Пикториальная фотография это: Пикториальная фотография — стилизация или искусство?

Содержание

Пикториальная фотография — стилизация или искусство?

Пикториальная фотография (от английского слова pictorial — живописный) – это направление в художественной фотографии, появившееся в конце XIX – начале XX веков. Впервые словосочетание «пикториальная фотография» ввел в оборот английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу под названием «Пикториальный эффект в фотографии». В ней, помимо вышеупомянутого словосочетания, также предлагались некоторые советы и эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии. Робинсон, в частности, полагал, что фотограф в своей работе должен подчиняться тем же правилам, что и художник, пользующийся красками и карандашом для создания картины.

Надо сказать, что в конце XIX столетия развитие фотографии пошло по двум направлениям. Это простая бытовая и любительская фотография, преимущественно, со съемкой семейных портретов и пейзажей. Такая работа казалась излишне скучной и неинтересной целому ряду фотографов, поэтому образовалось другое направление фотографии, основанное на творческих экспериментах, использовании различной оптики и возможностях печатных лабораторий для создания настоящих художественных фотографий. Так и появилась на свет пикториальная фотография, сущность которой заключается в заимствовании живописных традиций и изощренных приемов для построения художественной формы фотоизображения.

Представители этого яркого направления пропагандировали подход к фотографии как к одному из видов художественного искусства, очень близкого к живописи. Отличия же фотографии от живописи пикториалисты видели только в технической реализации получения изображения. После нескольких десятилетий забвения пикториальная фотография вернулась в современную фотографическую практику, а значит, есть смысл рассказать о ней более подробно.

Уже на рубеже XIX – XX столетий многие фотографы прекрасно осознавали, что одно только отражение действительности  и документальное сходство не может превратиться в искусство. Поэтому они начали стремиться к тому, чтобы придать своим фотографическим снимкам оттенок загадочности, тайны и выразительности. Благодаря этому зритель мог бы  увидеть в нерезких силуэтах на фотографии определенный художественный подтекст. Такие уникальные фотографические изображения приходилось создавать вручную, поскольку фотохудожники стремились умышленно исказить реальность на снимке и придать ему художественную выразительность.

Для решения этой непростой задачи применялась специальная оптика и разнообразные растворы при проявке негатива для воплощения тех или иных эффектов. Использование красителей и йодида серебра, масляная печать, ретуширование – все это и многое другое входило в арсенал творческих приемов пикториальной фотографии. В основе такого подхода к фотографии лежало распространенное мнение о том, что фотография как искусство должна фиксировать не действительность, а лишь представление о действительности, которое хочет передать зрителю фотограф. Поклонники пикториальной фотографии в своей работе очень часто использовали такую мягкорисующую оптику, как монокль. Это простой однолинзовый объектив, позволяющий добиваться эмоционального восприятия фотографии, особой воздушности и живописности изображения.

Какие особенности имеет пикториальная фотография? В первую очередь, в отличие от обычной фотографии в пикториальной все нацелено на создание определенного художественного эффекта. Для этого фотограф может использовать самые разнообразные приемы, трюки и даже оптические обманы. В целом, пикториальные фотоизображения отличаются размытостью силуэтов и отсутствием резкости деталей, что добавляет сходства фотографии с картинами художников-импрессионистов. Поклонников пикториальной фотографии совсем не интересовали какие-либо социальные темы или реалистичное отображение действительности, их работы несли в себе яркий декоративный эффект и эмоциональность.

Мягкие образы и отсутствие излишних деталей, пожалуй, являются наиболее узнаваемыми чертами пикториальной фотографии. С помощью мягкого фокуса фотографы могут выразить в снимке свои личные чувства и придать ему глубокую эмоциональную выразительность. В пикториальной фотографии, помимо различных художественных эффектов, всегда большое значение имела простота композиции. На снимке все линии и формы снимаемого объекта, свет и тени должны подчиняться основополагающему принципу, заключающемуся в визуальной простоте. Для снижения документальности изображения фотографы применяли особые способы позитивной печати, позволяющие добиться меньшей проработки деталей и полутонов, а также стилизации фотографии под обычный рисунок художника или гравюру.

Пикториальная фотография получила на рубеже XX века большое распространение в Европе, а затем и в России. Появился совершенно новый класс фотографов, называвших себя фотохудожниками. Такие фотохудожники работали преимущественно в жанре портрета, натюрморта и пейзажа, тем самым, еще больше доказывая сходство своих работ с классической живописью. Особое внимание в изображениях фотохудожников уделялось романтическим пейзажам, женской красоте, обнаженной натуре, цветам и предметам домашней утвари, олицетворяющим красоту. Среди российских фотографов того времени, относящихся к направлению пикториальной фотографии, можно отметить А.О. Карелина, А. Мазурина и Н. Петрова. Последний внес огромный вклад в разработку теоретических основ пикториальной фотографии, опубликовав множество интересных работ на английском, русском и немецком языках. Российскую школу пикториальной фотографии всегда отличала утонченная эстетика и разнообразие применяемых творческих приемов.

Но пикториализм как одно из направлений фотографического искусства просуществовал недолго. Стремительное развитие фотографии и появление цветных фотоизображений привело к появлению новых направлений, которые фактически вытеснили пикториализм. Уже к 30-м годам XX столетия пикториальная фотография полностью утратила былую популярность. В нашей стране снижение интереса к пикториализму было продиктовано еще и тем, что пикториальная фотография была объявлена советскими властями антинародной.

Только в начале 2000-х годов у фотографов вновь возник интерес к пикториальной фотографии. Они начали экспериментировать с различными старинными техниками ручной печати, оптикой и ретушированием фотоизображений. Появилось два основных направления пикториализма – первое, основанное на применении оптического оборудования, и второе, предполагающее внесение корректив при проявке и изменение стилистики изображений в фоторедакторах. Конечно, наиболее творческие фотографы пытаются обратиться к опыту прошлого, снимая на камеру с уникальными объективами иногда собственной конструкции. Таким образом, они возрождают забытые технологии и ищут варианты для их современной интерпретации.

Современная пикториальная фотография отличается не сюжетами или темами, а используемыми приемами и техникой, которые превращают обычные фотографии в произведения искусства. Главное для пикториального фотографа – это умение применять те или иные приемы для воплощения своих творческих задумок. Пикториальные фотографии часто печатаются на акварельной бумаге. Это преимущественно однотонные и одноцветные фотоизображения, отличающиеся мягкостью, глубиной и особой эмоциональной выразительностью. На создание и печать одного снимка у фотографа может уйти несколько дней. Ведь при печати изображения фотографы-пикториалисты часто экспериментируют с целым набором химикатов, использование которых помогает превратить простые снимки в настоящие живописные картины.

Несмотря на то, что пикториальная фотография имеет уже более чем столетнюю историю, отношение к ней в фотографической среде остается противоречивым. Кто-то считает ее простой, декоративной  стилизацией под живопись, а кто-то настоящим искусством. Как бы то ни было, одно можно сказать наверняка – пикториальные фотографии пользуются серьезной популярностью у коллекционеров, ведь практически каждое такое фотоизображение создается чуть ли не в единственном экземпляре  посредством уникальной техники обработки негатива.

Источник: Фотокомок.ру – тесты и обзоры фотоаппаратов (при цитировании или копировании активная ссылка обязательна)

Пикториализм в фотографии и его особенности

Пикториализм (или пиктореализм — в специальной литературе можно встретить два варианта написания) представлял собой эстетическое течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. В работах фотографов-пикториалистов заметно влияние австрийского символизма, английского прерафаэлизма, немецкого югендштиля, французского ар-деко и особенно импрессионизма, поэтому пикториализм еще иногда называют фотоимпрессионизмом.

Пикториализм открыл для фотографии различные способы печати изображения, так называемые благородные техники (общее название пигментной и бромомасляной техник). Бромомасляный процесс (Bromoil) заключался в дополнительной обработке позитива, отпечатанного на бромосеребряной фотобумаге. Суть процесса состояла в отбеливании изображения и одновременном дублении фотоматериала биохроматами с последующим нанесением на задубленные участки масляной краски желаемого цвета.

z

O’Keeffe Hands and Thimble. Фото Альфреда Стиглица, 1919 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

z

С появлением нового метода фотографы смогли кисточкой накладывать светочувствительные соли серебра. Фотографии после такой обработки напоминали рисунки, сделанные углем или акварелью. Пигментная печать (chromogenic print) приближала фотоснимок к гравюре. Для получения цветных (пигментных) изображений применялась специальная пигментная бумага, политая желатиновым слоем, содержащим мелко растертый нерастворимый в воде краситель.

Пикториалисты использовали мягкорисующие объективы, дающие изображения пониженного контраста за счет уменьшения их резкости, и монокли, которые позволяли с большей свободой передавать в пейзажах воздушную дымку, морскую даль, придавать расплывчатость рисунку.

Европейские фотографы-пикториалисты стремились поднять светопись до уровня высокого искусства. Деятельность многих известных светописцев была связана с фотографическими клубами. Английский фотограф Александр Кейгли (Alexander Keighley) был одним из основателей и самым известным участником фотоклуба «Звено» (The Linked Ring), учрежденного в Лондоне в 1892 году. Кейгли занимался светописью на протяжении многих лет и за это время создал выдающиеся образцы пикториальной фотографии. Он, как и многие пикториалисты, стремился создать некий идеализированный мир, и этим отчасти обусловлен выбор его сюжетов. Излюбленные мотивы Кейгли — романтические развалины древних храмов, пасторальные пейзажи сельской местности, лесные поляны, залитые потоками солнечного света.

z

Dance Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1926 г. © František Drtikol

z

Непревзойденным мастером пикториальной фотографии во Франции был Робер Демаши (Robert Demachy). Демаши показал себя замечательным портретистом, живописное решение его фотографий тонко передает характер модели. В его работах стирается грань между фотографией и живописью: смелые, широкие мазки обрамляют фигуры людей, закручиваются вокруг них вихрем штрихов. Для создания подобных эффектов Демаши применял особую ретушь: выскабливал участки слишком плотных мест на негативе. Он также ввел в практику перенос масляных изображений с желатиновой бумаги на японскую, что придавало снимку характер графического произведения.

