1838–1924) создали группу фотохудожников в выставочном обществе, ранее известном как Братство связанных колец .

В 1902 году Альфред Штиглиц сформировал из американских фотографов-пикториалистов группу под названием « Photo Secession ». Основную группу составили Альфред Штиглиц (1864-1946), Элвин Лэнгдон Коберн (1882-1966), Фредерик Холланд Дэй (1864-1933), Фрэнк Юджин (1865-1936), Гертруда Кезебир (1852-1934), Эдвард Стейхен (1879). -1973) и Кларенс Уайт (1871-1925).

Связанное кольцо было одной из череды подобных групп в Париже, Берлине, Брюсселе и Гамбурге. Верный своим масонским корням, членство было только по приглашению, «тем, кто заинтересован в развитии высшей формы искусства, на которое способна фотография». Все члены были мужчинами, пока в 1900 году не была приглашена Гертруда Кезебир. Проводя ежегодную выставку с 1893 года и публикуя журнал с 1896 по 1909 год, Linked Ring оказала долгосрочное влияние на фотографию.

Старый порядок и новый, 1885 год Питер Генри Эмерсон

Питер Генри Эмерсон (1856-1936) был сторонником избирательной фокусировки, при которой глубина резкости ограничивалась основным объектом. Он считал, что большая глубина резкости, в которой все четко прописано, приводит к пространственно мрачным результатам.

Деревня под Саут-Даунс, 1901 год Джордж Дэвисон

Джордж Дэвисон (1854-1930) пошел дальше в Village Under The South Downs, 1901 , когда в этом романтическом и импрессионистском видении сельской Англии ничто не находится в четком фокусе, а размытое качество усиливается за счет печати на грубой текстурированной бумаге.

Весенние дожди, 1900 год Альфреда Штиглица

Альфред Штиглиц (1864-1946) исследовал ночные улицы Нью-Йорка, часто фотографируя во влажных туманных условиях, например, в «Весенних ливнях », 1900 г. . Композиция этого изображения демонстрирует влияние японского искусства, которое тогда было очень популярно, и было напечатано на толстом полупрозрачном японском пергаменте.

Какие фотографии были самыми важными?

Альфред Штиглиц, Элвин Лэнгдон Коберн и Эдвард Штайхен были одними из самых активных фотографов эпохи пикториализма.Штиглиц был движущей силой, и его значимость заключается в его работе как арт-дилера, организатора выставок, галериста, издателя и писателя. Кульминационным моментом для фотографии стал 1910 год, когда галерея Олбрайт в Буффало, штат Нью-Йорк, приобрела 15 фотографий из галереи 291 Штиглица. Впервые фотография была официально признана видом искусства, достойным музейной коллекции, и это означало определенный сдвиг в мышлении многих людей.

Отражения, Нью-Йорк 1898, Альфред Штиглиц

Стиглиц использовал природные элементы, такие как дождь, чтобы объединить свои композиции.В этом исследовании свет, отражающийся от мокрого тротуара, создает мерцающий фон для силуэтов деревьев. Его заявленная цель заключалась в том, чтобы создать видение Нью-Йорка, которое было бы таким же красивым для своих граждан, как Париж для парижан.

Когда был период пикториализма в фотографии?

Пикториализм был одним из самых интересных периодов в истории фотографии и явился кульминацией споров, которые бушевали во второй половине 19 века о том, можно ли ценить фотографии как искусство — точно так же как живопись, так и скульптура.Различия между прямыми и обработанными фотографиями обсуждались почти с религиозным рвением — казалось, что на карту поставлено будущее самой фотографии. Реальные или ненастоящие, живописные или ненастоящие, искусство или просто наука — такие темы вызвали жаркие споры.

Движение достигло своего расцвета между 1880 и 1915 годами, когда по всему миру были созданы выставочные общества и галереи фотографий, кульминацией которых стало приобретение фотографий несколькими крупными художественными музеями, что стало знаковым моментом для СМИ.

Но Первая мировая война изменила все, и популярность живописи после 1920 года постепенно уменьшалась. По мере того как суровые реалии войны затрагивали людей во всем мире, вкус публики к искусству прошлого начал меняться. Развитые страны все больше сосредотачивались на промышленности и росте, и искусство отражало это изменение, показывая резкие изображения новых зданий, самолетов и промышленных ландшафтов. В этот период вошел в моду новый стиль модернизма, и интерес публики сместился к более резким изображениям.

