Постановка цели. (Слайд3)

– Мир искусства богат и сложен. Мы рассматриваем живописные полотна и статуи, слушаем симфонии, читаем романы, останавливаемся перед величественными зданиями, следим за движениями танцоров, воспринимаем театральные спектакли и кинофильмы. И все эти очень разные, казалось бы, несовместимые явления обозначаются одним словом – искусство.

Искусство (от старославянского искоусити) – это художественное творчество в целом. (Слайд 4)

– Вам немало лет, но вы имеете значительный опыт творческой деятельности, опыт общения с искусством и созерцания искусства.

– Какие виды искусства вы можете перечислить? (Изобразительные, музыкальные, танцевальные, кино). (Слайд 5)

Этап урока “Объяснение нового материала”.<Рисунок 1>

Жанры в изобразительном искусстве.

– Предметом нашего разговора, конечно, будет являться изобразительное искусство. Оно очень разнообразно и поэтому делится на жанры.

– Что такое жанр изобразительного искусства? Как вы думаете? (Вид художественных произведений, характеризующийся определенными темами)

– Давайте познакомимся, какие существуют жанры изобразительного искусства, рассматривая слайды презентации. (Слайд 6)

Жанры возникли в разное время.

Анималистка – жанр изобразительного искусства, главные герои – животные. Древнейший – анималистический (от фраflЦ.Animale – животное). Именно ему больше всего внимания уделяли первобытные художники. В древнем мире изображения животных были символичны. Сфинкс – олицетворение единства животного и человека, в ассирийской культуре – образ крылатого быка с головой человека, в греческой – кентавра. Анимализм связан не только с изобразительным искусством, но и с литературой. Известный писатель – анималист Евгений Чарушин написал и проиллюстрировал множество своих произведений. Произведения анималистического жанра призывают беречь, любить и изучать животный мир, природу. (Слайд7-9)

Портрет – от франц. portrait, от portraire – изображать – изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших реально. Портрет – один из ведущих жанров живописи, скульптуры и графики, а также фотоискусства. В основе жанра портрета лежит увековечивание облика конкретного человека. Важнейшим условием портретности является сходство изображения с портретируемым, причем не только внешнее, здесь важно правдиво раскрыть духовный мир конкретного человека как представителя определенной исторической эпохи, национальности, социальной среды. Обычно портрет изображает современное художнику лицо и создается непосредственно с натуры. Почтенный возраст у портретного жанра. Поразительного совершенства (прежде вcего – в скульптуре) он достиг уже в Древнем Египте, почти пять тысячелетий тому назад. Портрет – один из самых распространенных жанров изобразительного искусства. Он имеет разновидности: одиночный, подгрудный, поясной, в рост, парный портрет, групповой, автопортрет. (Слайды10-14)

Карикатура от итал. caricatura, от caricare – преувеличивать – особый жанр графического искусства, построенный на использовании элементов сатиры и юмора. В карикатуре сознательно преувеличиваются, обостряются какие-либо внешние или внутренние черты персонажей или явлений. В карикатуре может сочетаться реальное и фантастическое, правдоподобное и абсурдное. При этом всегда преследуется конкретная цель – осмеяние определенного лица или явления. Графическая карикатура получает наибольшее распространение в периоды социальных конфликтов: восстаний, войн, революций. (Слайд15)

Пейзаж – от франц. paysage, от pays – страна, местность – в изобразительном искусстве жанр или отдельное произведение, в котором основным предметом изображения является природа. Начиная с эпохи Возрождения пейзажные мотивы неотъемлемы от изображения человека, они лишь указывают на место действия, часто довольно условно (как, например, в русских иконах). Художники Ренессанса обращаются к непосредственному изучению натуры, разрабатывают принципы перспективного построения пейзажного пространства.

Пейзажный жанр возник в Европе сравнительно недавно хотя в странах Азии он появился намного столетий раньше. Пейзаж очень богат разновидностями: сельский, городской, марина (Itал. marina – морской). В 1897 году вместе с картиной Рерих “Гонец” возник пейзаж исторический, показывающий природу, всей ее древности, как бы увиденной глазами наших далеких предков. Произведения А. М. Васнецова, посвященные прошлому Москве “Симонов монастырь. Облака и золотые купола”, “Красная площадь”, вы, можно отнести к историческому городскому пейзажу. Написал в 1923 году картину “Транспорт налаживается”, Б. Н. Яковлев основоположник советского индустриального пейзажа. (Слайды16-20)

Натюрморт – от франц. nature morte – мертвая природа – жанр изобразительного искусства (главным образом живописи и графики), который посвящен изображению неодушевленных предметов, размещенных, в единой среде и объединенных в группу. Натюрморт может состоять из однородных предметов (например, только посуды) либо сочетать разнородные (цветы, посуда, ткани и т. п.). В натюрмортах могут изображаться и объекты живой природы, но изолированные от своей естественной среды и тем самым обращенные в вещь (рыба на столе, дичь и т. п.). Натюрморт оформился в самостоятельный жанр лишь в XYII веке в Голландии. И хотя это слово переводится с французского как “мертвая натура”, натюрморт рассказывает о красоте жизни; созданных человеком удобных и полезных вещах, о прекрасны, творениях природы – цветах, плодах, дарах моря и т. д. (Слайды21-23)

Бытовой жанр – один из жанров изобразительного искусства, посвящённый повседневной частной и общественной жизни, обычно современной художнику. К бытовому жанру относятся бытовая (жанровая) живопись, графика и скульптура, преимущественно небольших размеров. Бытовые сцены, известные ещё с древних времён, выделились в отдельный жанр искусства лишь в феодальную эпоху. Расцвет бытового жанра Нового времени связан с ростом демократических и реалистических художественных тенденций, с обращением художников к народной жизни и трудовой деятельности простых людей, с постановкой в искусстве важных социальных вопросов.

Родина бытового жанра, как и натюрморта, – Голландия ХVII века. В наше время это один из наиболее распространенных жанров изобразительного искусства, хотя еще совсем недавно первой половине минувшего столетия, он считался низким, недостойным вниманий художника. К бытовому жанру относятся: картины, рисунки, скульптуры, рассказывающие о событиях повседневной жизни. (Слайды24-27)

Особое место принадлежит историческому жанру, который включает произведения на темы большого общественного звучания, отображающие значительные для истории народа события. Когда в картине, рисунке или скульптуре рассказывается о жизни далекого или недавнего прошлого, он сближается с бытовым жанром. Однако не обязательно произведение должно быть посвящено минувшему: это могут быть какие-либо важные события наших дней, имеющие большое историческое значение. Исторический жанр, один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный воссозданию событий прошлого и современности, имеющих историческое значение. Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами – бытовым жанром (так называемый историко-бытовой жанр), портретом (портретно-исторические композиции), пейзажем (“исторический пейзаж”), батальным жанром. (Слайды28-30)

Сказочно-мифологический – жанр изобразительного искусства, герои которого персонажи былин, мифов, сказок . Это один из самых душевных и таинственных жанров. Одним из таких художников является Васнецов. Для Васнецова мир сказки — это мир счастья, где нет ни жестокости, ни зависти и где добро всегда торжествует над злом. Мастерски владея искусством композиции, техникой рисунка и живописи, художник с огромной душевной теплотой создаёт образы наших национальных сказочных героев. (Слайды 31-33)

Батальный жанр (от фр. bataille — битва) — жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий, что сближает батальный жанр с историческим. А сцены военного быта (в походах, казармах, лагерях) зачастую связывают его с бытовым жанром. (Слайды34-35)

Из-за парт тихонько встали,
И наклоны делать стали,
Раз и два, и три, четыре,
А теперь все руки шири,
Делаем рывки руками,
А теперь все ровно стали,
Наклонились, потянулись,
Тихо на места вернулись.

– Для закрепления изученного материала, давайте разгадаем кроссворд.

– Ребята вам нужно будет собрать пазл, назвать автора и указать жанр.

Учащиеся получают конверты с пазлами картин. Собирают картины на специальные карточки, на которые наклеен двусторонний скотч. (Слайд 37)Готовые работы вывешивают на доску.

Этап урока “Собери пазл”.<Рисунок 2>

– Сверим получившиеся результаты с презентацией (Слайд 38)

Вместе с детьми подводится итог урока со славами: “ Мы молодцы, мы справились, мы узнали много нового и интересного”.

Рефлексия. Ответы на вопросы

1. Что такое жанр изобразительного искусства? (Вид художественных произведений, характеризующийся определенными темами)
2. Какие жанры изобразительного искусства вы знаете? (Ответ: пейзаж, натюрморт, портрет, анималистический, бытовой, батальный, сказочно-былинный, исторический)
3. Сколько видов пейзажа бывает? (Морской, деревенский, архитектурный, городской, по временам года)
4. Какой жанр вам больше всего понравился?

Тест “Настроение”. Приложение 2. (Слайд 39)

– Спасибо за урок! (Слайд 40)

Презентация

Основные жанры живописи русских художников с примерами картин — «Лермонтов»

С давних пор люди выбирали разные объекты и темы для изображения: людей, животных, целые исторические сцены, виды кораблей и другое. На основании этого деления в живописи выделилось несколько жанров (фр. genre — вид).

