Рисунки минимализм: Минимализм и абстрактные рисунки Кандинского на потолке

Содержание

Минимализм и абстрактные рисунки Кандинского на потолке

Минимализм – многофункциональный и очень востребованный стиль в современном дизайне. Его удобство заключается не только в максимальном сокращении задействованных предметов и аксессуаров, но и в его потрясающей способности адаптироваться к актуальным направлениям и тенденциям. При внешней строгости, скромности, неброскости общего оформления помещения стоит внедрить в проект металл, стекло, глянцевые поверхности – и готов ультрамодный хай-тек дизайн. Заменим стекло благородным деревом, добавим экзотические аксессуары, животные и растительный принты – встречайте дизайн в стиле этно. Сохраним общие приглушенные тона, добавив витиеватых элементов и глубоких тонов – и мы уже видим перед собой представителя романтично-прогрессивного Ар-деко.

Все эти трансформации достигаются при минимальном использовании скудного набора предметов и деталей, в то время, когда общее оформление помещения остается одним – строгие геометрические формы, пастельные, приглушенные цвета, ровные линии.

Единственное, чтобы избежать ощущения бедности и обделенности, архитекторы уделяют повышенное внимание качеству исполнения ремонта – материалы должны соединять в себе широкую многофункциональность согласно духу минимализма: натуральность, безукоризненную отделку – никаких неровностей, трещин, складок. Такой подход оправдается долгим сроком службы и возможностью последующих трансформаций, т.к. исходный набор предметов и традиционная цветовая гамма выступают каркасом для создания и изменения индивидуального интерьера с течением времени.

Отдельным подходом к созданию богатого минималистского интерьера может послужить внедрение в идеально ровное, простое помещение ярких абстрактных рисунков. И, часто, не только стена, но и потолок с нанесенным изображением может радикально изменить весь дух, всю сущность дизайна, добавить глубокий символизм и придать смысл всей архитектурной композиции. Мастер цвета и формы, глубокий символист и гений искусства, Василий Кандинский более ста лет назад показал, как внешняя простота может нести в себе сложную внутреннюю структуру и обладать глубоким эмоциональным  воздействием на человека.

Творческий путь Василия Кандинского начался примерно сто лет назад в эпоху тотального пересмотра существующих ценностей, в бурный век декаданса, символизма и мистицизма, открытого протеста. Ранние работы Кандинского пропитаны импрессионизмом. Основной постулат его творчества – восторг цветом.

Сочетание света и цвета, особенно палитры заката с его богатыми контрастами оранжевого и синего постепенно трансформируются в мистические композиции. Кандинский стремится освободить скрытую энергию цвета из пут предметной конкретности, внести неточность контура и усилить восприятие цвета через отголоски впечатлений – цветовые пятна.

Красочные пятна Кандинского – не хаотичное скопление мазков, каждая картина имеет строгую композицию и заданный ритм движения.  Цветовые пятна в мире Кандинского – это знаки, несущие собственные смыслы на языке мироздания. Помимо цветовых пятен Кандинский помогает зрителю понять суть композиции, вводя на полотно изображения предметов, исторически нагруженных многоплановым символизмом: всадник, крест, лодка, труба.

В своих работах Кандинский искал особый символический язык, способный описать энергию мира, аналогично поискам, параллельно предпринятым художниками-авангардистами Малевичем, Миро, Пикассо. Подобными экспериментами в области языка занимались поэты серебряного века, создавался экспериментальный язык Хлебникова, через Шенберга, Шнитке, Скрябина и Вагнера шли поиски в музыке.

Эксперименты с пятнами продолжились в абстрактной живописи и в графическом дизайне. Пятно увеличивалось в размерах, сжималось, вытягивалось, но постоянно наталкивалось на геометрические фигуры. Язык случайных пятен так и остался неформализованным и нераскрытым. История беспредметной живописи продолжает осмыслять слияние света и цвета без предметных форм. Согласно Кандинскому, его цветовые пятна — это и есть музыка форм.

Именно параллель с музыкой и близкое знакомство с немецкими композиторами-новаторами подтолкнули Кандинского к следующему этапу своего творчества. Взаимодействие музыки и живописи, идеи композитора Скрябина и философа Соловьева о мессианской роли художника, предчувствие мирового кризиса, ведут к появлению идеи синтеза всех искусств, идеи так называемого «монументального искусства». Соединение музыки и цвета, описанное в теоретических работах Скрябина, основывается на принципе контрапунтирования

— полифонии, многоголосии звучания произведения, где по новому видению композиторов-искателей каждый голос ведет свою партию и является главенствующим, а не дополнительным друг к другу. Каждый голос имеет свою тональность, ритм, независимое движение, при этом целостность восприятия произведения наступает только при одновременном звучании всех голосов.

Такой же подход к искусству и архитектуре начал исповедовать и Кандинский. Именно эта теория привела художника в легендарный дом искусств «Баухауз» — объединенной под крылом Вальтера Гропиуса школы искусств и ремесел, флагмана рационализма и новаторства, определившего вектор развития архитектуры и дизайна на многие годы вперед. Именно постулаты школы – ограниченность цветов, геометрический абстракционизм, кричащая угловатость, ровные поверхности и нарочитое бунтарство подтолкнули Кандинского сменить свой экспрессионистский подход на строгий язык геометрических форм.

Из геометрии форм рождается индустриальный стиль, где акцент делается на максимальную рациональность, технологичность и формообразование. Кандинский, работая преподавателем, занимается аналитической работой и учит студентов абстрактной живописи.

Самые известные произведений Баухауза в области архитектуры и дизайна (например, дом «Ам Хорн» в Веймаре) являют собой уже классические образцы функционализма. Абстрактные произведения Кандинского рождаются в синтезе с архитектурой интерьера. В Баухаузе Кандинский проектирует и создает собственный дом, где пытается сформировать особую, многоликую среду, расписав внутреннюю лестницу и стены, изготовив мебель. Яркая декоративность интерьера придавала ему сходство с крестьянским искусством.

Парадоксальным фактом является то, что, являясь лицом аскетизма и минимализма, в реальности Кандинский черпал вдохновение в народных верованиях и шаманских обрядах. В молодые годы, находясь в этнографической экспедиции по глубинкам России, Кандинский восторгался аляповатой пестротой крестьянских изб и буйству цвета в православных храмах.

Чувство растворения в цвете и живописи – основное стремление автора.

Кандинский, перерабатывая идею цвета, формы, гармонии искусств, вошел в историю мировой живописи как родоначальник  абстракционизма, беспредметной живописи. Однако вся видимая беспредметность Кандинского по своей сути является высокодуховным носителем идеи гармонии пространства, раскрытия незримой сущности вещей, создания порядка из хаоса.Музыкальность его полотен не может не быть использованной в создании философского, ультра-эстетического интерьера. Цветовые пятна, переходы линий, столкновения форм – все это будет звучать постоянно в любом помещении, если в него введены элементы утонченного творчества.

Идея переноса композиций, навеянных творчеством Кандинского, на потолок (технология Soffitti del ‘Arte) – попытка переосмыслить ограниченное видение минимализма и ввести в него элементы глубокой символической составляющей. Все три направления работ автора (импрессии – мимолетные впечатления, импровизации – выход сиюминутных эмоций и чувств, и композиции – целые упорядоченные философские миры) прекрасно размещаются на потолочном пространстве и вносят многогранность и глубину в самый простой проект.

Художественная музыка Кандинского требует долгого и постоянного созерцания, потолок – идеальное место – большое пространство, открытость для взора. Погружение в композиции художника непременно создаст у зрителя ощущение движущегося пространства. Разные формы то приближаются, то отдаляются, сталкиваясь и разлетаясь прочь, звуча всеми тембрами оркестра природы, создавая эффект космической музыки. Все цвета и формы заранее наделены смыслом, голубой – флейта, синий – по мере затемнения переходит из диапазона виолончели в область органа, красный – скрипка, белый – цвет безмолвия, а черный – пустоты. Цвет присущ и всем геометрическим фигурам: прямой угол – красный, острый – желтый, а тупой – голубой.

Таким образом, поместив в интерьер звучащую живопись Кандинского, можно получить совершенно необыкновенное духовное пространство. Имея в посредниках великого мастера символизма, видевшего в искусстве пути познания и интерпретирования мира, самый простой и аскетичный интерьер преобразуется в богатый храм знаний, а его владелец получает возможность энергетического обновления и преодоления царства материального, в котором погрязли многие идеи и мысли. Эффект слияния искусств может быть усилен использованием различных по свечению светодиодных подсветок потолка и применением светопрозрачных тканей Cerutti Aurora.

Интерес к цвету и абстрактной живописи начал бурно проявляться в эпоху романтизма и появления произведений Гете. Цветовой символизм широко описан в учениях Пифагора, и повсеместно использовался в эпоху средних веков и Возрождения, являясь важным элементом алхимии и изображения аллегорий.

Композитор Вагнер вводит в обиход термин «гезамткунстверк» — возврат от разрозненных искусств к первоначальному единому искусству. «Русский балет» Дягилева, произведения целой блистательной плеяды символистов Серебряного века, цветомузыка Скрябина, кинематограф Эйзенштейна и художественные работы абстракционистов – все это элементы одного течения, стремящегося к созданию высшей формы синтезируемого искусства, граничащего с мистикой и оккультизмом.

Подводя итог можно сказать, что Василий Кандинский, стал флагманом авангардистского искусства начала ХХ века.

Его творчество, пронизанное теориями русских и немецких новаторов, стало основополагающим в развитии культуры в целом. Для создания абстрактной росписи на потолке в коллекции фотосюжетов Черутти есть целый раздел, навеянный творчеством Кандинского и Малевича.

