Искусство фотографии это: Фотография — это искусство?
Фотография — это искусство?
Лекторий, организованный просветительским проектом «Арзамас» и Российской государственной библиотекой, продолжается. 8 апреля в конференц-зале РГБ прошла встреча с культурологом Марией Гурьевой, преподавателем Санкт-Петербургского государственного университета.
Вопрос о том, может ли фотография быть искусством, возник вместе с появлением самой фотографии. В середине XIX века выражались серьёзные сомнения в том, что «машина» может заменить художника, а искусство может быть технологичным. В начале XXI века вопрос «является ли фотография искусством?» разворачивается уже по-другому: есть ли смысл в исканиях фотографа-художника, когда фотографическая технология доступна каждому и мир переполнен изображениями?
Почему фотографию сложно назвать искусством, что означает термин «художественная фотография», можно ли считать произведением искусства фотографию из семейного альбома, а также чем отличается «фотография художников» от «искусства фотографов» — об этом и многом другом рассказала Мария Гурьева.
Мария Гурьева — кандидат наук, исследователь истории и теории фотографии, преподаватель Санкт-Петербургского государственного университета и Санкт-Петербургского государственного института культуры, соорганизатор международной конференции по визуальным исследованиям «После (пост)фотографии».
К каждой встрече сотрудники специализированных отделов Российской государственной библиотеки готовят мини-выставку по теме лекции. 8 апреля слушатели лектория увидели фотографии из фондов отдела изоизданий и отдела рукописей, созданные в разные годы: от дагерротипа 1840—50-х годов до снимка Моисея Соломоновича Наппельбаума с портретом Сергея Есенина 1924 года. Очень интересны образцы ранней фотографии — это оригинальные отпечатки с видами Санкт-Петербурга и Москвы 1860—70-х годов, особенно редкий снимок, показывающий интерьер фотографического павильона на знаменитой Политехнической выставке 1872 года. Впечатление о старой фотографии дополнят вид монастыря в Венеции, раскрашенный акварелью, и альбом любительских фотографий.
Начало лекций — в 16:00. Читательский билет и регистрация не нужны, но напоминаем, что в зале всего 400 мест, поэтому рекомендуем приходить заранее — когда все места заполнятся, вход будет закрыт.
Лекции транслируются в режиме реального времени в сети Интернет, а позже можно будет посмотреть запись.
СМОТРЕТЬ ПОЛНОЕ РАСПИСАНИЕ ЛЕКЦИЙ
К лекции «Фотография — это искусство?» сотрудники отдела изоизданий и отдела рукописей РГБ подготовили мини-выставку из фондов библиотеки.
«Фотография – это фундамент для развития искусства XX века»
Первая коллекция семьи Романовых, собственная фотостудия Ивана Шишкина и всемирно известный фотохудожник из Казани
Очередным мероприятием в рамках совместного проекта «БИЗНЕС Online» и ЦСК «Смена» под названием «Современное искусство в России: истоки, герои, контекст» стала лекция искусствоведа Ирины Чмыревой «Как фотография стала современным искусством?».
По ее окончании мы поговорили с московской гостьей о том, как фотография превращалась в вид искусства, главных современных отечественных фотографах и причинах отсутствия специалистов-искусствоведов в этой сфере.
Ирина Чмырева Фото: Ирина Ерохина
КОГДА ЛЮДИ, СЧИТАЮЩИЕ СЕБЯ ФОТОГРАФАМИ, СТАЛИ СЕБЯ ОСОЗНАВАТЬ ТВОРЦАМИ?
— Ирина, исходя из названия
вашей лекции «Как фотография стала современным искусством?» можно ли говорить сейчас о том, что это разные специализации — фотография и другие виды изобразительного искусства, как считалось прежде? Сформулируйте, пожалуйста, чем художник отличается от фотографа,— По большому счету говорить о том, что это разные специализации, не совсем верно.
Речь идет о творчестве художников, а дальше мы можем подразделять: этот художник занимается живописью, а этот — фотографией. Это не означает, что живописец не может заниматься фотографией, а фотограф в какой-то момент не может обратиться к печатной графике или к скульптуре, — таких примеров множество. Это, на самом деле, явление достаточно недавнего времени, и в международном масштабе этот процесс идет с начала 70-х годов. У нас в стране, если судить по тому, что происходило на выставках в годы перестройки, историю проникновения фотографии в современное искусство можно отсчитывать от неформальных, а потом от первых официальных выставок, на которых появились странные вещи, сделанные художниками, обратившимися к фотографии и фотографами, решившими расширить свой арсенал выразительных средств. Начинались эти поиски, естественно, до этих выставок, потому что иначе к моменту выставок было бы нечего показывать.
Но по-настоящему историю этого процесса можно разделить на несколько важных этапов.
Первый этап — когда люди в принципе занимающиеся фотографией, и считающие себя фотографами, стали себя осознавать творцами. В нашей стране это совпадает со временем развития фотоклубов, когда человек, пришедший из инженерной профессии или рабочего класса, вдруг начинает понимать, что его в этой жизни волнует не количество положенного кирпича и не чертежи космических аппаратов, а другие проблемы — например, как он может передать полет голубя или ка́к то, что он сфотографировал, вырвал из контекста повседневности, будучи помещенным в рамку кадра, приобретает новый смысл. Такие примеры были и в Казани: фотоклуб «Тасма» открыл несколько очень ярких авторов — в первую очередь Лялю Кузнецову, всемирно известного фотографа, и, безусловно, художника. И абсолютно неважно, кем она была до того, как взяла в руки камеру и осознала себя творцом.
Второй важный этап — это 80-е и та богемная среда, в которой музыканты, художники, исполнители, модельеры, дизайнеры, люди без определенного занятия, но с очень хорошим чувством вкуса, не знавшие, что их влечет, брали в руки камеру и потом оказывалось, что это именно то, чем они должны были заниматься.
Похожий процесс происходил в начале XX века, когда в художественную фотографию (в отличие от профессиональной коммерческой фотографии) люди приходили от избытка комфорта. Был такой американский фотограф Энн Бригман, она по разводу от мужа получала достаточное содержание и не знала, чем себя занять, стала дружить с художниками и, чтобы не быть чужой в их среде, взяла в руки камеру. Опустим период ее становления, но она стала одним из классиков американской фотографии начала XX века. Это буквально история того, как человек, попав в художественный круг, испытывает чувство неловкости от того, что он сам ничего творческого не делает, но атмосфера, в которую человек попал, начинает его вдохновлять на эксперименты. И выяснилось — Бригман как раз таки может. Это не значит, безусловно, что любой взявший в руки камеру человек станет обязательно известным или что он сможет «говорить» с помощью фотографии, — это, безусловно, искусство; так же, как не любой человек, поющий за столом после принятия определенного количества чарок, сможет стать певцом.
— А как это развитие происходило уже в современной России?
— Cледующий этап становления фотографии на сцене современного искусства в нашей стране — это 90-е годы, когда развитие пространства современного искусства в России стало не только соприкасаться, но и пересекаться с мировым художественным процессом. Сейчас, когда мы оборачиваемся назад, понимаем, что это было время невероятной широты возможностей, все, кто об этом писал в то время, говорили: «Мы в самом начале пути; то, что у нас происходит, — этого недостаточно». Но сегодня кажется, что это был золотой век, который мы случайно пропустили, несмотря на то, что сами были участниками этого процесса.
В 90-е был пик экспериментальной активности людей, которые работали с фотографией. Как ни странно, приход цифровой техники и развитие интернета расширили аудиторию, но понизили градус эксперимента, и теперь должно пройти еще какое-то время, чтобы возгонка алхимического процесса творчества стала набирать силу.
«ВОПРОС НЕ В ТОМ, В КАКОМ СТИЛЕ РАБОТАЕТ ФОТОГРАФ ИЛИ ЧТО ОН ИСПОЛЬЗУЕТ…»
— Думаете, она будет?
— Обязательно. Это волновая ситуация, когда мы в какой-то момент находимся в состоянии спада, а потом снова начинается движение. Отнюдь не обязательно, что это будет волна по той же синусоиде, которую мы ожидали, что новые формы, которые появятся, будут коррелировать с тем, что нам известно. Они могут оказаться в другой форме и в первый момент для нас быть неочевидными. Но я уверена в том, что мы сейчас находимся в том состоянии, когда не совсем понятно, что именно происходит.
Интернет нас своей массовостью очень сильно расхолаживает и снижает ценность информации, которую мы получаем. Когда мы просматриваем тысячи изображений, уловить в этом потоке одно-два важных бывает иногда очень трудно. Только со второго-третьего просмотра оказывается, что действительно в отвале интернет-руды есть частицы золота.
Наверное, профессиональные редакторы меня поймут, потому что, когда ты читаешь текст по третьему разу, видишь, что там есть важные мысли, вложенные автором, но ты читаешь сотни страниц за день и перестаешь фокусироваться на мысли, начинаешь рассматривать внешнюю форму. Интернет нас приучает скользить по поверхности, количество новой ежесекундно поступающей информации практически не дает возможности вернуться и пересмотреть заново. Но, я думаю, сейчас то время, когда происходят интересные вещи. Я уверена, что в ближайшие годы, оборачиваясь на то, что создается сейчас, мы по достоинству оценим и этот этап.
— А вы разделяете расхожее мнение, что интернет и новые технологии фотографию убили?
— Не думаю, что это так.
На самом деле в последние лет десять как в нашей стране, так и во всем мире идет возврат интереса к старым и даже старинным техникам фотографии, которые оказываются иногда очень интересными способами для реализации художников. Бывает, что кто-то, обратившись к старой технике, становится профессионалом ее воспроизведения, замечательным мастером, владеющим редким ремеслом, а кто-то идет дальше, открывает новые пути, такой художник — мыслитель, а старая техника оказывается лишь точно подобранной формой для выражения его идеи. Вопрос не в том, в каком стиле работает фотограф или что он использует: камеру-деревянный ящик, сделанную мастером в XIX веке, и старинную оптику, купленную на аукционе за тысячи евро, или не менее дорогую современную технику. Безусловно, техника создания произведения интересна, но это второй вопрос, а первый заключается в том, насколько автор в состоянии точно сформулировать свое сообщение зрителю. Если художник в состоянии перевернуть мое представление о мире, оно сначала перевернется, а потом, успокоившись немножко, я буду смаковать, как это было сделано: с помощью техники дагерротипа или новейшим цифровым отпечатком.
Как говорил знаменитый графический дизайнер и редактор Алекс Бродович, обращаясь к фотографам: «Удивите меня». Этот принцип работает везде — в журнальной, репортажной, новостной или художественной фотографии. Это в любом случае потрясение, которое мы испытываем, соприкасаясь с неожиданным произведением искусства. То же самое происходит и в отношении живописи, только в области изобразительного искусства принимается как данность то, что существует очень много скучных художников, а на их фоне выделяются интересные художники, и это считается нормальным; в фотографии же до сих пор большое количество скучных авторов является доказательством того, что как будто бы совсем мало интересных. Увы, такое существует предубеждение.
«В ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ ОЧЕНЬ МНОГО ФОТОГРАФИЙ С ВОЗВРАТОМ К ОЧЕНЬ СТАРЫМ ТЕХНИКАМ»
— Могли бы вы дать краткую характеристику современной фотографии? Какая она, какие у нее признаки?
— У меня к современной фотографии специфическое отношение.
Дело в том, что я в каком-то смысле всеядна. Я понимаю, что кто-то из моих коллег может сказать, что определенная стилистика — современна, а другая стилистика, бывшая в употреблении, часто публиковавшаяся 5 — 10 лет назад, всем надоела и сейчас несовременна. Я стараюсь смотреть немного по-другому — если человек снимает, например, Сабантуй, то у самого этого события есть своя стилистика выражения. И вопрос в том, чтобы фотограф сумел это событие транслировать, показать его стилистику самовыражения. И если его фотография будет очень искусственна по отношению к той реальности, которую он снимает, то этот разрыв содержания и формы меня отвратит, нежели подскажет, что найдена новая современная идея. При этом я понимаю, что стилистика, которая сделает это событие понятным зрителю и даст возможность «войти» в него, скорее всего, будет соответствовать стилистике самого события, а оно очень традиционно. И это значит, что мы видим стилистически очень хорошую фотографию, подобно, возможно, той фотографии, которая была сделана 10 или 50 лет назад, и в этом и есть некий завершенный фотографический продукт.
Я могу сказать, что в последние годы очень много фотографий с возвратом к очень старым техникам и к тщательности исполнения отпечатка. Возможно, был период, когда кажущаяся легкость фотографии и игра в эту легкость профессиональных авторов привела к тому, что было очень много неряшливости в изображениях, и это казалось современным языком. Мне кажется, сейчас подобных изображений становится меньше и, наоборот, тщательность исполнения, композиционная, цветовая или тональная точность — формальная завершенность — все это становится знаком качества, и это возврат к тем категориям оценки, которые были 20 лет назад. Поэтому говорить о том, что есть совершенно новые категории оценки современной фотографии, я не могу.
И все-таки новые знаки есть. Существует такая новая тенденция, как авторская фотокнига, с которой экспериментируют множество совсем молодых людей. У некоторых из них это не просто первая фотокнига, которую они сделали из своих фотографий, а вообще первая законченная работа.
Стремление к превращению своих фотографий в книжки наблюдается последние лет 5 — 10. Но когда это становится повальным увлечением, то из художественной тенденции уже имеет место переход в массовую моду.
Мне кажется, что сейчас время противостояния тщательности и рукодельности и, наоборот, возможности некоторых авторов дать фотографии работать самостоятельно, минимально вмешиваясь в этот процесс. По сути, это отношение к фотокамере — как к старой аналоговой, так и к цифровой — как к партнеру, который может высказываться самостоятельно, и художнику предстоит интерпретировать это высказывание, но не строить, не создавать его. Такое отношение к техническому объекту как к личности — это новая тенденция, которой раньше не было. Те эксперименты, которые проводились в 20-е годы, предполагали, что процесс фотосъемки неуправляем, но тем не менее в нем автор остается автором. А сейчас существует понимание того, что есть искусственный интеллект, с которым мы вступаем в диалог. Происходит перенос этих отношений и на фотографическую технологию.
— Кого вы можете выделить, каких крупных мастеров последних двух десятилетий, зарубежных и отечественных, которых нельзя не знать человеку, мало—мальски интересующемуся фотографией?
— Тут вопрос в том, что фотография очень разнообразна. Это как музыковеда спросить — кого в музыке надо знать. Музыковед, может быть, скажет, что надо знать Шнитке, но, с другой стороны, надо ведь знать и Боба Дилана. Если говорить о фотографии, то и здесь такая же ситуация, как в музыке. Если говорить о классической фотографии и русских авторах, я бы сказала, что надо знать в фотожурналистике, с одной стороны, Владимира Вяткина, Юрия Козырева, Татьяну Плотникову.