Позже художники сделали открытие, что живопись может быть лишена предмета изображения и сосредоточена на цветах, линиях или ощущениях художника (например, беспредметная живопись К. Малевича, М. Ротко, Н. Фешина, И. Чашника, Е. Чубарова, А. Родченко или К. Зданевича). Однако в рамках этой статьи мы будем рассматривать только предметное искусство.

Исторически сложилось, что все жанры делили на высокие и низкие. К высокому жанру или исторической живописи относили произведения монументального характера, несущие в себе какую-либо мораль, значимую идею, демонстрирующую исторические, военные события, связанные с религией, мифологией или художественным вымыслом.

К низкому жанру относили все, что связано с обыденностью. Это натюрморты, портреты, бытовая живопись, пейзажи, анимализм, изображение обнаженных людей и прочее.

Далее мы рассмотрим основные виды жанров живописи на примере работ наиболее известных русских художников.

Анимализм (лат. animal — животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.

Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, В. Васнецов и В. Серов. Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. И. Шишкин хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.

В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине В. Боровиковского императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах К. Маковского, З. Серебряковой, К. Брюллова и других русских художников.

У примитивистов Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили животные выходили особенно трогательно с живыми глазами, словно бы они оживали на картинах.

Примеры картин известных русских художников в жанре анимализма

Картина В. Васнецова «Богатыри». 1881–1898 гг.

Картина В. Серова «Купание лошади». 1905 г.

Картина В. Боровиковского «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.

Картина И. Шишкина и К. Савицкого «Утро в сосновом лесу». 1889 г.

Картина Н. Пиросмани «Белая корова на черном фоне».

Бытовая (жанровая) живопись

Повседневная жизнь еще с древних времен волновала человека. Первые бытовые сцены изображались на стенах погребальных комнат в Древнем Египте, а позже проникли во все сферы искусства. Художники-наблюдатели изображали на вазах, в манускриптах, на стенах домов те сцены, которые их особенно взволновали. Это были трудовые эпизоды, сцены выступлений актеров, развлечений или жизненных трудностей.

В самостоятельный жанр бытовая живопись выделилась только в XVI-XV веках, когда художники вначале дополняли бытовыми сценами религиозные картины, а затем стали изображать их отдельно. Но подлинное распространение по всему миру этого жанра произошло только в XVII веке, хотя многие школы относили его к низким жанрам и не считали достойным своего внимания.

В России расцвет жанровой живописи пришелся только на XIX век, когда художников стали особо волновать острые социальные вопросы. С помощью картин они пытались привлечь внимание широкого круга населения к этим вопросам. Так, у В. Перова и И. Репина это проблемы долга, совести, чести, у Э. Булатова это острая проблема советского человека, вынужденного всюду натыкаться на рамки и границы, И. Кабаков поднимал проблемы быта советских людей.

Жанровые картины также создавались и для того, чтобы продемонстрировать достижения народа, мотивировать его на новые трудовые, военные, спортивные и иные подвиги. Таковы работы о производстве, спорте и авиации А. Дейнеки, индустриальные пейзажи Ю. Пименова, картины в «суровом стиле» В. Попкова, сцены быта советских людей А. Моргунова, сцены противостояния врагу в работах С. Герасимова и другие.

Часто художники изображали ровно то, что видели, знакомили с традициями разных народов и классов, предоставляя зрителю возможность самому получить впечатления от увиденного и сделать выводы. Таковы сцены из трудовой жизни крестьян и состоятельных людей С. Виноградова, из жизни простого народа М. Нестерова, таковы прекрасные восточные традиции в картинах А. Волкова, русские народные традиции на полотнах К. Юона или цирковые сцены в картинах М. Шагала.

Примеры картин известных русских художников в бытовом жанре

Картина В. Перова «Тройка». 1866 г.

Картина Э. Булатова «Горизонт». 1971-1972 гг.

Инсталляция И. и Э. Кабаковых «Туалет». 1992 г.

Картина С. Виноградова «Бабы (Подруги)». 1893 г.

Историческая живопись

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль или продемонстрировать значимые события. В него входят работы на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор, а также военные сцены.

В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте и Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом.

В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества.

В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, А. Боголюбовым и В. Верещагиным. Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивал М. Врубель, А. Иванов, Н. Рерих, А. Певзнер, В. Поленов, П. Филонов. Историческая живопись преобладала у И. Глазунова, Г. Семирадского, В. Сурикова, фольклор — у Е. Поленовой.

Примеры картин известных русских художников в жанре исторической живописи

Картина В. Верещагина «Апофеоз войны». Историческая живопись (военная тематика). 1871 г.

Картина М. Врубеля «Демон поверженный». Историческая живопись (мифология) 1902 г.

Картина Н. Рериха «Труды Богоматери». Историческая живопись (мифология). 1931 г.

Картина В. Сурикова «Утро стрелецкой казни». Историческая живопись. 1881 г.

Иллюстрации Е. Поленовой к сказке «Белая уточка». Историческая живопись (фольклор). 1880-e гг.

Натюрморт (фр. nature — природа и morte — мертвая)

Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т.д.).

В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило множество стилей, включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, А. Арапов создавал прекрасные композиции цветов в импрессионистском стиле, Л. Попова предпочитала кубофутуризм, М. Ларионов работал в примитивистском стиле и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.

На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у К. Петрова-Водкина это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты Х. Сутина поражали своим драматизмом.

Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, И. Грабарь не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. И. Машков экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.

Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах П. Кузнецова можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а Н. Сапунов изображал любимые с детства цветы.

В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например Н. Богданов-Бельский, Н. Сталь, Р. Фальк, А. Явленский, В. Шухаев и прочие.

Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта

Картина А. Арапова «Натюрморт с иконой». 1920-1930-е гг.

Картина М. Ларионова «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910-1912 гг.

Картина К. Петрова-Водкина «Натюрморт. Яблоки и яйца». 1921 г.

Картина И. Машкова «Натюрморт с фруктами». 1910 г.

Ню (фр. nudite — нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры. В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству. Примерно в VII—VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.

В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.

Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у Л. Бакста это танцовщицы с театральными атрибутами, у В. Баранова-Россине это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У Т. Лемпицки это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у А. Кравченко это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у В. Рохлиной — девушки, полные невинности. Некоторые, например, К. Сомов изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.

Примеры картин известных русских художников в жанре ню

Картина Л. Бакста «Танцовщица в костюме». Около 1900-х гг.

Картина В. Баранова-Россине «Апокалипсис». 1912-1913 гг.

Картина Т. Лемпицки «Две обнаженные девушки». 1930 г.

Картина А. Кравченко «Обнаженная». 1919 г.

Картина В.Н. Рохлиной «Обнаженная. Портрет З. Серебряковой». 1930-е гг.

Пейзаж (фр. Paysage, от pays — местность)

В этом жанре приоритетным является изображение естественной или созданной человеком окружающей среды: природных уголков, видов городов, сел, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта выделяют природный, индустриальный, морской, сельский, лирический и иные пейзажи.

Первые пейзажи древних художников были обнаружены в наскальной живописи эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Позже природный мотив использовали при украшении домой. В эпоху Средневековья пейзаж практически полностью вытеснила религиозная тематика, а в эпоху Возрождения, напротив, на первый план выступили гармоничные отношения человека и природы.

В России пейзажная живопись развивалась с XVIII века и первоначально ограничивалась классицизмом (в этом стиле создавали пейзажи, например, Н. Крымов и К. Крыжицкий), однако позднее целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр приемами из разных стилей и направлений. И. Левитан создал так называемый неброский пейзаж, то есть вместо погони за эффектными видами он изображал в русской природе самые сокровенные моменты. А. Саврасов и И. Бродский пришли к лирическому пейзажу, поражавшего публику тонко передаваемым настроением.

У М. Клодта и Н. Дубовского это эпический пейзаж, когда зрителю демонстрируется вся грандиозность окружающего мира. В. Борисов-Мусатов бесконечно обращался к старине, Е. Волков умел любой неброский пейзаж превратить в поэтическую картину, А. Куинджи поражал зрителя своим дивным светом в пейзажах, а Ю. Клевер мог бесконечно любоваться лесными уголками, парками, закатами и передавать эту любовь зрителю.

Каждый из пейзажистов концентрировал внимание на таком пейзаже, который увлекал его особенно сильно. Многие художники не могли пройти мимо масштабных строек и рисовали много индустриальных и городских пейзажей. Среди них работы А. Куприна, Г. Нисского, В. Степановой, А. Экстер, М. Якунчиковой, Н. Чернецова и других художников. П. Петровичева увлекали памятники, а В. Кандинский часто изображал архитектурный пейзаж. И. Айвазовский и Л. Лагорио с детских лет болели морем, так что работа с морским пейзажем (мариной) стала их основным призванием.

Примеры картин известных русских художников в жанре пейзажа

Эпический пейзаж М. Клодта «Лесная даль в полдень». 1876 г.

