Композиция пейзажа в живописи: Рисунок, живопись и композиция пейзажа

Содержание

Рисунок, живопись и композиция пейзажа

Чтобы рисовать пейзажи потребуется научиться, не просто рисовать, но и точно чувствовать передаваемую на рисунке тему, компоновать, а также развить колористические навыки, практиковаться в живописи. Пейзаж должен быть гармоничным, целостным, четко передавать то или другое состояние природы. Давайте подробнее разберемся в необходимых для художника-пейзажиста правилах и методах.

РИСУНОК.

Рисунок – изображение, зафиксированное на плоскости, с помощью графики. Он является основой для всех видов изобразительного искусства. Без рисунка сложнее работать над художественным произведением.

К рисункам пейзажей многие известные художники относились очень трепетно, ведь передавать на рисунке неповторимое разнообразие природы это так увлекательно и интересно. В создании своих шедевров им помогали: развитое объемно-пространственное видение, знание перспективы и характера строения деревьев и других растений, камней, гор и прочих природных объектов.

Создание рисунков с натуры поможет Вам в изучении закономерностей форм окружающей нас природы. Начинающему пейзажисту нужно приучить себя систематически рисовать на природе, придумывать пейзажные композиции на основании своих наблюдений, делать наброски. Можно рисовать разными материалами: карандашом, тушью, сангиной, черной акварелью, сепией. Следует носить с собой альбом или хотя бы блокнот и зарисовывать в него все, что привлечет ваше внимание. Например: интересные изгибы ручейка или тропинки, необычная форма дерева, груда камней. Помните о пропорции и масштабе.


Дерево. Леонардо да Винчи. Перо.

Когда интересная композиция найдена – приступайте к рисованию, не торопитесь, сначала хорошенько обдумайте все детали рисунка, найдите соотношение высоты и ширины каждого элемента. Если на рисунке обнаружатся ошибки – лучше исправить их сразу

, потом Вы можете увлечься рисованием и забыть о них. Прорабатывайте рисунок дальше, вводя тона и таким образом, придавая предметам объем. Не стоит сильно увлекаться просто темным тоном. Рисуйте тона постепенно, сравнивая все тени между собой. Какие-то из них, в любом случае, будут светлей или темней. Также внимательно отнеситесь к свету, определите, где на рисунке будет самое светлое место и где будет темней всего. Чем разнообразнее тона и полутона – тем живописнее получится рисунок. Напоследок еще раз проверьте все размеры предметов, правильно ли они вписаны в пространство. Первым таким рисункам уделяйте примерно 6-8 часов, разбивая это время на 3-4 сеанса. Постепенно переходите к более сложным рисункам, ставьте перед собой конкретные задачи. Например: изучить строение ивы, кленового листка или сосновой ветки. В таких случаях нужно будет сосредоточиться именно на строении, а тона рисовать не обязательно.
Рисуйте иногда на ватмане, длительные, детальные, сложные рисунки, с большим количеством тонов
. Например: корабль в штормовом море, закат в горах, рассвет в сельской местности. Такие рисунки станут для вас, как бы, контрольными работами. Чем больше Вы будете рисовать, тем лучше у вас будет получаться.

ЖИВОПИСЬ.

Живопись – разновидность изобразительного искусства, когда передача зрительных образов на какую-нибудь поверхность, происходит при помощи нанесения на нее красок.

Смотря на картины художников-мастеров живописи, можно очень вдохновиться и получить массу впечатлений и непередаваемых эмоций, можно долго восхищаться их полнотой и реалистичностью переданных состояний природы. В чем же их секрет? Их секрет в искусно подобранной, интересной, гармоничной композиции, в их выразительности, легкости, мастерстве рисунка, живости цвета.

Чтобы начинающему художнику научиться рисовать живопись, нужно будет поупорствовать в практике и изучить особенности живой природы. Следует обязательно периодически выезжать на этюды. Также стоит приобрести нужные для этого вещи, такие как: грунтованный картон, холсты в подрамниках, складные мольберт, зонт и стульчик, этюдник, акриловые или масляные краски, кисти.


Море. М’якшило В. К. Олія.

Когда едете на природу, если имеете достаточно свободного времени, не торопитесь сразу начинать рисовать, потратьте 1-2 дня на изучение местности, осмотритесь, выберите самый волнующий Вас мотив, обратите внимание, что утром, днем и вечером все выглядит по-разному. Погуляйте с альбомом, сделайте ряд коротких этюдов. Это поможет отыскать правильное отношение дальнего и ближнего плана, отношение земли и неба, разных оттенков зеленого. Сравнивайте этюды между собой. Они не должны быть одинаковыми или слишком похожими. Если Вам удастся отобразить разницу видимой природы в разную погоду и разное время дня – значит, Вы справились с задачей, смогли передать цветовые отношения.

Важно также правильно выбрать общий тон этюда, он тоже будет зависеть от погоды и времени суток. После коротких этюдов, когда Вы распишетесь, переходите к более длительным. Рисуйте в разных форматах (в горизонтальном и вертикальном), берите разную высоту горизонта (для этого достаточно просто присесть). Посмотрите на выбранный мотив с разных точек зрения, походите вокруг, подходите ближе и отходите дальше, чтобы выбрать идеальное расстояние, ведь мотив может казаться интересней при ближайшем рассмотрении или наоборот издалека. Рисуйте в разную погоду, но помните, что состояние солнечного дня меняется очень быстро и рисовать больше чем 1,5 – 2 часа не стоит, а пасмурный день можно рисовать дольше — 2-3 часа.

Когда пейзаж скомпонован, не лишним будет сделать краткосрочный этюд. Приступая к работе, в течение 1-го или 2-ух сеансов прорисуйте мотив, далее подмалевывайте, не стараясь взять точные цвета, внимательно отнеситесь к темным местам и теням. Потом не торопясь, сравнивая отношения цветов и тона, вводите цвета более точно. С большой осторожностью относитесь к внесению белого цвета в краски смешанные для рисования теней и темных мест, тут главное не переборщить. Пока не разберетесь со всеми цветами и тонами, не рисуйте много деталей. От сеанса к сеансу, все время сравнивая отношения цветов, вносите детали. В зависимости от сложности пейзажа, для его написания может понадобиться разное количество времени от 1 дня до нескольких месяцев, а может и больше.


Вечір. М’якшило В. К. Олія.

Развивайте в себе колористическое видение – умение сочетать краски правдиво, жизненно, гармонично, а оттенки делать многообразными и слаженными. Разрабатывайте зрительную память, не рисуйте только с натуры, рисуйте также по памяти, ведь не всегда есть время выбраться на этюд. Наблюдайте за тем что Вас окружает более активно и творчески, вглядывайтесь в то, на что раньше вообще не обращали внимания.

КОМПОЗИЦИЯ.

Композиция – составление целостного образа из отдельных его частей.

В изобразительном искусстве умение компоновать означает расположить объекты таким об разом, чтобы они передавали определенное впечатление, обстановку события. Например, композиция может быть динамической, статической, подавляющей, гармоничной или любой другой, в зависимости от того, что она должна передавать.

Выразив на полотне свою идею в композиционном строе, с предельной ясностью – Вы можете дать возможность людям, увидевшим вашу картину хотя бы один раз, сразу поверить в ее неподдельную правдивость. У известных художников есть такие картины, что, кажется, просто преступлением убрать или прибавить что-то, нарушив этим композицию этих картин.

Для того чтобы задумать удачную композицию, нужно иметь много впечатлений от увиденного и ряд образов, которые если объединить в одно целое, должны ясно отобразить то, что Вы задумали нарисовать. Явление, передаваемое на холсте, должно быть вам хорошо знакомо и изучено вами заранее, в достаточной мере. Композиции на картинах бывают четкими и ярко выраженными, но бывают и такие, которые вообще не заметны на первый взгляд, но это еще не значит, что композиция отсутствует, она может быть настолько простой и убедительной, что просто не будет сразу ощущаться.


Стежинка в ліс. Олія. М’якшило В. К.

Итак, как же правильно скомпоновать пейзаж? Каких-то особых схем, которые сработают наверняка – нет. Законов композиции существует огромное множество. Они становятся понятными только на собственном творческом опыте. Не лишним будет изучить композиционные решения лучших произведений мирового искусства, не для копирования готовых идей, а для рассмотрения примеров разнообразности композиций. В работе над композицией пейзажа большую роль играют: воображение, достаточно ли времени вы уделяете рисованию с натуры, делаете ли правильные выводы. В общем, если Вы любите природу и хотите научиться отображать ее правильно в своих композициях, нужно: отнестись к делу с упорством, посвящать как можно больше своего времени выездам на природу, писать этюды, делать наброски, напрягать зрительную память и воображение, компоновать пейзажные мотивы, которые больше всего Вам интересны.

Нужно ставить перед собой определенные задачи и обязательно доводить дело до конца, чтобы неудачей не отбить у себя охоту к рисованию. Не расстраивайтесь если что-то не получается, пробуйте снова. Не уничтожайте даже самые неудачные свои работы, они потом могут пригодиться вам для сравнения, чтобы отследить причину своих ошибок и пути их исправления впоследствии приобретения большего опыта. Почитайте литературу о художниках, их советы, походите по музеям, внимательно рассматривайте понравившиеся Вам картины, дружите с другими художниками-любителями, а если есть возможность то и с художниками-профессионалами, с ними Вы сможете посоветоваться, поработать вместе на природе. Полезно также будет посетить занятия художественных студий, различные мастер-классы по рисованию.

Удачи Вам и побольше вдохновения в вашем творческом поиске!!!

Поделись в соц. сетях:

Рекомендуем к прочтению:

Что такое искусство.

Как стать художником.

Еще на нашем сайте можно заказать художественную роспись.

Живопись Пейзаж: Правила композиции пейзажа

Пейзаж – жанр живописи поистине «всепроникающий»: издавна существуют лесные, полевые, морские пейзажи, затем к ним добавились городские и сельские, а позже – ещё и «индустриальные». Ещё не началось полноценное освоение иных планет, звёзд и галактик, но уже существуют художники, изображающие пейзажи ближайших к нам планет Солнечной системы (прежде всего Марса, а также Луны) или создающие силой фантазии картины придуманных миров. И при всём этом пейзаж является не просто изображением внешнего мира, а в первую очередь картиной внутреннего мира художника, то есть глубже всего пейзаж проникает в душу человека.

Многие считают, что пейзаж как жанр живописи именно по этой причине следует отличать от фотографии, передающей только изображение внешней действительности. Однако стоит фотографии хоть немного стать искусством, как она тоже, по сути, начинает передавать внутренний мир автора. В узком смысле в искусствоведении принято разграничивать собственно пейзаж и пейзажное изображение: первый обозначает изображение реально существующей местности, являясь определённым живописным аналогом фотографии, а второе – изображение местности, выдуманной художником, пусть и «реалистичной». Входя в число основных и старейших жанров, из которых складывается вся живопись, пейзажи делятся, как уже говорилось, на множество видов.

Изображения местностей или отдельных природных объектов (озеро, река) встречаются уже в неолитических наскальных рисунках. Собственно, ничего, кроме окружающей природы, первобытный человек изображать ещё не умел. Для ранней человеческой истории пейзажные изображения имели, скорее, не эстетическую, а культовую ценность: одни изображения оберегали от злых сил, другие приносили удачу на охоте. Первобытное искусство при всём этом отличается, пожалуй, максимальной реалистичностью и достоверностью: внутренний мир художника (и человека вообще) ещё не отделился от внешнего мира, природы.

Эстетика появляется значительно позже, в эпоху зарождения первых цивилизаций. В античном Средиземноморье пейзажами любили украшать свои дома патриции (представители знатного сословия). Отсюда происходит основное «назначение» пейзажа как художественного жанра, сохраняющее свою силу и поныне: изображение должно не просто отражать объекты внешней или внутренней действительности, но ещё и украшать помещение, а в идеале – настраивать его хозяев и гостей на определённый душевный лад. При рассматривании творения талантливого мастера многие почти физически ощущают дуновение ветра, слышат крики изображённых птиц, ощущают запахи цветов.

  • Характерно, что античные пейзажи проникнуты мотивами полноты и радости бытия, телесностью, правдивостью. Затем, в христианскую эпоху, художники пытаются изобразить, так сказать, красоту божественного мира, пренебрегая самими понятиями художественности и изобразительности. Картина должна была служить этакой «живописной проповедью», понятной простому народу, так что всяческих изысков в произведениях предписывалось избегать.
  • «Вероучительное» значение изображения было актуально ещё и по той причине, что большинству простого народа были недоступны «священные книги», написанные на латыни. В конце концов, основным жанром изобразительного искусства в средние века становится икона, и пейзаж, как и прочие жанры живописи, надолго уходят из человеческой истории.
  • Иконописцы пренебрегали в своих «портретах святых» даже таким элементом, как фон, при необходимости изображая здания или природные объекты схематично и плоскостно. Интерес к пейзажу возрождается только начиная с раннего итальянского Возрождения.

В Японии пейзажи также были популярны с древних времён, поскольку отражали почитаемую японцами природную гармонию. Изображениями природы украшались стены императорского дворца. В японском понимании пейзажа на первом месте стоит не изображаемый объект и даже не внутренний мир художника, а некая всеобщая гармония, принципы которой едины во Вселенной.


В современном искусстве пейзажное изображение нередко деформируется, демонстрируя новые горизонты творческого полёта. Одна из интересных линий в современной пейзажной (или «околопейзажной») живописи заключается в изображении неких «пограничных» структур, где реальное существует рядом с фантастическим, рациональное переходит в иррациональное, конкретные объекты «переходят» в абстракцию.

Главной художественной техникой, ассоциируемой с пейзажем, является живопись маслом. Пейзаж, однако, с определённого времени предстаёт и в акварельной технике, а затем в графической и в иных формах. Наконец, изображением природы «заведует» не только живопись, пейзажи становятся неотъемлемой частью архитектуры, а также театра (постановочные пейзажи).

Как только достигла расцвета эпоха компьютерных игр, а также компьютерная графика в целом, пейзаж стал неотъемлемой частью этих отраслей искусства. И в настоящее время удачной компьютерной игрой считается та, в которой в первую очередь мастерски реализованы различного рода пейзажи, на фоне которых разворачивается действие. Некоторые игры, откровенно слабые по прочим показателям, захватывают именно своей графической частью.

Акварельные пейзажи

Основы акварельного пейзажа заложил Уильям Тёрнер, английский художник викторианской эпохи. Пользуясь характерными особенностями акварельного изображения, Тёрнер создавал картины, отражающие личные впечатления, воспоминания и даже фантазии.

Богатая палитра красок позволяла создать весьма яркие пейзажи, лишённые при этом излишней детализации. В таком виде акварельные пейзажи в определённой степени приближались к красочной абстракции, достигшей своего апогея в некоторых поздних работах того же Тёрнера. Подобные принципы живописи были в новинку для чопорного английского дворянства, однако искусствовед Джон Рёскин не на шутку восхищался Тёрнером, даже называя его величайшим художником всех времён.

Видео: Пейзаж в живописи

Графическая композиция урбанистического пейзажа

Графическая композиция урбанистического пейзажа

Содержание

Введение

1. Жанр пейзаж

1.1 История возникновения жанра урбанистического пейзажа

1.2 Графический пейзаж

2. История возникновения графики

2.1 Виды графики

3. Художники, работающие в графической технике

4. Графическая техника

5.Типы графических композиций

6. Художники, работающие в жанре урбанистического пейзажа

Заключение

Список литературы

Введение

Мы с вами часто восхищаемся красотой природы. Мы легко можем изобразить великолепие просторов полей, лугов, озёр и рек, можем показать в рисунке красоту цветущего сада тили величавость могучего дуба…. Многое можно изобразить в рисунке. Наша сегодняшняя цель – показать красоту городского пейзажа и выявить методику изображения графической композиции урбанистического пейзажа.

Графической технике изображения пейзажа отдавали предпочтение многие известные и именитые художники.

Города…. Большие и маленькие, с современными небоскрёбами и узкими улочками…. Они такие разные. Картины с изображение урбанистического пейзажа столь же разнообразны, как и города. Картины с городским пейзажем помогают сохранить память об историческом облике наших городов. Картины позволяют нам увидеть городской пейзаж современных городов. На картинах мы можем увидеть городской пейзаж городов прошлого. Также мы можем увидеть будущее наших городов. Картины, на которых изображен урбанистический пейзаж — это наш гид по городам прошлого, настоящего и будущего.