геометрические принты и узоры, крупные рисунки и минимализм

Содержание:

Для оформления стен часто используются обои. Выбирать данный материал можно в соответствии с модными тенденциями. Рассмотрим, какие цвета и виды обоев популярны в этом году.

Получите дополнительную скидку на диваны и мягкие кровати от OneAndHome!

Модные обои с рисунком деревьев для оформления скандинавского интерьера

Геометрические рисунки

Геометрические узоры и орнаменты относятся к классическим решениям, поэтому такие обои всегда остаются актуальными. Треугольники, квадраты, ромбы и полоски органично смотрятся в интерьере. Востребованы такие узоры в стиле ар-деко.

Акцентную стену на кухне можно оформить яркими обоями с геометрическими рисунками и орнаментами

Обои с геометрическими рисунками в интерьере гостиной

Крупный узор

В моде сейчас крупные рисунки. Это могут быть птицы, цветы и растительные мотивы. При выборе необходимо ориентироваться на свои предпочтения, а также учесть базовую цветовую гамму интерьера.

Обои с цветочным рисунком отлично гармонируют со шторами в интерьере спальни

Акцентную стену в спальне можно оформить стильными обоями с изображением цветов

Яркость и минимализм

Минималистичные принты на обоях с яркими акцентами понравятся людям, которые любят современное искусство. Такое оформление стен не требует дополнительного настенного декора.

Обои с ярким рисунком можно использовать для акцентной стены в интерьере, оформленном в стиле минимализм

161 990 ₽

105 500 ₽

74 990 ₽

221 990 ₽

71 991 ₽

79 990 ₽

120 990 ₽

179 000 ₽

79 943 ₽

84 150 ₽

83 591 ₽

87 990 ₽

145 000 ₽

Для Вас спецпредложение на мягкую мебель и кровати от OneAndHome!

Обои с яркими перьями в интерьере минимализм

Обои с принтами и узорами

Популярны узоры на пастельных оттенках: мятном, нежно-голубом или пудровом. Такая палитра позволяет избежать пестроты в интерьере даже при использовании сложных принтов и узоров.

Бежевые обои с вертикальными линями отлично подходят под интерьер гостиной

Стильные обои с цветочным принтом в интерьере спальни

Комбинация обоев с узорами и прямыми линиями в классическом интерьере

Стены со светлыми однотонными обоями можно дополнительно украсить современным декором. На сайте One&Home вы можете заказать стильное зеркало в форме солнца и дизайнерские настенные часы. На шоу-руме в Москве специалисты компании помогут вам выбрать декор под цвет и стиль вашего интерьера.

Однотонные обои без рисунка отлично сочетаются с ярким текстилем в интерьере спальни

Оформление акцентной стены в гостиной темными обоями

Обои с орнаментом идеально дополняют классический интерьер

%d0%9c%d0%b8%d0%bd%d0%b8%d0%bc%d0%b0%d0%bb%d0%b8%d0%b7%d0%bc PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки

  • естественный цвет bb крем цвета

    1200*1200

  • 3d модель надувной подушки bb cream

    2500*2500

  • аэрозольный баллончик увлажняющий лосьон bb cream парфюм для рук

    3072*4107

  • Красивая розовая и безупречная воздушная подушка bb крем косметика постер розовый красивый розовый Нет времени На воздушной

    3240*4320

  • в первоначальном письме векторный дизайн логотипа шаблон

    1200*1200

  • схема бд электронный компонент технологии принципиальная схема технологическая линия

    2000*2000

  • bb крем ню макияж косметика косметика

    1200*1500

  • облака комиксов

    5042*5042

  • Воздушная подушка cc крем косметика косметика по уходу за кожей плакат пресная Воздушная подушка bb крем cc

    3240*4320

  • простая инициализация bb b геометрическая линия сети и логотип цифровых данных

    2276*2276

  • Креативное письмо bb дизайн логотипа черно белый вектор минималистский

    1202*1202

  • круглая буквица bd или db дизайн логотипа вектор

    5000*5000

  • bb логотип письмо дизайн вектор простые и минималистские ключевые слова lan

    1202*1202

  • розовый бб крем красивый бб крем ручная роспись бб крем мультфильм бб крем

    2000*3000

  • буква bc 3d логотип круг

    1200*1200

  • bb крем тень вектор

    1300*1300

  • bb логотип дизайн шаблона

    2223*2223

  • логотип bc

    1200*1200

  • bd письмо логотип

    1200*1200

  • элегантный серебряный золотой bb позже логотип значок символа

    1200*1200

  • bc логотип шаблон

    1200*1200

  • bb логотип градиент с абстрактной формой

    1200*1200

  • bd письмо логотип

    1200*1200

  • bb крем элемент

    1200*1200

  • серые облака png элемент для вашего комикса bd

    5042*5042

  • до н э центр красоты дизайн логотипа вектор

    8542*8542

  • испуганные глаза комиксов

    5042*5042

  • в первоначальном письме bd логотипа

    1200*1200

  • латинский алфавит буква bb из расплавленной лавы скачать бесплатно png

    3000*3000

  • red bb cream cartoon cosmetics

    2500*2500

  • bd tech логотип дизайн вектор

    8542*8542

  • в первоначальном письме векторный дизайн логотипа шаблон

    1200*1200

  • две бутылки косметики жидкая основа белая бутылка крем bb

    2000*2000

  • b8 b 8 письма и номер комбинации логотипа в черном и gr

    5000*5000

  • Круглая открытая косметическая воздушная подушка bb cream

    1200*1200

  • год до н э письмо логотип

    1200*1200

  • в первоначальном письме bd шаблон векторный дизайн логотипа

    1200*1200

  • дизайн логотипа bc значок буквы b

    8333*8333

  • буква bd crossfit logo фитнес гантели значок тренажерный зал изображения и векторные изображения стоковые фотографии

    5000*5000

  • ms косметика bb крем для ухода за кожей

    2200*2800

  • цвет перо на воздушной подушке bb крем трехмерный элемент

    1200*1200

  • письмо логотип bd дизайн

    1200*1200

  • логотип готов использовать год до н э

    6667*6667

  • аэрозольный баллончик увлажняющий лосьон bb cream парфюм для рук

    2000*2000

  • облака небо комикс мультфильм

    5042*5042

  • Реклама продукта по уходу за кожей черного золота bb bb крем bb кремовый

    3240*4320

  • bb письмо дизайн логотипа

    1200*1200

  • bd письмо логотип

    1200*1200

  • bc beauty косметический логотип дизайн вектор

    8542*8542

  • в первоначальном письме bd логотип шаблон

    1200*1200

  • МоМА | Минимализм

    Начало 1960-х годов привело к значительному сдвигу в американском искусстве, в основном в ответ на критический и популярный успех сугубо личных и выразительных живописных жестов абстрактного экспрессионизма. Художники-минималисты создавали урезанные трехмерные объекты, лишенные репрезентативного содержания. Их новый словарь упрощенных геометрических форм, созданных из скромных промышленных материалов, таких как стекловолокно и алюминий, и часто использующих математические системы для определения композиции своих работ, бросил вызов традиционным представлениям о мастерстве, иллюзии трех измерений или пространственной глубины и идея о том, что произведение искусства должно быть единственным в своем роде.

    Преимущественно американское художественное направление 1960-х годов, характеризующееся простыми геометрическими формами, лишенными репрезентативного содержания. Опираясь на промышленные технологии и рациональные процессы, художники-минималисты бросили вызов традиционным представлениям о мастерстве, используя коммерческие материалы, такие как стекловолокно и алюминий, и часто применяя математические системы для определения композиции своих работ.

    Элемент или вещество, из которого что-то может быть сделано или составлено.

    Категория художественной практики, имеющая определенную форму, содержание или технику.

    Напоминает или использует простые прямолинейные или криволинейные линии, используемые в геометрии.

    Форма или структура объекта.

    Доминирующее художественное движение 1940-х и 1950-х годов, абстрактный экспрессионизм, первым поставил Нью-Йорк в авангард международного современного искусства.Ассоциированные художники разработали очень разные стилистические подходы, но разделяли приверженность абстрактному искусству, которое ярко выражает личные убеждения и глубокие человеческие ценности. Они отстаивали смелую абстракцию жестов во всех средах, особенно на больших живописных полотнах.

    Родственные художники: Дэн Флавин, Ева Гессе, Дональд Джадд, Яёи Кусама, Сол Левитт, Роберт Моррис, Ричард Серра, Роберт Смитсон, Фрэнк Стелла

    Западная живопись | искусство | Британника

    Верхний палеолит

    В период верхнего палеолита, незадолго до окончательного отступления ледников в конце последнего ледникового периода (15 000–10 000 до н. Э.), Большая часть Европы была населена небольшими группами кочевых охотников, охотившихся на мигрирующие стада северных оленей, крупного рогатого скота. , бизоны, лошади, мамонты и другие животные, тела которых давали им пищу, одежду и сырье для инструментов и оружия.Эти примитивные охотники украшали стены своих пещер большими изображениями животных, которые были так важны для их физического благополучия. Большинство сохранившихся примеров таких фресок было найдено во Франции и Испании (см. Каменный век), но аналогичные рисунки из пещер на Урале в Советском Союзе могут указывать на то, что эта практика была более распространенной, чем предполагалось.

    С тех пор, как в конце 19 века были обнаружены первые образцы этих картин, они вызывали восхищение своей виртуозностью и живостью.Самые простые фигуры — это просто контурные рисунки, но большинство из них сочетают эту технику со сложной штриховкой и окраской, которые модулируют поверхность и предполагают различные текстуры шкурок, рогов и костей. Объем обозначается тщательно контролируемыми изменениями толщины мазков, а удивительно продвинутое мастерство передает значительное ощущение движения и жизни. Большинство животных изначально изображались как отдельные фигуры без повествовательного значения, и то, что современному наблюдателю кажется сложным группированием фигур, на самом деле является конечным результатом длительного сложного процесса.

