Самые красивые натюрморты в мире (рейтинг картин и художников)

На чтение 4 мин. Просмотров 13.2k. Обновлено 20.12.2020

В мире огромное количество гениальных художников, а их творения очень многогранны и неповторимы. Каждый художник выбирает свой стиль и жанр написания картин. Мой любимый жанр изобразительного искусства — это живые, красивые, цветочные натюрморты. Вообще странная вещь — удивляться обычным и обыденным вещам, которые мы видим в жизни каждый день, и не обращаем на них никакого внимания, например, самовары, фрукты и цветы. Но как красиво все это получается на полотне. И сегодня я хочу рассказать вам о самых красивых натюрмортах современности и не только. Итак, список самых выдающихся художников и их творения…

1

Триша Хардвик

На фото: «Цветочная нежность»

Британская художница по имени Триша Хардвик стала известной по всему миру благодаря своему удивительному таланту — великолепно писать.

Ее красочные натюрморты словно наполнены частицами счастья, тепла, света и позитивной энергии. А еще деревенские элементы вносят в ее картины некую изюминку и вырисовывают ее собственный и необычный стиль.

2

Виллем Клас Хеда

Легендарный голландский художник XVI столетия Виллем Клас Хеда, известный как «мастер завтраков». Такое незаурядное прозвище мастер живописи получил благодаря тематике своих картин, которые очень похожи одна на другую.

На полотне художник изображает обычные предметы домашней утвари, много серебряной посуды и изысканной еды, например, крабы и пироги. Работы художника поражают необычной четкостью и фотографичной точностью, хотя какие фото в 16 веке? Ну вот смотрите сами…

3

Элоиза Гарриет Стэннард

Представительница Нориджской художественной школы Элоиза Гарриет Стэннард является дочерью знаменитого художника-портретиста Альфреда Стэннарда. Но дочь выбрала другой стиль — натюрморт и очень в нем преуспела.

В ее картинах в основном преобладают яркие, сочные и очень вкусные фрукты, которые почти всегда находятся в корзинах, вазах и ящиках. Чтобы достоверно изобразить фрукты, Элоиза их покупала, об этом свидетельствуют сохранившиеся чеки от поставщика фруктов. А что из этого получилось, посмотрите…

4

Сьюзан Авис Мерфи

Талантливая художница Сьюзан Авис Мерфи девушка с кулинарными возможностями и вкусами, ведь ее картины иначе как вкусными не назовешь.

Все исполнено акварелью, а такое чувство, что мы видим изображение на фотографиях. Наверное, всему виной зеркальная и немного размытая манера написания. Вот так легкими движениями руки рождаются шедевры.

5

Шелухин Михаил

Русский художник популярен и знаменит своей техникой выполнения, он использует нежные, легкие и некричащие оттенки и краски. Его работы немного размыты и в них нет сочности, как утверждают критики, но его незабудки, ромашки, ирисы и васильки от этого не меркнут, а скорее наоборот наполнены нежности и деревенского шарма. Вот она — настоящая красочная, светлая и цветущая Россия.

6

Марианна Брум (Marianne Broome)

Еще одна яркая, британская представительница художественного стиля — натюрморт. Ее знают и любят ценители пионов. Так как Марианна очень любит изображать пионы, делает она это так изыскано и прелестно. Глядя на ее шедевры, цветы кажутся живыми, а не нарисованными.

7

Екатерина Белокур

Простая, скромная, украинская женщина Екатерина Белокур после тяжелой работы в поле любила отдаться любимому хобби — рисованию. Художница обожала изображать полевые и домашние цветы, клумбы и особенно красочные мальвы — символ украинского села. Популярным у Белокур является и изображение сезонных овощей и фруктов.

8

Игорь Бузин

Мастер цветочного натюрморта русский художник Игорь Бузин писал красивейшие картины, которые оставил родине в наследство. Его букеты дарят настоящее эстетическое наслаждение, чувство нежности и весеннее настроение.

Мягкие оттенки, нежные мазки и игра теней воссоздают полный, целостный натюрморт. Цветы Бузина — словно на фото, говорят ценители прекрасного, и они правы. Смотрим и наслаждаемся.

9

Кристиан Гранью

Французский художник-акварелист Кристиан Гранью писал в разных стилях и натюрморты среди его шедевров тоже встречаются, и пусть их немного, но от них глаз невозможно оторвать. То ли это акварели придают яркости и прозрачности мазкам, то ли дух Прованса, то ли полевые цветы и изысканные вина на красивом столике, но его полотна наполнены искренностью, нежностью и чистотой.

Читайте также: Самые красивые полевые цветы.

10

Олег Тимошин

Русский мастер кисти Олег Тимошин считает, что наш мир наполнен добром и позитивом. Только вот люди часто этого не замечают. А он замечает и хорошо воссоздает на полотне, его манера писать особенная немного размытая и не четкая, но от этого его цветочные натюрморты не становятся менее прекрасными.

Заключение

Многие из нас любят картины, кто-то портреты, кто-то пейзажи, кто-то натюрморты. Рассказать обо всех гениальных художниках не представляется возможным, но мы постарались выбрать для вас самые известные натюрморты, самые яркие, красочные и нежные полотна известных мировых и талантливых художников.

Редакция most-beauty.ru ждёт ваших комментариев. Напишите какие натюрморты нравятся вам больше всего.

Самые красивые натюрморты в мире (30 ФОТО)

Натюрморт — это жанр живописи, который раскрывает необыкновенную красоту самых обычных, на первый взгляд, предметов. В переводе с французского “nature morte” означает “мертвая природа”.

Бытует мнение, что именно через натюрморты художники лучше всего показывают свое внутреннее состояние, тайные страхи, неразгаданные стороны своей души. Именно нестандартное видение художника заставляет нас любоваться цветами или фруктами, на которые мы не слишком-то обращаем внимание в обычной жизни.

Если вы все еще не являетесь поклонником этого жанра живописи, мы надеемся, что наша подборка сумеет показать вам, насколько великолепными бывают натюрморты, написанные великими художниками.

Триша Хардвик, “Цветочная нежность”

Удивительная картина, наполненная теплом, солнечным светом и ощущением легкости и беззаботности. Изысканные пастельные тона делают “Цветочную нежность” Триши Хардвик уникальным творением, способным создавать особую атмосферу.

Другие натюрморты Триши Хардвик

Поль Сезанн, “Натюрморт с фруктами”

На картине великого мастера фрукты выглядят ненастоящими — как будто Сезанн изображал не плоды, а детские игрушки. Он не стремился к естественности и реалистичности изображения, его целью было запечатлеть соединение красоты и духовного смысла, которое могло заинтересовать зрителей.

Другие натюрморты Поля Сезанна

Эдуард Мане, “Натюрморт с цветами”

Один из лучших натюрмортов знаменитого французского художника. Нежные розовые цветы выглядят очень романтично, их идеализированное изображение заставляет по-настоящему влюбиться в творчество Мане.

Иван Крамской, “Букет цветов. Флоксы”

Восхитительный натюрморт в ярких, насыщенных оттенках, наполненный торжественной, праздничной красотой. Крамской часто отказывался от фона, делая акцент на главном изображении — и это абсолютно оправданно, ведь ничто не должно затмевать помпезную жизнерадостность флоксов.

Пабло Пикассо, “Ваза с фруктами”

Даже если вы не признаете никакие жанры живописи, кроме гиперреализма, “Ваза с фруктами” руки основоположника кубизма наверняка вам понравится — невозможно не влюбиться в эти тона. Увидеть эту невероятно красивую картину Пикассо можно в государственном Эрмитаже.

Другие натюрморты Пабло Пикассо

Фернандо Ботеро, “Натюрморт с кофе”

Современного художника Фернандо Ботеро считают изысканным мастером, сочетающим в себе страсть к наивному искусству и гротеску. Удивительно, но сумев заработать на своем таланте и став знаменитым, он не примкнул к клану “художников-бизнесменов” — Ботеро по-прежнему творит “для души” и удивляет мир своей невиданной щедростью

Другие натюрморты Фернандо Ботеро

Эдуард Мане, “Ваза с пионами”

Пионы всегда восхищали художников — их насыщенный цвет, пышные цветки и непослушные лепестки неизбежно влюбляют в себя мастеров, экспериментирующих с формами и цветом. Несмотря на то, что пионы относятся к цветам, увядающим крайне быстро, Мане не делал акцент на эфемерности красоты — напротив, он стремился показать наслаждение моментом.

Казимир Малевич, “Натюрморт”

У большинства людей, не слишком увлекающихся искусством, Малевич ассоциируется только с “Черным квадратом” — вершиной супрематизма. Однако, в период своего творческого поиска, Казимир много экспериментировал со стилем и техникой, и ему удавалось создавать самобытные, неповторимые шедевры.

Анатолий Никич-Криличевский, “Этюд с медалями”

Сейчас советская эстетика у молодого поколения вызывает неподдельный интерес — а “Этюд с медалями” является подлинным ее воплощением. Этот этюд раскрывает историю советской чемпионки мира, Марии Исаковой — ее медали, за которыми стоит упорный труд и самоограничения, письма и букеты от поклонников, влюбленных в целеустремленную красавицу.

Бальтазар ван дер Аст, “Корзина цветов”

Бальтазар ван дер Аст — мастер, умеющий виртуозно работать с деталями, создавая цельный, не перегруженный образ. Он любил непривычные, блеклые и ненасыщенные, “прозрачные” тона, которые могут влюбить одних зрителей и смутить других.

Виллем Клас Хеда, “Завтрак с крабом”

Холодная, серебристо -серая гамма “Завтрака с крабом” олицетворяет изысканность утреннего приема пищи. Хаотично расположенные предметы на столе делают картину живой, позволяя зрителю придумать собственную историю.

Караваджо, “Корзина с фруктами”

Именно двадцатидвухлетний Микеланджело Караваджо, сам того не ведая, сумел изобрести прекрасный новый жанр живописи — натюрморт. Картина “Корзина с фруктами” показывает нам натуралистическую, естественную красоту плодов — со следами гниения, засохшими листьями и достаточно привычными нам неброскими тонами.

Михаил Врубель, “Цветы в синей вазе”

Удивительно изысканное и романтичное изображение гортензий, ландыша и бегоний. “Цветы в синей вазе” Врубеля — настоящее воплощение одухотворенности, душевного подъема, красоты прохладного весеннего утра.

Натан Альтман, “Мимоза”

Русский авангардист Натан Альтман считался признанным мастером портрета, и создание натюрморта для него — смелый эксперимент. Тем не менее, “Мимоза” Альтмана, на наш взгляд, является одним из лучших натюрмортов за всю историю живописи.

Анри Руссо, “Букет цветов”

Французский мастер примитивизма Анри Руссо по прозвищу “таможенник” является самоучкой. Его работы отличаются богатством цветов и нереалистичностью.

Натюрморт: картины Левитана, Репина, Крамского, Малевича, Серебряковой, Машкова, Никич-Криличевского

Что такое натюрморт

Натюрмортом называют все изображения неживых объектов. Или «мертвых» объектов живой природы. Например, дичь или цветы из мертвой природы и стопка книг из классического натюрморта.

Изображение может быть нарисовано, сфотографировано или изображено любым другим способом. Хотя бы на видео. Жанр этот появился в 17 веке, когда и у художников фантазии поубавилось, и искусство стало более доступно широкой публике.

Сложно представить изображение тарелки в Древней Греции, где боготворили человеческое тело, или среди религиозных картин средневековья. Всему свое время, как говорится.

Сейчас это очень популярный жанр живописи и фотографии. Сначала все натюрморты могли быть цветочными или учеными. Цветочные дарили женщинам или вешали в родовых замках.

Ученые — с изображением книг, черепов и любой другой университетской атрибутики, дарились более искушенным мужам. Далее появились сначала картины с посудой, потом с иллюзиями.

В общем, едва появившись, этот жанр тут же стал модным и популярным. А с развитием необычных направлений живописи, например кубизм и постмодернизм, в жанр вдохнули вторую жизнь.

Так появился этот жанр. Теперь давайте посмотрим самые интересные натюрморты знаменитых художников Европы и России. Отдельно рассмотрим современное искусство. Оно тоже заслуживает внимания.

Как развивался натюрморт в искусстве

Первоначально, в 15-16 вв. изображения неодушевленных предметов были востребованы только как религиозные картины, способные обрамить цветами божественный лик. Тогда же появились работы с черепами. При этом картины «Натюрморт» художников любого уровня могли использоваться для практических целей: украшения интерьера и маскировки неблаговидных углов дома.

В 17 в. произошло становление подобных картин как обособленного и независимого жанра. Такая тенденция была связана с популярностью голландских и фламандских художников, которые не просто делали красивые картины, а могли передать в них скрытые смыслы: быстротечность жизни, неизбежность смерти, христианские заповеди. Голландцы также любили рисовать так называемую тихую и застывшую жизнь повседневного мира.