Поэтический пейзаж Е. Волкова. «Заросший пруд». 1880-е гг.

Индустриальный пейзаж Г. Нисского «Осень. Семафоры». 1932 г.

Городской пейзаж В. Кандинского «Москва. Красная Площадь». 1916 г.

Морской пейзаж Л. Лагорио «Корабли в спокойном море». 1886 г.

Портрет (фр. portrait — изображение)

Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного человека или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий конкретной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин portrait изначально применяли к любому объекту, который можно изобразить, пока в семнадцатом веке не стали применять его только к человеку.

В Древнем Египте портреты (вначале скульптурные) создавали только для того, чтобы вернувшаяся после судилища душа умершего могла найти погребенное тело и поселиться в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет применяли для надгробий, чеканили на монетах, изображали в книгах. Чаще всего этого удостаивались знатные особы. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России жанр портрета развивался в эпоху Средневековья, а первые портреты относятся к 11-13 векам.

Портреты делят на парадные и камерные. В первых художник должен возвеличить важную персону, потому ее обычно изображают в праздничной одежде в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во вторых фон бывает менее помпезным, а самого человека изображают только по плечи, грудь или пояс. Парадные портреты создавали, например, Б. Кустодиев, В. Боровиковский, О. Кипренский, а с камерными вариантом работали А. Харламов, П. Челищев, А. Самохвалов, А. Яковлев и другие.

Отдельно стоит выделить портреты-миниатюры, которые вставляли в медальоны, носили в футлярах или табакерках. Одним из виртуозов в этом жанре был В. Боровиковский. И еще жанр автопортрета, когда художник изображал сам себя. Такая картина во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение себя. Большинство мастеров хотя бы однажды рисовали автопортрет, а некоторые создавали их десятками (например, В. Попков).

С развитием авангардизма портретный жанр также коснулись коренные преобразования. Вместо классических вариантов на сцену вышли раздробленные кубофутуристические портреты Ю. Анненкова, А. Богомазова, Н. Гончаровой, А. Лентулова, модернистские портреты Б. Григорьева, яркие импрессионистские картины К. Коровина и А. Архипова, орфические версии С. Делоне, скульптурная живопись В. Ермилова и многие другие.

Примеры картин известных русских художников в жанре портрета

Парадный портрет Б. Кустодиева «Купчиха». 1923 г.

Миниатюра В. Боровиковского «Портрет В.В. Капниста».

Кубофутуристическая картина Ю. Анненкова «Портрет З. Гржебина». 1919 г.

Модернистский камерный автопортрет Б. Григорьева.

Орфический портрет С. Делоне «Певцы фламенко». 1916 г.

Скульптурный портрет В. Ермилова «Дама с веером». 1919 г.

Изучение картин разного жанра помогает понять, что даже в рамках одного из них существует огромный разброс по стилям, направлениям и приемам исполнения. Смешение стилей, жанров и собственных приемов и делает картины каждого художника неповторимыми. Чтобы лучше понимать работы того или иного мастера, рекомендуем также прочитать статью «Стили и направления живописи известных русских художников с примерами картин».

Какие бывают картины: Жанры живописи

Известные в прошлом жанры живописи

Живопись – один из основных и самых популярных. Ее классификация основана на разделении по жанрам. Жанр – слово французского происхождения, означающее «род». Кроме этого имеются направления, стили и виды живописи. Путать их с жанрами не стоит. Типологизация живописи появляется в Европе, в XV веке. До XVII столетия существовало всего 2 жанра, каждый из которых имел свои особенности в плане тематического содержания полотна:

• Большой (grand genre). На картинах изображались батальные сцены, аллегории, религиозные или мифологические сюжеты.
• Малый (petit genre). В произведениях отражалась повседневная реальность в виде натюрмортов, портретов людей, изображения животных, пейзажей.

Жанровое развитие изобразительного искусства

Искусство постоянно изменяется. Некоторые жанры вообще исчезают или полностью меняют смысл. Иногда возникают новые, часто на основе уже существующих. Так возникли морской, городской пейзажи, интерьер, вышедшие из общего пейзажного жанра. Иногда они объединяются в один. Например, сегодня нет отдельных батального, бытового, мифологического, исторического или аллегорического жанров. Почти все подобные картины, какие бывают, относятся к жанру с общим названием «фигуратив». В XIX веке условное разделение на «высокий» и «низкий» жанры сильно устарело под влиянием огромного разнообразия сюжетного содержания и техник исполнения картин.

Какие бывают картины? Деление по жанру

В настоящее время имеется много признанных жанров. Предлагаем рассмотреть самые известные .

Натюрморт

Название переводится словосочетанием «мертвая природа», поскольку в основе жанра лежит изображение неодушевленных предметов. Появившись в XV веке, он окончательно оформился в Голландии, в XVII столетии. Его популярность не сокращается в наше время. Покупатели картин в большом количестве приобретают натюрморты.

Портрет

Изображения людей могут присутствовать на полотнах других жанров, например, пейзажей, натюрмортов. Портреты делятся на исторические, религиозные, посмертные, автопортреты.

Пейзаж

Распространенный жанр, на основе передачи на полотне какой-либо местности, природы или созданных человеком объектов. Известны городские, сельские, морские, горные пейзажи. Современные живописцы, создавая картины, часто пользуются фотографиями, в отличие от своих коллег в прошлом, обязательно творящих перед натурой, на пленэрах.

Марина

Натюрморт с «морской» тематикой. На картинах жанра изображаются корабли, морские атрибуты, сражения, стихия.

Историческая живопись

Возникла в период Ренессанса, когда художники получали заказы на изображение важных событий из современной или прошлой культурной и общественной жизни. К этому классу относятся произведения с мифологическим, религиозным сюжетами.

Батальная живопись

Тема войны стара и популярна в изобразительном искусстве. Обычно мастер стремится запечатлеть эпические, трагичные моменты, связанные с историей.

Анималистика

Древние люди рисовали животных еще в Каменном веке. Данный жанр часто сочетается с пейзажем.

Аллегория

Слово αλληγορία переводитсяс греческого как «иносказание». В таких картинах содержится тайный, скрытый смысл. В этой форме изображая разные символические фигуры, предметы, животных, художник передает особенные идеи и смыслы.

Былинный жанр

Передача сцен из народного фольклора, саг, былин и сказаний.

Бытовой жанр

Изображение повседневных, обыденных сцен из реальной человеческой жизни.

Ванитас

Слово латинского происхождения, означающее «суету» и «тщеславие». Аллегорические произведения на основе натюрморта, подчеркивающие идею конечности жизни, тщеты удовольствий и неизбежной смерти.

Интерьер

Данный жанр изображает помещения изнутри.

Карикатура

Слово произошло от итальянского глагола caricare (преувеличивать). Изображения на картине имеют искаженный вид. Художник стремится создать комический эффект, сочетая реальность и фантазию, изменяя черты лица, тела, элементы одежды, позы и положения людей.

Ню

Основой сюжета картины является изображение обнаженного тела (nu – «нагой» по-французски). Возникает жанр в период Возрождения, когда человеческое тело становится темой исторических и мифологических полотен. В XVII веке, когда человек окончательно стал предметом эстетического восприятия, данный жанр впитывает идеи сенсуализма, чувственного отношения к человеческому телу.

Жанры живописи — Автопортрет — Батальный жанр — Бытовой жанр — Марина — Эскиз

Произведения живописи делятся по жанрам. Став формой отображения жизни, жанры не постоянны, они развиваются, меняются, рождаются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства.

Абстрактный жанр — жанр отказавшийся от приближенного к действительности изображению форм. Достижение гармонизации с помощью изображения определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции.

Автопортрет — портрет самого себя. Выделяются два основных вида: профессиональный и личностный. Также предлагает более детальную классификацию: вставной автопортрет — художник изображен в группе персонажей какого-то сюжета; представительский — художник изображает себя в образе исторического лица или религиозного героя; групповой портрет — художник изображен с членами семьи или другими реальными лицами; отдельный — художник изображен один.

Аллегорический жанр — жанр в котором в художественное произведение закладывается скрытый и тайный смысл. Ттрудно изобразимые добро, сила, власть, справедливость, любовь и т.д., показываются иносказательно через изображения живых существ, животных или человеческих фигур с атрибутами, за которыми исторически закрепился символический, легко читаемый смысл.

Анималистика — жанр основным объектом которого являются животные.

Батальный жанр — жанр посвященный темам войны и военной жизни. Главное место занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Стремление запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, раскрыть исторический смысл военных событий, что сближает батальный жанр с историческим. Сцены военного быта связывают его с бытовым жанром.

Бидзинга — жанр произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии. Обозначение бидзинга может, таким образом, использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило одетой в кимоно.

Былинный жанр — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются сцены из былин и народного фольклора.

Бытовой жанр — жанр посвященный повседневной, частной и общественной жизни, обычно современной художнику.

Ванитас — жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти.

Ведута — жанр особенно популярный в Венеции XVIII века. Представляет собой картину, рисунок или гравюру с детальным изображением повседневного городского пейзажа.