То, что не удалось в полной мере осуществить французским и английским пикториалистам, а именно — добиться признания фотографии как вида изобразительного искусства, сделали американские мастера светописи Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. В 1902 году Стиглиц создал группу Photo-Session. В это же время он начал издавать иллюстрированный журнал Camera Work, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Вместе с фотографиями на выставках экспонировались полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане, П. Пикассо, Ж. Брака, Д. О’Кифф, скульптуры О. Родена и К. Бранкузи. Светопись заняла равноправное место среди изобразительных искусств не только в выставочном пространстве, но и в отношении критиков и публики.

z

Spring Showers. Фото Альфреда Стиглица, 1901 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

z

Несмотря на то что ранние снимки Стиглица выполнены в пикториальном стиле, он никогда не использовал средства художественной обработки снимков, которыми обычно пользовались пикториалисты. Только в некоторых случаях, как, например, при создании снимка Spring Showers, он пользовался мягкорисующей оптикой. Стиглиц не раз экспериментировал с различными фотографическими приемами. Например, при создании фотографии O’Keeffe Hands and Thimble он добился соляризации изображения (на границе между темным фоном и руками), максимально увеличив экспозицию.

Творчество Эдварда Штайхена (Edward Steichen) сложно отнести к какому-то определенному направлению. Широкий диапазон сюжетов (пейзаж, портрет, рекламная фотография…) и разнообразие техник ставят его работы в ряд лучших произведений, созданных не только в пикториальном стиле. Но ранние снимки Штайхена, несомненно, относятся к наследию пикториализма. Фотографию The Flatiron критики сравнивали с «Ноктюрнами» американского живописца Д. Уистлера. В фотографии Штайхена тот же нежный колорит растворяющегося в вечерних сумерках города, золотые огни фонарей, отраженные в блестящей от дождя мостовой…

z

z

К концу Второй мировой войны Стиглиц и Штайхен отошли от пикториализма и обратились к «чистой» фотографии. Друг Стиглица и один из основателей группы Photo-Session Клэренс Холланд Уайт (Clarence Holland White) продолжал создавать снимки в живописном стиле и после войны, когда пикториализм уже клонился к закату. В 1916 году вместе с Гертрудой Кэзибир (Gertrude Käsebier) он основал Американское общество фотографов-пикториалистов, которое, впрочем, не нашло большого числа сторонников среди современников. Постановочные кадры Уайта и Кэзибир словно принадлежали другой эпохе, традициям живописи XIX века.

Из представителей немецкого пикториализма стоит назвать фотографа-портретиста Гуго Эрфурта (Hugo Erfurth). На фотографии Knabenbildnis in Landschaft изображен юноша, стоящий на фоне сельского пейзажа. Эрфурт замечательно передает психологические черты модели, весь кадр как бы заражен энергией юности.

С пикториализмом связано начало творческого пути знаменитого чешского фотографа Франтишека Дртикола (František Drtikol). Дртикол обучался фотографическому ремеслу в Мюнхене — родине немецкого модерна, который оказал заметное влияние на его снимки. В творчестве мастера проявилась склонность к живописи, рисунку и графике. Поэтому с самого начала он использовал разнообразные пикториалистические «благородные» техники печати, подавлявшие многие характерные черты фотоизображения и подчеркивавшие возможность авторского вмешательства в конечный снимок.

z

z

Фотоимпрессионизм проявляется в ранних снимках классика чешской фотографии Йозефа Судека (Josef Sudek) «Утренний трамвай» и «Утренние виадукты». На первом снимке изображен трамвай, проезжающий через арку, уходящую за верхнюю кромку кадра. Поток света, напоминающий по форме треугольник, падает из арки на мостовую. Здесь впервые появляется излюбленный мотив Судека — диагонально падающий поток света. Позднее, отойдя от пикториализма с его размытостью форм, Судек будет фиксировать свет не единым потоком, а пучками световых лучей. Аналогичные снимки были у американского фотографа чешского происхождения Драгомира Йозефа Ружички (Drahomír Josef Růžička), с которых, возможно, и взял пример Й. Судек. Ружичка, ученик К. Х. Уайта, был одним из основоположников Американского общества фотографов-пикториалистов. Как и А. Стиглиц, он отвергал манипулированную печать и допускал лишь смягчение оптического рисунка объектива. На фотографии Ружички «Вокзал» свет, диагонально падающий из маленького (по сравнению с огромным пространством вокзального помещения) окна, световыми ступенями ложится на пол. Здесь доминирует интерес автора не к предметам, а к потоку света и тени как композиционным и, возможно, содержательным элементам.

z

Arabian Nude Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1912 г. © František Drtikol

z

Пикториализм был эхом XIX века. В 1920-х годах живописный стиль уступил место более прогрессивным направлениям фотоавангарда. Фотографы, начинавшие как пикториалисты, во второй четверти XX века продолжали творческие поиски уже в других направлениях. Теперь их внимание сконцентрировалось на экспериментах с ракурсами и композицией.

запечатление прекрасного — Российское фото

Конечная цель — красота. Таков лозунг пионеров художественной фотографии на рубеже веков. Их главной задачей была эстетизация, и она приобретала разные формы с течением времени. О том, когда фотография стала считаться искусством, читайте в нашем материале.


В слове «пикториализм» угадывается английское pictorial («живописный»). Это авангардное направление в фотографии, принцип которого заключался в сближении снимка и живописного полотна. Течение возникает в 1880-х годах, когда английский предприниматель Джордж Истмен изобретает портативную камеру «Кодак», доступную всем обеспеченным фотолюбителям. Возникает массовый интерес к запечатлению действительности, и в связи с этим потребитель убеждается: фотография может документировать жизнь. Это практически шаг к бессмертию личности. Последовательная реакция проявилась в стремлении некоторых фотографов-любителей создавать художественные, эстетичные снимки, которые отражали бы не объективную реальность, а субъективное видение фотографа. А это практически шаг к бессмертию души.

Фото: Александр Гринберг
Фото: Эдвард Стайхен

Генри Пич Робинсон одним из первых изложил принципы пикториализма в своей книге. В противовес бытовавшему утверждению, что фотоаппарат — инструмент документации истории, Робинсон считал устройство незаменимым для отражения красоты, которую может выхватить и показать только чуткий художник. Пикториалисты смешивали реальность и искусственность в процессе обработки снимков, например, рисовали на них акварельными красками и офортной иглой, как это делал Фрэнк Юджин. Элвин Лэнгдон Коберн прибегал к сложному гумми — платиновому процессу: отпечаток с негатива покрывался смесью гуммиарабики, затем неоднократно подвергался воздействию света, после чего получались изображения в нежных, бархатистых тонах.

Фото: Александр Гринберг

Постепенно сообщество фотографов, как и многих художников, начинает распадаться на сецессионы — отдельные объединения, в которые доступ был только «избранным». Сецессионы были освобождены от условностей, которые навязывало определенное течение. Его члены подчинялись только собственному воображению. Так образовывались «закрытые клубы» пикториалистов. Например, Венский клуб фотолюбителей, организовавший выставку арт-фотографов, среди которых были Генрих Кун, Хьюго Хеннеберг и Ганс Ватзек. В Лондоне появилось настоящее «Братство кольца», и вступить в него было честью для фотографа-пикториалиста. Его члены, среди которых был и Робинсон, тайно встречались, выпускали газету, проводили выставки и экскурсии. «Братство кольца» было одним из самых уважаемых фото-сецессионов, его пикториалисты твердо преследовали принцип «свобода и верность». Наверное, в эпоху модернизма этот либеральный лозунг находил отклик в сердцах как любителей современного искусства, так и приверженцев классического.

Фото: Александр Мазурин

В США пикториализм привозит Альфред Стиглиц, который становится первым американским участником «Братства кольца». Он серьезно сотрясает это направление. Набравшись опыта в Европе, фотограф основывает американский фото-сецессион в 1902 году. Теперь художественная фотография становится преимущественно урбанистической. Но основной принцип пикториализма — создание прекрасного — остается. Художников начинает интересовать их место в огромном городе. Они ищут красоту в неожиданных местах.

Фото: Альфред Стиглиц Фото: Джулия Маргарет Камерон

Предприимчивый Стиглиц, мечтая внушить большой аудитории, что фотография тоже может быть искусством, открывает журнал Сamera Work. «Вы увидите грандиозные фотографические публикации», — обещал Стиглиц, говоря о своей задумке. Первый номер вышел в декабре 1902 года и включал мастерские фотогравюры, критические статьи о фотографии, об эстетике и искусстве, обзоры последних фотографических выставок. Подобные журналы Сamera Work превосходил качеством иллюстраций.

Фото: Генри Пич Робинсон

Эдвард Стайхен был близким Стиглицу не только по духу, но и по взгляду на фотографию. В прошлом художник, Стайхен применял эти знания при работе с камерой. Его снимки представляют суетливый Нью-Йорк романтичным, полным красоты и очарования.

Пикториалисты пытались увидеть красоту не только в окружающем мире, но и внутри личности. В частности, они пытались раскрыть внутренний мир художника. Вслед за исследованиями Фрейда и Юнга о бессознательном, фотографы через камеру передавали переживания собственных душ. Эта идея чуть позже разовьется в сюрреалистической фотографии постмодернизма, например, у Дианы Арбус и Салли Манн.

