Классические портреты: женский, детский, мужской; зарубежных и русских художников

Содержание

Самые известные женские портреты в живописи русских художников — «Лермонтов»

Портреты женщин известных русских художников

«Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова
«Неизвестная» Крамского
Портрет Лопухиной художника Боровиковского
«Бедная Лиза» Кипренского
Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова
«Аленушка» Васнецова
Портрет хористки художника Коровина
Автопортрет Серебряковой

Самые дорогие картины женщин известных русских художников

Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки
Картина «Шокко» Явленского
Портрет Марии Цетлиной художника Серова
Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского
Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани

Русские живописцы нередко обращались в своих работах к образу женщины.

Одни через него выражали самые сокровенные чувства от любви до глубокой печали, другие создавали свой образ русской женщины — хранительницы очага, третьи просто любовались ими. Далее мы рассмотрим наиболее известные женские портреты русских художников и самые дорогие картины с изображением женщин, которые уходили с крупных аукционов.

Портреты женщин известных русских художников

«Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова

Начнем мы наш список с известных портретов Валентина Серова «Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками». Многих до сих пор интересует, в чем же секрет этих двух картин, которые практически каждый знает и сегодня. Особенно это становится любопытным в свете того, что молодому художнику на момент их создания было немногим больше двадцати лет.

В. Серов. «Девушка, освещенная солнцем». 1888 г.

Один из секретов успеха этих картин кроется в том, что Серов долгое время раздумывал над одной важной особенностью всякого полотна.

Он заметил, что реальный момент всегда ярче и живее, чем то, что удается запечатлеть даже самым именитым художникам. И это привело его к поиску такого решения, которое позволило бы запечатлеть именно сам момент во всей его живости и красоте.

Когда однажды в усадьбе Мамонтовых, где он гостил, в столовую вбежала раскрасневшаяся дочка хозяина Вера, взяла персик и стала его есть, художника поразило очарование этого момента. Он немедленно усадил девочку и уговорил ее позировать ему. Но одно дело было запечатлеть в памяти момент с растрепанной румяной девочкой в простом платье, которая только вбежала после уличной игры, а другое месяцами воссоздавать точно такой же эпизод. Работа была непростой, особенно для юной Веры, но Серову все же удалось осуществить задуманное и запечатлеть этот прекрасный момент.

В. Серов «Девочка с персиками». 1887 г.

То же происходило и при работе с картиной «Девушка, освещенная солнцем», для которой модели приходилось долгие часы удерживать на лице одно и то же выражение. В итоге обе работы не только произвели огромное впечатление на зрителей и коллег по цеху, но и ознаменовали приход в Россию импрессионизма.

«Неизвестная» Крамского

Одним из самых загадочных портретов XIX века стала работа Ивана Крамского «Неизвестная». Этой картине суждено было стать популярной не только в 1880-х годах, она волновала публику в XX веке, часто висела на стенах, неоднократно печаталась в различных журналах и учебниках, и узнаваема многими сегодня.

И. Крамской. «Неизвестная». 1883 г.

Крамской представил портрет в 1883 году на выставке передвижников. Мнение публики оказалось для него столь важным, что в какой-то момент он не выдержал и ушел с выставки, не дождавшись реакции на свою картину. Когда же он вернулся, публика не просто с восторгом встретила его, но даже понесла на руках. Картина в один миг сделала художника знаменитым и стала предметом всеобщего обсуждения на долгие годы. В первую очередь зрителей поразили эмоции и сам образ изображенной девушки.

В ее лице читался целый букет противоречивых чувств: это была и гордость, и некоторое презрение, и в то же время сострадание и понимание. Люди останавливались перед этим взглядом и долго всматривались в глаза девушки. В то же время вызывал недоумение и образ: с одной стороны, элегантный, с другой, дамы высшего света в те годы таких нарядов избегали. Поэтому вопрос о происхождении героини становился еще острее.