Городской пейзаж — жанр в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания. Эквивалент городского ландшафта, разница определений состоит лишь в том, что первое касается крупных урбанизированных городов, а второе — маленьких.

Иллюстрация — рисунок, гравюра или другое изображение, поясняющее текст. Иллюстрации используются для передачи эмоциональной атмосферы художественного произведения, визуализации героев повествования, демонстрации объектов, отображения пошаговых инструкций в технической документации.

Интерьер — жанр, в котором предметом изображения является изображение внутреннего вида помещения.

Иппический жанр — жанр изображающий лошадь. Особого расцвета достиг в XVIII и в XIX веках, когда наряду с жанровыми и батальными произведениями, включающими обобщенные изображения лошадей, художники-анималисты стали создавать портреты знаменитых скакунов и рысаков, достигая документального сходства.

Исторический жанр — берет начало в эпоху Возрождения и включает в себя произведения не только на сюжеты реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские картины. Один из основных жанров посвященный событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов.

Каллиграфия — жанр часто называют искусством красивого письма, искусством оформления знаков в экспрессивной, гармоничной и искусной манере.

Капричио — жанр пейзажной живописи, популярный в XVII—XVIII веках. На картинах  жанра изображались архитектурные фантазии, в основном руины вымышленных античных сооружений. Каприччио тесно связан с жанром ведуты.

Карикатура — жанр являющийся основной формой изобразительной сатиры, в сатирической или юмористической форме изображает какие-либо социальные, общественно-политические, бытовые явления, реальные лица или характерные типы людей.

Марина (морской пейзаж) — жанр изображающий морской вид, сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.

Миниатюра — жанр произведений малых форм, а также искусство их создания.

Мифологический жанр — жанр черпающий сюжеты из мифологий разных народов. Особенность мифологического жанра – свободная трактовка легендарных сюжетов. Он сложился еще в античном искусстве, а в эпоху Возрож­дения достиг расцвета.

Мозаика — жанр произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

Натюрморт — жанр изображающий неодушевленные предметы быта.

Нью — жанр изображающий красоту и эстетику обнажённого человеческого тела. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма.

Обманка — один из жанров изобразительного искусства, характерной чертой которого являются особые приемы перспективной живописи, которые создают эффект обмана зрения, стирают грань между реальностью и изображением.

Парсуна — ранний примитивный жанр портрета в Русском царстве, в своих живописных средствах находившийся в зависимости от иконописи.

Пастораль — жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Пейзаж — жанр в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображенная человеком природа.

Портрет — жанр изображающий или описывающий какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности.

Религиозный — жанр основными сюжетами которого являются эпизоды из Библии и Евангелия.

Сюжетно-тематический — жанр в котором смешивают традиционные жанры живописи, возникло в советском искусствознании и в художественной практике 1930-х годов.

Фигуративный — жанр в котором принято изображать фигуру человека, которая напрямую относится к реально существующему миру.

Хуа Няо — жанр традиционной китайской живописи тушью, буквально можно назвать «Цветы и птицы». Наиболее характерны для этого жанра, образы из жизни птиц, растений и насекомых.

Шань-шуй — традиционные китайские пейзажные композиции с изображением гор и воды, сакральных элементов, символизирующих мужское и женское начало инь-ян. Жанр сложился в начале нашей эры, высочайший его расцвет — X—XIII века.

Эскиз — предварительный набросок, фиксирующий замысел художественного произведения, быстро выполненный свободный рисунок, не предполагаемый как готовая работа, часто состоит из множества перекрывающих линий.

‹‹ к списку статей

Жанры живописи: Классификация картин

Знаменитые исторические картины

Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255-1319)

• Строганов Мадонна с младенцем (1300)
Дерево, темпера, золото, Метрополитен-музей Нью-Йорка.
• Алтарь Maesta (1308-1311)
Дерево, темпера, золото, Сиенский собор.

Джотто (1267-1337)

• Скровеньи Фрески часовни (ок.1303-10)
Фресковая живопись, Капелла дельи Скровеньи, Падуя.
— Предательство Христос (Поцелуй Иуды) (1305)
— Оплакивание Христа (1305)

Роберт Кампен (около 1378-1444)

• Зайлерн Триптих (1410)
Масло / сусальное золото на панели, Институт Курто, Лондон.
• Алтарь Мерод (c.1425)
Масло на панели, Монастыри, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Братья Лимбург (fl.1390-1416)

• трес Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Гуашь на пергаменте, Musee Conde, Chantilly.

Ян Ван Эйк (1390-1441)

• Гент Алтарь (1425-32)
Дерево, масло, Собор Святого Бавона, Гент.

Паоло Уччелло (1397-1475)

• Битва of San Romano (1438-55) (ИСТОРИЯ)
Панель, темпера, Национальная галерея Лондона; Уффици Флоренция; Лувр, Париж.

Томмазо Мазаччо (1401-28)

• Бранкаччи Фрески часовни (1424-8)
Фресковая живопись, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция.
• Святая Троица (1428)
Фресковая живопись, Санта-Мария-Новелла, Флоренция.

Пьеро Делла Франческа (1415-92)

• Бичевание Христа (1450-60)
Темпера на панели, Galleria Nazionale delle Marche, Урбино.

Андреа Мантенья (1431-1506)

• Плач над Мертвым Христом (c.1470-80)
Панель, темпера, Пинакотека Брера, Милан.

Ганс Мемлинг (около 1433-94)

• Последняя Суждение Триптих (1471)
Масло, панель, Muzeum Narodowe, Гданьск.
• Триптих Донна (1480)
Масло, панель, Национальная галерея, Лондон.

Хуго Ван Дер Гус (1440-1482)

• Портинари Алтарь (1479)
Дерево, масло, Галерея Уффици, Флоренция.

Сандро Боттичелли (1445-1510)

• Ла Primavera (1483) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Темпера на тополевом панно, Уффици, Флоренция.
• Рождение Венеры (1486) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Холст, темпера, Уффици, Флоренция.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

• Девственница скал (1483-5)
Масло, панель, Лувр, Париж.
• Тайная вечеря (1495–98) (Il Cenacolo или L’Ultima Cena)
Смешанная техника / масло и темпера, Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан.

Маттиас Грюневальд (около 1475-1528)

• Изенхаймский алтарь (около 1515 г.)
Масло на деревянной панели, Музей Унтерлинден, Кольмар.

Микеланджело (1475-1564)

• Бытие Фреска (1508-12)
Фресковая живопись, Потолок Сикстинской капеллы, Рим.
• Создание Адам (1511-12)
Фреска, Сикстинская капелла, Рим.
• Страшный суд Фреска (1536-41)
Фреска, Алтарная стена Сикстинской капеллы, Рим.

Рафаэль (1483-1520)

• Школа Афин (Scuola di Atene) (1509-11) (ИСТОРИЯ)
Фреска, Станца делла Сегнатура, Ватикан.
• Сикстинская Мадонна (1513-14)
Холст, масло, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден.
• Преображенский (1518-20)
Масло, панель, Pinacoteca Apostolica, Ватикан.

Тициан (1488-1576)

• Успенский Богородицы (1516-18)
Масло / панель, Saint Maria Gloriosa dei Frari, Венеция.

Питер Брейгель Старший (c.1525-1569)

• нидерландский Притчи (1559)
Масло на дубовой панели, Gemaldegalerie, СМПК, Берлин.
• Резня младенцев (c.1565-7)
Масло / панель, Художественно-исторический музей, Вена.

Караваджо (1571-1610)

• Ужин at Emmaus (1601-2)
Холст, масло, темпера, Национальная галерея, Лондон.

Рембрандт ван Рейн (1606-69)

• Аристотель Созерцая бюст Гомера (1653) (МИФОЛОГИЧЕСКИЙ)
Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
• Вирсавия Держит письмо царя Давида (1654)
Лувр, Париж.
• Заговор Клавдия Цивилиса (1661) (ИСТОРИЯ)
Национальный музей, Стокгольм.
• Самоубийство Лукреция (около 1666)
Миннеаполисский институт искусств.

Жак Луи Давид (1748-1825)

• Клятва Горациев (1785)
Лувр, Париж.
• Смерть Марата (1793)
Королевские музеи изящных искусств, Брюссель.

ПРИМЕЧАНИЕ: См. Также: Best Художники истории (1400-настоящее время).

Преимущества рисования ВСЕГО: натюрморты, портреты и пейзажи

Дайанна Панарелли Миллер в Art Business Advice> Общие советы по искусству

Когда художники задаются вопросом, как они могут улучшить свои навыки рисования, я говорю им, чтобы они рисовали самые разные предметы — натюрморты, портреты и пейзажи, а не сосредотачивались всего на один вид живописи.Вот почему:

Натюрморты

Натюрморты состоят из неподвижного объекта и постоянного постоянного источника света, который позволяет вам развивать технику, экспериментировать с цветом, текстурой, освещением, композицией, краями и т. Д. И т. Д. (Другими словами, всего, что важно рисовать) в удобном для вас темпе и в удобное для вас время.