Фото: Эдвард Стайхен

К 1917 году интерес к пикториализму постепенно утих. Причиной тому стали модные в то время течения кубизма и экспрессионизма, на которые переключился Стиглиц. Романтичность отступила.

Фото: Альфред Стиглиц

Русский пикториализм развивался параллельно западному. Во многом это происходило благодаря фотографам-путешественникам, которые посещали выставки, знакомились с коллегами, не упуская возможности заснять красоту окружающего мира. В 1880-1900 годах в композиции пикториалистических фотографий еще отчетливо просматривается влияние изобразительного искусства. Главной темой выступает освобождение русского крестьянства, например, у Александра Мазурина и Сергея Лобовикова. С утверждением модернизма в искусстве внимание фотохудожников перемещается на исследование личности. Например, работы Александра Гринберга в 10-х годах — это нежное, мягкое изображение беспечной молодости и загадочной красоты в фольклорном переложении.

Фото: Фрэнк Юджин

Пикториализм в России продлился на десятилетие дольше, чем на западе, и неизвестно, какой бы была русская художественная фотография сейчас, если бы не коммунистическая политика в 30-х годах. Советские идеологи называли пикториализм «пережитком буржуазии», обвиняли в освещении ненужного периода переустройства деревни (Василий Утилин), распространении эротических фотографий (Александр Гринберг). Так советская документальная фотография сместила искусство дореволюционного пикториализма.

Фото: Фрэнк Юджин

Художественные фотографии рубежа веков увековечили быстротечную красоту человека и бессмертное величие природы. Цель пикториалистов достигнута.

Фото: Элвин Лэнгдорн Коберн

РОСФОТО Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО

В коллекцию РОСФОТО входит значительное собрание произведений русских мастеров пикториальной фотографии (от pictorial — «изобразительный», «живописный»). Это направление, впервые заявившее о себе в Европе в конце XIX века, в России обрело второе дыхание в 1920–1930-е годы.

Некоторые эстетические концепции построения изображения и сам термин были заимствованы из программной книги английского фотографа Генри Пича Робинсона «Художественный эффект в фотографии», опубликованной в 1869 году:

«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа <…> Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное».

Одной из важных предпосылок появления пикториализма стало стремление фотографов к превращению собственной практики в форму творчества, по статусу не уступающую изобразительному искусству. Сознательно уходя от документальности, пикториалисты запечатлевали пейзажи, натюрморты, незамысловатые жанровые сцены. Упрощая композицию и обращаясь к обыденным сюжетам, они утверждали первостепенное значение художественного приема. Пикториалисты использовали простейшие мягкорисующие объективы и специальные фильтры, придававшие изображению характерную атмосферность, намеренно избавляя фотографию от прозаических деталей. Они активно экспериментировали с различными техниками «благородной печати». Все это, наряду с применением рукотворной бумаги — от грубо-фактурной до мягкой японской, давало простор для манипуляций с изображением. Таким образом, в пикториализме произошел решительный перенос акцента со съемки, с негативного процесса, на печать и лабораторную обработку.

В Европе и США пикториализм достиг пика развития в первом десятилетии XX века, и это же время стало началом его заката. Направление, ставшее первым международным течением в области художественной фотографии, скоро превратилось в модное явление, затем — в поле для всевозможных декоративных экспериментов и в 1920-е годы уже утратило свое изначальное содержание.

В русскую фотографию пикторализм пришел через английские, французские и немецкие журналы, благодаря поездкам отечественных фотографов на европейские конкурсы и выставки. Мастера русской пикториальной школы получали золотые и серебряные медали на крупнейших международных выставках и салонах. Однако очевидное несоответствие эстетических принципов пикториализма идеям социалистического искусства привело к тому, что постепенно набиравшая обороты моральная травля фотографов переросла к 1935 году в физические репрессии. Практически все фотографы-пикториалисты лишились права заниматься профессиональной деятельностью, и с конца 1930-х годов для них закрылась возможность выставлять свои работы за рубежом. Но со временем пикториальная эстетика вновь стала актуальной, причем не только в российском контексте, но и в мировом искусстве в целом, а значение отечественной пикториальной фотографии утвердилось окончательно.

Проект «Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО» стал логичным продолжением серии выставок, посвященных важному этапу истории фотографического искусства, который долгое время оставался недооцененным. В 2002 году в РОСФОТО состоялась масштабная выставка русской пикториальной фотографии 1890–1920-х годов из государственных и частных коллекций. В 2011 году — выставка петербургской пикториальной школы, собравшая более сотни работ 25 авторов. В прошлом году в наших залах была показана юбилейная ретроспектива Людмилы Таболиной.

Часть коллекции РОСФОТО, объединившая работы мастеров русского пикториализма 1910–1930-х годов, экспонируется впервые. В проекте представлены авторы, давно занявшие достойное и важное место в истории фотографии:

Сергей Лобовиков (1870–1941), Александр Гринберг (1885–1979), Николай Андреев (1882–1947), Моисей Наппельбаум (1869–1958), Николай Петров (1876–1940), Сергей Иванов-Аллилуев (1891–1979), Абрам Штеренберг (1894–1979), Василий Улитин (1888–1976), Семен Фридлянд (1905–1964)

На выставке можно будет увидеть редкие абстрактные работы ученика Василия Кандинского Михаила Тарханова (1888–1962). Помимо произведений известных и признанных мастеров в экспозицию включена серия лиричных пейзажей (1910-е) неизвестного автора, экспериментировавшего с различными техниками «благородной печати».

Пикториальная фотография — windows_light — LiveJournal


Пикториальная фотография (от английского слова pictorial — живописный) это направление в художественной фотографии, появившееся в конце XIX начале XX веков. Впервые словосочетание «пикториальная фотография» ввел в оборот английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу под названием «Пикториальный эффект в фотографии». В ней, помимо вышеупомянутого словосочетания, также предлагались некоторые советы и эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии. Робинсон, в частности, полагал, что фотограф в своей работе должен подчиняться тем же правилам, что и художник, пользующийся красками и карандашом для создания картины.
Надо сказать, что в конце XIX столетия развитие фотографии пошло по двум направлениям. Это простая бытовая и любительская фотография, преимущественно, со съемкой семейных портретов и пейзажей. Такая работа казалась излишне скучной и неинтересной целому ряду фотографов, поэтому образовалось другое направление фотографии, основанное на творческих экспериментах, использовании различной оптики и возможностях печатных лабораторий для создания настоящих художественных фотографий. Так и появилась на свет пикториальная фотография, сущность которой заключается в заимствовании живописных традиций и изощренных приемов для построения художественной формы фотоизображения.
Представители этого яркого направления пропагандировали подход к фотографии как к одному из видов художественного искусства, очень близкого к живописи. Отличия же фотографии от живописи пикториалисты видели только в технической реализации получения изображения. После нескольких десятилетий забвения пикториальная фотография вернулась в современную фотографическую практику, а значит, есть смысл рассказать о ней более подробно.
Уже на рубеже XIX XX столетий многие фотографы прекрасно осознавали, что одно только отражение действительности и документальное сходство не может превратиться в искусство. Поэтому они начали стремиться к тому, чтобы придать своим фотографическим снимкам оттенок загадочности, тайны и выразительности. Благодаря этому зритель мог бы увидеть в нерезких силуэтах на фотографии определенный художественный подтекст. Такие уникальные фотографические изображения приходилось создавать вручную, поскольку фотохудожники стремились умышленно исказить реальность на снимке и придать ему художественную выразительность.
Для решения этой непростой задачи применялась специальная оптика и разнообразные растворы при проявке негатива для воплощения тех или иных эффектов. Использование красителей и йодида серебра, масляная печать, ретуширование все это и многое другое входило в арсенал творческих приемов пикториальной фотографии. В основе такого подхода к фотографии лежало распространенное мнение о том, что фотография как искусство должна фиксировать не действительность, а лишь представление о действительности, которое хочет передать зрителю фотограф. Поклонники пикториальной фотографии в своей работе очень часто использовали такую мягкорисующую оптику, как монокль. Это простой однолинзовый объектив, позволяющий добиваться эмоционального восприятия фотографии, особой воздушности и живописности изображения.
Какие особенности имеет пикториальная фотография? В первую очередь, в отличие от обычной фотографии в пикториальной все нацелено на создание определенного художественного эффекта. Для этого фотограф может использовать самые разнообразные приемы, трюки и даже оптические обманы. В целом, пикториальные фотоизображения отличаются размытостью силуэтов и отсутствием резкости деталей, что добавляет сходства фотографии с картинами художников-импрессионистов. Поклонников пикториальной фотографии совсем не интересовали какие-либо социальные темы или реалистичное отображение действительности, их работы несли в себе яркий декоративный эффект и эмоциональность.
Мягкие образы и отсутствие излишних деталей, пожалуй, являются наиболее узнаваемыми чертами пикториальной фотографии. С помощью мягкого фокуса фотографы могут выразить в снимке свои личные чувства и придать ему глубокую эмоциональную выразительность. В пикториальной фотографии, помимо различных художественных эффектов, всегда большое значение имела простота композиции. На снимке все линии и формы снимаемого объекта, свет и тени должны подчиняться основополагающему принципу, заключающемуся в визуальной простоте. Для снижения документальности изображения фотографы применяли особые способы позитивной печати, позволяющие добиться меньшей проработки деталей и полутонов, а также стилизации фотографии под обычный рисунок художника или гравюру.
Пикториальная фотография получила на рубеже XX века большое распространение в Европе, а затем и в России. Появился совершенно новый класс фотографов, называвших себя фотохудожниками. Такие фотохудожники работали преимущественно в жанре портрета, натюрморта и пейзажа, тем самым, еще больше доказывая сходство своих работ с классической живописью. Особое внимание в изображениях фотохудожников уделялось романтическим пейзажам, женской красоте, обнаженной натуре, цветам и предметам домашней утвари, олицетворяющим красоту. Среди российских фотографов того времени, относящихся к направлению пикториальной фотографии, можно отметить А.О. Карелина, А. Мазурина и Н. Петрова. Последний внес огромный вклад в разработку теоретических основ пикториальной фотографии, опубликовав множество интересных работ на английском, русском и немецком языках. Российскую школу пикториальной фотографии всегда отличала утонченная эстетика и разнообразие применяемых творческих приемов.
Под катом много фотографических примеров (!)