    Отсутствие четкого повествовательного элемента в этих картинах вызвало проблемы в их интерпретации. Человека изображают редко, и изображения человеческих фигур, однозначно взаимодействующих с многочисленными фигурами животных, редки. Одно из немногих исключений из этого правила — сцена в Ласко на юге Франции, где бизон бодает падающую мужскую фигуру. «Колдун» в Les Trois Frères, также на юге Франции, более характерен. Хотя он задрапирован шкурой животного и, кажется, занят преследованием или ритуальным танцем, его полная изоляция от любой другой фигуры оставляет его точное значение неясным. Интересно также, что, в отличие от очевидной тщательности при детальном изображении животных, несколько человеческих фигур обычно выполнены поверхностно и схематично. Иногда единственный намек на человека дают изображения дротиков, ранивших или убивающих несколько фигур животных. Эти снаряды были интерпретированы как упражнения в симпатической магии, предназначенные для достижения успеха в будущей охоте. И наоборот, они могли бы так же легко вспомнить прошлые убийства. Но некоторые особенности предполагают, что такие простые объяснения не раскрывают всей истории: во-первых, такие изображения редки (обратно пропорционально количеству научных дискуссий, которые они вызвали), и, во-вторых, звери, которые показаны как раненые — действительно огромные Большинство видов, изображенных на стенах пещер, не входили в рацион пещерных художников.Современные жилые отложения указывают на то, что большая часть потребляемого мяса была получена от оленей, а олени встречаются на сохранившихся картинах почти так же редко, как и сам человек. Ясно одно: индивидуальная инициатива кажется первостепенной как при исполнении фигур животных, так и при записи действий изолированных людей. Отсутствует какой-либо намек на социальное взаимодействие, и предполагалось, что общество как таковое существовало на относительно низком уровне. Природа дала толчок к изменениям, и в искусстве следующего периода человек, наконец, превратился в часть сообщества.

    Минимализм — концепции и стили

    Начало минимализма

    Ранние модернистские вдохновения

    В середине 1950-х в Нью-Йорке молодые художники, такие как Дональд Джадд, Роберт Моррис и Дэн Флавин, писали в доминирующем духе абстрактного экспрессионизма, но были дрейфуя от него к новым направлениям, вдохновленным свежим знанием новейшего европейского искусства. Работы членов голландской группы De Stijl, русских конструктивистов и немецкого Баухауса были показаны в музеях и галереях Нью-Йорка.Все три группы были пионерами в новых определениях изобразительного искусства, выходя далеко за рамки традиционной живописи и скульптуры.

    Пит Мондриан, главный сторонник Де Стиджла, использовал чистую абстракцию и продвигал динамическое натяжение на поверхности холста и подчеркивал плоскостность картинной плоскости. Картина больше не будет притворяться окном в другой мир. В картине « Посвящение площади» «» (1949-76) Йозефа Альберса, бывшего учителя Баухауза, использовалось расположение квадратов внутри квадратов, в которых глубина изображения была иллюзией, основанной на цветовых контрастах квадратов.Владимир Татлин возглавил создание нового искусства в России, которое будет синтезировать искусство и технологии эпохи машин, пришедшей в его страну. Более утопический идеалист, чем революционер, он хотел поставить искусство на службу повседневной жизни.

    Среди скульпторов протоминималистом был и румын Константин Бранкузи. Его « Бесконечная колонна » (1935), башня идентичных ромбовидных форм, указывающая в бесконечность, представляла его космические духовные убеждения и стремления к его искусству, демонстрируя, как простые формы в множестве могут расширять идеи формы в пространстве. А карьера Марселя Дюшана привела к переопределению личности художника и его отношения к созданию искусства. С изощренным остроумием он осуждал «сетчатые удовольствия» живописи и в своей практике сочетал живопись, кинетическую и статическую скульптуру, фотографию и пленку.

    Искусство середины века: поздний модернизм

    Эти ранние влияния дали художникам возможность переоценить вдохновленный сюрреалистами мир абстрактного экспрессионизма, определяемый интуитивными и спонтанными жестами, которые доминировали в американском искусстве на протяжении почти двух десятилетий, в основном из-за критическая поддержка таких писателей, как Клемент Гринберг и Гарольд Розенберг.В отличие от художников-экспрессионистов, художники Марк Ротко и Барнетт Ньюман подчеркнули силу цвета и простоту дизайна в области холста. Ротко, получивший прозвище «Художник цветного поля», положил широкие полосы цвета по горизонтали на холст, а Ньюман обнаружил узкие вертикальные застежки-молнии, которые делили его поля на зоны плоской окраски. В каждом случае зритель погружался в атмосферу этих масштабных произведений. Их более радикальный соотечественник Ад Рейнхардт нарисовал сплошные поля монохромным красным или черным цветом, изгнав все, кроме самых тонких свидетельств причастности художника к работе.Будучи писателем, критиком и педагогом, он сказал знаменитую фразу: «Мои картины — это последние картины, которые можно сделать», и тем самым понравился следующему поколению творцов.

    Художники, ставшие минималистами, вместо этого хотели создать искусство, которое было бы менее личным и более существенным, полагая, что произведение искусства не должно относиться ни к чему, кроме самого себя. Таким образом, к началу 1960-х годов многие из этих художников полностью отказались от живописи в пользу предметов, которые не казались ни живописью, ни скульптурой в общепринятом смысле этого слова.Например, серия Black Paintings Фрэнка Стеллы (1958-60), серия чрезвычайно влиятельных полотен с концентрическими полосами, была натянута на более толстое деревянное шасси, которое агрессивно выталкивало их из стены. Эта поддержка подчеркивала материальность и объектность картин, которые были явно абстракциями, лишенными следов мазков и достигли состояния плоскостности, которое было образцом для других. Картины Стеллы расширили возможности рисования за пределы простых прямоугольников, которые можно было обрамить (а они не были) и повесить на стену в качестве украшения.Его работы вместо этого приобрели физические характеристики как архитектуры, так и скульптуры, что противоречило всем предыдущим образцам живописи.

    Достижения Стеллы нашли отражение в работах других художников-абстракционистов, которые создавали большие картины, которые, казалось, основывались на геометрических теоремах. Кеннет Ноланд, который придерживался теории Джозефа Альберса о «взаимодействии цветов», рисовал большие абстрактные полотна с мишенями, шевронами и полосатыми узорами. На монохроматические отдельно стоящие конструкции Роберта Мангольда также повлияла распространенность геометрической абстракции, которую ввел Альберс.

    Начало минимализма и концептуального искусства

    В следующем поколении появилось много теоретиков, которые стали важными представителями движений как минимального, так и концептуального искусства, современного стиля. Эти художники и писатели помогли определить эстетику и критическое восприятие обоих стилей.

    В книге Дональда Джадда «Особые объекты», опубликованной в 1965 году, сделана попытка установить эстетику минимализма. Фактически, он отказался от названия «минимализм» для характеристики искусства, отдав предпочтение термину «конкретные объекты», который он описал как отказ от традиционных различий между формами искусства, чтобы охватить произведения, которые нелегко назвать живописью или скульптурой.

    Роберт Моррис написал «Заметки о скульптурах» из трех частей в 1966 году, в которых он призвал к использованию простых форм, интуитивно понятных зрителю, и утверждал, что интерпретация минималистских работ зависит от контекста и условий. в котором они были восприняты. Выдвигая этот аргумент, он по сути переворачивал представление о произведении искусства как имеющем внутреннее значение, полученное от художника, которое не зависело от зрителя.

    Сол Левитт внес свой вклад в развитие обоих механизмов.Он опубликовал «Параграфы концептуального искусства» (1967) (которые многие считают манифестом движения), в которых он написал: «То, как выглядит произведение искусства, не слишком важно. Оно должно выглядеть как-то, если оно имеет физическую форму. Независимо от того, какую форму в конечном итоге она может иметь, она должна начинаться с идеи. Это процесс зачатия и реализации, которым занимается художник ». В течение 40 лет до своей смерти в 2007 году Левитт работал на международном уровне как скульптор, художник и фотограф и был лидером художников-минималистов после смерти Флавина и Джадда.

    Карл Андре публиковал стихи, которые имели как литературную, так и визуальную привлекательность, причем последняя была создана благодаря художественной форме текста стихотворения, как если бы слова были твердым носителем. Эти стихи были неотъемлемой частью выставок Андре, где они иногда появлялись в каталогах или рядом с его скульптурами.

    Джозеф Кошут Одно и три стула (1965) является концептуальной вехой, на которой он собрал объект, фотографию этого объекта и увеличенное словарное определение объекта для выставки в галерее.Он задает вопрос, что на самом деле составляет стул в нашем мышлении: твердый объект, который мы видим и используем, или слово «стул», которое мы используем, чтобы идентифицировать его и передавать другим?

    В результате всех этих теоретических основ движение минимализма нашло возможности для расширения.

    Название движения

    Из этого множества источников художники, которые стали известны как минималисты, построили новые стратегии, которые повлияли на их проекты и процессы.Для характеристики этого нового искусства было названо много названий: «искусство A.B.C.», «редукционистское искусство», «буквализм», «системная живопись» и «искусство реального». Термин «минимализм» в конечном итоге прижился, возможно, потому, что он лучше всего описывал то, как художники сводили искусство к минимальному количеству цветов, форм, линий и текстур. Минимализм также был признанным критическим термином в современном танце и музыке, который, как и изобразительное искусство, лишался орнамента, использовал повторяющиеся мотивы и нашел свое место в повседневной городской жизни, а не в мифах и легендах прошлого.