Развитие нидерландского натюрморта, оказавшего огромное влияние на весь жанр, можно представить следующим образом:

Направление	Особенности	Представители
Цветочный натюрморт (40-е гг. 17 в.)	Роскошные цветочные рисунки отражали особенности быта голландцев: традиции иметь комнатные растения и сады на виллах.	Амброзиус Босхарт Старший и Босхарт Младший, Бальтасар ван дер Аст, Ян Давидс де Хема.
«Завтраки» и «Сервированные столы» (начало 17 в.)	Изображения накрытых столов делились на праздничные банкеты и скромные ежедневные завтраки. Причина появления – частые портреты членов стрелковых гильдий во время пира в 16 в.	Николас Гиллис, Флорис Герритс ван Схотен, Флорис ван Дейк, Клара Петерс, Адриан Корте
Учёный или философский натюрморт (середина 17 в.)	Появился в университетской среде и получил наименование «суета сует». Этот интеллектуальный вид живописи чаще затрагивал Библию и базировался на иллюзионистских техниках.	Питер Стенвейк, Давид Байи, Мария ван Остервейк.

Также работы голландских мастеров создавались в жанре тонального натюрморта – монохромных изображений легкого беспорядка и интимности. Существовали также кухонные, охотничьи и рыбные натюрморты, которые положили начало других европейским и русским традициям в живописи. Во второй половине 17 в. стали пользоваться популярностью картины художников «Натюрморты с цветами и фруктами», которые отличались пышностью, светлым колоритом и декоративностью.

Распространенные сюжеты

Выбор сюжетов для написания в период становления жанра выпадает на «тихую жизнь вещей». Фламандские художники рисуют рыб, которые только что выловлены из водоемов, обезьян, растения в вазе, книги, фрукты, посуду. В произведении Яна Давидса де Хема «Цветы в вазе» сломанные растения символизирует греховность жизни, полевые цветы символизируют чистоту и непорочность.

Голландские мастера не включают в свои композиции людей. Обычно это стол, где изображается кувшин, предметы быта, чашка, как на полотне Виллема Клас Хеда «Натюрморт с трубками жаровни».

У итальянских мастеров преобладают музыкальные инструменты, их изображают в разных ракурсах: картина Эваристо Баскениса «Натюрморт с музыкальными инструментами».

Вплоть до XVIII века преобладают цветочные композиции. Они символизируют бренность существования на земле и быстротечность земных радостей. Нередко полотна дополнялись фруктами, графинами.

В работах Винсента Ван Гога летние букеты представлены в разных вариациях, но преимущественно это подсолнухи.

В современном искусстве нет никаких ограничений. На полотнах мастеров можно увидеть кофе, фрукты, книги, даже пустые пивные банки.

Стили

Несмотря на кажущуюся простоту, у натюрморта множество граней. Добиться идеальной формы у предметов удавалось при помощи светотеней, сохранения пропорций. Из-за высокой конкуренции во время взлета популярности жанра сформировались определенные стили:

• цветочный, самый массовый;
• цветочно-фруктовый, с пиком популярности в XVII веке;
• тональный, полотна в этом случае имели много коричневых и серых оттенков;
• кухонный или бытовой стиль, с включением сцен из повседневной жизни;
• рыбный, выступал в качестве своеобразной дани мореплавателям;
• роскошный, с отображением богатой жизни нового класса буржуазии;
• охотничий, на полотнах обязательно изображалась битая дичь, оружие;
• «накрытый стол», то есть с отображением деликатесов и национальных продуктов;
• «обманка» или практически трехмерное изображение, которое было тяжело отличить от фотографии или реальности.

И конечно неординарный стиль «Vanitas». Картины обязательно содержали предметы, напоминающие о бренности бытия.

Направления искусства

Изобразительное искусство находится в непрерывном развитии, поэтому оно не имеет четко выраженных границ. Большинство направлений сильно переплетены. По стилю исполнения выделяют следующие направления:

1. Академизм. Это фактически обобщенные достижения творцов эпохи Возрождения. В эту группу включат изящное рококо, ампир. В жанре писали многие известные мастера: Исаак Левитан (1860-1900) «Лесные фиалки и незабудки» (1889), «Васильки» (1894). Советский художник А. Никич-Криличевский (1918-1994) «Этюд с медалями» (1951), «С неделей» (1966).
2. Кубизм — модернистское направление. Полотна мастеров изображают трехмерные объекты в двумерной плоскости. Направление сформировалось в начале XX века. Ярким представителем является Хуан Грис (1887-1927) и его «Натюрморт с бутылкой и ножом» (1912). Нельзя не упомянуть Пабло Пикассо (1881-1973) и его «Натюрморт с бутылками ликера» (1909), «Натюрморт с черепом быка» (1939).
3. Импрессионизм. Картины этого стиля практически полностью лишены подробностей, автор пытается передать общее впечатление от увиденного. Эдвард Мане (1832-1883) был выдающимся импрессионистом: «Натюрморт с цветами» (1880), «Сирень и розы» (1883). Камиль Писсарро (1830-1093) прославился полотнами в этом стиле: «Ваза с тюльпанами» (1900), «Букет цветов» (1873).
4. Абстракционизм. Основная суть направления – вызвать разнообразные ассоциации у зрителей. Стиль предполагает полный отказ от переноса действительности на картину, главное добиться гармонии в цветовых сочетаниях и формах. Самый яркий представитель направления Пабло Пикассо (1881-1973), который работал в разных направлениях. В стиле абстракционизм выделяют: «Натюрморт с грушами и кувшином» (1960), «Натюрморт с лимоном и апельсином» (1936).

Натюрморты встречаются в самом авангардном направлении – сюрреализме. Стилю присущи сочетания форм, которые в настоящей жизни совершенно не сочетаются. Понять суть направления можно по картинам Сальвадора Дали (1904-1989) «Живой натюрморт» (1956), «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря» (1938).

В современном искусстве жанр проник практически во все направления и стили, включая фотореализм, поп-арт и нео-поп.

Развитие в России

Несмотря на отсутствие притягательности к стилю среди российских художников, направление просматривает в полотнах, посвященных каноническим сюжетам. Первым художником, который начал развивать стиль на территории России стал Хруцкий Иван Трофимович (1810-1885). Известность к нему пришла благодаря написанию групповых портретов и натюрмортов.

Хруцкий работал в академическом стиле. В 1832 году он пишет два самых известных натюрморта: «С вазой» и «С птичкой». В XIX веке он становится самым «покупаемым» мастером в империи.

В начале XX века жанр в России получает необыкновенную популярность. Именно тогда этот стиль становится равноправным среди всех направлений. Буквально за 15 лет жанр проходит тернистый путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества. Многие художники смогли отличиться в этом направлении:

• Николай Сапунов (1880-1912): «Цветы и вазы на розовом фоне» (1910), «Вазы, цветы и фрукты» (1912). Творца постигла внезапная смерть вследствие утопления на Финском заливе.
• Петр Кончаловский (1876-1956): «Поднос и зеленая картонка» (1912), «Сирень» (1951).
• Кузьма Петров-Водкин (1878-199): «Черемуха в стакане» (1932), «Натюрморт с письмами» (1925).
• Игорь Грабарь (1871-1960): «Хризантемы» (1950), «Неприбранный стол» (1907). Несмотря на склонность автора к импрессионизму, Грабарь старался найти новые художественные приемы и усложнить композиции и технику исполнения.
• Илья Машков (1881-1944), яркий представитель постимпрессионизма. Из ярких работ можно выделить: «Клубника и белый кувшин» (1943), «Фрукты с сельскохозяйственной выставки» (1939), «Снедь московская. Хлебы» (1924).

Во второй половине XX века появляется еще несколько интересных творцов. Например, Владимир Вейсберг (1924-1985), который на своих полотнах отображает предметы обыкновенной формы, а цветовые решения доводит до минимума: «Натюрморт с двумя серыми вазами и белой бутылкой» (1970), «Натюрморт с чайником и лимоном» (1958).

Сергей Андрияка, рожденный в 1958 году творит по сегодняшний день. Является членом Российской академии искусств и пишет акварелью. У него много интересных и очень известных работ: «Восточный натюрморт» (1991), «Домашние пироги» (2001), «Чайники» (2002).

Значение в академической живописи

Для оттачивания навыков и мастерства в художественных школах часто используют натюрморт из геометрических фигур карандашом. Работа над таким рисунком всегда ведется в определенной последовательности:

• построение композиции;
• создание наброска;
• прорисовка с натуры;
• нанесение тона.

Это позволяет начинающему художнику получить сразу несколько нужных навыков и главное – создавать выразительную композицию. Ученики учатся делать промежутки между предметами. Обучение обычно начинается с прорисовки геометрических предметов, например, гипсового куба и/или цилиндра, то есть по принципу «от простого к сложному».

Современное искусство

Таких художников можно найти в картинных галереях России, в зале русской живописи. Но ведь искусство не стоит на месте! И современные авторы тоже рисуют и ух как рисуют. Что же они могут нам предложить?

Конор Уолтон

Художник ирландского происхождения 1970 года рождения. Считается одним из лучших современных художников в области портретов и натюрмортов.

«Сокрытое», наверное, одна из самых популярных работ и самая необычная. Картина фотореалистична, современна и злободневна. А уж какие скрытые смыслы можно ей приписать…

Анна Петина

Помните, что натюрморт не только картина, но и фотография? Вот я и решил приложить победительницу фотоконкурсов в номинации натюрмортов.

«Время пить чай». Необычная фотография. С современной техникой Анна считает, что самое сложное – составить композицию, а не сделать именно фотографию.

Кевин Бест

Еще один фотограф, но уже классического направления. Новозеландец решил, что создавать новое не нужно, если можно вдохнуть жизнь чему-то существующему.

«Лесные фиалки и незабудки»

Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».

«Яблоки и листья»

Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея. Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова. Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.

«Цветы и плоды»

«Цветы и плоды», 1839 г. Государственная Третьяковская галерея (Москва), Иван Хруцкий.

See Also

Иван Хруцкий — прославленный мастер живописи, чьи работы сегодня признаны настоящими шедеврами. Его натюрморты породили целую волну подражаний и имели успех у публики. Одним из лучших его произведений смело можно считать «Цветы и плоды». Оно пропитано осенними мотивами. Спелый виноград, груши, лимоны, персики, тыква говорят о том, что пришло время собирать урожай. По смотрящим вниз пионам видно плавное увядание природы. Зеленые, синие, розовые, желтые оттенки символизируют самую пеструю пору осени. В центре композиции — ваза с рельефными животными и растениями. Они являются лишь частью декора вазы, однако привносят в натюрморт оживленность.
Стакан с лимонной водой (рядом с вазой) не только гармонирует с виноградом, но и с блестящим стеклянным сосудом позади. Еще один замечательный элемент композиции — тыква. Это самый крупный, весомый плод на картине Хруцкого, он делает ее более основательной. Маленькая гроздь винограда на переднем плане находится так близко к краю стола, будто скоро сорвется и упадет. Такой интересный прием художник использовал, чтобы сделать натюрморт более подвижным.

«Завтрак на траве»

Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.

Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.

Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.

«Любительница абсента»

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

«Завтрак аристократа»

Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.

«Сцена на рынке»

В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.

Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.

Натюрморт с крабом

Есть мнение, что именно как жанр натюрморт оформился в Голландии, в 17 веке. Конечно, и до этого художники изображали букеты, фрукты, столовую утварь, но лишь как часть иной композиции. Более того, много лет натюрморт был неразрывно связан с религиозной живописью — цветы, в частности, обрамляли святые фигуры.

Мастера из Нидерландов изменили эту традицию. В 17-18 веках появилось несколько направлений голландского натюрморта и множество живописцев, прославивших жанр. Среди выдающихся имен — представитель «малых голландцев» Виллем Хеда (Willem Claesz (Claeszoon) Heda), чья картина «Натюрморт с крабом» сейчас хранится в российском музее Эрмитаж.

Пожалуй, среди вещей, на которые можно смотреть бесконечно, стоит упоминать и произведения Виллема Хеда. Хеда — «мастер завтраков»: на картинах сверкают хрустальные кубки, белеют скатерти, бликуют серебром кувшины, на тарелках разложена аппетитная (или не очень) снедь. Сюжеты неоригинальны, но мастерство исполнения, «живость» фактур поражают.

Пышные булочки золотятся будто только из печи, а бокалы хочется взять в руки. Мастерство художника выражается и в символизме каждого предмета «на сцене» — их расположение относительно друг друга выверено едва ли не с математической точностью. И каждый несет в себе собственный смысл. Так, к примеру, серебро означает богатство, лимон — красоту, в которой заключена горечь.