Если же говорить о классической фотографии как об идеально выстроенной композиции, то здесь нельзя обойтись без упоминания Александра Слюсарева и Николая Кулебякина, хотя в жизни они были явными антагонистами. Это замечательный композитор изображения Игорь Мухин, а также совершенно невероятный Стас Клевак, Александр Гронский — именно как люди, которые создают свои «магические кристаллы» абсолютно без привязки к нашим социальным реалиям.
В модной фотографии мне нравится, что делает Алексей Кузьмичев, хотя сам он считает, что работа в модной индустрии — это всего лишь хлеб. Но его знание истории искусства и ощущение себя художником дает ему невероятную свободу, которой у многих нет. Из молодых я назову Никиту Пирогова… у меня была презентация книги в Петербурге (Никита оттуда родом) и местные фотографы меня спрашивали: «Он правда наш? Мы никогда о нем не знали». Иногда так бывает: тот, кого потом назовут знаковой величиной нашего времени, может быть не известен широкой публике..
.
Но тут весь вопрос в том, что, с одной стороны, я как зритель сопереживаю, начинаю любить произведение и через него и самого автора, начинаю следить за его творчеством, а, с другой стороны, я как профессионал собираю мнение других профессионалов и зрителей, за которыми всегда наблюдаю с большим интересом. И когда я вижу, что люди очень далекие от фотографии и не понимают даже, на что конкретно они реагируют в этих изображениях, но все-таки реагируют, я понимаю, что такие фотографии сделаны тем самым «властителем дум» нашего времени, хотя внешне они могут быть сделаны чрезвычайно просто.
«ПЕРВЫЕ ЧАСТНЫЕ СОБРАНИЯ — ЭТО СОБРАНИЯ МОНАРХОВ»
— А как возникла, с чего началась ваша любовь к фотографии и ее изучению?
— У меня на этот вопрос есть заготовленные ответы для фотографов и для людей, которые далеки от фотографии, а правда — где-то посередине.
С одной стороны, я из семьи, где оба дедушки — фотографы. Я росла с дедушкой-фотолюбителем и в окружении альбомов по искусству, которым увлекалась моя мама. Cо вторым дедушкой — профессиональным фотографом — я никогда лично не встречалась, и я узнала о том, что он известный фотожурналист, когда уже выросла.
С другой стороны, я профессиональный искусствовед, и когда в институте занималась русской средневековой иконографией, занималась философией искусства, мне казалось, что это будет навсегда. Потом я влюбилась во французский постимпрессионизм и в первую очередь в Пьера Боннара. Когда я изучала его биографию, обнаружила, что он очень недолго занимался фотографией. И во всех книгах, посвященных его творчеству, написано, что было недолгое увлечение, он потом несколько своих композиций перевел в гравюры. И все. Но будучи фантазером по натуре, я стала смотреть на его занятия фотографией чуть более пристально. Тогда же я стала сама учиться фотографировать и печатать — так же, как я брала уроки живописи: не для того, чтобы стать художником, но для того, чтобы понимать, как физически создается произведение, чтобы понимать, что в нем от техники, а что — от автора.
И когда эти знания соединились в моем интересе к Боннару, я увидела, как его занятия фотографией изменили его представление о возможностях художника и насколько это повлияло на изменение его палитры, на его новую экспериментальную технику живописи.
Я поняла, что фотография — это фундамент для развития искусства XX века, неважно, в каком направлении мы это искусство рассматриваем. Для меня фотография — фундаментальная вещь современной культуры, поэтому я ей и занимаюсь. Но при этом я очень люблю архитектуру, по самому первому образованию я дизайнер промышленных интерьеров, и для меня возможность работать еще и в качестве художника с чужими произведениями, делая выставки, — это очень важно. Когда у меня есть возможность войти в пространство и начать его строить заново с помощью фотографии, сделанной другим автором, но в контакте с ним, стараясь его идеи высказать наиболее понятным способом для зрителя, — для меня это счастье.
— Вы на лекции упомянули, что у нас в стране совсем недавно стали собирать фотографические коллекции в музеях, даже в крупных.
С чем связано это опоздание?
— Были периоды, когда их начинали собирать. Первая публичная коллекция в Российской империи начиналась благодаря известному художественному и музыкальному критику Владимиру Стасову в Императорской публичной исторической библиотеке. Насколько в 60-е годы XIX века понимали фотографию как важнейший визуальный документ эпохи — именно такие фотографические изображения тогда и стали собирать. До начала XX века в библиотеке была очень приличная коллекция — замечательная коллекция фотографий первого века ее истории хранится в Политехническом музее. И это не только некие артефакты работы техники, а произведения крупнейших авторов того времени, художников, работавших с фотографий… Позже, в cоветский период нашей истории, фотографию как отпечаток не собирали. В архив передавался только негатив, слайд — как некий исторический документ, который поступал в архивное хранение.
А отпечаток, авторское законченное высказывание как форма игнорировался… За рубежом первые публичные коллекции — это тоже вторая половина XIX века.
Первые частные собрания — это собрания монархов, и у нас Романовы собирали фотографическую коллекцию, и она начиналась как коллекция портретов большой семьи. Позже они стали собирать фотографии мест, которые посетили, и лишь потом пришли к пониманию того, что есть изображения отвлеченные, не связанные непосредственно с историей их семьи. То же самое у британской королевской семьи: первая фотография — не семейная, а купленная как произведение искусства, это знаменитая фотография Оскара Густава Рейландера «Два пути жизни» 1857 года. Эта фотография, похожая на картину, была куплена за ту же цену, за которую можно было купить живописное произведение, написанное масляными красками на холсте.
Кроме того, позднее начало собирания фотографии можно связать и с тем, что фотография как новый вид искусства была признана достаточно поздно.
Только модернизм после Первой мировой войны уравнял все виды медиа, которые использует художник: все — даже коллаж из газет — становится предметом коллекционирования в музее, потому что это акт творчества определенного художника. И точно так же фотография в конце 20-х годов начинает попадать в коллекции музеев в США. Но это не значит, что там все было гладко с коллекционированием фотографии на протяжении всего XX века. Например, когда в 1971 году Анна Такер пришла в музей изобразительных искусств Хьюстона, где был фотографический отдел, на тот момент в нем хранилось 200 фотографий. Когда два года назад Такер, будучи уже знаменитым куратором, покидала пост директора отдела фотографий и первого вице-директора музея, в нем уже было 200 000 фотографий, включая несколько крупнейших в мире частных коллекций, приобретенных музеем.
У нас музеи и библиотеки пытались собирать фотографию в начале XX века как искусство. Но революция изменила очень многое. Например, я в Краснодарском художественном музее обнаружила, что основатель музея Федор Коваленко покупал фотографии и таким образом в коллекции музея появились фотографии очень хороших авторов начала XX века.
Но потом на них никто не обращал внимания, они были переданы в библиотеку музея и там пролежали до конца 90-х годов, когда я их в первый раз увидела. У нас в художественных музеях фотографию как искусство стали собирать только в 80-е годы, и это уже после того, как были основаны в СССР первые музеи фотографии. Если бы Виктор Мизиано не пришел работать в ГМИИ имени Пушкина, там не было бы фотографической коллекции.
— А в Эрмитаже есть коллекция фотографии?
— Есть, причем существует замечательная часть, собранная еще в XIX веке, — собственно, это часть коллекции Романовых, и есть та часть, которую стали пополнять в самом конце 80-90-х годов. В Русском музее была первая выставка русской фотографии в 1993 году, часть работ по окончании выставки авторы передали музею. В начале все это, как и в других местах, хранилось в отделе графики, а сам отдел фотографии был создан только в конце 90-х годов.
Тогда же в Русском музее стали проводить музейные фотобиеннале. Последние лет 25 идет активное строительство музейных коллекций. Другое дело, что не хватает специалистов и люди, которые для музейных коллекций покупают или принимают в дар фотографии, не знают ее истории и не могут верно определить место материала, который им предлагается. Например, когда Пушкинский музей в честь своего 100-летия делал выставку фотографий современных авторов, несколько очень важных фотографов были отвергнуты, потому что показались выставочной комиссии слишком простыми, это была удивительно анекдотичная ситуация.
Фото: Ирина Ерохина
«Я ЗНАЮ КУРАТОРОВ, КОТОРЫЕ ДЕЛАЮТ ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ, НО ПРИ ЭТОМ ОНИ СЧИТАЮТ, ЧТО ФОТОГРАФИИ — ЭТО ОТКРЫТКИ»
— А с чем связан явный дефицит специалистов?
— Их практически нет.
Студенты, которые сейчас пишут дипломные работы по фотографии на факультетах искусствоведения, находятся в положении студентов, которые во времена СССР писали дипломные работы по современной критике: казалось, что это самое простое и может быть доверено самым слабым, кто потом не собирается строить научную карьеру. Сейчас интерес к фотографии есть, но нет учебников, специальных курсов, да и экономически молодым искусствоведам трудно выживать, а тут еще надо много времени посвящать самообразованию… Из авторов тех работ, которых я за последние годы рецензировала, я знаю всего лишь пару людей, которые остались работать с фотографией, но и они пока не ведут научной работы, не имеют отношения к музейным институциям.
— Почему? Это же парадокс, учитывая востребованность фотографии.
— Ситуация очень неустойчивая — как правило, заниматься историей фотографии приходят очень любознательные молодые люди, но потом они понимают, что это поле, не паханное до горизонта, и это не та маленькая деляночка, где можно цитировать предшественников и чувствовать себя уверенно.
Территория фотографии — это тектонически подвижная платформа, на которой интересно, но очень тяжело удержаться, и в научных кругах это по-прежнему не выглядит респектабельно. Фотография для некоторых до сих пор кажется документом, а не произведением визуального искусства. Я знаю кураторов, которые делают замечательные выставки, но при этом они считают, что фотографии — это открытки.
Представьте себе: одно дело вырасти в окружении фотографии и осознавать, что это такое, и другое — вырасти в художественной среде, когда ты с детства окружен живописью, графикой, книгами. Для тебя фотография находится в двух шагах, она неблизко. Далеко не все люди думают о том, как они дышат, как происходит этот процесс. Есть те, кто задумывается об этом и затем становится физиком или биологом, а есть остальные — они просто дышат и не пытаются изучать это явление. Так же и с фотографией.
Кроме того, искусствоведам до сих пор не читают курс истории фотографии, они вообще не знают, что у фотографии есть история.
Родченко, слава богу, сейчас известен как художник, известно также, что он занимался фотографией. А то, что за фотографией Родченко стоит философ искусства Александр Родченко, который некоторые свои идеи мог выразить только с помощью фотографии, — это уже закрыто для программы художественного вуза.
Для художников тоже историю фотографии не читают, потому что в академической среде очень долгое время считалось, что это вредное знание, что художники перестанут рисовать, и из-за этих заблуждений, отсутствия анализа, как на самом деле развивалось искусство в XIX–XX веках, все приходит к тому, что художники сами интуитивно начинают интересоваться фотографией, постепенно, теряя драгоценное время осознают то, что иногда фотография им нужна, — и не только для того, чтобы с нее рисовать, а потому, что она позволяет им по-другому взглянуть на их собственный процесс творчества.
Когда я сдавала экзамен в аспирантуру, приемная комиссия долго спорила о том, поставить мне 4 или 5, потому что гранд-дамы были оскорблены тем, что я упомянула занятия Ивана Шишкина фотографией и наличие у него собственной фотостудии.
Это было воспринято как оскорбление великого русского художника-пейзажиста. Хотя такой поворот биографии любого большого европейского художника был бы безумно интересен исследователям, студенты бы писали дипломные работы, анализируя, как два совершенно разных подхода к изображению позволили этому человеку достичь невероятных результатов. Но это уже особенности консервативного хранения знания в нашей старой школе искусствоведения.
это искусство. История развития фотографии как искусства
Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.
Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель.
Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.
Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива
К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.
Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944
Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.
Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:
Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.
Ансель Адамс. Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер (1942). Парк Гранд-Титон национальный парк, штат Вайоминг.
А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.
Многие начинающие фотографы хотят побыстрее научится фотографировать профессионально.
Сегодня, благодаря развитию цифровых технологий, зарабатывать фотосъёмкой может практически любой фотолюбитель обладающий…
Выбор формата снимка в искусстве фотосъёмки дело очень важное. Правильно выбранная ориентация кадра способна не только улучшить визуальное восприятие снимка, но и испортить его….
Чтобы создать настроение и атмосферу на фотоснимке, совсем не обязательно быть виртуозом композиции…
Советы пррофессиональных фотографов по портретной фотографии вы найдёте в книге по технике портретной фотосъёмки. Памятка начинающему фотографу по кадрированию портретов прилагается…
Удачной можно считать фотографию, по которой взгляд зрителя переходит от одного объекта к другому, по траектории заранее продуманной автором фотографии. На самом деле, это совсем не сложно если знать некоторые основные особенности восприятия фотографии зрителем…
Вы уже освоились с фотоаппаратом и знаете, как правильно использовать свет при фотосъёмке портрета, ищете подходящий фон, ракурс и используете нужную глубиной резкости? Однако, как вы ни стараетесь, результат фотосъёмки обычно не совпадает с тем, что вы хотели показать на своих фотографиях.
..
Многие начинающие фотографы мечтают, чтобы на их снимках было красивое размытие фона — боке. Именно для этого они и покупают зеркальный фотоаппарат… Но не всё так просто, как кажется на первый взгляд — для создания карсиво размытого фона (боке) на ваших фотографиях необходимо выполнить несколько условий…
Портретная фотосъёмка крупным планом может показаться более лёгкой, чем съёмка во весь рост. Здесь необязательна стройная фигура модели и её умение позировать перед камерой. Однако, для хорошего портрета недостаточно сфотографировать лицо фотомодели, сидящей перед камерой…
Что делать фотографу-любителю если он хочет снять хороший портрет? Не покупать же профессиональные фото-осветители? А может быть просто арендовать профессиональную фотостудию? Отличных результатов можно добиться и минимальными средствами. Вполне реально снять студийный портрет у себя дома…
При съёмке на улице при естественном освещении, часто достаточно просто увидеть и зафиксировать свето-теневой рисунок уже созданный Его Величеством Природой.