    Выставка первичных структур

    Выставка 1966 года в Еврейском музее в Нью-Йорке стала крупным событием, которое привлекло внимание критики и сделало минимализм важной силой в мире искусства. На выставке были представлены работы многих из тех, кто был важен для движения, в том числе Сола Левитта, Дэна Флавина, Роберта Морриса, Карла Андре и Дональда Джадда, а также некоторых художников, которые были на его периферии, таких как Эллсуорт Келли и Энтони Каро. Всего более сорока художников.Такие выставки, как Primary Structures , сопровождались публикациями и критическими обзорами, которые продвинули и расширили дискурс как о минимализме, так и о концептуальном искусстве.

    Новое искусство для новых пространств

    В 1960-х и 1970-х годах открывались новые выставочные площади в Европе и Америке. Традиционные музеи расширили свои галереи, и были созданы новые «кунстхаллы», выставочные помещения без постоянных коллекций. Также расширилась роль университетских галерей и музеев.Кооперативные галереи, управляемые художниками, такие как Artists Space в Нью-Йорке, были скопированы повсюду. Обычно эти галереи занимали большие грубые пространства, которые часто были «лабораториями», где художники-минималисты и концептуалисты пробовали свои работы. К 1970-м годам в публичном искусстве наступил настоящий бум, который принес скульпторам-минималистам национальное признание. Государственные и местные агентства создали общественные парки скульптур, где процветала минималистская скульптура.

    Новая публикация Artforum была начата в Калифорнии в 1962 году и переехала в Нью-Йорк в 1967 году.Через несколько редакций журнал развился и к 1971 году стал отраслевым журналом минимализма и концептуального искусства. Помимо обзоров, здесь публиковались работы художников, а также содержательные комментарии о современном искусстве.

    Минимализм: концепции, стили и тенденции

    Минималистская скульптура

    Большинство минималистов были сосредоточены на создании трехмерных объектов, поскольку это был наиболее радикальный и экспериментальный аспект движения. Акцент минималистов на устранении признаков авторства из своего искусства с помощью простых геометрических форм и промышленных материалов привел к созданию работ, которые больше напоминали простые предметы, чем традиционную скульптуру.Новаторское размещение этих работ на полу галерейных пространств, а не на пьедесталах, еще больше подчеркнуло их отличие от обычных произведений искусства.

    Сосредоточение внимания на поверхности и отсутствие художника означало, что значение объекта не воспринималось как присущее самому объекту, а происходило от взаимодействия зрителя с объектом. Это привело к новому акценту на физическом пространстве, в котором находились произведения искусства. Частично это развитие было вдохновлено работами Мориса Мерло-Понти по феноменологии, в частности, Феноменология восприятия (1945).

    Картины в стиле минимализм

    Помимо скульпторов, минимализм также ассоциируется с несколькими ключевыми художниками-абстракционистами, такими как Фрэнк Стелла, Эллсуорт Келли, Агнес Мартин и Роберт Райман. Эти художники рисовали простые полотна, которые считались минималистичными из-за их скелетных, часто геометрических композиций. Используя только линии, сплошной цвет, а иногда и геометрические формы и фигурные полотна, эти художники объединили материалы для рисования таким образом, что поставили под сомнение традиционную дихотомию между художественными средствами, создав картины, которые также могли считаться объектами сами по себе из-за громоздкости холст-подставка и нетрадиционные формы картин.

    Минималистские осветительные установки

    Использование люминесцентных ламп для создания произведений искусства еще больше подчеркнуло отход минимализма от традиционных форм искусства. Дэн Флавин использовал свет и цвет из имеющихся в продаже трубок, чтобы разделить пространство на цветовые зоны. Хотя трубки иногда располагались в геометрической форме, такой как решетки или простые линии, основное внимание в данной области техники обычно уделялось излучаемому свету, а не форме самих трубок. Стандартные промышленные приспособления для трубок также использовались в качестве композиционных элементов.Обращенные к зрителю, их пустые стороны контрастировали с направленным наружу цветным светом в частях сетки. Молодые художники Кейт Сонниер и Брюс Науман увидели потенциал света в скульптуре и использовали неоновые трубки в сочетании с другими материалами и надписями.

    Прочие минималисты

    Неукрашенный стиль и системные концепции минимализма нашли последователей в архитектуре и дизайне интерьеров, где произошло возрождение международного стиля 1920-х годов, и даже ар-деко получил новый облик.Современные хореографы отказались от вычурных костюмов, и танцоры выступали под строгую повторяющуюся музыку композиторов-минималистов на голых сценах. Даже скромно выглядящие низкокалорийные тарелки новой кухни, привезенные из Парижа, были еще одним феноменом минимализма.

    Позднее развитие — после минимализма

    К концу 1960-х годов, всего через несколько лет после зарождения движения, минимализм стал разветвляться на многие дисциплины до такой степени, что его уже нельзя было рассматривать как единый стиль или тенденцию: разные художники которые сыграли важную роль в его раннем развитии, начали двигаться в разных личных направлениях.Новые идеи и стили быстро стали доминировать в развивающемся мире.

    Искусство и объектность

    Критиков минималистского искусства возглавлял Майкл Фрид, чье эссе «Искусство и объектность» было опубликовано на форуме Artforum в 1967 году. История современного искусства, Фриду не нравилось то, что она провозглашала. Ссылаясь на движение как на «буквализм», а тех, кто создал его, — как на «буквалистов», он обвинил таких художников, как Джадд и Моррис, в намеренном смешивании категорий искусства и обычных предметов. По словам Фрида, эти художники создавали не искусство, а политическое и / или идеологическое заявление о природе искусства. Фрид утверждал, что только потому, что Джадд и Моррис расположили идентичные объекты, не относящиеся к искусству, в трехмерном поле и провозгласили это «искусством», это не обязательно так. Фрид мягко высмеивал их усилия, предостерегая их от того, что он считал театральностью в оправданиях, которые они выдвигали для своих инсталляций. Это было в прямой конфронтации, в частности, с Моррисом, который описал важность продолжительности времени и движений зрителя, необходимых для познания искусства, и важность восприятий, собранных зрителем.

    Постминимализм

    По мере развития 1960-х ответвления минимализма развивались под рубрикой постминимализма. Некоторые из них, например работы Ричарда Серры, были расширением теорий минимализма, но большинство из них бросали вызов строгому внешнему виду минимализма. Калифорнийский Роберт Ирвин рисовал люминесцентные диски и минималистичные холсты со слабыми полосами, но в 1969 году он начал создавать большие галереи, используя доступные источники света, скрытые за полупрозрачными экранами. Его работы вдохновили движение Света и Пространства, к которому присоединились калифорнийские скульпторы Ларри Белл и Джеймс Таррелл. Такие инсталляции были откровенно театральными, и их простота предполагала философию дзен-буддизма, а не формализм.

    Новые площадки побуждали к большему количеству инсталляций, в которых минималистская эстетика была заметна, но сильно противоречила независимым взглядам. Линда Бенглис и Ева Хессе экспериментировали с наливными и формованными промышленными смолами, которые придавали органический вид при подвешивании к потолку, выступающих над стенами или разбросанных по полу.Нэнси Грейвс сфабриковала модели шкур животных.

    Роберт Смитсон организовал выставку ленд-арта, которая бросила явный вызов традиционным представлениям о скульптуре и расширила минималистские определения. Его земляные работы проводились бульдозерами в удаленных местах и ​​представлены только фотографиями. Следуя примеру Смитсона, Майкл Хайзер, Ричард Лонг и Вальтер де Мария убрали искусство из галерей и превратили саму землю в художественный материал. Границы между «скульптурой» и «объектом» были размыты, и были обнаружены новые определения искусства и творчества.

    Минимализм и следующий этап феминизма

    Рассматривая, в частности, успех скульпторов-минималистов, феминистки критиковали то, что они считали риторикой силы в жестокости некоторых работ. Концепция феминистского искусства возникла одновременно с постминимализмом и развила свою собственную полемику, рожденную этой эпохой повышения самосознания. Изначально феминистское искусство явно создавалось вручную, основывалось на ремеслах и включало ритуальные верования и иконы: оно открыто выступало против минимализма и прославляло «богиню».«Например, Джуди Чикаго создала The Dinner Party (1974), огромную инсталляцию керамической посуды для тридцати девяти исторически известных женщин, которая была богата культурным и тотемным символизмом. Она объехала музеи Америки в течение пяти лет, вдохновляя многих сопутствующие выставки вдоль маршрута.

    На протяжении 20 годов века женщины были недопредставлены в музеях и галереях и не имели организации, пока один из ведущих художников и теоретиков минимализма — Роберт Моррис — не появился на плакате к выставке 1974 года в Лео Кастелли. Галерея с обнаженной грудью, в цепях и в шлеме нацистской эпохи.Женщины, которые участвовали в Движении за гражданские права, восстали против Морриса и этого имиджа и начали призывать к гендерному равенству в художественной практике. Они публиковали манифесты, пикетировали галереи и основали такие журналы, как « Ереси», «Феминистское издание об искусстве и политике» (1977-92). The Woman’s Building в Лос-Анджелесе и AIR Gallery в Нью-Йорке были созданы для совместных и персональных выставок женщин. Национальный музей женщин в искусстве был основан в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1981 году и переехал в собственное здание в 1987 году, но к этому времени цели феминисток в значительной степени были реализованы.

    25 самых важных художников-минималистов — CAI

    Введение: искусство минимализма, минимализм и художники-минималисты

    Продолжающаяся тенденция к абстракции в 20 веке достигла высшей точки после Второй мировой войны в Соединенных Штатах Америки. Новые типы произведений — движение в послевоенном искусстве — были описаны как ABC-art, Cool Art, Rejective Art или Primary Structures. Сегодня мы знаем эти работы как Minimal Art, любезно предоставленные философом искусства Ричардом Воллхеймом в одноименном эссе 1965 года.[1]

    Minimal Art — это историческое направление в искусстве, зародившееся в 1950-х и 1960-х годах в Соединенных Штатах Америки, отмеченное крайней абстракцией, геометрическими формами и радикальной простотой, начало которому положили такие художники, как Карл Андре, Дэн Флавин, Дональд Джадд, Сол Левитт. и Роберт Моррис.