В настоящее время у современных художников очень большой выбор картин в жанре урбанистического пейзажа. Картины городского пейзажа красивы, разнообразны по сюжетам и технике исполнения. Современные художники исполняют картины не только с пейзажами российских городов, но и с пейзажами городов всего мира. Поэтому задача работы — изучить искусствоведческую литературу по теме графическая композиция урбанистического пейзажа, раскрыть понятия: графическая композиция, техники графики, урбанистический пейзаж. На основе проанализированной информации выявить правила изображения графического пейзажа.

1. Жанр пейзаж

В переводе с французского слово “пейзаж” (paysage) означает “природа”. Именно так именуют в изобразительном искусстве жанр, главная задача которого — воспроизведение естественной или измененной человеком природы.

Кроме того, пейзаж — это конкретное художественное произведение в живописи или графике, показывающее зрителю природу. “Героем” такого произведения является естественный или выдуманный автором природный мотив.

Элементы пейзажа можно обнаружить уже в наскальной живописи. В эпоху неолита первобытные мастера схематично изображали на стенах пещер реки или озера, деревья и каменные глыбы. На плато Тассилин-Аджер в Сахаре были обнаружены рисунки со сценами охоты и перегона стад. Рядом с фигурками животных и человека древний художник схематично нарисовал простенький пейзаж, не дающий возможности конкретизировать место действия. В искусстве Древнего Востока и Крита пейзажный мотив — довольно часто встречающаяся деталь настенных росписей. Так, недалеко от селения Бени-Хасан в Среднем Египте были найдены скальные гробницы древнеегипетских правителей, живших в 21-20 веках до н.э. Одна из многочисленных фресок, покрывавших стены погребальных камер, изображает дикую кошку, охотящуюся в густых зарослях. Среди росписей залов знаменитого Кносского дворца на острове Крит обнаружена роспись, названная исследователями “Куропатки в скалах”.

В древнеримском городе Стабии, разрушенном, как и Помпеи, во время извержения Везувия, среди других росписей, найденных в одном из патрицианских домов, выделяется фреска “Морской порт”, представляющая собой настоящий морской пейзаж.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в VI веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ. Традиции китайской пейзажной живописи оказали большое влияние и на японское искусство. К сожалению, рамки нашего издания не позволяют рассказать подробно о пейзажистах Китая и Японии — это тема для отдельной книги.

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Большую роль в формировании пейзажной живописи сыграли европейские миниатюристы. В средневековой Франции при дворах герцогов Бургундских и Беррийских в 1410-х годах работали талантливые иллюстраторы братья Лимбург — создатели очаровательных миниатюр к часослову герцога Беррийского. Эти изящные и красочные рисунки, рассказывающие о временах года и соответствующих им полевых работах и развлечениях, показывают зрителю природные ландшафты, выполненные с мастерской для того времени передачей перспективы.

Ярко выраженный интерес к пейзажу заметен в живописи Раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство, загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека. Таково полотно “Шествие волхвов” (первая половина XV века, Метрополитен-музей, Нью-Йорк) итальянского мастера Стефано ди Джованни по прозвищу Сасетта.

Значительный шаг вперед по пути развития пейзажной живописи сделал швейцарский художник XV века Конрад Виц, показавший в своей композиции на религиозный сюжет конкретную местность — берег Женевского озера.

Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие художники стали внимательно изучать натуру. Отказавшись от привычного построения пространственных планов в виде кулис, нагромождения деталей, несогласованных в масштабе, они обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж, представленный как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы, ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане.

Несмотря на столь явный прогресс, вплоть до XVI столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером тому является знаменитый портрет Моны Лизы (ок. 1503, Лувр, Париж), написанный Леонардо да Винчи.

Великий живописец с замечательным мастерством передал на своем полотне неразрывную связь человека и природы, показал гармонию и красоту, которые на протяжении вот уже многих столетий заставляют зрителя в восхищении замирать перед “Джокондой”.

За спиной молодой женщины открываются безграничные просторы вселенной: горные вершины, леса, реки и моря. Этот величественный ландшафт подтверждает мысль о том, что человеческая личность так же многогранна и сложна, как мир природы. Но постичь многочисленные тайны окружающего мира люди не в силах, и это словно подтверждает загадочная улыбка на устах Джоконды.

Постепенно пейзаж вышел за рамки других художественных жанров. Этому способствовало развитие станковой живописи. В небольших по своим размерам картинах нидерландского мастера И. Патинера и немецкого художника А. Альтдорфера пейзаж начинает господствовать над сценами, показанными на переднем плане.

Многие исследователи именно Альбрехта Альтдорфера считают родоначальником немецкой пейзажной живописи. Маленькие человеческие фигурки на его полотне “Лесной пейзаж с битвой св. Георгия” (1510, Старая пинакотека, Мюнхен) теряются среди могучих стволов деревьев, мощные кроны которых заслоняют землю от солнечного света.

Написанные позднее “Дунайский пейзаж” (ок. 1520-1525, Старая пинакотека, Мюнхен) и “Пейзаж с замком Верт” (ок. 1522-1530, Старая пинакотека, Мюнхен) свидетельствуют о том, что теперь изображение природы — главная и, наверно, единственная задача художника. В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником, придававшем пейзажу огромное значение, стал Джорджоне, работавший в начале XVI столетия. Природа является главным персонажем его картины “Гроза” (ок. 1506-1507, Галерея Академии, Венеция). Пейзаж на этом полотне — уже не столько среда, в которой живет человек, сколько носитель чувств и настроений. “Гроза” предлагает зрителю погрузиться в мир природы, внимательно прислушаться к его голосам. На первый план в картине выходит эмоциональное начало, призывающее к созерцанию, проникновению в поэтический мир, созданный мастером. Огромное впечатление производит колорит картины: глубокие, приглушенные краски зелени и земли, свинцово-синие оттенки неба и воды и золотисто-розовые тона городских сооружений.

В других картинах Джорджоне пейзаж играет не менее важную роль. Идея единения человека и природы нашла отражение в таких работах мастера, как “Три философа” (1507–1508, Музей истории искусства, Вена) и “Спящая Венера” (1508, Картинная галерея, Дрезден). В последней композиции спящая молодая женщина как будто олицетворяет восхитительную итальянскую природу, пронизанную горячим южным солнцем.

Джорджоне оказал значительное влияние на Тициана, позднее возглавившего венецианскую школу. Тициан сыграл большую роль в формировании всех жанров европейской пейзажной живописи. Знаменитый художник не оставил без внимания и пейзаж. На многих его полотнах предстают величественные образы природы. Восхитительны тенистые рощи, в которых мощные деревья заслоняют путника от палящих солнечных лучей. Среди густой травы видны фигуры пастухов, домашних животных и диких зверей. Деревья и растения, люди и животные — дети единого мира природы, прекрасного и величественного. Уже в раннем полотне Тициана “Бегство в Египет” (Эрмитаж, Санкт-Петербург) изображение природы на заднем плане затмевает печальную сцену бегства Святого семейства в Египет.

Традиции венецианской школы нашли отражение в живописи испанского художника Эль Греко. Грек по происхождению (настоящее имя — Доменикос Теотокопулос), он оставил свою родину, Кипр, и уехал в Венецию, а затем поселился в Испании. Среди самых известных картин мастера — пейзаж “Вид Толедо” (1610–1614, Метрополитен-Музей, Нью-Йорк). Эль Греко очень эмоционально и живо передает природу в момент грозы. По небу несутся свинцовые тучи, освещаемые вспышками молний. Застывший серебристо-серый город с домами, башнями, церквями кажется в таинственном фосфорическом свете сказочным видением. Напряженный драматизм, пронизывающий полотно, помогает художнику донести до зрителя свою идею о противоборстве земных и небесных сил.

В Северной Европе в XVI веке пейзаж также завоевал в живописи прочные позиции.

Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. В картинах, посвященных временам года, мастер проникновенно и поэтично показал суровые северные ландшафты. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами. Они косят траву, жнут рожь, гонят стада, охотятся. Спокойный и неторопливый ритм человеческого быта — это тоже жизнь природы. Своим творчеством Брейгель словно стремится доказать: небо, реки, озера и моря, деревья и растения, животные и человек — все это частицы мироздания, единого и вечного.

В XVII веке появилось множество национальных школ, сформировались новые жанры и их разновидности. Это время было весьма удачным для дальнейшего развития пейзажного жанра.

Традиции Брейгеля в области пейзажной живописи подхватили представители голландской школы.

Нидерландская буржуазная революция (1566–1609) оживила культурную жизнь страны и способствовала творческому прогрессу. На XVII век приходится необычайный расцвет голландской живописи и всех ее жанров, наиболее распространенным из которых становится пейзажный.

Голландские пейзажисты смогли запечатлеть на своих полотнах всеобъемлющую картину мира во всех его проявлениях. Произведения таких художников, как Х. Аверкамп, Э. ван дер Пул, Я. Порселлис, С. де Влигер, А.Г. Кейп, С. ван Рейсдал и Я. ван Рейсдал, передают гордость человека за свою землю, восхищение красотой моря, родных полей, лесов и каналов. Чувство искренней и безграничной любви к окружающему миру ощущается во всех произведениях голландских пейзажистов.

Каналы с парусными лодками, равнинные ландшафты, мельницы, густые леса, заснеженные селения, городские улицы с каменными домами и площади — все эти приметы говорят зрителю, что перед ним настоящий голландский пейзаж.

Полные лирического чувства и поэтической прелести картины изображают окружающий мир в разное время года и в различные часы суток. Но все же большая часть этих пейзажей передает природу в минуты затишья, когда низкие облака медленно плывут над землей, окутанной влажной, туманной атмосферой, а солнечные лучи, пробиваясь сквозь тучи, легко ложатся на воду каналов, ветви деревьев, крыши зданий.

Для большинства голландских пейзажей характерен приглушенный колорит, состоящий из светло-серебристых, оливково-охристых, коричневатых оттенков, близких к естественным краскам природы. Положенные на холст с помощью тонких, ювелирно точных мазков, эти цвета убедительно и реалистично передают вещественность окружающего мира.

Ян ван Гойен, основоположник реалистического пейзажа в голландской живописи, равно как и другой голландский пейзажист, Филипс Конинк, с большой достоверностью показывал вересковые дюны, берега и речные заводи, деревья, ветряные мельницы, болота, каналы, морские просторы.

С тонким лиризмом передает дороги с деревьями по обочинам и аллеи в лесу замечательный художник Мейндерт Хоббема. Главная особенность пейзажей другого голландского мастера, Альберта Кейпа, — соединение пейзажа с анималистическим жанром. Его картины восхищают зрителя своими насыщенными и звучными красками.

Интерес к изображению природы проявлял и знаменитый голландский жанрист, Ян Вермер Делфтский. В его обширном творческом наследии всего два пейзажа, но и в них он сумел проявить свое величайшее мастерство. Чудесный город, омытый дождем и освещенный робкими солнечными лучами, представлен на красочном полотне “Вид Делфта” (до 1660, Маурицхейс, Амстердам). Тихий уголок города изображен в пейзаже “Улочка” (до 1660, Рейксмузеум, Амстердам). Используя простой мотив, Вермер сумел придать своему пейзажу, исполненному в гамме кирпично-красных оттенков, глубокую содержательность и значимость. Поражает то, с каким мастерством художнику удалось соединить в своих картинах тщательность в изображении всех деталей с виртуозной передачей световоздушной атмосферы.

В XVII веке в Голландии получила широкое распространение одна из разновидностей пейзажного жанра — марина. В стране мореплавателей и рыбаков морской пейзаж пользовался огромным успехом. В числе лучших художников-маринистов — В. ван де Велде, С. де Влигер, Я. Порселлис, Я. ван Рейсдал. Последний прославился не только своими морскими видами, но и картинами с изображением равнин, мельниц по берегам рек, деревушек среди дюн.

В Голландии XVII века большой популярностью пользовались космополитические пейзажи, авторы которых специализировались на создании воображаемых ландшафтов в итальянском стиле. Но не они, а полотна с мотивами скромной нидерландской природы сделали живопись Голландии столь значительным явлением мировой культуры.

Реалистическое искусство Испании, Италии и Франции также сыграло свою роль в развитии пейзажной живописи. В творчестве Диего Веласкеса есть пейзажи, отразившие тонкую наблюдательность великого испанского мастера (“Вид виллы Медичи”, 1650–1651, Прадо, Мадрид). Веласкес виртуозно передает свежесть зелени, теплые оттенки света, скользящего по листьям деревьев и высоким каменным стенам.

Картины Веласкеса свидетельствуют о зарождении пленэрной живописи: оставив мастерские, художники отправились работать на открытый воздух, чтобы лучше изучить натуру.

В XVII веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума.

Французский живописец Никола Пуссен, работавший в Италии, стал создателем героического пейзажа. Картины Пуссена, показывающие грандиозность мироздания, населены мифологическими персонажами, героями, воспитывающими в зрителе возвышенные чувства. Художник, полагавший, что основная цель искусства — воспитание человека, считал главной ценностью порядок и рациональное устройство мира. Он писал произведения с уравновешенной композицией, четко выстраивал пространственные планы, согласно строгим правилам распределял цвета. Пуссен не делал публику участницей своих картин. Зрители, смотревшие на его пейзажи, должны были довольствоваться ролью созерцателей, наслаждающихся изображением и совершенствующих свой разум.

В рамках классицизма Клод Лоррен разработал концепцию идиллического пейзажа. Его картины проникнуты духом идеальной гармонии. Художник так умело выстраивает планы — памятники античности, древние руины, деревья с густыми кронами, что на полотне остается достаточно места для передачи широких пространств моря, земли и воздушных далей. И если на картинах Пуссена мифологические герои располагаются в центре композиции, то в произведениях Лоррена они лишь стаффажные фигуры.

Иной предстает природа на полотнах мастеров барокко. В отличие от классицистов они стремятся передать динамику окружающего мира, бурную жизнь стихий. Так, пейзажи фламандца Питера Пауля Рубенса передают мощь и красоту земли, утверждают радость бытия, вселяя в зрителей чувство оптимизма. Все сказанное можно отнести к его “Пейзажу с радугой” (Эрмитаж, Санкт-Петербург), на котором мастер запечатлел уходящие за горизонт просторы, высокие холмы и величественные деревья, долину с раскинувшимися селениями, пастушек и пастухов, стада коров и овец. Великолепный пейзаж венчает радуга, сверкающая нежными красочными оттенками.

Эмоционально выразительные пейзажи, в которых отразились барочные традиции, создавал итальянский мастер начала XVII столетия Алессандро Маньяско. В его картинах нет ничего идиллического. Полные тревожного чувства, они показывают сложность мироустройства. На полотне “Морской берег” зритель видит хаотичное нагромождение деталей. Бурные морские волны бьются о берег, на котором художник поместил множество человеческих фигур. Это цыгане, разбойники, крестьяне, отшельники, торговцы.

Трудно понять, чем заняты эти люди. Столь же загадочен и романтический пейзаж: взволнованное море, деревья с изогнутыми стволами, мрачные крепости с башнями и высокие серые скалы на горизонте.

В XVIII веке широкое распространение получила ведута — разновидность пейзажного жанра, сформировавшегося в венецианской живописи. Свое начало она ведет от городского, или архитектурного, пейзажа, элементы которого появились еще в искусстве Средневековья. Замечательными мастерами ведуты были Франческо Гварди, Антонио Каналетто, Бернардо Беллотто.

В XVIII веке дальнейшее развитие пейзажная живопись получила и в искусстве Франции. Антуан Ватто, которого называли “живописцем галантных праздников”, писал мечтательные сцены на фоне чудесных парков. Его пейзажи, выполненные нежными и трепетными красками, очень эмоциональны, они передают разнообразные оттенки настроения (“Паломничество на остров Киферу”, 1717, Лувр, Париж).

Ярким представителем искусства рококо был французский художник Франсуа Буше, создававший пейзажи, полные чувственного очарования. Словно сотканные из голубых, розовых, серебристых оттенков, они кажутся восхитительными волшебными грезами (“Пейзаж в окрестностях Бове”, Эрмитаж, Санкт-Петербург). У Буше учился другой французский художник, работавший в стиле рококо, — Жан Оноре Фрагонар, чьи красочные пейзажи, пронизанные воздухом и светом, передают свежесть воздуха, тепло солнечных лучей, трепетное движение листвы на деревьях (“Сады виллы д’Эсте”, собрание Уоллес, Лондон).