Натюрморт с черепом и пером

Соотечественник Хеда Питер Клас (Pieter Claesz) — еще один великий «малый голландец», работавший как в жанре «завтраков», так и в более мрачном, но весьма популярном в XVI-XVII вв.. направлении vanitas — «аллегоричный натюрморт». Термин имеет отношение к изречению Экклезиаста, писавшему, что все на свете — суета из сует. Собственно, “vanitas” и переводится с латыни как «суета».

«Натюрморт с черепом» реалистичен настолько, что вызывает экзистенциальную грусть. Картина глубоко метафорична и напоминает театральную сцену, где у каждого «актера» своё место, цель и даже действие. Так падающий бокал, лишенный зубов череп, угасшая лампа призваны напоминать зрителю о быстротечности жизни и непостоянстве мирского бытия. Каменная столешница словно вдвигается в пространство перед рамой, делая впечатление от полотна еще более ярким, создавая эффект присутствия. Как и другие полотна автора, «Натюрморт с черепом» отличается безупречным исполнением, тщательно выписанными деталями и фактурами.

Подсолнухи в желтой вазе

Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.

Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.

Источники

• https://krasivodel.ru/articles/kartiny-izvestnyh-hudozhnikov-natyurmorty.html
• https://Hudognik.net/artists/Still_life/
• https://art-dot.ru/natyurmort/
• https://www.culture.ru/materials/120418/natyurmorty-risuem-to-chto-pod-rukoi
• https://www.wm-painting.ru/Ob_iskusstve/p2_articleid/1603
• https://www.gastronom.ru/text/samye-izvestnye-kartiny-c-edoj-1012066
• https://zen.yandex.ru/media/tochka_art/eda-kak-na-kartinke-top10-znamenityh-natiurmortov-i-receptov-k-nim-5ed0c6cc9217f57f7c9a8a42
• https://veryimportantlot.com/ru/news/obchestvo-i-lyudi/top-5-samyx-prekrasnyx-i-znamenityx-natyurmortov

[свернуть]

Красивые натюрморты: история и примеры фотографий

Добрый день, мои дорогие читатели! Сегодня мы с вами поговорим об очень изящном и изысканном жанре живописи и фотографии – натюрморте. Почему он столько лет притягивает внимание миллионов людей и почему красивые натюрморты – это не просто вазочки с цветами и фруктами? Об этом будем рассуждать в нашей статье.

Немного истории

Этот жанр зародился много веков назад. Наиболее ранние прототипы современных натюрмортов появились еще в древности. Тогда изображениями предметов быта расписывали стены усыпальниц Древнего Египта. В Риме и Древней Греции художники украшали бытовыми мотивами посуду и стены.

Уже более привычные для нашего восприятия работы появились в период XV-XVI веков. Во многих домах они выполняли утилитарную функцию – украшали дверцы шкафов или закрывали элементы интерьера, которые хозяева хотели скрыть от посторонних глаз.

Уже тогда натюрморт представлял собой жанр живописи, в котором художник изображал неодушевленные предметы и объекты живой и неживой природы. Это могли быть фрукты, овощи, цветы, кухонная утварь, украшения, мертвая дичь и даже черепа.

С развитием человечества изменялся и жанр. К привычным элементам быта присоединялись новые вещи-приметы современности (оружие, инструменты, детали механизмов). Появлялись различные направления в изобразительном искусстве (кубизм, абстракционизм, импрессионизм и т.д.)

Сейчас работы этого жанра могут выглядеть совершенно по-разному. С появлением фотосъемки жанр совершил новый виток в своем развитии. Теперь фотографы могут создавать уникальные и необычные композиции при помощи игры со светом, фактурой и ракурсами.

Сложности создания натюрморта

Без базовых знаний достаточно сложно создать красивую и интересную инсталляцию из неживых предметов. Без знания «матчасти» трудно зацепить своего зрителя, ведь чаще людям интереснее рассматривать фото других людей, особенно знакомых.

Поэтому социальные сети имеют большой успех. Так что фотографу или художнику предстоит выполнить большую предварительную работу перед тем, как сделать снимок или начать писать картину.

Необходимо продумать общую идею композиции, какой смысл вкладывается в нее, подобрать необходимые предметы, их фактуру и цвета, какой свет передаст нужное настроение.

Правильно выстроенную работу можно рассматривать долго, она будет интересна зрителю и обязательно привлечет внимание. Произведения известных художников до сих пор обсуждаются в сети и печатных изданиях.

Натюрморт в живописи и графике

В Голландии XVII века жанр активно развивался и обособлялся от своих «братьев». В это время голландские живописцы выделили несколько поджанров. Некоторые из них достаточно узки по своей направленности. Кажется, были созданы работы абсолютно на каждый случай жизни. Не будем рассматривать все, остановимся на некоторых.

Цветочный

Основное место на картине отводилось цветам. Большую роль здесь играла символика. Например, красный тюльпан символизировал страстную любовь, чертополох – зло и хаос.

Кухонный

Композиция состояла из кухонной утвари, блюд и сосудов с напитками. На фоне могли быть изображены хозяйка или служанка, но им на холсте отводилась второстепенная роль.

Рыбный

Изображался несметный улов голландских рыбаков в кухонном интерьере или на базаре.

Роскошный

На первый план выходили драгоценности, дорогие ткани и посуда. Вид вещей говорил об их высокой стоимости и материальной ценности. Такие творения особенно ценили любители красивой жизни. Возможно, через визуализацию, они приумножали свое богатство.

Охотничий

Полотна, изображавшие результаты удачной охоты. Так как она была поводом для гордости, на этих полотнах во всей красе были изображены туши животных, битая дичь, оружие, фрукты и овощи – и все это подавалось в самом роскошном свете.

С животными

Наряду с неодушевленными предметами изображали домашних любимцев и диких животных. Выбор животного зачастую был неслучайным, каждая зверушка была каким-либо символом. Например, белка символизировала трудолюбие и упорство, бабочка – свободу и бессмертие души.

Ванитас (от латинского Vanitas)

Один из самых сложных для восприятия – поджанр эпохи Барокко, произведения которого пронизаны религиозными мотивами. Изображенная инсталляция напоминает созерцателю о конечности жизни, о ее быстротечности.

Чтобы понять, какой смысл заложен в картине Vanitas, нужно быть знакомым с Библией и религиозными символами. На абсолютном большинстве полотен изображен череп, который «говорит» о том, что перед смертью все люди равны.

Учебный

Создавался для конкретной цели – обучения учащихся основам композиции, цветоведения и другим аспектам изобразительного искусства. Ученики учились правильно определять пропорции вещей и строить перспективу.

В расположении и подборе вещей не было случайностей. Каждая деталь была на своем месте и была призвана участвовать в развитии какого-либо навыка в живописи.

Обманка

Художник создает оптическую иллюзию того, что вещи на картине объемные, хотя сам холст, разумеется, плоский. «Обманка» вбирает в себя огромное количество вещественных символов. Например, песочные часы говорили о том, насколько быстро и неумолимо течет наша жизнь. Зеркала символизировали тщеславие, гордыню и кичливость.

Сквозь время

Голландская классификация легко переносится на современное творчество, несмотря на то, что реалии значительно изменились. Сейчас так же высоко ценится глубокий и многогранный посыл в творчестве, будь то фото или картина.

Натюрморт притягателен тем, что за обычными вещами, как правило, стоит история, которую создатель хочет донести до своего зрителя. Зашифрованные послания, которые трудно разгадать «с налета», всегда интересовали людей.

Все полотна этого жанра можно условно разделить на две группы:

1. Изображенные предметы (вещи) представлены как самостоятельные и самодостаточные объекты. В данном случае композиция будет выстроена вполне строго и упорядоченно. Может прослеживаться некая нарочитость и официальность.
2. Изображенные предметы (вещи) принадлежат некому лицу и косвенно его характеризуют. Композиция может быть более расслабленной.

Этот нюанс стоит учитывать при самостоятельном сборе композиции.

Материалы

Натюрморты можно писать буквально чем угодно, благо сейчас рынок предоставляет широкий выбор материалов от гуаши до угля и акрила. Классикой остаются акварель, масло и карандаш.

При помощи акварели можно создать особый колорит полотна. Она помогает точно передать прозрачность стекла и легкость шифона. При мастерском использовании этот материал позволяет решить достаточно непростые задачи, такие как передача сложных складок и заломов ткани, конструирование объема и многое другое.

Картина, написанная маслом, будет выглядеть очень насыщенно и живо. Этот материал очень хорошо подойдет для передачи «вкусной» эстетики фуд-композиции.

Карандашные работы зачастую выглядят достаточно академично. Карандаш предоставляет большие возможности для передачи объема предметов посредством разнообразных видов тушевки. Также последняя позволяет точно и подробно передать текстуру материалов.

В итоге

Вот такая получилось познавательная статья о данном предмете. И я вместе с вами узнал тоже много всего интересного. Как вы теперь смотрите на натюрморты? Стали бы вешать работу в этом жанре у себя дома? Можно ее почитать о знаменитых художниках, которые были сильны в натюрмортах.

Пишите в комментариях ваши размышления по этому поводу, очень интересно ваше мнение. Ну и конечно, подписывайтесь на новые статьи, чтобы не пропустить все самое интересное. На этом у меня все. До новых встреч!

Иван, любитель изящного.

Натюрморт с цветами (62 фото)

Натюрморт на синем фоне

Разные цветы в вазе

Цветы в вазе

Натюрморт весенний букет

Яркий натюрморт

Красивые цветы натюрморты

Натюрморт Весна

Ландыши в вазе на столе

Красивые натюрморты с цветами

Осенние цветы букет

Букет в вазе и апельсин натюрморт

Натюрморт с маской

Натюрморт с розами и фруктами

Красивые цветы в кувшине

Фотонатюрморты с геранью

Заставки на рабочий стол натюрморт

Красивые натюрморты с цветами

Натюрморт цветов на столе

Фотошедевры цветы

Цветы в вазе на столе

Фотонатюрморты с цветами в фиолетовой гамме

Красивые натюрморты с цветами и ягодами

С днем ангела Светлана

Августовский натюрморт

Натюрморт в цветах

Натюрморт цветы и фрукты

Чайные розы в вазе

Натюрморт с розовыми цветами

Натюрморт цветы и фрукты

Уютный натюрморт

Натюрморт цветы часы

N-256 пионы и дельфиниумы — мозаика Милато

Сирень Анри Мартен

Натюрморт с астрами

Разные цветы вместе

Натюрморты с живыми цветами

Живой натюрморт

Букеты цветов в вазе с вишнями

Красивые летние натюрморты

Натюрморт с тюльпанами

Цветы и фрукты

Цветы на столе натюрморт

Красивые цветы в кувшине

Натюрморт в розовых тонах

Натюрморт с колокольчиками

Натюрморт с георгином в вазе

Натюрморт на столе

Красивые натюрморты на рабочий стол

Желтые хризантемы в вазе

Натюрморт с астрами

Обои ваза с цветами

Натюрморт с тюльпанами

Самые красивые натюрморты

Полевые цветы в лукошке

Красивые натюрморты с цветами и фруктами

Лиловые цветы в вазе

Натюрморт с гортензией

Лиловые цветы в вазе

Цветы живопись

Яркий натюрморт

Цветы в вазе

Красивые натюрморты на природе

Неожиданные натюрморты. Самые красивые натюрморты современности, и не только Натюрморты необычные

Даже люди неискушенные в живописи имеют представление о том, как выглядят натюрморты. Это картины, на которых изображены композиции из каких-либо предметов быта или цветов. Однако далеко не все знают, как переводится это слово — натюрморт. Сейчас мы поведаем вам об этом и о многом другом, что связано с данным жанром.

Происхождение слова «натюрморт»

Так вот, выражение nature morte пришло в русский язык, конечно же, из французского. Как вы сами видите, оно разделено на две части — «nature» и «morte», которые переводятся соответственно как «природа, натура, жизнь» и «мертвый, тихий, неподвижный». Теперь складываем две части воедино и получаем всем знакомое слово «натюрморт».

Опираясь на все вышесказанное, можно сделать заключение, что натюрморты — это жанр станковой живописи, изображение художником на холсте застывшей, неподвижной натуры. Правда, иногда мастера натюрморта дополняют свои вполне живых существ — бабочек, гусениц, паучков и жучков и даже птиц. Но исключение только подтверждает основное правило.

Формирование жанра

История натюрморта насчитывает вот уже почти 600 лет. До XVI в. никому и в голову не могло прийти, что можно рисовать красками какие-то неодушевленные предметы, пусть даже очень красивые. Натюрморты-картины просто не существовали в те времена. В средние века живопись была всецело посвящена Богу, церкви и человеку. Художники писали картины на религиозные сюжеты, также были в почете портреты. Даже пейзаж выступал лишь в качестве дополнения.