    Minimal Art связано с соответствующими формальными аспектами различных художников. В результате основные характеристики минимального искусства включают сокращенный словарный запас форм, использование серийности, нереляционных методов композиции и использование новых промышленных материалов и промышленных процессов.Когда дело доходит до минимализма и минимализма, ключевое различие между ними состоит в том, что минимальное искусство связано исключительно с визуальным искусством, тогда как минимализм также связан с определенными тенденциями в танце, музыке или литературе [2].

    Живопись была решающим элементом в развитии минимального искусства. Абстрактные картины стали объектами, и абстракция перешла от живописи к скульптуре, к инсталляции. В результате многие художники, которые связаны с минимальным искусством, также связаны с абстрактным экспрессионизмом, пост-живописной абстракцией или живописью Hard Edge.Как только мы вошли в сферу минимального искусства, эта тенденция превратилась в самостоятельное направление искусства [3].

    Для этой статьи мы составили список из двадцати пяти самых важных художников-минималистов. Наши первые пять художников — Карл Андре, Дэн Флавин, Дональд Джадд, Сол Левитт и Роберт Моррис — возможно, самые важные художники-минималисты, за которыми следуют двадцать коллег-художников-минималистов в алфавитном порядке. Для дальнейшего изучения минимального искусства мы настоятельно рекомендуем Minimal Art (TASCHEN Basic Art) Даниэля Марздна.

    1. Карл Андре

    Карл Андре, 6ALINCU18 , 2001. Медь и алюминий — 0,5 × 4000 × 150 см. Предоставлено Galerie Greta Meert.

    Карл Андре, родился в 1935 году в Куинси, Массачусетс, Соединенные Штаты Америки, является одним из самых важных художников-минималистов, живущих и работающих в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Он первым ввел скульптуру в минимальное искусство с его характерными медными плитками, кирпичами или камнями, лежащими на полу галереи. Геометрические формы и промышленные материалы — ключевые характеристики творчества Andre’s Minimal.Он устанавливает свои скульптуры или инсталляции на месте , при этом износ поверх материалов действует как эстетическая, но естественная патина.

    Он описывает свои работы как атеистические из-за отсутствия духовных или интеллектуальных качеств. Он описывает свои работы как материалистические, поскольку они существуют только за счет своей собственной материи и не принимают на себя то, чтобы быть чем-то еще, кроме их собственной материи. Наконец, он характеризует свои произведения как коммунистические, поскольку они доступны каждому. Однако эта доступность была непростой, так как общественному мнению потребовалось несколько лет, чтобы привыкнуть к этому радикальному виду искусства.Джон Вебер, бывший директор Dwan Gallery, описывает, как люди не осмеливались войти в галерею, когда были выставлены работы Карла Андре, поскольку они могли войти в галерею, только пройдя по ним.

    «Искусство — это исключение ненужного» — Карл Андре

    Для дальнейшего чтения о Карле Андре мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Карл Андре: Скульптура 1959-1977 . Карл Андре также заслужил место в нашем списке статей «100 лучших современных художников».

    2. Дэн Флавин

    Дэн Флавин, Без названия (Илеане и Майклу Соннабенду), 1970. Синий, желтый и розовый флуоресцентный свет — 243,8 см. Выпуск 5/5.

    Дэн Флавин родился в 1933 году в Нью-Йорке и скончался в 1996 году в Риверхеде, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки. Флавин известен прежде всего работой с флуоресцентными световыми лучами, первопроходцем в области минимального искусства с его радикальными и новаторскими скульптурами.

    Флавин начинал как художник в конце 1950-х годов с абстрактных картин.На рубеже нового десятилетия он начал экспериментировать с использованием флуоресцентного света, что привело к его прорыву в 1963 году, когда он разместил единственный люминесцентный свет по диагонали на стене своей студии. С этого момента промышленные реди-мейды стали единственным материалом или средой для его всемирно признанного художественного творчества.

    «Осознавая это, я знал, что реальное пространство комнаты можно разбить на части и играть с ним, создавая иллюзии реального света (электрического света) в решающих точках композиции комнаты.» — Дэн Флавин

    Для дальнейшего изучения Дэна Флавина мы настоятельно рекомендуем Дэн Флавин: ретроспектива , опубликованный в 2004 году.

    3. Дональд Джадд

    Дональд Джадд, Сьюзан Баквалтер, 1964, , 1964. Оцинкованное железо, алюминий и лак — 76,2 × 358,1 × 76,2 см. Коллекция Музея современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA)

    Дональд Джадд родился в 1928 году в Эксельсиор-Спрингс и скончался в 1994 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Для многих Дональд Джадд — величайший художник-минималист. Утверждение, с которым очень трудно спорить.

    Как Дэн Флавин, Дональд Джадд начинал как художник в 1940-х годах, рисовал в традиционной манере, прежде чем радикально экспериментировать с различными рельефами, совмещая живопись со скульптурой. С 1963 года Джадд прекратил рисовать и работал с пространствами и в пространствах и начал выставляться на арт-сцене Нью-Йорка, ставя в тупик арт-критиков и энтузиастов своей знаменитой простотой и строгостью своих объектов.

    «Для работы не обязательно иметь много вещей, на которые можно смотреть, сравнивать, анализировать одно за другим, размышлять. Вещь в целом, ее качество в целом — вот что интересно. Главное остается в одиночестве, оно более интенсивное, ясное и мощное ». — Дональд Джадд

    Для дальнейшего чтения о Дональде Джадде мы настоятельно рекомендуем ретроспективное издание JUDD, опубликованное Музеем современного искусства в Нью-Йорке по случаю его первой ретроспективы за 30 лет в 2020 году. Дональд Джадд фигурирует в нашем списке статей «100 лучших современных художников».

    4. Сол Левитт

    Sol LeWitt, Cube, 1965. Окрашенная сталь и алюминий — 25,4 × 25,4 см. Предоставлено галереей Роны Хоффман.

    Сол Левитт родился в 1928 году в Коннектикуте, Соединенные Штаты Америки, и скончался в возрасте 78 лет в Нью-Йорке. Левитт был одним из ведущих деятелей минимального искусства и наиболее известен своими настенными рисунками или геометрическими скульптурами, которые он называл структурами .

    Левитт создает несколько вариантов своих структур, исследуя геометрическую и математическую систему с промышленными материалами, такими как алюминий, металл или бетон. Будучи ключевой фигурой в эволюции концептуального искусства, Левитт настаивал на идее, схеме и планировании этих структур как самого произведения искусства. При этом фактическое исполнение скульптур — сами предметы — уступают концепции структуры.

    «Слепой может творить искусство, если то, что у него в уме, может быть передано другому уму в какой-то материальной форме. — Сол Левитт

    Для дальнейшего чтения Sol LeWitt мы настоятельно рекомендуем Sol LeWitt: Жизнь идей. Как и Дональд Джадд, Сол Левитт фигурирует в нашей статье «100 самых важных современных художников».

    5. Роберт Моррис

    Роберт Моррис, Без названия , 1964. Поводок над деревом — 27,9 × 22,9 × 1,9 см.

    Роберт Моррис родился в Канзас-Сити в 1931 году и скончался в 2018 году в Кингстоне, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки.Моррис наиболее известен как пионер в области минимального искусства, технологического искусства, а также ленд-арта, а также связан с Fluxus и перформансом.

    В отличие от своих коллег-минималистов, Моррис не ограничивает свою работу одним конкретным направлением мышления. Поступая так, пионер ответил на несколько вопросов, создав несколько теорий художественных течений.

    «Простота формы не обязательно означает простоту опыта». — Роберт Моррис

    Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем Robert Morris: Object Sculpture, 1960-1965 .

    6. Стефан Антонакос

    Стефан Антонакос, Святой Антоний , 1996. Белый левкас на дереве, красный, желтый и синий неон — 91,4 × 91,4 × 17,8 см. Предоставлено Bookstein Projects.

    Стефан Антонакос, родившийся в 1926 году в Агиос-Николаосе, Греция, скончался в 2013 году, известный художник-минималист, наиболее известный своими яркими и цветными световыми инсталляциями.

    Антонакос начал свою творческую карьеру как художник-самоучка в 40-х годах. После экспериментов с коллажем и скульптурой Антонакос был поражен флуоресцентными лампами, которые вскоре стали его основным средством, что привело к революционным выставкам на арт-сцене Нью-Йорка в 1960-х годах.

    Для дальнейшего чтения о Стефане Антонакосе мы настоятельно рекомендуем Стивен Антонакос: неон и работы на бумаге .

    7. Джо Баер

    Джо Баер, Без названия , 1966–1974. Холст, масло — 152,4 × 109,2. Предоставлено Гагосяном.

    Джо Баер, родился в 1929 году в Сиэтле, Вашингтон, Соединенные Штаты Америки, является всемирно известным художником-минималистом, живущим и работающим в Амстердаме, Нидерланды.

    Как и многие художники ее поколения, Джо Баер имела солидную академическую подготовку в качестве художника, но также была биологом с очень сильными познаниями в области физиологии восприятия, которая является ключевым элементом в ее творчестве.В результате повторяющийся мотив в творчестве Бэра — особенно в 1960-е годы — состоит из окрашенной в темный цвет рамки с белой или белой внутренней частью.