“ФОТОГРАФИЯ КАК ИСКУССТВО”: ЧТО ТАКОЕ ПИКТОРИАЛИЗМ И ПРИ ЧЕМ ТУТ СОВРЕМЕННАЯ ФОТОГРАФИЯ

Сегодня в Петербурге фотовыставки встречаются в самых разных музеях: в Эрарте, музее искусства Санкт-Петербурга XX–XXI веков и даже в Эрмитаже. Снимки экспонируются в тех же залах, где когда-то своё место занимали исключительно картины. В наши дни это стало обыденностью, но в начале XX века пикториалисты боролись за право называть фотографию искусством. Кто они такие? Чем хороши их работы? Что осталось от пикториализма в современной фотографии?

 

Пикториализм – течение в фотографии на рубеже XIX-XX веков. Его приверженцы стремились максимально приблизить снимки к картинам своего времени, превращая их из документа в форму искусства.

Фотосъёмка как явление в XIX веке существовала лишь для избранных: камеры были у единиц, процесс печати не отличался простотой. Чаще всего снимали исторические события и портреты. Люди замирали перед камерами на несколько минут, чтобы получить чёткое изображение. Фотографию хвалили за исключительную реалистичность и достоверность, однако не воспринимали как искусство. Переломный момент случился в 1888 году: Kodak выпустил первый фотоаппарат с плёнкой на сто кадров и открыл пункт печати снимков. Тогда родился знаменитый рекламный слоган, который положил начало широкому распространению любительской фотографии: “Нажмите кнопку — мы сделаем всё остальное”.

Теперь снимать мог каждый. На фотографии запечатлевали родных, друзей, семейные события. Любители, не знавшие правил и не скованные традициями и модой, следовали лишь собственному вкусу и воображению. Постепенно оформилась мысль: фотография может выразить чувства и думы автора. Это искусство, та же живопись, но вместо кисти в руках художника — камера. Для таких творцов проблемой стала реалистичность и достоверность, из-за которой снимки воспринимали как документы, отпечатки пальцев. Они желали возвести фотографию в ранг искусства. Заимствовали сюжеты и особенности стиля у современных художников. От импрессионистов — стремление передать мимолётность, впечатление через смазанность, нечёткость. От прерафаэлитов — мягкие контуры, символичность, культ женской красоты и охряные оттенки картин эпохи Возрождения. Снимали утро в сосновом лесу или морской закат, создавали идеализированный мир. Старались сделать фотографию оригинальной и запоминающейся. Например, чтобы добиться эффекта дымки, мазали объектив маслом или использовали оптику с мягким фокусом. Отпечатанные снимки дорабатывали углём или солями серебра. Чтобы придать ещё больше индивидуальности, экспериментировали с плёнкой, проявкой, бумагой и техникой наложения изображения.

Так родилась пикториальная фотография. Она была нечёткой, визуально красивой, эмоциональной и не несла социального подтекста. Её ярким представителем в Англии был Александр Кейгли, во Франции — Робер Демаши, в США — Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. К сожалению, английским и французским авторам не удалось популяризовать пикториальную фотографию.

Особенного успеха достиг Альфред Стиглиц. В 1902 году он начал издавать иллюстрированный журнал CameraWork, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею “291” на Пятой авеню в Нью-Йорке. Всё это подействовало на общество. Если первая выставка фотографов в Лондоне в 1892 году вызывала споры, то после 1905 года фотографии уже экспонировались вместе с полотнами Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо. Через пару лет Стиглица заинтересовала тема места человека в городе: на смену романтичным изображениям в его творчество пришли урбанистические мотивы. Подобная перемена произошла и с другими фотографами.

К 1917 году пикториализм окончательно сошёл со сцены, а в искусстве актуальным направлением стал модернизм. Отдельные авторы продолжили создавать красивые неконтрастные снимки, напоминающие картины, но их работы перестали нести отпечаток времени. Фотография продолжила своё развитие как искусство. Теперь можно было делать с изображением всё, но ”бум” на доступные камеры прошёл. Фотоаппараты вновь взяли в руки профессионалы и художники, подчиняющие всякую обработку изображения идее.

Так что же осталось в фотографии от пикториализма? Он позволил авторам отображать не объективную реальность, а индивидуальное представление о ней. Возможность использования любых техник создания фотоизображения подарила свободу самовыражения. За прошедшие 100 лет манипуляции с отпечатками, плёнками, оптическими фильтрами и объективами дополнили компьютерные программы. Современные снимки по воле и задумке авторов рассказывают истории об одиночестве, важности доверия, искренности, свободе убеждений, проблемах экологии и отношениях в семье. Художественные фотографии заставляют думать, тосковать, смеяться, плакать, меняться. Не это ли сила искусства?

История пикториализма в искусстве

Эксперименты с негативами, постановочные снимки, использование «виньетки» — эти приёмы считались новшеством в искусстве фотографии и являлись основными чертами пикториализма. Что это такое и откуда возникло, разбирался «Парафраз».

«Два образа жизни» Оскара Рейландера, 1857

Не отображение, а выражение

Пикториализм (от англ. pictorial — живописный) — эстетическое течение, суть которого заключается в сближении живописи и фотографии. Оно возникло в конце XIX века после того, как англичанин Джордж Истмен изобрёл портативную камеру «Кодак».

Изначально фотоискусство считалось документацией истории – объективным отражением действительности и ничем больше. Но появились такие фотографы, которым не нравилась «чистая фотография», они хотели в снимках отражать собственное видение мира и экспериментировать с негативами. Эти творческие люди и стали приверженцами пикториализма.

Словосочетание «пикториальная фотография» ввёл английский фотограф Генри Пич Робинсон. В прошлом художник, он придерживался мнения о том, что снимки могут быть не только паспортного, семейного или надгробного формата, но и иметь художественность, передавать авторское видение. Основой любого искусства для него всегда было создание прекрасного.

«Увядание» Генри Пич Робинсона, 1858

«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа. Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное» Генри Пич Робинсон

Немецкий физик Герман фор Гельмгольц говорил, что человеческий глаз способен фокусироваться только на центре предмета, а периферию изображения — видит расплывчато. Взяв за основу этот принцип, Робинсон в своих работах акцентировал внимание на деталях.

Он любил делать коллажи негативов фотографий. Например, при создании работы «Увядание» (Fading Away, 1858) фотограф использовал 5 разных негативов. Этот снимок также был постановочным, впрочем, как и все его произведения.

Именно Робинсона мы должны поблагодарить за «виньетки» из фотошопа — он был первым, кто стал использовать белые углы и овальное изображение посередине. Фотограф достигал такого эффекта с помощью накладывания специальной маски на негатив. За эти и другие приёмы Робинсона прозвали первым в мире фотохудожником. А за его оригинальные методы создания фотографии, он вошёл в историю как создатель пикториализма. Эксперименты разрешаются

Благодаря английскому фотографу, творческие люди поняли, что над изображениями отныне можно издеваться, как угодно — рисовать на них красками, тыкать иглой, покрывать негативы разнообразными химическими смесями и подвергать солнечному воздействию. Все это давало разные эффекты. Зачастую изображения приобретали нежные, бархатистые тона — это и нравилось экспериментаторам того времени.

«Лодки, ожидающие прилива» Питера Генри Эмерсона, 1886

В стандартный набор художника-пикториалиста входили мягкорисующий объектив и монокли. Изображения старались получать пониженного контраста, с большей расплывчатостью, чтобы потом из фотографии среднего качества получить шедевр.

Благодаря пикториализму в искусстве фотографии появились новые способы печати изображения. Например, бромомасляный процесс — вид дополнительной обработки фотографии, заключающийся в отбеливании изображения и нанесения на задубленные биохроматами участки масляной краски любого цвета, а многие фотографы любили накладывать светочувствительные соли серебра. После такой коррекции фотографии напоминали акварельные рисунки. Чтобы получить размытое изображение, фотографы капали на объективы масло.

Клубы по интересам и закат пикториализма

На рубеже XIX–XX веков появляются художественные организации и объединения, участники которых были приверженцами идей пикториальной фотографии. В Англии многие известные фотографы такие как Алвин Кобурн, Пол Мартин, Фредерик Эванс, Альфред Стиглиц, Кларенс Уайт состояли в обществе «Братство соединённого кольца». Альфред Стиглиц, основоположник пикториализма в Америке, создал организацию «Фото-Сецессион» и журнал Camera Work. Помимо этого, было общество «Фотографов-пикториалистов Америки», президентом которого был Кларенс Хадсон Уайтт — самый преданный представитель пикториализма.

Во Франции гением «экспериментальной» фотографии считался Робер Демаши. В его работах действительно сложно отличить картину от фотографии. Такого эффекта он добился благодаря японской бумаге которую использовал вместо желатиновой, а также он выскабливал «плотные места» на негативе. У французских фотографов тоже был свой кружок по интересам, который назывался «Парижский фотоклуб», куда входили Констан Пюйо, Робер Демаши и др.

«Леди Шалотт» Генри Пич Робинсона, 1861

В Российской империи самым известным пикториалистом считался Алексей Мазурин. Его работы в изданиях по художественной фотографии 1890-х годов ставили в один ряд с произведениями Генриха Кюна (Германия), Константа Пюйо (Франция), Дюркопов (Германия), Роберта Демаши (Франция). Русский пикториализм прожил дольше всех. Последняя масштабная выставка состоялась в 1935 году.