А как правильно установить свет в фотостудии…
Много ли праздничных фотографий снятых вами остаются столь же восхитительными и волнующими через пару лет после знаменательного события? Наверное нет. Вы можете подумать, что всё дело в практике — нужно больше снимать праздники и у вас в конце концов получатся отличные снимки… Да, практика помогает добиться совершенства, но только не в этом случае…
Праздничная фотосъёмка всей семьи дело не лёгкое. Особенно если семья большая и праздник удался…
Пять простых правил, которые помогут легко получить отличный портрет вашего ребёнка…
В конструкцию качественных профессиональных объективов обычно входят так называемые асферические и низкодисперсные оптические элементы, позволяющие получить картинку более резкую и контрастную, чем с обычными линзами. Однако, даже самые дорогие профессиональные объективы имеют…
Часто один из любимых вопросов новичка в фотографии касается кратности зума. Многие считают, что чем больше увеличение зума тем лучше — сильнее можно приблизить отдалённый объект съёмки! Вы тоже пользуетесь зумом как подзорной трубой? А между тем, в исскустве фотосъёмки разные объективы используют в художественных целях.
..
Независимо от того, собираетесь ли вы стать фотомоделью или просто хотите, чтобы ваши портретные фотографии выглядели красиво, в любом случае вам придётся учиться позировать…
Из всех разновидностей фотосъёмки живой природы, фотосъёмка птиц, пожалуй самая захватывающая и интересная. Птицы одни из самых пугливых существ в этом мире и часто требуется не малое терпение, чтобы поймать нужный кадр…
Чтобы получить приличную макрофотграфию стрекозы, бабочки или даже просто цветка нужно приложить немало усилий. И дело здесь не в оборудовании для макросъёмки, и даже не в опытности фотографа. О некоторых секретах профессиональных макрофотографов вы узнаете изучив эту статью и посмотрев небольшой видеоролик…
Часто ли начинающий фотограф задумывается о том, что умелое использование нестандартной экспозиции может из банального сюжета сделать снимок достойный восхищения? Как получить эффект низкого и высокого ключа. Что такое выборочный фокус. Как придать снимку ретро-эффект.
..
Eсли вы хотите улучшить свои фотографии, придать им живость, динамизм или другие эффекты, вам придётся забыть об автоматических режимах и проявить творческий подход к выбору экспозиционных паремтров: выдержки, диафрагмы и ISO. Используйте нестандартные экспозиционные параметры креативно и добавьте вашим снимкам различные динамические эффекты…
Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции.
Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции. Чувство композиции сродни музыкальному слуху — он либо есть, либо его придется развивать, компенсируя недостаток трудолюбием и опытом. Одни фотографы утверждают, что научиться «эстетическому восприятию» невозможно, другие апеллируют к теории построения композиции.
Но, как говорится, на «профи» надейся, а сам не плошай. Прежде всего, вам придется много думать и критически относиться к себе. Только так вы сможете добиться хорошего результата. В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с «мыльницей», и, если вы прислушаетесь к моим словам, возможно, вы сделаете небольшой шажок к профессионализму.
Название первой части статьи говорит о многом. Правил построения композиции не существует, их в принципе не может быть. В противном случае искусства бы не существовало. Отношение зрителя к фотографии всегда субъективно. Автор должен ориентироваться исключительно на свое собственное восприятие. Настоящее творчество подразумевает отсутствие границ, но на первых порах попробуйте довольствоваться нижеприведенными рекомендациями.
Выбор сюжета
Интересным и необычным сюжетом автор вправе гордиться.
Охота за такими сюжетами занимает много времени и порой превращается в манию. Если вы один из тех, кто всегда держит камеру под рукой, беспокоиться не о чем. Главное — всегда смотреть по сторонам и видеть красоту в самых обыденных сценах.
Фото 1. Необычный сюжет позволяет пренебречь композицией. Во-первых, по-другому запечатлеть подобную сцену невозможно. Во-вторых, зритель заинтересован сюжетом, который сам по себе привлекает внимание.
Небывалый простор в выборе сюжета открывает макросъемка. Капля воды, насекомое или цветок восхищает зрителя, не привыкшего детально рассматривать мелкие предметы.
Статические сюжеты дают фотографу массу времени, чтобы оценить обстановку, подготовить камеру и выбрать подходящую точку съемки. Для изучения композиции стоит потренироваться именно на неподвижных объектах.
Динамические сюжеты вызывают куда больший интерес фотографов. Решающее значение при съемке играет выдержка. Длинные выдержки дают размытые снимки, подчеркивая скорость.
Короткие выдержки позволяют получить четкие фотографии, выражающие силу, ловкость и грацию движущейся модели. При съемке динамических сюжетов необходимо быстро соображать — прекрасная сцена может больше никогда не повториться. Если полагаете, что подобная съемка производится навскидку, то вы сильно заблуждаетесь. Процесс выбора точки съемки еще более трудоемкий, нежели в случае со статическим сюжетом.
Выбор точки съемки
Выбрав сюжет, не поленитесь прикинуть, откуда выгоднее его снимать. Обойдите модель вокруг, отмечая особенности фона. Так вы избавитесь от «плохих» предметов, которые по-другому скрыть невозможно. Яркий пример — невзрачные фонарные столбы и линии электропередач, испортившие за историю фотографии не один кадр.
В большинстве случаев, съемка с близкого расстояния позволяет ярче передать основной объект, подчеркнуть его детали. Такая съемка дает эффект присутствия. Если приблизиться к модели невозможно, выручит оптический зум, но при больших увеличениях автоматика не всегда удачно фокусирует камеру на объекте.
К тому же при использовании зума усиливается дрожание изображения. Штатив избавит вас от подобных проблем, благо стоит он гораздо меньше самого фотоаппарата. А вот цифровой зум, коим оснащено большинство камер, следует воспринимать исключительно как рекламный ход производителей фототехники. У него, конечно, есть свои достоинства, но — из-за реализации — чисто теоретические. Оптическое увеличение на недорогих объективах заметно усиливает аберрации. Цифровое увеличение, основанное на интерполяции, могло бы приблизить объект съемки без оптических искажений, если бы не одно «но». Цифровой зум всегда включается на максимальном значении оптического, и какие аберрации дало телеположение объектива, такие они и будут. Если бы камера имела не 10х оптических, а 40х, эти аберрации были бы на 40х просто ужасными, гораздо хуже, чем 10х оптики и 4х «цифры». Но выбора-то у фотографа нет. Потому на практике цифровой зум практически бесполезен.
Фото 2. Съемка с близкого расстояния позволила передать выразительность кошачьих глаз.
Ненужные детали отброшены — взгляд зрителя не находит ничего, что было бы важнее глаз.
Съемка с далекого расстояния подчеркивает глубину пространства. Но следует помнить, что в кадр попадают второстепенные объекты, которые отвлекают внимание и перегружают композицию. В основном такой тип подходит для съемки пейзажей, в том числе урбанистических. Панорамная съемка, сделанная с большого расстояния, выглядит естественно, да и «склеивать» снимки становится гораздо легче.
Большая часть фотографий делается на уровне глаз. Именно с такой высоты мы смотрим на мир, следовательно, снимки будут выглядеть привычнее для зрителя. Высокая точка съемки дает возможность охватить большее пространство, передавая простор. Низкая точка, напротив, позволяет подчеркнуть динамичность и глубину сюжета. При низкой съемке нужно быть особенно осторожным — многие формы при таком ракурсе искажаются. Лицо и фигура человека может сильно измениться, причем далеко не в лучшую сторону.
Особенности зрительного восприятия
Человеческий глаз — точный и сложный инструмент.
Чтобы сделать красивый, естественный снимок, необходимо иметь представление, как именно глаз зрителя будет впоследствии его анализировать. Несмотря на достаточно большой угол зрения, рассматривая окружающий мир, мы скользим по нему взглядом, постепенно изучая детали. В первую очередь глаз анализирует линии контура, а затем более подробно изучает наиболее изогнутые их части. С этим эффектом связано понятие фотогеничности человека. Люди с резкими чертами лица выглядят на снимках особенно эффектно, так как взгляд цепляется за каждый изгиб контура. Мягкие черты лица заставляют взгляд соскальзывать с линий, отчего интерес к модели сразу пропадает.
Размеры фотографии гораздо меньше оригинала, поэтому стандартные сцены на них непривычны для восприятия. Взгляд зрителя, направленный в одну точку, в состоянии охватить фотографию целиком — и это неестественно. Чтобы придать композиции масштабность, нужно управлять взглядом зрителя.
Мы привыкли читать слева направо и сверху вниз, а гравитация подчеркивает, что движение вниз — естественно.
Это сильно отражается на восприятии. Если на снимке присутствуют одинаковые или похожие предметы, то доминировать будет тот, который расположен слева. Предмет, расположенный в верхней части снимка, кажется тяжелее того, что находится ниже. Вертикальная линия кажется длиннее, чем точно такая же горизонтальная.
Психология линий
«Фотография» по-гречески означает «светопись». Это отражает технические особенности процесса. С точки зрения композиции основа фотографии — линии. Они, вместе с тональностью, передают эмоциональность и динамику сюжета, заставляют зрителя думать и чувствовать.
Линии силы — это контуры объектов, расположенных на снимке. На черно-белых снимках они выражены сильнее, так как наш взгляд не отвлекается на большое количество цветов. Такой эффект часто используется в художественной фотографии. Неспроста профессионалы любят делать именно черно-белые снимки.
С помощью линий опытный фотограф способен управлять взглядом зрителя, направляя его на важные детали снимка.
Фото 3. Композиция этого снимка очень необычна. На нем присутствуют четыре ярко выраженные области: пляж, вода, небо и часть города. Пляж отделен от воды резкой линией берега. Вода от неба — мягкой линией горизонта. Эти стихии существуют на снимке независимо. Постройки и деревья объединяют их, становясь основой композиции.
Каждый тип линий вносит свою эмоциональную окраску. Чаще всего это проявляется на подсознательном уровне, но вы убедитесь, что влияние линий достаточно велико. Прямая линия выражает активность и быстроту, но если она расположена горизонтально, то создает впечатление покоя и умиротворенности. Очевидным примером является линия горизонта — трудно придумать что-то более статичное. Слегка изогнутые линии передают вялость, расслабленность. Так выглядят берега большинства водоемов. Сильно изогнутая линия заставляет взгляд остановиться и придает композиции эффект замедления. Спираль выражает напряженность и жизненную силу. «Скрученное» тело модели выглядит гораздо эффектнее как раз за счет спиралеобразных линий.
Волнистые линии задают ритм снимка. Если они параллельны, эффект усиливается, добавляя композиции неустойчивость и текучесть. Попробуйте проанализировать свои снимки, чтобы убедиться в справедливости моих слов.
Фото 4. Линии силы позволяют управлять взглядом зрителя. Продуманное их использование помогает передать объем на плоской фотографии. Параллельные линии, сходящиеся вдали, прекрасно подчеркивают перспективу. Дорога на снимке уводит зрителя в глубину кадра, придавая композиции ощущение бесконечности.
Фото 5. При неумелом использовании линии могут оказать медвежью услугу, отвлекая зрителя от объекта съемки. Главной целью фотографа являлся Московский Кремль, но линии берегов настойчиво уводят взгляд вправо.
Фото 6. В жизни чаще всего встречаются горизонтальные линии, о чем фотографу забывать не следует. Линия берега делит снимок на две схожие по размеру части. Каждая из них воспринимается независимо — композиция разрушена.
Использование диагоналей позволяет сделать снимок необычным и привлекательным.
У фотографии, как и у любого прямоугольника, их две: восходящая и нисходящая.
Восходящая диагональ (ее также называют мажорной) идет от левого нижнего угла к правому верхнему. Основанная на ней композиция вызывает положительные эмоции. Движение вверх по восходящей диагонали получается очень легким и быстрым.
В случае с нисходящей (или минорной) диагональю все наоборот. Движение вверх по ней выражает напряженность, а движение вниз — легкость.
Фото 7. В композиции доминирует минорная диагональ. Сам сюжет довольно невзрачен, но вызывает у зрителя устойчивые ассоциации. Во мне этот снимок будит чувство одиночества, ощущение утраты.
Создается впечатление, что близкий человек ушел навсегда, по дорожке, уводящей за границу кадра.
Равновесие в композиции
Фотография — как весы. Если объект съемки расположен по центру снимка, композиция будет уравновешенной, но это слишком стандартный подход. Мы пойдем другим путем. Уравновесить композицию можно несколькими способами.
Если вы фотографируете динамичную сцену, используйте прием развивающегося движения. Для этого необходимо оставить свободное пространство перед движущимся объектом. Чем больше скорость, тем большее пространство требуется.
Фото 8. Снимок получился недостаточно динамичным, поэтому перед машиной оставлено не очень большое пространство. Разделительные полосы на дороге прямые, параллельные и уходят за пределы кадра. Воображение достраивает их, помогая уравновесить композицию.
В портретной съемке для достижения равновесия часто используют направление взгляда модели. Спокойный, равнодушный взгляд требует мало места, экспрессивный — значительно больше.
Фото 9. Тело модели расположено в левой части снимка, но ее взгляд делает композицию уравновешенной.
Отдельный разговор — постановочная фотография. Здесь есть время поэкспериментировать, добавляя в кадр различные предметы. В фотографии вес заменяется объемом или ассоциациями, которые вызывают некоторые визуальные формы.
Велосипед или мяч, находящийся в кадре, заставляют зрителя вспомнить о детстве, с теплотой воспринимать композицию снимка. Подобных ассоциаций может быть бесконечно много. Продумайте, какие предметы напомнят зрителю о родителях, первой любви, радостных и счастливых моментах жизни. С их помощью вы сможете не только уравновесить композицию, но и передать различные эмоции.
«Золотое сечение» (правило третей)
Математики всегда утверждают, что их предмет — основа мироздания. Большинство скептически относится к подобным утверждениям, но, как ни странно, математики во многом правы. Издавна художники и фотографы пользуются правилом третей, порой даже неосознанно. Если провести на фотографии горизонтально и вертикально по две линии, каждая из которых отделяет треть снимка, получатся четыре линии «золотого сечения» и четыре точки их пересечения. Зона, расположенная между этими линиями, воспринимается как самая спокойная, а взгляд в первую очередь фиксирует предметы, расположенные на самих линиях и на точках пересечения.
Еще в древней Греции ученые заметили, что взгляд человека, рассматривающего изображение, описывает траекторию, похожую на латинскую букву «Z». Взгляд, анализирующий фотографию, как раз проходит через точки пересечения. Метод «золотого сечения» полезен, но это не единственный способ расположения предметов в композиции.
Геометрическое позиционирование
Как и «золотое сечение», это правило имеет исключительно рекомендательный характер. Давно замечено, что треугольник, присутствующий в композиции, усиливает впечатление, производимое фотографией. Поставив его на одну из вершин, можно придать композиции неустойчивость. Напротив, треугольник, стоящий на основании, создает ощущение незыблемости.