Вы можете нарисовать натюрморт в уединении собственной студии, чтобы люди не заглядывали вам через плечо (в отличие от пейзажных картин). Вы можете рисовать один и тот же предмет несколько раз, экспериментируя с маслом, пастелью и акварелью, чтобы понять, какая среда вам больше всего подходит.

И если у вас есть «материнские часы», как у меня, создание натюрморта может быть единственным способом, которым вы сможете последовательно рисовать.

Я рисую ночью, когда моя дочь спит, или если у меня есть несколько часов в течение дня.Я нахожу место, которое семья в настоящее время не использует, и настраиваю свои объекты для рисования. Я могу оставить свой мольберт на несколько недель и возвращаться к нему, когда у меня будет время.

Я говорю своим ученикам пробовать много разных предметов в как можно большем количестве условий освещения. Всегда полезно рисовать обычные предметы, такие как, например, кофейную чашку, и видеть, насколько близко может быть красивая картина.

Портреты, рисунки и живая живопись

Рисование лица и фигуры ВСЕГДА заставит вас сосредоточиться на точности.Если нос чуть правее или слишком длинный, его обязательно заметят — в отличие от отсутствующей ветви на дереве или надлежащей длины дома.

Я предлагаю использовать отвес и уровень при рисовании портретов и фигур, но даже с этими инструментами вы быстро научитесь справляться с критикой — по крайней мере, ваш объект будет там, чтобы оценивать вашу работу!

Рисование живой модели также научит вас спокойно работать в отведенное время и приспосабливаться к незначительным изменениям предмета.Модели имеют тенденцию постепенно поворачиваться, когда они сидят, и их лица меняются по мере того, как они устают.

Некоторые из моих учеников впадают в панику, когда близится конец занятия; они начинают рисовать то, что, по их мнению, они знают о лице, а не то, что видят на самом деле. Приучение к дисциплине и сосредоточенности — единственный способ добиться успеха в рисовании портретов, и как только вы это сделаете, это окупится во всех ваших картинах.

Пейзаж

На мой взгляд, рисование пейзажей — лучший способ узнать о цвете.Палитра природы безгранична; его предмет бесконечен; а свет постоянно меняется, заставляя рисовать быстро и уверенно.

В большинстве дней у вас есть не более трех часов, чтобы получить его прямо до того, как свет полностью изменится. Может показаться, что это не так уж и много, но это возможно, если вы будете держать глаза (и кисть), перемещаясь по композиции. Если вы этого не сделаете, его части будут выглядеть неуместно, потому что свет — а значит, и все цвета и значения — изменились для вас.

Вам также может понравиться делать множество небольших набросков карандашом между большими картинами. Я так и делаю, потому что это помогает мне видеть диапазон значений в сцене. Эта техника помогла мне и во многих других ситуациях рисования.

Начав с натюрмортов, а затем добавив портреты и пейзажи, вы действительно можете добиться очень разностороннего обучения. Не задумываясь об этом, вы естественным образом улучшите свою технику и стиль, точность и сосредоточенность, а также способность видеть цвета и ценности.

Так что выходите и попробуйте все! Рисуйте как можно чаще, и вскоре вы почувствуете, что рисуете лучше, чем когда-либо.

Чтобы узнать больше, посетите сайт Дайанны www.diannepmiller.com.

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников.Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Различные виды картин | Разные виды картин

Живопись означает использование и нанесение краски, пигментов или других подобных материалов на поверхность. Рисование обычно выполняется кистями. Однако некоторые другие инструменты, такие как ножи, аэрографы и т. Д., Также используются в зависимости от стиля или материала, используемого для рисования.

Существует множество способов классификации картин, поскольку они могут быть классифицированы на основе среды и поверхности, используемой для рисования, стиля, принятого для живописи, предмета живописи и т. Д. В контексте произведений изобразительного искусства картины можно классифицировать на основе их субъект или объект, который отображается.Некоторые из распространенных видов картин —

Натюрморт — На этих картинах художник рисует неподвижные предметы, поэтому это известно как натюрморт. Фрукты и цветы были одними из самых любимых предметов в этой категории. Виллем Кальф известен картинами, отражающими статус их владельца. Требуется высокий уровень мастерства, чтобы запечатлеть натюрморт на поверхности любым способом.

Портрет — Эта картина в первую очередь фокусируется только на лице и выражениях людей.Автопортрет — это тоже тип портрета, на котором изображен сам художник. Портреты в основном делятся на три большие категории — портрет отдельного человека, групповой портрет или автопортрет. Портреты как жанр развились особенно в восемнадцатом и девятнадцатом веках.

Пейзаж — Слово «пейзаж» происходит от голландского слова «landchap», что означает участок земли. На нем изображен живописный вид, включающий такие объекты, как холмы, горы, река, леса и т. Д. Долгое время портреты ценились больше, чем пейзажи, но с годами пейзажи приобрели высокий статус.Чтобы успешно запечатлеть вид через картины, требуется много навыков.

Жанр — Эти картины работают как зеркало реальной жизни, поскольку они отражают повседневную деятельность. Его можно просто нарисовать, чтобы показать людей на работе или на каком-то мероприятии и т. Д. Деревенская жизнь была излюбленным предметом украинской жанровой живописи. Отдельные фигуры играют жизненно важную роль в жанровых картинах. Эти картины фиксируют нормальные события, которые не являются чем-то необычным. В случае постановки композиции картина также может относиться к категории натюрморта.

History Painting — Многие люди считают, что в эту категорию входят картины только с историческими сценами. Тем не менее, этот термин зарезервирован для картин, которые изображают историю, которая включает в себя множество фигур в действии, а также отражает их эмоции. Слово «история» произошло от итальянского слова «история», что означает повествование. Боттичелли был одним из великих художников-историков, чьи ключевые работы включают «Ла Примавера» («Весна»).

Религиозная живопись — Сюжет этих картин связан с религиозной тематикой.В период Возрождения в Европе многие состоятельные люди подарили эти картины религиозным учреждениям. Тайная вечеря Леонардо да Винчи также попадает в эту категорию. Эти картины также известны как священные картины.

Современная живопись — Эти картины сосредоточены на свежих идеях и экспериментах. Эти картины можно считать революционными, поскольку они не соответствуют никаким общепринятым правилам рисования. Эти картины были представлены такими художниками, как Поль Гоген и Винсент Ван Гог.Эти картины считаются вызывающими мысли и могут интерпретироваться зрителями по-разному. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм, лирическая абстракция, кубизм, сюрреализм, концептуальное искусство, поп-арт, фотореализм, гиперреализм и др., Тесно связаны с современным стилем живописи.

Для рисования можно выбирать из множества материалов. Эти материалы включают — акрил, акварель, масло, уголь, ручки и т. Д. Также доступен широкий спектр поверхностей, таких как холст, бумага, ткань, фреска и многие другие.Цифровые картины также создаются в наши дни.

Секретные символы в натюрмортах

Но хотя тематика, возможно, сузилась, методы художественного выражения начали расширяться. Импрессионисты переосмыслили природу, нарисовав ее сущность, а не ее детали, и, хотя смелые эксперименты с цветом Гогена и Ван Гога, возможно, были недооценены в то время, они создали одни из самых запоминающихся натюрмортов той эпохи.

В начале 20 века Матисс использовал в своих композициях смелые плоские очертания, наполненные цветом, в то время как Боннар и Вюйар добавляли элементы, вдохновленные японской гравюрой на дереве.

Но, по словам Атеридо, именно Сезанн «перевел жанр на другую плоскость». Его эксперименты с цветом, формой и линиями вдохновят Пикассо, который перенес его идеи и «поднял» их на новый уровень, говорит он. Разрушая традиционные формы и воссоздавая мир таким, каким он видел его в своих кубистских картинах, Пикассо создал нечто совершенно уникальное и вдохнул новую жизнь в натюрморт.

«Когда авангард адаптировал тему, он изменил все», — говорит Атеридо. Критики наконец начали обращать на это внимание.

И хотя некогда почитаемая история и жанровая живопись практически исчезли из репертуара художников, натюрморты продолжали процветать на протяжении всего ХХ века с такими разными художниками, как Миро, Дали, Моранди и Рихтер, постоянно предлагая новые подходы.

В нынешнем веке такие художники, как Шэрон Кор, Ори Гершт и Питер Джонс, продолжают находить новое вдохновение в этой теме, используя традиционные мотивы в современной манере, что, как и их предки, заставляет нас сомневаться в окружающем мире. .

Самым скромным жанрам есть что сказать.

Испанский натюрморт находится в Центре изящных искусств BOZAR в Брюсселе с 23 февраля по 27 мая 2018 года.

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, зайдите на наша страница Facebook или напишите нам на Twitter .

И если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельную BBC.com предлагает информационный бюллетень под названием «Если вы прочитаете только 6 статей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Capital и Travel, которые доставляются на ваш почтовый ящик каждую пятницу.