Зрители и коллеги по цеху буквально засыпали Крамского вопросами о том, кто изображен на портрете. Однако художник не изменил своей задумке (все же картина называлась «Неизвестная») и оставил все в тайне. По слухам, на картине могла быть изображена его дочь Софья, по другой версии художник нарисовал любовницу Александра II Е. Долгорукову, по третьей — крестьянку Матрену Саввишну. Ряд экспертов также склоняется к тому, что это был собирательный образ. Загадочности картине добавили и литературные произведения. Одни видели в «Неизвестной» Анну Каренину из романа Толстого, другие героиню романа «Идиот» Достоевского, а позже «Неизвестную» связывали с «Незнакомкой» из стихотворения Блока.

Портрет Лопухиной художника Боровиковского

Еще один портрет, которым восхищались не только современники Владимира Боровиковского, но и следующие поколения, посвящен Марии Лопухиной из рода Толстых. В то время, как другие живописцы старались в портрете подчеркнуть статус изображаемой героини, Боровиковский сосредоточился на женственности и мягкости. Так появился нежный образ девушки, плавные черты, а фоном выступил неброский пейзаж, подчеркивающий тонкую натуру героини. После множества вычурных портретов известных особ со множеством регалий и в парадной обстановке такой подход произвел глубокое впечатление на зрителей. Портрет долгое время хранился в семье Толстых как ценная семейная реликвия, однако в 1880-х годах Павел Третьяков увидел эту жемчужину и уговорил владельцев продать ее. Так картина попала в знаменитую Третьяковскую галерею.

В. Боровиковский. Портрет М. Лопухиной. 1797 г.

Заметим, что Боровиковский считался мастером женского портрета и создал множество прекрасных и узнаваемых работ.

Некоторые из них за последние годы уходили с аукционов за внушительные суммы (об этом мы расскажем в следующем разделе).

«Бедная Лиза» Кипренского

Смещение акцента с социального статуса на эмоциональную составляющую выбрал и Орест Кипренский, когда работал над картиной «Бедная Лиза». Художник не просто так обратился к одноименному художественному произведению о девушке с трудной судьбой. Предположительно, сам он родился от внебрачной связи помещика Дьяконова и его крепостной. Так как помещик не мог признать незаконнорождённого ребенка крепостной девушки, он выдал ее замуж за другого крепостного и дал ему вольную. Художника глубоко тронула тема бесправных женщин, не имеющих возможности выражать в обществе свои чувства к возлюбленному. И это отразилось в портрете «Бедная Лиза», которую мы видим одновременно полной невыраженных чувств, желаний и глубоко печальной. Картина также попала в Третьяковскую галерею, где находится и поныне.

О. Кипренский. «Бедная Лиза».

1927 г.

Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова

Некоторые русские художники не просто писали женские портреты, но и создавали целые образы отдельных слоев населения. Так, у Михаила Нестерова был свой образ женщины, который даже называли «нестеровским» типом. Пережив в молодом возрасте утрату любимой жены, художник долгие годы размышлял над образом женщины с ее бесконечной скорбью, очарованием и какой-то нескончаемой глубиной души.

М. Нестеров. «Христова невеста». 1887 г.

У Бориса Кустодиева это был образ купчихи, которую называли «кустодиевской красавицей». Это были не то что женщины, а богини, красивые, энергичные и счастливые, раскрашивающие быт купечества чаепитием, гуляниями, музыкой. Образ такой женщины помогал художнику бежать от реальности в полуразрушенной революциями России и в инвалидном кресле, с которого он не мог подняться.

Б. Кустодиев. «Купчиха за чаем». 1918 г.

У Абрама Архипова это был образ крестьянки — румяной, крепкой, в ярком платье, подчеркивающем ее жизнелюбие и энергичность в работе по хозяйству. Многим пришелся по душе такой образ женщины, которая может и революцию пережить, и создать новое общество.

А. Архипов. «Девушка с кувшином». 1927 г.

«Аленушка» Васнецова

Образ Аленушки Виктора Васнецова сегодня узнает каждый, хотя в год выхода картины коллеги по цеху встретили ее прохладно. Но художнику было не привыкать к тому, что к его холстам со сказочными персонажами в те времена относились с непониманием. По-настоящему его образы русских героев и в том числе русской девушки оценили лишь спустя время. Бесконечная печаль, чувство безнадежности в глазах Аленушки с тяжелой судьбой и сегодня глубоко трогает зрителей.