Новое отношение к природе появилось в искусстве во второй половине XVIII столетия. В пейзажной живописи эпохи Просвещения не осталось и следа от прежней идиллической условности рокайльного искусства. Художники стремились показать зрителю естественную природу, возводимую в эстетический идеал. Многие живописцы, работавшие в этот период, обращались к античности, видя в ней прообраз свободы личности. Величественные руины Древнего Рима воссоздают картины Юбера Робера. Как и другие пейзажисты своего времени, Робер соединял в своих композициях реальность и вымысел.

Основанные на натурных наблюдениях морские бури и порты Клода Жозефа Верне с их яркими эффектами освещения вызывали восторг современников. Живопись Верне оказала воздействие на представителей романтического направления, появившегося в европейском и американском искусстве в первой половине XIX века. Ярчайшими представителями романтического пейзажа в Англии были Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер и Джон Констебл, в Германии — Каспар Давид Фридрих.

Красоту простой сельской природы открыли для зрителя французские пейзажисты — представители барбизонской школы: Теодор Руссо, Жюль Дюпре и др. Близка искусству барбизонцев живопись Камиля Коро, стремившегося передать трепетную воздушную среду с помощью валеров. Камиля Коро считали своим предшественником французские импрессионисты. Пленэрные пейзажи Клода Моне, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея отражают глубокий интерес художников к изменчивой световоздушной среде. Произведения импрессионистов показывают не только сельскую природу, но и живой и динамичный мир современного города.

Видоизмененные традиции импрессионистов использовали в своей живописи художники-постимпрессионисты. С позиций монументального искусства представляет величественную красоту и мощь природы Поль Сезанн. Полны мрачного, трагического чувства пейзажи Винсента ван Гога. Солнечные блики на поверхности воды, трепетность морского воздуха и свежесть зелени передают полотна Жоржа Сёра и Поля Синьяка, выполненные в дивизионистской технике.

В XX веке к пейзажному жанру обращались представители самых различных художественных направлений. Яркие, напряженно звучные картины природы создавали фовисты: Анри Матисс, Андре Дерен, Альбер Марке, Морис Вламинк, Рауль Дюфи и др.

Кубисты (Пабло Пикассо, Жорж Брак, Робер Делоне и др.) выполняли свои пейзажи с помощью расчлененных геометрических форм. Пейзажный жанр интересовал художников-сюрреалистов (Сальвадор Дали) и абстракционистов (Василий Кандинский, Хелен Франкенталер), писавших декоративные композиции, в которых главное — впечатление непосредственной импровизации в передаче образов природы.

Признанными мастерами пейзажной живописи в XX веке оставались и представители реалистических направлений (Рокуэлл Кент, Джордж Уэсли Беллоуз, Ренато Гуттузо).

Особое место занимает пейзаж в русской живописи. Впервые пейзажные мотивы, переданные схематично, появились в древнерусской иконописи. Фигуры Христа, Богородицы, святых и ангелов на старинных иконах изображались на фоне условного пейзажа, где невысокие холмы обозначали скалистую местность, редкие деревца, породу которых невозможно определить, символизировали лес, а здания, лишенные иллюзорных объемов, представляли собой храмы и палаты.

Первые пейзажи, появившиеся в России в XVIII веке, являли собой топографические виды великолепных дворцов и парков. Во времена Елизаветы Петровны был издан атлас гравюр с видами Петербурга и его окрестностей, выполненный по рисункам М. И. Махаева. Но только с появлением произведений Семена Федоровича Щедрина можно говорить о том, что пейзаж как отдельный жанр сформировался в русской живописи. Свою лепту в развитие пейзажа внесли современники Щедрина — М.М. Иванов и Ф.Я. Алексеев. Живопись Алексеева оказала влияние на молодых художников — М.Н. Воробьева, С.Ф. Галактионова, А.Е. Мартынова, посвятивших свое искусство Петербургу: его дворцам, набережным, каналам, паркам.

М.Н. Воробьев воспитал целую плеяду замечательных пейзажистов. В их число входили братья Г.Г. и Н.Г. Чернецовы, К.И. Рабус и др. Ряд чудесных литографических акварельных пейзажей с видами окрестностей Петербурга выполнил А.П. Брюллов, брат знаменитого К.П. Брюллова, позднее ставший архитектором. Но произведения этих мастеров тускнеют рядом с картинами Сильвестра Феодосиевича Щедрина, запечатлевшего на своих полотнах яркую красоту итальянской природы.

К середине XIX века в русской пейзажной живописи сформировались определенные принципы эстетического восприятия природы и приемы ее отображения.

От школы Воробьева идут романтические традиции, воспринятые его учениками. Среди них — рано умерший М.И. Лебедев, Л.Ф. Лагорио и И.К. Айвазовский, главной темой искусства которого было море. Особое место в русской живописи занимает творчество А.К. Саврасова, ставшего основоположником национального лирического пейзажа. Саврасов оказал воздействие на своего ученика и друга — пейзажиста Л.Л. Каменева.

Параллельно с лирическим направлением в русской пейзажной живописи развивался эпический пейзаж, ярким представителем которого был М.К. Клодт, стремившийся к созданию пейзажа-картины, представляющей зрителю целостный образ России.

Во второй половине XIX века серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как И.И. Шишкин, Ф.А. Васильев, А. Куинджи, А.П. Боголюбов, И.И. Левитан.

Традиции лирического левитановского пейзажа были подхвачены работавшими на рубеже XIX-XX столетий живописцами И.С. Остроуховым, С.И. Светославским, Н.Н. Дубовским.

Пейзажная живопись XX века связана с именами И.Э. Грабаря, А.А. Рылова, К.Ф. Юона. В духе символистского искусства создавали свои пейзажи П.В. Кузнецов, Н.П. Крымов, М.С. Сарьян, В.Э. Борисов-Мусатов.

В 1920-е годы получил развитие индустриальный пейзаж (интерес к этой разновидности пейзажного жанра особенно заметен в творчестве М.С. Сарьяна и К.Ф. Богаевского).

Выразительные и впечатляющие образы родной природы создавали также пейзажисты Г.Г. Нисский, С.В. Герасимов, Н.М. Ромадин и др.

1.2 История возникновения жанра урбанистического пейзажа

Элементы пейзажа встречаются в искусстве глубокой древности. Пейзаж постепенно формируется как самостоятельный жанр в искусстве, в котором основным предметом изображения является природа. Вначале бытует чисто видовой пейзаж, преобладавший в основном в графике, где вечно обновляющаяся природа считалась наиболее наглядным воплощением жизни.

Позднее в нем находят отражение мотивы и настроения, характерные для того или иного художественного направления — классицизма, романтизма и других.

В XX столетии получают развитие такие разновидности пейзажа, как городской и индустриальный.

Термин урбаниза́ция (от лат. urbanus — городской) — процесс повышения роли городов в развитии общества. Предпосылки урбанизации — рост в городах промышленности, развитие их культурных и политических функций, углубление территориального разделения труда. Для урбанизации характерны приток в города сельского населения и возрастающее маятниковое движение населения из сельского окружения и ближайших малых городов в крупные города (на работу, по культурно-бытовым надобностям и пр.).

1.3 графический пейзаж

Пейзаж — изображение природы в литературе и живописи, иначе — образ природы в художественном произведении (слово П. происходит от французского pays — страна, местность). Из области пространственных искусств термин «П.» перешел в литературоведение. Историки искусства, подходившие к П. со стороны формальной и эстетической, конечно не могли дать удовлетворительного объяснения как причине появления интереса к П. , так и характеру изменений в его трактовке. Они рассматривали П. как нечто оторванное от человеческого общества и изображаемое художником с «объективной» свободой, без всякой «заинтересованности» в изображаемом. Пейзаж – жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение природы, вида местности, ландшафта.

Пейзаж – традиционный жанр станковой живописи и графики. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический, эпический характер. В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить: сельский, городской, индустриальный пейзаж. Для изображения пейзажа необходимы знания наблюдательной и воздушной перспективы. Надо научиться определять масштаб изображения, выделять главное в рисунке пейзажа. Успех во многом будет зависеть от правильной последовательности работы. Важно выбрать выразительные пейзажные мотивы. Далее следует подумать о выборе высоты линии горизонта. Один и тот же пейзаж будет выглядеть величественно при низкой точке зрения и обычно, если линия горизонта будет проходить через центр листа. Высокое расположение линии горизонта или вынесение ее за пределы листа позволяет показать большую часть земной поверхности.

В рисунке пейзажа изображение неба во многом определяет настроение всего пейзажного мотива. Над земной поверхностью небо образует купол, полусферу.

Это лучше под черкнуть расположением облаков. Одинаковые по форме и находящиеся на одной высоте облака кажутся меньше и ближе друг к другу по мере удаления их к горизонту. Светотеневые эффекты на облаках значительным образом изменяются в зависимости от времени дня. Именно облака, закрыв солнце и отбрасывая тень, могут значительным образом изменить впечатление. Очертания легких облаков могут придать романтическую атмосферу рисунку. Учебное рисование включает быстрые наброски пейзажа, его отдельных деталей, а также рисунки, выполняемые в течение нескольких часов. Линейный рисунок призван запечатлеть объемный объект. Для обозначения контуров и светотени используют линии и штрихи. Например, этот быстрый линейный набросок деревни значительным образом отличается от светотеневого его изображения. В линейном наброске основное внимание художник сосредоточил на перспективных сокращениях дороги, столбов и домов. А в светотеневом изображении важно было показать игру пятен света, полутонов и теней. Яркое солнце усиливает световые контрасты. Наиболее удачное композиционное решение можно использовать для выполнения длительного рисунка. В число учебных задач, решаемых пейзажистом, может входить передача определенного времени суток, состояния природы или времени года. Также используются различные художественные материалы, такие как грифельный и угольный карандаш, перо, фломастер, геливая и шариковая ручка Большой интерес в рисунке представляет зарисовка памятников архитектуры. Например, наброски городов с различными архитектурными сооружениями передают очарование русской старины.

Эти рисунки выполнены палочкой и тушью с учетом тональных отношений.

Графитный карандаш позволяет более тонко, чем тушь, передавать тональные различия в пейзаже. Улицы города полны движения, наброски фломастером фиксируют его.

Работа над длительным рисунком пейзажа начинается с композиционных эскизов небольшого размера. Лучше использовать различные форматы и художественные материалы. Наиболее удачное композиционное решение можно использовать для выполнения длительного рисунка.

2. История возникновения графики

Графика (греч. graphike, от grapho — пишу, черчу, рисую), вид изобразительного искусства. Графикой называют рисунок и отпечаток на листе бумаги (в древности – на папирусе, на пергаменте). Этот вид включает рисунок и печатные художественные произведения (гравюру, литографию и др.), основывающийся на искусстве рисунка, но обладающий собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями. Термин «Графика» первоначально употреблялся лишь применительно к письму и каллиграфии. Новое значение он получил в конце 19 — начале 20 вв. в связи с бурным развитием полиграфии и распространением каллиграфически чёткого, контрастного линейного рисунка, наиболее удобного для фотомеханического воспроизведения в книге и журнале.

Такое понимание графики в дальнейшем было расширено. Кроме контурной линии, графика использует штрих и пятно, также контрастирующие с белой (реже цветной или чёрной) поверхностью бумаги — основного материала графики. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы. Графика не исключает и применения цвета. Наиболее общий отличительный признак Графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского. Пространственное ощущение создают не только не занятые изображением участки листа, но часто (например, в рисунках акварелью) и проступающий под красочным слоем фон бумаги. При этом связанное с плоскостью листа графическое изображение носит и в известной мере плоскостный характер.

2.1 Виды графики

В зависимости от предназначения графика подразделяется на несколько видов.

Станковая графика (станковый рисунок, эстамп, лубок)

Книжная графика (иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложка, суперобложка т.  п.)

Журнальная и газетная графика

Компьютерная графика

Миниатюра (вариант книжной графики)

Промышленная графика

И некоторые другие виды графики. Как проявления массовой культуры специфическими видами графики являются в станковой печатной графике — лубок, а в газетно-журнальной — карикатура. Относительно молодой областью графики является также плакат, который в современных формах сложился в XIX в. как вид торговой и театральной В зависимости от способа исполнения и возможностей тиражирования графику делят на уникальную и печатную. Уникальная графика — создание произведений в единственном экземпляре (рисунок, акварель, монотипия, аппликация и т. п.). Печатная графика (гравюра) — создание печатных форм, с которых можно получать по несколько оттисков.

2.2 Художники, работающие в графической технике

Наследие графического искусства многообразно. Оно отмечено работами таких всемирно известных мастеров, как Альбрехт Дюрер(1471—1528), Франсиско Гойя (1746—1828), Гюстав Доре (1832—1883), японских художников Китагава Утамаро (1753—1806), Хиросиге Андо (1797—1858) и гравёра и рисовальщика Хокусай Кацусика (1760—1849), чьё творчество оказало значительное влияние на европейское искусство конца XIX — начала XX вв.

3. Графическая техника

Графика (греч. γραφικος — «письменный», от греч. γραφω — «пишу») — видизобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. (Цвет также может применяться, но, в отличие отживописи, здесь он играет вспомогательную роль. При рисовании графикой обычно используют не больше одного цвета (кроме основного черного), в редких случаях — два). Кроме контурной линии в графическом искусстве широко используется штрих и пятно, также контрастирующие с белой (а в иных случаях также цветной, чёрной, или реже — фактурной) поверхностью бумаги — главной основой для графических работ. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы.

Линия. Одним из основных средств композиции является линия. Там, где требуется ограничить пространство, намекнуть на форму, создать ощущение среды — применяется линия. Прямая, кривая, ломаная, сложная — она присутствует практически во всем, хотя и не всегда явно.

Пятно. Пятно в композиции часто помогает акцентировать важный объект и определить центр композиции (смысловой).

Пятно в зависимости от решаемых задач может быть как цветовым, так и тональным.

Размер пятна по отношению к всему формату может дать ощущение большого пространства, пустоты, одиночества, или наоборот, тесноты и суеты.

Графический пейзаж – изображение природной среды в виде рисунка, т.е. линиями и штрихами, в черно-белой цветовой гамме.

4.Типы графических композиций

Композиция – расположение всех частей произведения в пространстве и времени.

Строгой теории составления композиции не существует, есть лишь некоторые принципы, правила и приемы.

Ритм. Четкость восприятия композиции, ее запоминаемость напрямую зависят от ритма. Ритм может проявлять себя во многих ипостасях — от блоков в странице до пауз и стоек в шрифтовых композициях.

Чем монотоннее ритм — тем скучнее композиция. Мозг не любит монотонности. В страничных композициях важен ритм изображений, элементов и пауз. Даже в самых статичных композициях можно отыскать проявления ритма — ритм пятен, цвета, линий, ритм движения и т.д.

Контраст. Контраст позволяет выделить и гиперболизировать особенности помещенных рядом изображений, предметов, цветов. Толстый и тонкий — рядом с толстым тонкий кажется более худым и наоборот. Этот прием позволяет усилить свойства предмета по сравнению с его антиподом.

Силуэт. Силуэт является комбинацией линии и пятна, но чаще это темное пятно на светлом фоне.

Движение. Композиционный прием, когда взгляд перемещается по направлениям и линиям от одного объекта к другому, описывая сложную кривую, охватывающую почти все рабочее пространство.

Форматы плоскостной композиции. Огромное значение для плоской (стандартной полиграфической) композиции имеет граница поля изображения. Элементы композиции, расположенные у центра, воспринимаются лежащими в глубине, и плоское поле становится пространством. Элементы, расположенные на однородном поле близко к краю, как бы лежат на поверхности, в плоскости рамы.

Наиболее распространенные форматы изображения — прямоугольные, круглые, овальные. Прямоугольный, вытянутый вертикально формат придает ощущение возвышенности, стремления вверх. Горизонтальный формат выглядит «распахнутым»: ослабляется чувство замкнутости, уменьшается значение композиционного центра. Он удобен для сложных многоплановых композиций. Чаще всего используется прямоугольный формат золотого сечения. Он наиболее уравновешен и замкнут. Круглый и квадратный форматы слишком статичны, и поэтому на таких полосах трудно компоновать изображение.

Существуют два типа композиции — замкнутая и открытая. Замкнутая больше всего подходит для передачи неподвижности, устойчивости, для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата. Признак замкнутой композиции — нарастание сложности к центру. Открытая композиция передает ощущение простора. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, подчеркивается ритм.