    «Картина — это предмет, имеющий выразительную фронтальную поверхность. На такой поверхности я рисую черную полосу, которая не отступает, цветную полосу, которая не выступает, белый квадрат или прямоугольник, который не движется вперед или назад, вверх или вниз; Также имеется окрашенная в белый цвет полоса внешней рамы, окаймленная по краю черным краем.Каждая часть окрашена и прилегает к своему соседу; никакая часть не находится выше или ниже любой другой части. Нет никакой иерархии. Нет никакой двусмысленности. Нет никаких иллюзий. Нет места или интервала (времени) ». — Джо Баер

    8. Ларри Белл

    Ларри Белл, Cube 53 (темно-серый) , 2006. Цветное стекло с инконелем, прозрачное зеленое стекло с покрытием и прозрачное стекло без покрытия — 38,1 × 38,1 × 38 см. Предоставлено галереей Бернарда Якобсона.

    Ларри Белл родился в 1939 году в Чикаго, США. Художник-минималист, наиболее известный своими работами, которые, по его словам, написаны «ни о чем».Они просто очень буквально иллюстрируют пустоту или отсутствие предмета.

    В 1962 году Белл разработал технику создания тонкого слоя на стекле для создания прозрачного и нежного цвета на стеклянных поверхностях. В результате он создал серию работ, основанных на кубической форме, сочетающей оп-арт и минимальное искусство, результатом чего стало несколько прорывных шоу в Нью-Йорке.

    9. Рональд Бладен

    Рональд Бладен, V (средний масштаб) , 1973 г. Окрашенный алюминий — 153.7 × 269,2 × 20,3. Предоставлено галереей Лоретты Ховард.

    Рональд Бладен родился в 1918 году в Ванкувере, Канада, и скончался в Нью-Йорке в 1988 году. Бладен наиболее известен своими минимальными скульптурами, часто монументальными по размеру.

    Бладен занимается пространственным контекстом и тем, как скульптура может вмешиваться в этот контекст. При этом Бладен взаимодействует со зрителем, поскольку часто необходимо обойти скульптуру несколько раз, чтобы понять выразительную природу объекта.

    Для дальнейшего чтения о Рональде Бладене мы настоятельно рекомендуем Рональд Бладен: скульптура , опубликованная в 2019 году.

    10. Мэри Корс

    Мэри Корс, Без названия (Белая внутренняя полоса) , 2000. Стеклянные микросферы, акрил, холст — 121,9 × 121,9 см. Предоставлено галереей Питера Блейка.

    Мэри Корс, родившаяся в 1945 году в Беркли, Соединенные Штаты Америки, является художницей-минималистом из другого поколения, нежели художники, о которых мы говорили ранее. Корс наиболее известна своим очень контролируемым формальным подходом с использованием геометрических форм в традициях минимализма.

    Ее хвалят за ее постоянные исследования поверхности и живописи. Поступая так, она стремится создать динамику в соответствии с окружением картины и пространственным восприятием зрителя.

    Для дальнейшего чтения о Мэри Корс мы настоятельно рекомендуем Мэри Корс , опубликованный Inventory Press.

    11. Вальтер Де Мария

    Вальтер Де Мария, Ball Drop , 1961-1964. Фанера серая морилка, графит, краска, с деревянным шариком, в двух частях — 193 × 61 × 15.9 см. Предоставлено Гагосяном.

    Уолтер Де Мария родился в 1935 году в Олбани, Соединенные Штаты Америки, и скончался в 2013 году в Нью-Йорке. Де Мария не поддается категоризации, поскольку его творчество охватывает не только минимальное искусство, но также концептуальное искусство и ленд-арт. Он получил образование художника, но прежде всего известен своими минималистскими скульптурами.

    Для дальнейшего изучения Вальтера Де Марии мы настоятельно рекомендуем Вальтер Де Мария: бессмысленная работа .

    12. Роберт Гросвенор

    Роберт Гросвенор, Стальная труба , 1975.Труба стальная с прорезиненным грунтовочным покрытием — переменные размеры. Коллекция Фонда Жан-Поля Наджара.

    Роберт Гросвенор, родился в 1937 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Ранние работы Гросвенфа 60-х годов состояли из больших форм триплекса, которые крепились на потолке или на стене на определенной высоте. Поступая так, Гросвенф демонстрирует свой интерес и постоянное исследование, когда дело доходит до гравитации, динамики и пространственного диалога между произведением искусства, пространством и зрителем.

    Позднее его работы часто состояли из монументальных инсталляций или скульптур, в которых публика должна была ориентироваться.Он настаивает на том, что к его работам нужно подходить как к идеям, которые происходят или реализуются между полом и потолком пространства.

    Для дальнейшего изучения Роберта Гросвенора мы настоятельно рекомендуем Robert Grosvenor , опубликованный в 2020 году.

    13. Кармен Эррера

    Кармен Эррера, Амарилло «Дос» , 1971. Дерево, акрил — 101,6 × 177,8 × 8,3 см. Собрание Музея американского искусства Уитни.

    Кармен Эррера родилась в 1915 году в Гаване, Куба, и до сих пор живет и работает в возрасте более 100 лет между Парижем, Франция, и Нью-Йорком, Соединенные Штаты Америки.

    Эррера наиболее известна своими настенными предметами, которые колеблются между скульптурой и живописью. Эти объекты называются «структурами» или, скорее, «Estructuras». Она связана с минимальным искусством, а также с оп-артом или живописью Hard Edge. Она берет цвет и минималистичные формы и объединяет их в безмятежные предметы на стене. Только в первом десятилетии XXI века Эррера получил международное признание, в результате чего были проведены выставки в крупных учреждениях, включая ретроспективу в Музее современного искусства Уитни в 2016 году.

    Для дальнейшего чтения о Кармен Эррера мы настоятельно рекомендуем Кармен Эррера: Estructuras .

    14. Ева Гессе

    Ева Хессе, Sans II, 1968. Стекловолокно и полиэфирная смола — 96,5 × 218,4 × 15,6 см. Собрание Музея современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA).

    Ева Гессе родилась в 1936 году в Гамбурге, Германия, и скончалась в 1970 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Гессен эмигрировал из Германии в 1939 году в Нью-Йорк в связи с приближающейся Второй мировой войной.В Нью-Йорке она начала рисовать в 1954 году в Школе искусств Cooper Union, что привело к созданию картин абстрактного экспрессионизма на протяжении 1950-х годов.

    Между 1965 годом и ее печально ранней смертью в 1970 году Гессе произвела произведение из 70 произведений искусства, переосмысливая поп-арт и минимальное искусство. При этом она часто создавала серийные произведения искусства, сеточные мотивы, кубы и часто использовала промышленные материалы и процессы.

    Для дальнейшего чтения о Еве Гессе мы настоятельно рекомендуем заполнить краткий каталог Евы Гессе: Краткий каталог (2 части).

    15. Гэри Куэн

    Гэри Куэн, Свободная вставка , 1966. Эмаль, дерево — 30,48 × 193,04 × 58,42 см. Предоставлено Häusler Contemporary.

    Гэри Куэн, родился в 1939 году в Плейнфилде, Соединенные Штаты Америки, современный художник, живущий и работающий в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. В течение 1960-х Куен учился вместе с Роем Лихтенштейном и Джорджем Сагалом.

    Многие из его работ являются результатом его собственной психологии, его желаний и личного опыта.Произведения искусства разрушают силу чистой формы, часто приводя к сюрреалистическим или экспрессионистским формам. При этом он конструирует простые геометрические формы, прежде чем разбивать или разъединять их.

    Для дальнейшего изучения Гэри Куена мы настоятельно рекомендуем монографическую публикацию Gary Kuehn: Five Decades , опубликованную в 2013 году.

    16. Роберт Мангольд

    Роберт Мангольд, Без названия , 1973 г. Акрил, мазонит — 25 × 26 см. Предоставлено Galerie Greta Meert.

    Роберт Мангольд родился в 1937 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Художник-минималист, в основном занимающийся живописью. Мангольд окончил художественную академию Йельского университета в 1963 году.

    В эпоху, когда живопись была объявлена ​​мертвой, Мангольд оставался очень страстным, когда дело касалось живописи, и видел новые возможности в этой среде. Он подходит к живописи как к комбинации поверхности и формы, а не как к чистому объекту. При этом он продолжал работать на ровной поверхности.Для Мангольда эта двумерность была не недостатком, а абсолютной силой живописи.

    Для дальнейшего изучения Роберта Мангольда мы настоятельно рекомендуем Mangold , опубликованный Phaidon в 2004 году.

    17. Агнес Мартин

    Агнес Мартин, Дружба , 1963. Резное сусальное золото и левкас на холсте — размеры неизвестны. Коллекция Тейт.

    Агнес Мартин, родившаяся в 1912 году в Маклине, Канада, скончалась в 2004 году в Тоасе, Соединенные Штаты Америки, является одним из самых важных художников прошлого века.

    Мартин наиболее известна своим минималистичным подходом к абстрактной живописи, воплощающим в своих работах геометрические структуры, такие как сетка, линии, блоки или приглушенный цвет. В результате Мартин прочно ассоциируется с абстрактным экспрессионизмом и является одним из бесспорно самых важных художников своего времени.

    Для дальнейшего чтения об Агнес Мартин мы настоятельно рекомендуем Agnes Martin: Her Life and Art .

    18. Джон МакКракен

    Джон Маккракен, Без названия , 1967.Стекловолокно, полиэфирная смола и дерево — 243,8 × 25,4 × 7,6 см. Коллекция MCA Chicago.

    Джон Маккракен родился в 1934 году в Беркли и скончался в 2011 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Маккракен наиболее известен своими скульптурами под названием «Доски» из больших пластин, балансирующих у стены галереи, студии или музея.