В. Васнецов. «Аленушка». 1881 г.

Портрет хористки художника Коровина

Не сразу была понята и картина «Портрет хористки» Константина Коровина. На выставке коллеги по цеху начали возмущаться, так как художник осмелился изображать девушку какими-то непонятными размашистыми мазками, да еще выбрал некрасивую модель и запечатлел ее в странной позе. В те времена приветствовались портреты в стиле реализма, поэтому картину сняли с выставки. Однако она не только стала толчком для дальнейшего интенсивного расцвета в России импрессионизма, но и была по достоинству оценена потомками.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Автопортрет Серебряковой

Еще один известный женский портрет создан самим автором. Это автопортрет, который художница Зинаида Серебрякова рисовала с себя одним из зимних деньков, когда невозможно было выйти на улицу. В уютной теплой комнате художница взялась за кисть и получала удовольствие от того, что тонко прорисовывала каждую деталь на туалетном столике. Работу она писала быстро по меркам художников, возможно, именно поэтому автопортрет был так радостно встречен публикой на первой же выставке в Петербурге. Зрителей поразила свежесть портрета, очаровательная улыбка «во весь рот», светлые мягкие тона. По словам А. Бенуа, эта картина стала настоящим украшением Третьяковской галереи, куда она попала сразу с выставки.

З. Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет». 1909 г.

Самые дорогие картины женщин известных русских художников

Теперь рассмотрим несколько женских портретов, которые уходили с крупных аукционов по самым высоким ценам в период с 2000 по 2020 годы.

Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки

Интересно, что самый дорогой женский портрет тоже сделан женщиной. История его появления такова. В 1932 году в Париже выступала известная в те времена артистка кабаре. Обаятельной девушкой заинтересовался богатый предприимчивый человек, который взял ее в жены, подарил дорогое кольцо и заказал портрет у самой модной в те времена эпатажной художницы Тамары де Лемпицки. Тамара в тот период уже была хорошо известна своими чувственными портретами в жанре ню, поэтому выбор пал именно на нее. И оно того стоило, так как художница сумела представить артистку Марджори Ферри одновременно невинной и соблазнительной, не изменив при этом своему излюбленному стилю ар-деко. После продажи картина надолго осталась в семье Ферри.

На аукционах эта работа стала появляться с 1995 года, а последняя ее продажа датируется 2020 годом. Картину продали на торгах Christies за 16,3 млн фунтов или 21 млн долларов. И на сегодня это самый дорогой женский портрет русских художников.

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

Картина «Шокко» Явленского

На втором месте по ценовым рекордам находится портрет Шокко (Шокко в широкополой шляпе) Алексея Явленского. Здесь мы уже видим яркую работу в стиле экспрессионизма с характерными контрастными цветами, темными жирными контурами и широкими мазками, скрывающими от нас многие детали. Художник состоял в обществе «Синий всадник», члены которого утверждали, что форма и цвет являются самодостаточными в живописи.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

У Явленского было несколько картин, героиней которых выступала Шокко. Возможно, модель навсегда осталась бы безымянной, как и сотни других моделей известных художников, если бы не одно обстоятельство. Когда она позировала Алексею в его холодной студии, всякий раз просила для согревания дать ей чашечку горячего шоколада. Так художник прозвал ее Шокко и вписал это имя в ряд своих работ с ее участием. Как и другие живописцы, Явленский мог писать картины с обеих сторон доски. Та же участь постигла и «Шокко», с обратной стороны которой была создана картина «Шокко в красной шляпе». Однако художнику удалось разъединить обе работы и продать их разным владельцам. В 2008 году картина «Шокко» была продана на аукционе Sotheby`s за 18,6 млн долларов.