Для передачи движения (динамики) используются: диагональные линии; свободное пространство перед движущимся объектом; точка кульминации движения.

И наоборот, для выражения покоя необходимо отсутствие диагоналей и свободного пространства, используются статичные позы, симметрия, уравновешенность. Вся композиция может быть вписана в простую геометрическую форму (треугольник, квадрат, овал).

Характерные элементы композиции объединяются по однородным признакам, форме, цвету, текстуре, фактуре.

5. Художники, работающие в жанре урбанистического пейзажа

Хендрик Аверкамп — создатель раннего типа голландского городского пейзажа XVII в. с элементами жанра небольших, написанных в серебристой гамме зимних пейзажей с фигурами.

Алексеев Фёдор Яковлевич (1753 или 1754, Петербург — 1824, там же), живописец, сценограф; первый мастер русского городского пейзажа. В сентябре 1800 получил поручение императора Павла I — запечатлеть виды Москвы, исполнение которых принесло ему широчайшую известность.

В жанре урбанистического пейзажа работали многие как зарубежные, русские, так и советские художники.

Более 40 лет отделяют нас от начала строительства крупнейшей в мире Красноярской ГЭС.

Великая стройка, как любое великое дело в стране, сразу привлекла людей творчества.

В 1960 году Евгений Александрович Шепелевич приезжает в посёлок гидростроителей на постоянное место жительства. Суровая сибирская природа, труд строителей, строящих на бурном Енисее величественную гидроэлектростанцию, – главная тема художника. Он создает серию индустриальных пейзажей. 

Началом формирования фондов Дивногоского художественного музея, открывшегося 24 января 1998г, стала коллекция графических работ Евгения Александровича, подаренная его дочерьми после смерти художника.

Его офорты, гравюры, рисунки являются историческим и художественным отражением великой стройки. Графика Шепелевича является неотъемлемой частью художественных традиций города и неиссякаемым источником воспоминаний, размышлений об истории и будущем Дивногорска. 

Произведения Евгения Александровича Шепелевича находятся в Историческом музее в Москве, в картинной галерее г. Комсомольск-на-Амуре.

Его графические листы запечатлели события 60-70х годов, они помогают почувствовать, что сегодняшнее зрелое поколение когда- то тоже было юным, неопытным, стремящимся к идеалам. Атмосфера 60-х- это парадоксальное единство судеб человеческих и истории страны, мощи грандиозных строек и хрупкого существования человека, как явления природы.

Заключение

Изучив, искусствоведческую литературу мы ознакомились с техникой и композицией урбанистического пейзажа.

Выявили виды композиции, техники изображения, характерные особенности при изображении городского пейзажа.

В жанре урбанистического пейзажа работали многие художники. В их работах была дана многогранная и динамичная картина жизни современного города, благодаря чему городской пейзаж обрёл равные права с изображениями природы. В послевоенные годы городской пейзаж, насыщенный настроениями мирной жизни, органично соединился с полными обаяния женскими образами.


Пейзажные и сюжетные композиции презентация. Презентация на тему «композиция пейзажа»

Пейзаж – жанр изобразительного искусства Человек начал изображать природу еще в далекие времена. Но почти всегда эти изображения служили лишь фоном для портрета или какой – либо сцены.

  • Человек начал изображать природу еще в далекие времена. Но почти всегда эти изображения служили лишь фоном для портрета или какой – либо сцены.
  • И только в 17 веке появились пейзажи – картины, в которых природа стала их главным содержанием. Создали этот жанр голландские живописцы. Обычно пейзажи они писали на небольших полотнах, и позднее их стали называть «маленькие голландцы».
  • Пейзажная живопись очень разнообразна. Есть пейзажи, точно передающие те или иные уголки природы, а есть и такие, которые создала фантазия художника.
  • Жанр изобразительного искусства, где главным является изображение природы, окружающей среды, видов сельской местности, городов, исторических памятников, называется пейзажем (фр. paysage).
  • Чем отличаются пейзажи?
Разновидности пейзажа
  • Марина
  • (ит. marina, от лат. marinus — морской) — один из видов пейзажа, объектом изображения которого является море.
  • Маринист
  • Маринизм
  • И.К.Айвазовский. Ночь. Голубая волна.
  • Рыбаки на берегу моря.
  • Городской пейзаж
  • Городской, сельский, парковый, архитектурный пейзаж -картина, на которой художник изобразил вид местности (улицы, переулки, площади, маленькие дворики города.)
  • Константин Коровин Улица в Виши Бульвар Капуцинок
Парковый и сельский пейзаж
  • Ольшанка. Пруд в парке. Василий Поленов
Архитектурный пейзаж — разновидность пейзажа,близко соприкасается с городским пейзажем. Разница между ними заключается в том, что в архитектурном пейзаже художник главное внимание обращает на изображение самих памятников архитектуры в синтезе с окружающей средой.
  • Романов Роман
Промышленный (индустриальный) пейзаж-изображение предприятий
  • промышленности, строительства и других предметов научно-технического прогресса.
Исторический пейзаж -это изображение того, что давно ушло в прошлое Стаффаж-это картина с второстепенными мелко масштабными изображениями людей и животных в пейзажной композиции Стаффаж-это картина с второстепенными мелко масштабными изображениями людей и животных в пейзажной композиции Лирический пейзаж (пейзаж – настроение) –картина, в которой чувства, душевные переживания господствуют над рассудочным началом. Пейзаж – настроения –стремление найти в различных состояниях природы соответствие человеческим переживаниям и настроениям, передать пейзажу лирическую окраску, чувство тоски, грусти, безнадежности или тихой радости. Декоративный пейзаж-пейзаж-картина, предназначенный для украшения интерьера, с условным цветовым строем и композицией, отвечающей целям украшения.

«Уроки пейзажа» — Согласен ли ты с утверждением? Сдача экзамена. Написать эссе по теме: «Я рисую пейзаж». Развитие пейзажа в живописи. Развивающие: развитие способностей к самостоятельному освоению и оценке художественных ценностей. Подведение итогов. “Экскурсия в музей”. Приготовить выставку «Пейзаж Востока». Задание на дом.

«Живопись пейзажи» — Снег получился не только на земле, но парил в небе, засыпал деревья и кусты. Цвета стали в отдельных местах пропадать. После первой работы расходиться не стали, захотели еще написать пейзаж. А вот небесным краскам – не очень. К. Коровин. Лесной пейзаж. Отражение в водоеме. Ну, вот и мы принялись за работу.

«Зимний пейзаж» — Камина огонь, полусна миражи. Тишина и покой в зимнем лесу. «Зимний пейзаж» /интегрированный урок для учащихся 6 класса/. «Зимний вечер». Багровое солнце ослепляет свежими красками лазурное небо. «Евгений Онегин». «Зимнее утро». Пейзаж /фр.paysage, от pays –местность/ — картина природы в художественном произведении.

«Пушкин пейзаж» — Пейзажная лирика всегда занимала особое место в творчестве А. С.Пушкина. Забыты вы… до сладостной. В поэзии Пушкина яркими красками нарисованы лето,осень,зима, весна. Отселе я вижу потоков рожденье И первое грозных обвалов движенье. Мороз и солнце; день чудесный! Хранители священной тишины! Для Пушкина природа была источником вдохновения.

«Пейзажи Шишкина» — Федор Алексеев «Соборная площадь в Московском Кремле». Что изображено на картине Шишкина «Утро в сосновом лесу? Сельский пейзаж. Задание. Сельский Городской Индустриальный. В картине «Корабельная роща» сосны изображены очень натурально, живо. Ответ правильный! Нарисуй карандашом очертания гор и холмов.

«Пейзаж в музыке» — Исаак Левитан. А.Майков Пётр Ильич Чайковский. Грачи прилетели. 1871. Клеман Жанекен (1480-1560) «Пение птиц», «Охота», «Соловей». Вечерний звон. Живопись. Галерея картин художника — Поцелуй земле. 2.Времена года. Пейзаж в музыке. Исаак Ильич Левитан. Ференц Лист. Весна – большая вода. Фрагмент из балета «Весна священная» — «Поцелуй земли».

Трухина Галина Сахбутдиновна
Должность: педагог дополнительного образования художественного отделения
Учебное заведение: МБУДО «ДШИ п. г. т. Шерловая Гора»
Населённый пункт: Забайкальский край, Борзинский район, п. г. т. Шерловая Гора
Наименование материала: Открытое занятие по композиции станковой
Тема: План-конспект открытого занятия в 3 классе 1 полугодие Тема 1.1. «ПЕЙЗАЖ КАК ЖАНР СТАНКОВОЙ КОМПОЗИЦИИ»
Дата публикации: 29.03.2019
Раздел: дополнительное образование

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«Детская школа искусств п. г. т. Шерловая Гора»

План-конспект открытого занятия

в 3 классе 1 полугодие

Тема 1.1.

ПЕЙЗАЖ КАК ЖАНР СТАНКОВОЙ КОМПОЗИЦИИ

Выполнил:

преподаватель художественного отделения

Трухина Галина Сахбутдиновна

Шерловая Гора 2018 г.

Композиция станковая 3 класс 1 полугодие

Раздел 1. Сюжетная композиция

Тема занятия 1.1: Пейзаж как жанр станковой композиции (16 час)

Цель

занятий : создать

ознакомления

живописи

пейзажем, выполнить творческую работу «Пейзаж» со стаффажем (по замыслу

Задачи занятий:

обучающие

Познакомить учащихся с разнообразием пейзажных сюжетов;

Показать роль искусства в понимании красоты природы;

Учить определять средства выразительности для передачи настроения и

чувств в искусстве;

Особенности построения композиции пейзажа;

развивающие

Развивать воображение, творческую фантазию;

воспитывающие:

воспитывать любовь и бережное отношение к природе;

Воспитывать патриотические чувства.

Оборудование: компьютер, презентации на тему «Жанры и виды

пейзажа» и презентация на тему «Стаффаж в изобразительном

искусстве»;

картины художников о природе.

Литературный ряд: стихи о природе

Музыкальный ряд: Струве «Моя Россия», П.И.Чайковский

Художественные материалы и инструменты для работы : краски, кисточки,

палитра, альбомные листы, баночки с водой.

Аудиторное задание : Пейзаж со стаффажем.

ХОД ЗАНЯТИЙ (1-8)

Организационный момент.

Начнем мы наш урок с творчества. Творчество – это источник доброты,

истины и красоты. И если вы вложите в свою работу душу и сердце, то она

получится прекрасной, как этот осенний день!

Актуализация знаний

Посмотрите внимательно на доску. На ней представлены различные

репродукции картин. 1- портреты; 2- натюрморты; 3- виды природы.

Вопрос: Скажите, можно ли разделить их на группы?

Вопрос: Правильно, а как такие картины мы называем? (Пейзажи)

Вопрос: Как вы думаете, что мы будем сегодня делать. (Познакомимся с жанром

Вопрос: А кто мне скажет, что такое пейзаж?

Словарь

С.Ожегова:

Пейзаж-рисунок,

картина,

изображающая

виды

природы, а также описание природы в литературном произведении

Если видишь на картине,

Нарисована река,

Живописные долины

И дремучие леса,

Белокурые березки

Или старый крепкий дуб,

Или вьюга, или ливень,

Или солнечный денек.

Нарисованным быть может

Или север, или юг.

И любое время года

Мы в картине разглядим.

Не задумываясь, скажем:

Называется пейзажем!

Работа по теме. Занятие 1. Урок 1-2.

Так как вы будете работать не просто над пейзажем, а над пейзажем со

стаффажем, давайте сначала разберёмся, что такое стаффаж.

«Стаффаж в изобразительном искусстве»

СЛАЙД 1. «Стаффаж в изобразительном искусстве»

СЛАЙД 2.

Стаффаж (нем. Staffage

от staff – «устанавливать» и staffieren – «украшать

пейзаж фигурами») – второстепенные элементы композиции – фигуры людей,

животных, транспортных средств и других дополняющих элементов предметной

среды. Они создают фон, окружение, среду в картине и подчеркивают ее смысл,

обогащают сюжет дополнительными нюансами, сценами, эпизодами.

Появление

искусством

живописи

получило

распространение главным образом в XVII веке, когда пейзажисты стали включать

в свои произведения мелкоформатные религиозные и мифологические сцены.

значение

стаффажа

продолжает

особенно

проявляться

пейзажном

изображении интерьеров. Включение живых существ: людей и животных, —

оживляют, одушевляют их.

СЛАЙД 3.

Шишкин.

Дождь

дубовой

роще.

1240х2030.

Москва.

Третьяковская галерея

СЛАЙД 4.

Вместе с тем, стаффаж используется и на заднем плане многофигурных

композиций или портретов.

Сомов Константин «Дама в голубом»

СЛАЙД 5.

Появление

стаффажа

обусловлено

художественным

замыслом и может работать на взаимосвязь изображения с жизнью, одушевить

изображение,

подчеркнуть

аксессуарами,

подчеркивая

определенное состояние природы, историческую эпоху, действие или спокойствие

в картине.

появлением

развитием

проектной

архитектурно

дизайнерских

специальностей

гармонично

переходит

изоискусства. Наиболее похожие на сегодняшние проекты чертежи появляются с

середины XVIII века

Кадоль Огюст. «Церковь Успения на Покровке». Литография. 1820

СЛАЙД 6.

Умение рисовать стаффаж является одним из необходимых элементов

графической подготовки архитекторов и дизайнеров.

Во-первых,

дополнение

архитектурно-дизайнерскому

осуществить

взаимосвязь

проектируемого

природным

предметным окружением.

Во-вторых,

проектной

позволяет

масштабах

проектируемых объектов. Видя вблизи проектируемых объектов стаффаж, сразу

приблизительно можно определить их масштаб в сравнении с фигурой. Стаффаж

на фоне интерьера, архитектуры, ландшафта или садово-парковой скульптуры

помогает

определять

функциональную

целесообразность

пространств.

В-третьих, стаффаж может усиливать художественно-образное и содержательное

стаффажа

различные

состояния

подбирая

аксессуары. Может отразить характер исторической эпохи, стиль и моду или

особый колорит той или иной страны. От сложившегося стиля в искусстве может

зависеть не только одежда и транспортные средства, но и техника исполнения

усиливать

образность

проектируемых

объектов,

например, монументальность, воздушность, динамичность, статичность и пр.

СЛАЙД 7.

Эскизы, зарисовки с применением стаффажа.

СЛАЙД 8.

Стаффаж в обоих видах искусств может использоваться также в качестве

средства

достижения

композиционной

цельности

выразительности.

позволяет уравновесить основные массы, связать отдельные элементы воедино,

создать определенное ритмическое построение, усилить выразительность.

Роль стаффажа дополняющая.

Основное

требование

изображению

условность

лаконичность.

Также необходимо учитывать степень удаленности стаффажа. На дальних планах

людей, как правило, изображаются предельно просто в виде силуэта. Средний

подробного

рисования.

изображения

дополняются

крупными

деталями,

особенностями

тоновыми

цветовыми

характеристиками. На ближнем плане более тщательно моделируется фигура,

черты лица, а также можно изобразить аксессуары одежды. Для архитектурной

обобщенная

художественная

проекция.

изображении

используют

рисования,

отличные

станковой графики или живописной композиции. Выбор характера изображения

стаффажа зависит от уровня сложности рисунка. Различают «иконические» и

«символические» изображения стаффажа.

СЛАЙД 9.

Стаффаж является условными изображениями какого-либо реального объекта

либо окружающей среды. Различают иконические и символические изображения

стаффажа.

Иконические изображения – это копии, изображения реальной окружающей

среды, тождественные естественной среде.

«Иконические» изображения

изображения

реальной

окружающей

тождественные

естественной

Практически

реалистическая живопись – это собрание иконических изображений.

«Символические» изображения

наглядно-образная

человека в этой среде. В отличие от иконических, символические изображения

выходят за рамки внешнего сходства с действительным объектом.

СЛАЙД 10.

Примеры изображения фигуры человека.

СЛАЙД 11.

Чтобы гармонично включить стаффаж в изображение необходимо:

характерные

особенности

практически

знака и избегая ненужных деталей. Улучшает эстетические качества чертежа

включение в композицию не только отдельных фигур, но и групп людей,

различных по возрасту и полу.

интересные

движения, которые

подчеркнут

функциональное

назначение

пространства

наиболее

выразительные ракурсы.

Воссоздать

достоверные

пропорциональные

анатомические

закономерности фигуры. Размеры животных также должны быть достоверны

Подчинить

художественному

проектной

графики (стилизовать под общее графическое решение, стиль определенной

исторической эпохи или под особый колорит страны).