Фото 10. Тело модели образует треугольник, опирающийся основанием на поверхность стола. Необычный ракурс и экспрессивное выражение лица подчеркивает непоколебимость, как физическую, так и психологическую.
Круг или овал добавляют композиции динамичности. Прямоугольник или квадрат, наоборот, делают ее абсолютно статичной.
Поэкспериментируйте с геометрическими формами, результат может быть довольно интересным.
Отсекаем лишнее
Выбрав объект съемки, не забывайте, что нас окружает масса предметов, часть которых неизбежно попадет в кадр. Передний план чаще всего отсутствует на снимках начинающих фотографов. Они фиксируют свое внимание непосредственно на модели. Тем не менее незначительные элементы переднего плана помогают передать глубину пространства.
Фото 11. Перила моста, попавшие в кадр, оказались совсем не лишними. Они подчеркивают глубину пространства. К тому же перила, выходящие за границы кадра, уравновешивают композицию.
Снимок получается достаточно интересным, если объект съемки заключен в некую рамку, образуемую передним планом. Подобными рамками могут служить окна, арки, деревья.
Фото 12. В приведенном примере рамкой являются качели, подчеркивающие «трехмерность» сцены. Прямые цепи качелей, стремящиеся сойтись в перспективе, направляют взгляд к девочке.
Порой неудачные снимки получаются из-за того, что у нас два глаза, а у фотоаппарата — один.
Наше «трехмерное» зрение легко отделяет модель от фона, тогда как на плоской фотографии они сливаются. Самый распространенный пример — это предметы, «растущие из головы модели». Скульпторы говорят, что их задача — взять камень и отсечь все лишнее. А чем фотографы хуже? На снимке тоже не должно быть посторонних предметов. Съемка крупным планом поможет избавиться от них. Если подобный метод недопустим, попытайтесь спрятать лишнее за объектом съемки или, используя мягкий фокус, размойте мешающие предметы, акцентируя внимание на нужных деталях снимка. В этом случае приоритет имеет диафрагма. На камерах без ручных режимов есть некое подобие — режим «портрет», тот же самый приоритет диафрагмы при единственном максимально открытом ее значении. К сожалению, у незеркалок увидеть этот эффект во время съемки практически невозможно — из-за малого количества пикселов на дисплее или у EVF (есть камеры, которые умеют делать «цифровой зум видоискателя», обычно в режиме ручной наводки резкости, — чуть-чуть помогает), а также из-за того, что на дисплее не всегда показывается картинка, снимаемая с реальными значениями выдержки/диафрагмы.
При съемке со вспышкой на незеркалках вы практически всегда видите на дисплее или в видоискателе не то, что получится в результате, поскольку, чтобы обеспечить видимость при недостатке освещенности, камера открывает диафрагму полностью, а при съемке закрывает до нужного значения.
По возможности обойдите модель вокруг и постарайтесь выбрать более удачный фон. Если вы снимаете на открытом воздухе, то можете воспользоваться самым красивым и доступным фоном — небом, которое добавит снимку колорит. Камеру следует расположить низко и внимательно следить, чтобы такой ракурс не искажал фигуру модели.
Фото 13. Яркий фон, заполняющий большую часть снимка, отвлекает внимание от главного объекта. Гораздо разумнее было бы воспользоваться макросъемкой, установив камеру ближе к земле.
Фото 14. В качестве фона выступает «безголовый» человек и непонятные металлические конструкции. Композиция перегружена формами, не несущими никакого смысла.
Фото 15. На снимке та же птичка, но автор воспользовался оптическим увеличением и мягким фокусом, тем самым избавившись от лишних деталей.
Правая часть фона размыта, а в левой человек уже практически не угадывается. Теперь, когда наше внимание приковано к птице, мы легко различаем все детали фотографии. Здесь, в отличие от предыдущего снимка, отчетливо видно, что птица окольцована.
И напоследок я скажу…
Советов по выбору композиции можно давать бесконечно много. Я ограничился малым, так сказать, основами. При подготовке материала я сделал небольшой эксперимент. Около пяти гигабайт фотографий, сделанных еще во времена бесшабашной молодости, подверглись моей жесткой критике и «условному удалению». В результате осталось 386 мегабайт снимков, имеющих хоть какую-то художественную ценность. Итак, мой фотографический КПД составил около 8%. Именно по этой причине все снимки, приведенные в качестве примеров, сделаны непрофессионалами. Вы узнали основы построения композиции. Попробуйте теперь посмотреть на свои старые фотографии по-другому и вычислить свой КПД.
Я планирую продолжить подготовку статей, посвященных искусству фотографии.
Ваши пожелания и критику можете прислать на [email protected]
Министерство науки и образования
Пензенский Государственный Университет
Реферат по эстетике на тему:
«Фотография как искусство»
Выполнила:
Студентка гр. 07вэ2
Алексеева Ольга
Александровна
Пенза 2007 г.
Как начиналась фотография. 3
Фотография – это искусство?. 6
Заключение. 17
Желание сохранить красоту быстротечной жизни создало удивительный вид искусства – фотографию.История фотографии — это захватывающая история зарождения и воплощения в жизнь мечты о фиксации и длительном сохранении изображений окружающих нас явлений и предметов, один из самых ярких и бурных этапов развития современной информационной технологии. Только оглядываясь на прошлое фотографии, можно оценить то огромное влияние, которое оно оказало на развитие современной культуры, науки и техники.
В фотографии выкристаллизовалось несколько достаточно чётко очерченных направлений: этнографическо-социологическое, репортажное, плакатно-рекламное, художественно-конструктивное, декоративное, символическо-концептуальное, импрессионистское.
Каждое из этих направлений выполняет свою специфическую, чётко определённую культурно-коммуникативную функцию. Данные направления взаимно не исключают друг друга. Один и тот же фотохудожник, как правило, работает в нескольких из них. Очень важно иметь в виду полуфункциональность художественной фотографии, чтобы, например, художественно-конструктивная её функция не отстраняла этнографическо-социологическую и наоборот, чтобы концептуальность фотовидения шла рука об руку с национальной традицией. Как любой вид искусства, фотография подчинена общим закономерностям развития художеств, сознания и художественного миросозерцания. Художественный образ исторически вырастает на основе эмпирически воспринятой действительности и отражает становление и развитие культурно-смыслового опосредования между художником и внешним миром.
В заключении хотелось бы отметить, что на вопрос о том является ли фотография искусством или нет, пожалуй, столь же сложно найти ответ, как и на вопрос о смысле нашего существования.
Некоторые считают, что если фотография нравится, и вам жаль, что её сделали не вы, то это искусство. Но, на мой взгляд, не всё то, что нравится – искусство, и напротив не всегда искусство должно нравится. Ведь красота и уродство, добро и зло — эти вещи неразрывны, поэтому они одинаково должны наполнять искусство. Если будем видеть только красоту, мы не будем её воспринимать. Зло и уродство также необходимы, как и кислород нашим легким. Люди мечтающие об абсолютном счастье скорее неправы, они не понимают что если бы не было войны, не было бы и мира, что они не знали бы о счастье не грамма, если бы не испытали горя. Сама жизнь была бы скучна, теряла бы всякий смысл. Гораздо интересней жить в мире, наполненном противоположностями, которые делают жизнь человека наиболее насыщенной и разнообразной.
Первое закреплённое изображение было сделано в году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней. Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта.
длилась восемь часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко можно было размножить в любом числе экземпляров.
На изобретение фотографии художники отреагировали по-разному. Главным камнем преткновения в спорах о художественной природе фотографии и роли фотографа как художника, творца произведения искусства, стала необыкновенная точность в передаче деталей, точность, с которой не мог бы соперничать самый искусный живописец. Одни восторженно приветствовали светопись, другие, напротив, видели в фотоаппарате предмет, бесстрастно фиксирующий действительность без всякого приложения рук человеческих. Но на заре своего существования фотография не претендовала на то, чтобы быть произведением искусства, и до конца 1840-х годов нельзя говорить о намеренном фототворчестве.
3. Съёмка архитектурных сооружений
Это такой жанр фотографии, изображающих здания и их комплексы, мосты и т.
п. Как правило, ставит целью получение документального снимка, создающее необходимое представление о внешнем виде снимаемого объекта или его деталей.При наибольшее значение имеет выбор точки съёмки по высоте, отдалённости и углу съёмки. Именно это определяет общую композицию кадра, перспективу, соотношение планов. В городских условиях, при отсутствии достаточного пространства, выбор а значительно облегчается применением широкоугольного или сверхширокоугольного объектива.
5. Съёмки спорта и движущихся объектов
Особенностью таких фотографий является быстрота движений. Важно показать динамику движений. Спорт фотографируют только с короткими выдержками — не более, чем 1/100 сек, а зачастую и 1/500 — 1/1000 с. Для такой съемки необходимы фотоаппараты, снабженные быстродействующими затворами и светосильными объективами.
6. Съёмка детей
Есть небольшое сходство в фотографировании детей и спорта. Это стремительность. Дети не сидят на месте, поэтому самым легким способом является съемка занятых чем-то детей (просмотр спектакля, слушание сказки, игра).
В эти моменты дети не акцентируют свое внимание на непонятной интересной «штуке» возле вашего лица, они поглощены. Это просто кладезь интересных выражений! 🙂
7. Ну и наконец — репортажная съёмка
Это так называемый метод съемки события без вмешательства в его естественное течение. — это серия снимков, сделанных в ходе какого-либо события, когда фотограф ограничен временем и сценарием происходящего. Таким образом, репортаж ставит фотографа в некие временные и сценарные рамки. Репортажный метод съемки исключает режиссирование, хотя в некоторых ситуациях фотограф может немного провоцировать людей или ситуацию. Но это бывает нечасто — искусство репортажа состоит в том, чтобы, не режиссируя кадр, снять его экспромтом, по ходу действия, точно находя точку, план, момент.
На мой взгляд, идеальная фотография такого жанра та, которая смогла бы проиллюстрировать какую-либо тему в новостях в рубрике «no comments». Снимок должен все говорить сам за себя.
Фотохудожники
Людей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствамЛюдей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствам производства, применяет те или иные технические приемы (выбор освещения, приёмы композиции, эффекторная оптика, послесъемочная обработка и т.д.).
Итак — освещение
Фотографы знают, что если источник света находится сзади него, то кадр получается плоским. Идеальное , скажем, для пейзажей — свет сбоку (задне-боковой или передне-боковой).
Если затронуть время съёмок — то идеально, конечно, вечер и утро. В это время свет более мягкий и рассеянный. Когда солнце в зените цветовая температура заметно выше и в его спектре преобладают синие и голубые тона; в утреннем и вечернем свете, как уже было сказано выше — желтые и оранжевые, а в тенях — от голубого к синему.
Фотография как вид искусства. — Photographer
Искусство – это творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах.
Во время зарождения фотографии в эстетике господствовало мнение о том, что искусством может быть лишь рукотворное произведение.
Изображение же действительности, полученное с помощью технических физико-химических методов, не могло даже претендовать на подобный статус. И хотя уже первые фотографы, тяготевшие к художественности изображения, проявляли немалую композиционную изобретательность для отображения реальности (порой изменяя её до неузнаваемости), в систему общественных ценностей и приоритетов в роли одной из муз фотография долго не вписывалась.
В первые годы после своего возникновения фотография была отнесена общественным мнением и специалистами из разных областей культуры к числу забавных безделушек. Фотография этого периода не обладала ещё ни документальностью, ни информативностью, ни свободой световых решений и находок, т. е. ни одной из тех особенностей, которые сегодня теория рассматривает как определяющие для фотографии. Развитие фотографии во многом определяли общественные потребности.
Возникновение газетной индустрии направило фотографию в русло репортажности. В то время, когда на основе фотографии появились первые «движущиеся картинки» (кино), сам фотоснимок представлял собой скромное документальное свидетельство, уступая в выразительности и изысканности живописи и графике. Вокруг фотографии постоянно возникали теоретические споры: можно ли сравнивать фотографию с живописью в плане художественной ценности? Не является ли фотография вырождающейся живописью, для которой техника заменяет мастерство художника? Но это не более чем противопоставление двух явлений художественной жизни, двух видов искусства, явно тяготеющих друг к другу и взаимодействующих между собой. Фотография освободила живопись от утилитарной функции — изобразительной фиксации факта, что ещё в эпоху Возрождения было одной из важнейших задач живописи. Можно сказать, что этим фотография помогла развитию живописи, способствовала полному выявлению её неповторимой специфики. Но и фотография многое вобрала в себя из многовекового опыта развития изобразительного искусства.
Само видение мира «в кадре» есть наследие живописи. Рамка картины есть первая раскадровка действительности в истории культуры. Ракурс и построение перспективы, умение зрителя «прочесть» фотографию как плоскостное изображение объёмного пространства — всё это составляет великое культурное наследие, доставшееся фотографии от живописи. Влияние живописи на фотографию огромно. При этом задача фотографии двузначна: с одной стороны, как можно более полно отделиться от живописи и определить свои собственные границы, с другой — наиболее полно освоить на собственной основе художественный опыт живописи. Фотография не бесстрастное зеркало мира, художник в фотоискусстве способен выразить своё личное отношение к запечатляемому на снимке явлению через ракурс съёмки, распределение света, умение правильно выбрать момент съёмки и т. д. Фотохудожник не менее активен по отношению к эстетически осваиваемому объекту, чем художник в любом другом виде искусства.
Фотообраз, как правило,- изоочерк. Жизненные факты в фотографии почти без дополнительной обработки и изменений перенесены из сферы деятельности в сферу художественную.
Голый факт можно отнести к сфере информативной, но его художественная интерпретация уже будет явлением другого порядка. И именно эстетическое отношение фотографа к снимаемому факту определяет конечный результат и эффект снимка.
Рассматривая фотографию с художественной стороны, необходимо остановиться на её документалистской природе. Фотография включает в себя и художественный портрет современника, и сиюминутные пресс-фото (документ), и фоторепортажи. Разумеется, нельзя от каждого служебного информационного снимка требовать высокого искусства, но и нельзя в каждом высокохудожественном произведении видеть только видеоинформацию и фотодокумент. Документализм, подлинность, реальность — это главное в фотографии. В этом коренном её свойстве кроется причина глобального влияния фотографии на современную культуру.
Фотоискусство предполагает наличие фотографа-художника.
{«g»:»sg387″,»o»:25} | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
org/WPSideBar»/>
В своей новой книге Анастасия Зурабова раскрывает все секреты фуд-фото, делится приемами и техниками, которые позволят научиться правильно выставлять свет, подбирать аксессуары, выстраивать кадр, научит работать с выдержкой, расскажет про базовый набор фототехники и объяснит, как правильно спланировать съемочный процесс.