Портрет Марии Цетлиной художника Серова

Появление портрета Марии Цетлиной на аукционе Christie`s в 2014 году стало настоящей сенсацией. Как заявил руководитель русского отдела искусства Christie`s А. Тизенгаузен, это наиболее уникальная работа Валентина Серова, которую ему выпадала честь держать в своих руках за все время работы в аукционном доме. После смерти семьи Цетлинов их коллекция вместе с этим портретом перешла в музеи израильского города Рамат-Ган. Однако в связи с кризисом муниципальные власти приняли решение распродать некоторые работы, чтобы восстановить на них все музеи города. В связи с этим горожане даже устроили бунт, но это не помешало шедевру попасть на аукцион.

Мария Цетлина была женой мецената, во всем поддерживала супруга и помогала ему заниматься известным в Париже литературным салоном для русских эмигрантов. Она часто позировала художникам, и талантливый портретист Серов не упустил случая изобразить благородную женщину. Портрет выполнен в стиле модерна и характерной для него цветовой гамме одного тона. При такой концентрации на одном тоне художник максимально глубоко работал с каждым полутоном, добиваясь особой выразительности картины. С аукциона работа ушла за 9,3 млн фунтов (14,5 млн долларов).

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского

Владимир Боровиковский прославился своими сентиментальными портретами в классическом стиле. На первое место он выдвигал не сходство, а духовную составляющую человека, поэтому герои его картин выходили чувственными, красивыми и добродетельными. На одной из них художник запечатлел богатую графиню Любовь Ильиничну Кушелеву и ее сыновей.

Портрет был представлен на торгах Christie`s в 2014 году среди других пяти картин художника из коллекции потомка князя Оболенского. Все картины выставлять по скромному эстимейту 40-70 тысяч фунтов. Каково же было удивление владельцев и экспертов аукциона, когда цена продажи взлетела в десятки раз! В частности, портрет Кушелевой был продан за 3 млн фунтов (5 млн долларов).

В. Боровиковский. Портрет графини Л. Кушелевой и ее сыновей. 1803 г.

Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани

Не меньший успех на торгах ожидал и картину художника-самоучки Нико Пиросмани. В 2018 году на аукционе Sotheby`s была представлена его работа «Грузинка в лечаки» из серии картин о грузинских женщинах. В советское время эту работу приобрел известный писатель Стефан Цвейг, увидевший в Третьяковской галерее картины художника-примитивиста и сразу полюбивший его искусство. Позже работа из коллекции семьи Цвейга была передана в дар университету Колумбии, откуда и попала на торги. На аукционе ее продали за 2,2 млн фунтов стерлингов (2,8 млн долларов), а начальная цена была заявлена в диапазоне 500-700 тысяч фунтов.

Н. Пиросмани. «Грузинка в лечаки».

Хотя мы рассмотрели немало женских портретов в исполнении известных русских художников, это лишь малая часть всего того огромного наследия, которое нам подарили русские мастера. Множество прекрасных портретов женщин есть в работах А. Харламова, Н. Фешина, В. Шухаева, К. Маковского и многих других талантливых авторов.

Портрет в классическом образе

Эта статья познакомит вас с портретами, исполненными в классическом стиле, а также рассуждениями о женских образах, черно-белых и цветных фотографиях, их важных технических особенностях и не только.

Вдохновляясь снимками из классики мировой фотографии, появляется неудержимое желание подражать им или хотя бы использовать некоторые средства художественной выразительности в своем творчестве. Причем не только в технике, но и в образах. Классический образ — это сложное явление, учитывающее массу мелких, но важных деталей. И в особенности это относится к классическому женскому образу. Черты лица и сложение тела, поза, одежда, атрибуты, эмоции — все имеет значение. Со временем вообще складывается ощущение, что классический женский образ — это чуть ли не единственное, что действительно важно в искусстве. Классические образы и сюжеты реально вдохновляют. Не удивительно, что страсть к ретро фотографиям воспитывает настоящих ценителей, объединяет их в огромные сообщества.
Я уже достаточно давно изучаю особенности портретов в классическом стиле. И должен признать, что для профессионального фотографа покушение на классику — дело достаточно рискованное. Но в некоторых случаях оправданное. Например: эти фотографии, на мой взгляд, хорошо соответствуют требованиям жанра: классическая техника, классический свет, классический образ.