СЛАЙД 12-13.

Эскины, зарисовки и наброски фигуры людей автомобилей.

СЛАЙД 14.

И.И, Левитан «Осенний день. Сокольники»

СЛАЙД 15-17.

Примеры пейзажа со стаффажем.

Практическое

задание: выполнить

зарисовки

наброски

человека красками и карандашом. (Пример на слайдах 10,12,13)

IV. Работа по теме. Занятие 1. Урок 3.

Что такое стаффаж вам понятно? (Ответы детей).

А теперь поговорим о видах и жанрах пейзажа.

Демонстрация презентации на тему

«Пейзаж. Жанры и виды пейзажа»

СЛАЙД 1.

«Пейзаж. Жанры и виды пейзажа»

СЛАЙД 2.

Итак,

ПЕЙЗАЖ

жанр

изобразительного

искусства,

котором

изображаются различные уголки природы.

ПЕЙЗАЖ изображение природы

«пейзаж» с франц. «вид страны, местности».

Пейзаж – жанр изобразительного искусства, посвящённый воспроизведению

естественной или преображённой человеком природы. (Окружающей среды)

1. Жанр — пейзажа

Как самостоятельный жанр пейзажная живопись сложилась не сразу. Поначалу

пейзаж был фоном для портретов или для исторических сцен. Лишь в 16-17в.

пейзаж стал самостоятельным жанром изобразительного искусства. Прекрасные

пейзажи были созданы в 19 веке.

Вопрос: Как называют художников, пишущих пейзажи? (Художник-пейзажист)

СЛАЙД 3.

2. Пейзажи русских художников

Вопрос: Ребята, а можете мне назвать художников — пейзажистов?

(Левитан, Шишкин, Саврасов, Куинджи)

Верно. Художник- пейзажист передает в картине образ природы, ее красоту,

свое отношение к ней, свое настроение: радостное и светлое, грустное и

тревожное.

художников

вдохновляет

творчеству?

Приведите свои примеры.

(Музыканты, поэты, писатели, скульпторы…)

Вопрос: А вы наблюдали за природой? Замечали ее красоту и настроение?

Давайте, ребята, рассмотрим картины великих мастеров жанра пейзажа и

поучимся у них в изображении природы, с первозданной ее красотой.

Рассматривание картин художников.

СЛАЙД 4.

Саврасов А.К. «Грачи прилетели» — это ранняя весна. Березы еще голые, на

их ветках много грачиных гнезд. Птицы уже вернулись и хлопочут около

своих домов. На полях вдалеке еще виден снег. Но цвет неба и нежно —

голубые облака передают свежесть и прозрачность весеннего воздуха.

Левитан И. «Март» — природа на картине как будто еще не проснулась от

зимнего сна. Веточки берез в голубом небе переливаются разными цветами.

Скворечник на березе ждет прилета птиц. Еще лежат сугробы, но все

вокруг наполнено солнечным светом. (искать-ист. изоискусства 5 кл тема

Вопрос: Можно сказать, что художники увидели весну одинаково?

У каждого свое видение весны. Казалось бы, одно время года, а художники

увидели ее по-разному, каждый передал свое настроение, один – грусть и

печаль, а другой – улыбку и радость.

Вопрос: Ответьте мне еще на такой вопрос,

есть пейзаж со стаффажем?

(Левитан Исаак Ильич «Март»,1895).

СЛАЙД 5.

3. Виды пейзажей.

Вопрос: Посмотрите на картины, чем они похожи и чем отличаются?

(Это пейзажи. Изображены разные места: село, город, море)

Верно. Пейзажи бывают разных видов:

Сельский (рисуются поля, леса, деревенские дома)

Городской (изображение различных улиц, видов города, домов.)

(рисуются

называется

художники – маринисты.

Лирический.

Сказочно-мифический (фантастические образы природы)

Космический

СЛАЙД 6-30.

Репродукции разных видов пейзажа.

СЛАЙД 31.

Чтобы написать пейзаж, художнику необходимо знать правила перспективы

при изображении природы, чтобы пейзаж получился правдоподобным. Сейчас мы

вспомним их.

4. Повторение порядка работы над пейзажем:

1. Выбор уголка природы. Работа выполняется с натуры или по представлению.

2. Работа начинается с наброска карандашом

4. Используем 2 закона: линейной и воздушной перспективы.

Вопрос: Какими важными законами перспективы будите пользоваться?

Линейная перспектива:

Параллельные линии, удаляясь от нас, постепенно сближаются и, в

конце концов, сходятся в одной точке на линии горизонта

Воздушная перспектива:

Чем ближе предмет, тем больше подробностей; при удалении, детали

предмета заметны меньше.

предметы

изображают

окрашенными,

удаленные

изображают бледными.

Чем ближе облака к линии горизонта, тем они меньше. Чем дальше от

линии горизонта, тем они больше.

Вопрос: Какие цвета вы будете использовать при создании осеннего пейзажа?

СЛАЙД 32.

Определите, к какому виды относится каждый из этих пейзажей?

Практическая работа (Постановка художественной задачи)

Занятие 2-8,

Ну что ж, ребята, основные правила построения пейзажа вы усвоили и пора

приступить к созданию своего пейзажа. Не забывайте, что пейзаж со стаффажем.

Я хочу предложить вам попробовать свои силы в создании своей картины разных

видов пейзажа.

Виды: сельский, городской или морской пейзажи лирический.

Выполните

работать

увлекательней, а наши гости не скучали, пока вы заняты работой, я включу вам

музыку П.И. Чайковского «Времена года» (или Вивальди)

На выполнение эскизов вам дается 4 занятия.

Давайте

определимся,

наиболее

важно

создании

композиции «Пейзаж».

Соблюдения законов перспективы

Цветовая гамма картины

Целостность композиции.

Итог Занятий.

Выставка – просмотр наиболее удачных эскизов, этюдов пейзажа и картин

пейзажа. Творческое задание «Уголок природы, где я хотел бы оказаться»

(Приложение: презентация на тему «Жанры и виды пейзажа» и

презентация на тему «Стаффаж в изобразительном искусстве»)

Правила композиции в пейзаже

Учитель ИЗО,

педагог дополнительного образования

Ворламова О. А.


Эта серия правил (я предпочитаю слово «советов») собрана для того, чтобы помочь вам научиться правильно составлять композицию пейзажа. Здесь содержатся основные правила, встречающиеся в большинстве книг, плюс некоторые собственные идеи. Однако, хочу предупредить: не позволяйте правилам препятствовать вашей работе и собственным поискам. Они должны лишь помогать в тот момент, когда вы в сомнениях и не знаете, как лучше расположить тот или иной элемент на картине. Правила существуют, как известно, для того, чтобы их нарушать, правда… когда вы знаете, что именно нарушаете и почему так будет лучше. А потому наберитесь терпения – впереди длинная дорога.


I. Основные советы.

1. Посмотрите на картину. В пейзаже должен быть центр интереса – особенная, красивая и заметная часть картины. Он может быть выделен с помощью цвета и контраста. Эта часть должна выглядеть особенно и значимо. Окружающая область – быть чуть менее заметной. Необходимо помнить, что центр интереса:

Должен отличаться сильным цветом (это не значит ярким) и если возможно большим разнообразием красок. Выделятся некоторым контрастом света. Предпочтительно, чтобы он занимал большую часть картины и находился на переднем плане (однако это всё необязательно). Строения, животные и люди будут привлекать внимание. Они легко переходят в центр интереса, как главные действующие лица. Окружающие элементы и фон должны вести взгляд зрителя к центру интереса.


Центр интереса не должен быть в центре картины. Также он не должен занимать половину холста. Лучше всего пропорция 1/3. Область, выбранная вами как центр интереса, не должна быть изолирована от остальной части изображения. Правильно построенный центр должен привлечь и удержать взгляд зрителя.

Берег подводит взгляд к мосту, который и становится центром интереса.


2. Возможно, что вам захочется включить в картину второй центр интереса. Это непростительно новичку и непрофессионалу. Есть риск конкуренции и, как следствие, неудачной композиции.

На этой картине нет необходимости в цветах на переднем плане, однако художник добавил второй центр интереса и вполне удачно.


3. Не выталкивайте зрителя из картины! Этого можно избежать, если не подводить элементы к краю и за пределы картины, особенно деревья, дороги и реки. Вы можете добавлять «остановки», чтобы избежать выхода за пределы. Это правило очень практично, животные и люди должны оставаться в композиции.

Обратите внимание на крайнюю справа лошадь. Художник для остановки использовал цвет. Если вы прищурите глаза, то заметите, что лошадь сливается с деревьями, но вот если бы она была светлой, то взгляд ушел бы к самому краю картины.



Этот поток не очень удачной формы движения.

Путь движения взгляда – плавная кривая. По ней можно проплыть…

Реки, потоки, дороги и т.д. вносят в картину движение. Прямых линий следует избегать – по ним взгляд скользит слишком быстро. Позвольте зрителю неторопливо прогуляться по вашему пейзажу.


По наклону деревьев видно, что ветер дует справа налево, однако дождь льет в противоположном направлении.

Логика неприменима к искусству. Все определяется визуальным влиянием. Солнечный свет может появиться на траве, даже если это дождливый день. Линейная и атмосферная перспективы могут быть искажены, если того требует ситуация. Тени могут быть больше, чем им положено… В общем, чувствуйте себя свободно, вы — художник:-)


Лошадь расположена неверно. Было бы лучше расположить её неподалеку от скамейки.

Все люди собраны в центре интереса, в правой части картины.

6. Собирайте важные предметы в пределах центра интереса. Не разбрасывайте их по композиции, иначе они станут перетягивать внимание друг с друга.


Что за поворотом? Может быть озеро? Или город? Художник оставил это на нашу фантазию.

Позвольте зрителю поучаствовать в картине. Оставьте место для размышления и воображения. Дайте место небольшой тайне.


  • 8. Глубина. Художники ограничены созданием иллюзии трехмерного изображения на двухмерной плоскости.

Вот несколько советов для создания иллюзии глубины: Располагайте объекты так, чтобы они перекрывали друг друга. Цвета расположенные вдали на заднем фоне обычно холоднее и убывают в цвете. Чем ближе расположены предметы тем теплее и насыщеннее выглядят цвета. На самом деле не всё так просто. Когда мы смотрим на дерево на расстоянии 100 ярдов, то цвет ещё остается теплым. Смещение цвета будет очень незначительным по сравнению с тем деревом, что стоит рядом с вами. Тем не менее, даже если вы немного добавите лилового или синего в цвет листвы, то вытолкнете эти деревья на задний план.



Вы можете добавить и больше плоскостей, которые усилят чувство расстояния, если передний план чуть темноват.

Туман – отличное средство для создания глубины.


Неверный контраст. Дерево слева конкурирует за внимание.

Лучше — контраст был уменьшен и теперь сфокусироваться легче.

Сохраняйте контраст для центра интереса, чтобы области вокруг не конкурировали за внимание. Самые светлые и темные тона возле центра интереса, вокруг – средние величины цвета и света.


Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него: https://accounts. google.com


Подписи к слайдам:

Пейзаж. Его виды и характеры

Пейзаж (произошло от фр. paysage — страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа.

Виды пейзажа: В зависимости от главного характера природы внутри пейзажного жанра, выделяются следующие виды пейзажа: Архитектурный и индустриальный пейзажи. Сельский и городской пейзаж. Морской и речной пейзажи.

Сельский пейзаж – отражает поэзию деревенского быта, его естественную связь с окружающей природой.

Городской пейзаж — изображает организованную человеком пространственную среду – здания, улицы, проспекты, площади, набережные, парки.

Архитектурный пейзаж – близок к городскому пейзажу, но здесь художник больше внимания обращает на изображение памятников архитектуры в синтезе с окружающей средой.

Индустриальный пейзаж — показывает роль и значение человека – созидателя, строителя заводов, фабрик, электростанций, вокзалов и мостов.

Морской пейзаж – Марина (от лат. marinus – морской) – один из видов пейзажа, объектом изображения которого является море. Марина рассказывает о красоте то спокойного, то бурного моря.

Разнообразие пейзажа по характеру. Существует пять видов характера пейзажа: — героический — исторический — эпический — романтический пейзаж — пейзаж настроения

Героический пейзаж — пейзаж, в котором природа представляется величественной и недоступной для человека. В нем изображаются высокие скалистые горы, могучие деревья, спокойная гладь вод и на этом фоне – мифические герои и боги.

Исторический пейзаж. В пейзажном жанре находят воплощение исторические события, о которых напоминают изображенные архитектурные и скульптурные памятники, связанные с этими событиями.

Эпический пейзаж – величавые картины природы, полные внутренней силы, особой значимости и бесстрастного спокойствия.

Романтический пейзаж – Грозовые тучи, клубящиеся облака, мрачные закаты, буйство ветра. В пейзаже порой запечатлевается бунтарское начало, несогласие с существующим порядком вещей, стремление подняться над обыденным, изменить его.

Пейзаж настроения В нём отражены чувства тоски, грусти или тихой радости. Стремление найти в различных состояниях природы соответствие человеческим переживаниям и настроениям придало пейзажу лирическую окраску.

Практическая работа: Выполнить рисунок в одном из видов или характеров пейзажа.


Страница не найдена — Художник Вячеслав Короленков

Search for: TWITTER GPLUS FACEBOOK BEHANCE PINTEREST
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-малый формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-малый формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-малый формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-малый формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-малый формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-малый формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты

PAGE NOT FOUND

BACK TO HOMEPAGE

Законы воздушной перспективы пейзажной живописи.

   Стань художником

Главная / Бесплатные уроки / Законы воздушной перспективы в пейзаже. Живопись. Композиция.

Не знаю, как других, а меня завораживает вид синих далей. Если смотришь на панорамный вид окрестности с полями, селениями, то обращаешь внимание на то, что чем объекты дальше, тем они становятся менее четкими. Как будто легкая дымка обволакивает их. И вот на горизонте синяя полоска леса плавно переходит в небо. Я сразу делаю кадр увиденного в голове, и мысленно представляю, как бы я это выразил в красках на холсте. Переполняюсь эмоциями, когда вижу такие мотивы. Особенно когда на среднем плане вдруг как прожектор скользнет по полям, по лесам солнечный луч и зажжёт ярким светом макушки деревьев, или крыши домиков, или зеленую полоску травы.  А синие дали, как море, можно на них смотреть бесконечно.

Это как в театре на сцене. Сначала открывается занавес или передний план. Потом мы видим то, что происходит на сцене или на среднем плане. И затем обращаем внимание на задний фон, который усиливает ощущение пространства.  Эта плановость в спектакле создает как бы реальное пространство.

Но чтобы изображение на картине выглядело реалистично, нужно применять правила воздушной перспективы.

В принципе выше я уже описал, как можно наблюдать воздушную перспективу в природе.

Итак, правила воздушной перспективы сводятся к тому, что дальние объекты, в отличии от ближних, выглядят светлее, менее четче и обычно синее, если речь идет о пейзаже, или принимают цвет и тон той воздушной среды, в которой находятся.

И степень отличия объектов разных планов зависит  от состояния воздушной среды. Так, при тумане объекты могут растворятся на средних планах и исчезать из поля зрения на дальнем плане. В дождь тоже похожее состояние. То есть дальние объекты отделяются от нас воздушным пространством.

И сегодня мы с вами посмотрим на примере разных картин, как художники использовали законы воздушной перспективы в пейзажной живописи.

Картина «Крым» Апполинария Васнецова. На переднем плане мы видим яркие зеленые деревья на желто-зеленой земле. Цвета переднего плана сочные, насыщенные. На среднем плане лесной массив меняет яркость и насыщенность цвета. Рисунок деревьев становится обобщенным. И на дальнем плане мы видим горный массив, который заслонен от нас как бы полуматовой пленкой. Горы становятся цвета воздуха. А воздух весь пронизан небесной и морской синевой.

Или пейзаж этого же художника «Тайга на Урале. Синяя гора». Здесь очень наглядно видно отличие заднего плана от ближнего. Это панорамный вид. Мы видим впереди деревья, четкие по рисунку, насыщенные по тону и цвету. На среднем плане лесной массив теряет цветовую насыщенность, становится более светлее, и рисунок менее выражен.

Затем мы видим явный переход среднего плана в дальний. Часть леса, уходящего вдаль покрывается синевой воздуха, и цвет становится сиреневым. Затем лес плавно переходит в горы, которые уже становятся более синими, так как находятся достаточно далеко.