После 1915 года на смену пикториализму пришло новое искусство. На фоне модернистских художественных течений он стал выглядеть слишком буржуазно. Работы пикториалистов стали выглядеть сухо и посредственно. Однако, стоит отметить, что даже сегодня многие фотографы положительно отзываются о технике художников-пикториалистов и порой подражают их методам.

#искусство #культура #фотография #inspiration #история #ликбез

Пикториализм | фотография | Britannica

Pictorialism , подход к фотографии, который подчеркивает красоту предмета, тональности и композиции, а не документирования реальности.

Петрочелли, Джозеф: Бордовый рынок — Нью-Йорк

Бордовый рынок — Нью-Йорк , печать на бромойле Джозефа Петрочелли, 1920; в Бруклинском музее, Нью-Йорк.

Фотография методом эго. Бруклинский музей, Нью-Йорк, подарок г-жи А.Джозеф Петрочелли, 45.31.38

Подробнее по этой теме

история фотографии: пикториализм и связанное кольцо

Идеи Ньютона, Рейландера, Робинсона и Эмерсона — хотя и казались разными — преследовали одну и ту же цель: добиться признания в фотографии …

Пикториалистическая перспектива зародилась в конце 1860-х годов и господствовала в течение первого десятилетия 20-го века.Он подходил к камере как к инструменту, который, как кисть и зубило, можно было использовать для художественного выступления. Таким образом, фотографии могут иметь эстетическую ценность и быть связаны с миром художественного выражения.

Само название произошло от мысли Генри Пича Робинсона, британского автора книги «Живописный эффект в фотографии » (1869). Стремясь отделить фотографию как искусство от научных целей, для которых она применялась, Робинсон предложил соответствующий предмет и композиционные приемы, включая объединение частей разных фотографий в «составное» изображение.В 1880-х годах британский фотограф Питер Генри Эмерсон также искал способы продвинуть личное самовыражение в изображениях, сделанных камерой. Критически относясь к составным фотографиям, Эмерсон и его последователи смотрели на модели, предоставленные такими художниками, как J.M.W. Тернер, художники барбизонской школы и художники-импрессионисты пытались воссоздать атмосферные эффекты в природе, уделяя внимание фокусировке и тональности.

Книга Эмерсона Натуралистическая фотография (1889) имела огромное влияние в последние годы 19 века.Американские и европейские фотографы, которые следовали его принципам, организовывали ассоциации и устраивали выставки, чтобы показать, что среда способна создавать произведения великой красоты и выразительности. До 1900 года «Связанное кольцо» в Великобритании, Парижский фотоклуб, «Клиблатт» в Германии и Австрии, а на рубеже веков — Фото-сецессион в США — все это продвигало фотографию как изобразительное искусство. С этой целью некоторые фотографы попустительствовали ручной работе с негативом и использовали специальные методы печати, используя, среди прочего, бихромат камеди и бромомасло камеди.В дополнение к этим процедурам, которые гарантировали, что каждый отпечаток будет отличаться от других на том же негативе, фотографы-пикториалисты также одобрили включение монограмм и представление работ в со вкусом оформленных рамах и циновках. Фредерик Х. Эванс, Роберт Демахи и Генрих Кюн были среди известных европейцев, участвовавших в движении.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Пикториалистами в Соединенных Штатах были Элвин Лэнгдон Коберн, Ф.Holland Day, Гертруда Кезебир, Эдвард Штайхен, Альфред Штиглиц и Кларенс Х. Уайт. В поздних работах Стиглица, Пола Стрэнда и Эдварда Уэстона американский пикториализм стал менее связан с атмосферными эффектами и красивыми предметами, но в течение нескольких лет после Первой мировой войны старые идеалы живописной красоты сохранялись группой под названием Фотографы-живописцы Америки. К концу 1920-х годов, когда эстетика модернизма утвердилась, термин пикториализм стал обозначать утомленную условность.

Обзор движения пикториализма | TheArtStory

Краткое изложение пикториализма

Пикториалисты взяли технологию фотографии и заново изобрели ее как форму искусства, поместив красоту, тональность и композицию выше, создав точную визуальную запись. Своими творениями движение стремилось поднять фотографию до уровня живописи и добиться признания ее таковой галереями и другими художественными учреждениями. Фотография была изобретена в конце 1830-х годов и первоначально считалась способом создания чисто научных и репрезентативных изображений.Ситуация начала меняться с 1850-х годов, когда сторонники, такие как английский художник Уильям Джон Ньютон, предположили, что фотография также может быть художественной.

Хотя его можно проследить до этих ранних идей, пикториалистское движение было наиболее активным в период с 1885 по 1915 год, а в период своего расцвета оно имело международный охват с центрами в Англии, Франции и США. Сторонники использовали ряд техник темной комнаты для создания изображений, которые позволяли им выражать свои творческие способности, рассказывая истории, воспроизводя мифологические или библейские сцены и создавая пейзажи, похожие на сновидения.Прямого определения того, что такое фотография пикториалистов, не существует, но обычно под этим понимается изображение, которым каким-либо образом манипулировали для усиления его художественного воздействия. Общие темы в стиле — это использование мягкого фокуса, цветовой тонировки и видимых манипуляций, таких как составные изображения или добавление мазков кисти.

Ключевые идеи и достижения

  • Пикториализм был тесно связан с преобладающими художественными движениями, поскольку фотографы черпали вдохновение из популярного искусства, перенимая его стили и идеи, чтобы продемонстрировать равенство между ним и фотографией.Особенно влиятельными движениями были тонализм, импрессионизм и, в некоторых случаях, викторианская жанровая живопись.
  • Пикториалисты были первыми, кто представил аргументы в пользу того, чтобы фотографию можно было классифицировать как искусство, и тем самым инициировали дискуссию о художественной ценности фотографии, а также дискуссию о социальной роли манипуляций с фотографиями. Оба эти вопроса все еще обсуждаются сегодня, и в последние десятилетия они стали еще более актуальными благодаря все более широкому использованию Photoshop в рекламе и в социальных сетях.
  • Это движение привело к большим инновациям в области фотографии, и ряд фотографов, связанных с ним, ответили за разработку новых методов для развития своего художественного видения. Это заложило основу для последующих достижений в цветной фотографии и других технических процессах.

Обзор пикториализма

Ранние фотографы, такие как Джулия Маргарет Камерон, Дэвид Октавиус Хилл и Роберт Адамсон, оказали большое влияние на развитие пикториализма.Хилл, который был успешным художником романтических пейзажей, работал с Адамсоном, фотографом и печатником, между 1843 и 1847 годами, чтобы сделать более 1500 портретов людей в Ньюхейвене, небольшой британской рыбацкой деревне. Некоторые критики того времени сравнивали портреты с портретами Рембрандта. Позднее Альфред Штиглиц назвал Хилла «отцом пикториальной фотографии» и представил его и Адамсона фотографии в своих публикациях и в Маленьких галереях фото-сецессиона в 1906 году.

Как пикториализм сформировал фотографию и фотографов?

Тревожный вопрос о легитимности фотографии как жанра изобразительного искусства задается снова и снова на протяжении последних 200 лет.Действительно ли фотография заслуживает того, чтобы ее считали столь же ценным, как и живопись? Многие критики современного искусства до сих пор расходятся во мнениях, когда дело доходит до этого спорного вопроса, впервые поставленного в начале 19 века живописцами. Пикториализм как направление в искусстве был наиболее сильным с 1885 по 1915 год. [1] , но он оставался незначительно активным даже в 1940-х годах из-за своей манящей природы, которая оставалась популярной среди фотографов 20-го века. Хотя точного определения пикториализма нет, его лучше всего описать как фотографический подход , сфокусированный на красоте предмета и совершенстве композиции, а не на документации мира как такового. Имея это в виду, неудивительно, что фотохудожники первыми серьезно задумались о художественной ценности фотографии. Они приложили все усилия, чтобы привнести некое потустороннее чувство в ранее не романтическую и строго объективную среду фотографии.


Слева: Элис Ботон — Рассвет, 1909/ Справа: Эдвард Штайхен — Флэтайрон-билдинг, 1904 — через wikimedia.org

Краткая история пикториализма

Пикториализм получил свое название от Генри Пич Робинсон, британского автора книги « Живописный эффект в фотографии » (1869), книги, которая оставалась одним из самых влиятельных произведений 19-го века по фототехнике и эстетике.Основная цель Робинсона состояла в отделении фотографии как вида искусства от фотографии, используемой для различных научных и документальных целей . [2] Другой британский фотограф той же эпохи по имени Питер Генри Эмерсон также искал способы подчеркнуть личное выражение в фотографии, а не просто объективность. Его работы были посвящены в основном съемке пейзажей и воссозданию атмосферных эффектов в природе. Однако только в начале 1900-х годов изобразительное искусство начало распространяться и набирать популярность.Это произошло благодаря доступности ранних фотоаппаратов Kodak , а также усилиям Альфреда Штиглица , известного американского художника, собравшего группу коллег-художников. Группа создала собственное фотографическое движение под названием photo-secession , и его основной целью было продвижение фотографии как средства, столь же выразительного и значимого, как живопись. Подход Стиглица к фотоизображению был первым в своем роде, поскольку он уделял много внимания композиции , цвету и тональности , всегда пытаясь запечатлеть что-то за пределами обычной реальности и ближе к царству сказочного.Вместе с другими живописцами, такими как Эдвард Штайхен и Кларенс Уайт, Штиглиц внес свой вклад в радикальное изменение восприятия фотографии, а также подготовил почву для огромных продаж этих потусторонних произведений искусства, которые имели место более века спустя. Собственно, один из важнейших моментов в истории пикториализма случился в 1910 году, когда галерея Олбрайт в Буффало купила у Штиглица 15 фотографий. Это был первый раз, когда галерея признала ценность фотографии , и такой подход инициировал мощные изменения, которые затронули многих коллекционеров произведений искусства и учреждения.