Но все-таки некоторые элементы натюрморта встречались уже в 15 веке у голландских живописцев. На их картинах с традиционным религиозным или мифологическим содержанием, а также на портретах встречаются изображения тщательно выписанных цветочных гирлянд, книг, посуды и даже человеческих черепов. Пройдет пара веков, и весь мир будет восторгаться творениями так называемых Малых голландцев — мастеров натюрмортной живописи.

Однако своему выделению в самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт обязан отнюдь не голландцам, а французам. Такие как Франсуа Депорт, Моннуайе и Жан-Батист Удри сформулировали основные принципы «предметной» живописи, сформировали ее основную концепцию и явили широкой публике всю красоту и очарование натюрморта.

Эпоха Малых голландцев — расцвет натюрмортной живописи

Итак, попробуем отмотать несколько веков назад для того, чтобы понять кто такие Малые голландцы и почему, когда речь заходит о классическом натюрморте, вспоминают всегда именно их. Первые голландские натюрморты — это творения живописцев, живших в Нидерландах в 17 веке. Малые голландцы — так принято называть школу живописи и сообщество художников, создававших картины бытовой направленности небольших размеров. Конечно, они писали не только натюрморты.

Среди них было много пейзажистов и мастеров жанровой живописи. Их полотна были предназначены вовсе не для дворцов и церквей, а для украшения жилища самых обычных горожан. В то время в маленькой Голландии жило около 3-х тысяч художников, и все они отличались огромной работоспособностью и умением хорошо переносить на холст красоту обыденного мира. Впоследстии искусствоведы назовут это время Голландским Ренесансом. Именно тогда жанр натюрморта получил широкое распространение.

Лучшие голландские натюрморты

На прекрасных как на витрине, разложены перед зрителями различная кухонная утварь, фрукты, роскошные цветы, предметы быта. Очень были популярны цветочные натюрморты. Это отчасти было вызвано тем, что в Нидерландах испокон веков существовал культ цветов и садоводства. Одними из самых ярких представителей голландской натюрмортной живописи 17 в. являлись художники Ян Давидс де Хем, а также его сын Корнелис де Хем.

Их живописные творения получили популярность и известность во многом благодаря тому, что они мастерски умели изображать цветы и фрукты. Тщательная проработка деталей вкупе с утонченной цветовой гаммой и идеально построенной композицией делали их картины бесподобными. Эти художники рисовали роскошные цветочные букеты, стоящие в прекрасных вазах, рядом с которыми порхают бабочки; гирлянды фруктов; прозрачные бокалы, наполненные вином; блюда с виноградом и другими фруктами; музыкальные инструменты и т. д. Известные натюрморты отца и сына поражают своей реалистичностью, тонкой передачей игры света и изысканным колоритом.

Натюрморт в живописи импрессионистов

Большое внимание уделяли жанру натюрморта и французские импрессионисты, а также постримпрессионисты. Естественно, их манера письма резко отличалась от реалистической изысканности Малых голландцев, ведь классическая живопись импрессионистов не привлекала. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Ван Гог — все эти художники любили писать цветы и растения, ведь и те и другие являются частью природы, красоту которой они воспевали всю свою жизнь.

Огюст Ренуар написал за свою жизнь целую галерею прекрасных воздушных натюрмортов. Иногда изображение «застывшей натуры» требуется импрессионистам лишь в качестве дополнения. Например, в картине «Завтрак на траве» Эдуарда Мане на первом плане можно увидеть великолепный натюрморт из разбросанной одежды, рассыпанных по траве фруктов и снеди. Ван Гог писал много необычных натюрмортов. Многие знают его картины «Подсолнухи» или «Ирисы», но у него еще есть такие полотна, как или «Стул Ван Гога» — все это также образцы натюрмортной живописи.

Русский натюрморт

Удивительно, что в России натюрморт в виде отдельного жанра не был востребован долгое время, так как считался чуть ли не низшим из всех видов изобразительного искусства, который не требует ни фундаментальных знаний, ни специальных навыков в живописи. Только во второй половине XIX в. русские передвижники смогли вызвать у российской публики интерес к этому жанру искусства.

Впоследствии натюрмортной живописью увлекались многие русские живописцы. Натюрморты известных художников, таких как Игорь Грабарь, Кузьма Петров-Водкин, Иван Хруцкой, можно увидеть в залах Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве, а также в Эрмитаже. Но настоящий расцвет натюрмортной живописи произошел в нашей стране в эпоху социализма.

Фото натюрморт

С приходом фотографии в мире искусства появился еще такой жанр, как фото натюрморты. Сегодня очень многие люди увлекаются созданием фотографических шедевров. Некоторые снимки просто поражают своим совершенством и мастерством фотографа. Иногда при помощи фотокамеры талантливым фотохудожникам удается заснять натюрморты, которые ничем не уступают самым знаменитым творениям Малых голландцев.

Для того чтобы начать рисовать натюрморт, нужно сначала его составить из каких-нибудь предметов. Для первых опытов в натюрмортной живописи лучше не делать сложных композиций, пары-тройки предметов будет вполне достаточно.

Далее рисуем натюрморт поэтапно. Сначала нужно сделать рисунок карандашом или углем. Потом следует легкий подмалевок, раскрывающий основные цвета и тени композиции, а уж затем можно приступать непосредственно к прорисовке деталей.

Слово «натюрморт» происходит от французского словосочетания «nature morte» и означает умерщвленная или мертвая природа. Но мне кажется, что суть этого вида искусства лучше передает английское выражение «still life» — «неподвижная, застывшая жизнь». Ведь по своей сути натюрморт — ни что иное, как запечатленный кусочек жизни.

Собирая материал для этой статьи, я столкнулась с определенными трудностями. На первый взгляд снять натюрморт проще простого. Поставил на стол чашку, добавил к ней каких-нибудь деталей, установил свет и щелкай себе затвором. Фотомодели всегда под рукой, неограниченное время для съемки. Удобно и затраты минимальные. Потому так и любят этот жанр начинающие фотографы. И некоторые добиваются очень даже интересных результатов. Зайдите на любой фотографический сайт, выберите соответствующий раздел и любуйтесь действительно шикарными картинками. Но проходит время, и у многих возникают вопросы: «А зачем это снимать? Кому это нужно? Что я с этого буду иметь?» Не найдя ответов на эти вопросы, многие переключаются на свадебную, детскую или анималистическую фотографии, которые дают определенный доход. Натюрморт не пользуется особым уважением и у мастеров фотографии. Не доходное это дело. Если что-то и может принести, так это только эстетическое удовлетворение. И снимают натюрморты время от времени, так сказать, для оттачивания своего мастерства.

Но остаются единицы, которые видят в натюрморте, нечто большее, чем просто красивую картинку. Вот этим мастерам натюрморта я и посвящаю свою статью.

Признаюсь, вначале я хотела сделать подборку работ фотографов, которые мне нравятся, и которые по праву занимают первые места в рейтингах на различных фотосайтах. А потом возник вопрос: «зачем?» Все умеют пользоваться интернетом, большинство ни один раз проштудировали фотосайты, с лучшими работами знакомы, а информацию про заинтересовавшего их фотографа всегда можно найти при помощи поисковика. Я решила рассказать об Особых фотографах, — тех, чье творчество переворачивает признанные каноны с ног на голову, кто действительно внес в фотографирование натюрморта нечто новое, кто сумел увидеть в обыденных вещах что-то необыкновенное. По-разному можно относиться к их творчеству: восхищаться или, наоборот, не принимать. Но, однозначно, их работы не могут оставить равнодушным никого.

1. Кара Барер (Cara Barer)

Кара Барер (1956), фотограф из США, выбрала для съемок один предмет — книгу. Преобразовывая ее, она создает удивительные книжные скульптуры, которые и фотографирует. Рассматривать ее фотографии можно бесконечно. Ведь каждая такая книжная скульптура несет определенный смысл, причем неоднозначный.

2. Гвидо Мокафико (Guido Mocafico)

Швейцарский фотограф Гвидо Мокафико (1962) в своем творчестве не ограничивается одним предметом. Ему интересны разные объекты.

Но даже взяв какой-то единичный предмет, он получает удивительные работы. Знаменита его серия «Movement» («Движение»). Вроде бы просто взяты механизмы часов, а ведь у каждого, если вглядеться, свой характер.

В натюрмортах, как известно, снимается «неживая природа». В своей серии «Змеи» Гвидо Мокафико нарушил это правило и за объект натюрморта взял живое существо. Змеи, свернутые калачиком, создают удивительную, яркую и неповторимую картинку.

Но фотограф создает и традиционные натюрморты, снимая их в голландском стиле, и используя в качестве реквизита по-настоящему «неживые предметы».

3. Карл Клейнер (Carl Kleiner)

Шведский фотограф Карл Клейнер (1983) для своих натюрмортов использует самые обычные предметы, составляя их в причудливые картинки. Фотографии Карла Клейнера красочны, графичны и экспериментальны. Фантазия его безгранична, он использует совершенно разные материалы, от бумаги до яиц. Все, как говорится, идет в дело.

4. Чарльз Грогг (Charles Grogg)

Натюрморты американца Чарльза Грогга выполнены в черно-белом варианте. Фотограф для съемок тоже использует обычные бытовые предметы, имеющиеся в каждом доме. Но экспериментируя с их расположением и сочетая в необычных комбинациях, фотограф создает поистине фантастические картины.

5. Чема Мадоз (Chema Madoz)

Уверена, что работы Чема Мадоза (1958), фотографа из Испании знакомы многим. Его черно-белые натюрморты, выполненные в сюрреалистическом стиле, никого не оставляют равнодушными. Уникальный взгляд фотографа на обычные вещи восхищает. Работы Мадозы полны не только юмора, но и глубокого философского смысла.
Сам фотограф говорит, что его фотографии выполнены без всякой цифровой обработки.

6. Мартин Климас (Martin Klimas)

В работах Мартина Климаса (1971), фотографа из Германии, тоже никакого фотошопа. Только короткая, вернее, суперкороткая, выдержка. Его специально разработанная методика позволяет запечатлеть уникальный момент, который человеческий взгляд даже не может увидеть. Снимает Мартин Климас свои натюрморты в полной темноте. При помощи специального приспособления в момент разбивания предмета на доли секунды включается вспышка. И камера фиксирует Чудо. Вот вам и просто вазы с цветочками!

7. Джон Червински (John Chervinsky)

Американец Джон Червински (1961) — ученый, работающий в области прикладной физики. И его натюрморты представляют собой некую смесь науки и искусства. Тут и не поймешь: то ли натюрморт, то ли учебное пособие по физике. При создании своих натюрмортов Джон Червински использует законы физики, получая невероятно интересный результат.

8. Даниэль Гордон (Daniel Gordon)

Даниэль Гордон (1980), фотограф из Америки, научными проблемами не обеспокоен. При фотографировании натюрмортов он выбрал другой путь. Распечатывает на принтере цветные картинки, скачанные из интернета, мнет эти бумажки, а потом заворачивает в них разные предметы. Получается что-то наподобие бумажных скульптур. Ярко, красиво, оригинально.

9. Эндрю Майерс (Andrew B. Myers)

Натюрморты Эндрю Майерса (1987), фотографа из Канады, не спутаешь ни с какими другими — они всегда узнаваемы. Простой нежный, спокойный фон, много пустого пространства, что создает ощущение наполненности изображения светом и воздухом. Чаще всего для создания натюрмортов использует предметы 70-80-х годов. Его работы графичны, стильны и вызывают определенную ностальгию.

10. Регина ДеЛуис (Regina DeLuise)

Для создания своих работ Регина ДеЛуис (1959), фотограф из США, не использует зеркальную фототехнику. Она выбрала другой способ — отпечатывает негативы с фотопленки на специальной тряпичной бумаге. Ее поэтические образы содержат большой диапазон тонов и множество текстур. Натюрморты очень нежны и поэтичны. Изумительная игра света и теней.

11. Бохчанг Ку (Bohnchang Koo)

Бохчанг Ку (1953), фотограф из Южной Кореи, предпочитает белый цвет. Созданные им натюрморты — белое на белом — просто поразительны. Они не только красивы, но и несут определенный смысл — сохранение древней корейской культуры. Ведь фотограф специально путешествует по миру, выискивая в музеях предметы культурного наследия своей страны.

12. Чен Вей (Chen Wei)

Чен Вей (1980), фотограф из Китая, наоборот, находит вдохновение для своих работ вблизи от дома. Показывая странные пространства, сцены и объекты, он использует реквизит, выброшенный другими на свалки.