The Steerage, 1907 год Альфреда Штиглица

Ближе к концу своей жизни Штиглиц писал: «Если бы все мои фотографии были потеряны, а меня запомнили только за The Steerage 1907, , я был бы доволен». Отправленный в путешествие по Европе в 1907 году на SS Kaiser Wilhelm II, одном из самых роскошных лайнеров того времени, Штиглиц и его семья путешествовали первым классом. Штиглиц рассказал, что, исследуя корабль, он видел, как люди из класса штурмана наслаждаются свежим воздухом.Он бросился обратно в свою каюту, загрузил в камеру один неэкспонированный стеклянный негатив, который у него был, вернулся к месту и сделал снимок.

The Steerage, 1907 год был поворотным моментом в размышлениях Штиглица о среде фотографии. Вместо того, чтобы стремиться воссоздать идеалы изобразительного искусства прошлого, он переключился на модернистские ценности, с нетерпением ожидая эпохи машин, строительства и науки (которые наступят в конце Первой мировой войны). Визуальный контраст между верхней и нижней палубами, запечатленный модернистской структурой пешеходных дорожек и дымохода, буквально разделяет социальные классы.Фотография как своего времени, так и далеко впереди, предвосхищая пространственно артикулированные документальные фотографии Анри Картье-Брессона (1908–2004) и Себастьяна Сальгадо (1944 г. р.).

Это интересно? Пожалуйста, оставьте свои комментарии ниже…

Об авторе

Люк Уитакер

Истина и красота: пикториализм и фотография как искусство

О выставке

Фотографический пикториализм, международное движение, философия и стиль, развившиеся к концу XIX века.Внедрение процесса сухой пластины в конце 1870-х годов и камеры Kodak в 1888 году сделало фотосъемку относительно простой, и фотография получила широкое распространение. Фотографы-пикториалисты выделяются из рядов начинающих фотографов-любителей, демонстрируя, что фотография способна гораздо больше, чем буквальное описание объекта. Благодаря усилиям художественных организаций, публикаций и выставок фотография была признана формой искусства, и идея гравюры как тщательно созданного уникального объекта, равного картине, получила признание.

Предшественниками пикториализма были ранние фотографы, такие как Генри Пич Робинсон и Джулия Маргарет Кэмерон. Робинсон черпал вдохновение в жанровой живописи; Нечеткие портреты и аллегории Кэмерона были вдохновлены литературой. Подобно Робинсону и Кэмерону, фотохудожники делали фотографии, которые больше походили на картины и рисунки, чем на работы коммерческих портретистов или любителей. Пикториалистические изображения сильно зависели от искусства тонкой печати. Некоторые фотографы, такие как Фредерик Х.Эванс, мастер платиновой печати, представил свои работы в виде рисунков или акварелей, украсив свои оправы линейчатыми краями, заполненными акварельной стиркой, или напечатав на текстурированной акварельной бумаге, как австрийский фотограф Генрих Кюн. Кюн добился живописных эффектов, используя кисть художника для манипулирования акварельным пигментом вместо серебра или платины, смешанных со светочувствительным гуммиарабиком.

Идея о том, что основной целью фотографии было личное выражение, лежала в основе движения «сецессионистов» изобразительного искусства.«Фото-сецессион» Альфреда Штиглица был самой известной сепаратистской группой. Штиглиц и его журнал « Camera Work » с его высококачественными фотогравюрными иллюстрациями выступали за признание фотографии как изобразительного искусства.

В начале 20 века пикториализм начал уступать позиции модернизму: в 1911 году журнал « Camera Work » опубликовал рисунки Родена и Пикассо, а в его последнем выпуске в 1917 году были представлены модернистские фотографии Пола Стрэнда. Тем не менее пикториализм продолжал жить.Вторая волна фотохудожников включала Кларенса Х. Уайта, среди учеников которого были такие фотографы, как Маргарет Бурк-Уайт, Пол Аутербридж и Дороти Лэнг. Коллега Уайта, Пол Андерсон, продолжал изобразительную традицию до своей смерти в 1956 году. На пяти отпечатках его Vine in Sunlight , 1944 год представлены пять различных техник печати, демонстрирующих, как каждый процесс тонко формирует реакцию зрителя на изображение.

Организаторы: Международный музей фотографии и кино «Дом Джорджа Истмана» и Художественная галерея Ванкувера.