Анри Пич Робинсон — Угасание, 1858 — изображение с wikimedia.org

Альтернативные процессы печати в пикториалистической фотографии

Пикториалисты, в отличие от большинства так называемых фотографов-натуралов, были известны скрупулезными экспериментами с самыми разнообразными печатными процессами . Раньше они начинали свою обширную обработку с обычной стеклянной пластины или негатива, но, следовательно, они оставались сосредоточенными на выборе фотобумаги и химических процедур, способных усилить или уменьшить определенные эффекты.По той же причине некоторые фотохудожники использовали специальные линзы для получения более мягких изображений , но сглаживание фокуса во время постобработки, безусловно, было наиболее распространенной практикой. Известно, что многие из этих революционных художников использовали альтернативные методы печати, которые обычные фотографы считали слишком сложными или просто ненадежными. Например, фотохудожники очень любили использовать бихромат камеди — это была необычная стратегия, которая включала несколько слоев химикатов и приводила к живописному изображению, напоминающему картины акварелью.Еще одной излюбленной процедурой фотохудожников была масляная печать , которая была весьма полезной, поскольку позволяла фотографам быть избирательными и манипулировать более светлыми областями печати, сохраняя при этом более темные части нетронутыми. Помимо этих маргинальных подходов, фотохудожники использовали более общие, но достаточно артистичные методы, такие как цианотипия или платиновый принт.


Элиас Гольденски — Портрет трех женщин, 1915 — изображение с georgetowner.com

Фотографы — известные фотографы

Несмотря на то, что первые пионеры, такие как Уильям Генри Фокс Талбот, делали «художественные» снимки сеновалов, например, которые, возможно, могли бы считаться пикториалистическими из-за их особой эстетики, они, тем не менее, были провозглашены «документальными» — потому что фотография использовалась только для того, чтобы делать просто это просто увековечить то, что нас окружает, и не более того.Поэтому, когда пикториализм как движение провозгласил своей целью подражать искусству , это было очень ироничное заявление. Художники уже считали фотографический носитель заклятым врагом, потому что он отнял у них популярность во второй половине XIX века, а теперь пытается «украсть» художественное чутье и у их работ. Но фотография просто пыталась доказать, что, несмотря на то, что камера оказывала большую техническую помощь при съемке изображений, все это все еще требовало человеческого вмешательства, чтобы выйти на новый уровень.Работы фотографов-фотохудожников намеренно выглядели как картины и рисунки углем, потому что они отчаянно хотели, чтобы их признали чем-то большим, чем просто щелчок затвора — и в конечном итоге так и произошло благодаря своим новаторским создателям.

Видео — разница между фотохудожниками и фотографами-реалистами

Джулия Маргарет Кэмерон

Впервые представленная фотоаппарату в возрасте 48 лет, Джулия Маргарет Кэмерон занималась фотографией одиннадцать лет своей жизни в середине XIX века, но ее прекрасные работы были обнаружены только через восемьдесят лет после нее. смерть.Возможно, она была одним из первых практиков фотохудожников, вдохновленных работами известных художников на создание некоммерческого портретного искусства. Фотографии Джулии Маргарет Кэмерон — это визуальная поэзия, рассказывающая о женственности в викторианскую эпоху, и многие из ее фотографий были «инсценированы», как в съемках фильма, либо в качестве книжных иллюстраций, либо для чистого личного удовольствия. Они источают невинность, молодость, дух, благодаря которому она стала одним из самых важных участников раннего пикториализма и одним из самых важных художников в Британии того времени.


Слева: Джулия Маргарет Кэмерон — Ангел Рождества, 1872/ Справа: Джулия Маргарет Кэмерон — Уход Артура, 1875 год

Роберт Демаки

На первый взгляд композиции Robert Demachy очень похожи на рисунки углем, но на самом деле это фотографии, тщательно обработанные для создания такого визуального впечатления. Выдающийся живописец начала 20 века, французский художник был также директором Парижского фотоклуба, французского параллельного американского фото-сецессиона, а также Венского Клеблатта и Британского братства Связанного кольца.Его картины не могли быть дальше от моментальных снимков, поскольку они были созданы с использованием возрожденных нестандартных фотографических процессов, таких как бихромат камеди, который позволяет художникам раскрашивать и наносить мазки на изображение. Роберт Демаши также много писал о фототехнике и эстетике, в том числе шесть книг и более тысячи статей.


Слева: Роберт Демаши — Борьба, 1904/ Справа: Роберт Демаши — Nu drapé voile bleu, деталь, приблизительно 1907-15 гг.

Альфред Штиглиц

Он был фотографом, торговцем произведениями искусства, издателем и писателем. Альфред Штиглиц , несомненно, самая важная фигура в фотографии на рубеже веков. Благодаря его усилиям фотография была поднята до статуса искусства, как благодаря его фотографиям, созданным с точки зрения опытного художника, так и благодаря его роли владельца журнала Camera Work и известной 291 Gallery в Нью-Йорке. , который с большим энтузиазмом продвигал фотоотделение. Альфред Штиглиц твердо поддерживал мастерство и, вместо того, чтобы сосредоточиться только на производстве своих платиновых отпечатков определенным образом, ему удалось получить потрясающие визуальные эффекты, включив в свои композиции такие элементы, как дождь, снег и пар, чтобы создать тот настоящий живописный образ, который оказал большое влияние на мир искусства в целом.


Альфред Штиглиц — Ночные размышления, 1897

Эдвард Штайхен

Фотограф и художник, Эдвард Штайхен был близким сотрудником Альфреда Штиглица и влиятельным современным художником. Он также практиковался и продвигал фотографии и прославился серией портретов таких знаменитостей, как JP Morgan в 1903 году. Один из его самых известных отпечатков — 1904 The Pond — Moonlight , особенно из-за имитации цветового эффекта, вызванного позднее нанесение на поверхность светочувствительных десен.Хотя Эдвард Стейхен переключился на реалистическую фотографию после Великой войны и даже стал самым высокооплачиваемым коммерческим фотохудожником в мире, его живописные образы остаются очень влиятельными. Частично он был вдохновлен картинами Уистлера « Ноктюрн », например, а также японскими гравюрами укиё-э. Он также был директором Департамента фотографии Нью-Йоркского музея современного искусства.


Эдвард Стайхен — Пруд, лунный свет, 1904

Кларенс Х. Уайт

Еще одним художником, делающим заметки у известных художников, был Кларенс Х.Белый , педагог и один из ведущих художников-живописцев. Он был создателем элегантных, идиллических и интимных этюдов друзей и семьи, используя естественный свет для пробуждения сентиментальности в духе модерна и японского искусства. Он также был одним из основателей Photo-Secession, а в 1914 году он также основал Школу фотографии Кларенса Х. Уайта [3] , первое учебное заведение в Америке, где преподают чудеса медиума как формы искусства. Пока он не умер от сердечного приступа во время преподавания, он продолжал продвигать художественную фотографию через уроки, выставки и ассоциации с художественными руководителями рекламы.Его тонкие световые эффекты и нежный сюжет стали олицетворением подхода пикториализма и помогли определить большую часть современной фотографии.


Слева: Кларенс Х. Уайт — Утро — Ванная, 1908/ Справа: Кларенс Х. Уайт — Утро, 1905 год

Ф. Холланд Дэй

В то время как другие пионеры живописи в основном фотографировали пейзажи, F. Holland Day сосредоточился на портретной живописи и автопортрете, а не только на каких-либо видах. Фактически, его можно было считать отцом концептуального искусства в фотографии, поскольку его работы — и его жизнь — были довольно противоречивыми.Его объектами часто были обнаженные молодые люди в разных условиях и позах, и когда он не фотографировал других, он фотографировал себя, как никто иной, как Иисус Христос. Ф. Холланд Дэй сделал целых 250 негативов, показывающих сцены из жизни Спасителя, от Благовещения до Воскресения, за что он себя голодал, отпустил бороду и даже привез из Сирии ткань и крест. Согласно The Met Museum [4] , он использовал фотографию для священных предметов как вопрос художественной свободы.


Слева: День Фреда Холланда — Семь слов, 1898/ Справа: День Фреда Холланда — Молодежь, сидящая на камне (Никола Джанкола), 1907 год

Адольф де Мейер

Сесил Битон назвал «Дебюсси фотографии» , Адольф де Мейер был наиболее известен как первый официальный модный фотограф американского журнала Vogue, для которого он работал с 1913 по 1921 год. Потрясающе освещенные работы были созданы для лучшего комплимента его знаменитым моделям, среди которых были такие знаменитости, как Энн Пеннингтон, Ирен Кастл, Мэрилин Миллер, Луиза Казати и сама королева Мэри.Таинственный и экстравагантный, Адольф де Мейер создавал образы, которые в некоторых случаях очень напоминали портретные картины старых мастеров, задавая стандарты элегантности и класса в модной фотографии, которые все еще будут иметь значение намного позже, даже несмотря на то, что его пикториалистические тенденции, по иронии судьбы, устарели. к 1930-м годам.


Барон Адольф де Мейер — Неопубликованное исследование моды для Vogue, 1919 год

Гертруда Кезебир

Хотя формально она изучала рисунок и живопись, Гертруда Кезебир была одержима фотографией, что в конечном итоге привело ее к тому, что она стала одной из первых признанных и признанных женщин-фотографов-искусствоведов в истории.Она прекрасно осознавала этот факт, поскольку поощряла других женщин воспринимать эту технику как нормальную карьеру в то время, когда женщины еще даже не имели права голоса. За свою долгую и продуктивную жизнь она создала множество запоминающихся образов материнства с изображением ее семьи и друзей, а также ярких портретов коренных американцев. Гертруда Кезебир была хорошо известна в кругу художников-пикториалистов, ее работы выставлялись на крупных выставках и даже продавались за 100 долларов — рекорд, который не был побит в течение следующих пятидесяти лет.