Забудьте о нудных самоучителях по фотографии. Над книгой работали специалисты крупнейшей фотошколы в России «ZOOM». Легкое повествование, которое поймут даже те, кто никогда не занимался фотосъемкой, красочные наглядные примеры, мелованная бумага и удобный формат, который позволит всегда носить книгу с собой. Обнови свой инстаграм крутыми снимками!
Кроме этого в книге даны ответы на многие вопросы, возникающие при обработке фотографий на компьютере и касающиеся основ теории цвета, моделирования восприятия цвета человеком, калибровки и профилирования аппаратуры. Среди традиционных методов постобработки фотографий особое внимание уделено цветокоррекции и созданию панорам. Книга снабжена списком литературы. Предназначена фотографам, занимающимся цифровой обработкой фотографий, а также всем тем, кто интересуется компьютерной обработкой изображений.
Существенное место отводится анализу воздействия фотообразов на сознание и поведение современного туриста. Рассмотрение темы «бытовая фотография и персональная память» завершается осмыслением эстетической притягательности старой фотографии. Во второй части книги исследуется онтология аналоговой и цифровой фотографии, в третьей – разнородные эффекты, сопровождающие внедрение фото-образов в инфраструктуру повседневной жизни.
М. ПрокудинаГорского (1863–1944).
Как создавался фотопроект».
Интересные, подчас забавные. Конечно, в данных очерках есть фотографии. Наверное, стоит сказать, что это не совсем обычные снимки. Снятые по наитию, в отличие от фотографий хорошо знакомых всем мест.
Только оценив масштаб человеческой деятельности на Земле в целом, можно понять меру личной ответственности перед нашим домом – планетой.
Автор делится собственной историей, наблюдениями и советами, дополняя увлекательное повествование притчами и фактами из жизни великих мастеров.
Здесь и Давиньон, сделавший дагерротипы декабристов в сибирской ссылке, и Левицкий, снимавший Гоголя, Герцена и Менделеева, и один из пионеров цветной фотографии Прокудин-Горский, и династия первых русских фотодокументалистов Булла, и икона художественной фотографии Картье-Брессон…
Кадры Второй мировой войны, сделанные советскими фотографами, также вошли в золотой фонд мировой фотографии.
Специальность Техника и искусство фотографии
О специальности:Сегодня нам ничего не стоит достать из кармана мобильный телефон и сделать пару десятков снимков. А весь процесс получения картинки максимально доведен до автоматизма и среднестатистический человек с фотоаппаратом в руках по этой самой причине даже не задумывается о том, что происходит, когда он одним нажатием кнопки активирует затвор фотоаппарата.
«Днем рождения» фотографии принято считать 7 января 1839 года. В этот день Парижская Академия наук заслушала сообщение об открытии художника Луи-Жака Манде Дагера. Он предложил надежный способ проявления и закрепления скрытого изображения на серебряной пластинке. Дагером был сделан фотонатюрморт, который был отдан на хранение в Лувр. Достижению Дагера предшествовали опыты Жозефа Нисефора Ньепса и Вильяма Фокса Генри Тальбота, имена которых также неразрывно связаны с изобретением способа получения прочного изображения на светочувствительном слое.
Исторически первым видом фотографий были черно-белые. Затем появились цветные снимки. Это произошло в середине XIX века. Тогда снимки получались благодаря так называемой трехцветной технологии. На протяжении многих лет этот метод усовершенствовался, вносились определенные существенные изменения. Делалось это для того, чтобы повышать чувствительность, получать более качественные снимки. Первые фотоаппараты были пленочные. Считается, что профессиональные и наиболее качественные снимки можно получить именно пленочным аппаратом.
Несмотря на это, сейчас получили широкое распространение цифровые фотоаппараты. Появилась технология цифрового фото относительно недавно – в 1981 году. Но полноценная цифровая камера вышла в свет еще позже – в 1990 году. В таких аппаратах есть специальная матрица, которая фиксирует поток света и преобразует его в цифровую форму.
Live Photos
На первый взгляд всё выглядит как обычная фотография.
Но если установить в свой телефон нужное приложение и активировать QR-код, а потом навести телефон на бумажное фото, то фотография «оживает».
Напоминает двигающиеся фотоснимки из «Гарри Поттера».
Подробнее узнать и, если понравится технология, то и заказать оживающее фото можно здесь — Фабарт.ру.
Фотография — настоящее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке.
В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с «мыльницей».
Доступность этой техники ещё конечно не означает, что каждый, кто его имеет, владеет искусством фотографии. Часто имея ОЧЕНЬ хороший фотоаппарат можно делать ОЧЕНЬ посредственные снимки. И наоборот, имея простую мыльницу, можно делать поистине шедевры, которые тянут на настоящее искусство фотографии. Почему так происходит?
Дело в том, что человек фотографирует так, как он видит мир.
От фотографа-художника требуется тщательная избирательность, особое личностное «видение», позволяющее отличать достойное внимания от внешнего, случайного, неполного.
Не каждый отснятый кадр становится художественным произведением и, очевидно, не каждая плёнка даёт удачное фотопроизведение. Так же, как художник постоянно, ежедневно делает эскизы, фотохудожник тренирует свой глаз, своё фотовидение мира. Ежедневная работа позволяет отшлифовать технику исполнения и выработать устойчивые принципы морально-этического и эстетического отношения к возможным объектам фотоискусства.
Фотохудожник должен обладать множеством качеств. Он должен быть психологом, постигать характер портретируемого, уловить момент его самораскрытия, уметь находить сокровенное самоизъявление в позе, мимике, выражении лица, фоне и ракурсе подачи, чтобы полнее раскрыть его внутренний мир и своё отношение к нему.
Фотограф должен обладать глубоким знанием жизни, различных её сторон. Нельзя высокохудожественно снять разливку стали в мартеновском цехе, не представляя себе, хотя бы в общих чертах, технологии этого процесса. Фотограф обязан быть исследователем.
Искусству фотографии нужно учиться.
Для того чтобы снимки стали оживать и передавали атмосферу того события, которое на них запечатлено, фотограф просто обязан обладать чувством стиля, видеть то, что невидно никому из окружающих, находить нестандартные, необычные моменты в самых заурядных на первый взгляд вещах.
Настоящее искусство фотографии — это уникальное фото, а не гора дублей
В процессе обучения студент освоит:
- историю изобразительного искусства;
- рисунок с основами пластической анатомии;
- компьютерные технологии в фотографии;
- технику и технологию фотосъемки;
- экономику и управление фотоорганизацией;
- художественную фотографию;
- рекламную фотографию;
- бизнес-планирование.
Искусство фотографии
Отдел технико-экономической и сельскохозяйственной литературы Псковской областной универсальной научной библиотеки представляет выставку «Искусство фотографии» из цикла «От увлечения к мастерству».
Книжная выставка работает с 1 по 30 апреля по адресу: ул.
Вокзальная, д. 48.
«Фотография — это своего рода зримая литература. Снимая, ты делаешь нечто осмысленное: выстраиваешь кадр, что-то в него включаешь, что-то убираешь.
Хороший фотограф — тот, кто лучше других строит кадр.
И кто умеет положиться на случай, но тут мы уже вступаем во владения сюрреализма.
Каждый раз, беря в руки фотоаппарат, я видел, как соединялись вместе два-три несовместимых элемента:
скажем, тень от стоящего человека
похожа на большого черного кота.
И если кому-то удается такое запечатлеть, я называю это чудом. По сути, я занимаюсь литературой — фотографирую метафору: человека, тень которого — кот.
Думаю, я пришел к фотографии по литературной дорожке»
Аведон Ричард (1923 — 2004), американский фотограф
Отдел технико-экономической и сельскохозяйственной литературы представляет выставку «Искусство фотографии» из цикла «От увлечения к мастерству».
Искусство фотографии — один из самых замечательных видов искусства в современном мире. Возможность остановить течение времени на великолепном моменте, выразить свои эмоции и чувства фотоснимком — вот в чем заключается умение фотографировать. Увлекаясь фотографией, вы начинаете смотреть на мир совершенно другими глазами, открывая для себя все больше новых границ. Запечатлеть красивый цветок так, чтобы человек, который будет просматривать снимки, почувствовал его запах — это истинное искусство фотографии, для этого стоит научиться фотографировать.
Людям, которые только начинают знакомиться с фотографией, это кажется довольно простым занятием. Но фотоаппарат это всего лишь средство для создания картинки, и уже мастер делает из нее не просто снимок, а целую историю.
На самом деле, фотоискусство кроет в себе массу тонкостей и нюансов. Слово «фотография» с греческого переводится как «светопись» — рисование светом. Вся технология создания фотоснимка заключается в поиске правильной композиции, подходящего освещения и самой фотографии.
Все это определяет сам фотограф, опираясь на свои навыки, умения и вкус.
Любая фотография, которая передает творческое видение фотографа и несет в себе некую идею, является прекрасным примером искусства фотографии. Книги, находящиеся в нашем отделе помогут Вам стать истинным фотографом, мастером фотографии, научиться строить структуру кадра, добиваться единства линий, форм, фона и фактур.
Некоторые из книг, представленные на выставке:
Мураховский, В. И. Азбука цифрового фото / В. Мураховский. — Москва : Питер, 2006. — 143 с.
Эта книга — вводный курс в мир цифровой фотографии. В ней рассмотрены устройство и технические особенности фотоаппаратов, рекомендации по технике съемки, основы хранения и компьютерной обработки отснятого материала, вопросы печати и публикации цифровых фотографий, в том числе и в Интернет. Это отлично иллюстрированное издание открывает мир цифровой фотографии, позволят сделать первые шаги на пути к мастерству и совершенству.
Ремезовский, В. Цифровая фотография. Просто и доступно : самоучитель / В. Ремезовский. — Москва : Питер, 2006. – 318 с.
Данная книга предназначена для всех, у кого имеется цифровой фотоаппарат. В ней приведено описание основ фотографии и даны практические советы для получения снимков максимального качества. Помимо этого, вы научитесь редактировать цифровые изображения с помощью программы Photoshop, производить их цветовую коррекцию, применять интересные эффекты, печатать фотографии на принтере и сканировать их.
Соколов, И. В. Фотодело / И. В. Соколов. — Ростов-на-Дону : Феникс, 2012. — 352 с.
Если вы новичок в фотоделе, эта книга преподаст вам основы фотографирования. Если у вас есть опыт, она расширит ваш кругозор. В любом случае книга поможет вам при решении многих проблем при овладении фотоделом. Книга рассчитана на читателя, знакомого с тайнами фотографии только понаслышке. Легкая и доступная форма изложения позволит начинающим быстро разобраться в процессе съемки и обработки фотоматериалов.
МакУинни, Э. Полный курс фотографии : практическое руководство по совершенствованию мастерства : включая цифровую фотографию / Э. МакУинни. — Москва : Эксмо, 2016. — 219 с.
Передавайте движение! Создавайте превосходные портреты! Получайте потрясающие снимки пейзажей. Овладейте искусством художественной фотографии. Откройте для себя новые творческие направления. В книге вы найдете 355 практических советов и подсказок, которые будут интересны как новичкам, так и профессионалам.
Беленький, А. И. Практическая фотография / А. И. Беленький. — Санкт-Петербург : [б. и.], 2013. — 115 с.
Книга известного фотографа Александра Беленького рассказывает об основах фотографического творчества. Более чем двадцатилетний опыт работы в газетах и журналах двух столиц и зарубежных изданиях позволил автору просто и понятно описать технические приемы, наиболее часто используемые фотографами в работе. Помимо разделов о композиции и выразительных средствах фотографии большое внимание уделяется способам фотосъемки в таких жанрах, как портрет, пейзаж, спортивная и театральная съемка.
Подробно описываются приемы работы со светом: вечерние съемки, солнце в кадре, применение вспышек. Книга иллюстрирована фотографиями автора и его известных коллег.
Петерсон, Б. Как снимать крупным планом : сила макросъемки / Б. Петерсон. — Санкт-Петербург : Питер, 2014. — 144 с.
Перед вами очередная книга знаменитого фотографа Брайана Петерсона, автора мирового бестселлера «Сила экспозиции». В этом издании доступно рассказывается об искусстве макросъемки и работе с крупными планами в фотографии. Автор не только делится своим опытом и дает полезные практические советы по макросъемке, но и проповедует своеобразную философию съемки крупным планом — философию «приближения» (close-up) к фотографируемому объекту и погружения в удивительный макромир, окружающий нас. Книга проиллюстрирована множеством уникальных авторских работ, которые помогут вам освоить увлекательное искусство съемки крупным планом.
Книжная выставка работает с 1 по 30 апреля в отделе технико-экономической и сельскохозяйственной литературы (ул.
Вокзальная 48).
Искусство фотографии мертво? Взвешенный ответ на сообщение Тима… | Чарльз Г. Хаакер | Counter Arts
Менее чем через 200 лет после появления этого явления все еще есть художники, иллюстраторы и графики, многие, если не большинство, сейчас работают в цифровом формате. Тем не менее, мы спорим о том, является ли фотография искусством.
Мы также ссоримся из-за «чистой» фотографии в отличие от «обработанной» или «отредактированной» или (GASP!) «покупной» фотографии.
Я прежде всего фотограф-документалист, и да, я абсолютно согласен с тем, что фотожурналистику и криминалистическую фотографию нельзя манипулировать, ретушировать, клонировать или изменять каким-либо образом, кроме незначительных корректировок цвета и контраста…
… и обрезка .Все книги стилей допускают некоторую обрезку, но я годами утверждал, что обрезка манипулирует изображением еще до того, как изображение будет снято.
Камера имеет рамку, обычно прямоугольную, и 12 дюймов позади камеры принимают решающее решение о том, как лучше кадрировать, обрезать изображение в камере.
Нашими глазами мы не видим мир через раму (кроме окна). У нас есть четкое центральное зрение плюс периферическое зрение примерно до 180°. Когда мы видим что-то своими глазами, мы видим общую картину, контекст.Камеры нет и никогда не было. У камеры есть такая рамка. Фотограф сам выбирает, что поместить в кадр, и, что не менее важно, , что опустить .
Этот выбор делается еще до спуска затвора, и это имеет значение для рассказываемой истории. Если это будет сделано постфактум, это может иметь большее значение. То, что зритель может не увидеть, может быть столь же или даже более важным, чем то, что он/она может увидеть; когда контекста не видно его там нет.
2003 AP Фото Ицуо Иноуэ — монтаж Урсулы Дамен, Der Tagesspiegel. Вверху двое (или более) американских солдат дают воду раненому иракскому солдату во время войны в Персидском заливе.