13. Алехандра Лавиада (Alejandra Laviada)

Алехандра Лавиада , фотограф из Мексики, для своих съемок использует разрушенные и заброшенные здания, создавая натюрморты из найденных там предметов. Ее натюрморты рассказывают настоящие истории о людях, что жили в этих зданиях и пользовались оставленными за ненадобностью вещами.

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины . О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Несмотря на название картины, историки искусства определяют ее жанр не иначе как «портретный натюрморт». И тут сложно с ними не согласиться: все-таки обычным портретом назвать это никак не получится. Картина принадлежит кисти итальянского художника XVI века Джузеппе Арчимбольдо, который в ХХ веке был провозглашен предтечей сюрреализма. На своих картинах Арчимбольдо изображал человеческие лица в виде композиций из овощей и фруктов, ракообразных и рыб, нередко даже с портретным сходством. Известно, что император Рудольф II был восхищен своим «съедобным» портретом и очень щедро наградил художника. Среди портретных натюрмортов у Арчимбольдо есть и совсем необыкновенные — «перевертыши»: достаточно повернуть картину на 180 градусов, чтобы увидеть совершенно новое изображение. Так, портрет «Садовник» при повороте становится натюрмортом «Овощи в миске», а портрет «Повар» превращается в натюрморт с поросятами на блюде.

Франс Снейдерс «Натюрморт с битой дичью и омаром», первая половина XVII века

Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин , роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые артишоки и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Поль Сезанн «Натюрморт с яблоками и апельсинами», около 1900 года

Французский художник Поль Серюзье высказывался о фруктах Сезанна так: «О яблоке обыкновенного художника скажут: «Его хочется съесть». О яблоке Сезанна: «Как это прекрасно». Его яблоко не решишься очистить, его захочешь скопировать». И действительно у Сезанна были с яблоками «особые отношения»: он считал их совершенными творениями как по форме, так и по цвету. Известно, что Сезанн даже говорил: «Я покорю Париж своими яблоками». На простейших примерах он стремился показать истинную красоту природы. Один из молодых художников посетил Сезанна, когда тот работал над одним из натюрмортов, и был поражен: «Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

С первого взгляда картина «Утренний натюрморт» проста и незамысловата, однако если присмотреться, можно заметить интересные детали, например, отражающегося в чайнике рыжего кота — возможно, он лежит на коленях хозяина. Кроме кота человека на картине «выдает» и собака — она в терпеливом ожидании смотрит прямо на него. Так в натюрморте зримо ощущается присутствие человека, хотя художник и не рисовал его. Предметов на картине изображено немного, но большая часть из них наделена блеском: до блеска начищен никелированный чайник, блестит на солнце стеклянная банка с букетом полевых цветов, блестит и скорлупа яиц. Световые блики есть на столешнице, блюдце, стакане с чаем, преломившейся серебряной ложечке. Картина «Утренний натюрморт» полна яркого света, она передает ощущение утренней свежести и покоя.

Сальвадор Дали «Живой натюрморт», 1956 год

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя лимонами» 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом». В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Опубликовано: Январь 16, 2018 Натюрморт — это жанр, который приобрёл известность в западном искусстве к концу XVI века и с тех пор остается важным жанром. Натюрморт классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть натуральными, как например, цветы, фрукты и т. д. или искусственными, как например, очки, музыкальные инструменты и т. д. Ниже представлен список 10 самых знаменитых натюрмортов известных художников включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджио Моранди. №10 Серия натюрмортов, Художник Том Вессельман Движение поп-арт возникло в 50-х годах XX века, и использует узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта находится серия натюрмортов Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущего поколения художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт #30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа торговых знаков, которые Том увидел на улице. №9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром Художник: Питер Клас От: , &nbsp Питер Клас- один из передовых художников-живописцев натюрморта своего времени. Его ванитас со скрипкой и стеклянным шаром, на котором изображено много предметов, в том числе и череп, но особенно привлекает внимание стеклянный шар, в котором отражается сам художник перед мольбертом. В этом чувствуется мистика. «Корзина фруктов» Караваджо очень натуральна, на фруктах даже видны червоточины. И непонятно, то ли мастер изобразил то что видел, или в испорченных плодах кроется более глубокий смысл. Безусловно хорош натюрморт с подсолнухами ван Гога. Представленный рейтинг натюрмортов прекрасно показывает, насколько разнообразны могут быть картины этого жанра. Очень «советская» (или пролетарская) работа Вессельмана, хотя не изображает атрибутов СССР, кроме красной звезды. Портрет Линкольна настолько не вписывется в натюрморт, странно смотрится между виски, фруктами, комнатным цветком, котом и снова фруктами, что непроизвольно ассоциируется с изображениями генеральных секретарей, которые в свое время были непременным атрибутом любой обстановки. Две бутылки виски кажутся пивом, производят впечатление повседневного, дежурного напитка, который не требует особой закуски. Белый дом на картине почти полностью скрыт фруктами, что намекает на то, что это просто незначительная деталь интерьера. Яркие краски придают композиции явный характер 60-х гг и облегчают восприятие красной звезды рядом с Линкольном. Ярко контрастирует Ванитас со скрипкой, который резко отличается элегантностью, изысканностью, более сдержанными цветами и набором предметов из противоположного мира, относительно картины Вессельмана. Корзина же фруктов Караваджо является примером классического натюрморта, очень стильного, лаконичного, который всегда приятно видеть. Интересна палитра, которая не отличается многообразием цветов, но укладывается в определенную гамму естественных оттенков. А работа Моранди настолько проста, эссенциальна и чиста, что невозможно устать смотреть на нее. Минимум цвета, несколько предметов, составляющих композицию, никаких узоров, разнообразия объектов, простые, за исключением вазы, формы. Тем не менее натюрморт хочется рассматривать, находить различные нюансы в кажущейся простоте. Полотна Сезанна — праздник жизни, изобилия, незатейливых радостей — свежие фрукты, домашнее вино, самодельный десерт, предназначенных для съедания, а не для создания канонической композиции. Натюрморт с лимонами очень стильный, с выгодным цветовым сочетанием черного и желтого, а тарелка, корзина и кофейная пара создают некий «видеоряд», придают динамичности. Скат на картине Шардена сразу привлекает внимание, эффектно выделяет полотно на фоне любых других, хотя по сути это достаточно классический, традиционный натюрморт. Кубическая, геометрическая работа Брака демонстрирует, что жанр натюрморта возможен и в этом стиле. Ну а подсолнухи Ван Гога — солнечная, радостная, лучезарная, теплая работа, но не уверена, что поместила бы ее на первое место.

Топ-5 самых прекрасных и знаменитых натюрмортов

Updated: 10.03.2020

Помните великолепный советский мультфильм о пластилиновой вороне? А песенку, предваряющую рассказ о веселых превращениях птички? Ну ту, где поется, что «если видишь на картине… или грушу или торт, или все предметы вместе, значит это — натюрморт»? Наверняка помните и даже, возможно, вам, как и тысячам советских малышей, она послужила наидобрейшим проводником в мир живописных жанров. Так вот, о натюрмортах сейчас и пойдет речь. Точнее, о самых известных, прекрасных, загадочных… в общем, самых-самых — на наш, разумеется, взгляд.

Натюрморт с крабом. Виллем Клас Хеда

Есть мнение, что именно как жанр натюрморт оформился в Голландии, в 17 веке. Конечно, и до этого художники изображали букеты, фрукты, столовую утварь, но лишь как часть иной композиции. Более того, много лет натюрморт был неразрывно связан с религиозной живописью — цветы, в частности, обрамляли святые фигуры.

Мастера из Нидерландов изменили эту традицию. В 17-18 веках появилось несколько направлений голландского натюрморта и множество живописцев, прославивших жанр. Среди выдающихся имен — представитель «малых голландцев» Виллем Хеда (Willem Claesz (Claeszoon) Heda), чья картина «Натюрморт с крабом» сейчас хранится в российском музее Эрмитаж.

Пожалуй, среди вещей, на которые можно смотреть бесконечно, стоит упоминать и произведения Виллема Хеда. Хеда — «мастер завтраков»: на картинах сверкают хрустальные кубки, белеют скатерти, бликуют серебром кувшины, на тарелках разложена аппетитная (или не очень) снедь. Сюжеты неоригинальны, но мастерство исполнения, «живость» фактур поражают.

Пышные булочки золотятся будто только из печи, а бокалы хочется взять в руки. Мастерство художника выражается и в символизме каждого предмета «на сцене» — их расположение относительно друг друга выверено едва ли не с математической точностью. И каждый несет в себе собственный смысл. Так, к примеру, серебро означает богатство, лимон — красоту, в которой заключена горечь.

Натюрморт с черепом и пером. Клас

Соотечественник Хеда Питер Клас (Pieter Claesz) — еще один великий «малый голландец», работавший как в жанре «завтраков», так и в более мрачном, но весьма популярном в XVI-XVII вв.. направлении vanitas — «аллегоричный натюрморт». Термин имеет отношение к изречению Экклезиаста, писавшему, что все на свете — суета из сует. Собственно, “vanitas” и переводится с латыни как «суета».

«Натюрморт с черепом» реалистичен настолько, что вызывает экзистенциальную грусть. Картина глубоко метафорична и напоминает театральную сцену, где у каждого «актера» своё место, цель и даже действие. Так падающий бокал, лишенный зубов череп, угасшая лампа призваны напоминать зрителю о быстротечности жизни и непостоянстве мирского бытия. Каменная столешница словно вдвигается в пространство перед рамой, делая впечатление от полотна еще более ярким, создавая эффект присутствия. Как и другие полотна автора, «Натюрморт с черепом» отличается безупречным исполнением, тщательно выписанными деталями и фактурами.

Подсолнухи в желтой вазе. Ван Гог

Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.

Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.

Сирень. Петр Кончаловский

А вот известные русские живописцы чаще предпочитали сирень. Исаак Левитан, Борис Кустодиев, Петров-Водкин, чья «сирень» не так давно установила мировой рекорд на Christie’s (картину продали за £9 286 250), обожали писать пушистые и душистые, белоснежные, розовые и лиловые гроздья нежного садового кустарника.

Многим школьникам довелось писать сочинения по одной из «сиреней» Петра Кончаловского. Художник стал настоящим певцом этого романтичного цветка, а его шедевры с персидской и обычной сиренью вошли и в золотую коллекцию русской живописи, и в школьные учебники. Внучка мастера Екатерина вспоминала, что в сезон ее дед писал цветы ежедневно. Все натюрморты Кончаловского прекрасны, но самый, на наш взгляд, впечатляющий — это «Героическая», на которой изображена корзина с соцветиями множества оттенков.

Откуда такое странное название? Полотно написано в самом начале эпохи сталинских репрессий, а интеллигентный, умный и глубоко порядочный человек, коим был художник, не мог не понимать сути и несправедливости происходящего. На грязноватом фоне, на неопрятного вида столешнице — яркие соцветия в солнечных лучах. Буйство оттенков, торжество жизни. Вопреки всему. Героизм?

Корзина с фруктами. Караваджо

Одним из первых «чистых» натюрмортов искусствоведы называют знаменитую «Корзину с фруктами» Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). В ней нет никаких канонов, по которым написаны композиции более позднего времени — корзина расположена практически у самого края холста так, что у зрителя создается впечатление, будто стоит протянуть руку, и в нее упадет сочный плод.

К слову, этот прием художник использовал, чтобы отвлечь от «бедности» композиции — большую часть холста все же занимает пустое пространство.

Заключение

Сегодня жанр натюрморта не утратил популярности. Тысячи начинающих и маститых живописцев оттачивают кисти, изображая цветы, плоды и иные предметы в самых разных стилях — от классического до кубизма. И, возможно, какие-то из этих произведений тоже когда-то станут классикой, восхищающей потомков.

Самые известные натюрморты в истории искусства

A Натюрморт — это произведение искусства, предметом которого являются неодушевленные, обычно искусно расположенные предметы повседневного обихода, такие как еда, цветы, книги, украшения, растения и даже мертвые животные. Искусство натюрморта восходит к средневековью и греко-римской эпохе. Однако самые известные натюрморты появились в западной живописи в конце 16 века. Пик жанра пришелся на нидерландскую живопись в 16-17 веках.Фактически, английский термин « натюрморт » происходит от голландского слова «stilleven».

Жанр натюрморта позволяет художнику экспериментировать с композицией или расположением элементов на одной картине. Дополнительные объекты могут быть расположены в приятной гармонии, а диссонирующие объекты могут сходиться, создавая контраст. Различные объекты могут служить символами или ссылками на различные академические дисциплины, политику или истории. В этой статье Singulart рассматривает некоторые из самых интересных и известных натюрмортов из истории искусства.