Классический образ, фото: Александр Сакулин

Раньше я тратил по несколько часов и даже дней на отбор фотографий, а теперь задача стала еще сложнее. После того, как хорошая фотография выбрана, я представляю в своем воображении сразу несколько вариантов обработки. А ведь нужно принять решение и остановиться на том единственном, самом лучшем. Иногда выбор не очень сложный. Но порой по-настоящему мучительный. Фотография ниже — это как раз один из тех непростых случаев. Черно-белый вариант хорошо передает нужное настроение, но и цвет смотрится красиво. В данном случае для сравнения я оставил оба. Какой из них лучше, цветной или черно-белый, решайте сами и обязательно оставьте свое мнение в комментариях.

Классический женский образ, фото: Александр Сакулин

С технической точки зрения в черно-белом изображении ключевое значение имеет гармония форм: ритм, пропорции элементов кадра, единство композиции, направление линий, контраст. Помочь все это выстроить помогает свет. Помимо перечисленного выше при работе с цветным изображением очень важно, какая именно будет цветокоррекция. Ведь цвет тоже можно выдержать в классическом стиле, задав соответствующий динамический диапазон, настроив плавность тональных переходов, контролируя глубину и насыщенность оттенков.

Портрет в классическом образе, фото: Александр Сакулин

Классическая фотография учит тому, что фанатичное стремление к качеству — это не самое главное. Важнее содержание кадра. В портрете это определяют взгляд, эмоции, типаж. Лично я считаю, что когда дело не касается коммерции, можно пренебречь качеством ради хорошего момента. Это не значит, что нужно игнорировать все привила, обеспечивающие высокое качество фотографий. А значит то, что всегда стоит учитывать важность конкретного мгновения и оценивать его художественную ценность. На этой фотографии я просто в восторге от того, как динамично и живо выглядит девушка в своем классическом образе! Сдержанно, непосредственно, сексуально. В этом кадре есть целая палитра сложных эмоций. Не знаю, как вам, но я очень доволен такой фотографией, несмотря на некоторые технические погрешности.

Портрет в классическом стиле, фото: Александр Сакулин

Надеюсь, вам понравились образ и снимки, а также небольшой интерактив и мои рассуждения об искусстве фотографии.
Всем этим мы во многом обязаны команде, поэтому отдадим должное тем, кто принимал участие в съемке.
Модель: Нелла Стрекаловская
Стиль, одежда: Сергей Ранцев и Валерия Агузарова
Прическа и макияж: Лилия Сагаутдинова
И, конечно, благодарю своих любимых друзей за помощь, участие и поддержку.
Как видите, материалы моего блога становятся все актуальней и интересней, поэтому не забывайте делиться в социальных сетях, заходите почаще и обязательно подпишитесь на почтовые уведомления о новых материалах. Чао!

Комментариев: 16

Теги: Мода, Портреты, Фотопроекты

Вперед

Об авторе

Фотограф, Арт-директор

Более 10 лет в рекламе и fashion.

Клиенты: LVMH, Сanon, Hyundai, Dyson, Volvo, DHL, Pepsi и другие.

| Примеры работ

Портретная живопись эпохи Возрождения и барокко в Европе | Эссе | The Metropolitan Museum of Art

Портрет обычно определяется как изображение конкретного человека, которого художник может встретить в жизни. Однако портрет не просто фиксирует чьи-то черты, но говорит что-то о том, кто он или она, предлагая яркое ощущение присутствия реального человека.

Традиции портретной живописи на Западе восходят к античности и особенно к Древней Греции и Риму, где в скульптуре и на монетах появлялись реалистичные изображения знатных мужчин и женщин. После многих столетий, когда общее изображение было нормой, в Европе в пятнадцатом веке снова начали появляться отличительные портретные сходства. Это изменение отразило новый рост интереса к повседневной жизни и индивидуальной идентичности, а также возрождение греко-римских обычаев. Таким образом, возрождение портретной живописи было важным проявлением Ренессанса в Европе.