    Эти цветные поверхности, часто большие по размеру, представляют собой очень чистые и эстетичные скульптуры, соответствующие основным принципам минимального искусства, с использованием промышленных материалов, таких как триплекс или стекловолокно, с сохранением чистых геометрических форм этих материалов.

    Для дальнейшего чтения о Джоне МакКракене мы настоятельно рекомендуем Джон МакКракен: Работы с 1963–2011 годов .

    19. Шарлотта Посененске

    Шарлотта Посененске, Серия DW . Гофрокартон — переменные размеры. Предоставлено галереей Софи Ван де Вельде.

    Шарлотта Позененске — родившаяся в 1930 году в Висбадене, Германия, скончалась в 1985 году во Франкфурте-на-Майне, Германия, — является ключевой фигурой, когда дело касается концептуального искусства и минимального искусства. Ее творчество охватывает короткий промежуток времени с 1959 по 1968 год, оставив след в истории современного искусства всего за десятилетие.

    Работа Позененского может быть воспроизведена столько раз, сколько возможно, в соответствии с промышленным процессом. Основная модель, идея или концепция — это само произведение искусства, которое можно воспроизводить бесконечно. Поступая таким образом, Шарлотта Позененске отвергает коммерческий характер арт-рынка, продавая свои работы по ценам, равным материальным затратам.

    Для дальнейшего чтения о Шарлотте Посененске мы настоятельно рекомендуем монографическое издание Charlotte Posenske: 1930–1985 .

    20. Роберт Райман

    Роберт Райман, Без названия , 1965. Эмаль на полотне — 25,7 × 25,7 × 3,8 см. Собрание Музея современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA).

    Роберт Райман — родился в 1930 году в Нэшвилле, скончался в 2019 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки, — убежден, что дело не в том, что вы рисуете, а в том, как вы рисуете. При этом способ рисования имеет решающее значение для конечного результата. Райман наиболее известен своими белыми картинами и картинами с горизонтальными полосами.

    Для дальнейшего изучения Роберта Раймана мы настоятельно рекомендуем Robert Ryman , опубликованный в 2017 году.

    21. Фред Сэндбэк

    Fred Sandback, Untitled (Треугольник со сломанной ногой), , 1988. Скульптура состоит из четырех отрезков белой, светло-зеленой и коричневой акриловой пряжи, образующих отдельно стоящий треугольник — 303,5 × 668 см. Предоставлено Краковской Виткинской галереей.

    Фред Сэндбэк — родился в 1943 году в Бронксвилле, штат Нью-Йорк, скончался в 2003 году в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Наиболее известен своими инсталляциями или скульптурами с использованием цветной нити или проволоки для создания геометрических фигур в космосе.

    Пространства можно разграничить плоско на полу или от пола до потолка, создавая трехмерные формы, такие как треугольники или квадраты. Таким образом, Sandback показывает, как небольшие вмешательства могут иметь большое влияние. Большинство его работ обязательно создавалось на месте из-за различных размеров пространства, в результате чего для каждого объекта создавались уникальные работы.

    Для дальнейшего чтения о Fred Sandback мы настоятельно рекомендуем Fred Sandback: Decades .

    22.Ричард Серра

    Ричард Серра, Backdoor Pipeline, 2010. Атмосферостойкая сталь — 380 × 1410 × 230 см. Предоставлено Гагосяном.

    Ричард Серра родился в 1938 году в Сан-Франциско, Соединенные Штаты Америки. Он является одним из самых знаковых художников-минималистов, наиболее известным своими монументальными скульптурами.

    Как настоящий художник-минималист, Серра использует промышленные материалы, такие как сталь, для создания монументальных поверхностей, часто изгибающихся или изгибающихся в пространстве. Серра предлагает зрителю войти в скульптуру и узнать, как скульптура влияет на наше понимание пространства и масштаба.

    Для дальнейшего чтения о Ричарде Серре мы настоятельно рекомендуем Ричард Серра: кованая сталь. Более того, Серра входит в наш список статей The Ultimate Top 100 Modern Artists .

    23. Тони Смит

    Тони Смит, The Elevens Are Up , 1963. Литая бронза с черной патиной, два элемента — 40,6 × 40,6 × 40,6 см. Выпуск 9. Предоставлено галереей Мэтью Маркса.

    Тони Смит, родился в 1912 году в Саут-Ориндж, штат Нью-Джерси, Соединенные Штаты Америки, скончался в Нью-Йорке в 1980 году.Смит настаивает, что искусство — это не продукт сознательных решений, а скорее результат подсознательных вспышек идей. Эти образы или идеи скрываются в его снах, и задача художника — идентифицировать и запечатлеть их, а затем воспроизвести как объект в реальности.

    Для дальнейшего изучения Тони Смита мы настоятельно рекомендуем Тони Смит: архитектор, художник-скульптор .

    24. Роберт Смитсон

    Роберт Смитсон, Без названия , 1967. Краска, скотч, бумага — 14.6 × 26 × 20,3. Предоставлено галереей Мэриан Гудман.

    Роберт Смитсон — родился в 1938 году в Пассаике, штат Нью-Джерси, и скончался в 1973 году в Амарилло, штат Техас, Соединенные Штаты Америки, — возможно, один из самых продуктивных художников своего поколения. При этом Смитсон также известен как крупный автор, написавший тысячи страниц о своих современниках.

    Смитсон прочно ассоциируется с ленд-артом из-за его культового произведения искусства Spiral Jetty , однако он также является важной фигурой, когда дело доходит до концептуального искусства и минимального искусства, благодаря его творчеству по инсталляции и скульптурам.

    Для дальнейшего чтения о Роберте Смитсоне мы настоятельно рекомендуем Роберт Смитсон: Скульптура .

    25. Энн Труитт

    Анн Труит, Knight’s Heritage 1963. Дерево, акрил — 154 × 154 × 31 см. Предоставлено галереей Мэтью Маркса.

    Мы завершаем наш список Энн Труитт. Труитт родился в 1921 году в Балтиморе, Соединенные Штаты Америки, скончался в 2004 году в Вашингтоне. Художник-минималист, также связанный с живописью цветового поля.

    Труитт наиболее известна своими скульптурами из больших цветных плоскостей. Ее главной целью было создание цвета в трех измерениях. Цель состоит в том, чтобы освободить цвет его поверхности, как будто поверхность растворяется и становится чистым цветом в пространстве.

    Для дальнейшего чтения об Анне Труитт мы настоятельно рекомендуем Anne Truitt: Perception and Reflection .


    Примечания:

    [1] Даниэль Марадона, Minimal Art . Köln: Taschen, 2005.
    [2] Tate, Minimalism .на https://www.tate.org.uk/art/art-terms/m/minimalism, консультация 23/10/2021.
    [3] Там же.

    Минималистское искусство на продажу | LUMAS Photo Art

    Минимализм и минимальное искусство характеризуются высоким уровнем абстракции и редукционизма. Простые формы и часто однотонная окраска сводят минимализм или минимализм к его основным элементам . Прежде всего: минимализм означает уход художника. Минимализм по-прежнему является востребованной эстетикой и выражается во многих других областях дизайна и искусства.Откройте для себя нашу коллекцию минималистичных и минималистичных произведений искусства и узнайте больше о том, где эти мощные направления в искусстве!

    Особенности минимализма и минимализма

    Даже в искусстве минимализм является универсальным, обозначающим историческое движение, коллекцию дизайнерских и декоративных предпочтений, а также подход к использованию физических материалов. Независимо от того, используется ли он для обозначения домашней обстановки или, в более широком смысле, как жизненная философия простого образа жизни, минимализм обещает упростить и замедлить жизнь.Но знаете ли вы, что терминов «Минимализм» и «Минимальное искусство» восходит к единственной выставке 1966 года «»? Куратор Кинастон МакШайн организовал выставку Первичные структуры: молодые американские и британские скульпторы в Еврейском музее в Нью-Йорке. На выставке были представлены прежде всего скульптуры, которые выделялись своим упрощенным формальным языком. Но уже в 1950-х годах Фрэнк Стелла создал картины своей знаменитой серией Black Paintings . Художники-участники не называли себя минималистами.Эта атрибуция восходит к художественной критике того времени. Отличительными чертами, объединившими работы, были:

    Minimal Art понимал себя как противодействие высокоэмоциональному абстрактному экспрессионизму и социально критическому поп-арту. С эстетической точки зрения минимальное искусство во многом похоже на абстрактное. Тенденция последнего отойти от различимых форм к простоте представления (даже если не сразу очевидна для наблюдателя) характерна как для минимального, так и для абстрактного искусства, как общих тенденций, так и исторических движений.Экспрессионизм определяется выражением эмоциональных состояний. Напротив, этот импульс полностью исключен из минималистского искусства. Это искусство для наивных и неискушенных: предварительные знания не являются обязательными для созерцания или понимания минимального искусства. Это недогматическое понимание искусства было революционным и находилось под влиянием центральной предпосылки концептуального искусства: идеи важнее артистической личности или виртуозности в технике.

    В фотографии минималистское искусство часто характеризовалось использованием негативного пространства — техники в композиции фотографического произведения, с помощью которой «пустое» пространство или маргинальное пространство, окружающее объект созерцания, фактически выходит на передний план. Сам объект обычно обрезается или преуменьшается, чтобы выделить как окружающий объект, так и остаточный силуэт. Такая техника очень стилизована, например, в смешанных рисунках великого модельера Кристиана Лакруа и в портретах Гази Сандзоя, вдохновленных поп-артом.

    Известные художники-минималисты и минималисты

    Самыми известными именами выставки «Первичные структуры» были Дональд Джадд, Карл Андре, Роберт Моррис, Джуди Чикаго, Тони Смит, Сол Левитт, Дэн Флавин и Энн Труитт.Не все из них в течение своей карьеры занимались исключительно минимальным искусством. Некоторые из этих художников продолжат и дальше реализовывать себя в концептуальном искусстве, делают перформанс своим средством или вносят свой вклад в феминистское искусство.

    В Германии художник Blinky Palermo известен многим в связи с минималистической живописью. Он использовал текстиль для настенных предметов, рисовал и создавал металлические художественные поверхности, которые затем обрабатывал акриловой краской.

    Лигия Кларк и Ева Гессе — тоже два художника, которые берут свое начало в минималистичном искусстве, но расширили его с помощью интерактивного или субъективно-процессуального элемента.Истоки всемирно известного скульптора Ричарда Серра также можно найти в минимализме.

    Влияние минимализма на многие направления современного искусства огромно. В его сдвиге в сторону идеализации искусства, акцента на идее и контекстуальности произведения можно почувствовать его радикальную современность.

    LUMAS минимализм и минимализм

    Многие художники в портфолио LUMAS находятся под сильным влиянием минимализма и создают произведения искусства с сильно ограниченным эмоциональным выходом или формальным языком.Хотя скульптура, мебель, архитектурный и декоративный дизайн являются классическими элементами минимализма, они в равной степени присутствуют в фотографии, живописи и художественных репродукциях. В художественно-историческом смысле эстетику минимализма в изобразительном искусстве можно понять через супрематическую монохромную живопись или концептуальную фотографию . Ищете ли вы скульптурные объекты или фотографии, у нас вы обязательно их найдете!

    Монохромные и минималистичные произведения искусства

    Монохромная окраска, окраска в тон или рисование цветового поля имеют одну общую черту: они используют очень мало цветов, и цвета, которые они действительно используют, в основном происходят из одного и того же цветового семейства.Восточноазиатская живопись тушью, начиная с VI века, является ранней формой монохромной живописи. В первой половине 20 века Казимир Малевич и Ив Кляйн довели эту форму дизайна до крайности: черный квадрат или ярко-синий цвет доминируют во всем произведении искусства. Какой цвет вам нравится? Исследуйте искусство по цвету и найдите одноцветное произведение искусства в синем, красном или черном цвете для декора стен вашего дома! Меньше — больше!

    Вдохновение минималистского искусства |

    В современном мире термин «минимализм» может означать что-нибудь простое или лишенное большого разнообразия (цвета, текстуры, изображений). Многие образцы искусства, демонстрирующие некоторые, если не все, из этих характеристик, можно найти в произведениях, выставленных как в коммерческих, так и в частных условиях. Однако в мире искусства есть настоящий «минимализм», история которого прослеживается и где можно увидеть выдающиеся образцы. Давайте углубимся в то, что на самом деле представляет собой минималистское искусство .

    Простота = минималистское искусство?

    Искусство минимализма характеризуется несколькими факторами:

    • разнообразные геометрические формы и узоры
    • как можно меньше форм
    • несколько вариаций цвета и формы, используется в повторении
    • часто используют промышленные или нетипичные материалы
    • четкие края и явные границы
    • монохроматизм (черный / белый / серый) распространен в этой форме
    • отсутствие (очевидного) смысла или эмоций

    Несмотря на то, что минимализм демонстрируется во многих средах, он, пожалуй, больше всего ассоциируется со скульптурой, где и большие, и маленькие части рассматриваются как «буквальные» и открыты для собственной интерпретации зрителя, а физическая сущность произведения — это то, что действительно выражено. Однако минимализм не означает, что произведение лишено художественности; возможно, это «искусство ради искусства».

    Искусство минимализма — бунт?

    В условиях растущего сопротивления абстрактному экспрессионизму, жанру, наполненному сильными эмоциями и выразительными чувствами, движение минимализма зародилось в 1950-х годах в Нью-Йорке и достигло своего пика в 1960-х годах. Многие художники и арт-критики того времени встретили его с пренебрежением, назвав его ABC Art или No-Art Nihilism из-за его резкой оппозиции изменчивому экспрессионизму того времени.Смещая фокус с предмета художественного произведения, минималистское искусство было (поначалу) непопулярным применением скульптуры, которое производило впечатление почти коммерчески производимого. Некоторые художники даже зашли так далеко, что заявили, что это свидетельствует об отсутствии художественного мастерства. Хотя арт-сообщество вызвало некоторую тревогу, его уникальный стиль получил поддержку кураторов, коллекционеров и корпоративных покупателей, которые способствовали его быстрому росту.

    Искусство минимализма — ведущие художники и произведения

    Многие из ранних художников-минималистов были скульпторами.Используя нетрадиционные, даже промышленные материалы, скульпторы, такие как Марсель Дюшан и Дональд Джадд, выступали за использование металла, дерева и даже переработанных материалов. Дональд Джадд даже написал о минималистском искусстве , написав эссе, которые побуждали художников и энтузиастов избегать субъективных чувств, связанных с просмотром других произведений искусства, и просто просматривать работы в том виде, в каком они были выставлены, с учетом физических условий работы.

    • Die Fahne Hoch! -Фрэнк Стелла 1959.Большая черная прямоугольная картина является примером минималистского стиля работ, которые не обязательно визуально привлекательны, но требуют внимания.
    • Без названия — Дональд Джадд 1969. Важный сторонник минимализма; он поощрял уникальные методы демонстрации искусства в галереях. Его искусство прославилось тем, что приобрело трехмерную форму.

    Искусство минимализма в декоре

    Минимализм в декоре привносит баланс в пространство, позволяя сиять каждому предмету. Отвлекаясь от биографии или истории, художники-минималисты сосредотачиваются на самой работе, как она выглядит.Энтузиасты искусства начали испытывать искусство на новых уровнях, где материал, свет, масштаб и даже движение были частью его творческой природы. Коммерческое использование минималистского искусства способствовало его популярности и использованию, поскольку предприятия и общественные места могли быть заполнены произведениями искусства без каких-либо заявлений, будь то эмоциональные, культурные или политические.

    Минимализм сегодня

    Сегодня минимализм стал модной фразой для любого изменения образа жизни, при котором убирается беспорядок.Растет движение к уменьшению беспорядка и «занятости», выходящее за рамки искусства, и обтекаемое, смелое и монохромное искусство идеально сочетается с этим модным подходом. Резкая, минималистичная архитектура и мебель дополняют минималистское искусство , и без сильных мнений и эмоций, определяющих отношение к пространству, семьи и предприятия могут существовать в гармонии, находя другие возможности для выражения своего меняющегося настроения и индивидуальности.

    Коллекция Sybaris

    Команда Sybaris Collection стремится найти уникальные произведения искусства, подходящие для разных жанров, во всех средах искусства, на любой бюджет и любой вкус.Позвольте нам помочь вам найти произведения искусства, которые говорят с вами, которые отражают ваш стиль и подходят для вашей экспозиции и коллекции.

    | Tutt’Art @ | Питтура • Скультура • Поэзия • Музыка

    Archiviodicembre 2021 (15) novembre 2021 (11) ottobre 2021 (13) settembre 2021 (16) agosto 2021 (32) luglio 2021 (46) giugno 2021 (47) maggio 2021 (29) aprile 2021 (30) marzo 2021 (40) febbraio 2021 (30) gennaio 2021 (36) dicembre 2020 (43) novembre 2020 (31) ottobre 2020 (41) settembre 2020 (38) agosto 2020 (65) luglio 2020 (52) giugno 2020 (35) maggio 2020 (55) апрель 2020 (66) марзо 2020 (85) февраль 2020 (57) gennaio 2020 (74) декабрь 2019 (81) ноябрь 2019 (83) октябрь 2019 (45) набор 2019 (52) назад 2019 (67) июль 2019 (78) июнь 2019 (68) maggio 2019 (53) aprile 2019 (88) marzo 2019 (91) febbraio 2019 (90) gennaio 2019 (67) dicembre 2018 (66) ноябрь 2018 (75) октябрь 2018 (86) settembre 2018 (27) agosto 2018 (23) luglio 2018 (38) июнь 2018 (49) maggio 2018 (18) aprile 2018 (32) marzo 2018 (59) febbraio 2018 (58) gennaio 2018 (57) декабрь 2017 (63) ноябрь 2017 (49) октябрь 2017 (48) settembre 2017 (22) agosto 2017 (39) luglio 2017 (35) giugno 2017 (25) maggio 2017 (23) aprile 2017 (28) marzo 2017 (38) febbraio 2017 (47) ) gennaio 2017 (38) dicembre 2016 (35) novembre 2016 (39) ottobre 2016 (40) settembre 2016 (48) agosto 2016 (29) luglio 2016 (41) giugno 2016 (41) maggio 2016 (53) aprile 2016 (61) ) marzo 2016 (60) febbraio 2016 (69) gennaio 2016 (44) dicembre 2015 (39) novembre 2015 (55) ottobre 2015 (47) settembre 2015 (41) agosto 2015 (53) luglio 2015 (35) giugno 2015 (30) ) maggio 2015 (16) aprile 2015 (20) marzo 2015 (21) febbraio 2015 (23) gennaio 2015 (20) dicembre 2014 (15) novembre 2014 (28) ottobre 2014 (11) settembre 2014 (6) agosto 2014 (13) ) luglio 2014 (17) июнь 2014 (18) maggio 2014 (25) aprile 2014 (16) marzo 2014 (23) febbraio 2014 (53) gennaio 2014 (32) dicembre 2013 (39) ноябрь 2013 (42) ottobre 2013 (23) ) settembre 2013 (20) agosto 2013 (33) luglio 2013 (21) giugno 2013 (17) maggio 2013 (34) aprile 2013 (13) marzo 2013 (62) febbraio 2013 (38) gennaio 2013 (28) dicembre 2012 (37) ) ноябрь 2012 г.

    alexxlab

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.