Голландские натюрморты и пейзажи 1600-х годов

Развитие уникального голландского вкуса

Религиозные и политические войны, охватившие Нидерланды в 1500-х годах, вынудили население к массовым миграциям. К середине 1600-х выжившие поселились в двух странах с разными социальными ценностями и разными вкусами в искусстве.

Фландрия, по сути современная Бельгия, которая была южной областью ближе к католической Франции и находилась под господством Испании, оставалась католической и роялистской. Алтарь, придворные портреты и аллегории, прославляющие монархов, типичны для многих фламандских картин в коллекции Галереи. Фламандские художники, такие как Рубенс и Ван Дайк, наслаждались яркими красками и живым движением.

Отколовшись от Фландрии, северные Нидерланды, расположенные ближе к протестантской Германии и Великобритании, слились с Соединенными провинциями.Эта конфедерация, обычно называемая «Голландией» по имени самой могущественной провинции, стала республикой, населенной в основном кальвинистами.

Эти ранние протестанты считали, что алтари поощряют поклонение идолам. Управляемые князьями только номинально, голландцы избирали своих лидеров. Поэтому без церковного или придворного покровительства художники обращались к природе и повседневной жизни в качестве предмета. По сравнению с фламандской живописью, в голландском искусстве обычно используются более сбалансированные композиции, ограниченная палитра и более четкий свет.

Однако нет жесткой линии, отделяющей голландский стиль от фламандского. Крупнейшие города двух стран — Амстердам в Нидерландах и Антверпен в Бельгии — находились всего в девяноста милях друг от друга. Более того, в самих семи голландских провинциях все основные культурные центры находятся в пределах одного дня пути друг от друга на лошади или на лодке. Художники свободно перемещались по Нижним странам, делясь опытом, методами и выбором тем.

Исак ван Остаде , голландский, 1621 — 1649, Привал в таверне , 1645, масло на панели перенесено на холст, Widener Collection, 1942.9,49

Натюрморты Сезанна

Оценка Уровень: 9–12

Связь с учебной программой: языковое искусство

Студенты будут просматривать видеоматериалы из реальной студии Поля Сезанна в Экс-ан-Провансе и сравнивать предметы, которые они видят, с его рисунками и картинами в коллекции Национальной галереи искусств. Выбирая и расставляя предметы по своему выбору, они завершат свой собственный натюрморт акварельными красками и цветным карандашом.Наконец, они напишут эссе, поддерживая или обсуждая когда-то преобладающее мнение о том, что натюрморты являются наименее креативными в иерархии жанров.

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Натюрморт с яблоками и персиками , c. 1905
холст, масло, 81 x 100,5 см (31 7/8 x 39 9/16 дюйма)
Национальная художественная галерея, Дар Юджина и Агнес Э.Мейер

Материалы

• SMART Board или компьютер с возможностью проецирования изображений из слайд-шоу
• Вазы, посуда, миски, фрукты, цветы и другие натюрморты (учащиеся также могут захотеть принести предметы из дома)
• Настольный или фиксирующий светильник для отражения света и тени
• Ткани для драпировки стола и / или подвешивания за натюрмортами
• Рисование и цветные карандаши
• Акварельная бумага или плотный картон
• Акварель и кисти
• Канцелярские товары

Разминка, вопрос

Есть ли что-нибудь необычное или неуместное на этой картине?

Фон

Поль Сезанн родился в 1839 году в Экс-ан-Провансе на юге Франции.Ко второй половине XIX века регион Прованс оставался далеким от индустриализации и авангардных тенденций в Париже, столице. Хотя Сезанн проводил много времени в Париже, изучая искусство и перенимая сломанную манеру письма импрессионистов и более яркие цвета, он неоднократно возвращался в свой родной город, где находил предметы, которые хотел рисовать. В 1886 году, когда смерть отца оставила ему семью bastide (загородное поместье), Жас-де-Буффан, Сезанн навсегда переехал в Прованс (хотя он держал парижскую студию и останавливался там надолго).

На протяжении своей карьеры Сезанн исследовал удивительный диапазон предметов: пейзаж, портреты, фигурные сцены и натюрморты. Из всех жанров искусствоведы и знатоки веками считали натюрморт наименее творческим. Однако натюрморты Сезанна — с их оливковыми банками, лимонами и яркими набивными тканями — вызывают ощущение места. В натюрмортах за натюрмортами он исследовал соответствия между объектами, ища гармонию и баланс в форме и цвете.Ничто не кажется случайным, и ничто не было случайным: Сезанн постоянно преобразовывал эти объекты из своей студии в различные комбинации и композиции, играя с разных точек зрения.

Помимо небольших скульптур, предметов домашнего обихода и мебели, Сезанна также привлекали фрукты, которые часто появляются на его картинах только что собранными. Он признался другу, что «они [фрукты] любят делать свои портреты … Они источают свое послание своим ароматом. Они достигают вас всеми своими запахами и рассказывают вам о полях, которые они оставили, о дожде, они растут, рассветы, на которые они смотрели.Когда я обрисовываю нежными мазками краски кожицу прекрасного персика или печальное старое яблоко, я мельком вижу отражения, которыми они обмениваются. . . та же любовь к солнцу, то же воспоминание о росе, свежесть. » Сезанн скатился со стола Сезанна, но, создавая свои натюрморты, Сезанн хотел продемонстрировать сами объекты и наклонял самолет к зрителю, чтобы мы могли лучше рассмотреть.

Практика с инструкциями

Посмотрите короткометражный фильм « Натюрморты Сезанна в его студии » (ниже) и попросите учащихся сделать быстрые наброски пяти предметов, которые они видят. Возможно, потребуется повторить фильм несколько раз.

Фильм: Натюрморты Сезанна в его мастерской

Далее представляем слайд-шоу Натюрморты Сезанна в Национальной художественной галерее (внизу). Студентам следует рассмотреть следующие вопросы:

• Узнаете ли вы какие-либо объекты, которые вы зарисовали на пленке студии Сезанна? Если да, то художник что-то изменил или это точные изображения?
• Как Сезанн различает разные текстуры? Какие цвета он использует в тенях?
• Согласно иерархии жанров, сформулированной в Италии XVI века, историческая живопись (включая повествовательные религиозные и аллегорические сюжеты) была наиболее уважаемой гнерой, за ней следовали портрет, жанр (сцены повседневной жизни), пейзаж и животные.Картина-натюрморт была в конце списка, так как считалось, что она просто копирует неодушевленные предметы. Вы согласны или не согласны с этим утверждением? Приведите примеры из работ Сезанна, подтверждающие ваш аргумент.

Слайд-шоу: Натюрморты Сезанна в Национальной художественной галерее

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Альбом для рисунков Сезанна , ок.1877/1900
Этюдник с 71 рисунком, выполненным графитом, пером, коричневыми чернилами и акварелью; альбом для рисования содержит 46 листов, некоторые из которых пустые; конечные документы, лицевая сторона первой страницы и половина оборотной стороны последней страницы использовались для примечаний, списков и арифметических рисунков; черновик письма критику Октаву Мирбо находится на странице II (лицевая сторона)
размер страницы: 15,2 x 23,7 см (6 x 9 5/16 дюйма)
Chappuis 1973, no. 1149, Государственная и др.
Национальная художественная галерея, Собрание г.и г-жа Пол Меллон, в честь 50-летия Национальной галереи искусств

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Стул и комод , 1880/1883
графит на плетеной бумаге, 15,2 x 23,7 см (6 x 9 5/16 дюйма)
Chappuis 1973, no.546
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Пол Меллон, в честь 50-летия Национальной художественной галереи

Поль Сезанн
French, 1839–1906
Керосиновая лампа , 1878/1881
графит на тканой бумаге, 23,7 x 15,2 см (9 5/16 x 6 дюймов.)
Chappuis 1973, вып. 343
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Пол Меллон, в честь 50-летия Национальной галереи Ар t

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Пионы , 1890/1893
графит на плетеной бумаге, 23.7 x 15,2 см (9 5/16 x 6 дюймов)
Chappuis 1973, no. 1023
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Пол Меллон, в честь 50-летия Национальной художественной галереи

Поль Сезанн
Французский, 1839–1906
Этюды, включая соломенную шляпу , 1895/1898
графит на тканой бумаге, 15.2 x 23,7 см (6 x 9 5/16 дюйма)
Chappuis 1973, no. 1141
Национальная художественная галерея, собрание господина и госпожи Пола Меллон, в честь 50-летия Национальной художественной галереи

Поль Сезанн
French, 1839–1906
Раковина и флакон для ароматизаторов [лицевая сторона] , 1877/1881
графит, 12.5 x 21,8 см (4 15/16 x 8 9/16 дюйма)
Chappuis 1973, no. 535
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Пол Меллон

Поль Сезанн
French, 1839–1906
Розы в бутылке [лицевая сторона] , 1900/1904
акварель поверх графита на плетеной бумаге, 43.6 x 31 см (17 3/16 x 12 3/16 дюйма)
Rewald 1983, no. 550
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Пол Меллон

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Три груши , 1878/1879
холст, масло, 20 x 25,7 см (7 7/8 x 10 1/8 дюйма)
Национальная художественная галерея, Коллекция Мистер.и миссис Пол Меллон