Стол десертов Ян Давид де Хем Ян Давидз де Хем, Десертный стол , 1640

Этот знаменитый натюрморт голландского художника Яна Давидза де Хема представляет собой поразительный синтез типичной голландской точности и стиля фламандского барокко. Сложный натюрморт с роскошной едой был очень модным во время его создания. Рассматриваемый стол украшен прекрасной стеклянной посудой и посудой, большим ассортиментом продуктов и даже недоеденным пирогом.Прислонившись к загруженному столу, мы видим лютню и магнитофон, явные признаки праздника и праздника. Хотя объекты на картине могут выглядеть случайно собранными, Де Хим тщательно продумал их расположение. Съедобные предметы символизируют чувственные удовольствия, а маленькие синие часы на краю стола — напоминание о быстротечности времени и призыв следить за потреблением.

Натюрморт с фруктами в фарфоре , Якоб Ван Эс Якоб Ван Эс, Натюрморт с фруктами в фарфоре , 1630

В 1630 году Якоб Ван Эс написал один из старейших и самых известных натюрмортов: Фрукты в фарфоре .Картина демонстрирует мастерство Ван Эса со светом. Обратите внимание на передачу света на полупрозрачный виноград и четкое различие между передним планом и фоном за счет использования тени. Как и в случае с A Table of Desserts , искусствоведы приписывают различные значения предметам, находящимся на столе. Одна из таких интерпретаций утверждает, что красный фрукт в маленькой чаше в правом нижнем углу кадра символизирует чувственность и эротическую любовь. Между тем желтый цвет и сливы могут олицетворять глупость или верность.

La Raie , Жан-Батист Симеон Шарден Жан-Батист Симеон Шарден, La Raie , 1728

Парижский художник и академик Жан-Батист Симеон Шарден, вероятно, наиболее известен своей картиной La Raie , знаменитым натюрмортным маслом на холсте, созданным в 1728 году и впоследствии выставленным в Лувре. Скопированный Сезанном и Матиссом, он на протяжении многих лет восхищался многими выдающимися французскими художниками, включая Дидро, который подверг сомнению его точку зрения на «спасение отвращения определенных натур с помощью таланта», другими словами, как сделать красивым то, что не является чем-то большим, чем обычное. .

Натюрморт с черепом , Поль Сезанн

Преувеличенные объемы, цвета и размеры, как пустые, так и полные, вездесущи в этом натюрморте vanitas Сезанна. Это было в 1898 году, когда импрессионист написал «Натюрморт с черепом », одну из самых известных его работ на сегодняшний день. Картина резко контрастирует с другими известными натюрмортами, рассматриваемыми в этой статье. Стиль Сезанна импрессионистский, поэтому он явно менее реалистичен, чем работы Ван Эса или де Хема.Что еще более важно, сюжет Сезанна прямо контрастирует с символами чувственного удовольствия фламандского художника. Картина vanitas Сезанна призвана напомнить зрителю о смерти и мимолетности земных удовольствий.

Натюрморт с кларнетом , Жорж Брак

Жорж Брак, которого часто затмевал его друг Пикассо, был пионером движения кубизма. Брак создал множество известных натюрмортов, на которых часто изображены музыкальные инструменты, такие как вышеперечисленное, завершенное в 1927 году.Настоящая кубистская картина «Натюрморт с кларнетом» отражает традиционную тему натюрморта, передавая его сюжет в полуабстрактной форме, перенося натюрморт в 20-й век.

Как составить красивый натюрморт | от Evolve Artist | Стартап

Давайте будем честными. Рисовать фрукты через некоторое время надоедает…

Натюрморт. Композиция студентки Evolve Шейлы Дж.

Натюрморт на протяжении веков был популярным художественным занятием.Однако когда дело доходит до создания успешной композиции, многие начинающие художники терпят неудачу или у них не остается выбора.

Наряду с навыками рисования художники должны понимать визуальный баланс, чтобы создать привлекательную натюрмортную композицию.

Визуальный баланс и композиция относятся к структуре натюрморта, от цвета и ценности до пути, по которому взгляд зрителя смотрит на картину.

Рисование натюрморта с непосредственного наблюдения — чрезвычайно важный навык для художников, и создание правильного натюрморта может быть решающим фактором между сильной или слабой картиной.

Независимо от ваших навыков, слабая композиция будет сдерживать вашу картину.

Итак, если вы новичок или хотите освежить свои навыки композиции натюрморта, эти советы помогут настроить ваш натюрморт на успех!

Натюрморт. Композиция ученицы Evolve Санны К.

Большинство художников могут распознать хорошо составленный натюрморт. Он просто кажется сбалансированным. Но что заставляет картину так ощущаться и что такое , сбалансированное ?

Один из способов сделать ваш натюрморт визуально привлекательным и сбалансированным — это следовать правилу третей.Правило третей довольно распространено в фотографии и помогает добавить в произведение искусства баланса и напряжения.

Натюрморт художника Жермена Клемента Рибо использует баланс и поток.

Разделив область фокусировки или холст по горизонтали и вертикали на три части, а затем выровняв области фокусировки на пересечениях этих линий, вы можете создать баланс в натюрморте.

Избегание непреднамеренного повторения также поможет создать сильный натюрморт. Будьте осторожны, выбирая предметы разного размера и располагая их таким образом, чтобы разбить любые лишние узоры, и у вас будет хорошее начало визуально интересного натюрморта.

Цвет — еще одна важная часть хорошо составленного натюрморта. Определенные цветовые комбинации приятны для глаз в зависимости от того, в какое место на базовом цветовом круге они попадают. Выбор объектов с учетом их цвета и того, как цвет взаимодействует с остальной частью композиции, является важной частью создания вашего натюрморта.

На этой фотографии использованы дополнительные цвета для визуального баланса (Стив Джонсон на Unsplash).

Есть три основные цветовые схемы, которые начинающие художники могут учитывать при создании своих натюрмортов.

Дополнительные цвета — это цвета, прямо противоположные друг другу на цветовом круге, например красный и зеленый или синий и оранжевый.

Аналогичные цвета — это цвета, расположенные рядом друг с другом на цветовом круге, например желтый и зеленый или зеленый и синий. Эти цветовые композиции часто кажутся очень сбалансированными и естественными.

На этой фотографии используется триада цветов, что придает им баланс оттенков. Фото Шон Стрэттон на Unsplash

Можно также рассмотреть триаду цветов, состоящую из трех оттенков, одинаково удаленных друг от друга на цветовом круге.Примером может быть фиолетовый, оранжевый и зеленый.

Соблазнительный натюрморт | Гетти Ирис

Ранний американец — Натюрморт со стейком, Шарон Кор, 2008. Приобретено на средства, предоставленные Советом по фотографии музея Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес © Sharon Core

Встречаем вас при входе на выставку «В фокусе: натюрморт» — две прекрасные фотографии, в композициях которых использованы мертвые животные. «Лорикет с зеленой тканью» Мэриан Дрю изображает попугая на тарелке, а портрет Шэрон Кор со спаржей и стейком представляет собой кусок мяса, столь же роскошный, сколь и омерзительный.

Фотография, которая на первый взгляд может показаться картиной. Работа Core вдохновлена ​​натюрмортом со стейком американской художницы XIX века Рафаэль Пил, но стратегически изменена.

Почему Пил? «Было что-то прекрасное, но очень странное, сверхъестественное», — говорит Кор о своих натюрмортах, которые были описаны как обладающие интуитивной физичностью, «делающей нашу собственную мясистость ощутимой». Она поговорила с нами о звуковой остановке (доступной здесь и в нашем аудиоплеере на месте), которая является последней частью продолжающейся серии интервью с современными художниками об их работе.

«Все построено на пирамиде, — сказал Кор, — поэтому оно кажется очень прочным и эстетически цельным, но детали объектов опровергают более гротескную реальность»: визуальное нападение окровавленного куска сырого мяса (и контрастное бледная, пальцеобразная спаржа), напряжение между живописностью и фотографической точностью. Усиливая впечатление нападения, из блестящей плоти выступает сухая лиловая морковь, наводя взгляд на немытую свеклу, скрывающуюся за жиром справа.

Ядро с большой тщательностью выбирает предметы для своих натюрмортов, даже выращивая собственные реликвии в своем доме в долине Гудзона:

Тема Пила никогда не бывает безупречной. В супермаркете сложно найти нужные вещи. Сельское хозяйство стало слишком большим, поэтому я создал свою маленькую ферму у себя во дворе, чтобы иметь возможность использовать каждую часть растения. Я хотел включить цветы, листья, созревающие плоды, спелые плоды, перезрелые плоды.Имея дома этот сад, у меня был постоянный запас вещей для работы на разных этапах.

По иронии судьбы, несовершенство продукта усиливает соблазн ее тщательно инсценированного мира и наше сбивающее с толку удовольствие от его восприятия.

Текст сообщения © J. Paul Getty Trust. Все права защищены.

Арт-объект Страница

Афроамериканский художник Роберт Селдон Дункансон (1821–1872) при жизни получил широкое признание за пасторальные пейзажи Америки, Канады и Европы.Однако недавние исследования начали сосредотачиваться на небольшой группе натюрмортов (известно менее дюжины), созданных Дункансоном в конце 1840-х годов. Скромные, элегантные и тщательно расписанные, эти работы отражают традицию американского натюрморта, начатую Чарльзом Уилсоном Пилом и его одаренными детьми, особенно Рафаэлем и Рембрандтом Пилом. Натюрморты Дункансона чрезвычайно редки и пользуются большим спросом. Подписанный и датированный 1848 годом, Натюрморт с фруктами и орехами является особенно прекрасным примером и первой работой Дункансона, вошедшей в коллекцию Галереи.Классически составленная из фруктов, расположенных в форме пирамиды на столешнице, картина включает замечательные отрывки, на которых гладкие поверхности красиво обработанных яблок сопоставлены с текстурированной скорлупой разбросанных орехов.

Самоучка и живший в Цинциннати, когда он создавал свои натюрморты, Дункансон выставил несколько из этих работ на ежегодной ярмарке штата Мичиган. Во время одной из таких выставок критик Detroit Free Press написал: «Картины Дункансона с фруктами и т. Д. Прекрасны и, как они того заслуживают, вызвали всеобщее восхищение.«Поворот художника от натюрмортов к пейзажам, передающим религиозные и моральные идеи, возможно, был вдохновлен выставкой в ​​Цинциннати знаменитой серии Томаса Коула« Путешествие жизни ». Аллегорические картины Коула были куплены частным коллекционером в Цинциннати и остались в этом городе до тех пор, пока в 1971 году его не приобрела Национальная художественная галерея. Открытие картин Коула стало поворотным моментом в карьере Дункансона.Вскоре он начал создавать пейзажи, которые включали элементы подписи Коула и часто несли моральные послания.

После начала гражданской войны Дункансон отправился в Канаду, где оставался до отъезда в Европу в 1865 году. Часто описываемый как первый афроамериканский художник, получивший международную репутацию, Дункансон пользовался значительным успехом, выставляя свои пейзажи за границей. Его достижения как художника-натюрморта стали очевидны только недавно. Исключительное качество Натюрморт с фруктами и орехами говорит о том, что еще многое предстоит узнать об этом малоизвестном аспекте его карьеры.

Благодаря щедрости Энн и Марка Кингтонов / Фонда Кингтона и Фонда Авалон, великолепный натюрморт Дункансона висит в американских галереях недалеко от «Путешествие жизни » Коула.

10 известных художников-натюрмортов 20-го века

Изображение обычных предметов, таких как чаши, цветы, продукты питания и другие предметы домашнего обихода, было и остается главной заботой художников-натюрмортов . Однако средства, стили и средства, в которых может быть представлено искусство натюрморта, значительно различаются.

В начале 17 века натюрморт стал самостоятельным жанром в искусстве , но считался менее важным, чем исторические и аллегорические изображения того периода. Появившись как независимый жанр в Европе в те же годы, невозможно определить, кто первым разработал и практиковал натюрморт в живописи. Истоки жанра натюрморта можно проследить в живописных традициях Европы , включая фламандские картины Марии, созданные в пятнадцатом веке, итальянские изображения мясных прилавков и испанские винные погреба.Жан-Батист Шарден в 18 веке продолжал развивать натюрморт после успеха фламандских натюрмортов. Он использовал либо реализм в голландском стиле, либо более мягкую гармонию в своих творениях и создал одни из самых известных натюрмортов. С развитием художественных академий по всей Европе, которые пропагандировали иерархию жанров, натюрморты медленно отставали и практиковались меньше, чем другие жанровые формы. Однако, когда неоклассицизм начал исчезать с ростом романтизма и реализма, натюрморт снова стал важной темой среди художников, таких как Франсиско Гойя, Гюстав Курбе и Эжен Делакруа.Следующим этапом развития натюрморта стали импрессионизм и постимпрессионизм, преобладание цвета и света над темой.