На этой картине можно буквально ощутить свежесть воздуха, настолько умело художник использовал законы воздушной перспективы.

Теперь посмотрим на пейзажи мастера воздушной перспективы И.И. Шишкина, который мог узкой полоской на горизонте создать иллюзию бесконечности пространства.

Перед нами панорамный пейзаж «Кама близ Елабуги». Художник ставит перед собой интересную задачу. Все внимание сосредоточено на любовании рисунком сосен, расположенных на среднем плане. Передний план мало активен, его задача завлечь нас уходящей дорогой в лес и открыть бесконечный простор панорамного вида за лесом. А средний план хоть и прописан, но не так как это было бы, если эти сосны находились вблизи.

Ведь глаз на расстоянии уже не так четко видит детали. И мы также наблюдаем, как просторы полей ближе к горизонту становятся все менее выражены и еле читаются, растворяясь синевой на горизонте. Так создается ощущение бесконечных расстояний.

А на картине «Дождь в дубовом лесу» Шишкин показывает нам прием воздушной перспективы с мокрым воздушным пространством. В этом случае пленки, которые мы как будто бы накладываем на средний и задний план, становятся более матовыми. Дальний лес почти растворяется в туманной влаге. Воздух наполняется сыростью, и видимость становится не очень хорошая. И это художники эффектно применяют в своих картинах.

Интересно наблюдать, как Шишкин приглашает нас полюбоваться мокрым лесом.

Дорога уходит вдаль и сразу заставляет идти по ней. Как только мы пошли, то справа и слева мы наслаждаемся видами мокрых дубов. Они настолько искусно прописаны, что мы буквально ощущаем их влажность. Не остается незамеченной лужица с изящными бликами. Дальше мы увлекаемся фигурами под зонтом. Они уже не так прописаны. Но своим движением они заставляют нас посмотреть на идущего дальше мужчину. А тот уже написан просто силуэтом, и почти без цвета, и он намного светлее, чем фигуры до него.

Этот человек нас продолжает увлекать дальше, и наш взгляд уже начинает рассматривать дальний план, где деревья растворяются в мокром воздухе. Линии горизонта не видно, но автор заставляет нас мысленно её представлять, и тем самым надолго притягивает к любованию своим произведением.

Давайте посмотрим как художник В.В. Верещагин применял воздушную перспективу в городском пейзаже на картине «Главная улица в Самарканде с высоты цитадели ранним утром.» Мы видим, как дальний план обволакивает синь воздуха, и архитектура показана почти без деталей, а только синим силуэтом.

Ну на этом все. Применяйте эти правила воздушной перспективы, и ваши пейзажи наполнит воздух и пространство.

 

 

 

 

Для поддержания проекта расскажите пожалуйста о статье друзьям в соц.сетях.

 

Пейзаж — жанр в живописи: суть, разновидности, типы пейзажей, история, примеры картин в пейзажном жанре. Известные художники-пейзажисты: Тёрнер, Левитан, Айвазовский, Шишкин

Updated:

Пейзаж — это живописный жанр, предметом которого являются природные, сельские и городские ландшафты, а также атмосферные явления. Люди и животные тоже могут появляться в пейзажах, но их роль второстепенна: они «захвачены» кистью творца, поскольку оказались частью изображаемой реальности. Иногда это вообще не более чем стаффаж — фигуры, которые оживляют местность.

Пейзаж многолик в живописи. В этом жанре создано множество бессмертных шедевров. Пейзажисты переносят на холсты леса и моря, грозы и радугу, архитектуру и даже просторы космоса. Иногда они заглядывают в прошлое, а иногда в будущее. Часто отражают реальность, нередко дают волю фантазии, а порой переливают в краски своё настроение.

Пейзажи, вошедшие в число самых знаменитых творений планеты, оцениваются в миллионы долларов. Многие художники-пейзажисты — такие, как Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), Исаак Ильич Левитан, Иван Константинович Айвазовский — относятся к элите живописцев. Их гениальность бесспорна. Поэтому даже трудно поверить, что ещё несколько веков назад этот жанр считался… низким! (Наряду с бытовым жанром и натюрмортом). Мастера не сразу оценили его потенциал и довольно долгое время рассматривали ландшафты только как фон для сюжетных картин и портретов.

Развитие пейзажной живописи

Пейзажная живопись — это молодой жанр. В качестве самостоятельной живописной ветви в европейском искусстве он начал оформляться только в XV столетии, а зрелости достиг в XVII-XVIII веках.

Пейзажные мотивы встречались на античных фресках, но в эпоху Средневековья развитие традиций античности прервалось. Иногда ландшафтные детали появлялись в средневековых рукописях, но только как элемент среды обитания человека.

Крупным прорывом стало создание братьями Лимбург (Frères de Limbourg) «Великолепного часослова герцога Беррийского». Его наполняют изображения сельской местности в разные времена года. Иллюстрации написаны в духе интернациональной готики — переходного стиля, предшествовавшего Проторенессансу и Ренессансу.

В эпоху Возрождения мастера начинают всё больше уделять внимания природным мотивам, впрочем, всё ещё используя их в качестве фона. Но росло мастерство, повышалась реалистичность, усиливалась проработка деталей. Ландшафт всё чаще становится не просто дополнением, а значимым элементом композиции. Примером может служить знаменитая «Мона Лиза» Леонардо да Винчи (Leonardo di ser Piero da Vinci).

Совершенствовалась техника, изучались законы перспективы, композиции, светотени. Всё это открывало новые возможности для изображения окружающего мира.

Большую роль сыграла венецианская школа в период Позднего Возрождения. Одним из первых авторов, у которых природа обретает самостоятельное значение, стал Джорджоне (Giorgio Barbarelli da Castelfranco). В его «Буре» роль человеческих фигур уже второстепенна.

Параллельно на Севере Европы развивала пейзажно-живописное направление голландская школа. В отличие от насыщенного колорита итальянцев, у голландцев краски были приглушёнными.

К концу XVI столетия уже можно говорить о выделении пейзажно-ландшафтной живописи в качестве отдельной ветви. Так, в работе Эль Греко (El Greco) «Толедо в грозу» уже вообще нет человеческих фигур.

В XVII-XVIII веках свою изюминку в живописание «натуры» вносили различные стили:

  • классицисты искали в ней идеальную гармонию;
  • мастера барокко переносили на полотна буйство стихий, наполняли свои творения динамикой и эмоциями;
  • представители рококо создавали изящные, утончённые, полные очарования образы, сотканные из пастельных оттенков.

Огромную роль сыграл романтизм XIX века. Художники-романтики обращались к темам, будоражащим чувства и воображение. Их творчество зовёт в дальние странствия, показывает экзотические или затерянные уголки мира, воспевает красоту стихии или же приглашает приоткрыть полог тайны.

Следующим революционным шагом стало появление пленэра — живописания на открытом воздухе. В конце XIX столетия начали выпускать тюбиковые краски, что позволило выезжать с мольбертами в леса, поля, луга, на берега водоёмов.

Благодаря натуральному освещению открылись новые возможности в передаче красоты воздушно-световой среды. Первую скрипку в этот период играли импрессионисты.

В XIX — начале XX веков также повышается значение реализма. Поразительно точная передача действительности — вплоть до травинки — характерна, например, для Ивана Ивановича Шишкина.

Ну, а затем разнообразие стилей становится таким, что нет смысла их перечислять. По-своему отображали окружающую среду «дикие фовисты», кубисты, абстракционисты…

Передача реальности окончательно теряет значение, а доминантой становится самовыражение художника, его личный взгляд на мир.

Какими бывают пейзажи

Природа многолика, и искусство отображает всё её многообразие. На полотнах предстают водопады, леса и реки, горы и озёра, моря и небо, луга и океаны, поля и города. В XX столетии живописцы-пейзажисты обратились даже к космической тематике, отражающей и реалистическое, и фантастическое представление о глубинах Вселенной.

Разнообразие тем привело к выделению пейзажных поджанров:

  • Природный пейзаж. В центре внимания художников — местности, нетронутые цивилизацией, смена времён года, а также всевозможные естественные явления — от летнего дождика до извержения вулкана.
  • Парковый (или усадебный) — отображение облагороженного ландшафта, которого коснулась рука человека. Образы, как правило, носили идиллический характер.
  • Морской (марина). Разновидность природного, даже получившая собственное название. Авторов, вдохновлённых морем, называют маринистами. Сначала марины писали со стаффажем (кораблями), но в XIX веке живописцы-маринисты сосредоточились на красоте волн.
  • Сельский. Этот поджанр возник в рамках пасторалей, приверженцы которых воспевали гармоничную жизнь на лоне природы без горестей и забот. Но постепенно и в сельские образы вторгается реализм.
  • Городской. Предметом внимания художника-пейзажиста являются архитектура, урбанистика. В работах предстают силуэты городов, руин, а с конца XIX века — и индустриальные сооружения.
  • Космический. Сравнительно недавно выделившийся подвид. К нему относятся и вполне реалистичные изображения, основанные на знаниях, полученных в результате развития космонавтики, и фантастические, и даже астрально-эзотерические (они превратились в визитную карточку целого направления — русских космистов).

В свою очередь, и эти разновидности дали свои ответвления. Среди природных пейзажей особняком стоит марина — возможно, потому, что морская стихия противостоит суше. Самостоятельность марина обрела ещё в XVII столетии.

Также выделяются (хотя, скорее, неофициально — у них нет специальных названий), пейзажи горные, лесные, степные и другие.

А вот городской пейзаж получил более чёткое деление.

От него отпочковались:

  • Архитектурный (ведута). В ведутах итальянские мастера с высокой точностью порой близкой к фотографической, отражали детали зданий и сооружений.
  • Каприччио (в переводе — «причуда» или «каприз»). Это тоже итальянское изобретение: виды с руинами (как правило, античными), причём зачастую они были несуществующими, вымышленными.
  • Индустриальный. Возник с развитием промышленности, появлением грандиозных заводов, огромных мостов, железных дорог.
  • Урбанистический. Это перенесённые на полотно небоскрёбы, эстакады и другие атрибуты мегаполисов. Интересная ветвь — футуристическая урбанистика, изображающая мегаполисы будущего.

Есть также обширные группы, объединённых общей пейзажной темой (достаточно узкой, специфической), но не имеющие специальных названий. Так, например, в эпоху романтизма живописцы-пейзажисты часто писали виды с замками, монастырями, средневековыми руинами.

Ещё одна интересная группа — пейзажисты, «специализирующиеся» на изображении неба. Главная фигура среди них — Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), которого называют художником воздуха и света.

А минималист Ив Кляйн (Yves Klein) в 1962 году довёл воспевание красоты чистого неба до апофеоза работой «IKB», представляющей собой прямоугольник синего цвета.

Распространено также деление живописно-пейзажного творчества по времени года:

Делят работы мастеров-пейзажистов и по времени суток: на утренние, дневные, вечерние и ночные. Крупные тематические группы — картины, воспевающие закаты и восходы, жаркий полдень, таинственный покров ночи — звёздной, беззвёздной, лунной…

Специальной классификации для изображений природных явлений не разработано.

Но, опять же, можно выделить группы произведений, в которых основное внимание художника-пейзажиста сосредоточено именно на атмосферных явлениях: дожде, снеге, грозе, сильном ветре (вплоть до бури и шторма), радуге.

Типы пейзажей по жанру и характеру — эпика, лирика, сюрреализм…

Помимо тематического деления, есть и другие классификационные подходы. По характеру выделяют:

  • Эпические пейзажи — полные величественности, размаха, масштаба, даже пафоса.
  • Героические — близкие к эпическим, замысел которых — в преклонении перед величием природы, могуществом стихии.
  • Лирические — их ещё называют пейзажем-настроением. В них звучат эмоции творца, а мир становится зеркалом души. Такие творения бывают радостными, грустными, меланхолическими.
  • Идиллические — живописно-идеализированное лоно природы, дружественное человеку, дарующее ему радости отдыха.
  • Пасторальные — подвид идиллических, со стаффажем из пейзан, овечек и тому подобных атрибутов сельской жизни.
  • Исторические — демонстрирующими ландшафты в определённый период времени. Их частью бывают исторические и мифологические персонажи. Пример — «Дидона, основательница Карфагена» Уильяма Тёрнера.

  • Фантастические — изображающие сказочные, фэнтезийные, небывалые миры. В их числе — футуристические (ландшафты будущего, как правило, технологичные), мистические (с флёром тайны и мистики), сюрреалистические (с парадоксальным слиянием реального и ирреального).
  • Абстрактные — такие творения появились в XX столетии с появлением абстракционизма и родственных ему направлений.
  • Реалистические — точно отображающие действительность (но, разумеется, не фотографически, а через призму художественного видения).

Важным моментом для характеристики является указание на конкретный стиль, в котором написано полотно: например, академический пейзаж, барочный, романтический, импрессионистский, гиперреалистичный.

Что ещё нужно знать о пейзажах

Значимое деление пейзажно-ландшафтных полотен — на камерные и панорамные. Первые изображают небольшие природные уголки и, как правило, наполнены лиризмом.

 

Руководство художника по композиции

Примечание редактора: Ричард МакКинли известен своими красивыми пейзажами и огромным количеством информации, которой он поделился в своей колонке Pastel Pointers журнала Pastel Journal и своих видеосеминарах ArtistsNetworkTV (смотрите его художественные мастерские здесь!). Ричард часто делится своими советами по работе на пленэре, созданию приятной композиции и балансировке цвета. Наслаждаться! ~Чери

Вдоль Блитцена | Френчглен, Орегон (пастель, 6×9) Ричарда МакКинли.ПИН ЭТО!

Использование элементов дизайна для более ярких картин Ричарда МакКинли

Будь то натюрморт, портрет или пейзаж, нет справочного материала, который мог бы заменить опыт интерпретации предмета один на один. Хотя никогда не бывает легко перейти от рисования с фотореференса к рисованию с натуры, для этого требуется особая концентрация в пейзаже с постоянно меняющимся освещением и условиями. Это, наряду с ошеломляющей необъятностью пейзажа, может поставить в тупик даже самого технически продвинутого художника.

За многие годы работы в студии и на натуре как пастелью, так и маслом, я придумал технику, которую называю «живопись полевого наброска». Это требует определенной степени дисциплины и позволяет мне работать лаконично. Я могу оставаться сосредоточенным на том, что является наиболее важным для успешного результата пейзажной живописи: большие композиционные формы, объемные массы и цветовая температура. Более сложные техники рисования сохраняются для повторного посещения знакомых мест.

Эскизы миниатюр для фильма «Вдоль Блитцена».Нажмите здесь, чтобы просмотреть другие записи в блоге Ричарда.

Первый этап работы с полевыми эскизами начинается с серии миниатюрных эскизов в альбоме для разработки четкой композиционной концепции. Как только я удовлетворен композиционным замыслом, я набрасываю еще три миниатюрных наброска, которые пропорциональны окончательному формату картины. Затем я разбиваю сцену на несколько абстрактных форм. Поначалу это может быть трудно сделать, и ключ здесь заключается в том, чтобы больше сосредоточиться на отношениях значений, а не на отдельных объектах для фигур.Я стараюсь использовать как можно меньше форм — не более пяти-шести — и игнорировать небольшие акценты.

Закрытие одного глаза и прищуривание другим очень помогает, поскольку детали и цвета рассеиваются, что облегчает просмотр контрастных форм значений. Затем я рисую абстрактные формы-массы на трех миниатюрах. Первый оставлен как есть для дальнейшего использования. На следующем эскизе я связываю указанные массы формы не более чем с четырьмя значениями, состоящими из светлого, средне-светлого, средне-темного и темного.Можно также использовать три значения. Это моя карта ценностей. В последней миниатюре я связываю массы формы со светлыми или темными, создавая абстрактный черно-белый эскиз миниатюры. Это часто называют нотановым эскизом .

Используя карту значений для руководства, любая фигура, которая была выше среднего значения, будет белой, а любая фигура ниже станет черной. Эти наброски можно делать карандашом или маркерами.

Оценка этих набросков говорит мне, есть ли у меня сильная ценная композиция, и они оказываются очень ценными в качестве ориентира по мере развития картины.

Независимо от того, насколько красив предмет или впечатляющая техника нанесения, если композиция визуальных элементов в картине не сильна, она в конечном итоге будет считаться неудачной.