Слева: Гертруда Кезебир — жена американского коня, Дакота Сиу, около 1900/ Справа: Гертруда Кезебир — мисс N (Портрет Эвелин Несбит), 1903 год

Генрих Кюн

Генрих Кюн был описан The New York Times как «один из величайших помешанных на контроле медиума» , в основном из-за того, что он делал снимки своей семьи. [5] Он делал наброски места, выбирал одежду и позы и ждал подходящего освещения вместе со своими моделями.Возможно, именно из-за такой самоотдачи он также считается одним из самых важных художников-пикториалистов, известных своими работами, очень напоминающими картины импрессионистов своим мягким фокусом и тональностью. Генрих Кюн также был изобретателем нескольких техник печати, таких как Gummigravüre, в котором сочетаются фотогравюра и бихромат камеди, Leimdruck, в котором используется клей животного происхождения, и Syngraphie, который состоит из двух негативов разной чувствительности, обеспечивающих более широкий тональный спектр.


Слева: Генрих Куэн — Мэри Уорнер и Эдельтруда на краю холма, ок. 1910/ Справа: Генрих Куэн — Эдельтруде и Лотте, 1912-13 гг.

Элвин Лэнгдон Коберн

И последнее, но не менее важное: у нас есть великолепный Alvin Langdon Coburn , первооткрыватель многих вещей в фотографии как в технике, так и в технике. [6] Любопытный экспериментатор, он был опытным фотографом к восьми годам, и его более поздний стиль находился под влиянием рисунков тушью японского мастера Сесшу.После своих первых открытий в области беспредметной фотографии он начал создавать вортографы, как он их называл, ассоциируя их с группой английских вортицистов. Фактически, Элвин Лэнгдон Кобурн был первым, кто предоставил изображения, которые были полностью абстрактными, и даже после небольшого перерыва в работе камеры между серединой 1920-х и 1950-ми годами он продолжал делать загадочно неоднозначные фотографии. Он также является автором культовых портретов Генри Джеймса и Огюста Родена 1906 года.


Слева: Элвин Лэнгдон Коберн — Осьминог, Мэдисон-Сквер-Парк, 1909/ Справа: Элвин Лэнгдон Коберн — Вортограф, 1917 год

Длительное влияние пикториализма

В конце 1920-х годов модернизм стал преобладающим , и привлекательность пикториализма постепенно устарела, хотя никогда полностью не угасала. Фактически, за последние 100 лет фотография претерпела значительные изменения в способах ее создания и восприятия.Благодаря всем доступным технологическим достижениям фотография стала наиболее распространенной художественной средой, и все ее подкатегории претерпели определенное возрождение или переопределение. Как и в начале 19-го века, мы должны снова задать аналогичные вопросы, на этот раз относящиеся к значению художественной достоверности в массовом производстве . В настоящее время у нас есть множество цифровых художников, имитирующих работы художников-пикториалистов с помощью сюрреалистических портретов и пейзажей, но какова реальная ценность таких работ, несмотря на их растущую популярность?


Хэл Мори — Центральный вокзал, 1930

Нео-пикториализм

Несмотря на то, что есть современные фотографы, которые подпадают под недавно созданную категорию неопикториализма , акцент в их работе делается просто на эстетике, без какого-либо участия в художественной деятельности, которая имела решающее значение для первоначального движения фото-сецессиона. .Однако, благодаря более традиционным или, возможно, более ностальгическим художникам из числа неопикториалистов, в 60-х и 70-х годах наблюдался рост числа альтернативных процессов на . Например, Адольф Фассбендер, фотограф 20-го века из Германии, представленный престижной галереей Говарда Гринберга в Нью-Йорке, продолжал делать живописные фотографии старой школы даже в конце 1960-х годов. Фассбендер просто считал, что изобразительность должна длиться вечно, потому что она основана на универсальной красоте . Нет решения в попытках искоренить пикториализм, так как тогда нужно было бы разрушить идеализм, сантименты и все чувства искусства и красоты. , — заявил немецкий художник.


Адольф Фассбендер — Вперед, 1937 — изображение с flickr.com

Тонкость против манипуляции

Возрождение пикториализма в 1960-х годах продолжилось применением техники шелкографии для фотографий и, наконец, привело к появлению цифровых изображений, типичных для XXI века. Сильное наследие пикториализма все еще можно увидеть во многих сферах фотографии в наши дни — например, поэтические композиции, которые когда-то были зарезервированы для пикториализма, можно найти в документальных работах основных фотографов, таких как Стив МакКарри, или даже в высоком разрешении. конец моды портретной живописи.Хотя это правда, что цифровые манипуляции заменили некоторые методы, использовавшиеся еще в начале 20-го века, и большинство современных фотографов не разбираются в тонкостях традиционных фотографических процессов, человеческое желание воспевать все формы красоты через идеально составленные сказочные фото еще осталось. Возможно, Штиглиц, отец пикториализма, объяснил это лучше всего, когда сказал, что в фотографии есть реальность настолько тонкая, что становится более реальной, чем реальность.

Автор Жаклин Клайд и Энджи Кордик .

Совет редакции: TruthBeauty: Живопись и фотография как искусство, 1845-1945 гг.

TruthBeauty содержит 121 потрясающую работу известных художников, включая Джулию Маргарет Кэмерон, Элвина Лэнгдона Кобурна, Роберта Демахи, Питера Генри Эмерсона, Гертруду Кезебир, Генриха Кюна и Альфреда Штиглица. В совокупности собранные работы прослеживают эволюцию пикториализма на протяжении трех десятилетий, в течение которых он преобладал.Это единственное собрание фотографий художников-пикториалистов художников из Северной Америки, Великобритании, континентальной Европы, Японии и Австралии в одном издании. Научные очерки и подборка исторических текстов художников-пикторалистов завершают этот богатый обзор первого поистине международного художественного движения.

Артикул:

  1. Аноним, Пикториализм , Британника
  2. Аноним, Пикториализм и фото-сецессион , Фотогравюра
  3. Хостетлер Л.(2004), Международный пикториализм , Метрополитен-музей
  4. Фултон М., Пикториализм в модернизм: Школа фотографии Кларенса Х. Уайта , Rizzoli International Publications, 1996
  5. Розенберг К., Один из первых последователей фотографии встречает большие шансы , The New York Times
  6. Анкеле Д., Анкеле Д., Элвин Лэнгдон Коберн — Пикториалистическая фотография — Пикториализм, Ankele Publishing, LLC, 2011

Представленные изображения в слайдере: Элвин Лэнгдон Коберн — Бруклинский мост, 1911 год; Питер Генри Эмерсон — Жизнь и пейзаж на Норфолкских бродах, 1885-86; Роберт Демаши — Скорость, 1904; Гертруда Кезебир — Амос Два Быка, Дакота Сиу, ок.1900; Эдвард Штайхен — Бальзак, Силуэт, 4 утра, 1908. Все используется только в иллюстративных целях.

Коллекция Альфреда Штиглица | Пикториализм

Международное движение, известное как пикториализм, представляло как эстетику фотографии, так и набор принципов о роли фотографии как искусства. Пикториалисты считали, что фотографию следует понимать как средство личного самовыражения наравне с другими видами изобразительного искусства. Отвечая и на новых «снимков» камеры Kodak, и на шаблонных коммерческих фотографов, пикториалисты с гордостью назвали себя настоящими любителями — теми, кто занимается фотографией из любви к искусству.

Пикториализм возник в конце девятнадцатого века и процветал в течение нескольких десятилетий после этого. Вдохновленные теориями таких художников, как Генри Пич Робинсон (который выступал за композиционные методы, согласованные с академической живописью) и Питер Генри Эмерсон (который продвигал натуралистическую фотографию с областями рассеянного фокуса), пикториалисты также обращались к ранним фотографам Джулии Маргарет Кэмерон и Дэвиду. Октавиус Хилл как пробные камни.

Для дальнейшего признания фотографии как искусства, пикториалисты воспользовались живописными качествами медиума.Они часто предпочитали романтические или идеализированные образы документации современной жизни, приветствуя художественную композицию и мягкий фокус. Они трудились в темной комнате над созданием уникальных произведений искусства, используя трудоемкие процессы, такие как печать бихроматом камеди и фотопечать, которые показывали руку художника. Они очень заботились о том, как будут представлены их работы, размещая свои фотографии на слоях тонированной бумаги и давая советы по их обрамлению и вывешиванию на выставках.

Движение включало слабосвязанные операторские клубы и общества в Европе, США и Австралии.Такие организации, как Братство Связанного Кольца в Англии (основано в 1892 году) и Фото-Сецессион Альфреда Штиглица в Нью-Йорке (образовано в 1902 году) организовывали международные салоны и выставки, публиковали портфолио и журналы и разработали влиятельный эстетический дискурс о фотографии. Это движение пошло на убыль на заре Первой мировой войны — Связанное кольцо распалось в 1910 году, и Штиглиц, тяготевший к прямой фотографии, опубликовал последний выпуск своего журнала Camera Work в 1917 году, хотя небольшие общества поддерживали идеи пикториализма в течение 1930-х годов. .

Живопись и прямая фотография — г-жа Вакалис

Цели:

Уметь объяснить движения пикториализма и прямой фотографии.

Вы собираетесь использовать свои фотографии, чтобы сделать фотографию в стиле пикториализма и прямой фотографии.

Узнайте, как общество повлияло на фотографию как искусство.

Узнайте, как развивались и появлялись стили фотографии.

Во время Блока 1 «Фотографии с отверстиями» вы рассмотрели два разных стиля фотографии: пикториализм и прямая фотография

Пикториализм

Почему это произошло?