Движение, породившее современную фотографию

«Призрак» Питера Лика, самая дорогая фотография из когда-либо проданных, через

«Является ли фотография искусством?» Спустя почти 200 лет после появления медиа критики все еще набрасываются друг на друга из-за этого стойкого вопроса. Споры о легитимности фотографии как формы изобразительного искусства, впервые поставленные в начале 19 века пикториалистами, будут продолжаться до тех пор, пока существует сама среда, а ее инструменты — и, следовательно, ее продукты — будут продолжать меняться с изменениями в технологиях.С Instagram, выпускающим более 40 миллионов фотографий в день, 400 миллионами ежедневных снимков Snapchat и повсеместным распространением цифровой фотографии, возникает вопрос не только о том, является ли фотография искусством, но может ли кто-нибудь это сделать?

Движение пикториализма началось в 1902 году, почти через 15 лет после того, как Kodak выпустила первую камеру для «моментальных снимков» и определила фотографию как инструмент для документирования. Вдохновленный созданием «мгновенной» фотографии, Альфред Штиглиц, американский фотограф, который всю свою жизнь отстаивал фотографию как форму искусства, собрал группу других фотографов-единомышленников.В знак уважения к британской группе фотографов, сепаратистам, они сформировали американский аналог, фото-сецессион, предложив обществу рассматривать фотографию как средство столь же творчески выразительное, как и живопись.

Пикториалистическая фотография была известна своей потусторонней эстетикой. Его художественный подход к фотографическому изображению был первым в своем роде, с упором на композицию, цвет и мастерство фотографа. Многие художники-иллюстраторы использовали альтернативные процессы, такие как бихромат камеди — процесс печати, который включает в себя несколько слоев светочувствительных химикатов на акварельной или печатной бумаге, что обеспечивает живописное качество изображения — для проявления своих фотографий в ответ на стандартизованный способ печати, который фотография была сделана с растущей империей Kodak.Работы фотографов-пикториалистов, таких как Эдвард Стейхен, Кларенс Уайт и Альфред Штиглиц, подготовили почву для просмотра фотографии через призму изобразительного искусства и проложили путь для астрономических продаж более века спустя.

Но за последние 100 лет фотография в очередной раз отошла от эстетики, выдвинутой пикториалистами. Мало того, что оно пережило рост и изменение, как и любая другая форма искусства, от импрессионистических образов ранних работ Стиглица до реализма Уокера Эванса и остроумных абсурдистских откровений Эллиота Эрвитта, но и сама среда претерпела существенные изменения в своем творчестве. способ производства его продукта.

Благодаря широко распространенным технологическим инновациям фотография стала, пожалуй, самым распространенным художественным средством — массовым производством с беспрецедентной скоростью. Мы снова сталкиваемся с назревшим вопросом о художественной значимости массового производства. Штиглиц мог бы возразить, что фотография 21 века стала размытой из-за ее распространения, и он был прав. Но действительно ли преобладание фотографии умаляет ее художественную целостность?

Фотографический критик Шон О’Хаган утверждает, что это не так.В своем блестящем опровержении идеи своего коллеги о том, что фотография — это не искусство, он заявляет: «Фотография такая же яркая, как и когда-либо, — особенно в ответ на цифровой мир, который, как ошибочно считает Джонатан, сделал всех великими фотографами. t. Благодаря ему людям стало легко делать — и распространять — фотографии, вот и все. Хороший фотограф может сделать отличную фотографию независимо от камеры. все для тебя.Речь идет о способе видения, а не о технологиях ».

Хотя есть современные фотографы, которые попадают в категорию, условно называемую неопикториализмом, акцент делается на эстетике, и ни один из активистов не был столь неотъемлемой частью фото-сецессиона. Спустя столетие после борьбы за легитимность фотография теперь возвращается к своим истокам с ростом традиционных и альтернативных процессов через такие компании, как Impossible Project и Lomography, стремящиеся вернуть аналоговую фотографию и оставить позади безумство и немедленное удовлетворение цифровой фотографии. примерно так же, как пикториалисты стремились замедлить фотосъемку своего времени, обращая внимание на бесчисленные возможности среды.

Щелкните здесь, чтобы узнать больше о пикториализме.

Связано:

Оригинальные создатели: Новое видение Ласло Мохоли-Надя

Цифровая темная комната: краткое руководство по фотографии с наклоном / сдвигом

Оригинальные создатели: конструктивист Александр Родченко

.