Когда мы начинаем рисовать, легко соблазниться предметом. Мы влюбляемся в то, что оно представляет, забывая, что для того, чтобы картина работала, она должна успешно передавать наши чувства. Для художников недостаточно просто точно изобразить то, что лежит перед нами; мы должны расположить визуальные элементы и манипулировать ими, чтобы создать целостный результат.

Термины состав и дизайн часто используются как синонимы. Хотя они работают гармонично, они представляют разные визуальные характеристики. Композиция означает расположение визуальных элементов и принципов дизайна независимо от предмета. Элементами дизайна являются линия, форма, цвет, значение, тон, текстура и глубина. Принципы дизайна — баланс, контраст, движение, ритм, акцент, пропорция и единство. Эти элементы и принципы составляют ядро ​​композиционного инструментария художника.Каждая картина опирается на них, но некоторые из них будут более очевидными, чем другие.

Расположение элементов и принципов дизайна похоже на дирижирование оркестром. Один полагается на звук, а другой на зрение, но оба они полагаются на оркестровку. Иногда я должен заглушить одну часть картины и сделать другую громче, как это делает дирижер, дирижируя оркестром. То, как используются элементы и принципы дизайна, в конечном итоге вызовет овации или насмешки.

В «Зимнем путешествии» (пастель, 14×20) все элементы и принципы дизайна были организованы таким образом, чтобы создать композицию, которая лучше передала мои чувства по поводу этой одинокой зимней сцены.Сколько вы можете определить?

Принципы дизайна для художников

Вот как я экспериментирую с различными элементами и принципами дизайна, чтобы не стать композиционно предсказуемым:

Строка: Изменение движения визуальных элементов в сцене может привлечь внимание зрителя к определенным областям и создать более сбалансированный визуальный поток.

Форма: Настройка относительной ширины и высоты объектов может повлиять на пропорции, сильно изменив наше отношение к ним.

Цвет: Корректировка доминирующей цветовой схемы или выбор ее в сторону теплого или холодного оттенка может создать единство и баланс, а также изменить настроение.

Значение: Изменение расположения светлых и темных участков в композиции может создать акцент, контраст или баланс, в зависимости от замысла.

Тон: Изменение интенсивности цветов может создать акцент, контраст или единство, в зависимости от изображаемого настроения или атмосферы.

Текстура: Акцентирование восприятия текстуры может создать ритм и акцент на определенных поверхностях.

Глубина: Изменение воспринимаемых расстояний может привести к общему изменению пропорций, создав ощущение близости или разделения с предметом.

Более сильная ландшафтная композиция может быть прямо за горизонтом

Расположение одной-единственной линии — линии горизонта — является ключом к сильной ландшафтной композиции.
Вот все, что вам нужно знать.

Джеймс Тугуд

Изучите ключ к цельной ландшафтной композиции.

Композиция и рисунок — два основных элемента, определяющих структуру любой хорошей картины. Из этих двух факторов композиция, как правило, более важна, потому что она может улучшить ваш рисунок и вызвать движение глаз. Точно так же плохая композиция может испортить искусно выполненный рисунок. Множество различных композиционных элементов способствуют исполнению удачного пейзажа. Но размещение одной единственной линии — линии горизонта — невероятно важно. Следите за нами, пока мы исследуем, как линия горизонта может влиять на силу вашей ландшафтной композиции.

Пейзаж Композиция: Линия горизонта в Рио-делла-Бекарие (акварель на бумаге, 30×22) находится примерно на 40 процентов ниже верхнего края и почти по центру слева направо, создавая впечатление почти, но не совсем , симметричный. Равновесие и асимметрия исходят из вертикальной формы и нашей близости к двум сторонам канала. Вертикальный формат картины также перекликается с узостью канала.

Формат и пропорции

Формат относится к внешней форме картины.Простое создание формата как вертикального, так и горизонтального начинает генерировать движение глаз. Квадратный формат обычно менее интересен и динамичен, потому что все стороны равны, что может мешать движению глаз. Соответствующий формат может помочь поддержать содержание вашей картины. Например, узость венецианского канала можно усилить, просто используя вертикальный формат. Вы можете увидеть пример этого в Rio della Becarie .

Пропорция – это отношение высоты к ширине.Мы часто не учитываем, какие пропорции могут улучшить композицию ландшафта, и вместо этого используем пропорции бумаги, как мы их находим. Пропорциональные формы динамичны и имеют асимметричное равновесие (баланс неравных частей). Далее мы развиваем равновесие и движение глаз, разделяя пространство внутри картины. В пейзажной живописи это обычно означает определение положения линии горизонта.

Пейзаж Композиция: Пропорция Верхняя забойная (бумага, акварель, 11х30) драматически влияет на композицию, создавая обширное, глубокое пространство.Дорога уводит взгляд прямо к деревьям, стратегически расположенным у линии горизонта, на одну треть вниз сверху и на одну треть слева, что является классическим разделением пространства в картине как по горизонтали, так и по вертикали. Облачные образования служат стрелками, указывающими взгляд на долину вдалеке.

Линия горизонта

Когда мы идем на пляж и наблюдаем, где небо встречается с водой, мы знаем, что это линия горизонта . Но где сейчас линия горизонта, когда вы читаете это? Если вы сказали уровень глаз, вы правы.Мы можем использовать термины «линия горизонта» и «уровень глаз» взаимозаменяемо. Расположение линии горизонта делит ландшафтную композицию в идеале на две отдельные части. Его размещение также начинает процесс расположения важных композиционных элементов в стратегических эстетических местах картины, что еще больше развивает движение глаз. Размещать линию горизонта посередине акварели обычно не рекомендуется; это потому, что одинаковые формы, которые возникают в результате, борются друг с другом и мешают движению глаз.

Одним из классических делений является деление третей . Линия горизонта проходит либо на одну треть вверх от низа, либо на одну треть вниз от верха, как в Верхняя Бойня . Другим является деление квинт, или деление 60:40, или что-то среднее между ними. Кроме того, бывают случаи, когда требуется более резкое разделение; однако избегайте разделения пространства меньше, чем 60:40. Ваш мозг склонен уравновешивать разницу, создавая впечатление, что линия горизонта расположена посередине вашей картины.

Вертикальный формат и низкая линия горизонта создают ощущение глубокого космоса в Winter in Cape May (бумага, акварель, 30х22).

Определение линии горизонта

Чтобы определить линию горизонта во время работы на пленэре, закройте один глаз, затем держите руку прямо, зафиксировав локоть, держа карандаш горизонтально. Затем посмотрите на свое окружение. Там, где линии сглаживаются, находится уровень глаз. Чтобы найти горизонт на фотографии, возьмите линейку и найдите уровень глаз, где все линии выпрямляются.Как только линия горизонта установлена, мы можем приступить к линейной перспективе.

Пейзаж Композиция: Земная плоскость исчезает над линией горизонта в Смешанные эмоции (бумага, акварель, 22×30). Обратите внимание на крутой угол в верхней части окна переднего плана слева и на то, насколько мал угол в нижней части того же окна. Все линии, показывающие глубину пространства, сходятся в одну точку схода на линии горизонта примерно на одну треть от низа картины (у тротуара), за исключением улицы и тротуара с другой стороны. Поскольку вы смотрите немного вверх, они исчезают в точке, расположенной над линией горизонта.
Пейзаж Композиция: При высоте линии горизонта чуть менее 60 процентов от дна необходимо было компенсировать потенциальное отсутствие достаточного равновесия в Под Академией (акварель на бумаге, 22× 30). Включение моста создает это равновесие. Крайнее слева здание нарисовано в двухточечной перспективе.Его лицевая и боковая стороны исчезают в двух разных точках на линии горизонта: одна справа, а другая слева от страницы. Здания справа находятся в одноточечной перспективе, поэтому только одна их сторона исчезает за линией горизонта.

Линейная перспектива

Линейная перспектива — одно-, двух- и трехточечная — это способ, которым художники используют линию для создания иллюзии трехмерного пространства на двухмерной плоскости или поверхности рисования. Художник рисует линии, которые кажутся параллельными по мере их удаления в пространстве (вспомните обшивку дома). На самом деле они не параллельны и не расходятся в пространстве; они нарисованы под углом вверх или вниз в зависимости от их отношения к линии горизонта или уровня глаз. Ниже уровня глаз линии направлены вверх; выше уровня глаз линии направлены вниз. Чем дальше они начинаются от уровня глаз, тем круче будет их угол. Чем ближе эти линии к линии горизонта, тем менее крутыми или плоскими они будут.

В конце концов эти линии пересекают линию горизонта, встречаясь в местах, называемых точками схода .Картины имеют только одну линию горизонта. Но у них может быть одна или несколько точек схода, как в Mixed Emotions и Under the Accademia соответственно. Как только линия горизонта и точки схода установлены, выполнение рисунка может быть почти таким же простым, как соединение точек. Почти все точки схода расположены на линии горизонта, за исключением тех случаев, когда вы смотрите вверх или вниз по склону. В этих случаях все, кроме земли, исчезнет в точках на линии горизонта. Но земля исчезнет либо выше, либо ниже уровня глаз; подъем исчезает вверху, спуск внизу.

Пейзаж Композиция: Линия горизонта в Отмели Блэк-Бей (бумага, акварель, 141/2×11) расположена примерно на 20 процентов ниже вершины. Скалы, начиная с тех, что находятся под водой, плавно ведут взгляд вперед и назад от переднего плана через средний план к горизонту. Обратите внимание на облако, также указывающее на горизонт.

Линии направления

Линии направления работают с линейной перспективой для укрепления равновесия. Они ведут взгляд через картину к линии горизонта, а затем возвращаются назад. И они часто останавливаются в интересных местах по пути. Эти линии могут быть реальными линиями, такими как бордюр вдоль городского пейзажа или серия окон, которые описывают сторону здания и уводят взгляд вглубь картины. Их также можно подразумевать, как в расположении облачных образований.Или, в случае с Black Bay Shallows , скалами вдоль береговой линии.

Включение таких концепций, как формат, пропорции, равновесие, линейная перспектива и тщательно продуманная линия горизонта, может помочь значительно улучшить структуру вашей ландшафтной композиции.

Версия этой статьи первоначально появилась в номере журнала Художник-акварелист .

Вам также может понравиться:

Изучение композиции пейзажа с помощью ограниченного фокуса

Первый композиционный ход, который делает любой художник, — это применение ограниченного фокуса.Будь то натюрморт, интерьер, фигура или пейзаж (самый всеобъемлющий предмет), часть того, что мы видим, должна быть исключена , если мы хотим создать сфокусированную, эффектную композицию. Как сказал Ганс Хоффман, мы должны «устранить ненужное, чтобы заговорило необходимое».

Ограниченный фокус исследуется через «окно изображения» — воображаемое окно, которое мы накладываем вокруг объекта. Это окно или «обрезка» в конечном итоге определит границы композиции и будет соответствовать тому, что станет краями картины или рисунка. Когда художники всматриваются в видоискатель или кадрирующее устройство или смотрят в камеру, они, по сути, проверяют различные окна изображения и возможные композиции.

Применение ограниченного фокуса на самом деле является очень гибким способом изучения композиции. Когда мы берем под контроль окно изображения — решая, куда попадают верхний, нижний, левый и правый края изображения, — мы обнаруживаем, что из сцены можно извлечь не одну композицию, а множество. В следующей демонстрации я извлеку три композиции из большой сцены.

Цвет может быть главным событием для художников-пейзажистов, но иногда он может отвлекать нас от просмотра упрощенных форм и значений — это то, что нам нужно оценивать при оценке композиции. Итак, первое, что я сделал, это преобразовал изображение в черно-белое. (Я также применил фильтр Cutout в Photoshop, который ограничивает количество значений и создает более простые формы.)

Затем, попробовав разные окна изображения, я создал три разные композиции из одной и той же области сцены. Небольшие изменения в положении окна изображения вызывали заметные сдвиги в интерпретации энергии сцены. Обратите внимание, что пропорции каждой композиции не одинаковы. Помните, что окно изображения является гибким, поэтому я не привязан к стандартным пропорциям, таким как 8 x 10, 9 x 12, 16 x 20 и т. д. Я могу придать композиции то, что ей нужно, сжимая и расширяя окно изображения вверху. , нижний, левый или правый края.

ХОРОШО: Варианты 1 и 2 : Оба варианта используют одну и ту же подразумеваемую диагональную схему: мы входим в правый нижний угол вдоль диагональной перспективы, созданной столбами забора.Мы следуем по ней налево, а затем зигзагом назад, вправо, вверх по предполагаемой диагонали, образованной верхушками деревьев. В остальном две композиции идентичны, за исключением того, что в варианте 1 слева больше пространства, что меняет все. Он создает широкий «ландшафтный» формат, который естественным образом предполагает расширение слева направо. Мы по-прежнему отслеживаем диагональное движение от правого нижнего угла к левому и обратно, но наш глаз, кажется, перемещается на большее расстояние. В варианте 2 мы испытываем те же самые диагональные движения, но в более сжатом виде.Вертикальный формат усиливает это. Вертикальный или портретный формат менее распространен в пейзажной живописи, но в некоторых сценах может быть очень эффективным для привлечения зрителя внутрь и вверх, создавая ощущение глубокого пространства.

ЛУЧШЕ: Вариант 3: Эта композиция самая удачная из трех. Он исследует ту же часть сцены и использует те же подразумеваемые диагонали, но добавляет больше неба, переднего плана и темного дерева справа. Вместе они предлагают большее движение и разнообразие форм.

1. При расширении окна изображения в нижней части вводится темная тень. Это усиливает вход в картину и соединяется со столбом забора, который затем соединяется с высоким темным деревом справа, образуя своего рода темный полукруг (см. дугообразную стрелку). Это ограничивает правую часть композиции и создает отверстие слева, где находятся фоновые деревья. В своей книге «Композиция наружной живописи» Эдгар Пейн называет этот тип композиции буквой «О» или кругом.«Как правило, это довольно надежный метод достижения единства, — говорит Пейн, — при условии, что основной проем или пространство остается доминирующим».

2. Высокое темное дерево справа, отбрасываемая тень на переднем плане и темные деревья слева составляют три ярких, различных формы темного оттенка. Больше вариаций форм означает более интересную композицию.

3. Световой просвет между деревьями (см. овал) теперь сам по себе становится формой. Он предлагает еще один интересный элемент, окруженный множеством более темных значений, и дает еще один способ перемещения по пространству.

4. Четкий передний, средний и задний план — проверенный и верный способ организации пейзажного пространства. Не является абсолютным требованием, чтобы каждая композиция использовала все три этапа, но в этом случае изменения, внесенные в вариант 3, создают все три слоя, что помогает создать впечатление более глубокого пространства.


Дополнительные ресурсы

Пейзажная живопись: основные понятия и приемы пленэра и студийной практики
Композиция через окно изображения, стр. 85
Ограниченный фокус посредством выделения, стр. 86–87
Видоискатель, стр. 89
Гибкость Окно изображения, стр. 89

Композиция перед раскрашиванием — соображения на первых этапах пленэрной живописи

Советы по композиции и дизайну ландшафта для начинающих акварелистов

Следуйте указаниям акварелиста Стива Керла , который учит ландшафтной композиции и принципам дизайна, которые можно применить к любой картина.Эти основы работают и для других форм искусства, что делает их полезными во многих ситуациях. Хотите посмотреть видео версию? Полное руководство доступно для участников нашего Университета акварели.

Материалы, упомянутые в этом классе акварели:

  • Лист макулатуры или бумаги для рисования
  • Механический карандаш с грифелем HB 0,5 мм
  • iPad или аналогичное устройство
  • Ловец взгляда художника с цветовым кругом или любой видоискатель

Шаг 1. Решите, что нарисовать для пейзажной композиции

Это может показаться очевидным, но перед любой покраской вы должны принять определенные важные решения.Это включает в себя решение, что рисовать, почему вы это рисуете и как вы хотите выразить это акварелью. Стив также рекомендует узнать, что вам визуально интересно, так как это повлияет на ваше направление как художника.

Следующим шагом будет формирование композиции на основе ваших решений. Стив делает набросок примера неудачной композиции, где он обрамляет растение в центре композиции. Это не оставляет места для фона, который можно спланировать таким образом, чтобы он дополнял предмет.Затем он набрасывает лучшую композицию того же растения, увеличивая его, а затем сдвигая вправо. Он также добавляет стол на заднем плане, чтобы дать растению место в пространстве.