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Бутылка мяты перечной , 1893/1895
холст, масло, 65,9 x 82,1 см (25 15/16 x 32 5/16 дюйма)
Национальная галерея искусств, Честер Коллекция Дейла

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Натюрморт с яблоками и персиками , ок.1905
холст, масло, 81 x 100,5 см (31 7/8 x 39 9/16 дюйма)
Национальная художественная галерея, подарок Юджина и Агнес Э. Мейер

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Ваза с цветами , 1900/1903
холст, масло, 101 x 81,9 см (39 3/4 x 32 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, подарок Юджина и Агнес Э.Мейер

Поль Сезанн
Френч, 1839–1906
Натюрморт с кувшином для молока и фруктами , ок. 1900
холст, масло, 45,8 x 54,9 см (18 1/16 x 21 5/8 дюйма) Национальная художественная галерея, дар Фонда У. Аверелла Гарримана памяти Мари Н. Гарриман

Деятельность

Используя свои наблюдения за тем, как Сезанн перевел предметы из своей провансальской студии в картины, студенты теперь создадут свои собственные натюрморты:

1. Ученики выберут как минимум три предмета из класса или принесут из дома, а затем расставят их в приятную композицию.Возможно, они захотят использовать видоискатель, чтобы помочь в этом процессе. Им также следует подумать, где эти предметы будут размещены: на столе, стуле, на полу или где-то еще? Хотели бы они задрапировать ткань под натюрморт или за ним? Где их источник света? Они могут захотеть переместить свои предметы в разные части класса или иметь личные лампы, чтобы отбрасывать блики и тени. Напомните им, что они будут не только изображать предметы в своем натюрморте, но также должны учитывать его окружение.
2. Студенты будут рисовать карандашом контуры своего натюрморта, превращая предметы в геометрические формы. Они могут захотеть переставить некоторые из своих объектов, чтобы создать композицию, которая должна заполнить их бумагу.
3. Студенты будут использовать акварельные краски для заливки цветных блоков. Прищурив глаза, они смогут увидеть самые темные и самые светлые области, а также различить, где на них выступают определенные цвета.
4. Когда картина будет завершена, им следует положить ее на вешалку, чтобы она высохла.
5. На следующем занятии, используя цветные карандаши, они добавят больше деталей в свое произведение искусства: узоры на ткани, мотивы на вазах, текстуры на фруктах и ​​т. Д.

Добавочный номер

Теперь, когда студенты составили и создали свои собственные натюрморты, студенты напишут эссе, в котором обсуждаются достоинства натюрморта как художественного жанра, включая и обсуждая работы натюрмортов других художников в поддержку своих аргументов. .

• Опишите свой выбор и решения при выборе предметов, которые вы использовали в своем натюрморт: Почему вы выбрали эти предметы вместо других?
• Опишите ваше расположение этих объектов: Вы хотели, чтобы одни объекты рядом с другими отображали связь? Или для создания более приятной композиции?
• Опишите стиль, в котором вы рисовали и рисовали свой натюрморт: вы рисовали именно то, что видели, или вы меняли вещи? Если вы что-то изменили, что это было и почему вы сделали это изменение?
• Есть ли примеры натюрморта, которые вы бы сочли замечательными? Какие характеристики этих картин заставляют вас считать их выдающимися по сравнению с другими натюрмортами?
• Считаете ли вы, что процесс в целом дал вам выбор, или вы просто копировали то, что, по вашему мнению, было натюрморт, и как он должен выглядеть? Были бы у вас такие же варианты, если бы вы изображали человека или пейзаж?
• Как вы думаете, должна быть иерархия жанров? Это служит какой-то цели или в этом нет необходимости? Почему? Как ваш опыт рисования натюрморта повлиял на ваше мнение?

ВА: CN10.1.HSIII Синтезировать знания о социальной, культурной, исторической и личной жизни с художественными подходами для создания значимых произведений искусства или дизайна

VA: Cn11.1.HSIII Оценить влияние художника или группы художников на убеждения, ценности и поведение общества

VA: Cr2.1.HSII Через эксперименты, практику и настойчивость продемонстрировать приобретение навыков и знаний в выбранном виде искусства

VA: Cr3.1.HSIII Размышлять, повторно привлекать, пересматривать и улучшать произведения искусства или дизайна с учетом соответствующих традиционных и современных критериев, а также личного художественного видения

ВА: Re7.1.HSII Распознавать и описывать личные эстетические и чуткие реакции на мир природы и сконструированную среду

VA: Re8.1.HSIII Анализировать различные интерпретации произведения искусства или собрания произведений, чтобы выбрать и защитить правдоподобный критический анализ

VA: Re9.1.HSII Определить релевантность критериев, используемых другими для оценки произведения искусства или собрания произведений

Поль Сезанн уважал старых мастеров, но находился под влиянием модернистских волн

Он заходит в одну из своих любимых галерей в Лувре и рассматривает двадцать четыре картины из цикла Марии Медичи Питера Поля Рубенса.Возможно, он замечает парижанку из высшего сословия и ее спутницу. В другом конце комнаты пара учеников одной из художественных академий трудятся над своими мольбертами. Они делают копии картин старых мастеров.

Наш посетитель замечает мужчину лет шестидесяти в помятой куртке. С седой бородой и рваным беретом этот мужчина не обращает внимания на болтовню посетителей, которые проходят мимо него. В руке он делает карандашный набросок «Апофеоза Генриха IV » Рубенса «». Не слишком ли много для предположения, что наш посетитель узнает художника, работы которого он мог видеть в галерее Воллара?

Это Поль Сезанн, мастер пейзажей, таких как возвышающаяся гора — Мон-Сент-Виктуар, — все это выполнено в цветных пятнах, составленных из коротких параллельных мазков.Посетитель вспоминает, что художник — какой-то импрессионист, писавший на открытом воздухе. Но почему импрессионист рисовал огромную аллегорию Рубенса семнадцатого века вместо того, чтобы рисовать на пленэре ?

Поль Сезанн действительно был известен своими пейзажами Мон-Сент-Виктуар, горы недалеко от его родного города Экс-ан-Прованс, Франция. Сезанн пару раз выставлялся с импрессионистами в 1870-х годах, и он перенял у них многие идеи о современном искусстве.Во-первых, живопись перед мотивом имела первостепенное значение: художник устанавливал мольберт прямо перед предметом, будь то пейзаж, портрет или натюрморт. Когда художник-импрессионист готовился к дневной работе, это означало взять на себя рюкзак с масляной краской в ​​тюбиках, грунтованный холст, переносной мольберт, скипидар и льняное масло, кисти, тряпки и обычно шляпу и солнцезащитный козырек.

Рисуя прямо с натуры, импрессионисты порвали с академической практикой рисования исторических предметов, обратившись к искусству прошлого.Сезанн был другим. Для него рисование перед мотивом не препятствовало подлинному и постоянному изучению старых мастеров. Сезанн испытывал глубокое почтение к некоторым художникам в Лувре и часто обращался к ним за вдохновением и руководством, даже в своей зрелости.

В середине долгого сеанса за портретом Амбруаз Воллар, ставший торговцем Сезанна, поинтересовался двумя незавершенными пятнами на руке. Но Сезанн отказался от спешки. Он сказал, что ему нужно вернуться в музей для дальнейшего изучения.

«Если копия, которую я делаю в Лувре, окажется удачной, — ответил Сезанн, — возможно, я смогу завтра найти точный тон, чтобы скрыть эти пятна. Разве вы не понимаете, мсье Воллар, что, если я что-то добавлю туда на основе предположений, мне, возможно, придется перерисовывать весь холст, начиная с этой точки?

Невозможно представить шестидесятилетнего Моне, бегущего обратно в Лувр, чтобы посмотреть на одного из старых мастеров, чтобы закончить одну из своих картин, но для Сезанна это было стандартной практикой.Однако белые пятна на руке Воллара остаются и по сей день.

Сезанн стоит особняком среди своих сверстников-импрессионистов и постимпрессионистов своим глубоким уважением к искусству прошлого. Ранние картины Мане вызывающе отсылали к хорошо известным картинам эпохи Возрождения; в известном примере, его Olympia 1863 года заменил обнаженную богиню в Venus of Urbino Тициана на современную парижскую проститутку. Однако по мере приближения к середине карьеры Мане сосредоточился на современных городских предметах и ​​больше не занимался дерзкой переработкой великих картин из музеев Флоренции и Венеции.Импрессионисты, такие как Клод Моне и Огюст Ренуар, с самого начала своей карьеры уделяли внимание современным пейзажам и фигуративным предметам. Хотя Эдгар Дега собирал картины и рисунки старых мастеров, он слишком сосредоточился на современных предметах, особенно на ипподроме и балете, когда он начал выставляться вместе с импрессионистами. Однако спустя десятилетия после первой выставки импрессионистов, когда даже молодой Пабло Пикассо перестал заниматься «студенческой» работой, Сезанн все еще ходил в Лувр и консультировался со старыми мастерами.