Очень избирательным кадрированием Урсала Дамен показала, что на снимке может быть изображено либо зарождающееся злодеяние, либо вполне гуманитарный акт. На самом деле вроде бы гуманно, но солдаты не рискуют, отсюда и грозная винтовка. То, что фотограф или редактор решает оставить в кадре или выкинуть, меняет восприятие зрителя.
«Камера не лжет». Кто это придумал — ложь? Фотографии не являются и никогда не были правдой, хотя бы по причине наложения рамки, не говоря уже обо всей цифровой магии, которую мы сейчас можем творить.
Но подделка фотографий не нова со времен цифровых технологий! Это восходит к самому началу. Сэр Артур Конан Дойл глубоко увлекался спиритизмом. Он был абсолютно убеждён, что Элси Райт и Фрэнсис Гриффитс, пара детишек для громкого плача, сумели сфотографировать настоящих фей, честно говоря, ок.1917 г. Фотограф по имени Мюмлер сделал много «духовных» снимков якобы мертвых близких, парящих над еще живыми. Было две школы мысли; они были настоящими, или они были фальшивыми.
Оглядываясь назад, может показаться удивительным, что половина зрителей поверила, что они настоящие.
Что такое художественная фотография?
После восьмичасовой выдержки французский изобретатель Нисефор Ньепс успешно сделал снимок своего загородного поместья.(И вы думали, что вам потребовалось много времени, чтобы инстаграмировать ваше мороженое.) Изображение было сделано в 1826 году с использованием его адаптации камеры-обскуры, и теперь считается первой созданной фотографией.
Создание фотографии было искусством, так как требовало большой точности, проб и ошибок, а также желания воссоздать реальность на одном снимке. Сегодня, учитывая доступность камер и важность, придаваемую документированию реальных событий, современная фотография охватывает широкий спектр стилей, включая коммерческую, фотожурналистику и художественную фотографию.
Напрашивается вопрос: что отличает художественную фотографию от фотографий вашей поездки за границу? Давайте разберемся.
Вскоре после того, как Ньепс сделал свою первую фотографию (позже известную как гелиограф), он стал партнером художника-романтика и гравера Луи-Жака-Манде Дагера (осмелимся повторить это пять раз подряд). Дагер, будучи художником и гравером, был первым, кто создал диораму, так что вы можете поблагодарить его за все эти школьные проекты извергающихся вулканов.
Пара приступила к миссии по совершенствованию процесса захвата изображений, но, к несчастью для Ньепса, это было достигнуто только после его смерти. В 1838 году Дагер создал детальное и единственное в своем роде фотографическое изображение на тщательно отполированном посеребренном листе меди. Впоследствии произведение было названо «дагерротипом». Бедный Ньепс.
Когда фотография считалась изобразительным искусством?
Камера, наконец, стала доступна массам после изобретения простой в использовании камеры Kodak в 1888 году.Изобретение Kodak «наведи и снимай» привело к росту любительских фотографий закатов и семейных поездок на озеро.
Однако примерно в это же время начали формироваться определенные оппозиционные группы, выступавшие за более трудоемкие подходы. Среди тех групп, отстаивающих мастерство в фотографии, была Photo-Secession, которую в 1902 году возглавил инженер, ставший фотографом, Альфред Штиглиц. Работа .
Интересно, что Стиглиц был мужем Джорджии О’Киф, чьи картины с изображением цветов и черепов ( а-ля Artfinder’s Eyedetic) стали знаковыми для периода американского модернизма. Вместе динамичный дуэт стал ответственным за проникновение фотографии в музеи в то время, когда фотографии не считались на том же игровом поле, что и другие формы изобразительного искусства.
Итак, как отличить изобразительное искусство от повседневной фотографии?
Признаемся, линии могут быть немного размыты.Но проще говоря, художественную фотографию лучше всего рассматривать как любой другой вид искусства. Мы будем использовать картину в качестве примера.
Когда вы смотрите на картину, определенные творческие приемы, такие как длинные мазки, могут быть использованы для передачи предполагаемого сообщения.
Штиглиц, как пионер художественной фотографии, известен своими экспериментами с более «живописным» подходом к съемке изображений. Пример этого чудесно изображен на его фотографии «Терминал», где он использовал такие элементы, как дождь и пар, чтобы объединить изображение.
Сегодня манипуляционная фотография (обычно делается с помощью компьютера) или черно-белая проявка фотографии являются методами создания современной фотографии. Делая это, фотографы изобразительного искусства могут адаптировать изображения и сделать их еще более своими, тем самым дополнительно сообщая любые предполагаемые сообщения, которые они могут иметь.
Еще один способ рассматривать фотографии как произведения искусства — посмотреть на то, как они классифицируются. Картины сортируются по художественным направлениям в зависимости от периода времени, когда они были созданы, интересов художников или стиля произведения.То же самое можно сказать и о художественной фотографии. Например, Инна Мосина — сюрреалистка по стилю, который изначально был популяризирован художниками.
Таким образом, фотографию можно считать еще одним средством, которое художники могут использовать для изучения идей и движений, таких как сюрреализм.
Хотя фотографы изобразительного искусства работают в тех же стилях и движениях, что и художники, работающие в других средах, они также могут создавать свои собственные категории. Например, у этих художников популярна документальная фотография, которой нет в картинах.(Не путайте с фотожурналистикой, следите за новостями, почему.)
Чтобы оценить картину, вы также должны учитывать то, что находится за пределами того, что вы видите непосредственно. Коммерческие фотографы и фотожурналисты фотографируют очевидное. С другой стороны, фотографы изобразительного искусства подходят к своему делу после долгих исследований и размышлений и пытаются уловить социальные или политические проблемы, стоящие за предметом изображения. Что наиболее важно, так это зафиксировать свое видение предмета таким, каким его видят они.Поэтому в художественной фотографии есть ощущение, что изображение снимает художник, а не только камера.
Как проявляются художественные фотографии?
В эпоху фотосецессиона ключевым фактором, отличавшим изобразительное искусство от массовой фотографии, было большое внимание, уделяемое ее развитию. Сегодня фотографии обрабатываются одним из двух способов: нецифровым или цифровым.
Нецифровая фотография (менее модный родственник Polaroid) разработана с использованием светочувствительной пленки для создания «негативного» изображения, с которого «позитивное» изображение может быть перенесено на фотобумагу.С другой стороны, цифровая фотография сегодня более широко используется, так как они хранятся в виде файлов JPEG, TIFF и RAW, что значительно упрощает их печать на фотобумаге. Затем фотографии можно распечатать с помощью струйных принтеров (обычно называемых жикле) или с использованием процесса c-типа, который печатает в цифровом виде, но вместо чернил используются светодиоды.
Как и трафаретная печать, это не обычный процесс «щелкни и напечатай».
На первый взгляд фотографии могут показаться моментальным снимком реальности, но когда дело доходит до художественных фотографий, это нечто большее, чем кажется на первый взгляд.
Как и картины, фотографии можно анализировать. Гораздо больше, чем просто фотография, не так ли? Взгляните на фотографии изобразительного искусства, сделанные художниками Artfinder, и посмотрите, что вы можете открыть для себя.
Еще художественная фотография
*Обложка предоставлена Филиппо Минелли
Чем выделяется художественная фотография?
clientIdentifier : UlVON1ZFSkQ0ZkRFQk9EK21TdmZ6T3Q2aUdmbEtqNGM2RGprWncrZzI2b002bVJrUVpNU3FzaXU4NTV4SFZ3THB6Q0l4aXpscjNhQTNjMlI1cFM4MWZDVmpxMXpTUEdiMUhpRk95OG5o ( [0] => 105505 )
Вы помните, когда в последний раз вас резко останавливало изображение? Художественная фотография настолько визуально и эмоционально сильна, что потребовала , чтобы вы остановились и задумались? Как насчет песни? Рисование? Даже поесть? Я никогда не забуду, как впервые стоял перед одной из огромных красных картин Марка Ротко.
Мне казалось, что он протянул руку и схватил меня за душу. У меня мурашки по коже, когда я вспоминаю этот момент.
Элементы, которые больше всего влияют на нас в художественной фотографии, часто необычайно просты, но то, что им не хватает сложности, компенсируется смелыми точками зрения. Они требуют какой-то реакции, к лучшему или к худшему. Эдвард Уэстон создал то, что я считаю одной из величайших фотографий изобразительного искусства, когда-либо сделанных. Его предметом для этого изображения был болгарский перец в миске.
Значимое и эффектное искусство не обязательно должно быть сложным.Так обстоит дело с классическим изображением болгарского перца в миске, сделанным знаменитым фотографом изобразительного искусства Эдвардом Уэстоном примерно в 1930 году. © Edward Weston/Courtesy of Sotheby’s Как мы можем использовать эти наблюдения и извлекать из них уроки, чтобы применять их в нашей собственной художественной фотографии? Какие элементы составляют эти простые, но глубокие произведения искусства? Давайте исследуем это.
[Читайте: баланс между работой и отдыхом, чтобы найти свой творческий стиль в фотографии]
Что значит создавать художественную фотографию?Чтобы ответить на этот вопрос, нам сначала нужно задать другой, более простой вопрос: что такое художественная фотография?
Одно из определений «изобразительного искусства» дается следующим образом: «Изобразительное искусство развивается в первую очередь для эстетики или красоты, в отличие от декоративно-прикладного искусства, которое также должно выполнять некоторую практическую функцию.
Другими словами, изобразительное искусство — это нечто, созданное для удовольствия от переживания самой вещи. Художественная фотография лишь немного более конкретна. Художественная фотография сводится к намерению, стоящему за работой — идее, вопросу, замыслу. Это приводит нас к тому, как.
Искусство настолько личное для творца, и это отличает искусство от мастерства.
Искусство и мастерство могут идти рука об руку, но мастерство — это инструмент, которым может пользоваться художник; это не определяющий фактор величия или воздействия созданного искусства.Искусство — это то, что у тебя в голове.
[Читайте: продвигайте свою творческую фотографию с помощью серий и испытаний]
Итак, что в твоей голове? Это то, что вы должны задать себе, создавая идею для своей художественной фотографии. Как только вы поймете, что вами движет, вы сможете воплотить эту идею в образы.
Если я создаю сериал, мне нравится устанавливать правила для всей этой работы, набор констант и переменных, на которые я полагаюсь, чтобы придать сериалу непоколебимый характер.Например, для моей продолжающейся серии Body Spaces правила довольно просты:
.- Стреляйте в окружающей среде.
- Никогда не показывать лицо.
- Никогда не показывайте все тело.
Вот и все.
Все остальное на столе и бесплатно для меня, чтобы исследовать и играть с ним, но правила делают его связным.
Если я не создаю серию, а вместо этого работаю над одним изображением или набором, я стараюсь изо всех сил полностью погрузиться в настоящий момент. Я хочу отпустить любые предубеждения и просто снимать, потому что это дает мне жизнь и радость.Иногда я натыкаюсь на что-то, что навсегда меняет ход моего творчества; иногда это полное дерьмо. Каждый раз я чему-то учусь.
Часто говорят, что художник выражает себя. Это может быть правдой, но правильнее будет сказать, что художник находится в поиске.
Чувствуете, что застряли или не знаете, с чего начать свою художественную фотографию? Во-первых, вы должны признать, что художественная фотография во многом связана с игрой и исследованием.Каждая вещь, которую вы делаете, не будет претендовать на то, чтобы стать вашим pièce de résistance или вашим прочным наследием.
Если вы «делаете это ради грамма», то вы, вероятно, почувствуете давление, чтобы все было хорошо, что бы это ни значило. Вы должны отпустить это. Вы должны дать себе пространство для исследования.
[Читайте: фотографирование вашего выхода из творческих препятствий]
Одна вещь, которую я делаю для своей художественной практики, это пробовать новые вещи.Я делаю это как внутри, так и вне художественной фотографии. Если я чувствую себя заблокированным или неуверенным во время съемки, я говорю себе: «Эй, просто играй, получай удовольствие и позволяй себе быть странным». (Кстати, это никогда не подводило меня от съемок.)
Фотография всегда была моим домом, но переход к новым материалам также является большим толчком для моего творческого мозга. В последнее время я много рисую, и это сильно повлияло на мои идеи для художественной фотографии. Эти влияния уже начинают давать о себе знать.
Что можно попробовать, если вы застряли:- Спросите: «Что, если я…?» и попробуй.
- Журнал.
- Красить что угодно.
- Сделать коллаж.
- Попробуйте вверх ногами.
- Сделать все желтым.
- Посмотрим, сможешь ли ты совместить две вещи, которые никогда не должны быть вместе.
Субъективность всегда будет играть огромную роль в мире искусства.Не думайте об этом слишком много. В конечном итоге вы создадите, чтобы угодить другим, если не будете осторожны. Все те вопросы, которые у вас есть к миру, есть и у кого-то еще; если вы ставите эти вопросы в своей работе и делаете это достаточно долго, ваша аудитория найдет вас.
[Читать: Как превратить личные фотопроекты в оплачиваемую работу]
Будьте честны с собой и будьте последовательны. Поделитесь своей работой. Показывайте это миру как можно чаще! Как художник, вы не можете позволить себе быть злейшим врагом самому себе.
Фотографу изобразительного искусства предстоит столкнуться с множеством препятствий. Особенно, если вы пытаетесь получить приличный доход. Это просто правда.
Во время интервью документальному фильму Цена всего, арт-критик Джерри Сальц сказал: «Художник должен, должен, должен стать абсолютным врагом зависти! Если вы этого не сделаете, он съест вас заживо!» Зальц часто проповедует это. Позже в твиттере он сказал: «Зависть может смотреть только наружу. Он не может смотреть внутрь».
Одно дело — найти вдохновение или даже подражать.Таких часто даже поощряют! И совсем другое — завидовать кому-то или их положению. Это скользкий и опасный путь к постоянной неуверенности в себе и цинизму.
[Читать: имитация фотографии против вдохновения и как найти свой голос]
Итак, будьте добры к себе и предоставьте пространство для изучения того, что вас привлекает. Не усложняйте свои концепции без веской на то причины.
Наконец, я оставлю вас с несколькими фотохудожниками, которыми я восхищаюсь, и другими ресурсами, которые должен учитывать каждый художник:
Фотографы современного изобразительного искусства:
Книги по фотографии:
Документальные фильмы:
Приложения:
- Oblique Strategies (Если это сработало для Дэвида Боуи, это сработает и для вас)
- W1D1 (Практики в творчестве)
- DailyArt (Ежедневные знания и вдохновение от классики) 9014 Крис Дэниэлс – фотохудожник и портретист, а также писатель из Сиэтла.