Композиция заключается в том, чтобы знать, как заполнить пустое пространство и использовать для этого правильный баланс положительного и отрицательного пространства. «Положительное пространство» — это замкнутая область, определяющая объект, а «негативное пространство» — это пустая область между двумя объектами. Подобно свету и тьме, вы не можете иметь одно без другого.Это формирует основу любой композиции, в которой вы разбиваете свой предмет на простые формы и рассматриваете их взаимосвязь друг с другом. Это также о том, как вы создаете предмет таким образом, чтобы ваша причина, стоящая за картиной, прояснилась.


Шаг 2: «Золотая середина», также известная как «Правило третей»

Затем Стив Керл представляет «золотую середину», также известную как «правило третей». Он делает это, нарисовав прямоугольник и равномерно разделив его на 9 частей, а затем добавив 4 фокальные точки в местах пересечения линий. Эти точки являются хорошими местами для размещения вашего основного предмета или точек схода в перспективной картине.

Кроме того, Стив советует не использовать клишированные формы, то есть объекты идеальной формы, которые выглядят слишком мультяшными или знаковыми. Он предлагает более внимательно изучить тему и выбрать более интересные формы с хорошими пересечениями.


Шаг 3. Использование видоискателя для создания пейзажа

Составление наброска похоже на просмотр разбросанных кусочков головоломки и поиск наилучшего способа их соединения.Практика этих основ поможет развить художественный инстинкт, чтобы вы научились доверять своим решениям.

Стив представляет простой инструмент – видоискатель, облегчающий эту практику. Подобно видоискателю камеры, физический видоискатель помогает определить объект съемки еще до того, как вы начнете рисовать. В то время как у него есть профессиональный, который может приспосабливаться к различным стандартным пропорциям, сделанный вручную работает так же хорошо. Просто убедитесь, что видоискатель соответствует размеру вашей окончательной картины.И если ничего не помогает, сформируйте коробку пальцами.

Короче говоря, после выяснения «почему» и «что» вы рисуете, видоискатель показывает, как лучше всего отразить это в вашей композиции, и определяет «как».


Шаг 4. Преимущества электронных видоискателей

Использование iPad или аналогичного устройства также полезно при съемке и кадрировании изображений с помощью встроенного видоискателя. Даже после того, как вы сделали снимок, вы всегда можете изменить его размер или композицию, используя инструменты масштабирования или кадрирования.В конце концов, важно получить композицию, включающую интересные тени, блики и текстуры.

Кроме того, обязательно уделите время планированию и изучению своего предмета. С практикой композиции будут даваться легче, что, в свою очередь, укрепит уверенность в вашей художественной практике.


Шаг 5. Составление композиции на пленэре, эскизов эскизов и шаблонов значений

Стив рекомендует рисовать или сочинять на пленэре (буквально «на пленэре») как можно чаще. Это означает выходить на улицу и рисовать на месте, а не с фотографии. Преимущество этого заключается в том, что вы можете увидеть природу свежей и живой, а запечатление реального опыта всегда приведет к более впечатляющим результатам. Следующим лучшим вариантом является рисование с электронного устройства, так как подсветка помогает усилить общий эффект вашего предмета.

Художники, работающие на пленэре, могут использовать видоискатель, чтобы обрамить сцену, а затем сделать миниатюрный набросок. Для этого нарисуйте небольшой прямоугольник с теми же пропорциями, что и акварельная бумага, которую вы используете.Затем набросайте упрощенный дизайн вашего предмета и фона, применяя принципы композиции. Если вы не удовлетворены результатами, вы можете легко сделать еще один миниатюрный набросок и переформулировать свой предмет.

После того, как у вас есть эскиз, который вам нравится, следующим шагом будет выбор шаблона значений. Это означает затенение в темных, средних и светлых тонах, чтобы установить структуру вашей картины или рисунка. Поскольку это все еще черновик, вы можете упростить значение до 3 основных тонов: блики (оставить белым), средние тона (легкая штриховка) и тени (сильная штриховка).В примерном наброске Стива облака и водопад остаются белыми в качестве самых светлых значений. Небо среднего тона, а каменистая область светлее неба, но не белая. Самые темные тона – расщелины в скалах, тени за водопадом и деревья.

Таким образом, спланируйте композицию ландшафта и рисунок, пока не будете готовы начать рисовать по-настоящему.


Шаг 6. Заключительные советы по композиции ландшафта и дизайну

Наконец, Стив разбирает композицию пейзажа и рисунок водопада на предыдущей картине.Текстуры скал, голубоватые брызги водопада, тени деревьев и яркие цвета – все это было запечатлено невооруженным глазом. Он также выбрал вертикальную (т. е. «портретную») композицию вместо горизонтальной (т. е. «пейзажной»), чтобы подчеркнуть длину и величие водопада. Точно так же, как только вы определитесь с темой, вам будет легче составить свою картину более эффективным образом.

Нельзя отрицать, что ландшафтная композиция и дизайн в конечном итоге определят успех вашей акварельной живописи.Есть 3 способа сделать это: без какого-либо планирования, со слишком большим планированием или с базовым планом, обеспечивающим гибкость. Как и при подготовке к отпуску, вы можете выбрать третий вариант, в котором у вас есть базовая структура, но оставлено место для других возможностей. Это означает, что ваша пейзажная композиция является основой вашей картины, а такие аспекты, как освещение и используемые цвета, можно решить, пока вы рисуете и экспериментируете. У вас будет больше свободы, и вы получите более интересную картину, не испортив основной дизайн.

Как только вы запомните эти принципы, продолжайте практиковаться и применяйте их во всех своих будущих начинаниях в живописи!

Состав: Золотое сечение | Масляная и акриловая живопись

Состав: Золотое сечение. Дон Финкельдей:  Золотое сечение использовалось архитекторами, математиками, скульпторами и художниками на протяжении тысячелетий. Соотношение равно 1,618, но как мне использовать его в современном искусстве, не будучи математиком? Вот как.

Леонардо да Винчи использовал его.Даже Великая пирамида в Гизе, построенная около 2560 г. до н.э., близка к золотому сечению 1,618. Это отношение основания к высоте пирамиды. Евклид сформулировал математику в 365 г. до н.э. Это выглядит так:
Золотое сечение 1,618 будет достигнуто, если отношение суммы величин к большей величине будет равно отношению большей величины к меньшей.
 
Это легко сказать, но трудно понять. Вот некоторые визуальные эффекты. Один изображает золотое сечение для линии, другой — золотое сечение для прямоугольника.Если вы не хотите вдаваться в рассуждения, перейдите к нижней части этой статьи для правила художника 60/40. Это достаточно близко для художников.

Золотое сечение для линии:

 
Золотое сечение для прямоугольника:

 
Как для линии, так и для прямоугольника:

 
В прямоугольнике над более темной серой областью находится квадрат, а более светлой серой областью представляет собой непрямоугольный прямоугольник. Ширина каждого прямоугольника, сложенная вместе, разделенная на общую высоту, равна 1.618 И ширина квадрата плюс ширина неквадрата = 1,618.

Вот другой прямоугольник, где ширина каждой серой области такая же, как и выше, но высота каждой составляет ½ высоты прямоугольника выше.

 
В приведенном выше случае ширина более темного прямоугольника, деленная на ширину более светлого прямоугольника, по-прежнему равна 1,618, НО ширина каждого прямоугольника, сложенная вместе, разделенная на общую высоту, не равна 1,618. Отношение в два раза больше, чем 1,618. Это 3.236. Следовательно, оно не соответствует критериям векового «золотого сечения».

Что все это значит и зачем вообще внедрять этот принцип в пейзажную живопись?

В пейзажной живописи почти каждое соотношение массы и объекта в любом случае не соответствует золотому сечению. Согласитесь, почти ничто не соответствует правилу золотого сечения, так зачем вообще внедрять этот принцип в пейзажную живопись? Даже большинство размеров холста не соответствуют золотому правилу.

РЕКОМЕНДАЦИЯ ХУДОЖНИКА 60/40

Одна интересная вещь, которую мы не обсуждали и которая всегда соответствует одной части золотого правила, — это отношение площадей каждого прямоугольника.В обоих прямоугольных случаях выше большая темно-серая область, разделенная на меньшую светло-серую область, является золотым сечением 1,618. Я упростил его, упростив соотношение, близкое к золотому сечению, но не совсем к нему. это 60% к 40%.
Это принцип, о котором должны помнить художники-пейзажисты.

  1. При размещении горизонта, отделяющего твердую землю от неба, сделайте его 60% неба и 40% твердой земли или 40% неба и 60% твердой земли. Это не совсем 1,618 (это 1,618).6), но достаточно близко, чтобы соответствовать критерию площади золотого правила.
  2. При разделении теней и освещенных солнцем областей сцены сделайте 60 % в тени и 40 % в солнечном свете — или наоборот.
  3. Если вы решаете, какая часть стены каньона должна быть в тени, а какая на солнце, используйте правило 60/40.
  4. Чтобы разместить фокусную область на холсте, сделайте ее на 40 % правее или левее края и на 40 % сверху или снизу. Или, в плоскости значений, сделайте то же самое от краев плоскости значений к фокальной точке.
  5. При наброске горизонтальной линии деревьев поместите либо 40%, либо 60% деревьев, а остальные промежутки неравных размеров. Или, наоборот.
  6. Меняйте высоту деревьев на горизонтальной линии в том же соотношении 60/40 или 40/60.

Конечно, вы всегда слышали, что делить холст пополам или размещать фокус в центре холста — не лучшая композиция. Теперь вы знаете, почему. Но вот хорошее применение золотого сечения, о котором стоит помнить художникам.Конечно, это общие положения, но если вы будете помнить о соотношении 40/60, принимая решения о тени/свете, точке фокусировки или высоте/ширине линии, вы не совершите ошибку, делая вещи слишком повторяющимися и идеально сбалансированными. Разнообразие и неодинаковые меры делают картину интересной.

Пошаговое руководство: отредактируйте ландшафт для улучшения композиции

Дэн Маршалл, «Visual Trespass», 2018, акварель, 10 x 14 дюймов, собрание художника, пленэр

Композиция в живописи, Дэн Маршалл > Сильная композиция достигается за счет преднамеренного дизайна, а не счастливой случайности случайных форм.Если присмотреться, природа дает нам всю необходимую информацию. Нам просто нужно организовать части, чтобы создать визуально приятные картины.

Дэн Маршалл имеет собственную студию-галерею и частное тату-пространство Atelier 71 в Денвере, штат Колорадо. Он рассказывает больше о своем процессе в новом DVD «Городские пейзажи акварелью ».

Редактирование пейзажа для лучшей композиции картины

ДЭН МАРШАЛЛ
danmarshallart.com

Художник-акварелист на пленэре Дэн Маршалл

Время от времени нам, художникам, может посчастливиться найти идеальную композицию в полевых условиях.Однако чаще всего требуется некоторое количество редактирования. Много раз, даже если сцена перед нами не идеальна, мы можем увязнуть в попытках точно воспроизвести то, что видим, вместо того, чтобы создавать собственную интерпретацию сцены.

Редактирование позволяет нам лучше передать пейзаж и представить историю, которую мы хотим рассказать с помощью нашего искусства, и важно с самого начала подумать об изменениях, которые мы хотим внести.

Во время недавней поездки по живописи в Италию я наткнулся на интересный канал, когда шел по узкому мосту в Греве-ин-Кьянти.Пространство на мосту и оживленной пешеходной дорожке было крайне ограничено, поэтому это было небезопасное место для установки. Вместо этого я спустился по камням на берег канала и устроился там, прямо перед мостом и под ним.

С этой позиции я увидел причудливую сцену с типичными итальянскими зданиями, хотя и не с типичной точки зрения. Мощный ввод подпорной стены слева и соединение моста посередине привлекли меня, но пейзаж требовал редактирования, чтобы создать сильную композицию.

Во-первых, центральное здание и мост (основной объект) были немного далеко. Кроме того, отражение ручья не уходило далеко в пейзаж, свет на зданиях был немного плоским, а масса деревьев слева была слишком заметной.

Я мог бы разработать композиционные изменения, которые хотел внести в сцену, с помощью эскизов и небольшого исследования, но вместо этого я сделал то, что я называю «мысленным фотошопом». Я изучил сцену, затем начал визуализировать свою картину, композицию и перестановку по своему усмотрению.

Если вы сравните две фотографии этой сцены с моим карандашным наброском, вы увидите, как я расширил ручей на переднем плане, чтобы соединить его со средним планом. Затем я использовал ручей и стену, чтобы направить взгляд зрителя на мост. На готовой картине вы можете видеть, что я также добавил сильную направленную тень на здание — направленную прямо к мосту, и тонкий рисунок в небе, который ведет к зданиям. Чтобы придать картине более тосканский вид, я изменил форму некоторых деревьев слева.

Самое главное, я упростил каждую основную форму, оставив достаточно деталей, чтобы сделать их интересными для зрителя. Для создания единого дизайна я повторяла формы, делая зигзагообразные соединения. Поскольку я сделал небо в форме буквы «V», я использовал перевернутую букву «V» для переднего плана. В готовой работе все элементы складываются вместе, как паззл, создавая целостную картину.

Пошаговая демонстрация: создание унифицированного дизайна

Шаг 1

На этих фотографиях показан вид с моего мольберта, а также элементы, которые я хотел реорганизовать и вновь подчеркнуть в своей композиции.

.

Шаг 2

Начав с легкого карандашного рисунка, я продлил ручей так, чтобы он соединился со средним планом и помог привлечь внимание зрителя к мосту.

.

Этап 3

Я также нарисовал сильную диагональную тень на здании, чтобы привлечь внимание к мосту; и чтобы вести к зданию, я придумал тонкую диагональную форму в небе.

.

Последний этап

Упрощая формы и создавая связи между ними, я создал более единый дизайн, чем реальная представленная сцена.

Дэн Маршалл, «Тосканская мечта», 2018, акварель, 18 x 12 дюймов, коллекция художника, пленэр

. Помните: Дэн рассказывает больше о своем процессе в новом DVD «Городские пейзажи акварелью ». Вы изучите эти техники и многое другое:

  • Завершите акварельный рисунок от начала до конца
  • Уроки композиции для создания сильного центра интереса
  • Как рисовать людей в движении
  • Как рисовать отражения, здания, деревья, облачное небо
  • Советы по достижению точной перспективы
  • Кисть для рисования мокрым по мокрому, сухая кисть, каллиграфия
  • Управление краями — когда лучше использовать мягкие или жесткие края
  • Поймите, как ценности говорят сами за себя!

Обзор OutdoorPainter.com для получения дополнительных статей о живописной композиции.

Ян Робертс — Видео — Мастеринг композиции из фотографий: Пейзажная живопись

В этом мастер-классе на DVD Ян Робертс делится своими методами создания композиций на основе фотографий с использованием пейзажа в качестве объекта.

К концу этого видео вы узнаете все, что вам нужно знать, чтобы использовать фотографии для создания драматических пейзажей. Узнайте, как вдохнуть жизнь в свои картины с помощью четкой композиции, драматических световых эффектов и методов получения свежего цвета. миксы, значения и ребра.Улучшите свои картины прямо сейчас с помощью четких упражнений и примеров Яна, которые помогут вам понять, что делает хорошую фотографию и дизайн, а затем следуйте шаг за шагом, чтобы нарисовать красивый пейзаж маслом. С участием Из уроков в этом видео вы научитесь оживлять свои пейзажи, каждый раз создавая потрясающие работы.

О художнике

Ян Робертс рисует уже более 40 лет, сопровождая своего отца в живописных поездках с тех пор, как ему исполнилось десять лет. Ян учился в Новой школе искусств и Художественном колледже Онтарио в Торонто, а также изучал фигурную живопись во Флоренции, Италия. Ян работы можно увидеть в США и Канаде, и он является художником-членом Калифорнийского художественного клуба и подписным членом Ассоциации художников-художников Laguna Plein Air. Ян преподает пленэрную живопись на международном уровне в своей школе Atelier Saint-Luc, и он является автором книги «Овладение композицией: методы и принципы значительного улучшения вашей живописи», опубликованной издательством North Light Books.Он живет в Лос-Анджелесе, Калифорния.

Посмотреть пример видео онлайн.

Заказать
Мастеринг композиции из фотографий: Пейзажная живопись· Скачать файл MP4

21,99 $

Скачать

Мастеринг композиции из фотографий: Пейзажная живопись· Поток онлайн

$16,99

Трансляция онлайн

Гарантия: Если вы не удовлетворены видео, вы можете вернуть его в течение 30 дней для полного возврата средств.

alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.