Самые ранние портреты эпохи Возрождения не были сами по себе картинами, а скорее важными включениями в изображения христианских сюжетов. В средневековом искусстве жертвователей часто изображали в запрестольных образах или настенных росписях, которые они заказывали, а в XV веке художники стали изображать таких дарителей с отличительными чертами, предположительно заимствованными с натуры. Примером может служить Триптих Благовещения Робера Кампена (Алтарь Мероде) (56.70) около 1427–1432 годов, в котором мужчина и женщина в левом крыле имеют характерную для портретной живописи специфику. Портреты Ганса Мемлинга Томмазо и Марии Портинари (14.40.626-27), написанные около 1470 года, также, вероятно, предназначались для обрамления образа святого в небольшом триптихе, однако каждое изображение заполняет всю панель и имеет акцент портрета. согласно своему праву.

Одна из отличительных черт европейского портрета — ощущение реальности, явное намерение изобразить неповторимый облик конкретного человека. Таким образом, каждый портрет предназначен для выражения индивидуальной идентичности, но, как признавал Эрвин Панофски, он также «стремится выявить то общее, что есть у натурщика с остальным человечеством» (цитируется по Shearer West, Portraiture [Oxford, 2004], стр. 24). Этот второй аспект портретной живописи проявляется в значительном консерватизме жанра: большинство портретов, созданных в Европе эпохи Возрождения и барокко, следуют одному из очень небольшого диапазона традиционных форматов. Вид в профиль, излюбленный на древних монетах, часто использовался в XV веке, например, на изображении Фра Филиппо Липпи женщины у окна, из которой заглядывает молодой человек (89)..15.19). Широкое распространение также получило лицо в три четверти, которое обеспечивает большее взаимодействие между натурщиком и зрителем. Петрус Кристус использовал этот формат в своем портрете картезианского монаха (49.7.19), который помещает натурщика в просто охарактеризованный интерьер с горизонтальным элементом, таким как подоконник внизу, и сиянием света на левом фоне. Итальянские художники на рубеже шестнадцатого века восприняли и усовершенствовали эту формулу. Например, знаменитый портрет Моны Лизы Леонардо да Винчи (ок. 1503–1505; Лувр, Париж) усиливает ощущение связи между натурщиком и зрителем, кладя руки на подоконник; загадочная улыбка отличается от идеального самообладания, которое можно увидеть где-либо еще. Широко имитируемый Рафаэлем портрет Бальдассаре Кастильоне (ок. 1514; Лувр) использует поясной формат, который можно увидеть в Мона Лиза , но акцентирует внимание на натурщике, выделяя его живое лицо на мягко освещенном сером фоне.

Художники-маньеристы скорректировали эти условности, чтобы создать такие работы, как портрет молодого человека Бронзино (29.100.16), написанный в 1530-х годах: фигура снова появляется поясной, но выражение скорее отчужденное, чем безмятежное, любопытные предметы мебели заменяют барьер. вдоль нижней границы, а руки — правая, перебирающая страницы книги, и левая, прижатая к бедру, — предполагают мгновенное действие и браваду, а не спокойное достоинство. Рука в книге придает натурщикам вид ученой небрежности, как похожего, так и непохожего на модного молодого человека Бронзино: это встречается, например, в чувствительном портрете престарелого архиепископа Филиппо Арчинто Тициана, написанном в 1550-х годах (14.40.650). Рука на бедре часто появляется на портретах правителей или потенциальных правителей, как, например, в великолепном подобии Джеймса Стюарта Ван Дейка, написанном около 1635 года (89)..15.16). Полноформатный формат, всегда дорогостоящий и грандиозный вариант, увеличивает силу и самообладание натурщика. Еще большее великолепие присуще конным портретам, которые также имели греко-римские ассоциации и пользовались большой популярностью при дворах эпохи Возрождения и барокко (52.125).