Как фотография стала искусством
Хотя фотография быстро стала популярной после ее изобретения, в основном она считалась ремеслом, а не видом искусства. Почти сто лет ему не было места на художественных выставках или в художественных галереях, а фотографы считались только техниками, а не художниками. Однако это изменилось с появлением таких новаторов, как Альфред Штиглиц и Ансель Адамс, которые преобразовали восприятие фотографии и возвысили ее до уровня изобразительного искусства.
Ansel Adams, Evening, McDonald Lake, Национальный парк Глейшер , 1933-1942, Национальное управление архивов и документации
Фотографы считали себя художниками задолго до появления Альфреда Штиглица, но мир искусства таковым не считался. Штиглиц был первым, кто представил фотографию в художественных галереях в 1900-х годах, сначала основав свою собственную, которую он назвал «Маленькие галереи фото-сецессиона» в 1905 году, а затем «291» с 1908 года.
Именно в галерее Штиглица фотографии впервые были выставлены вместе с картинами и скульптурами и получили тот же статус, что и произведения искусства.К ним, конечно же, относились собственные изображения Штиглица, которые своей композицией и качеством доказывали, что фотографии могут не только делать то же, что и картины, но и быть самостоятельными уникальными произведениями искусства.
Альфред Штиглиц, Венецианский канал , 1894 г. (напечатано в 1897 г.), Художественный институт Чикаго
Альфред Стиглиц, The Steerage , 1907, Музей Джорджии О’Киф, Нью-Йорк
Именно в галерее Штиглица современные художники впервые осознали потенциал фотографии как вида искусства.
Одним из лучших примеров является Ман Рэй, который открыл для себя фотографию благодаря Штиглицу и впоследствии стал одним из самых разносторонних фотографов 20-го века, особенно известным своим визуальным каламбуром на скрипке Энгра.Сам Штиглиц никогда не переставал вводить новшества, создавая необычные портреты, такие как серия на руках его жены, художницы Джорджии О’Киф, и почти абстрактные работы, такие как его серия фотографий облаков и неба Equivalents , которые часто были нетрадиционно ориентированы. .
Альфред Стиглиц, Джорджия О’Киф: портрет , 1919, Музей Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес
Альфред Штиглиц, Эквивалент , 1925, Коллекция Альфреда Штиглица
Альфред Штиглиц, Эквивалент , Серия XX № 3 , Коллекция Альфреда Штиглица 1929 года
Еще одна крупная фигура в развитии художественной фотографии — Ансель Адамс. Его работа не только открыла новые эстетические горизонты, но и поддержала раннее экологическое движение в Соединенных Штатах.
Он также разработал новую систему управления экспозицией и контрастностью, которая придавала его фотографиям четкость и глубину, редко встречавшиеся ранее.Во многом он расширил работы мастеров, которые рисовали величественные огни великой американской дикой природы, и в процессе установил новый стандарт пейзажной фотографии.
Ansel Adams, The Tetons and the Snake River , 1942, Национальное управление архивов и документации
Ансель Адамс, Маунт-Уильямсон, Сьерра-Невада из Мансанара, Калифорния , 1944, Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Ansel Adams, Church, Taos Pueblo , 1942, Национальное управление архивов и документации
Кроме того, сотрудники Ансела Адамса основали Отдел фотографии Музея современного искусства в Нью-Йорке, что оказало важное влияние на восприятие фотографии в мире искусства.Здесь впервые были выставлены некоторые работы Адамса, в том числе одна из его самых ярких фотографий:
.Ansel Adams, Moonrise, Hernandez, New Mexico , 1941, © The Ansel Adams Publishing Rights Trust
К началу 1940-х годов фотография официально стала формой искусства в Соединенных Штатах, и вскоре она получила такое же признание в Европе и за ее пределами.
Многие другие внесли свой вклад в развитие фотографии как формы искусства с момента ее изобретения в 1820-х годах, но Альфред Стиглиц, Ансель Адамс и их сотрудники внесли в это развитие наиболее значительный вклад.
С конца 19 века по первую половину 20-го их творчество навсегда изменило восприятие фотографии. Самое главное, они принесли фотографию в мир художественных галерей и музеев, где раскрыли ее истинный потенциал через новаторскую работу.
Так фотография стала искусством.
Художественная фотография: когда «реальность недостаточно хороша»
Основные моменты
- Цифровые манипуляции появились 10 лет назад и изменили ландшафт художественной фотографии
- Фотографы начинают отказываться от использования манипуляций как все
- Новая тенденция «органической» фотографии на подъеме
В век Instagram и смартфонов кажется, что каждый может стать художником.
Добавьте фильтр к своей захламленной концертной фотографии, и изображение внезапно превратится в ностальгическую, угрюмую сцену прямо из журнала Rolling Stone.Тенденция, проявляющаяся в социальных сетях, является отражением того, что происходило в мире коммерческой и художественной фотографии за последнее десятилетие.
Некоторые фотографы применили к фотографии все фильтры и техники постобработки и назвали результат искусством.
Проблема заключалась в том, что сами изображения, основа представленного искусства, с самого начала были не очень хороши, сказал отмеченный наградами коммерческий фотограф Дэвид Аллан Брандт.Ожидалось, что технологии сделают посредственное выдающимся.«Я всегда считал, что вы должны начать с образа, сделать его как можно более сильным, а затем использовать стиль для усиления видения, которое вы пытаетесь выразить», — сказал Брандт.
Но что происходит, когда ты можешь все?
Эпоха цифровых технологий сделала это возможным и предложила художникам способ воплотить в жизнь образы, которые раньше существовали только в их воображении.
Когда Брандт демонстрирует изображение человека, висящего на днище самолета, несущегося в верхних слоях атмосферы, он хочет, чтобы люди усомнились в его реальности.
Мозг за вашими зрительными рецепторами знает, что человек не смог бы выжить, но для Брандта важным аспектом является то, что у человека есть воображаемое качество, чтобы спросить, как это сделать.
«Как художник, вы все равно должны получить это качество, неосязаемое воображение, которое заставляет людей задаваться вопросом, как, даже если они знают. Что-то в органическом ощущении дает ему это качество», — сказал Брандт.
Зрители коммерческой и художественной фотографии теперь предполагают, что изображения были сфабрикованы, независимо от того, подвергались ли они ретуши.
«Это похоже на то, что реальность недостаточно хороша; ее нужно поднять на другой уровень полировки и выражения», — сказала Сара Лин, старший фоторедактор National Geographic, о коммерческой фотографии.
Принципы фотожурналистики требуют, чтобы она никогда не делала ничего, кроме кадрирования или, возможно, настройки цветового профиля изображения.
«Я не возражаю, потому что это не попытка выдать себя за реальный или документальный фильм. Я ценю мастерство, необходимое для создания этих волшебных образов художественной фотографии, и я знаю, что это такое.»
«Гиперцифровое качество», свидетелем которого стал Брандт в профессиональном искусстве, возможно, уходит в прошлое. Брандт был судьей конкурса журнала Communication Arts 2012 года, который ежегодно выбирает одни из лучших фотографий в мире.
После просмотра Художники так долго делали акцент на инструменте, а не на изображении, что работы этого года отражали новое видение. сказал.«Они снова начали думать об изображении с художественной точки зрения. Органическое ощущение фотографии сейчас становится все более тенденцией».
Патрик Койн, редактор Communication Arts, также стал свидетелем этого изменения, которое он называет зрелостью арт-фотографов, отказавшись от использования технологий. По словам Койна,Photoshop CS, выпущенный в 2003 году, стал своего рода технологическим прорывом, который заставляет художников перебарщивать, а затем отступать.
Это часть кривой обучения художников.Полный доступ к программному обеспечению для манипулирования и Интернету дал каждому возможность увидеть все и расширить свое видение.Но из-за того, что люди могут значительно улучшить изображения с помощью цифровой ретуши, технология помешала этой идее. Койн признает, что видел великолепные произведения искусства, сделанные на iPhone, но речь идет о мастере, использующем инструменты, а не только доступные инструменты.
Невзирая на технические аспекты фотографии, которые резко меняются из года в год, Койн поддерживает конкуренцию в отношении привлекательных изображений.
«Я думаю, что есть потребность в большем ощущении реализма в реакции на все цифровые манипуляции, которые мы видели», — сказал Койн.
Обучение настоящему искусству фотографии
Фотографам и преподавателям фотографии также приходилось анализировать переломный момент, когда «Photoshop становится пластиковой игрушкой, а не настоящим добросовестным средством, которое позволяет вам стать творческим», — сказал он. Брайан Петерсон, коммерческий фотограф и создатель школы фотографии Picture Perfect.Он сказал, что расстраивается, когда ведет семинар для студентов, которые не понимают, что им нужно работать, чтобы создавать изображения в первую очередь. Инструменты Photoshop, такие как Content-Aware Fill из версии CS5, позволяют людям удалять что-либо с фотографии одним щелчком мыши.
Несмотря на то, что время от времени он полезен, Петерсон создал «визуально ленивых фотографов». Вместо того, чтобы снимать сцену на камеру или переснимать, чтобы исправить ошибку на месте, они предпочитают брать плохое изображение и обрабатывать его в Photoshop.
«Я лучше займусь любовью с женщиной, чем буду смотреть порно», — сказал Петерсон. «Это действительно органичный опыт. Когда вы сидите перед компьютером, это стерильная среда, и в результате вы не можете красноречиво говорить о том, что происходило, когда вы делали этот снимок».
Благодаря таким ресурсам, как Google Images, которые показывают нам все, что мы хотим видеть, фотографы также не знают, что документировать.
По словам Лиз Дарлингтон, фотографа изобразительного искусства и профессора Саваннского колледжа искусств и дизайна, несколько факторов определяют новый мир художественной фотографии. И что делает художественную фотографию искусством после наступления цифровой эпохи?Дарлингтон считает, что среди миллиардов и миллиардов изображений изменилось то, как мы оцениваем их качество. Фотографы должны ставить концепцию на первое место и думать о своей работе как о совокупности работ, а не о чудесах с одним ударом.
«Я думаю, что это самое большое изменение в мире искусства», — сказал Дарлингтон. «Они хотят видеть, что у фотографов есть постоянство взглядов. Именно этого не хватает на этих сайтах Flickr: много красивых картинок, но ничего, что отражало бы замысел художника.Намерение человека, делающего снимок с помощью iPhone и запускающего его через Instagram, сильно отличается от намерения человека, долго работающего над идеей и снимающего с намерением».
«Многие из них думают, что если они смогут применить все правильные фильтры, скомпоновать и изменить освещение и экспозицию постфактум, то станут отличными фотографами.
Фотография стала настолько легкой, что многие студенты не осознают, насколько это феноменально сложно.»Сущность манипуляции
Большинство людей, использующих Photoshop, не думают об истории, но многие приемы, доступные в программе, были созданы классическими фотографами.
Майк Меллиа, молодой фотограф, который находит себя на перекрестке коммерческой и художественной фотографии, изучил историю своего ремесла.Ансель Адамс, один из величайших фотографов 20-го века, ретушировал свои изображения. уклоняйтесь от яркого света, чтобы создавать впечатляющие черно-белые фотографии.
Mellia сравнивает это с современной HDR, или фотографией с высоким динамическим диапазоном, которая расширяет ограниченный диапазон камеры, накладывая одну и ту же фотографию, сделанную с разной экспозицией. Осветление и затемнение — это инструменты в Photoshop, которые также используют цифровые фотографы.
Адамс, пианист, считал, что фотографы должны использовать каждую часть процесса для создания изображения.
«Он сказал, что негатив с вашей камеры — это музыкальная партитура, и она говорит вам, куда идти», — сказала Меллия.«Когда вы делаете отпечаток, вы идете в фотолабораторию, и это фактическое исполнение музыки».
Меллиа считает, что акцент на освещении его драматических фотографий, напоминающих съемочную площадку, основан на изучении таких художников, как Вермеер, который концептуализировал свет так, чтобы его произведения искусства соскакивали с холста.
Брандт отмечает, что фотография развилась из долгой истории форм искусства, нарисованных портретов и реализма, направленных на отображение реальности. Фотография помогла уменьшить это качество искусства, и в ответ на это появились абстракционистские картины.
«Одно из направлений фотографии — экспрессионизм, — сказал Брандт. «Это может изменить фотографию так же, как фотография изменила живопись».
Новый вид органической фотографии
Глядя на один из отпечатков озера Мэтью Брандта, вам может потребоваться минута, чтобы увидеть объект сквозь головокружительно красочную дымку, но он присутствует во многих отношениях. На фото озеро тоже окунается в озерную воду. См. больше работы Мэтью Брандта в блоге CNN Photos«Есть органический процесс, который мне нравится использовать в манипуляциях», — сказал он.«Для меня речь идет о сохранении определенного уровня объективности и достоинства того, что я пытаюсь представить».
Брандта, сына Дэвида Аллана Брандта, которого недавно назвали одним из «30 Forbes’ моложе 30» за его уникальный подход к художественной фотографии, часто спрашивают: «Как вы считаете, теперь любой может делать отличные фотографии?»
Вместо того, чтобы задаться вопросом, умерла ли фотография, Брандт считает, что это заставляет фотографов работать еще усерднее, чтобы делать фотографии, которые не похожи на изображения, которые кто-то может сделать на свой iPhone, не зная ремесла.
Дарлингтон был свидетелем того, как художники создавали фотографии, которые, кажется, были сняты несколько десятилетий назад, и которые также несут в себе врожденное несовершенство. Это способствует поиску неуловимой органической фотографии.
«Я думаю, что речь идет о оплакивании потери старых процессов, которые были несовершенными», — сказала она. «У вас был только один шанс сделать это правильно. Речь идет о замедлении процесса и возвращении к видению».
Брандт видит намерение своих сверстников создавать «случайные образы.» Это заставляет зрителя не сомневаться в технике художника, но поскольку вариантов манипулирования так много, почему на фотографии использован именно тот?
Он чувствует, что является частью чего-то, качели, в которой фотография сочетается с абстракцией.
«Художники думают о тех самых материалах, которые они используют в фотографии, — сказал он. — Это не ностальгия, а забота о ремесле фотографии, потому что в цифровом виде она превращается в нули и единицы».
Как вы относитесь к цифровым манипуляции в фотографии? Является ли это неотъемлемой частью или препятствием? Дайте нам знать, что вы думаете в комментариях ниже.
PRO-Files: Зарабатывайте на жизнь художественной фотографией | Сони
Большинство фотохудожников проводят годы своего становления, отрабатывая приемы, которые позволяют им создавать работы, достойные того, чтобы их можно было повесить на стены.