В 20 веке натюрморт считался художественной темой наравне с другими. Развитие натюрморта внимательно следило за стилистическими изменениями того периода: от фовизма, экспрессионизма, кубизма до поп-арта и фотореализма. Предметы натюрморта даже вышли за рамки традиционного средства живописи и вошли в арт-сцену как арт-объекты через ready-mades и инсталляции, где вместо того, чтобы быть представленными, они сами стали произведениями искусства, как в работах Армана и Джуди Чикаго.

В следующем списке приведены примеры некоторых из известных художников-натюрмортов 20-го века вместе с их картинами

Совет редакции : Nature Morte: современные художники возрождают традиции натюрморта

Ведущие художники современности возрождают натюрморт — жанр, который когда-то больше ассоциировался со старыми мастерами шестнадцатого и семнадцатого веков, чем с современным искусством. Смелые натюрморты, прославленные здесь, бросают вызов этому историческому превосходству и по-новому определяют, что значит быть произведением природы (что буквально переводится с французского: «мертвая природа»).Будь то живопись, рисунок, скульптура, видео или другие средства массовой информации, современные художники опираются на многовековую традицию создания работ концептуальной живости, красоты и эмоциональной остроты в настоящее время. Структурированная в соответствии с классическими категориями традиции натюрморта — Флора, Еда, Дом и дом, Фауна и Смерть, каждая глава в книге Майкла Петри исследует, как вечный символический резонанс memento mori был заново открыт для нового тысячелетия. .

Поль Сезанн — Аналитический подход к натюрморту

Поль Сезанн считается предшественником кубизма и модернизма в целом.Его аналитический подход к форме, линиям и цвету часто заставлял его создавать свои изображения из фрагментарных мазков, которые в дальнейшем будут использоваться кубистами. В его натюрмортах фрукты, кувшины и бутылки лежат на гофрированных скатертях и часто расположены так, чтобы походить друг на друга. Вместо того чтобы создавать реалистичный эффект за счет иллюзии глубины, Сезанн экспериментировал с живописными элементами . Поэтому неудивительно, что многие модернисты называли его «отцом всех нас».

Изображение: Поль Сезанн — Натюрморт с черепом, 1895-1900. Изображение с www.ibiblio.org

Анри Матисс — Натюрморт Модернизм

Больше, чем просто лидер фовистского движения с Андре Дереном, Анри Матисс считается одной из ключевых фигур модернизма 20 века. Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой относится к периоду его фовизма, когда яркие цвета и линейный стиль создают динамичную композицию с одной из скульптур художника.Картина, созданная в арендованном доме в Исси-ле-Мулино недалеко от Парижа, изображает стену его мастерской, которая будет присутствовать на многочисленных картинах этого периода. Фовизм отдавал предпочтение экспрессии и цвету над реалистичным изображением мира, и в натюрмортах Матисса такая тенденция очевидна. Цвета обычно не соответствуют реальной ситуации, что делает его натюрморты одними из первых модернистов 20 века.

Посмотрите другие работы Анри Матисса на Widewalls Marketplace!

Лучшее изображение: Анри Матисс — Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой, 1910 год.Изображение предоставлено art-matisse.com

Жорж Брак — Раздробление предметов

Продолжая и углубляя эксперименты Сезанна с элементами живописи, Жорж Брак создал некоторые из своих знаменитых натюрмортов в кубистском стиле, фрагментируя объекты на картинах и одновременно представляя их разные ракурсы. Хотя он начинал как фовист, после встречи с Пабло Пикассо он вскоре изменил свой стиль и принял кубизм в качестве основного способа выражения.За свою карьеру он создал множество картин, изображающих повседневные предметы, и часто использовал технику коллажа в своих творениях.

Показанное изображение: Жорж Брак — Натюрморт с гроздью винограда, 1912 год. Изображение взято с wikiart.org

Джорджио Моранди — Метафизические и минималистичные кадры

Пожалуй, самый известный художник-натюрморт 20 века, Джорджио Моранди , в первую очередь сосредоточился на изображениях ваз, цветов, чаш и бутылок.Его стиль перешел от более метафсиальных визуализаций к очень тонкому использованию цвета, которое часто сводилось к нескольким градациям оттенка и тона. Из-за его ограниченной палитры и минималистского выражения он считается провидцем минимального искусства.

Изображение: Джорджио Моранди — Натюрморт, 1955 год. Изображение предоставлено arthistoryproject.com

Рой Лихтенштейн — Поп-объективность

Поп-арт — определенно направление высокого искусства, в котором мирские вещи получили беспрецедентную известность.Один из представителей движения, Рой Лихтенштейн , создал одни из самых ярких образцов этого типа. Известный тем, что он использовал точки и отрывки из комиксов, Лихтенштейн применил тот же подход в своих натюрмортах.

Посмотрите другие работы Роя Лихтенштейна!

Изображение: Рой Лихтенштейн — Натюрморт. Изображение с keyword-suggestions.com

Арман — Накопление предметов

Арман Фернандес, или просто Арман , французский художник, который начинал как художник, используя следы чернил и краски, оставленные различными объектами на своих работах, чтобы позже перенести свой интерес с живописных эффектов на сами объекты.Член Nouveau réalisme , Арман наиболее известен своими Accumulations — отливками из полиэстера, заполненными различными находками, от столовых приборов, обуви и часов до флаконов для духов и даже противогазов. Накопления напоминают традиционные натюрморты с той разницей, что найденных здесь вещей не представлены, а литературно представлены в пластиковой клетке.

Показанное изображение: Arman -Athérosclérose, 1961. Изображение предоставлено italy24.ilsole24ore.com

Джорджия О’Киф — Монументальность натюрморта

Считается матерью американского модернизма, Джорджия О’Киф известна своими картинами цветов и пейзажей.Сюжеты, мотивы и формы живописи О’Киф изменились под влиянием европейского модернизма. Хотя многие связывали ее изображения цветка ириса с вульвой, она отвергла такие фрейдистские интерпретации. Тем не менее, это не помешало другим феминистским художникам называть ее своим влиянием, и даже Джуди Чикаго посвятила ее место в своем произведении Dinner Party . Помимо цветов, Джорджия О’Киф также нарисовала различные предметы, такие как черепа, фрукты и мертвого кролика, в своих знаменитых натюрмортах.

Показанное изображение: Джорджия О’Киф — Восточные маки, 1927 год. Изображение предоставлено theredlist.com

Майя Копицева — Раскрашивая каждый день

Представительница Ленинградской школы живописи, Заслуженная художница Советского Союза, Майя Копыцева известна своим натюрмортным искусством, в котором ее вдохновляли цвета и фактура фруктов, посуды и других предметов, найденных на кухне. Как один из самых известных художников-натюрмортов, она создавала выразительные цветовые изображения этих объектов, где игра с дополнительными и контрастными цветами дает доминирование над предметом.

Показанное изображение: Майя Копыцева — Натюрморт с бананами, 1975 г. Изображение предоставлено commons.wikimedia.org

Джуди Чикаго — ужин

Judy Chicago ’s Dinner Party считается одним из самых значительных произведений искусства 20 века. Хотя она не выполнена в традиционной для жанра технике, эта инсталляция относится как к традиции натюрморта, так и, что более важно, к исторической маргинализации женщин.Стол накрыт для 39 известных женщин, и каждая сервировка украшена уникальной фарфоровой тарелкой, расписанной вручную в форме вульвы и бабочки, вышитыми полозьями, золотой чашей и посудой. Цель этой исключительной инсталляции натюрморта, по словам Чикаго, — «положить конец продолжающемуся циклу упущений, в котором женщины были исключены из исторических записей».

Показанное изображение: Джуди Чикаго — ужин, 1979. Изображение предоставлено nyclovesnyc.blogspot.rs

Одри Флэк — Преодоление женственности и феминизма

Родившаяся в 1931 году в Нью-Йорке Взрослая Одри Флэк была определена Движением за гражданские права и феминизмом Второй волны.Ее живописные работы отражают эти социальные условия. В ее натюрмортах изображены украшения, флаконы для духов, тюбики для губной помады и другие атрибуты женственности. Выполненные в стиле фотореализма, эти картины до сих пор вызывают споры о том, олицетворяет ли она женственность, демонстрируют ли эти работы феминистскую позицию или и то, и другое одновременно.

Показанное изображение: Андрей Флэк — Мадам Джоли, 1973 г. Изображение взято с bookslut.com

лучших голландских художников-натюрмортов | Журнал DailyArt

В мире искусства принято считать, что жанр натюрморта вырос в северных и испанских Нидерландах в последней четверти XVI века.Термин «натюрморт» происходит от голландского слова stilleven , которое буквально переводится как «неподвижная» или «неподвижная» жизнь.

Питер Клас, Натюрморт с музыкальными инструментами, 1623, Лувр, Париж, Франция.

Истоки этого жанра во многом связаны с социально-религиозными условиями Нидерландов того времени. Изображения религиозных сюжетов были запрещены в голландской реформатской протестантской церкви. Если мы добавим к этому страсть голландцев к садоводству, особенно к тюльпанам, мы получим один из первых поджанров — голландские цветочные натюрморты.Другой очень интересный поджанр — это картины кухни и рынка, изображающие кулинарное богатство, поддерживаемое также тем фактом, что голландцы имели самый мощный торговый флот в мире и торговали всем, включая специи и все другие виды экзотических фруктов и продуктов питания. .

Это также связано с так называемым pronkstilleven (голландский для показного натюрморта), разработанным фламандскими художниками, подчеркивающим изобилие, изображая разнообразие предметов, фруктов, цветов и мертвой дичи.Живопись Ванитаса также стала особенно популярной в этот период. Он включал в себя череп, песочные часы, часы, перелистывание страниц книги или горящие свечи, что подчеркивало эфемерность земных удовольствий и побуждало к более глубоким размышлениям об истинном смысле жизни.

Ян Брейгель Старший

Родившийся в 1568 году, за год до смерти своего знаменитого отца Питера Брейгеля Старшего (1525 / 30-1569), Ян был одним из первых художников, изображавших цветочные натюрморты. Его даже прозвали «Цветочным Брейгелем» или «Бархатным Брейгелем».Другой известный художник, Питер Пауль Рубенс (1577–1640), был его близким другом и соратником. Вместе они создали ряд работ, в которых Ян заботился о живописи окружающей среды и декораций, а Рубенс рисовал персонажей. Серия Five Senses , которая сейчас находится в музее Прадо в Мадриде, является прекрасным примером.

Питер Пауль Рубенс, Ян Брейгель Старший, Чувство вкуса , 1618, Музей Прадо, Мадрид, Испания.

Возвращаясь к цветочным натюрмортам как жанру, он иллюстрирует цветочные композиции в вазе или сосуде.Чаще всего это сочетание цветов из разных сезонов года и на всех стадиях цветения, поэтому их невозможно было нарисовать вместе прямо с натуры.

Ян Брейгель Старший, Большой букет , 1607, Художественно-исторический музей, Вена, Австрия.

Изначально на этих картинах был изображен природный пейзаж или фон неба. По словам Яна Брейгеля, они начали размещаться на темном фоне. Он также начал добавлять мелкие детали, такие как мухи, улитки, бабочки на всех стадиях метаморфозы, представляющие трансформацию и воскрешение, и стрекозы, символизирующие быстротечность.Они также служили проявлением мастерства художника.

Цветы также содержали символику, унаследованную от средневековья христианскими коннотациями: розы и лилии для Девы Марии и чистоты, тюльпаны для благородства, маки для власти, а также смерти. (Если вас интересует язык цветов, вот вся статья о нем.)

Ян Брейгель Старший, Flower Bouquet, 1606, Национальный художественный музей Румынии, Бухарест, Румыния.

Картина — настоящая визуальная энциклопедия.Среди десятков видов и разновидностей цветов, некоторые из которых месяцами изучались в саду Брюсселя эрцгерцогом Альбрехтом Габсбургским, спрятано около 20 видов насекомых. Цветы распускаются и исчезают, гусеницы превращаются в куколку, а затем в бабочек, измеряя течение времени и предполагая цикличность жизни. Созерцание картины, таким образом, становится поводом для размышлений о хрупкости и эфемерности красоты и жизни, а также о божественной природе искусства.Кажется, что только жужжание мухи о край сосуда прерывает эту медитацию.

Клара Петерс

А вот и Клара Петерс, первая леди голландского натюрморта! Неизвестно, где и когда она родилась, когда и где умерла. В этом нет ничего необычного для женщин 17 века, потому что их не воспринимали всерьез как художников, поскольку их главной целью было стать хорошими женами и матерями. О ней нет и в местной гильдии Святого Луки.Как и большинство женщин-художников ее времени, она, должно быть, была дочерью художника, и поэтому ее не нужно включать в записи об ученичестве, но это всего лишь предположение. Некоторые даже предлагают Яна Брейгеля Старшего в качестве возможного учителя. Тем не менее, мы знаем из ее работ, что она была активна между 1607 и 1621 годами.