Традиционные аспекты портретной живописи гарантируют, что каждый пример будет иметь некоторое сходство с другим, и все же это общее сходство делает отличительные качества каждого из них более заметными. Иногда подчеркивается красота или манера поведения натурщика, как в миниатюрном портрете молодого человека Николаса Хиллиарда (35,89.4) с пышными кудрями и прямым взглядом. В других примерах пышный костюм подчеркивает богатство и модный вкус модели (51.194.1). Другие портреты предполагают профессию или интересы натурщика, включая имущество и атрибуты, которые характеризуют его, например, как писателя-гуманиста (19.73.120), опытного скульптора (46.31) или страстного проповедника (65.117). В дополнение к этим довольно публичным аспектам личности портреты могут также указывать на внутреннюю психологию или душевное состояние натурщика. Намеки на личность особенно очевидны в изображениях XVII века менее возвышенных личностей, таких как рембрандтовский портрет мастера Германа Думера (29)..100.1), изображение Веласкеса его помощника Хуана де Пареха (1971.86) и соблазнительное подобие женщины Рубенса, которая могла быть его невесткой (1976.218).

Помимо записи внешности портреты выполняли различные социальные и практические функции в Европе эпохи Возрождения и барокко. Миниатюры дарили как памятные подарки, а портреты правителей утверждали свое величие в местах, где их не было. В придворной обстановке портреты часто имели дипломатическое значение. Например, Ян ван Эйк путешествовал, чтобы сделать портреты (теперь утерянные) потенциальных жен для своего покровителя Филиппа Доброго Бургундского, а Джироламо делла Роббиа сделал керамический портрет Франциска I (41.100.245) для украшения резиденции одного из его товарищи по оружию. Портрет часто заказывали в знаменательный момент чьей-то жизни, например, при помолвке, свадьбе или повышении до должности. Создание портрета обычно предполагало простую договоренность между художником и меценатом, но художники работали и по собственной инициативе, особенно когда изображали друзей и семью (18,72; 19).81,238; 1994.7). Эти портреты иногда демонстрируют чувство привязанности, неформальности или экспериментирования, необычное для заказных работ. Наконец, художники запечатлели свои образы в автопортретах (49.7.25; 14.40.618), где они свободно преследовали свои цели, будь то претензия на высокий статус, демонстрация технического мастерства или откровенная саморефлексия.

Цитата

Сорабелла, Джин. «Портрет в эпоху Возрождения и барокко в Европе». В Хайльбрунн Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/port/hd_port.htm (август 2007 г.)

Дополнительное чтение

Великолепно, Ричард. Портрет . Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета, 1991.

Поуп-Хеннесси, Джон. Портрет в стиле ренессанс . Нью-Йорк: Пантеон, 1966.

Запад, Ширер. Портрет . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета, 2004.

Дополнительные эссе Джин Сорабелла

Сорабелла, Джин. «Паломничество в средневековой Европе». (апрель 2011 г.)
Сорабелла, Джин. «Венецианский цвет и флорентийский дизайн». (октябрь 2002 г.)
Сорабелла, Джин. «Искусство римских провинций, 1–500 г. н.э.» (май 2010 г.)
Сорабелла, Джин. «Обнаженная в барокко и более позднем искусстве». (январь 2008 г. )
Сорабелла, Джин. «Обнаженная в Средние века и Возрождение». (январь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Обнаженная натура в западном искусстве и ее истоки в античности». (январь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Монашество в Западной средневековой Европе». (первоначально опубликовано в октябре 2001 г., последняя редакция в марте 2013 г.)
Сорабелла, Джин. «Дизайн интерьера в Англии, 1600–1800». (октябрь 2003 г.)
Сорабелла, Джин. «Викинги (780–1100)». (октябрь 2002 г.)
Сорабелла, Джин. «Рисование жизни Христа в средневековой и ренессансной Италии». (июнь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Рождение и младенчество Христа в итальянской живописи». (июнь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Распятие и Страсти Христовы в итальянской живописи». (июнь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Каролингское искусство». (декабрь 2008 г.)
Сорабелла, Джин. «Оттонское искусство».
No related posts.