Они овладевают композицией, освещением и техникой печати, что делает их великими мастерами, не говоря уже о развитии видения, которое превращает их в настоящих художников. Однако чего они обычно не делают, так это не изучают бизнес по продаже произведений искусства.Фотографы могут быть настолько сосредоточены на борьбе за создание отличных работ и на то, чтобы их заметили, что никогда не задумываются об изучении нюансов различных рынков.Это то, чему мы учимся, делая, и часто делая это неправильно. Это верно для всех типов фотографов, но только для художников, которые продают отпечатки, чтобы заработать себе на жизнь.
Когда целью является продажа гравюр, разве не выгодна любая возможность быть замеченной? Не обязательно. То, как выглядит подходящая возможность, отличается для каждого фотографа и меняется в зависимости от этапов его карьеры. Однако важно, чтобы фотографы сначала нашли время, чтобы обдумать свои цели, чтобы определить, где они хотели бы быть в долгосрочной перспективе, и, таким образом, какие пути, вероятно, приведут их туда.
Когда дело доходит до продажи отпечатков, необходимо учитывать одно основное различие: стремится ли фотограф к признанию в мире изобразительного искусства или просто хочет связаться с потребителями, которые будут покупать отпечатки и получать прибыль?Галеристы и потребители
Не все возможности продажи произведений искусства одинаковы. С одной стороны, это веб-сайты и местные художественные ярмарки, которые позволяют фотографам продавать отпечатки розничной аудитории. С другой — дилеры, которые продвигают своих художников в другие галереи и среди более эксклюзивной клиентуры.Любой из них способен продать вашу работу, но какой должен? Можно оба?
Потребительский рынок требует продажи большего количества произведений по обычно более низким ценам и поиска ниши, которая нравится широкой аудитории. Самым большим преимуществом розничной продажи является возможность для художника устанавливать цены, оставлять себе всю прибыль и делать это без чьего-либо разрешения. По этим причинам начинающему художнику легче увидеть свою работу, когда аудитория является розничным потребителем.
Однако в мир галереи требуется доступ. Чтобы прорваться, необходимо разработать премиальный бренд, развивать уникальную перспективу, создавать репутацию и продавать работы более мелкой клиентуре через горстку привратников, которые берут свою долю, хотя эти работы обычно продаются по более высоким ценам. И хотя художники могут ожидать, что арт-дилеры помогут им в их путешествии, в действительности сотрудничество зачастую оказывается менее плодотворным, чем можно было бы ожидать. Элементарные различия в том, как работа позиционируется для этих разных аудиторий, делают маловероятным, что один художник добьется успеха, пытаясь одновременно следовать двумя путями.Выбор подхода, который предпочитает художник, зависит от его индивидуальных целей и в конечном итоге становится неотъемлемой частью построения процветающего фотобизнеса.
Понимание рыночных тонкостей
По словам карьерного тренера и защитника интересов художников Кэролла Михелса, художнику необходимо понимать разницу между требованиями галереи и потребностями потребительского рынка.
«Если художник проводит всю свою карьеру только в угоду вкусам потребительского рынка, — говорит Михелс, — маловероятно, что он получит уважение и признание со стороны мира изобразительного искусства.Если художник сосредоточен исключительно на потребительском рынке, сторонние сайты могут быть полезными, но на большинстве сайтов требуется какая-то плата или комиссионные с продаж, а цены на произведения искусства, как правило, очень низкие. Некоторые платформы социальных сетей могут генерировать продажи, но цены на проданные работы, как правило, не превышают 500 долларов».
Сторонние розничные веб-сайты включают Society6, Artnet и даже Amazon. Многие художники продают свои работы потребительской клиентуре через Facebook, Twitter и Instagram, и, хотя галеристы также используют социальные сети для продвижения своих художников, существует явная разница между дилером, осуществляющим продажу, и художником.Дилеры не хотят конкуренции, особенно со стороны артиста, продающего напрямую, и ценят эксклюзивность.
Обслуживание потребительского рынка этого не обеспечивает.Не менее важно понимать различия между этими двумя мирами. Небольшие региональные художественные ярмарки, например, привлекают иных клиентов, чем крупные международные выставки. В мире изобразительного искусства платные «галереи тщеславия» взимают плату с художников за выставку, в отличие от тех, которыми управляют дилеры, стремящиеся зарабатывать деньги на своих художниках, а не на них.Эти различия влияют не только на то, как фотограф может продавать свои работы, но и на то, что, как и даже почему он решает их создавать.
Фотограф, чья цель — проникнуть в мир изобразительного искусства, может полагать, что поиск галерейного представительства — это решение всех его проблем. Это чрезмерное упрощение. Фотографы должны найти галеристов и дилеров, чьи потребности и желания совпадают с их собственными.
«Основной целью многих дилеров является быстрое выполнение работы, — говорит Михелс, — и, к сожалению, низкие цены коррелируют с быстрым получением денег.
Ценовая политика многих дилеров в основном отражает сумму денег, которую, по их мнению, их клиенты потратят на искусство. Немногие дилеры понимают, что они могли бы продать больше работ и по более высоким ценам, если бы они нашли время, чтобы помочь своим клиентам понять видение художника и многослойный процесс и строгую дисциплину, связанные с созданием визуального искусства. Большинство дилеров устанавливают диапазон цен, основываясь на слухах других дилеров, или попадают в ловушку, веря в миф о том, что работы неизвестных художников малоценны.«Часто, — продолжает она, — художники прислушиваются к корыстным советам дилеров по ценам, ошибочно полагая, что дилеры знают лучше. Советовать художникам отложить принятие решения о цене на усмотрение дилеров — распространенная ошибка художников и других представителей мира искусства». Другими словами, знайте себе цену. Это не проблема, которая ограничивается галереями. Работа на арт-ярмарках может убедить голодного молодого фотографа в том, что его репродукции стоят меньше, чем работы в галерее, хотя на самом деле единственное отличие может заключаться в том, что она обслуживает не ту аудиторию.
Добиться представительства в галерее, конечно же, непросто. Дело не только в том, кого вы знаете, но, что более важно, в том, кто знает вас. «Не существует абсолютно никакой гарантированной формулы того, как взломать мир изобразительного искусства, — говорит Михелс, — но для достижения этой цели необходимы три условия: терпение, настойчивость и отсутствие ожиданий «мгновенного удовлетворения» от маркетинговых усилий. В большинстве случаев мгновенное удовлетворение в мире искусства происходит только во время творческого процесса.
В отличие от безбарьерного потребительского рынка работа с галереями требует времени. А участие в художественных ярмарках, часто полезное по многим другим причинам, не гарантирует, что художника заметят. Кроме того, это не то, чем фотограф с галерейными целями будет упорно заниматься год за годом.
«Когда художники находятся на начальном этапе своей карьеры, — объясняет Михелс, — участие в выставках на местных площадках может быть полезным для получения выставочного опыта, но оставаться региональным художником может быть поцелуем смерти.
Крайне маловероятно, что выставка в маленьком городке даст вам то, что вам нужно от куратора, арт-консультанта, галереи или широкого круга коллекционеров произведений искусства».Михелс говорит, что некоторые известные художественные ярмарки могут быть особенно полезными, поскольку они предлагают не только продажи, но и знакомство с аудиторией галерейного типа. Остерегайтесь, однако, ярмарок, предназначенных для извлечения выгоды из других престижных событий, просто взимая плату с художников за выставку в непосредственной близости от большого шоу.
«В зависимости от места проведения, — говорит Михелс, — художественные ярмарки могут играть важную роль в продаже работ, но у меня есть особое яблоко раздора с второстепенными художественными ярмарками, крупными ярмарками-«хочу быть», которые проводятся в больших городах и те, которые пытаются прикрепить свое имя к крупным ярмаркам, арендуя стенды в отдельном комплексе, но в географической близости от «большого папочки».Подобно галереям тщеславия, но в отличие от крупных художественных ярмарок, ярмарки «хочу быть» взимают с художников плату за участие.
К сожалению, многие художники соглашаются на это условие, но блеклые результаты, вложенные в несколько тысяч долларов для участия во вторичной художественной ярмарке, нередко разочаровывают и унизительны. Вывод: рассматривайте возможность участия в арт-ярмарке только в том случае, если все расходы оплачивает арт-дилер».По словам Михелса, одной из основных трудностей в привлечении внимания авторитетного арт-дилера является присущее этой публике неприятие риска.«Очень немногие арт-дилеры настолько уверены в себе, что художник талантлив и станет «верной ставкой», — продолжает Михелс. «Они должны услышать это от других людей, прежде чем взять на себя обязательство представлять артиста. Для достижения такого типа проверки может потребоваться много времени».
Тем не менее, при наличии терпения и обдумывания фотографы могут добиться успеха в мире изобразительного искусства. И ее совет в этом отношении прост: разработайте сфокусированный маркетинговый подход, разработанный специально для галерей.
«Чтобы привлечь внимание арт-дилеров, необходим маркетинговый план, — говорит она, — цель которого — дать людям понять, что вы существуете. Маркетинговый план должен включать надежные вспомогательные материалы, в том числе дизайн хорошо продуманного веб-сайта, специально предназначенного для мира изобразительного искусства».Кэролл Михелс — отмеченный наградами консультант, карьерный коуч и адвокат художников. Ее книга «Как выжить и преуспеть как художнику» доступна на ее веб-сайте, carolmichels.com. Она также основала The Artist Help Network со множеством дополнительных онлайн-ресурсов для художников на artisthelpnetwork.ком.
Об авторе:
Уильям Савалич сделал свой первый отпечаток в фотолаборатории в десять лет. Он получил степень магистра в Институте фотографии Брукса в Санта-Барбаре, Калифорния. Наряду с портретной живописью, натюрмортами и фотографией по заданию Савалич является заядлым писателем. Он написал сотни обзоров оборудования, статей с практическими рекомендациями и профилей фотографов мирового класса.
Он возглавляет фотоотдел Barlow Productions в Сент-Луисе.Что такое художественная фотография?
Там написано «…использование фотографии как средства творческого самовыражения» .Согласно этому утверждению, многие из так называемых фотографов изобразительного искусства, к сожалению, не должны использовать это звание, поскольку они копируют чужие работы, не имеющие ничего общего с творчеством. Хорошим примером является знаменитый клен в Японском саду Портленда, который привлекал внимание многих из этих фотографов и привлекал внимание на многих домашних страницах. Покупателей заманивают термином «лимитированные издания» того же предмета, предлагаемым многими фотографами. Это все еще Limited Fine Art Photography? Это не ограниченное и не изящное искусство.Если вы, как покупатель, заинтересованы в этих скопированных изображениях, вы должны знать, что покупаете обычную печать, а не ограниченное изобразительное искусство. Кроме того, это изображение клена можно купить в виде дешевой неограниченной печати в одном из этих интернет-магазинов массового производства.
Так зачем тратить все эти деньги на что-то, что не является ни ограниченным, ни изобразительным искусством?Еще один аспект современной так называемой художественной фотографии — перенасыщенность. Чем интенсивнее цвет, тем лучше принты продаются.Это как завернуть дешевый подарок в цветную бумагу.
Изучая текущий рынок художественной фотопечати, я также заметил, что многие продавцы (фотографы) придают большее значение рекламе высокого качества выбранного ими полиграфического материала и обрамления, чем своим уникальным эксклюзивным произведениям искусства, которые никто другой не может предложить.
Ансель Адамс однажды заявил: «Искусство подразумевает контроль над реальностью, ибо сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда применяются определенные элементы управления. Что именно это означает? Здесь Адамс обращается к тому, как художники исторически манипулировали реальностью как средством для достижения цели.
Одним из лучших примеров является Ман Рэй, который открыл для себя фотографию благодаря Штиглицу и впоследствии стал одним из самых разносторонних фотографов 20-го века, особенно известным своим визуальным каламбуром на скрипке Энгра.
Он также разработал новую систему управления экспозицией и контрастностью, которая придавала его фотографиям четкость и глубину, редко встречавшиеся ранее.
Добавьте фильтр к своей захламленной концертной фотографии, и изображение внезапно превратится в ностальгическую, угрюмую сцену прямо из журнала Rolling Stone.
Это часть кривой обучения художников.Полный доступ к программному обеспечению для манипулирования и Интернету дал каждому возможность увидеть все и расширить свое видение.
Брайан Петерсон, коммерческий фотограф и создатель школы фотографии Picture Perfect.
И что делает художественную фотографию искусством после наступления цифровой эпохи?
Фотография стала настолько легкой, что многие студенты не осознают, насколько это феноменально сложно.»
На фото озеро тоже окунается в озерную воду. См. больше работы Мэтью Брандта в блоге CNN Photos
Они овладевают композицией, освещением и техникой печати, что делает их великими мастерами, не говоря уже о развитии видения, которое превращает их в настоящих художников. Однако чего они обычно не делают, так это не изучают бизнес по продаже произведений искусства.
Когда дело доходит до продажи отпечатков, необходимо учитывать одно основное различие: стремится ли фотограф к признанию в мире изобразительного искусства или просто хочет связаться с потребителями, которые будут покупать отпечатки и получать прибыль?
Обслуживание потребительского рынка этого не обеспечивает.
Ценовая политика многих дилеров в основном отражает сумму денег, которую, по их мнению, их клиенты потратят на искусство. Немногие дилеры понимают, что они могли бы продать больше работ и по более высоким ценам, если бы они нашли время, чтобы помочь своим клиентам понять видение художника и многослойный процесс и строгую дисциплину, связанные с созданием визуального искусства. Большинство дилеров устанавливают диапазон цен, основываясь на слухах других дилеров, или попадают в ловушку, веря в миф о том, что работы неизвестных художников малоценны.
Крайне маловероятно, что выставка в маленьком городке даст вам то, что вам нужно от куратора, арт-консультанта, галереи или широкого круга коллекционеров произведений искусства».
К сожалению, многие художники соглашаются на это условие, но блеклые результаты, вложенные в несколько тысяч долларов для участия во вторичной художественной ярмарке, нередко разочаровывают и унизительны. Вывод: рассматривайте возможность участия в арт-ярмарке только в том случае, если все расходы оплачивает арт-дилер».
«Чтобы привлечь внимание арт-дилеров, необходим маркетинговый план, — говорит она, — цель которого — дать людям понять, что вы существуете. Маркетинговый план должен включать надежные вспомогательные материалы, в том числе дизайн хорошо продуманного веб-сайта, специально предназначенного для мира изобразительного искусства».
Он возглавляет фотоотдел Barlow Productions в Сент-Луисе.
Так зачем тратить все эти деньги на что-то, что не является ни ограниченным, ни изобразительным искусством?