Клара Петерс, Натюрморт с сыром, миндалем и кренделями , c. 1615, Маурицхейс, Гаага, Нидерланды.

`Петерс был опытным художником.Ее стиль реалистичен, предметы кажутся лежащими на столе в случайном порядке, очевидно, в произвольном порядке, и в деталях художник предоставил четкое и фронтальное представление всего, что отображается. Она специализировалась на натюрмортах с разнообразными предметами. Некоторые из них представляют собой натуральные предметы, такие как фрукты и цветы, другие — кубки из драгоценных металлов и керамические чаши. В ее работах также присутствуют сыр, пироги и рыба вместе с другими распространенными или более экзотическими продуктами.

Клара Петерс, Натюрморт с цветами, позолоченный серебряный кубок, сухофрукты, сладости, хлебные палочки, вино и оловянный кувшин , 1611, Museo del Prado, Мадрид, Испания.

Тем не менее, вероятно, она наиболее известна тем, что обогатила свои натюрморты своим скрытым автопортретом, отраженным в предметах на столе. На изображении выше, Натюрморт с цветами, позолоченный серебряный кубок, сухофрукты, сладости, хлебные палочки, вино и оловянный кувшин , художница трижды нарисовала свой портрет в кубке и четыре раза на оловянном кувшине. Обилие автопортретов в ее картинах — форма утверждения. Отражения в живописи не только играли роль подписи, но и были проблемой для художников, чтобы продемонстрировать свое мастерство, что даже было зафиксировано в литературе того времени.

У нее также был особый способ подписывать свои работы, часто скрытый. Шесть из ее 39 известных картин включают тот же богато украшенный серебряный нож, на котором написано ее имя, Клара Питерс.

Виллем Клас. Хеда

Виллем Клас. Хеда была художником в стиле барокко, который специализировался на монохромных натюрмортах. Родившийся в 1594 году в Харлеме, он еще при жизни добился признания голландского министра Самуэля Ампцинга и Гарлемской гильдии Святого Луки. Он, несомненно, был одним из величайших мастеров жанра.Его ранние работы были сосредоточены на натюрмортах vanitas. Vanitas как жанр происходит от болезненной одержимости смертью 15 века, которая также прослеживается в Ars moriendi, и мотиве memento mori. Все включенные элементы побуждают нас медитировать на эфемерную природу жизни и возможность внезапной смерти.

Виллем Клас. Хеда, Ванитас , 1628, Музей Бредиуса, Гаага, Нидерланды.

Позже он специализировался на блюдах для завтрака, настольных натюрмортах с разнообразной едой, включая сыр, фрукты и хлеб.Он освоил иллюстрацию отражения света на поверхностях разной фактуры, таких как стеклянные, серебряные, латунные подсвечники на идеально драпированной ткани. Его работы характеризуются возвышенной простотой и порядком, которые когда-либо удавались немногим художникам его жанра. Натюрморты Хеды изображены не как готовые к употреблению, а скорее указывают на уже произошедшие человеческие действия. Таким образом, предметы находятся в беспорядке, пирог частично съеден, лимон наполовину очищен от кожуры, а скорлупа фундука разбросана по столу.

Виллем Клас. Хеда, Натюрморт с фруктовым пирогом и различными предметами ,
1634, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания.

Лимон, почти всегда срезанный кожурой, был впервые представлен современником Хеды Питером Клаэсом в 1621 году. Историк искусства Мариет Вестерманн в лекции под названием Голландцы за границей и что они принесли: приманка лимона объяснила, что она считает, что очищенный лимон был мотивом, который занимал в то время три преобладающих интереса в голландском обществе: торговля, естествознание и живопись.Это был предмет роскоши, символ роскоши и знак богатства.

«Иметь лимон на столе было признаком того, что вы попали в общество, как сегодня Mercedes или сумка Louis Vuitton».

Джеймс Лэнгтон, «Когда натюрморт дает лимоны: значение цитрусовых в искусстве и истории», 29 января 2020 года, The National: Arts & Culture.

Ян Давидс. de Heem

Ян Давидс.де Хим учился у своего отца, Давида де Хема Старшего в Харлеме, где он родился в 1606 году. Позже он учился у Бальтазара ван дер Аста, который считается пионером в жанре ракушечника, влияние которого заметно в творчестве Яна. . Ян де Хем считался лучшим натюрмортами своего времени.

Переехав в Антверпен в 1631 году, он изменил свой стиль с прежней почти монохромной живописи музыкальных инструментов и книг на ярко окрашенный и элегантный стиль, раскрашивая фрукты и цветы с тщательной проработкой деталей.Этот натюрморт населяет всевозможные голодные насекомые.

Ян Давидс. de Heem, Гирлянда с фруктами и цветами , 1660–1670, Рейксмузеум, Амстердам, Нидерланды.

«Часто он выражал мораль или проиллюстрировал девиз: змея, свернувшаяся клубком под травой; череп на цветущих растениях. Золотые и серебряные чашки или кружки намекают на тщеславие земных владений. Спасение аллегорически рассматривается как чаша среди цветов, а смерть — как распятие в венке ».

Джоанн Лейси в История искусства и архитектуры: Том II, 2021.

Его сын, Корнелис де Хем, не был равным Яну, но многие его картины хранятся в музеях Гааги, Вены и других местах. Младший брат Яна, Давид Давидс. Де Хем и старший сын Яна Давид Янс де Хем также были известными художниками.

Ян Давидс. de Heem, Натюрморт со стаканом и устрицами , ок. 1640, Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.

Натюрморт Де Хема со стаканом и устрицами послужил большим источником вдохновения для отмеченного наградами американского поэта и мемуариста Марка Доти.Его так впечатлила картина де Хима, что он написал о ней целую книгу.

Как писатель, человек всегда пытается исправить что-то во времени или удерживать момент на свету, чтобы его можно было увидеть, на самом деле до тех пор, пока кто-нибудь хочет его прочитать. Эта картина делает именно это: она удерживает потерянный момент, момент, наполненный чувством. Не знаю, что это было за чувство. Это тоска? Есть ли в этой картине грусть? Это момент полного удовольствия? Мне это кажется немного двусмысленным.Другими словами, момент настоящих эмоций.

Марк Доти, Мимолетные моменты.

Большой стакан для питья, который вы видите на картине выше, называется роммер , также известный как Römer или Roemer , популярный в Нидерландах с 15 века. Основание было создано путем наматывания нитей расплавленного стекла вокруг конической сердцевины, стержня была усеяна прутьями для обеспечения надежного захвата и овальной чаши. Их часто изображали на голландских и фламандских натюрмортах, начиная с Питера Класа (ок.1597-1660).

Виллем Кальф

Виллем Кальф (1619–1693) был одним из самых знаменитых, востребованных и успешных художников-натюрмортов 17 века. Сын преуспевающего торговца текстилем, он родился в Роттердаме в 1619 году. О его ранних годах известно немного, но в 1630-х годах мы находим его в Париже в кругу фламандских художников в Сен-Жермен-де-Пре. Здесь он начинает писать натюрморты.

Виллем Кальф, Пронк Натюрморт , 1678, Национальная галерея Дании, Копенгаген, Дания.

Именно в своих более поздних работах Кальф начинает включать роскошные предметы, такие как венецианский бокал для вина с филигранной стеклянной крышкой, дамасская ткань, персидский ковер, золотые и серебряные сосуды (многие из которых были идентифицированы как произведение колодца) известный ювелир того времени Иоганнес Лютма). Кроме того, почти всегда на его картинах появляется китайская фарфоровая чаша Мин. Влияние голландских художников, таких как Питер Клас или Виллем Класзун Хеда, проявляется в использовании Кальфом полумонохромного стиля.

Виллем Кальф, Натюрморт с китайской чашей, чашкой Наутилуса и другими предметами , 1662, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Чашка наутилус является отличительным элементом картин Виллема Кальфа вместе с чашей династии Мин. Раковины наутилуса были привезены из далекого Индийского океана. Они были знаком богатства и благополучия. Поэтому чашки наутилуса часто использовали в натюрмортах, потому что они были экзотическими и красивыми. Комбинация металла и оболочки позволила художнику экспериментировать со светом и тенью, бросая вызов металлическим отражениям и полупрозрачным материалам.Сама оболочка, похоже, является телом фантастического морского чудовища, которым, по сути, является библейский кит, проглотивший Иону. Вы можете просто разглядеть фигуру Ионы, пытающегося избежать зубов, как будто он собирается нырнуть в наутилус в целях безопасности.

Рэйчел Рюйш

Рэйчел Рюйш (1664-1750) была выдающейся женщиной, которая достигла международной известности при жизни, работала придворным художником и сделала карьеру, охватывающую более шести десятилетий, при этом имея мужа и десять детей.Она была настоящей Марией Кюри из мира искусства!

Ее отец, архитектор Питер Пост, также был профессором анатомии и ботаники. У него была обширная коллекция скелетов животных, образцов минералов и растений, которые Рюйш использовал на практике. В 15 лет мы находим ее ученицей в Амстердаме. Здесь она не только овладевает искусством рисования, но и учится расставлять букет в вазе, чтобы он выглядел спонтанно и менее формализованно, создавая более реалистичный и трехмерный эффект.В 18 лет она уже создавала и продавала независимо подписанные работы.

Рэйчел Рюйш, Розы, вьюнки, маки и другие цветы в урне на каменном выступе , ок. 1680 г., Национальный музей женщин в искусстве, Вашингтон, округ Колумбия, США. Фото Ли Сталсворта.

Когда она вернулась в Гаагу, ей предложили членство в Confrerie Pictura в качестве их первой женщины-члена, а в 1701 году она и ее муж, который также был художником, стали членами. В 1708 году Рюйша пригласили работать при дворе в Дюссельдорфе и служить придворным художником Иоганну Вильгельму.

Ее игривая композиция и яркие краски типичны для движения рококо. Особое внимание уделяется деталям с помощью тонких мазков. Даже если фон картин Рюйша обычно темный, почти всегда свет падает в центр, создавая таинственное ощущение. Ее работы реалистичны, и вы в любой момент ждете, что вас окружит запах букета или вы увидите летящую к вам бабочку.

Рэйчел Рюйш, Цветы в стеклянной вазе с тюльпаном , 1716, Национальная галерея, кредит из коллекции Дженис и Брайана Кэпстиков, Лондон, Великобритания.

За 86 лет она написала сотни картин, из которых более 250 известны сегодня. Ее датированные работы показывают, что она рисовала с 15 до 83 лет, за несколько лет до смерти. Историки смогли установить это с уверенностью благодаря отличительной детали: она указала свой возраст при подписании своих картин. Она действительно была умной!

Эти великолепные натюрморты сделаны из всего нашего помета

Когда она встречает своих друзей, дизайнер из Нью-Йорка Дайан Гаттердам напоминает им, чтобы они принесли ей немного мусора.Гаттердам вместе с фотографом из Сан-Франциско Лори Франкель стал проницательным сборщиком мусора: два художника вместе работают над серией современных натюрмортных фотографий, сделанных из выброшенных на улицу предметов.

«Мы хотели вдохновляться чем-то, что не вдохновляло», — говорит Франкель. «Мы решили взять что-то бесполезное, что-то настолько обычное, и добавить к этому что-то красивое».

Они также хотели помочь людям пересмотреть, что происходит со всем, что они выбрасывают каждый день, например, с 60 миллионами бутылок с водой, которые оказываются на свалках.«Эта бутылка находится в ваших руках минут 10, а потом она навсегда уходит из вашей жизни, и вы о ней забываете», — говорит Гаттердам. «Мы хотели взять эти обычные вещи, от которых отказываемся, и не только сделать их красивыми, но и оживить на этих фотографиях».

Изображения из серии Recycled Beauty, снятые при дневном свете, в конечном итоге немного напоминали голландские натюрморты 17-го века, со смятыми бутылками с водой вместо серебряных кубков и гнилыми овощами вместо типичного рога изобилия.

«Нас тянет к той эпохе, и мы всегда любили этот стиль живописи и искусства», — говорит Франкель. «Но сходство определенно произошло органически».

Композиции не спланированы заранее, а составлены из любых случайных предметов, которые пара случайно найдет. Они работали как в Нью-Йорке, так и в Сан-Франциско и рассматривают возможность путешествовать из города в город, документируя местный мусор.

По мере работы над проектом они повсюду стали видеть мусор и надеются, что просмотр изображений поможет другим немного больше задуматься о потреблении.«Прогулка по улице меняется, — говорит Гаттердам.