Художники, соревнующиеся за Римскую премию и другие академические награды, продолжали рисовать исторические и мифологические сюжеты, но искусство, которое мы теперь называем «модернистом», имело более эскизный стиль из-за интереса импрессионистов к рисованию прямо на месте. с натуры. После того, как постимпрессионисты, фовисты, кубисты и другие художники-модернисты начали опираться на импрессионистский фундамент современного искусства, идея оригинальности взяла верх над почтением к прошлому.Художники-модернисты должны были порвать с прошлым, поскольку они стремились создать что-то совершенно новое. Искусство Сезанна сыграло решающую роль в развитии модернистских движений, таких как фовизм и кубизм, однако Сезанн продолжал изучать искусство прошлого, даже когда писал с натуры.

В 1870 году в Лувре было выставлено по наследству более пятисот картин, подаренных музею врачом Луи Ла Казом (1798–1869). Среди этих полотен были работы великих итальянских мастеров, таких как Веронезе и Тинторетто.Однако, пожалуй, наиболее значительным вкладом в Лувр стало богатство владений доктора голландским искусством семнадцатого века и, более того, французским искусством восемнадцатого века. Такие картины, как «» Вирсавия в ее бане « Рембрандта, » Купальщицы «Фрагонара и » Жиль « Ватто вошли в крупнейший музей столицы искусства Европы. Сезанн бежал из Парижа во время франко-прусской войны в 1870 году, но когда он вернулся, он начал копировать Рембрандта Bathsheba .

Натюрморты французского художника XVIII века Жана-Батиста-Симеона Шардена из коллекции La Caze останутся пробным камнем для Сезанна до конца его карьеры. Некоторые очень прекрасные Шардены попали в Лувр с завещанием La Caze, в том числе Grapes and Pomegranates 1763 года. Работа типична для поздних натюрмортов Шардена с фруктами и посудой на выступе при слабом освещении. Шарден сочетает разрезанный гранат с неразрезанным, фиолетовый виноград с зеленым, почти полный бокал вина и почти пустой.Два маленьких яблока и груша сидят верхом на ноже, который выступает вперед из каменного уступа, а фрукты разложены перед фаянсовым кувшином для воды.

На первый взгляд кажется, что натуралистическая живопись имеет мало общего с ярким, незаконченным натюрмортами Сезанна, которые сейчас хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Украшенный фарфоровый кувшин и пустой бокал для вина напоминают картину Шардена, но здесь эти предметы стоят посреди кучи фруктов на мятой скатерти, с задернутой занавеской с принтом.

Чувство Сезанна реконструировать воспринимаемый им объектный мир лучше всего можно описать как реляционное. Кувшин слегка наклоняется к вазе с фруктами, центральный лимон наклоняется к зрителю, грейпфрут справа находится напротив трех фруктов, но позади двух яблок. Угол стола выступает за кувшин, но весь задний край стола скрывается за вазой с фруктами. Пространственное отношение одного фрукта к соседнему имеет смысл, но кажется, что одна сторона стола не совпадает с другой.

Кроме того, Сезанн предпочитает использовать несколько контуров для одних объектов и вообще не использовать контуры для других. Тонкие красные линии очерчивают выпуклость на центральном лимоне, прежде чем линии исчезнут и позволят просвечивать карандашный контур. На яблоке справа оранжево-красный сегмент круга находится прямо над самим фруктом. Он распадается на более голубую тень, серо-голубую скатерть и темно-синий контур; кажется, что красное пятно находится на вершине яблока, а не является его частью.

Точно так же на грейпфруте позади него контуры слева и справа не пересекаются, и желтая полоса протекает между двумя открытыми контурами, как будто входя в лабиринт или выходя из него. Можно указать на многочисленные примеры рисунков Сезанна, не содержащих его картины: бокал для вина имеет только часть контура на дальнем крае, где он встречается с занавеской; контурные линии проходят через верхнюю часть кувшина и уходят в пространство за его пределами; левая и правая стороны вазы с фруктами никогда не могли встретиться.

Разрозненность рисунка, пространственная неоднозначность, цветные пятна, которые переходят от яблока к скатерти — эти аспекты рабочего метода Сезанна всегда приветствуются как модернистские инновации.Сезанн обращает внимание на окрашенную поверхность; он работает, чтобы примирить иллюзию трехмерного объектного мира в рамках двумерного искусства живописи. Клемент Гринберг объявил эти эстетические предпочтения модернистскими. В суровых кубистских картинах Пикассо и Брака начала двадцатого века позже будут исследованы пространственные разъединения, предложенные в работах Сезанна.

И все же Сезанн мог видеть некоторые из этих черт или, по крайней мере, намеки на них в картине Шардена.Шарден был мастером в представлении полупрозрачности винограда с помощью нерегулярных мазков белого света вне центра и желто-зеленой запятой, обнимающей правые стороны зеленого винограда. В частности, обратите внимание на одинокий зеленый виноград, который выкатился перед разрезанным гранатом слева. Мы не только видим желтую кривую света на правой стороне винограда, но также есть короткую желтую линию прямо под виноградом. Этот желто-зеленый мазок, кажущийся того же цвета, что и виноград, представляет собой крошечную лужицу преломленного света на краю стола.Сверху винограда видна серо-зеленая почка. Эта форма почти выпирает, так как выходит за границы самого винограда. Форма почек указывает на выпуклость винограда при прохождении через него света. Для Шардена оптическая истина требует, чтобы виноград не был идеально круглым, а вместо этого был немного искажен нашим восприятием света, проходящего через него и отражающегося от него, что он представляет мазками краски, которые не соответствуют идеальному кругу воображаемого. контур.

Виноград, который, как мы знаем, круглый, на самом деле не выглядит круглым, если на него падает свет и выпячивается вперед, или когда его окружает тень и сглаживает нижний край.Груша Анжу, которая, как мы знаем, зеленая, отражает пятно красного цвета от соседнего яблока. Красное вино появляется в чаше бокала и в ножке кубка, которая его отражает. Шарден не только изображает свет и тень на объектах; он также записывает отражения цвета, исходящие от соседних предметов. Другими словами, Шарден рисует оптические эффекты пространственных отношений, которые создают идиосинкразии и вариации в распределении цветов и даже в рисунке.

Неожиданные и прерывистые отрывки из натюрморта Сезанна становятся более понятными, если смотреть рядом с Шарденом.Если красная кривая находится на одном из яблок Сезанна, эта форма напоминает водоворот краски на одном из сортов винограда Шардена. Современным зрителям легче увидеть тонкую неровность края стола Шардена, увидев наклонные столы Сезанна.

Творчество Шардена возродилось в середине девятнадцатого века во Франции. В эпоху натурализма простота его сюжетов и скромность его подхода вызвали отклик. Сезанн был частью этого возрождения Шардена.Даже будучи зрелым художником, он продолжал переосмысливать собственные художественные решения в свете отрывков из живописи таких мастеров, как Шарден. Очевидная борьба Сезанна с оптической истиной при рисовании того, что было перед ним, стало символом его модернизма. Его тонкое уважение к Шардену, однако, напоминает нам, что, по крайней мере, этот модернистский художник не отвергал старых мастеров, а боролся со своими предшественниками на пути к их преобразованию.

Гарольд Блум писал о «опасении влияния» в литературе.Читая, например, стихотворение Кольриджа, Блум обнаруживает следы борьбы поэта с великими прецедентами в творчестве Шекспира. Для Блум наиболее важные чтения или акты почтения к искусству прошлого фактически становятся на их пути неверными прочтениями; впитывая более ранние работы, художник изобретает их заново. Блум цитирует Хорхе Луиса Борхеса о том, что «художники создают своих предшественников»: Мы видим более ранние работы по-другому в результате более поздних работ, и это так же верно для Сезанна и Шардена, как и для Пикассо и Сезанна.Оптическая нестабильность в живописи Шардена представляет собой деликатную сложность; в живописи Сезанна они кажутся огромными. Тем не менее, даже когда Сезанн преувеличивал тонкие трудности восприятия в работе Шардена, он продолжал консультироваться с Шарденом и другими мастерами. На рубеже двадцатого века зрелый художник, который уже привлекал паломничество молодых художников, которые отправились в Экс, чтобы найти его, этот стареющий художник, тем не менее, продолжал смирять себя перед мастерами в Лувре. Несомненно, Сезанн преувеличивал искажения Шардена.Его «выдумки» Шардена и других мастеров, однако, стали основой, на которой Пикассо, Матисс и многие другие выковали искусство, которое мы считаем радикальным разрывом с прошлым.

В 1904 году, когда Сезанну было шестьдесят пять, он написал письмо своему другу-художнику Эмилю Бернару. «Вы помните прекрасную пастель Шардена, одетую в очки с козырьком, закрывающим глаза?» — спросил он, вспомнив пастельный автопортрет в Лувре. «Он хитрый, этот художник.Вы заметили, как, если позволить плоскости света пересекать его нос под небольшим углом, значения намного лучше адаптируются к глазу? Посмотри внимательнее и скажи мне, не прав ли я ».