Примерно в конце 1800-х годов камеры стали доступны для широкой публики.Это заставило фотографов задуматься о своей фотографии, которую они считали искусством. Они хотели, чтобы люди воспринимали их фотографии как произведения искусства, а не как «моментальные снимки», которые делает большинство людей.

Что это?

Пикториалисты считали, что если фотография должна считаться искусством, она должна делать больше, чем просто записывать информацию; Пикториалисты решили, что если фотография должна считаться «изящным искусством», то фотография должна быть более доступной, чем другие формы искусства.Они выбрали название «пикториалисты», чтобы напоминать людям их картины, такие как рисунки и картины.

Какие фото они сделали?

Пикториалисты пытались создать фотографии, которые, казалось, имитировали другие устоявшиеся формы искусства, такие как рисунок и картины. Они пытались манипулировать своими фотографиями с мягким фокусом, чтобы сделать фотографии больше похожими на рисунки и картины. Эти фотографы часто выбирали очень традиционные «художественные» предметы, такие как пейзажи и портреты.

Фотографии ниже — примеры пикториализма.

Р. Демаши 1904

Р. Демаши 1904

Г. Сили 1907

Современный пример стиля пикториализма Л. Блэквуда
развивать?

Фотографии ниже являются примерами прямой фотографии . Этот стиль был ответом на стиль пикториализма.К этому времени камеры стали меньше и мобильнее, время экспозиции могло быть короче. Эти разработки позволили фотографам снимать в самых разных местах.

Что это?

Некоторые фотографы чувствовали фотографию как таковую, без каких-либо манипуляций, было искусством. Они считали, что фотографии не обязательно должны выглядеть как картины или рисунки, чтобы считаться искусством. Их стиль был назван «прямой фотографией», чтобы указать на отсутствие манипуляций с фотографиями.

Какие фото они сделали?

Эти фотографы думали, что фотографии могут быть искусными из-за того, какой предмет выбрал фотограф и как фотограф использовал композицию, точку обзора и свет. Эти фотографы начали снимать обычные предметы, такие как растения, фрукты и предметы домашнего обихода. Их фотографии, как правило, были очень четко сфокусированы с широким диапазоном значений, всегда включая чистый черный и чистый белый. Если они действительно снимали традиционные предметы, такие как пейзажи и портреты, фотографии не обрабатывались так, чтобы они выглядели как рисунок картины.

И. Каннингем 1957

И. Каннингем 1929

Э. Уэстон 1930

Э. Уэстон 1930

Чистая фотография | Выставки | Исследуйте | Пляжный музей искусств

Выставок

Чистая фотография: изобразительная и современная фотография
27 августа — 24 ноября 2013 г.

Идея о том, что фотография может выражать эмоции и абстрактные идеи, получила распространение в 1880-х годах, противодействуя широко распространенному представлению о том, что фотографии просто воспроизводят точные изображения своих предметов.Живописная, романтическая эстетика, живописное движение возникло как способ для фотографов создавать творческие произведения искусства. Объективы с мягким фокусом и интенсивные процессы печати позволили художникам имитировать мазки кисти, уменьшить резкость и создать насыщенные тона.

Хотя пикториализм сохранился до 1930-х годов, концепция фотографии как искусства продолжала развиваться. По мере того, как менялись общество и технологии, менялись и фотографические носители. Новый стиль, названный чистой или прямой фотографией, делает упор на воссоздании сцены как можно более правдиво, а также на захвате тональных вариаций или абстрактных форм.Идеи и эстетика современной живописи и скульптуры повлияли на фотографию, создав коллажные композиции и изменив пространственные отношения. Современные фотографы сосредоточились на часто упускаемых из виду деталях повседневной жизни, таких как тень на дверном косяке или вид на городской пейзаж. Развитие фотомеханического воспроизведения сделало камеру мощным инструментом для распространения идей среди массовой аудитории и дала художникам возможность для творческого самовыражения, поддерживая себя в финансовом отношении, фотографируя знаменитостей, повседневные сцены или исторические события для журналов и газет.

Фотографии на этой выставке охватывают первую половину 20 веков, демонстрируя широкий спектр художественных стилей, отражающих меняющиеся идеи, взгляды и технологические инструменты художников за объективом и в темной комнате.

Эта выставка организована Художественными галереями Сиракузского университета, Нью-Йорк.

Связанные программы

Gallery Walk
16 октября 2013 г. 17:30, Vanier Gallery, Beach Museum of Art
Присоединяйтесь к куратору Терезе Бембнистер, профессорам штата Калифорния Шрипаду Йоглекару, Стивену Вольгасту и почетному профессору штата Калифорния Микаэлин Чанс-Рей для неформального знакомства с выставкой «Чистая фотография: живопись и современные фотографии» . »

Фото: Мануэль Альварес Браво, Retrato de lo eterno [Портрет Вечного] , 1935 (фрагмент). Предоставлено Художественной коллекцией Сиракузского университета.

Американская фотография, серия 2

Библиотека Конгресса не владеет правами на материалы в своих коллекциях.Следовательно, он не лицензирует и не взимает плату за разрешение на использование таких материалов и не может предоставить или отказать в разрешении на публикацию или иное распространение материала.

В конечном счете, исследователь обязан оценить авторские права или другие ограничения на использование и получить разрешение от третьих лиц, когда это необходимо, перед публикацией или иным распространением материалов, найденных в фондах Библиотеки.

Для получения информации о воспроизведении, публикации и цитировании материалов из этой коллекции, а также о доступе к оригинальным элементам, см .: Серия документов PH — Информация о правах и ограничениях

  • Консультации по правам : Нет известных ограничений на публикацию.
  • Номер репродукции : —
  • Телефонный номер : PH — Camera Club, no. 2 (Портфолио) [P&P] ЛОТ 2532 (прежний телефонный номер)
  • Консультации по доступу : —

Получение копий

Если изображение отображается, вы можете скачать его самостоятельно.(Некоторые изображения отображаются только в виде эскизов за пределами Библиотеке Конгресса США из-за соображений прав человека, но у вас есть доступ к изображениям большего размера на сайт.)

Кроме того, вы можете приобрести копии различных типов через Услуги копирования Библиотеки Конгресса.

  1. Если отображается цифровое изображение: Качество цифрового изображения частично зависит от того, был ли он сделан из оригинала или промежуточного звена, такого как копия негатива или прозрачность.Если вышеприведенное поле «Номер воспроизведения» включает номер воспроизведения, который начинается с LC-DIG …, то есть цифровое изображение, сделанное прямо с оригинала и имеет достаточное разрешение для большинства публикационных целей.
  2. Если есть информация, указанная в поле «Номер репродукции» выше: Вы можете использовать номер репродукции, чтобы купить копию в Duplication Services. Это будет составлен из источника, указанного в скобках после номера.

    Если указаны только черно-белые («черно-белые») источники, и вы хотите, чтобы копия показывала цвет или оттенок (при условии, что они есть на оригинале), обычно вы можете приобрести качественную копию оригинал в цвете, указав номер телефона, указанный выше, и включив каталог запись («Об этом элементе») с вашим запросом.

  3. Если в поле «Номер репродукции» выше нет информации: Как правило, вы можете приобрести качественную копию через Службу тиражирования.Укажите номер телефона перечисленных выше, и включите запись каталога («Об этом элементе») в свой запрос.

Прайс-листы, контактная информация и формы заказа доступны на Веб-сайт службы дублирования.

Доступ к оригиналам

Выполните следующие действия, чтобы определить, нужно ли вам заполнять квитанцию ​​о звонках в Распечатках. и Читальный зал фотографий для просмотра оригинала (ов). В некоторых случаях суррогат (замещающее изображение) доступны, часто в виде цифрового изображения, копии или микрофильма.

  1. Товар оцифрован? (Уменьшенное (маленькое) изображение будет видно слева.)

    • Да, товар оцифрован. Пожалуйста, используйте цифровое изображение вместо того, чтобы запрашивать оригинал. Все изображения могут быть просматривать в большом размере, когда вы находитесь в любом читальном зале Библиотеки Конгресса. В некоторых случаях доступны только эскизы (маленькие) изображения, когда вы находитесь за пределами библиотеки Конгресс, потому что права на товар ограничены или права на него не оценивались. ограничения.
      В качестве меры по сохранности мы, как правило, не обслуживаем оригинальный товар, когда цифровое изображение доступен. Если у вас есть веская причина посмотреть оригинал, проконсультируйтесь со ссылкой библиотекарь. (Иногда оригинал слишком хрупкий, чтобы его можно было использовать. Например, стекло и пленочные фотографические негативы особенно подвержены повреждению. Их также легче увидеть в Интернете, где они представлены в виде положительных изображений.)
    • Нет, товар не оцифрован. Пожалуйста, перейдите к # 2.
  2. Указывают ли вышеприведенные поля Консультативного совета по доступу или Номер вызова, что существует нецифровой суррогат, типа микрофильмов или копий?

    • Да, существует еще один суррогат. Справочный персонал может направить вас к этому суррогат.
    • Нет, другого суррогата не существует. Пожалуйста, перейдите к # 3.
  3. Если вы не видите миниатюру или ссылку на другого суррогата, заполните бланк звонка. Читальный зал эстампов и фотографий. Во многих случаях оригиналы могут быть доставлены в течение нескольких минут. Другие материалы требуют записи на более позднее в тот же день или в будущем. Справочный персонал может посоветуют вам как заполнить квитанцию ​​о звонках, так и когда товар может быть подан.

Чтобы связаться со справочным персоналом в Зале эстампов и фотографий, воспользуйтесь нашей Спросите библиотекаря или позвоните в читальный зал с 8:30 до 5:00 по телефону 202-707-6394 и нажмите 3.

.

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *