Контражур в живописи: Контражур (контровый свет) в живописи

Содержание

Стоящие против света

Пожалуй, изо всех эффектов освещения самым драматичным является так называемый контражур, при котором предмет выглядит темным силуэтом на светлом фоне.

Источник света художники, как правило, устанавливают сбоку. Однако не менее драматичный эффект возникает и в том случае, когда источник света установлен позади изображаемого предмета, который выглядит в этом случае темным силуэтом на светлом фоне. Этот прием называется контражуром или, буквально, — «против света».


На этой картине из серии Уолтера Снккерта «Морнингтон Презентн» (1908) можно различить не так много деталей, однако художник сумел создать иллюзию пространства, расположив обнаженную натурщицу па фойе освещенною окна.

Освещение играет огромную роль в создании настроения картины, а особенно драматичным выглядит противопоставление яркого света и глубокой тени. Сильными контрастами светотени увлекался еще великий Рембрандт (1606— 1669), постоянно использовавший в своих картинах эффект чиароскуро. Рембрандт любил освещать фигуры очень театрально, сильными лучами света, образующими глубокие резкие тени.

Композиционные возможности Контражур предоставляет художнику целый ряд интересных композиционных возможностей для реализации его творческого замысла. Прежде всего, поскольку силуэт предмета или человека четко вырисовывается на освещенном фоне, усиливается иллюзия глубины пространства. Кроме того, освещенный участок картины сразу становится фокальной точкой картины.

При этом, если речь идет об окне или двери, на полотне возникает своего рода рамка внутри рамы картины, также усиливающая иллюзию перспективы.

Решая использовать контражур, художник чаще всего старается поднять источник света выше, отчего значительная часть переднего плана становится темнее обычного и на ней уже невозможно изобразить мелкие детали. Однако тщательно смоделированные отбрасываемые тени создают иллюзию направленного движения и помогают художнику не только вести взгляд зрителя в глубину пространства картины, но и побудить его погрузиться в изучение нижней части полотна.

Очень полезно для любого начинающего художника поработать с большими участками темного тона на переднем плане такой картины. Темные краски следует накладывать в этом случае тонкими слоями.

Очертания предметов в этой части картины можно написать разнонаправленными мазками кисти и с помощью разных красок.

Большинство находящихся в глубокой тени предметов будет трудно узнаваемым, однако невозможность точно идентифицировать предмет всегда делает работу несколько загадочной и таинственной.


Па картине «Плит в Этяпле» 11887) Уплата Старо мы не видим источник свети, однако угадываем его расположение благодаря писанным в контражуре фигурам н отбрасываемым ими теням.

Жанровые сцены
Влияние французской живописи и импрессионизма привело в конце XIX века к зарождению британской жанровой живописи. Жанровыми называются сценки из повседневной жизни самых обычных людей, запятых своими обычными делами, — работающих, отдыхающих, ссорящихся и веселящихся. Жанровую живопись можно считать социальным явлением, поскольку очень часто художники описывали теневые стороны жизни — нищету, трущобы, ежедневную борьбу за кусок хлеба. Крупнейшими представителями британской школы жанровой живописи были Стенхоуп Форбс (1857— 1947), Уилсон Стар (1860—1942) и Уолтер Сиккерт (1860—1942).

Ощущение непосредственности
Будучи большим поклонником творчества французского художника Эдгара Дега (1834 — 1917), Сиккерт но примеру своего кумира чаще всего описывал жизнь обитателей бедных кварталов Лондона и часто прибегал к контражуру, что помотало ему придать своим сценкам ощущение непосредственности и сиюминутности происходящего. Его приглушенная палитра словно приглашала зрителя начать самостоятельно «исследовать» картину, все глубже и глубже погружаясь в происходящее на пей. Как и на картинах Дета, фигуры у Сиккерга редко повернуты лицом к зрителю.

Свои композиции он чаще всего решал, подобно своему учителю, в стиле «моментальной фотографии».

ИСПОЛЬЗОВАНИЕ КОНТРАЖУРА
Контражур чаще всего используется п портретной живописи, хотя применение этого приема может выходить и за рамки интерьера. Очень интересно, например, может выглядеть пейзаж или городской вид с отброшенными на передний план четкими вытянутыми тенями.

Когда вы пишете в контражуре, очень важно исследовать цвет силуэтов, которые на первый взгляд кажутся черными. Лучше всего при этом сразу убрать с палитры черную краску, чтобы не возникало искушения притронуться к ней! Расположив источник света в верхней части картины, вы получаете наилучшую возможность исследовать темные очертания предметов на переднем плане. Края предметов при этом будут казаться слегка размытыми, теряющимися в темноте, а их формы — несколько плоскими, лишенными объема.

Закономерности изображения натюрморта в контражуре



2

 

СОДЕРЖАНИЕ.

 

ВВЕДЕНИЕ……………………………………………………………………..2-3

ГЛАВА1. ЗАКОНОМЕРНОСТИ ИЗОБРАЖЕНИЯ НАТЮРМОРТА В КОНТРАЖУРЕ.

      1.1.Исторический аспект становления и развития натюрморта как жанра в изобразительном искусстве…………………………………………………...4-7-

      1.2.Специфика проявления особенностей контражура в натюрморте…8-9

      1.3.Законы композиции…………………………………………………..10-11

ГЛАВА2.ИССЛЕДОВАНИЕ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ ПРИЁМА КОНТРАЖУРА В ЖАНРЕ НАТЮРМОРТ.

      2.1.Проявление приёма контражура в работах художников…………..12-13

      2.2. Последовательность выполнения самостоятельной работы………14-15

ЗАКЛЮЧЕНИЕ………………………………………………………………16-17

ЛИТЕРАТУРА…………………………………………………………………..18

ПРИЛОЖЕНИЕ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ВВЕДЕНИЕ.

 

           Проблема курсовой работы состоит в том, что не всегда и не у всех художников задача раскрытия социального содержания жизни посредством «говорящих вещей» была главной в создании произведения. Менялись вкусы, эстетические представления, менялось и отношение к окружающей действительности. Художники стали подмечать в окружающей жизни иные качества материального мира. Важной проблемой становится среда, в которой находится предмет, передача света, воздуха, образа природы.
Натюрморты отличает простота и классическая ясность композиции, объединенные под общим названием «Атрибуты искусства».

            Актуальность темы курсовой работы состоит в том, что жанр натюрморта очень богат и интересен. Накоплен значительный опыт в этом жанре. Достоверно изображаются предметы, передается их красота, неповторимые живописные качества. Искусство натюрморта имеет свои традиции. Оно имеет периоды расцвета и периоды спада.

В последние десятилетия в жанре натюрморта начинают работать многие молодые художники. Всероссийская выставка «Натюрморт» 1975г. показала не только массовость жанра, но и широкий охват тем. Не порывая связи с современной действительностью, художники обращаются к опыту истории искусства, внимательно изучают смежные жанры. Другим источником является изучение произведений народного творчества, изучение опыта предшествующих поколений.
               В течение долгого времени развивался натюрморт как жанр изобразительного искусства. Не всегда сопутствовал общему ходу развития изоискусства. Натюрморт переживал подъемы, а иногда совсем сходил со сцены. К настоящему времени у натюрморта как вида изоискусства сформировались свои характерные черты и особенности.
           Объектом изучения курсовой работы является контражур как приём в жанре натюрморт: освещения, воздушность и объём.

           Предметом исследования курсовой работы является натюрморт. Натюрморт как вид изобразительного искусства имеет свои особенности. Цель его — создание художественного образа, верно передающего смыслы содержание явления природы и жизни. Живопись базируется на строго определенных закономерностях построения реалистической формы. Обучение живописи — путь изучения способов, приемов и средств построения живописной формы цвета.

             Цель курсовой работы состоит в том, чтобы изучить закономерности изображения натюрморта в контражуре.

              Задачи курсовой работы состоят в том, чтобы глубоко изучить место жанра натюрморт в изобразительном искусстве; его значение в живописи; законы композиции необходимые при работе над рисунком; выяснить  какие виды натюрмортов бывают; выделить особенности приема контражура в живописи натюрморта, его специфику; понять роль света и тени; изучить последовательность в работе над рисунком натюрморта; этапы выполнения работы. Сделать описание самостоятельной работы.
 

 

 

 

 

 

 

             

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ГЛАВА1.ЗАКОНОМЕРНОСТИ ИЗОБРАЖЕНИЯ НАТЮРМОРТА В КОНТРАЖУРЕ.

1.1.Исторический аспект становления и развития натюрморта как жанра в изобразительном искусстве.

          В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte — «мертвая природа») принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт  может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины. В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени.

           Искусство  вещи издавна, еще задолго до превращения в самостоятельную область художественного творчества, было неотъемлемой частью всякого значительного произведения. Роль натюрморта в картине никогда не исчерпывалась простой информацией, случайным добавлением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы более или менее участвовали в создании образа, оттеняя ту или иную сторону замысла. До того, как натюрморт сложился в самостоятельный жанр, вещи, окружающие человека в обыденной жизни, лишь в той или иной мере входили в качестве атрибута в картины древности. Иногда такая деталь приобретала неожиданно глубокую значительность, получала собственный смысл.

Как определенный вид или жанр живописи натюрморт имеет в истории искусства свои расцветы и падения.

Суровое, напряженно-аскетическое искусство Византии, создавая бессмертные, монументально-обобщенные, возвышенно-героические образы, с необыкновенной выразительностью пользовалось изображениями отдельных предметов.

 В древнерусской иконописи также большую роль играли те немногочисленные предметы, которые художник вводил в свои строго канонические произведения. Они вносили непосредственность, жизненность, порой казались открытым выражением чувства в произведении, посвященном отвлеченно-мифологическому сюжету.

Еще большую роль натюрморт играл в картинах художников XV — XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец, впервые обративший пристальное внимание на окружающий его мир, стремился указать место, определить ценность каждой вещи, служащей человеку. Предметы обихода приобретали благородство и горделивую значительность их обладателя, того, кому они служили. На больших полотнах натюрморт занимал обычно очень скромное место: стеклянный сосуд с водой, изящная серебреная ваза или нежные белые лилии на тонких стеблях находились в углу картины. Однако в изображении этих вещей было столько поэтической влюбленности в природу, смысл их так высоко одухотворен, что здесь уже можно увидеть все черты, которые определили в дальнейшем самостоятельное развитие целого жанра.

Предметы, вещественный элемент получили в картинах новое значение в XVII веке — в эпоху развитого натюрмортного жанра.  В сложных композициях с литературной фабулой они заняли свое место наряду с другими героями произведения. Анализируя произведения этого времени, можно увидеть какую важную роль стал играть натюрморт в картине. Вещи стали выступать в этих произведениях, как главные действующие лица, показывая, что может достичь художник, посвятив этому роду искусства свое мастерство.

Натюрморт — сравнительно молодой жанр. Самостоятельное значение в Европе он получил лишь в XVII веке. Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Его возникновение связано с  теми революционными историческими событиями, в результате которых эти страны, получив независимость, в начале XVII столетия вступили на путь буржуазного развития. Для Европы того времени это было важным и прогрессивным явлением. Перед искусством открылись новые горизонты.  Исторические условия, новые общественные отношения направляли и определяли творческие запросы, изменения в решении стоящих перед живописцем проблем. Прямо не изображая исторических событий, художники по-новому взглянули на мир, новые ценности нашли в человеке. Их привлекали особенности национального быта, родной природы, вещей, хранящих на себе отпечаток трудов и дней простых людей. Именно отсюда, из сознательного, углубленного, самим строем подсказанного интереса к жизни народа, родились обособленные и самостоятельные жанры бытовой картины, пейзажа, возник и натюрморт.

Искусство натюрморта, сложившееся в XVII веке, определило основные качества этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено, выражала характер и полноту познания действительности. Живописец передавал материальное бытие вещей, их объем, вес, фактуру, цвет, функциональную ценность предметов обихода, их живую связь с деятельностью человека. Сформулированные в XVII веке, задачи жанра в общих чертах существовали в европейской школе вплоть до середины XIX века. Однако это не означает, что художники не ставили перед собой новых задач, механически повторяя готовые решения.

На протяжении эпох менялись не только  методы и способы живописного решения натюрморта, но накапливался художественный опыт, в процессе становления развивался более сложный и постоянно обогащающийся взгляд на мир. Не один предмет как таковой, но различные его свойства становились объектом перевоплощения, и через раскрытие вновь понятых качеств вещей выражалось свое, современное отношение к действительности, переоценка ценностей, мера понимания реальной действительности.

В русском искусстве натюрморт появился в 18 в. вместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи и стремление правдиво и точно передать предметный мир («обманки» Г. Н. Теплова, П. Г. Богомолова, Т. Ульянова и др.). Дальнейшее развитие русского натюрмортеа носит эпизодический характер. Его некоторый подъём в 1-й половине 19 в. (Ф. П. Толстой, школа А. Г. Венецианова, И. Т. Хруцкий) связан с желанием увидеть прекрасное в малом и обыденном. Во 2-й половине 19 в. к натюрморту этюдного характера лишь изредка обращаются И. Н. Крамской, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Д. Поленов, И. И. Левитан; подобное положение натюрморта в художественной системе передвижников следовало из их представления о главенствующей роли сюжетно-тематической картины. Самостоятельное значение натюрморта-этюда возрастает на рубеже 19 и 20 вв. (М. А. Врубель, В. Э. Борисов-Мусатов). Расцвет русского натюрморта приходится на начало 20 в. К его лучшим образцам относятся: импрессионистические по своим истокам, но по-разному обогащенные новыми художественными веяниями работы К. А. Коровина, И. Э. Грабаря, М. Ф. Ларионова; тонко обыгрывающие историко-бытовой характер вещей произведения художников «Мира искусства» (А. Я. Головин и др.): романтизированно-приподнятые и остро декоративные образы П. В. Кузнецова, Н. Н. Сапунова, С. Ю. Судейкина, М. С. Сарьяна и др. живописцев круга «Голубой розы»; яркие, пластичные Н. мастеров «Бубнового валета» (П. П. Кончаловский, И. И. Машков, А. В. Куприн, В. В. Рождественский, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, Н. С. Гончарова) с их культом единства цвета и формы и пафосом самого процесса интерпретации натуры.

 

 

 

1.2. Специфика проявления особенностей контражура в натюрморте.

 

В изображении натюрморта важен не сам предмет, а его связь с окружением, когда сила и красота цветового пятна целиком зависит от среды, в которой он находится. Отсюда можно сделать основополагающий для работы над живописью вывод: чтобы верно и живо взять какой либо цвет, надо написать его окружение.

Для наиболее полного раскрытия возможностей контрастных сочетаний в живописи натюрморта, следует разнообразить постановки и по характеру освещения. Интересные решения дают постановки против света – контражур, или освещённые прямым светом, когда взаимодействие контрастирующих цветов выступает в чистом виде. В этом случае требуется наиболее тонкая гармонизация цвета, точное определение цветовых отношений

Контражур (фр. a contre-jour против света) изображение предметов, освещенных позади.

Контражур придаёт натюрморту эффектность освещения, воздушность и объём. Благодаря контражуру объекты приобретают сказочный вид. Они получаются контрастные, и как будто светятся изнутри.

Если объект находится на фоне светлого —  это и есть контражур, в этом случае объект будет темнее по тону.

Контражур несёт в себе эмоциональную нагрузку, выраженная контрастами света и тени, которая позволяет автору расставить композиционные акценты. На светлом фоне затемняется передний план, или другой прием, когда полумрак заднего плана как будто рассеивается к переднему.

Работа в контражуре предполагает усиленное внимание к цвету, при этом очень сложно передать ощущение истинного цвета.

Задачи при создании натюрморта в контражуре — создать красивую, гармоничную композицию через отбор, детальную проработку на свету и списывание в тенях, проработка предметов в заданном состоянии, их материальности, фактуры. Возможно применение смешанной техники.

 

В натюрморте появляется светотеневой контраст, темный силуэт, слабо выражена объемность, пространство хорошо моделируется, локальный цвет теряется, работа ведется на световых и цветовых рефлексах.                                     

Контражур – явление восприятия предмета или объекта, стоящего против света и воспринимающегося в виде плоского силуэтного пятна.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1.3.Законы композиции.

 

.           Композиционная работа при изображении натюрморта с натуры ведется в плане поисков характера группировки и размещения предметов в пределах картинной плоскости в формате. В зависимости от характера изображаемых предметов — их высоты и ширины, глубины намечаемого пространства, степени контрастности предметов по величине, форме и цвету — рисующий ведет уточнение формата и положения композиционного центра, находит тональное или цветовое решение — словом, ведет поиски наиболее выгодной композиции, в которой найдут свое разрешение вопросы равновесия, пропорциональных отношений по величинам и т. д. Сюжетный центр выбирается с таким расчетом, чтобы он, притягивая к себе остальное, выполнял функцию своего рода камертона для предметов, находящихся вне композиционного центра. Он может выделяться, благодаря контрасту форм, тона, цвета и т. д., но он не должен нарушать целостности изображения как совокупности взаимосвязанных по смыслу предметов.

План-конспект урока «Роль цвета в портрете» 6 класс — Методические документы — Методические документы — Каталог статей


План-конспект урока «Роль цвета в портрете» 6 класс.

Тип урока: изучение нового материала.
Цели урока: 
1. Дать учащимся представление о роли освещения в произведениях искусства, познакомить с приемами чиароскуро и контражура.

2. Сформировать первичные навыки использования контражура в живописи портрета.
3. Развитие у учащихся цветового восприятия окружающей действительности.
Методы обучения диалогический, репродуктивный, эвристический.
Приемы преподавания: беседа, объяснение, демонстрация, постановка вопросов.
Приемы учения: наблюдение, слушание, ответы на вопросы, выполнение самостоятельной работы.
Форма работы: индивидуальная.
Задание: выполнить цветовое решение портрета друга или просто знакомого, рисунок которого был выполнен на прошлом уроке.
Зрительный ряд: репродукции картин Леонардо да Винчи»мадонна в гроте» и «Мона Лиза», Жоржа де Латура «Мария Магдалина со светильником», Караваджо «Бичевание святого Петра», Уилсона Стила «Пляж в Этапле», произведений Рембранта, Уолтера Сиккерта.

Ход урока
I.Организационная часть.
Проверка готовности учащихся к работе на уроке.
II.Актуализация опорных знаний.
III.Введение нового материала.
Контрасты – излюбленный многими мастерами прием, позволяющий автору донести идею своего произведения до зрителя. Некоторые художники, в число которых входили непревзойденные мастера Леонардо да Винчи и Рембрант, усиливали драматизм изображенных ими сцен за счет подчеркнуто контрастного распределения света и тени – приема, известного в живописи как чиароскуро.
Прием чиароскуро может быть использован в любой композиции. Как правило, художник прибегает к нему ради создания драматического эффекта, всегда возникающего при резком контрасте света и тени. Термин «чиароскуро»состоит из двух латинских слов: chiara – свет, яркость и obscura – тень, тьма.
Первым мастером чиароскуро был великий Леонардо (1452-1519). Его «Мона Лиза» отличается тонким идеальным балансом светотени. Лицо и руки на этом портрете ярко выделяются на фоне темного платья и тающих в дымке деталей заднего плана. 
Особенно эффектно умел использовать контрастное освещение итальянский мастер Караваджо (1573 – 1610). В картине «Бичевание святого Петра» взгляд зрителя привлекает ярко освещенная фигура Петра, в то время как лица его мучителей либо отвернуты от зрителей, либо погружены в глубокую тень.
Манера Караваджо оказала сильное влияние на творчество французского художника Жоржа де Латура (1593 – 1652). Латур написал четыре картины, изображавшие освещенную одинокой свечей или святильником фигуру кающейся Марии Магдалины. Рассматривая репродукцию, обратите внимание на то, что свет выхватывает из темноты профиль и белую блузу Марии, а затем постепенно убывает по мере приближения к краю картины. Свет также освещает лежащий на ее коленях череп – символ кратковременности человеческого бытия и тщетности погони за земными благами.
По всеобщему признанию, непревзойденным мастером чианоскуро был Рембрант (1606 – 166910. На многих картинах Рембранта драматичное освещение фигуры и предметы изображены на однородном темном – чаще всего коричневом – фоне. Персонажей своих картин Рембрант любил показывать освещенными сильным, прицельно направленным светом, порой выхватывающим из темноты самые неожиданные части лица. Так, например, на картине «Святой Матфей с ангелом» на лице ангела освещен только кончик носа. Лицо святого Матфея находится в тени и мы видим только яркие световые блики на лбу евангелиста.
Прием чиароскуро Рембрант часто использовал и в автопортретах, где в безжалостном ярком свете видна стареющая, морщинистая кожа художника. Правдв, в отличие от Караваджо, Рембрант использовал контраст не для драматизации изображения, а для создания задумчивой, порой несколько мрачной атмосферы.
Из всех эффектов освещения самым драматичным является так называемый контражур, при котором предмет выглядит темным силуэтом на светлом фоне. Контражур означает буквально «против света».
Решая применить контражур, художник чаще всего старается использовать источник света, расположенный выше, отчего значительная часть переднего плана становится темнее обычного и над ней уже невозможно изобразить мелкие делали. (Демонстрация репродукции картины Уолтера Сиккерта «Морнингтон Крезент»).
Контражур чаще всего используется в портретной живописи, хотя применение этого приема может выходить за рамки интерьера. Очень интересно, например, может выглядеть пейзаж или городской вид с отброшенными на передний план четкими вытянутыми тенями. (Демонстрация репродукции картины Уилсона Стила»Пляж в Этапле»).
Когда вы пишете в контражуре, очень важно исследовать цвет силуэтов, которые на первый взгляд кажутся черными. Лучше всего при этом сразу убрать с палитры черную краску, чтобы не возникло искушения притронуться к ней! Расположив источник света в верхней части рисунка, вы получаете возможность исследовать темные очертания предметов на переднем плане. Края предметов при этом будут казаться размытыми, теряющимися в темноте, а их формы – несколько плоскими, лишенными объема.
Задание. Выполняя цветовое решение портрета, подумайте, какой из изученных сегодня приемов живописи подойдет вашей работе.
IY.Самостоятельная работа учащихся.
Y.Подведение итогов работы.

Вопросы для закрепления изученного материала:

1.     Что такое чиароскуро?

2.     Для чего в картинах используют контраст?

3.     Как вы понимаете прием «контражур»


В завершение – демонстрация, анализ и оценка работ учащихся.

Контражур пастелью | ARTLIFE — международная онлайн академия современного искусства

@vicenteromeroredondo

Художник-пастелист, преподаватель, признанная мировая знаменитость и настоящая звезда школы ARTLIFE. Его полотна являются отличным примером того, какие трепетные чувства может вызывать женский образ.

Висенте Ромеро Редондо родился в 1959 году в Мадриде. Вместе с семьёй он много путешествовал, а его страсть и талант к живописи проявились ещё в раннем детстве. Будущий мастер начинал с остроумных карикатур на учителей и одноклассников. Затем он поступил на факультет изобразительного искусства художественной школы Сан-Фернандо в Мадриде, которая считается одной из наиболее престижных во всей стране. Достаточно сказать, что её выпускником был Сальвадор Дали.

Висенте пробовал себя в разных направлениях искусства и начал со скульптуры, но вскоре понял, что его настоящее призвание – живопись. После окончания школы Сан-Фернандо в 1982 году он сконцентрировался на технике пастели, рисуя портреты жителей прибрежных сёл на материке и на островах Тенерифе, Майорка и Ибица. После женитьбы художник вместе с супругой переехал на побережье Коста-Брава, и с этого момента в его творчестве начался новый этап. Красивейшее побережье, чудесный ландшафт и удивительные в своей красоте женщины – вот, что стало неизменным источником его вдохновения. Наряду с прекрасными средиземноморскими пейзажами он начал создавать женские портреты. Эти образы полны нежности, чувственности и буквально живут на своих холстах.

Несмотря на свою приверженность пастели художник отлично владеет техникой масляной живописи и периодически возвращается к использованию масла в своих работах.

Творчество Висенте Ромеро Редондо получило широкую известность не только в Испании, но и по всему миру. С 1990-х годов его персональные выставки проходят во Франции, Португалии, Китае. Художник устраивает постоянные экспозиции в музеях и галереях по всему миру – например, в Маленькой галерее в Сент-Эмильоне или Художественной галерее Боба в Копенгагене.

Имя Висенте Ромеро Редондо хорошо известно и в России. Художник является почётным членом Национального Союза Пастелистов, а из шести мастер-классов, которые он проводит каждый год, два проходят в творческом пространстве ARTLIFE.

Висенте Ромеро Редондо:

“Я нацелен на то, что считаю фундаментальным: каждый учится смотреть на реальность с разных точек зрения, чтобы понять, как отделять важное от того, что является второстепенным, чтобы улучшить свою способность анализировать, не теряясь в деталях. Иными словами, я учу никогда не упускать из виду общую гармонию картины, которая является самобытным явлением, а не просто интерпретацией реальности.”

Картина Півонії, контражур — Натюрморт

Картина Півонії, контражур — Натюрморт — Питык Виталий (живопись)